La animación en los Estados Unidos en la era de la televisión
La animación en los Estados Unidos en la era de la televisión fue un período en la historia de la animación estadounidense que comenzó lentamente con el declive de los cortometrajes animados teatrales y la popularización de la animación televisiva a fines de la década de 1950 para 1960, alcanzó su punto máximo en la década de 1970 y terminó a mediados de la década de 1980. Esta era se caracteriza por presupuestos bajos, animación limitada, énfasis en la televisión sobre el teatro y la percepción general de que los dibujos animados son principalmente para niños. Debido a los valores de producción baratos percibidos, la mala animación y la recepción comercial y crítica mixta, esta era a veces se conoce como la edad oscura (o edad de bronce) de la animación americana por la crítica.
La animación televisiva se desarrolló a partir del éxito de las películas animadas en la primera mitad del siglo XX. El estado de la animación cambió drásticamente en las tres décadas que comenzaron con la proliferación de la televisión posterior a la Segunda Guerra Mundial. Mientras que los estudios renunciaron a los dibujos animados cortos teatrales de gran presupuesto que prosperaron en la edad de oro, los nuevos estudios de animación de televisión prosperarían en función de la economía y el volumen de su producción. Muchos personajes populares surgieron de este período, incluidos Scooby-Doo de Hanna-Barbera, Josie and the Pussycats, Captain Caveman y Hong Kong Phooey, He-Man de Filmation, Inspector Gadget de DiC Entertainment. y Marvel Productions' y Sunbow Productions' Los Transformadores. El período llegó a su fin a fines de la década de 1980 cuando muchas compañías de entretenimiento revivieron sus franquicias de animación y volvieron a hacer obras exitosas de alto presupuesto.
De la gran pantalla a la pequeña
Primeros experimentos
Hubo una serie de experimentos iniciales en dibujos animados de televisión de animación limitada. Estas caricaturas generalmente duraban unos cinco minutos y eran de naturaleza episódica, lo que permitía que las estaciones las programaran de manera flexible. Una de las primeras imágenes que se transmitió por televisión fue la de Felix the Cat en 1928. En 1938, el dibujante Chad Grothkopf, experimental de ocho minutos Willie the Worm, citado como la primera película animada creado para televisión, se mostró en NBC. Otro de los primeros dibujos animados producidos expresamente para la televisión fue Crusader Rabbit (1950), una creación de Alexander Anderson y Jay Ward. Soundac, un pequeño estudio de Florida, fue responsable de otro serial de aventuras temprano, Coronel Bleep. A menudo, los programas existentes serían un terreno de lanzamiento para nuevos personajes de dibujos animados. En 1956, el programa Howdy Doody emitió la primera caricatura animada de plastilina Gumby del creador Art Clokey. Sam Singer se ganó cierto grado de infamia por sus esfuerzos en la animación televisiva, que incluyeron una adaptación animada de Las aventuras de Paddy the Pelican (que pudo o no haber llegado al aire) y la serie original Bucky y Pepito, ambos citados como los peores de su tipo. Por otro lado, Terrytoons produjo una serie de cortos animados de larga duración llamada Tom Terrific para el programa Captain Kangaroo, y esta serie fue elogiada por el historiador de cine Leonard Maltin. como "una de las mejores caricaturas jamás producidas para la televisión".
Las caricaturas en la Edad de Oro, como las obras de The Fleischer Brothers y Tex Avery, contenían humor tópico y, a menudo, sugerente, aunque se consideraban principalmente como 'entretenimiento para niños'. por exhibidores de cine. A partir de 1954, Walt Disney aprovechó el medio de la televisión con su propia serie de televisión semanal, Disneyland. Este programa de ABC popularizó su nuevo parque temático Disneyland y comenzó una serie de transmisiones televisivas de dibujos animados de Disney que duró décadas., que luego se expandió al programa Walt Disney's Wonderful World of Color. Si bien Disney reconoció que la economía del medio no podía respaldar sus estándares de producción y se negó a dedicarse a la animación televisiva, aún así ordenó la creación de un personaje exclusivo para la televisión, Ludwig Von Drake. Los segmentos del personaje unirían compilaciones de los cortometrajes teatrales archivados por la compañía como episodios completos.
Especiales y dibujos animados de los sábados por la mañana
A medida que la televisión se convirtió en un fenómeno y comenzó a alejar al público de las salas de cine, muchos programas de televisión para niños incluyeron transmisiones de dibujos animados teatrales en sus horarios, y esto introdujo a una nueva generación de niños a los dibujos animados de los años veinte y 1930 El productor de dibujos animados Paul Terry vendió los derechos de la biblioteca de dibujos animados Terrytoons a la televisión y se retiró del negocio a principios de la década de 1950. Esto garantizó una larga vida para los personajes de Mighty Mouse y Heckle and Jeckle, cuyas caricaturas fueron sindicadas y retransmitidas en bloques de programación de televisión infantil durante los siguientes 30 a 40 años.
A fines de la década de 1950 y 1960, la percepción de los dibujos animados como entretenimiento para niños estaba arraigada en la conciencia pública, lo suficiente como para que el presidente de la Comisión Federal de Comunicaciones, Newton Minow, en su histórico discurso de 1961 'La televisión y el Interés público," denunció el medio de la animación en su conjunto y lo comparó con alimentar a los niños con comida chatarra todo el tiempo. La animación empezó a desaparecer de las salas de cine; mientras que Disney continuó produciendo películas animadas después de perder a su fundador, MGM y Warner Bros. cerraron sus estudios, subcontrataron su animación y se retiraron por completo al final de la década.
La animación en televisión se centró casi exclusivamente en los niños, y la tradición de levantarse temprano para ver los dibujos animados de los sábados por la mañana se convirtió en un ritual semanal para millones de niños estadounidenses. Las cadenas se complacieron en complacer sus demandas proporcionando bloques de programas de dibujos animados de horas de duración. Hanna-Barbera Productions se convirtió en líder en la producción de dibujos animados para televisión para niños. Varios otros estudios produjeron dibujos animados para televisión, como Filmation (Fat Albert and the Cosby Kids, The Archies) y DePatie-Freleng Enterprises (The Pink Panther), pero Hanna-Barbera había desarrollado un bloqueo virtual en los dibujos animados de los sábados por la mañana en la década de 1970. Críticos del estilo de animación limitada de Hanna-Barbera, como Chuck Jones, se refirieron a él despectivamente como 'radio ilustrada'. sin embargo, cuando se cancelaba un programa, el estudio generalmente tenía otro listo para reemplazarlo porque era muy barato de producir.
Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1980, se emitieron varios especiales de televisión animados en horario de máxima audiencia. Debido a que estos dibujos animados de una sola toma se transmitieron durante el horario de máxima audiencia (y, por lo tanto, tenían que atraer tanto a adultos como a niños), tenían que obtener índices de audiencia más altos que sus contrapartes de los sábados y los días de semana. CBS, en particular, permitió que una gran cantidad de especiales de televisión animados se transmitieran en su red, y varios de estos continúan repitiéndose anualmente y vendiéndose en video y DVD. El estudio Rankin-Bass produjo una serie de especiales de stop-motion orientados a las festividades populares (incluidos Rudolph the Red-Nosed Reindeer, Frosty the Snowman y Santa Claus Is Comin'to Town); mientras que la larga serie de especiales Peanuts de Bill Meléndez ganó numerosos premios, generó cuatro largometrajes e incluso lanzó una serie los sábados por la mañana. Otros intentos de llevar personajes de tiras cómicas a la televisión no tuvieron tanto éxito hasta que uno de los directores de Peanuts, Phil Roman, llevó la tira cómica de Jim Davis Garfield a la televisión. a partir de 1982, lo que resultó en 11 especiales y una serie animada de larga duración.
Aunque la dominante Hanna-Barbera Productions lanzó un fenómeno con el estreno en 1981 de Los Pitufos en NBC, muy poco más de lo que produjeron en la década de 1980 tuvo éxito. A esto se sumaron los problemas financieros de su propietario, Taft Broadcasting, que pasó a manos de Carl Lindner, Jr., propietario de Great American Insurance Company, en 1987. Dos años más tarde, Tom Ruegger inició un éxodo de empleados de H-B para formar una empresa relanzada. División de animación de Warner Bros. En 1991, Turner Broadcasting System compró la empresa y su biblioteca.
Otros estudios' las ofertas socavaron el dominio de H-B Saturday a lo largo de la década, como los ex alumnos de H-B Ruby-Spears Productions' Alvin y las ardillas, Muppet Babies de Marvel y Jim Henson, The Real Ghostbusters de DiC y Columbia y Film Garfield y sus amigos de Roman. Además, el sábado por la mañana continuaron los intentos de adaptar series de horario estelar para la animación, algunos con éxito (Happy Days y sus spin-offs, Mister T, ALF: The Animated Series), otros menos (It's Punky Brewster, The Gary Coleman Show, Little Rosie). Después de tres décadas de resistencia, Disney finalmente ingresó el sábado por la mañana en 1985 cuando The Gummi Bears y The Wuzzles debutaron con presupuestos significativamente más sustanciales; el éxito de sindicación de la primera ejecución de DuckTales, que se estrenó en 1987, eventualmente inspiró un bloque completo de dibujos animados sindicados producidos por Disney que obligaron a los estudios de la competencia a mejorar sus propios estándares de producción para competir.
La década de 1980 también vio una serie de dibujos animados basados en juguetes para niños, como Teenage Mutant Ninja Turtles, G.I. Joe: A Real American Hero, The Transformers, My Little Pony & Friends, He-Man and the Masters of the Universe , She-Ra: Princesa del poder, Jem y los hologramas, ThunderCats, Pound Puppies y Ositos Cariñositos. Incluso hubo dibujos animados basados en los videojuegos Pac-Man y el Cubo de Rubik. Algunos de ellos incluso inspiraron largometrajes. Si bien muchos de ellos tuvieron éxito con los niños, los programas como estos fueron acusados de ser comerciales de juguetes glorificados por los padres. grupos como Acción por la Televisión Infantil. Estos grupos también objetaron el nivel de violencia en muchos de estos programas. Los esfuerzos de ACT para frenar estas tendencias dieron como resultado la Ley de Televisión Infantil, promulgada en 1990 y aplicada estrictamente por la FCC a partir de 1996.
Grandes estudios de animación
Hanna-Barbera
El primer gran estudio de animación en producir dibujos animados exclusivamente para televisión fue Hanna-Barbera Productions. Cuando MGM cerró su estudio de dibujos animados en 1957, Hanna-Barbera comenzó a producir dibujos animados directamente para la televisión, encontrando una audiencia en la 'hora familiar' de la noche. tiempo. Las primeras series animadas de Hanna-Barbera fueron The Ruff & Reddy Show la entrada de sindicación de primera ejecución The Huckleberry Hound Show, The Quick Draw McGraw Show y The Yogi Bear Show cada uno de los cuales siguió un formato de tres cortos, cada uno con la duración aproximada de un cortometraje de un carrete. Sin embargo, el estudio alcanzó su punto máximo en la década de 1960 con The Flintstones de ABC, la primera comedia de situación animada de media hora. Como muchos de sus sucesores inmediatos, se emitió originalmente durante el horario de máxima audiencia cuando toda la familia miraba la televisión. Los Picapiedra fue la primera de varias series animadas en horario estelar de Hanna-Barbera, que incluían Los Supersónicos, Top Cat y Búsqueda de Jonny. Pero después del final de Los Picapiedra en 1966, Hanna-Barbera centró sus esfuerzos en gran medida en el creciente mercado de los dibujos animados de los sábados por la mañana, fuera de las series aisladas que se distribuyeron por primera vez en la década de 1970, dirigidas a adultos en lugar de niños, como ¿Dónde está Huddles? y Espera hasta que tu padre llegue a casa.
Hanna-Barbera se destacó por usar tropos comunes en su serie. Su serie original de finales de la década de 1950 hasta mediados de la de 1960 presentaba animales antropomórficos, generalmente un adulto (que a su vez se hacía pasar por una celebridad conocida) y un niño, interactuando con los humanos de su entorno. Después del inmenso éxito de Scooby-Doo, Where Are You!, que se estrenó en CBS en 1969, la próxima década de producción animada de Hanna-Barbera seguiría la fórmula de ese programa.: un grupo de adolescentes que resuelven misterios sobrenaturales (o aparentemente sobrenaturales) o luchan contra el crimen, generalmente con la ayuda de un animal loco o un fantasma. Las muchas encarnaciones de Scooby-Doo se transmitieron ininterrumpidamente en CBS y luego en ABC durante 17 temporadas. A fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, Hanna-Barbera recurrió a adaptaciones de comedias de situación de máxima audiencia. No fue hasta Los Pitufos en 1981 que H-B volvió a tener éxito fuera de la plantilla de Scooby; a su vez, dio lugar a series derivadas (The Snorks y Paw Paws). A fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, Hanna-Barbera se unió a los numerosos estudios que producían versiones más jóvenes y juveniles de personajes de dibujos animados para el mercado de dibujos animados de los sábados por la mañana, como The Flintstone Kids y A Pup Named Scooby- Doo.
Uno de los problemas con la producción de animación para televisión era el proceso de animación extremadamente laborioso. Mientras que los temas breves teatrales se producían anteriormente en ciclos de seis meses o más, la televisión en red necesitaba una temporada de 10 a 20 episodios de media hora cada año. Esto condujo a una serie de técnicas abreviadas para acelerar el proceso de producción, y las técnicas de animación limitada se aplicaron para producir una gran cantidad de dibujos animados de televisión de producción rápida y bajo presupuesto. Hanna-Barbera también usó animación limitada por razones artísticas: con pantallas más pequeñas y de baja resolución, los homónimos de la compañía razonaron que un estilo limitado que se enfocaba en diálogos y primeros planos con contornos audaces funcionaba mejor que la animación completamente detallada. utilizado en cortometrajes, que fueron diseñados para grandes pantallas de cine.
UPA
El estudio UPA fue una de las primeras víctimas del mercado de la animación televisiva. En 1952, debido a su activismo social de izquierda, John Hubley fue despedido del estudio bajo la presión de Columbia Pictures (que también estaba bajo la presión del HUAC). La atmósfera creativa posterior a Hubley no fue la misma y los cortometrajes teatrales de UPA terminaron en 1959. Para mantenerse a flote financieramente, UPA recurrió a la televisión para sostenerse. Las versiones televisivas de Mister Magoo y Dick Tracy no tuvieron éxito y no hicieron nada para revertir el declive financiero del estudio. A pesar de la película animada de 1962 Gay Purr-ee (distribuida por Warner Bros.), que contó con las voces de Judy Garland y Robert Goulet y la partitura de una canción de Harold Arlen/Yip Harburg, y la querida animación especial Sr. Magoo's Christmas Carol, UPA se cerró en 1964.
Producciones de Jay Ward
El estudio de Jay Ward, productor de The Rocky and Bullwinkle Show, utilizó animación limitada en su serie, pero lo compensó con su sátira de la política y la cultura popular de la Guerra Fría y su humor poco convencional. Al igual que el anterior Crusader Rabbit, las aventuras de Rocky y Bullwinkle eran series de varias partes. El estudio Ward también produjo George of the Jungle, Super Chicken y Tom Slick. Más tarde produjo una serie de comerciales de televisión populares para los cereales Quaker Oats Cap'n Crunch, Quisp y Quake. Otra empresa que utilizó los mismos estudios de animación que Jay Ward fue Total Television, más famosa por The Underdog Show. Las producciones animadas de Total Television y Jay Ward a menudo se mezclaban y se transmitían juntas en sindicación, lo que llevó a que las dos compañías & # 39; espectáculos que a veces se confunden entre sí.
Filmación
Filmation, encabezado por Lou Scheimer y Norm Prescott, fue otro estudio de animación para televisión que surgió en la década de 1960. Filmation fue más famoso por la adquisición de licencias para producir series animadas basadas en otros medios; fue una de las pocas empresas que mantuvo toda su animación dentro de los Estados Unidos y no utilizó la estética de animación limitada preferida por Hanna-Barbera y UPA; en cambio, las producciones de Filmation se basaron en el uso intensivo de material de archivo, rotoscopia, elencos de voz limitados (el propio Scheimer proporcionó muchas voces) y un equilibrio de series animadas con licencia con otras de acción en vivo de bajo presupuesto (como The Ghost Busters y Uncle Croc's Block) para mantener su solvencia financiera. Después de una serie de éxitos que duró hasta bien entrada la década de 1980, Filmation se disolvió en 1989.
Estudios Cambria
Uno de los usuarios más infames de la animación limitada fue Cambria Studios, que inventó y patentó un proceso conocido como Syncro-Vox, y lo implementó a partir de 1960. Si bien el proceso resultó en un producto extremadamente económico, rápido y económico (lo que hizo es ideal para la televisión), tenía un defecto fatal que impedía que se tomara en serio: el proceso consistía en insertar los labios en movimiento del actor de doblaje sobre una imagen fija de la boca de un personaje. El resultado fue que los dibujos animados de Cambria (Clutch Cargo, Space Angel y Captain Fathom) apenas contenían animación y eran efectivamente imágenes (aunque bien dibujadas que eran más detalladas que las de otros productores) con palabras. Cambria cambió a un proceso de animación limitada más convencional con The New Three Stooges en 1965, pero cerró poco después.
Disney
En la década de 1960, las películas animadas actuales de Walt Disney (Ciento un dálmatas, La espada en la piedra, la combinación de acción real/animada Mary Poppins y El libro de la selva) generaron importantes ingresos para el estudio, al igual que las reediciones periódicas de películas animadas anteriores. Poppins, en particular, ganó cinco Premios de la Academia (y recibió la primera nominación a Mejor Película del estudio) y encabezó las listas de taquilla de 1964 mientras lanzaba la carrera cinematográfica de su estrella, Julie Andrews, que ganó un Oscar. Walt Disney's Wonderful World of Color, ahora en NBC, se convirtió en una institución televisiva de los domingos por la noche que mantuvo a Mickey Mouse, Minnie Mouse, Donald Duck, Daisy Duck, Goofy y Pluto en la conciencia pública. mucho después de que terminara su serie teatral de dibujos animados. La serie de antología duró hasta 1983. En 1961, Walt ayudó a establecer el Instituto de las Artes de California. La fundación del instituto fue tanto un gesto filantrópico como una inteligente inversión por parte de Disney, ya que la escuela proporcionó mucho de talento creativo para la empresa en los próximos años. En 1966, el estudio trajo A.A. Los personajes de Winnie-the-Pooh de Milne aparecen en la pantalla por primera vez en dos de cuatro largometrajes animados (el segundo de los cuales, Winnie the Pooh and the Blustery Day, ganó un Oscar, el última recibida por Walt Disney).
El imperio Disney se estremeció hasta la médula cuando Walt murió de cáncer de pulmón el 15 de diciembre de 1966. Mientras que el estudio intentaba mantenerse fiel a su visión (un eslogan común de la época era "¿Qué haría Walt?" "), el nivel de popularidad y aclamación que recibió el estudio en años anteriores lo eludió en la década de 1970. Los parques temáticos Disneyland y Walt Disney World (este último abrió sus puertas en 1971) terminaron contribuyendo más al resultado final que la división de películas. Además, muchos animadores veteranos se jubilaron o murieron, por lo que el estudio tuvo que encontrar formas de reemplazarlos. En 1973, Eric Larson inició un programa de formación para nuevos animadores.
La tarifa de animación posterior a Walt del estudio consistió en las características The Aristocats, Robin Hood, The Rescuers y El zorro y el sabueso, los largometrajes Es difícil ser un pájaro, ¡Winnie the Pooh y Tigger también!, El Small One, Winnie the Pooh and a Day for Eeyore y Mickey's Christmas Carol, y los híbridos de acción en vivo/animación Bedknobs and Broomsticks y Pete's Dragon. Algunas de las películas obtuvieron reacciones mixtas de los críticos; Robin Hood, en particular, fue muy criticado por reutilizar la animación de películas anteriores (especialmente en el número de producción "The Fake King of England"), pero esto se hizo porque la película se había retrasado mucho. Aun así, todas estas películas fueron un éxito y muchas de ellas recibieron nominaciones a los Premios de la Academia (con dos premios, uno por el cortometraje Bird y otro por los efectos especiales de Bedknobs). Además, de acuerdo con las intenciones originales de Walt, los primeros tres cortometrajes de Pooh se compilaron en la película de 1977 Las muchas aventuras de Winnie the Pooh.
El suceso más devastador desde la muerte de Walt ocurrió en septiembre de 1979, cuando el animador del estudio Don Bluth encabezó una huelga de él mismo y 11 de sus seguidores (una gran parte del departamento de animación del estudio en ese momento).), incluidos Gary Goldman y John Pomeroy. Harto del status quo en Disney, él y sus acólitos se fueron para iniciar su propio estudio, que produjo el cortometraje Banjo the Woodpile Cat y el largometraje The Secret of NIMH. Disney entró en la década de 1980 enfrentando un futuro incierto, a pesar de los respetables $39,900,000 brutos y algunas buenas críticas de The Fox and the Hound.
El final de Termite Terrace
Warner Bros. cerró por completo su estudio de animación en 1963 y los directores de Termite Terrace se separaron. Friz Freleng cofundó DePatie-Freleng Enterprises, que produjo Looney Tunes y Merrie Melodies de 1964 a 1967. Warner Bros.-Seven Arts reabrió el estudio de 1967 a 1969, pero las caricaturas de bajo presupuesto producidas no fueron populares entre los críticos o el público ni entonces ni ahora. Los nuevos personajes introducidos durante el período de las Siete Artes, como Cool Cat, Bunny y Claude, Quick Brown Fox y Rapid Rabbit, y Merlin the Magic Mouse, nunca se hicieron populares, mientras que los dibujos animados de Termite Terrace siguieron siendo favoritos perennes de la televisión a través de la sindicación y el sábado por la mañana. transmisiones durante el resto del siglo XX.
Chuck Jones y MGM
En 1961, Chuck Jones trabajó como escritor en la función Gay Purr-ee de la UPA. Cuando Warner Bros. distribuyó la película al año siguiente, descubrieron que había contribuido a la película en violación de su contrato exclusivo y lo despidieron. Jones se asoció con Les Goldman para formar Sib Tower 12 Productions, más tarde rebautizada como MGM Animation/Visual Arts, para trabajar con MGM en la serie Tom and Jerry a mediados de la década de 1960; sus cortos no fueron tan populares como los originales de Hanna-Barbera, pero más que los cortos de Gene Deitch producidos en el extranjero a principios de la década de 1960. Luego, Jones comenzó a producir una serie de exitosos especiales de televisión animados. Su especial más famoso fue ¡Cómo el Grinch robó la Navidad!, una adaptación de CBS de 1966 de la historia del Dr. Seuss que sigue siendo popular y ha sido lanzada en video y DVD varias veces. Jones también produjo tres adaptaciones animadas de cuentos de The Jungle Book de Rudyard Kipling, un largometraje de MGM titulado The Phantom Tollbooth y la serie de televisión de 1970 versión de Horton Hears a Who!
DePatie-Freleng
Después de dejar atrás definitivamente los restos de Termite Terrace, Friz Freleng y su nuevo socio David H. DePatie continuaron produciendo los dibujos animados de Pink Panther durante las décadas de 1960 y 1970, y los dibujos animados aparecían casi simultáneamente en televisión y en teatros a través de un acuerdo de distribución con United Artists. Freleng también produjo varios especiales de televisión basados en los libros de Dr. Seuss durante la década de 1970, incluidos The Cat in the Hat y The Lorax.
En 1981, Friz Freleng se jubiló. El estudio DePatie-Freleng Enterprises se vendió a Marvel Comics y continuó bajo su dirección como Marvel Productions. Este nuevo estudio se centró casi exclusivamente en la comercialización de juguetes y encontró una nueva audiencia entre los espectadores jóvenes con dibujos animados orientados a la acción como G.I. Joe: A Real American Hero y The Transformers.
Contracultura
La mayoría de la animación estadounidense pasó a estar dominada por animación limitada hecha para televisión y dirigida principalmente a niños. Sin embargo, hubo una serie de intentos de desafiar esta percepción a finales de los años 60 y 70 con proyectos animados ambiciosos (ya menudo controvertidos) que a menudo no eran para niños.
Submarina amarilla
(feminine)En 1968, la música de The Beatles y el arte psicodélico inspirado en Peter Max del animador canadiense George Dunning se unieron para crear Yellow Submarine. Disgustados con la serie de televisión animada anterior que los mostraba, los propios Beatles tenían reservas sobre el proyecto al principio y se negaron a participar más allá de proporcionar una mezcla de grabaciones musicales antiguas y originales. Sin embargo, quedaron lo suficientemente impresionados con la película terminada como para aparecer en un epílogo de acción en vivo.
Ralph Bakshi
En 1968, Ralph Bakshi, junto con el productor Steve Krantz, fundaron Bakshi Productions, estableciendo el estudio como una alternativa a la animación convencional al producir animación a su manera y acelerar el avance de las animadoras y de las minorías. También pagó a sus empleados un salario más alto que cualquier otro estudio en ese momento. En 1969, Ralph's Spot se fundó como una división de Bakshi Productions para producir comerciales para Coca-Cola y Max, the 2000-Year-Old Mouse, una serie de cortos educativos pagados por Encyclopædia Britannica. Bakshi fue citado en un artículo de 1971 para Los Angeles Times diciendo que la idea de "hombres adultos sentados en cubículos dibujando mariposas flotando sobre un campo de flores, mientras los aviones estadounidenses lanzan bombas en Vietnam y los niños están marchando en las calles, es ridículo." Bakshi pronto desarrolló Heavy Traffic, una historia de la vida callejera del centro de la ciudad. Sin embargo, Krantz le dijo a Bakshi que los ejecutivos del estudio no estarían dispuestos a financiar la película debido a su contenido y la falta de experiencia cinematográfica de Bakshi. Mientras buscaba en la librería East Side Book Store en St. Mark's Place, Bakshi encontró una copia de R. El gato Fritz de Crumb. Impresionado por la aguda sátira de Crumb, Bakshi compró el libro y le sugirió a Krantz que funcionaría como una película.
Fritz the Cat fue la primera película animada en recibir una calificación X de la MPAA, y es la película animada independiente más taquillera de todos los tiempos. Con el éxito de su segunda película, Heavy Traffic, Bakshi se convirtió en la primera persona en la industria de la animación desde Walt Disney en tener dos películas financieramente exitosas estrenadas consecutivamente.
Vídeos musicales
La década de 1980 también vio el surgimiento de la industria de videos musicales, encabezada por MTV. La experimentación artística en estos cortometrajes a menudo resultó en la producción de secuencias animadas innovadoras que recordaron a los espectadores el potencial de la animación como algo más que los dibujos animados de los sábados por la mañana. Se produjeron varios videos animados memorables durante el apogeo de MTV, incluidos 'Take On Me' de a-ha's. del director británico Steve Barron; 'Sledgehammer' de Peter Gabriel con animación de Aardman Animations y Brothers Quay; la innovadora animación por computadora Dire Straits' 'Dinero por nada' dirigida por Steve Barron; y los Rolling Stones' 'Harlem Shuffle' con secuencias animadas dirigidas por Ralph Bakshi y John Kricfalusi. MTV también tenía una plétora de identidades animadas salvajes y experimentales, hechas por animadores no acreditados.
El anime llega a América del Norte
Durante este período, la producción de anime japonés tuvo un impacto limitado en el mercado norteamericano. Los trabajos más destacados fueron las series de televisión como Battle of The Planets y Star Blazers en la década de 1970 y Voltron y Robotech en la década de 1980. Por regla general, las series importadas estaban fuertemente censuradas para que fueran aceptables para los padres; Star Blazers y Robotech fueron excepciones parciales. Aunque su impacto en el arte en América del Norte fue mínimo durante décadas, la naturaleza distintiva de la serie de anime creó un culto que creció gradualmente hasta la década de 1980 cuando Star Blazers y Robotech, con sus tramas complejas y su representación franca de la violencia, ayudaron a crear la oleada que conduciría a la gran afluencia de popularidad del anime a partir de la década de 1990.
Otra animación
Se hicieron algunos intentos de producir largometrajes de animación independientes en la década de 1970. Varias de estas fueron producciones decididamente orientadas a adultos de fuera de los Estados Unidos, incluyendo el Heavy Metal canadiense, el Watership Down inglés y una versión animada/de acción en vivo de Pink El álbum conceptual de Floyd The Wall, todos los cuales recibieron un amplio lanzamiento en los Estados Unidos. Otras películas como Richard Williams' Raggedy Ann &erio; Andy: A Musical Adventure tuvieron menos éxito. La industria continuó ignorando o descartando en gran medida la animación como algo que solo los niños veían en la televisión de los sábados por la mañana. Una excepción notable fue una serie de películas basadas en la franquicia Peanuts, comenzando con la película de 1969 A Boy Named Charlie Brown, que fue un éxito comercial y de crítica; las películas se realizaron con el mismo equipo de producción detrás de los aclamados especiales de televisión de Peanuts que se transmitieron durante todo el período de tiempo, dirigido por Bill Melendez.
Fine Arts Films, un estudio fundado por John David Wilson con oficinas en Hollywood e Inglaterra, se hizo famoso por sus videos musicales (p. ej., 'You Gotta Serve Somebody' de Bob Dylan).. Varios de los videos aparecieron en el programa de variedades estadounidense The Sonny & Cher Comedy Hour (estos cortos se compilaron en The Fantastic All-Electric Music Movie), y uno apareció como la secuencia de apertura y la canción principal de la exitosa película Grease.
Esta era también vio una serie de cortometrajes animados independientes que rara vez se veían fuera de "art house" salas de cine. A medida que los estudios de animación de Hollywood se desvanecían, varios productores independientes de animación continuaron realizando películas animadas artísticas y experimentales que exploraban nuevos territorios artísticos en el medio de la animación. Cortometrajes como Thank You Mask Man Bambi Meets Godzilla Lupo the Butcher y muchos otros eran casi desconocidos para el público en general; sin embargo, estas películas animadas independientes continuaron manteniendo viva la categoría anual del Premio de la Academia al Cortometraje de Animación, además de introducir una serie de nuevos nombres en el campo de la animación, nombres que comenzarían a traer cambios a la industria en la década de 1980..
Fin de la era
A fines de la década de 1980, la mayoría de los animadores de la Edad de Oro se habían jubilado o muerto, y sus sucesores más jóvenes estaban listos para cambiar la industria y la forma en que se percibía la animación. Esto condujo a la era del Renacimiento de la animación estadounidense, con animaciones como Los Simpson, The Ren & Stimpy Show, Animaniacs, Batman: The Animated Series y las películas de Disney Renaissance.
Legado
Esta era ha seguido siendo satirizada y/o falsificada incluso por personajes como la serie de ciencia ficción de culto Futurama en el episodio "Saturday Morning Fun Pit".
La banda sonora del especial ganador de un Emmy A Charlie Brown Christmas se incorporó al Registro Nacional de Grabaciones en 2012.
The Killing of an Egg (1977) de Paul Driessen influyó en el creador de SpongeBob SquarePants, Stephen Hillenburg, para considerar el campo de la animación después de verlo en el International Torneo de Animación.
Quasi at the Quackadero (1975) (que formó parte de la encuesta de libros de 1994 de The 50 Greatest Cartoons) y los cortos ganadores del Oscar The Hole (1962) y Frank Film (1973) fueron incluidos en el Registro Nacional de Cine.
El animador y director de Disney, Byron Howard, admitió que Robin Hood era su película favorita mientras crecía y la citó como una gran influencia en su Zootopia. La canción "Whistle-Stop" se aceleró y se usó en Hampster Dance, uno de los primeros memes de Internet, y luego se usó a velocidad normal en el comercial del Super Bowl XLVIII para T-Mobile. La canción "Oo De Lally" apareció en un comercial de 2015 para Android que muestra animales de diferentes especies jugando juntos.
Los especiales de Rankin/Bass han sido parodiados por series de televisión como Saturday Night Live a South Park, mientras que trabajos no festivos como The Last Unicorn mantuvo un seguimiento de culto.
La serie animada de Netflix Saturday Morning All Star Hits! también se burla de la era de la animación televisiva de mediados de la década de 1980, como Thundercats, Care Bears y Denver, el último dinosaurio.
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