Kathakali

Kathakali (malayalam: കഥകളി) es una forma importante de danza clásica india. Es un género de arte de "obra de cuentos", pero se distingue por el maquillaje, los disfraces y las máscaras faciales elaboradamente coloridos que usan los actores-bailarines tradicionalmente masculinos. Es nativo de la región suroeste de Kerala, donde se habla malayalam, y la gente malayali lo practica y aprecia casi en su totalidad.

Las raíces de Kathakali no están claras. El estilo completamente desarrollado de Kathakali se originó alrededor del siglo XVII, pero sus raíces están en el templo y las artes populares (como Krishnanattam y el drama religioso del reino de los Zamorin de Calicut) en el suroeste de la península de la India), que se remontan al menos a los 1er milenio EC. Una actuación de Kathakali, como todas las artes de danza clásica de la India, sintetiza música, intérpretes vocales, coreografía y gestos faciales y de manos para expresar ideas. Sin embargo, Kathakali se diferencia en que también incorpora movimientos de las antiguas artes marciales indias y las tradiciones atléticas del sur de la India.Kathakali también se diferencia en que la estructura y los detalles de su forma de arte se desarrollaron en las cortes y teatros de los principados hindúes, a diferencia de otras danzas clásicas indias que se desarrollaron principalmente en los templos hindúes y las escuelas monásticas.

Los temas tradicionales del Kathakali son historias populares, leyendas religiosas e ideas espirituales de las epopeyas hindúes y los Puranas. La interpretación vocal se ha realizado tradicionalmente en sánscrito malayalam. En las composiciones modernas, las compañías indias de Kathakali han incluido mujeres artistas y han adaptado historias y obras de teatro occidentales como las de Shakespeare.

Etimología y nomenclatura

El término Kathakali se deriva de katha (malayalam: കഥ, del sánscrito) que significa "historia o conversación, o cuento tradicional", y kaḷi (malayalam: കളി) que significa "actuación" o "obra". La danza simboliza la eterna lucha entre el bien y el mal.

Historia

Los elementos y aspectos de Kathakali se toman de textos sánscritos antiguos como el Natya Shastra. El kathakali se atribuye al sabio Bharata, y su primera compilación completa data de entre 200 a. C. y 200 d. C., pero las estimaciones varían entre 500 a. C. y 500 d.

La versión más estudiada del texto Natya Shastra consta de unos 6000 versos estructurados en 36 capítulos. El texto, afirma Natalia Lidova, describe la teoría de la danza Tāṇḍava (Shiva), la teoría del rasa, del bhāva, la expresión, los gestos, las técnicas de actuación, los pasos básicos, las posturas de pie, todo lo cual forma parte de las danzas clásicas indias, incluido Kathakali. La danza y las artes escénicas, afirma este antiguo texto hindú, son una forma de expresión de las ideas espirituales, las virtudes y la esencia de las escrituras.

Las raíces de Kathakali no están claras. Jones y Ryan afirman que tiene más de 500 años. Kathakali surgió como un género distinto de arte escénico durante los siglos XVI y XVII en Kerala. Las raíces de Kathakali, afirma Mahinder Singh, son más antiguas y tienen unos 1500 años.

Enlaces a artes escénicas más antiguas: Kutiyattam y Krishnanattam

Según Farley Richmond y otros estudiosos, Kathakali comparte muchos elementos, como el vestuario, con las antiguas artes escénicas de la India, como Kutiyattam (drama clásico en sánscrito) y el Krishnanattam de la era medieval, aunque un examen detallado muestra diferencias. Kutiyattam, agrega Richmond, es "una de las formas de teatro representadas continuamente más antiguas de la India, y bien puede ser la forma de arte sobreviviente más antigua del mundo antiguo". Kutiyattam, tradicionalmente, se representaba en teatros especialmente diseñados y adjuntos a los templos hindúes, particularmente dedicados a Shiva y más tarde a Krishna. Los diseños de estos teatros generalmente coincidían con las dimensiones y la arquitectura recomendada como "ideal" en la antigua Natya Shastra, y algunos de ellos podían albergar a 500 espectadores.

Krishnanattam es el probable precursor inmediato de Kathakali, afirma Zarrilli. Krishnanattam es una forma de arte de danza y drama sobre la vida y las actividades del dios hindú Krishna, que se desarrolló bajo el patrocinio de Sri Manavedan Raja, el gobernante de Calicut (1585-1658 d. C.). La leyenda tradicional dice que Kottarakkara Thampuran (también conocido como Vira Kerala Varma) solicitó los servicios de una compañía de Krishnanattam, pero su solicitud fue denegada. Entonces, Kottarakkara Thampuran creó otra forma de arte basada en Krishnanattam, la llamó Ramanattam porque las primeras obras se basaron en la epopeya hindú Ramayana, que con el tiempo se diversificó más allá de Ramayana. y se hizo popular como 'Kathakali'.

Otro arte escénico relacionado es Ashtapadiyattom, un drama de danza basado en el Gita Govinda del poeta del siglo XII Jayadeva, que cuenta la historia de Krishna encarnado como un humilde pastor, su consorte Radha y tres vaqueras. Kathakali también incorpora varios elementos de otras formas de arte tradicionales y rituales como Mudiyettu, Theyyam y Padayani además de artes populares como Porattu Nadakam que comparte ideas con la tradición Tamil Therukoothu. El arte marcial del sur de la India de Kalarippayattu también ha influido en Kathakali.

A pesar de los vínculos, Kathakali es diferente de las artes impulsadas por templos como "Krishnattam", Kutiyattam y otras porque, a diferencia de las artes más antiguas en las que el bailarín-actor también tenía que ser el artista vocal, Kathakali separó estos roles, lo que permitió que el bailarín-actor sobresaliera. y centrarse en la coreografía mientras que los artistas vocales se centraron en entregar sus líneas. Kathakali también amplió el repertorio de representaciones, el estilo y estandarizó el vestuario, lo que facilitó al público la comprensión de las diversas representaciones y las nuevas obras.

Repertorio

Kathakali se estructura en torno a obras de teatro llamadas Attakatha (literalmente, "historia representada"), escritas en sánscrito malayalam. Estas obras están escritas en un formato particular que ayuda a identificar las partes de "acción" y "diálogo" de la representación. La parte Sloka es el verso métrico, escrito en tercera persona, a menudo completamente en sánscrito, que describe la parte de acción de la coreografía. La parte de Pada contiene la parte de diálogo. Estos textos de Attakatha otorgan una flexibilidad considerable a los actores para improvisar. Históricamente, todas estas obras se derivaron de textos hindúes como el Ramayana, el Mahabharatay el Bhagavata Purana.

Un repertorio de Kathakali es una actuación operística en la que se dramatiza una historia antigua de forma lúdica. Tradicionalmente, una actuación de Kathakali es larga, comienza al anochecer y continúa hasta el amanecer, con interludios y descansos para los artistas y el público. Algunas obras continuaron durante varias noches, comenzando al anochecer todos los días. Las actuaciones modernas son más cortas. El escenario con asientos generalmente en terrenos abiertos fuera de un templo, pero en algunos lugares, se han utilizado teatros especiales llamados Kuttampalam construidos dentro de los recintos del templo.

El escenario está mayormente desnudo o con algunos elementos relacionados con el drama. Un elemento, llamado Kalivilakku (kali que significa danza; vilakku que significa lámpara), se remonta a Kutiyattam. En ambas tradiciones, la actuación tiene lugar frente a un enorme Kalivilakku con su gruesa mecha sumergida en aceite de coco, que arde con una luz amarilla. Tradicionalmente, antes de la llegada de la electricidad, esta gran lámpara especial proporcionaba luz durante la noche. A medida que avanzaba la obra, los actores-bailarines se reunían alrededor de esta lámpara para que el público pudiera ver lo que estaban expresando.

La actuación involucra a actores-bailarines al frente, apoyados por músicos en el escenario de fondo a la derecha (a la izquierda de la audiencia) y con vocalistas al frente del escenario (históricamente para que la audiencia pudiera escucharlos antes de la era del micrófono y los altavoces). Por lo general, todos los roles son interpretados por actores y bailarines masculinos, aunque en las representaciones modernas, las mujeres han sido bienvenidas en la tradición Kathakali.

Disfraces

De todas las danzas indias clásicas, Kathakali tiene el vestuario más elaborado que consta de tocados, máscaras faciales y rostros pintados de manera vívida. Por lo general, se necesitan varias horas de la noche para preparar una compañía de Kathakali para una obra de teatro. Los disfraces han hecho que la popularidad de Kathakali se extienda más allá de los adultos, con los niños absorbidos por los colores, el maquillaje, la luz y el sonido de la actuación.

El maquillaje sigue un código aceptado, que ayuda a la audiencia a identificar fácilmente los personajes arquetípicos como dioses, diosas, demonios, diablesas, santos, animales y personajes de una historia. En Kathakali se utilizan siete tipos básicos de maquillaje, a saber, Pachcha (verde), Pazhuppu (maduro), Kathi, Kari, Thaadi, Minukku y Teppu. Estos varían según los estilos y los colores predominantes elaborados a base de pasta de arroz y colorantes vegetales que se aplican en el rostro. Pachcha (verde) con labios pintados de rojo coral brillante representa personajes nobles y sabios como Krishna, Vishnu, Rama, Yudhishthira, Arjuna, Nala y reyes-filósofos.

Thaadi (rojo) es el código para alguien con una vena malvada como Dushasana e Hiranyakashipu. Algunos personajes tienen el rostro verde (que representa la heroicidad o la excelencia como guerrero) con puntos o líneas rojas en las mejillas o bigote o barba con mechas rojas (que representan la naturaleza interior malvada), mientras que otros tienen el rostro completo y la barba de color rojo., este último implicando personajes excesivamente malvados. Kari (negro) es el código para los habitantes del bosque, los cazadores y el personaje de término medio. Los demonios y los personajes traicioneros también están pintados de negro pero con rayas o manchas rojas.

El amarillo es el código para monjes, mendicantes y mujeres. Minukka (radiante, brillante) con un cálido amarillo, naranja o azafrán tipifica personajes femeninos nobles y virtuosos como Sita, Panchali y Mohini. Los hombres que hacen el papel de mujeres también agregan un nudo superior falso a su izquierda y lo decoran con un estilo común en la región. Vella Thadi (barba blanca) representa a un ser divino, alguien con un estado interior y una conciencia virtuosos como Hanuman. Teppu es para personajes especiales que se encuentran en las mitologías hindúes, como Garuda, Jatayu y Hamsa, que actúan como mensajeros o transportistas, pero no encajan en las otras categorías. Se agregan máscaras faciales y tocados para acentuar la naturaleza interna de los personajes. Los colores de las prendas tienen un código similar de comunicación silenciosa aceptado por la comunidad.

Los tipos de carácter, afirma Zarrilli, reflejan la teoría Guṇa de las personalidades en la antigua escuela Samkhya de filosofía hindú. Hay tres Guṇas, según esta filosofía, que siempre han estado y siguen estando presentes en todas las cosas y seres del mundo. Estos tres Guṇas son sattva (bondad, constructivo, armonioso, virtuoso), rajas (pasión, acción sin objetivo, dinámico, egoísta) y tamas (oscuridad, destructivo, caótico, vicioso). Todos estos tres gunas (bueno, malo, activo) están presentes en todos y en todo, es la proporción lo que es diferente, según la cosmovisión hindú. La interacción de estas gunasdefine el carácter de alguien o algo, y el vestuario y el color de la cara en Kathakali a menudo combinan los diversos códigos de color para dar complejidad y profundidad a los actores-bailarines.

Interino

Como muchas artes indias clásicas, Kathakali es tanto coreografía como actuación. Se dice que es uno de los estilos más difíciles de ejecutar en el escenario, ya que los artistas jóvenes se preparan para sus papeles durante varios años antes de tener la oportunidad de hacerlo en el escenario. Los actores hablan un "lenguaje de señas", donde la palabra parte del diálogo del personaje se expresa a través de "signos con las manos (mudras)", mientras que las emociones y el estado de ánimo se expresan a través de movimientos "faciales y oculares". Paralelamente, los vocalistas de fondo cantan rítmicamente la obra, igualando los ritmos de la orquesta tocando, unificando así el conjunto en una unidad resonante.

Varios textos sánscritos antiguos como Natya Shastra y Hastha Lakshanadeepika hablan de gestos con las manos o mudras. Kathakali sigue más de cerca a Hastha Lakshanadeepika, a diferencia de otras danzas clásicas de la India.

Hay 24 mudras principales y muchos más menores en Kathakali. Hay nueve expresiones faciales llamadas Navarasas, que cada actor domina a través del control de los músculos faciales durante su educación, con el fin de expresar el estado emocional del personaje de la obra. La teoría detrás de las Navarasas es proporcionada por textos sánscritos clásicos como Natya Shastra, pero a veces con nombres diferentes, y estos también se encuentran en otras danzas indias clásicas. Los nueve Navarasas expresan nueve Bhava (emociones) en Kathakali de la siguiente manera: Sringara expresa Rati (amor, placer, deleite), Hasya expresa Hasa(cómico, risa, burla), Karuna expresa Shoka (patético, triste), Raudra expresa Krodha (ira, furia), Vira expresa Utsaha (vigor, entusiasmo, heroico), Bhayanaka expresa Bhaya (miedo, preocupación, preocupación), Bibhatsa expresa Jugupsa (disgusto, repulsión), Adbhuta expresa Vismaya (maravilloso, maravilloso, curioso) y Shanta expresa Sama (paz, tranquilidad).

Secuencia

Una actuación de Kathakali generalmente comienza con los artistas afinando sus instrumentos y calentando con ritmos, indicando a la audiencia que llega que los artistas se están preparando y que los preparativos están en marcha. El repertorio incluye una serie de actuaciones. Primero vienen las representaciones de Thodayam y Purappadu, que son danzas preliminares 'puras' (abstractas) que enfatizan la habilidad y el movimiento puro. Thodayam se representa detrás de un telón y sin todos los disfraces, mientras que Purappadu se representa sin telón y con el vestuario completo.

La parte expresiva de la actuación, que constituye la danza-drama, se divide en cuatro tipos: Kalasham (principal y más común), Iratti (especial, utilizado con el ritmo de Chempata relacionado con las batallas), Thonkaram (similar a Iratti pero con música diferente), y Nalamiratti (usado para salidas o enlace entre los capítulos de la obra).

La entrada de los personajes al escenario del Kathakali puede variar. Muchas de estas formas no se encuentran en otras tradiciones importantes de danza clásica india. Kathakali emplea varios métodos: 1) directo sin efectos especiales ni telón; 2) a través de la audiencia, un método que involucra a la audiencia, dirigido por los portadores de la antorcha ya que Kathakali es típicamente una actuación nocturna; 3) provocación y suspenso llamado nokku o thirasheela o tiranokku, donde el personaje se revela lentamente mediante el uso de una cortina. El método de "provocación" se usa típicamente para personajes con intenciones ocultas y peligrosas.

Canciones e instrumentos musicales.

La obra tiene la forma de versos medidos y líricos, cantados por vocalistas cuya voz ha sido entrenada para varias melodías (ragas), música y sincronizada con la actuación de baile en el escenario. Los vocalistas no solo entregan las líneas, sino que también ayudan a establecer el contexto y expresan el estado interno del personaje al modular su voz. Por ejemplo, la ira se expresa mediante el uso de una voz aguda y aguda y la súplica se expresa mediante el uso de un tono cansado.

La música es fundamental para una actuación de Kathakali. Establece el estado de ánimo y desencadena emociones que resuenan con la naturaleza de la escena. También marca el ritmo al que los actores-bailarines interpretan la coreografía y las escenas. Algunos patrones musicales importantes, según Clifford y Betty, que van con los estados de ánimo y el contenido de la escena son: Chempada (el más común y predeterminado que se aplica a una variedad de estados de ánimo, en batallas y peleas entre el bien y el mal, también para concluir una escena); Música Chempa (representa tensión, disputa, desacuerdo entre amantes o ideas en competencia); Panchari (por odioso, preparatorio como afilar una espada); Triputa (escenas que invitan a la reflexión, que involucran a sabios y maestros); adantha(escenas que involucran reyes o seres divinos); Estilo musical Muri Adantha (para escenas cómicas, alegres o de movimiento rápido que involucran una actividad heroica o impulsada por la ira).

Muchos instrumentos musicales se utilizan en Kathakali. Los tres tambores principales encontrados son Maddalam (en forma de barril), Chenda (tambor cilíndrico tocado con palos curvos) e Idakka (Idakka, tambor en forma de reloj de arena con notas apagadas y melodiosas que se tocan cuando actúan personajes femeninos).

Obras de teatro tradicionales

Existen más de quinientas obras de Kathakali (Aattakatha), la mayoría de las cuales fueron escritas antes del siglo XX. De estos, alrededor de cuatro docenas se realizan de forma más activa. Estas obras son obras literarias sofisticadas, afirma Zarrilli, y solo cinco autores han escrito más de dos obras. A finales del siglo XVII, Unnayi Variyar, en su corta vida, produjo cuatro obras que tradicionalmente se consideran las más expresivas de los dramaturgos de Kathakali. Por lo general, sus cuatro obras se representan en cuatro noches y se relacionan con la mítica historia de amor hindú de Nala y Damayanti.La historia de Nala-Damayanti tiene sus raíces en los textos del primer milenio a. C. y se encuentra en el Mahabharata, pero la versión teatral de Kathakali desarrolla los personajes, sus estados internos, las emociones y sus circunstancias mucho más que los textos más antiguos.

Una obra tradicional de Kathakali generalmente consta de dos partes interconectadas, los Shlokas en tercera persona y los Padams en primera persona. Los Shlokas están en sánscrito y describen la acción en la escena, mientras que los padams son diálogos en malayalam (sánscrito) para que los actores los interpreten y actúen. Un Padam consta de tres partes: un Pallavi (estribillo), Anupallavi (subestribillo) y Charanam (pie), todos los cuales están configurados en uno de los antiguos Ragas (modo musical), según el estado de ánimo y el contexto como se describe en el sánscrito antiguo. textos como el Natya Shastra.En la práctica histórica de una obra de teatro, cada Padam fue representado dos veces por el actor mientras los vocalistas cantaban las líneas repetidamente mientras el actor-bailarín interpretaba su papel.

Las obras tradicionales eran largas, muchas escritas para ser representadas durante toda la noche, algunas como las basadas en el Ramayana y el Mahabharata escritas para ser representadas durante muchas noches consecutivas. Sin embargo, otros, como el Prahlada Charitham, se han compuesto para que se puedan interpretar en cuatro horas. Las producciones modernas han extraído partes de estas obras legendarias, que normalmente se representan en 3 a 4 horas.

Ramas y adaptaciones modernas

Kathakali todavía se practica en sus formas tradicionales y hay obras experimentales basadas en los clásicos europeos y las obras de Shakespeare. Las producciones recientes han adaptado historias de otras culturas y mitologías, como las de Miguel de Cervantes, Johann Wolfgang von Goethe y William Shakespeare.

Estilos: Sampradayam

Kathakali tiene linajes o escuelas distintivas de interpretación de juegos y danza llamados Sampradayam. Estos se desarrollaron en parte debido al sistema Gurukul de su transmisión de una generación a la siguiente. En el siglo XIX, muchos de estos estilos estaban de moda en las comunidades de habla malayalam del sur de la India, de los cuales dos estilos principales se cristalizaron y sobrevivieron hasta la era moderna.

El estilo Kidangoor es uno de los dos, que se desarrolló en Travancore, y está fuertemente influenciado por Kutiyattam, mientras que también dibuja elementos de Ramanattam y Kalladikkotan. Se atribuye tradicionalmente a Nalanunni, bajo el patrocinio de Utram Tirunal Maharaja (1815-1861).

El estilo Kalluvazhi es el segundo de los dos, que se desarrolló en Palakkad (Olappamanna Mana) en el centro de Kerala, y es una síntesis de las artes escénicas más antiguas de Kaplingadan y Kalladikkotan. Se atribuye tradicionalmente a Unniri Panikkar, en un hogar brahmán (~1850), y se convirtió en el estilo dominante establecido en Kerala Kalamandalam, una escuela de artes escénicas.

Centros de formación y premios

Kathakali ha sido tradicionalmente un arte que ha continuado de una generación a la siguiente a través de un sistema de entrenamiento basado en gurú-discípulos (gurukkula). Las familias de artistas tendían a elegir talentos prometedores dentro de sus propias familias extendidas, a veces de fuera de la familia, y el nuevo artista en ciernes generalmente se quedaba con su gurú como estudiante y lo trataban como un miembro de la familia. El gurú proporcionaba la formación teórica y práctica al estudiante, y el discípulo acompañaba al gurú a las actuaciones formales.En los tiempos modernos, las escuelas profesionales capacitan a los estudiantes de Kathakali, y algunas, como las de la escuela Trivandrum Margi, enfatizan un solo maestro para varios cursos, mientras que otras, como la escuela Kerala Kalamandalam, donde los estudiantes aprenden materias de diferentes maestros. Las escuelas de Kathakali ahora se encuentran en toda la India, así como en partes de Europa Occidental y los Estados Unidos.

Un centro de formación típico de Kathakali realiza audiciones para los estudiantes, examinando la salud y el estado físico necesarios para la actuación aeróbica y activa en el escenario, la flexibilidad del cuerpo, el sentido del ritmo y una entrevista para medir la sinceridad del estudiante en las artes escénicas. Un trabajo de curso típico en Kathakali enfatiza el acondicionamiento físico y los ejercicios diarios, el yoga y el masaje corporal para tonificar los músculos y esculpir el cuerpo en crecimiento, junto con los estudios y la práctica de la danza. Según la antigua tradición india, los jóvenes estudiantes continúan comenzando su año entregando obsequios simbólicos al gurú, como algunas monedas con hojas de betel, mientras que el maestro le da al estudiante un taparrabos, una bienvenida y bendiciones.

Kathakali todavía está dominado en gran medida por los hombres, pero desde la década de 1970, las mujeres han ingresado a la forma de arte en una escala reconocible. La ciudad central del templo de Kerala, Tripunithura, tiene una compañía de damas (Tripunithura Kathakali Kendram Ladies Troupe) que interpreta Kathakali. La compañía ganó un premio nacional, es decir, Nari Shakti Puraskar, por su trabajo.

Premios para artistas de Kathakali

• Premios Sangeet Natak Akademi - Kathakali (1956-2005)
• Premios Nambeesan Smaraka: para actuaciones artísticas relacionadas con kathakali (1992-2008)
• Premio del Centro Internacional de Kathakali

Formas de baile relacionadas

La teoría y los fundamentos de Kathakali son los mismos que los de otras importantes danzas clásicas de la India, que se remontan a textos sánscritos como el Natya Shastra, pero el estilo de expresión en cada uno es muy diferente y distintivo. Kathakali es diferente de un Kathak de sonido similar, aunque ambos son tradiciones de danza clásica india de "juego de historias" en las que las historias se han derivado tradicionalmente de las epopeyas hindúes y los Puranas. Kathak es un antiguo arte escénico que surgió en el norte de la India, con raíces en los bardos ambulantes que cuentan historias míticas y espirituales a través de la actuación de danza. Kathak tradicionalmente ha incluido actrices-bailarinas, a diferencia de Kathakali, que tradicionalmente ha sido interpretado por una compañía exclusivamente masculina. Kathak despliega disfraces mucho más simples, maquillaje y sin máscaras faciales. Ambas formas de baile emplean coreografías, rostros y gestos con las manos que se remontan al Natya Shastra, pero Kathak generalmente se mueve alrededor de una pierna recta y movimientos de torso, sin saltos y saltos de artes marciales como Kathakali. Kathak usa más el espacio del escenario y normalmente no incluye vocalistas separados. Ambos despliegan una gran cantidad de instrumentos musicales indios tradicionales similares.

El drama musical de estilo Kathakali, rico en vestuario, se encuentra en otras culturas. Por ejemplo, el Noh japonés (能) integra máscaras, disfraces y diversos accesorios en una actuación basada en la danza, lo que requiere actores y músicos altamente capacitados. Las emociones se transmiten principalmente mediante gestos estilizados, mientras que los disfraces comunican la naturaleza de los personajes en una actuación de Noh, como en Kathakali. En ambos, los hombres disfrazados han interpretado tradicionalmente todos los roles, incluidos los de las mujeres en la obra. El régimen de entrenamiento y la iniciación de los actores de danza en ambas culturas tienen muchas similitudes.

Kabuki, otra forma de arte japonesa, tiene similitudes con Kathakali. Jīngjù, un arte chino de actuación de danza (zuo), como Kathakali, presenta a los artistas máscaras elaboradas, disfraces y rostros pintados de colores.