Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat (francés: [ʒɑ̃ miʃɛl baskja]; 22 de diciembre de 1960 - 12 de agosto de 1988) fue una artista estadounidense que alcanzó el éxito durante la década de 1980 como parte del movimiento neoexpresionista.

Basquiat alcanzó la fama por primera vez como parte del dúo de graffiti SAMO, junto con Al Diaz, escribiendo epigramas enigmáticos en el semillero cultural del Lower East Side de Manhattan a fines de la década de 1970, donde el rap, el punk y el arte callejero se fusionaron en cultura de la música hip-hop temprana. A principios de la década de 1980, sus pinturas se exhibían en galerías y museos de todo el mundo. A los 21 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en participar en documenta en Kassel. A los 22 años, fue uno de los más jóvenes en exponer en la Bienal de Whitney en Nueva York. El Museo Whitney de Arte Americano realizó una retrospectiva de su obra de arte en 1992.

El arte de Basquiat se centró en dicotomías como la riqueza frente a la pobreza, la integración frente a la segregación y la experiencia interior frente a la exterior. Se apropió de la poesía, el dibujo y la pintura, y combinó texto e imagen, abstracción, figuración e información histórica mezclada con la crítica contemporánea. Usó el comentario social en sus pinturas como una herramienta para la introspección y para identificarse con sus experiencias en la comunidad negra, así como los ataques a las estructuras de poder y los sistemas de racismo. Su poética visual fue agudamente política y directa en su crítica al colonialismo y apoyo a la lucha de clases.

Desde la muerte de Basquiat a la edad de 27 años por una sobredosis de heroína en 1988, su trabajo ha aumentado de valor constantemente. En 2017, Sin título, una pintura de 1982 que representa una calavera negra con riachuelos rojos y amarillos, se vendió por la cifra récord de 110,5 millones de dólares, convirtiéndose en una de las pinturas más caras jamás compradas.

Biografía

Primeros años: 1960–1977

Basquiat nació el 22 de diciembre de 1960 en Park Slope, Brooklyn, Nueva York, el segundo de cuatro hijos de Matilde Basquiat (née Andrades, 1934–2008) y Gérard Basquiat (1930–2013). Tenía un hermano mayor, Max, que murió poco antes de su nacimiento, y dos hermanas menores, Lisane (n. 1964) y Jeanine (n. 1967). Su padre nació en Port-au-Prince, Haití y su madre nació en Brooklyn de padres puertorriqueños. Fue criado como católico.

Matilde inculcó el amor por el arte en su pequeño hijo llevándolo a museos de arte locales e inscribiéndolo como miembro junior del Museo de Arte de Brooklyn. Basquiat fue un niño precoz que aprendió a leer y escribir a la edad de cuatro años. Su madre alentó el talento artístico de su hijo y él a menudo intentaba dibujar sus caricaturas favoritas. En 1967, comenzó a asistir a Saint Ann's School, una escuela privada. Allí conoció a su amigo Marc Prozzo y juntos crearon un libro infantil, escrito por Basquiat a los siete años e ilustrado por Prozzo.

En 1968, Basquiat fue atropellado por un automóvil mientras jugaba en la calle a la edad de siete años. Su brazo se rompió y sufrió varias lesiones internas, que requirieron una esplenectomía. Mientras estuvo hospitalizado, su madre le trajo una copia de Anatomía de Gray para mantenerlo ocupado. Después de que sus padres se separaron ese año, Basquiat y sus hermanas fueron criadas por su padre. Su madre fue internada en un hospital psiquiátrico cuando él tenía diez años y, a partir de entonces, pasó su vida dentro y fuera de las instituciones. A la edad de once años, Basquiat hablaba francés, español e inglés con fluidez, y era un ávido lector de los tres idiomas.

La familia de Basquiat residía en el vecindario de Boerum Hill en Brooklyn y luego, en 1974, se mudó a Miramar, Puerto Rico. Cuando regresaron a Brooklyn en 1976, Basquiat asistió a la escuela secundaria Edward R. Murrow. Luchó para lidiar con la inestabilidad de su madre y se rebeló cuando era adolescente. Se escapó de casa a los 15 años cuando su padre lo sorprendió fumando marihuana en su habitación. Dormía en los bancos de los parques de Washington Square Park y tomaba ácido. Finalmente, su padre lo vio con la cabeza rapada y llamó a la policía para que lo trajeran a casa.

En décimo grado, se matriculó en City-As-School, una escuela secundaria alternativa en Manhattan, hogar de muchos estudiantes artísticos que encontraban difícil la educación convencional. Faltaba a la escuela con sus amigos, pero aun así recibió el aliento de sus maestros y comenzó a escribir e ilustrar para el periódico escolar. Desarrolló el personaje SAMO para respaldar una religión falsa. El dicho "SAMO" había comenzado como una broma privada entre Basquiat y su compañero de escuela Al Diaz, como una abreviatura de la frase 'Same old shit'. Dibujaron una serie de caricaturas para su periódico escolar antes y después de usar SAMO©.

Arte callejero y Gray: 1978-1980

En mayo de 1978, Basquiat y Diaz comenzaron a pintar grafitis con spray en los edificios del Bajo Manhattan. Trabajando bajo el seudónimo de SAMO, inscribieron eslóganes publicitarios poéticos y satíricos como "SAMO© COMO ALTERNATIVA A DIOS" En junio de 1978, Basquiat fue expulsado de City-As-School por molestar al director. A los 17, su padre lo echó de la casa cuando decidió dejar la escuela. Trabajó para Unique Clothing Warehouse en NoHo mientras continuaba creando graffiti por la noche. El 11 de diciembre de 1978, The Village Voice publicó un artículo sobre el grafiti SAMO.

En 1979, Basquiat apareció en el programa de televisión de acceso público en vivo TV Party presentado por Glenn O'Brien. Basquiat y O'Brien formaron una amistad y él hizo apariciones regulares en el programa durante los siguientes años. Eventualmente, comenzó a dedicar tiempo a escribir graffiti en la Escuela de Artes Visuales, donde se hizo amigo de los estudiantes John Sex, Kenny Scharf y Keith Haring.

En abril de 1979, Basquiat conoció a Michael Holman en la Fiesta de la Zona del Canal y fundaron la banda de noise rock Test Pattern, que luego pasó a llamarse Gray. Otros miembros de Gray incluyeron a Shannon Dawson, Nick Taylor, Wayne Clifford y Vincent Gallo. Actuaron en clubes nocturnos como Max's Kansas City, CBGB, Hurray y Mudd Club.

Por esa época, Basquiat vivía en East Village con su amigo Alexis Adler, un graduado en biología de Barnard. A menudo copiaba diagramas de compuestos químicos tomados de los libros de texto de ciencias de Adler. Ella documentó las exploraciones creativas de Basquiat mientras transformaba los pisos, las paredes, las puertas y los muebles en sus obras de arte. También hizo postales con su amiga Jennifer Stein. Mientras vendía postales en SoHo, Basquiat vio a Andy Warhol en W.P.A. restaurante con el crítico de arte Henry Geldzahler. Le vendió a Warhol una postal titulada Juegos estúpidos, malas ideas.

En octubre de 1979, en el espacio abierto de Arleen Schloss llamado A's, Basquiat mostró sus montajes de SAMO utilizando copias Xerox en color de sus obras. Schloss permitió que Basquiat usara el espacio para crear su "MAN MADE" ropa, que eran prendas recicladas pintadas. En noviembre de 1979, la diseñadora de vestuario Patricia Field presentó su línea de ropa en su boutique de lujo en 8th Street en East Village. Field también exhibió sus esculturas en el escaparate de la tienda.

cartel SAMO Xerox (1979)

Cuando Basquiat y Diaz se pelearon, él escribió "SAMO ESTÁ MUERTO" en las paredes de los edificios del SoHo en 1980. En junio de 1980, apareció en la revista High Times, su primera publicación nacional, como parte de un artículo titulado "Graffiti '80: The Estado del arte fuera de la ley" por Glenn O'Brien. Más tarde ese año, comenzó a filmar la película independiente de O'Brien Downtown 81 (2000), originalmente titulada New York Beat, que presentaba algunos de Gray&# 39;s grabaciones en su banda sonora.

Ascenso a la fama y al éxito: 1980–1986

En junio de 1980, Basquiat participó en The Times Square Show, una exposición de varios artistas patrocinada por Collaborative Projects Incorporated (Colab) y Fashion Moda. Varios críticos y curadores se fijaron en él, incluido Jeffrey Deitch, quien lo mencionó en un artículo titulado "Informe desde Times Square" en la edición de septiembre de 1980 de Art in America. En febrero de 1981, Basquiat participó en la exposición New York/New Wave, comisariada por Diego Cortez en el P.S.1 de Nueva York. El artista italiano Sandro Chia recomendó el trabajo de Basquiat al comerciante italiano Emilio Mazzoli, quien rápidamente compró 10 pinturas para que Basquiat las exhibiera en su galería en Módena, Italia, en mayo de 1981. En diciembre de 1981, el crítico de arte Rene Ricard publicó &# 34;El niño radiante" en la revista Artforum, el primer artículo extenso sobre Basquiat. Durante este período, Basquiat pintó muchas piezas sobre objetos que encontró en las calles, como puertas desechadas.

Basquiat vendió su primera pintura, Cadillac Moon (1981), a Debbie Harry, cantante principal de la banda de punk rock Blondie, por $200 después de haber filmado Downtown 81 juntos. También apareció como disc jockey en el video musical 'Rapture' de Blondie de 1981, un papel originalmente destinado a Grandmaster Flash. En ese momento, Basquiat vivía con su novia, Suzanne Mallouk, quien lo apoyaba económicamente como camarera.

En septiembre de 1981, la marchante de arte Annina Nosei invitó a Basquiat a unirse a su galería por sugerencia de Sandro Chia. Poco después, participó en su espectáculo colectivo Public Address. Ella le proporcionó materiales y un espacio para trabajar en el sótano de su galería. En 1982, Nosei arregló que se mudara a un loft que también servía como estudio en 101 Crosby Street en SoHo. Tuvo su primera exposición individual estadounidense en la Galería Annina Nosei en marzo de 1982. También pintó en Módena para su segunda exposición italiana en marzo de 1982. Sintiéndose explotado, esa muestra fue cancelada porque se esperaba que hiciera ocho pinturas en una semana..

En el verano de 1982, Basquiat había dejado la Galería Annina Nosei y el galerista Bruno Bischofberger se convirtió en su marchante de arte mundial. En junio de 1982, a los 21 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en participar en documenta en Kassel, Alemania. Sus obras se exhibieron junto a Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Gerhard Richter, Cy Twombly y Andy Warhol. Bischofberger le dio a Basquiat una exposición individual en su galería de Zúrich en septiembre de 1982 y dispuso que se encontrara con Warhol para almorzar el 4 de octubre de 1982. Warhol recordó: "Tomé una Polaroid y se fue a casa y en dos horas una pintura estaba de vuelta, todavía húmeda, de él y yo juntos." La pintura, Dos Cabezas (1982), encendió una amistad entre ellos. Basquiat fue fotografiado por James Van Der Zee para una entrevista con Henry Geldzahler publicada en la edición de enero de 1983 de la revista Interview de Warhol.

De 1983 a 1988 Basquiat vivió en la 57 Great Jones Street en NoHo, donde murió. Una placa que conmemora su vida fue colocada fuera del edificio en 2016.

En noviembre de 1982, se inauguró la exposición individual de Basquiat en la Fun Gallery de East Village. Entre las obras expuestas se encontraban Un panel de expertos (1982) y Equals Pi (1982). Más tarde ese mes, Basquiat comenzó a trabajar en el espacio de estudio que el comerciante de arte Larry Gagosian había construido debajo de su casa en Venice, California. Allí, comenzó una serie de pinturas para una exhibición en marzo de 1983, la segunda en la Galería Gagosian en West Hollywood. Lo acompañaba su novia, la entonces desconocida cantante Madonna. Gagosian recordó: "Todo iba bien. Jean-Michel hacía cuadros, yo los vendía y nos divertíamos mucho. Pero entonces, un día, Jean-Michel dijo: 'Mi novia viene a quedarse conmigo'... Así que dije: 'Bueno, ¿cómo es ella?'; Y él dijo: 'Su nombre es Madonna y va a ser enorme". Nunca olvidaré que dijo eso.

Basquiat se interesó mucho en el trabajo que el artista Robert Rauschenberg estaba produciendo en Gemini G.E.L. en West Hollywood. Lo visitó en varias ocasiones y encontró inspiración en sus logros. Mientras estaba en Los Ángeles, Basquiat pintó Hollywood Africans (1983), que lo retrata con los grafiteros Toxic y Rammellzee. A menudo pintaba retratos de otros grafiteros, y en ocasiones de sus colaboradores, en obras como Portrait of A-One A.K.A. Rey (1982), Tóxico (1984) y ERO (1984). En 1983, produjo el disco de hip-hop "Beat Bop" con Rammellzee y el rapero K-Rob. Se imprimió en cantidades limitadas en su sello Tartown Inc. Creó la portada del sencillo, haciéndolo muy deseable entre los coleccionistas de discos y de arte.

Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Bruno Bischofberger y Francesco Clemente en 1984

En marzo de 1983, a los 22 años, Basquiat se convirtió en uno de los artistas más jóvenes en participar en la exhibición de arte contemporáneo de la Bienal de Whitney. Paige Powell, editora asociada de la revista Interview, organizó una muestra de su trabajo en el departamento de Nueva York de su amiga en abril de 1983. Poco después, comenzó una relación con Powell, quien fue fundamental en fomentar su amistad con Warhol. En agosto de 1983, Basquiat se mudó a un loft propiedad de Warhol en 57 Great Jones Street en NoHo, que también servía como estudio.

En el verano de 1983, Basquiat invitó a Lee Jaffe, ex músico de la banda de Bob Marley, a unirse a él en un viaje por Asia y Europa. A su regreso a Nueva York, quedó profundamente afectado por la muerte de Michael Stewart, un aspirante a artista negro en la escena de clubes del centro de la ciudad que fue asesinado por la policía de tránsito en septiembre de 1983. Pintó Defacement (La muerte de Michael Stewart) (1983) en respuesta al incidente. También participó en un evento benéfico navideño con varios artistas de Nueva York para la familia de Michael Stewart en 1983.

Habiéndose unido a la galería SoHo de Mary Boone en 1983, Basquiat tuvo su primera exposición allí en mayo de 1984. Una gran cantidad de fotografías muestran una colaboración entre Warhol y Basquiat en 1984 y 1985. Cuando colaboraron, Warhol comenzar con algo muy concreto o una imagen reconocible y luego Basquiat lo desfiguró con su estilo animado. Hicieron un homenaje a los Juegos Olímpicos de verano de 1984 con Olympics (1984). Otras colaboraciones incluyen Taxi, 45th/Broadway (1984–85) y Zenith (1985). Su exposición conjunta, Pinturas, en la Galería Tony Shafrazi, provocó una ruptura en su amistad después de que los críticos la criticaran y Basquiat fuera llamado la mascota de Warhol.

Basquiat a menudo pintaba con costosos trajes de Armani y aparecía en público con la misma ropa salpicada de pintura. Era un habitual de la discoteca Area, donde a veces tocaba los platos como DJ por diversión. También pintó murales para el club nocturno Palladium en la ciudad de Nueva York. Su rápido ascenso a la fama fue cubierto por los medios. Apareció en la portada de la edición del 10 de febrero de 1985 de The New York Times Magazine en un artículo titulado "Arte nuevo, dinero nuevo: el marketing de un artista estadounidense". Su trabajo apareció en GQ y Esquire, y fue entrevistado para "Art Break" de MTV. segmento. En 1985, caminó por la pasarela del desfile de moda de primavera de Comme des Garçons en Nueva York.

A mediados de la década de 1980, Basquiat ganaba 1,4 millones de dólares al año y recibía sumas globales de 40.000 dólares de comerciantes de arte. A pesar de su éxito, su inestabilidad emocional continuaba persiguiéndolo. "Cuanto más dinero ganaba Basquiat, más paranoico y profundamente involucrado con las drogas se volvía", escribió el periodista Michael Shnayerson. El consumo de cocaína de Basquiat se volvió tan excesivo que se hizo un agujero en el tabique nasal. Un amigo afirmó que Basquiat confesó que consumía heroína a fines de 1980. Muchos de sus compañeros especularon que su uso de drogas era un medio para hacer frente a las demandas de su nueva fama, la naturaleza explotadora de la industria del arte y las presiones de ser un hombre negro en el mundo del arte dominado por blancos.

Para lo que sería su última exposición en la costa oeste, Basquiat regresó a Los Ángeles para su exposición en la Galería Gagosian en enero de 1986. En febrero de 1986, Basquiat viajó a Atlanta, Georgia para una exposición de sus dibujos en Fay Gold. Galería. Ese mes, participó en el evento benéfico Art Against Apartheid de Limelight. En el verano, tuvo una exposición individual en la Galerie Thaddaeus Ropac en Salzburgo. También fue invitado a caminar por la pasarela de Rei Kawakubo nuevamente, esta vez en el desfile de moda Comme des Garçons Homme Plus en París. En octubre de 1986, Basquiat voló a Costa de Marfil para asistir a una exposición de su obra organizada por Bruno Bischofberger en el Instituto Cultural Francés de Abiyán. Estaba acompañado por su novia Jennifer Goode, quien trabajaba en su lugar de reunión frecuente, el club nocturno Area. En noviembre de 1986, a los 25 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en participar en una exposición en Kestner-Gesellschaft en Hannover, Alemania.

Últimos años y muerte: 1986–1988

Durante su relación, Goode comenzó a inhalar heroína con Basquiat ya que tenía drogas a su disposición. "Él no me presionó, pero simplemente estaba ahí y yo era tan ingenuo", ella dijo. A fines de 1986, ella y Basquiat ingresaron con éxito en un programa de metadona en Manhattan, pero él renunció después de tres semanas. Según Goode, no comenzó a inyectarse heroína hasta que ella terminó su relación. En los últimos 18 meses de su vida, Basquiat se convirtió en una especie de recluso. Se cree que su consumo continuo de drogas fue una forma de sobrellevar la muerte de su amigo Andy Warhol en febrero de 1987.

En 1987, Basquiat realizó exposiciones en la Galerie Daniel Templon de París, la Galería Akira Ikeda de Tokio y la Galería Tony Shafrazi de Nueva York. Diseñó una rueda de la fortuna para Luna Luna de André Heller, un parque de atracciones efímero en Hamburgo de junio a agosto de 1987 con atracciones diseñadas por reconocidos artistas contemporáneos.

En enero de 1988, Basquiat viajó a París para su exposición en la Galería Yvon Lambert ya Düsseldorf para una exposición en la Galería Hans Mayer. Mientras estaba en París, se hizo amigo del artista marfileño Ouattara Watts. Hicieron planes para viajar juntos a Watts' lugar de nacimiento, Korhogo, ese verano. Tras su exposición en la Galería Vrej Baghoomian de Nueva York en abril de 1988, Basquiat viajó a Maui en junio para dejar de consumir drogas. Después de regresar a Nueva York en julio, Basquiat se encontró con Keith Haring en Broadway, quien afirmó que este último encuentro fue la única vez que Basquiat habló con él sobre su problema con las drogas. Glenn O'Brien también recordó que Basquiat lo llamó y le dijo que "se sentía muy bien".

A pesar de los intentos de sobriedad, Basquiat murió a la edad de 27 años de una sobredosis de heroína en su casa en Great Jones Street en Manhattan el 12 de agosto de 1988. Su novia Kelle Inman lo encontró inconsciente en su habitación y se lo llevó. al Centro Médico Cabrini, donde fue declarado muerto a su llegada.

La tumba de Basquiat en Green-Wood Cemetery en Brooklyn, Nueva York

Basquiat está enterrado en el cementerio Green-Wood de Brooklyn. Se llevó a cabo un funeral privado en la capilla funeraria de Frank E. Campbell el 17 de agosto de 1988. Al funeral asistieron familiares inmediatos y amigos cercanos, incluidos Keith Haring, Francesco Clemente, Glenn O'Brien y el ex miembro de Basquiat. novia Paige Powell. El comerciante de arte Jeffrey Deitch pronunció un elogio.

Se llevó a cabo un memorial público en la iglesia de San Pedro el 3 de noviembre de 1988. Entre los oradores estaba Ingrid Sischy, quien como editora de Artforum llegó a conocer bien a Basquiat y encargó un número de artículos que presentaron su trabajo al resto del mundo. La ex novia de Basquiat, Suzanne Mallouk, recitó secciones del 'Poem for Basquiat' de A. R. Penck. y su amigo Fab 5 Freddy leyeron un poema de Langston Hughes. Los 300 invitados incluyeron a los músicos John Lurie y Arto Lindsay, Keith Haring, el poeta David Shapiro, Glenn O'Brien y miembros de la antigua banda de Basquiat, Gray.

En memoria del difunto artista, Keith Haring creó la pintura A Pile of Crowns para Jean-Michel Basquiat. En el obituario que Haring escribió para Vogue, afirmó: "Realmente creó una vida de obras en diez años". Con avidez, nos preguntamos qué más podría haber creado, qué obras maestras nos ha robado su muerte, pero el hecho es que ha creado suficiente trabajo para intrigar a las generaciones venideras. Recién ahora la gente comenzará a comprender la magnitud de su contribución".

Arte

El crítico de arte Franklin Sirmans analizó que Basquiat se apropió de la poesía, el dibujo y la pintura, y combinó texto e imagen, abstracción, figuración e información histórica mezclada con la crítica contemporánea. Su comentario social fue agudamente político y directo en su crítica del colonialismo y apoyo a la lucha de clases. También exploró legados artísticos de fuentes amplias, incluido un cuestionamiento de la tradición clásica. El historiador de arte Fred Hoffman plantea la hipótesis de que el fundamento de la autoidentificación de Basquiat como artista era su "capacidad innata para funcionar como algo así como un oráculo, destilando sus percepciones del mundo exterior hasta su esencia y, en a su vez, proyectándolos hacia el exterior a través de su acto creativo", y que su arte se centró en "dicotomías sugerentes" tales como riqueza versus pobreza, integración versus segregación y experiencia interna versus experiencia externa.

Antes de que comenzara su carrera como pintor, Basquiat producía postales de inspiración punk para venderlas en la calle y se hizo conocido por sus grafitis político-poéticos bajo el nombre de SAMO. A menudo dibujaba en objetos y superficies al azar, incluida la ropa de otras personas. La conjunción de varios medios es un elemento integral de su arte. Sus pinturas suelen estar cubiertas de códigos de todo tipo: palabras, letras, números, pictogramas, logotipos, símbolos de mapas y diagramas.

Basquiat utilizó principalmente textos como fuentes de referencia. Algunos de los libros que usó fueron Anatomía de Gray, Henry Dreyfuss' Symbol Sourcebook, Leonardo da Vinci publicado por Reynal & Company, y Burchard Brentjes' Arte rupestre africano, Flash of the Spirit de Robert Farris Thompson.

Un período intermedio, desde finales de 1982 hasta 1985, presentó pinturas de múltiples paneles y lienzos individuales con bastidores expuestos, la superficie densa con escritura, collage e imágenes. Los años 1984 a 1985 fueron también el período de las colaboraciones Basquiat-Warhol.

Dibujos

Basquiat dibujo del crítico de arte partidario Rene Ricard, Sin título (Axe/Rene) (1984)

En su corta pero prolífica carrera, Basquiat produjo alrededor de 1.500 dibujos, alrededor de 600 pinturas y muchas esculturas y obras de técnica mixta. Dibujaba constantemente y con frecuencia usaba objetos a su alrededor como superficies cuando el papel no estaba a mano. Desde niño, cuando lo animaba el interés de su madre por el arte, produjo dibujos inspirados en dibujos animados, y el dibujo se convirtió en parte de su expresión como artista. Dibujó en muchos medios diferentes, más comúnmente tinta, lápiz, rotulador o marcador y barra de aceite. A veces usaba copias Xerox de fragmentos de sus dibujos para pegarlos en los lienzos de pinturas más grandes.

La primera muestra pública de pinturas y dibujos de Basquiat fue en 1981 en la exposición MoMA PS1 Nueva York/New Wave. El artículo de Rene Ricard "Niño Radiante" en la revista Artforum trajo a Basquiat a la atención del mundo del arte. Basquiat inmortalizó a Ricard en dos dibujos, Sin título (Axe/Rene) (1984) y René Ricard (1984).

Poeta además de artista, las palabras aparecen en gran medida en sus dibujos y pinturas, con referencias directas al racismo, la esclavitud, la gente y la escena callejera de la década de 1980 en Nueva York, figuras históricas negras, músicos y atletas famosos, como sus cuadernos. y muchos dibujos importantes lo demuestran. A menudo, los dibujos de Basquiat no tenían título y, como tal, para diferenciar las obras, una palabra escrita dentro del dibujo suele estar entre paréntesis después de Sin título. Después de la muerte de Basquiat, su patrimonio fue controlado por su padre Gérard Basquiat, quien también supervisó el comité que autentificaba las obras de arte y operó desde 1994 hasta 2012 para revisar más de 2000 obras, la mayoría de las cuales eran dibujos.

Héroes y santos

Un tema prominente en el trabajo de Basquiat es la representación de figuras negras históricamente prominentes, que fueron identificadas como héroes y santos. Sus primeros trabajos a menudo presentaban la representación iconográfica de coronas y halos para distinguir héroes y santos en su panteón especialmente elegido. La corona de 'Jean-Michel' tiene tres picos, por sus tres linajes reales: el poeta, el músico, el gran campeón de boxeo. Jean midió su habilidad contra todos los que consideró fuertes, sin perjuicio de su gusto o edad," dijo su amigo y artista Francesco Clemente. Al revisar el espectáculo de Basquiat en el Guggenheim de Bilbao, Art Daily señaló que 'la corona de Basquiat' es un símbolo cambiante: a veces un halo y otras una corona de espinas, enfatizando el martirio que muchas veces va de la mano con la santidad. Para Basquiat, estos héroes y santos son guerreros, ocasionalmente triunfantes con los brazos levantados en señal de victoria."

Basquiat era particularmente un fanático del bebop y citó al saxofonista Charlie Parker como un héroe. Frecuentemente hizo referencia a Parker y otros músicos de jazz en pinturas como Charles the First (1982) y Horn Players (1983) y King Zulu (1986). 'Basquiat buscaba en la música de jazz inspiración e instrucción, de la misma manera que buscaba en los maestros modernos de la pintura,' dijo la historiadora de arte Jordana Moore Saggese.

Anatomía y cabezas

Untitled (Skull) (1981)

Una importante fuente de referencia utilizada por Basquiat a lo largo de su carrera fue el libro Anatomía de Gray, que su madre le había regalado mientras estaba en el hospital cuando tenía siete años. Siguió siendo influyente en sus representaciones de la anatomía humana y en su mezcla de imagen y texto, como se ve en Flesh and Spirit (1982–83). El historiador del arte Olivier Berggruen sitúa en las serigrafías anatómicas de Basquiat Anatomy (1982) una afirmación de vulnerabilidad, que "crea una estética del cuerpo dañado, cicatrizado, fragmentado, incompleto"., o desgarrado, una vez que el todo orgánico ha desaparecido. Paradójicamente, es el acto mismo de crear estas representaciones lo que evoca una valencia corporal positiva entre el artista y su sentido de sí mismo o identidad."

Las cabezas y los cráneos son puntos focales significativos de muchas de las obras más importantes de Basquiat. Las cabezas en obras como Untitled (Two Heads on Gold) (1982) y Philistines (1982) recuerdan a las máscaras africanas, sugiriendo una recuperación cultural. Las calaveras aluden al vudú haitiano, que está lleno de simbolismo de calaveras; las pinturas Red Skull (1982) y Untitled (1982) pueden verse como ejemplos primarios. En referencia a la potente imagen representada en Untitled (Skull) (1981), el historiador de arte Fred Hoffman escribe que Basquiat probablemente fue "tomado por sorpresa, posiblemente incluso asustado"., por el poder y la energía que emana de esta imagen inesperada." La investigación adicional de Hoffman en su libro El arte de Jean-Michel Basquiat revela un interés más profundo en la fascinación del artista por las cabezas que demuestra una evolución en la obra del artista a partir de uno de poder bruto a uno de conocimiento más refinado.

Patrimonio

La diversa herencia cultural de Basquiat fue una de sus muchas fuentes de inspiración. A menudo incorporó palabras en español en sus obras de arte como Sin título (Pollo Frito) (1982) y Sábado por la Noche (1984). La Hara (1981) de Basquiat, un retrato amenazador de un oficial de policía blanco, combina el término de la jerga de Nuyorican para policía (la jara) y el apellido irlandés O'Hara. Se cree que la figura con sombrero negro que aparece en sus pinturas The Guilt of Gold Teeth (1982) y Despues De Un Pun (1987) representa al barón Samedi, el espíritu de muerte y resurrección en el vudú haitiano.

Basquiat tiene varias obras derivadas de la historia afroamericana, a saber, Subasta de esclavos (1982), Undiscovered Genius of the Mississippi Delta (1983), Sin título (Historia del Pueblo Negro) (1983) y Jim Crow (1986). Otra pintura, Irony of Negro Policeman (1981), ilustra cómo los afroamericanos han sido controlados por una sociedad predominantemente caucásica. Basquiat buscó retratar que los afroamericanos se han vuelto cómplices de las "formas institucionalizadas de blanquitud y regímenes de poder blancos corruptos" años después de que terminara la era de Jim Crow. Este concepto ha sido reiterado en trabajos adicionales de Basquiat, incluido Created Equal (1984).

En el ensayo "Lost in Translation: Jean-Michel in the (Re)Mix," Kellie Jones postula que el "lado travieso, complejo y neologístico de Basquiat, con respecto a la creación de la modernidad y la influencia y efluencia de la cultura negra" a menudo son elididos por críticos y espectadores y, por lo tanto, "se pierden en la traducción".

Recepción

Poco después de su muerte, The New York Times indicó que Basquiat era "el más famoso de un pequeño número de jóvenes artistas negros que han logrado reconocimiento nacional". La crítica de arte Bonnie Rosenberg escribió que Basquiat experimentó un buen sabor de boca en sus últimos años cuando era un "fenómeno artístico acogido por la crítica y celebrado popularmente"; y que algunas personas se enfocaron en el "exotismo superficial de su trabajo", pasando por alto el hecho de que "tenía conexiones importantes con precursores expresivos".

Tradicionalmente, la interpretación de las obras de Basquiat a nivel visual proviene del tono emocional tenue de lo que representan en comparación con lo que realmente se representa. Por ejemplo, las figuras de sus pinturas, como afirma el escritor Stephen Metcalf, "se muestran de frente, con poca o ninguna profundidad de campo, y los nervios y órganos están expuestos, como en un libro de texto de anatomía. ¿Están estas criaturas muertas y siendo disecadas clínicamente, uno se pregunta, o están vivas y con un dolor inmenso? La escritora Olivia Laing señaló que "las palabras le saltaban a la vista, desde la parte posterior de las cajas de cereal o los anuncios del metro, y se mantuvo alerta a sus propiedades subversivas, su significado doble y oculto".

Una segunda referencia recurrente a la estética de Basquiat proviene de la intención del artista de compartir, en palabras del galerista Niru Ratnam, una "visión del mundo altamente individualista y expresiva". El historiador de arte Luis Alberto Mejía Clavijo cree que el trabajo de Basquiat inspira a la gente a "pintar como un niño, no pintes lo que está en la superficie sino lo que estás recreando por dentro". El músico David Bowie, que fue coleccionista de las obras de Basquiat, afirmó que "parecía digerir el flujo frenético de imágenes y experiencias pasajeras, las sometió a algún tipo de reorganización interna y revistió el lienzo con este resultado". red de azar."

Los críticos de arte también han comparado el trabajo de Basquiat con el surgimiento del hip-hop durante la misma época. 'El arte de Basquiat, como el mejor hip-hop, desmonta y vuelve a montar el trabajo anterior,' dijo el crítico de arte Franklin Sirmans en un ensayo de 2005, "In the Cipher: Basquiat and the Hip-Hop Culture".

El crítico de arte René Ricard escribió en su artículo de 1981 "El niño radiante":

Siempre me sorprende cómo la gente aparece con las cosas. Como Jean-Michel. ¿Cómo surgió con las palabras que pone sobre todo, su manera de hacer un punto sin exagerar el caso, usando una o dos palabras que revela una agudeza política, hace que el espectador vaya en la dirección que quiere, la ilusión del muro bombardeado. Una o dos palabras que contienen un cuerpo completo. Una o dos palabras en un Jean-Michel contienen toda la historia del graffiti. Lo que incorpora en sus imágenes, ya sea encontrada o hecha, es específico y selectivo. Tiene una idea perfecta de lo que está pasando, usando todo lo que choca con su visión.

El curador Marc Mayer escribió en el ensayo de 2005 "Basquiat in History":

Basquiat habla articuladamente mientras dobla el impacto completo de la claridad como un torero. Podemos leer sus imágenes sin esfuerzo intenso, las palabras, las imágenes, los colores y la construcción, pero no podemos engordar el punto en que están trabajando. Mantenernos en este estado de conocimiento medio, de misterio-con familiaridad, había sido la técnica central de su marca de comunicación desde sus días de adolescente como el poeta del graffiti SAMO. Para disfrutar de ellos, no estamos destinados a analizar las fotos demasiado cuidadosamente. Cuantificar la amplitud enciclopédica de su investigación ciertamente resulta en un inventario interesante, pero la suma no puede explicar adecuadamente sus imágenes, lo que requiere un esfuerzo fuera del ámbito de la iconografía... pintó una incoherencia calculada, calibrando el misterio de lo que tales imágenes aparentemente significadas podrían significar en última instancia.

Crítica

En la década de 1980, el crítico de arte Robert Hughes calificó el trabajo de Basquiat de absurdo. Atribuyó el fenómeno Basquiat a ser una mezcla de exageración, sobreproducción y un mercado de arte codicioso.

En una reseña de 1997 para The Daily Telegraph, el crítico de arte Hilton Kramer comienza afirmando que Basquiat no tenía idea de lo que significa la palabra "calidad" quiso decir. Criticó implacablemente a Basquiat como un "estafador sin talento" y 'astuto en la calle, pero por lo demás invenciblemente ignorante', argumentando que los marchantes de arte de la época eran 'tan ignorantes sobre el arte como el propio Basquiat'. Al decir que la obra de Basquiat nunca se elevó por encima de 'esa humilde estación artística' de grafitis "incluso cuando sus pinturas se vendían a precios desorbitados" Kramer argumentó que el arte del grafiti "adquirió un estatus de culto en ciertos círculos artísticos de Nueva York". Además, opinó: "Como resultado de la campaña emprendida por estos empresarios del mundo del arte en nombre de Basquiat, y en el suyo propio, por supuesto, nunca hubo ninguna duda de que los museos, los coleccionistas y los medios de comunicación caería en línea" cuando se habla de la comercialización del nombre de Basquiat.

Exposiciones

La primera exposición pública de Basquiat fue en The Times Square Show en Nueva York en junio de 1980. En mayo de 1981, tuvo su primera exposición individual en la Galleria d'Arte Emilio Mazzoli en Módena. A fines de 1981, se unió a la Galería Annina Nosei en Nueva York, donde tuvo su primera exposición individual estadounidense del 6 de marzo al 1 de abril de 1982. En 1982, también tuvo exposiciones en la Galería Gagosian en West Hollywood, Galerie Bruno. Bischofberger en Zúrich y la Fun Gallery en el East Village. Las principales exposiciones de su trabajo incluyen Jean-Michel Basquiat: Paintings 1981–1984 en la Fruitmarket Gallery de Edimburgo en 1984, que viajó al Instituto de Arte Contemporáneo de Londres; Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam en 1985. En 1985, el Museo de Arte de la Universidad de Berkeley acogió la primera exposición individual en un museo estadounidense de Basquiat. Su trabajo se exhibió en Kestner-Gesellschaft, Hannover en 1987 y 1989.

La primera retrospectiva de su trabajo se llevó a cabo en la Galería Baghoomian de Nueva York de octubre a noviembre de 1989. Su primera retrospectiva en un museo, Jean-Michel Basquiat, fue en el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York desde octubre de 1992 hasta febrero de 1993. El programa fue patrocinado por AT&T, MTV y Madonna. Posteriormente viajó a la Colección Menil en Texas; el Centro de Arte de Des Moines en Iowa; y el Museo de Bellas Artes de Montgomery en Alabama, de 1993 a 1994. El catálogo de la exposición fue editado por Richard Marshall e incluía varios ensayos desde diferentes perspectivas. En 1996, Madonna patrocinó una exposición de su obra en la Serpentine Gallery de Londres.

En marzo de 2005, el Museo de Brooklyn de Nueva York montó la retrospectiva Basquiat. Viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y al Museo de Bellas Artes de Houston. De octubre de 2006 a enero de 2007 se llevó a cabo la primera exhibición de Basquiat en Puerto Rico en el Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR), producida por ArtPremium, Corinne Timsit y Eric Bonici.

Basquiat sigue siendo una importante fuente de inspiración para una generación más joven de artistas contemporáneos de todo el mundo, como Rita Ackermann y Kader Attia, como se muestra, por ejemplo, en la exposición Street and Studio: From Basquiat to Séripop co-comisariada por Cathérine Hug y Thomas Mießgang y exhibida anteriormente en Kunsthalle Wien, Austria, en 2010. Basquiat and the Bayou, una muestra de 2014 presentada por el Ogden Museum of Southern Art en New Orleans, centrado en las obras del artista con temas del sur de Estados Unidos. El Museo de Brooklyn exhibió Basquiat: The Unknown Notebooks en 2015. En 2017, Basquiat Before Basquiat: East 12th Street, 1979–1980 exhibió como Museo de Arte Contemporáneo de Denver, que exhibió obras creadas durante el año que Basquiat vivió con su amigo Alexis Adler. Más tarde ese año, el Barbican Centre de Londres exhibió Basquiat: Boom for Real.

En 2019, la Fundación Brant de Nueva York acogió una amplia exposición de las obras de Basquiat con entrada gratuita. Las 50.000 entradas se reclamaron antes de la apertura de la exposición, por lo que se liberaron entradas adicionales. En junio de 2019, el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York presentó Basquiat's 'Defacement': The Untold Story. Más tarde ese año, la Galería Nacional de Victoria en Melbourne inauguró la exposición Keith Haring y Jean-Michel Basquiat: Crossing Lines. El Museo de Arte de Lotte acogió la primera exposición importante de Jean-Michel Basquiat en Seúl desde octubre de 2020 hasta febrero de 2021. El Museo de Bellas Artes de Boston exhibió Writing the Future: Basquiat and the Hip-Hop Generation de octubre de 2020 a julio de 2021.

En febrero de 2022, el Museo de Arte de Orlando montó la polémica exposición Heroes & Monstruos, que constaba de 25 obras de cartón que, según afirmaba, Basquiat vendió directamente al guionista Thad Mumford en 1982 y luego las almacenó, donde permanecieron hasta que fueron redescubiertas en 2012. Las pinturas fueron incautadas en un redada realizada por la Oficina Federal de Investigaciones en junio de 2022. The New York Times obtuvo una declaración jurada que reveló que Mumford firmó una declaración en presencia de agentes federales en la que afirmaba que " en ningún momento de la década de 1980 ni en ningún otro momento me reuní con Jean-Michel Basquiat, y en ningún momento adquirí o compré ninguna pintura de él."

En 2022, la familia de Basquiat organizó Jean-Michel Basquiat: King Pleasure, una exposición inmersiva con más de 200 obras nunca antes vistas y raramente mostradas, en el edificio Starrett-Lehigh en Chelsea, Nueva York. En septiembre de 2022, la Albertina presentó la primera retrospectiva museística de la obra de Basquiat en Austria.

Mercado del arte

Basquiat vendió su primera pintura a la cantante Debbie Harry por 200 dólares en 1981. Asesorado por el artista italiano Sandro Chia, el galerista Emilio Mazzoli compró diez obras de Basquiat por 10.000 dólares y realizó una exposición en su galería de Módena en mayo de 1981. Espoleado por el auge del arte del neoexpresionismo, su obra fue muy solicitada en 1982, que se considera su año más valioso. La mayoría de sus pinturas más vendidas en subasta datan de 1982. Recordando ese año, Basquiat dijo: 'Tenía algo de dinero; Hice las mejores pinturas de todos los tiempos." Sus pinturas tenían un precio de $ 5,000 a $ 10,000 en 1983, rebajado del rango de $ 10,000 a $ 15,000 cuando se unió a la galería de Mary Boone para reflejar lo que ella sentía que era consistente con los de otros artistas en su galería. En 1984, se informó que en dos años su obra se revalorizó en un 500%. A mediados de la década de 1980, Basquiat ganaba 1,4 millones de dólares al año como artista. Para 1985, sus pinturas se vendían entre $10,000 y $25,000 cada una. El ascenso de Basquiat a la fama en el mercado internacional del arte lo llevó a la portada de The New York Times Magazine en 1985, algo sin precedentes para un joven artista afroamericano.

Desde la muerte de Basquiat en 1988, el mercado de su trabajo se ha desarrollado constantemente, en línea con las tendencias generales del mercado del arte, con un pico dramático en 2007 cuando, en el punto álgido del auge del mercado del arte, la subasta mundial el volumen de su trabajo superó los 115 millones de dólares. Se cita a Brett Gorvy, vicepresidente de Christie's, que describe el mercado de Basquiat como "de dos niveles... El material más codiciado es raro y generalmente data del mejor período, 1981-1983". " Hasta 2002, la cantidad más alta pagada por una obra original de Basquiat's fue de 3,3 millones de dólares por Autorretrato (1982), vendida en Christie's en 1998. En 2002, Basquiat's 39;'s Profit I (1982) fue vendido en Christie's por el baterista Lars Ulrich de la banda de heavy metal Metallica por 5,5 millones de dólares. Los procedimientos de la subasta se documentaron en la película de 2004 Metallica: Some Kind of Monster.

En junio de 2002, el estafador de Nueva York Alfredo Martínez fue acusado por la Oficina Federal de Investigaciones de intentar engañar a dos comerciantes de arte vendiéndoles dibujos falsos de Basquiat por un valor de $185,000. Los cargos contra Martínez, que lo llevaron al Centro Correccional Metropolitano de Manhattan durante 21 meses, involucraron un plan para vender dibujos que copió de obras de arte auténticas, acompañados de certificados de autenticidad falsificados. Martínez afirmó que se salió con la suya vendiendo dibujos falsos de Basquiat durante 18 años.

En 2007, las autoridades federales incautaron la pintura de Basquiat Hannibal (1982) como parte de un plan de malversación de fondos por parte del lavador de dinero brasileño condenado y exbanquero Edemar Cid Ferreira. Ferreira había comprado la pintura con fondos adquiridos ilegalmente mientras controlaba el Banco Santos en Brasil. Fue enviado a un almacén de Manhattan, a través de los Países Bajos, con una factura de envío falsa que indicaba que valía $100. Posteriormente, la pintura se vendió en Sotheby's por 13,1 millones de dólares.

Entre 2007 y 2012, el precio de la obra de Basquiat siguió aumentando constantemente hasta los 16,3 millones de dólares. La venta de Sin título (1981) por 20,1 millones de dólares en 2012 elevó su mercado a una nueva estratosfera. Pronto otras obras de su obra superaron ese récord. Otra obra, Sin título (1981), que representa a un pescador, se vendió por 26,4 millones de dólares en 2012. En 2013, Dustheads (1982) se vendió por 48,8 millones de dólares en Christie's. El empresario japonés Yusaku Maezawa compró Sin título (1982), que representa una figura diabólica, por 57,3 millones de dólares en Christie's en 2017. Vendió la pintura por 85 millones de dólares en Phillips en 2022. Maezawa también compró Sin título (1982) de Basquiat, una poderosa representación de una calavera negra con riachuelos rojos y amarillos, por un récord de 110,5 millones de dólares en mayo de 2017. Es el segundo precio más alto jamás pagado en una subasta de obras de arte de un artista estadounidense.

En 2018, Flexible (1984) se vendió por 45,3 millones de dólares, convirtiéndose en la primera pintura de Basquiat posterior a 1983 en superar la marca de los 20 millones de dólares. En junio de 2020, Untitled (Head) (1982), vendida por 15,2 millones de dólares; un récord por una venta en línea de Sotheby's y un récord por una obra de Basquiat en papel. En julio de 2020, la aplicación Fair Warning de Loïc Gouzer anunció que un dibujo en papel sin título se vendió por 10,8 millones de dólares, un récord para una compra dentro de la aplicación. A principios de ese año, el empresario estadounidense Ken Griffin compró Boy and Dog in a Johnnypump (1982) por más de 100 millones de dólares al coleccionista de arte Peter Brant. En marzo de 2021, Warrior (1982) de Basquiat se vendió por 41,8 millones de dólares en Christie's en Hong Kong, que es la obra de arte occidental más cara vendida en una subasta en Asia. En mayo de 2021, In This Case (1983) de Basquiat se vendió por 93,1 millones de dólares en Christie's de Nueva York. Más tarde ese año, su pintura Donut Revenge (1982) se vendió por 20,9 millones de dólares en Christie's en Hong Kong.

Comité de autenticación

El comité de autenticación del patrimonio de Jean-Michel Basquiat fue formado por la Galería Robert Miller, la galería que fue asignada para manejar el patrimonio de Basquiat después de su muerte, en parte para luchar contra el creciente número de falsificaciones. y falsificaciones en el mercado Basquiat. El costo de la opinión del comité fue de $100. El comité estaba encabezado por el padre de Basquiat, Gérard Basquiat. Los miembros variaron según quién estaba disponible en el momento en que se autenticaba una pieza, pero incluyeron a los curadores y galeristas Diego Cortez, Jeffrey Deitch, Annina Nosei, John Cheim, Richard Marshall, Fred Hoffman y el editor Larry Warsh.

En 2008, el comité de autenticación fue demandado por el coleccionista Gerard De Geer, quien afirmó que el comité incumplió su contrato al negarse a ofrecer una opinión sobre la autenticidad de la pintura Fuego Flores (1983). Después de que se desestimó la demanda, el comité dictaminó que el trabajo era genuino. En enero de 2012, el comité anunció que después de dieciocho años se disolvería en septiembre de ese año y ya no consideraría solicitudes.

Sexualidad

Basquiat tuvo muchas relaciones románticas con mujeres. Aunque nunca se identificó públicamente como bisexual, tuvo relaciones sexuales con hombres según varios amigos. La biógrafa Phoebe Hoban afirmó que sus primeras experiencias sexuales fueron homosexuales cuando era menor de edad en Puerto Rico; había sido violado oralmente por un peluquero vestido de mujer, luego se involucró con un disc jockey. El crítico de arte Rene Ricard, quien ayudó a lanzar la carrera de Basquiat, dijo que Basquiat estaba metido en todo y había "hecho trucos". en Condado cuando vivía en Puerto Rico. Cuando era adolescente, Basquiat le dijo a un amigo que trabajaba como prostituto en la calle 42 de Manhattan cuando se escapó de su casa.

La ex novia de Basquiat, Suzanne Mallouk, describió su interés sexual como "no monocromático". No se basó en la estimulación visual, como una chica bonita. Era una sexualidad multicromática muy rica. Se sentía atraído por la gente por diferentes razones. Podían ser chicos, chicas, delgados, gordos, bonitos, feos... Le atraía más que nada la inteligencia y el dolor. Se sentía muy atraído por las personas que en silencio soportaban algún tipo de dolor interior como él, y amaba a las personas que eran únicas, las personas que tenían una visión única de las cosas."

Legado

Lugar Jean-Michel Basquiat en París, Francia

El patrimonio de Basquiat fue administrado por su padre, Gerard Basquiat, hasta su fallecimiento en 2013. Ahora está a cargo de sus hermanas, Jeanine Heriveaux y Lisane Basquiat.

En 2015, Basquiat apareció en la portada de la edición especial de arte y artistas de Vanity Fair. En 2016, la Sociedad para la Preservación Histórica de Greenwich Village colocó una placa conmemorativa de la vida de Basquiat fuera de su antigua residencia en 57 Great Jones Street en Manhattan. En 2017, Basquiat recibió póstumamente la llave de la ciudad de Brooklyn por parte del presidente del condado, Eric Adams, y fue honrado en el Celebrity Path en el Jardín Botánico de Brooklyn.

Antes de la exposición Basquiat: Boom for Real en el Barbican Centre de Londres en 2017, el grafitero Banksy creó dos murales inspirados en Basquiat en las paredes del Barbican. El primer mural muestra la pintura de Basquiat Boy and Dog in a Johnnypump (1982) siendo registrada por dos policías. El segundo mural representa un carrusel con los carruajes reemplazados por el motivo de la corona de la firma de Basquiat.

En 2018, una plaza pública en el distrito 13 de París recibió el nombre de Place Jean-Michel Basquiat en su memoria. Para la temporada 2020-21 de la NBA, los Brooklyn Nets honraron a Basquiat con su uniforme City Edition y un diseño de cancha inspirado en su arte. En 2021, la Fundación Joe y Clara Tsai financió un programa de artes educativas de Basquiat desarrollado en asociación entre los Brooklyn Nets, el Departamento de Educación de la Ciudad de Nueva York y el Fondo para Escuelas Públicas. Los Nets usaron una versión blanca del uniforme Basquiat City Edition para la temporada 2022-23 de la NBA.

Moda

En 2007, Basquiat fue incluido entre los 50 hombres con más estilo de los últimos 50 años de GQ. Basquiat a menudo pintaba con costosos trajes de Armani e hizo una sesión de fotos para Issey Miyake. Comme des Garçons era una de sus marcas favoritas; fue modelo para el desfile de moda Primavera 1986 en Nueva York y el desfile de moda Homme Plus Primavera/Verano 1987 en París. Para conmemorar las apariciones en pasarela de Basquiat, Comme des Garçons presentó sus estampados en la colección Otoño/Invierno 2018 de la marca. En 2015, Basquiat apareció en la portada de la edición Men's Style de T: The New York Times Style Magazine.

La colección Otoño/Invierno 2006 de Valentino rindió homenaje a Basquiat. Sean John creó una colección cápsula para el 30.º aniversario de la muerte de Basquiat en 2018. Las empresas de ropa y accesorios que han presentado el trabajo de Basquiat incluyen Uniqlo, Urban Outfitters, Supreme, Herschel Supply Co., Alice + Olivia, Olympia Le-Tan, DAEM, Coach New York y Saint Laurent. Empresas de calzado como Dr. Martens, Reebok y Vivobarefoot también han colaborado con el patrimonio de Basquiat.

En 2022, los herederos de Basquiat se asociaron con Black Fashion Fair para una colección cápsula de tirada limitada, que se exhibió en la exposición Jean-Michel Basquiat: King Pleasure en la ciudad de Nueva York..

Cine, televisión y teatro

Basquiat protagonizó Downtown 81, una película de vérité escrita por Glenn O'Brien y filmada por Edo Bertoglio en 1980–81, pero que no se estrenó hasta 2000. En 1996, el pintor Julian Schnabel hizo su debut cinematográfico con la película biográfica Basquiat. Está protagonizada por el actor Jeffrey Wright como Basquiat y David Bowie como Andy Warhol.

Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child, un documental dirigido por Tamra Davis, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2010 y se proyectó en la serie de PBS Independent Lens en 2011. Sara Driver dirigió el documental Boom for Real: The Late Teenage Years of Jean-Michel Basquiat, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2017. En 2018, PBS emitió el documental Basquiat: Rage to Riches como parte de la serie American Masters.

En enero de 2022, se informó que el actor Kelvin Harrison Jr. interpretará a Basquiat en una próxima película biográfica titulada Samo Lives, que será escrita, dirigida y producida por Julius Onah. En febrero de 2022, se anunció que el actor Stephan James protagonizará y coproducirá una serie limitada sobre Basquiat. De febrero a abril de 2022, The Collaboration, una obra sobre Basquiat y Warhol se presentará en el Young Vic Theatre de Londres con Jeremy Pope interpretando a Basquiat.

Un graffito mostrando a Jean-Michel Basquiat

Literatura

En 1991, el poeta Kevin Young publicó el libro Para repeler fantasmas, un compendio de 117 poemas relacionados con la vida de Basquiat, pinturas individuales y temas sociales que se encuentran en las obras del artista. trabajo Publicó un "remix" del libro en 2005. En 1993, se publicó un libro para niños titulado La vida no me asusta, que combina un poema escrito por Maya Angelou con el arte realizado por Basquiat.

En 1998, la periodista Phoebe Hoban publicó la biografía no autorizada Basquiat: A Quick Killing in Art. En 2000, la autora Jennifer Clement escribió las memorias Widow Basquiat: A Love Story, basadas en las narraciones que le contó la exnovia de Basquiat, Suzanne Mallouk.

En 2005, el poeta M. K. Asante publicó el poema "SAMO", dedicado a Basquiat, en su libro Beautiful. Y feo también. El libro infantil Radiant Child: The Story of Young Artist Jean-Michel Basquiat, escrito e ilustrado por Javaka Steptoe, se publicó en 2016. El libro ilustrado ganó la Medalla Caldecott en 2017. En En 2019, el ilustrador Paolo Parisi escribió la novela gráfica Basquiat: A Graphic Novel, siguiendo el viaje de Basquiat desde la leyenda del arte callejero SAMO hasta el favorito de la escena artística internacional, hasta su muerte.

Música

Poco después de la muerte de Basquiat, el guitarrista Vernon Reid de la banda de funk metal Living Color escribió una canción llamada "Desperate People", incluida en su álbum Vivid. La canción aborda principalmente la escena de las drogas de Nueva York en ese momento. Reid se inspiró para escribir la canción después de recibir una llamada telefónica de Greg Tate informándole de la muerte de Basquiat.

En agosto de 2014, Revelation 13:18 lanzó el sencillo "Old School" con Jean-Michel Basquiat, junto con el álbum homónimo Revelation 13:18 x Basquiat. La fecha de estreno de "Old School" coincidió con el aniversario de la muerte de Basquiat. En 2020, la banda de rock de Nueva York The Strokes utilizó la pintura de Basquiat Bird on Money (1981) como portada de su álbum The New Abnormal.