Jean-Luc Godard

Jean-Luc Godard (GOD-ar, goh-DAR; francés: [ʒɑ̃ lyk ɡɔdaʁ]; 3 de diciembre de 1930 - 13 de septiembre de 2022) fue un director de cine, guionista y crítico de cine franco-suizo. Saltó a la fama como pionero del movimiento cinematográfico francés New Wave de la década de 1960, junto a cineastas como François Truffaut, Agnès Varda, Éric Rohmer y Jacques Demy. Podría decirse que fue el cineasta francés más influyente de la era de la posguerra. Según AllMovie, su trabajo "revolucionó la forma cinematográfica" a través de su experimentación con la narrativa, la continuidad, el sonido y el trabajo de cámara. Sus películas más aclamadas incluyen Breathless (1960), Vivre sa vie (1962), Contempt (1963), Band of Outsiders (1964), Alphaville (1965), Pierrot le Fou (1965), Masculin Féminin (1966), Fin de semana (1967) y Adiós al lenguaje (2014).

Al principio de su carrera como crítico de cine para la influyente revista Cahiers du Cinéma, Godard criticó la 'Tradición de calidad' del cine francés dominante, que restaba importancia innovación y experimentación. En respuesta, él y críticos afines comenzaron a hacer sus propias películas, desafiando las convenciones del Hollywood tradicional además del cine francés. Godard recibió reconocimiento mundial por primera vez por su largometraje de 1960 Breathless, que ayudó a establecer el movimiento New Wave. Su obra hace uso de frecuentes homenajes y referencias a la historia del cine, y expresa a menudo sus puntos de vista políticos; era un ávido lector de existencialismo y filosofía marxista, y en 1969 formó el Grupo Dziga Vertov con otros cineastas radicales para promover obras políticas. Después de la Nueva Ola, su política fue menos radical y sus últimas películas tratan sobre el conflicto humano y la representación artística 'desde una perspectiva humanista más que marxista'.

Godard estuvo casado tres veces, con las actrices Anna Karina y Anne Wiazemsky, quienes protagonizaron varias de sus películas, y más tarde con su pareja Anne-Marie Miéville. Sus colaboraciones con Karina, que incluyeron películas aclamadas por la crítica como Vivre sa vie (1962), Bande à part (1964) y Pierrot le Fou (1965), fueron llamados "posiblemente el cuerpo de trabajo más influyente en la historia del cine" por la revista Filmmaker. En un 2002 Sight & Encuesta de sonido, Godard ocupó el tercer lugar en la encuesta de los críticos. Los diez mejores directores de todos los tiempos. Se dice que "generó uno de los cuerpos de análisis crítico más grandes de cualquier cineasta desde mediados del siglo XX". Su trabajo ha sido fundamental para la teoría narrativa y ha "desafiado tanto las normas del cine narrativo comercial como el vocabulario de la crítica cinematográfica". En 2010, Godard recibió un Premio Honorífico de la Academia.

Primeros años

Jean-Luc Godard nació el 3 de diciembre de 1930 en el distrito 7 de París, hijo de Odile (née Monod) y Paul Godard, un médico suizo. Sus padres adinerados procedían de familias protestantes de ascendencia franco-suiza, y su madre era hija de Julien Monod, uno de los fundadores de Banque Paribas. Era bisnieta del teólogo Adolphe Monod. Otros parientes por parte de su madre incluyen al compositor Jacques-Louis Monod, el naturalista Théodore Monod, el pastor Frédéric Monod y el ex primer ministro y luego presidente de Perú Pedro Pablo Kuczynski. Cuatro años después del nacimiento de Jean-Luc, su padre se mudó con la familia a Suiza. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Godard estaba en Francia y regresó a Suiza con dificultad. Pasó la mayor parte de la guerra en Suiza, aunque su familia realizó viajes clandestinos a la finca de su abuelo en el lado francés del lago de Ginebra. Godard asistió a la escuela en Nyon, Suiza.

No era un cinéfilo frecuente, atribuyó su introducción al cine a la lectura del ensayo de André Malraux Esquema de una psicología del cine, y su lectura de La Revue du cinéma, que se relanzó en 1946. En 1946, fue a estudiar al Lycée Buffon de París y, a través de conexiones familiares, se mezcló con miembros de su élite cultural. Se alojó con el escritor Jean Schlumberger. Habiendo reprobado su examen de bachillerato en 1948, regresó a Suiza. Estudió en Lausana y vivió con sus padres, cuyo matrimonio se estaba rompiendo. Pasó un tiempo en Ginebra también con un grupo que incluía a otro fanático del cine, Roland Tolmatchoff, y al filósofo de extrema derecha Jean Parvulesco. Su hermana mayor, Rachel, lo animó a pintar, lo cual hizo, en un estilo abstracto. Después de pasar un tiempo en un internado en Thonon para prepararse para la nueva prueba, que aprobó, regresó a París en 1949. Se matriculó para obtener un certificado en antropología en la Universidad de París (Sorbona), pero no asistió a clase.

Principios de su carrera (1950-1959)

Crítica de cine

En París, en el Barrio Latino justo antes de 1950, los ciné-clubs (sociedades cinematográficas) estaban ganando protagonismo. Godard comenzó a asistir a estos clubes: la Cinémathèque Française, el Ciné-Club du Quartier Latin (CCQL), el ciné club Work and Culture y otros, que se convirtieron en sus lugares habituales. La Cinémathèque fue fundada por Henri Langlois y Georges Franju en 1936; Trabajo y Cultura fue un proyecto de los trabajadores. grupo de educación para el que André Bazin había organizado proyecciones y debates de películas en tiempos de guerra y que se había convertido en un modelo para los cineclubes que habían surgido en toda Francia después de la Liberación; CCQL, fundado alrededor de 1947 o 1948, fue animado y dirigido intelectualmente por Maurice Schérer. En estos clubes conoció a otros entusiastas del cine, incluidos Jacques Rivette, Claude Chabrol y François Truffaut. Godard formó parte de una generación para la que el cine adquirió una importancia especial. Él dijo: “En la década de 1950, el cine era tan importante como el pan, pero ya no es el caso. Pensamos que el cine se afirmaría como un instrumento de conocimiento, un microscopio... un telescopio... En la Cinémathèque descubrí un mundo del que nadie me había hablado. Nos habían hablado de Goethe, pero no de Dreyer... Veíamos películas mudas en la era del cine sonoro. Soñamos con el cine. Éramos como cristianos en las catacumbas."

Su incursión en el cine comenzó en el campo de la crítica. Junto con Maurice Schérer (escribiendo bajo el seudónimo de Éric Rohmer, que se convertiría en famoso) y Jacques Rivette, fundó la revista de cine de corta duración La Gazette du cinéma [fr], que vio la publicación de cinco números en 1950. Cuando Bazin cofundó la influyente revista crítica Cahiers du Cinéma en 1951, Godard fue el primero de los jóvenes críticos del grupo CCQL/Cinémathèque en ser publicado. El número de enero de 1952 presentó su reseña de un melodrama estadounidense dirigido por Rudolph Maté, No Sad Songs for Me. Su "Defensa e ilustración del découpage clásico" publicado en septiembre de 1952, en el que ataca un artículo anterior de Bazin y defiende el uso de la técnica plano-contraplano, es una de sus primeras contribuciones importantes a la crítica cinematográfica. Alabando a Otto Preminger y al 'mejor artista estadounidense: Howard Hawks', Godard eleva sus duros melodramas por encima de las 'películas más formalistas y abiertamente artísticas de Welles, De Sica y Wyler que Bazin apoyó'.. En este punto, las actividades de Godard no incluían hacer películas. Más bien, vio películas, escribió sobre ellas y ayudó a otros a hacer películas, en particular a Rohmer, con quien trabajó en Présentation ou Charlotte et son steak.

Hacer cine

Habiendo dejado París en el otoño de 1952, Godard regresó a Suiza y se fue a vivir con su madre a Lausana. Se hizo amigo del amante de su madre, Jean-Pierre Laubscher, que trabajaba en la presa Grande Dixence. A través de Laubscher, él mismo consiguió trabajo como obrero de la construcción en el sitio de trabajo de Plaz Fleuri en la presa. Vio la posibilidad de hacer un documental sobre la represa; cuando terminó su contrato inicial, para prolongar su tiempo en la presa, pasó al puesto de operador de centralita telefónica. Mientras estaba de servicio, en abril de 1954, hizo una llamada a Laubscher que le transmitió el hecho de que Odile Monod, la madre de Godard, había muerto en un accidente de scooter. Gracias a amigos suizos que le prestaron una cámara de cine de 35 mm, pudo filmar en película de 35 mm. Reescribió el comentario que había escrito Laubscher y le dio a su película un título en rima Opération béton (Operation Concrete). La empresa que administraba la represa compró la película y la utilizó con fines publicitarios.

Mientras continuaba trabajando para Cahiers, realizó Une femme coquette (1955), un corto de 10 minutos, en Ginebra; y en enero de 1956 regresa a París. Un plan para un largometraje de las Afinidades electivas de Goethe resultó ser demasiado ambicioso y quedó en nada. Truffaut solicitó su ayuda para trabajar en una idea que tenía para una película basada en la historia real de un delincuente de poca monta, Michel Portail, que le había disparado a un policía en motocicleta y cuya novia lo había entregado a la policía, pero Truffaut no lo logró. interesar a ningún productor. También se abandonó otro proyecto con Truffaut, una comedia sobre una chica de campo que llega a París. Trabajó con Rohmer en una serie planificada de cortometrajes centrados en la vida de dos mujeres jóvenes, Charlotte y Véronique; y en el otoño de 1957, Pierre Braunberger produjo la primera película de la serie, All the Boys Are Called Patrick, dirigida por Godard a partir del guión de Rohmer. A Story of Water (1958) se creó en gran parte a partir de imágenes no utilizadas filmadas por Truffaut. En 1958, Godard, con un reparto que incluía a Jean-Paul Belmondo y Anne Colette, realizó su último cortometraje antes de ganar protagonismo internacional como cineasta, Charlotte et son Jules, un homenaje a Jean Cocteau. La película se rodó en la habitación de hotel de Godard en la rue de Rennes y aparentemente reflejaba algo de la 'austeridad romántica' de la propia vida de Godard en este momento. Su amigo suizo Roland Tolmatchoff señaló: "En París tenía un gran cartel de Bogart en la pared y nada más". En diciembre de 1958, Godard informó desde el Festival de Cortometrajes de Tours y elogió el trabajo de Jacques Demy, Jacques Rozier y Agnès Varda, y se hizo amigo de ellos (ya conocía a Alain Resnais, cuya entrada elogió), pero Godard ahora quería hacer un largometraje. Viajó al Festival de Cine de Cannes de 1959 y le pidió a Truffaut que le permitiera utilizar la historia en la que habían colaborado en 1956, sobre el ladrón de coches Michel Portail. Buscó dinero del productor Georges de Beauregard, a quien había conocido anteriormente mientras trabajaba brevemente en el departamento de publicidad de la oficina de París de Twentieth Century Fox, y que también estaba en el Festival. Beauregard podía ofrecer su experiencia, pero estaba endeudado con dos producciones basadas en historias de Pierre Loti; por lo tanto, la financiación provino en cambio de un distribuidor de películas, René Pignières.

Período de la Nueva Ola (1960–1967)

El período más célebre de Godard como director abarca aproximadamente desde su primer largometraje, Breathless (1960), hasta Week End (1967). Su trabajo durante este período se centró en películas relativamente convencionales que a menudo se refieren a diferentes aspectos de la historia del cine. Aunque el trabajo de Godard durante este tiempo se considera innovador por derecho propio, el período contrasta con el que le siguió inmediatamente, durante el cual Godard denunció ideológicamente gran parte de la historia del cine como burguesa y, por lo tanto, sin mérito.

Películas

Sin aliento

Breathless (À bout de souffle) de Godard, 1960, protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, expresó claramente la Nueva Ola francesa. s, e incorporó citas de varios elementos de la cultura popular, específicamente del cine negro estadounidense. La película empleó varias técnicas, como el uso innovador de cortes de salto (que tradicionalmente se consideraban aficionados), apartes de personajes y romper la línea de visión en la edición de continuidad. Otro aspecto único de Breathless fue la escritura espontánea del guión el día del rodaje, una técnica que los actores encontraron inquietante, lo que contribuye al ambiente espontáneo, similar al de un documental, de la película.

Desde el comienzo de su carrera, Godard incluyó más referencias cinematográficas en sus películas que cualquiera de sus colegas de New Wave. En Breathless, sus citas incluyen un póster de película que muestra a Humphrey Bogart, de The Harder They Fall, su última película (cuya expresión el actor principal Jean-Paul Belmondo trata de imitar con reverencia)—citas visuales de películas de Ingmar Bergman, Samuel Fuller, Fritz Lang y otros; y una dedicatoria en pantalla a Monogram Pictures, un estudio estadounidense de películas B. Las citas y referencias a la literatura incluyen a William Faulkner, Dylan Thomas, Louis Aragon, Rilke, Françoise Sagan y Maurice Sachs. La película también contiene citas en imágenes o en la banda sonora: Mozart, Picasso, J. S. Bach, Paul Klee y Auguste Renoir. "Este cine en primera persona invocaba no la experiencia del director sino su presencia".

Godard quería contratar a la actriz estadounidense Jean Seberg, que vivía en París con su esposo, François Moreuil, abogado, para interpretar a la mujer estadounidense. Seberg se hizo famosa en 1956 cuando Otto Preminger la eligió para interpretar a Juana de Arco en su Saint Joan, y luego la eligió para su acidulada adaptación de 1958 de Bonjour Tristesse. En general, su actuación en esta película no se había considerado un éxito: The New York Times'</ El crítico de span la llamó una "aficionada fuera de lugar", pero Truffaut y Godard no estuvieron de acuerdo. Para el papel de Michel Poiccard, Godard eligió a Belmondo, un actor al que ya había llamado, escribiendo en Arts en 1958, "el Michel Simon y el Jules Berry del mañana". El camarógrafo fue Raoul Coutard, elegido por la productora Beauregard. Godard quería que Breathless se filmara como un documental, con una cámara de mano liviana y un mínimo de iluminación añadida; Coutard tenía experiencia como camarógrafo de documentales mientras trabajaba para el servicio de información del ejército francés en Indochina durante la guerra franco-indochina. Los travellings fueron filmados por Coutard desde una silla de ruedas empujada por Godard. Aunque Godard había preparado un guión tradicional, prescindió de él y escribió los diálogos día a día a medida que avanzaba la producción. La importancia de la película fue reconocida de inmediato, y en enero de 1960 Godard ganó el Premio Jean Vigo, otorgado 'para alentar a un autor del futuro'. Un crítico mencionó la profecía de Alexandre Astruc sobre la era de la caméra-stylo, la cámara que una nueva generación usaría con la eficacia con la que un escritor usa su pluma, "aquí es de hecho la primera obra auténticamente escrita con un caméra-stylo".

Anna Karina, habiendo rechazado un papel en Sin aliento, apareció en la próxima película filmada por Godard, Le petit soldat ()El pequeño soldado), que se refería a la guerra de Francia en Argelia.

Trabajo inicial con Anna Karina

En 1960, Godard rodó Le petit soldat (El pequeño soldado). El elenco incluía a la futura esposa de Godard, Anna Karina. En ese momento, Karina prácticamente no tenía experiencia como actriz. Godard usó su torpeza como un elemento de su actuación. Godard y Karina eran pareja al final del rodaje. Apareció de nuevo, junto con Belmondo, en la primera película en color de Godard, A Woman Is a Woman (1961), su primer proyecto en estrenarse. La película fue concebida como un homenaje al musical estadounidense. Los ajustes que Godard hizo a la versión original de la historia le dieron resonancias autobiográficas, "específicamente en lo que respecta a su relación con Anna Karina". La película reveló "el confinamiento entre las cuatro paredes de la vida doméstica" y "las fallas emocionales y artísticas que amenazaron su relación".

Mi vida para vivir

La siguiente película de Godard, Vivre sa vie (Mi vida para vivir, 1962), fue una de las más populares entre la crítica. Karina interpretó a Nana, una madre errante y aspirante a actriz cuyas circunstancias financieras difíciles la llevan a la vida de una prostituta. Es un relato episódico de sus racionalizaciones para demostrar que es libre, a pesar de que está atada al final de la corta correa de su proxeneta. En una escena, dentro de un café, extiende los brazos y anuncia que es libre de subirlos o bajarlos como desee.

La película fue un éxito popular y llevó a que Columbia Pictures le hiciera un trato en el que le proporcionarían $100,000 para hacer una película, con control artístico completo.

El Soldadito y Los Carabineros

Le petit soldat no se estrenó hasta 1963, la primera de las tres películas que estrenó ese año. Le petit soldat trató sobre la Guerra de Independencia de Argelia. Fue prohibido por el gobierno francés durante los siguientes dos años debido a su naturaleza política. El 'pequeño soldado' Bruno Forestier fue interpretado por Michel Subor. Forestier fue un personaje cercano al propio Godard, creador de imágenes e intelectual, 'más o menos mi portavoz, pero no totalmente' Godard le dijo a un entrevistador.

La película comienza el 13 de mayo de 1958, fecha del intento de golpe de estado en Argelia, y termina ese mismo mes. En la película, a Bruno Forestier, un reportero gráfico que tiene vínculos con un grupo paramilitar de derecha que trabaja para el gobierno francés, se le ordena asesinar a un profesor acusado de ayudar a la resistencia argelina. Está enamorado de Veronica Dreyer, una joven que ha trabajado con los combatientes argelinos. Es capturado por militantes argelinos y torturado. Su organización la captura y la tortura. Al hacer Le petit soldat, Godard dio el paso inusual de escribir diálogos todos los días y decir las líneas a los actores durante la filmación, una técnica que fue posible gracias a la filmación sin sonido directo y al doblaje de diálogos en la posproducción.

Su siguiente película fue Les Carabiniers, basada en una historia de Roberto Rossellini, una de las influencias de Godard. La película sigue a dos campesinos que se unen al ejército de un rey, solo para encontrar la futilidad en todo el asunto cuando el rey revela el engaño de los líderes que administran la guerra.

Desprecio

Su última película de 1963 y la película de mayor éxito comercial de su carrera fue Le Mépris (Contempt), protagonizada por Michel Piccoli y una de las más grandes de Francia. estrellas femeninas, Brigitte Bardot. La película sigue a Paul (Piccoli), un guionista a quien Prokosch (Jack Palance), un arrogante productor de cine estadounidense, le encarga que reescriba el guión de una adaptación de la Odisea de Homero, que el El director austriaco Fritz Lang ha estado filmando. Lang's 'alta cultura' La interpretación de la historia se pierde en Prokosch, cuyo personaje es una acusación firme de la jerarquía cinematográfica comercial.

Películas de Anouchka

En 1964, Godard y Karina formaron una productora, Anouchka Films. Dirigió Bande à part (Band of Outsiders), otra colaboración entre ambos y descrita por él como "Alicia en el País de las Maravillas reunida Franz Kafka." Sigue a dos jóvenes que buscan anotar en un atraco, ambos se enamoran de Karina y citan varias convenciones de películas de gángsters. Mientras promocionaba la película, Godard escribió que, según D. W. Griffith, todo lo que se necesita para hacer una película es 'una chica y un arma'.

Une femme mariée (Una mujer casada, 1964) siguió a Band of Outsiders. Era una imagen en blanco y negro lenta, deliberada, atenuada, sin una historia real. La película se rodó en cuatro semanas y fue "una película explícita y estrictamente modernista". Mostró el 'compromiso de Godard con el pensamiento más avanzado de la época, como se expresa en la obra de Claude Lévi-Strauss y Roland Barthes'. y su fragmentación y abstracción reflejaron también 'su pérdida de fe en los estilos familiares de Hollywood'. Godard realizó la película durante la fase de planificación de Pierrot le Fou (1965).

En 1965, Godard dirigió Alphaville, una mezcla futurista de ciencia ficción, cine negro y sátira. Eddie Constantine interpretó a Lemmy Caution, un detective que es enviado a una ciudad controlada por una computadora gigante llamada Alpha 60. Su misión es ponerse en contacto con el profesor von Braun (Howard Vernon), un famoso científico que se ha quedado misteriosamente en silencio y es se cree que es suprimida por la computadora. Su siguiente película fue Pierrot le Fou (1965). Gilles Jacob, autor, crítico y presidente del Festival de Cine de Cannes, lo calificó como una "retrospectiva" y recapitulación. Solicitó la participación de Jean-Paul Belmondo, por entonces un actor famoso, para garantizar la cantidad necesaria de fondos para la costosa película. Godard dijo que la película estaba "conectada con la violencia y la soledad que se encuentran tan cerca de la felicidad en la actualidad". Es en gran medida una película sobre Francia."

Masculin Féminin (1966), basado en dos cuentos de Guy de Maupassant, La Femme de Paul y Le Signe, fue un estudio de La juventud francesa contemporánea y su implicación en la política cultural. Un intertítulo se refiere a los personajes como "Los hijos de Marx y Coca-Cola". Aunque a veces se piensa que el cine de Godard representa un punto de vista completamente masculino, Phillip John Usher ha demostrado cómo la película, por la forma en que conecta imágenes y eventos dispares, parece desdibujar las líneas de género.

Godard siguió con Made in U.S.A (1966), cuyo material de origen fue The Jugger de Richard Stark. Un thriller policíaco clásico de la nueva ola, inspirado en las películas americanas de cine negro. Anna Karina interpreta a la antihéroe que busca a su amante asesinado y la película incluye un cameo de Marianne Faithfull. Un año más tarde llegaría Dos o tres cosas que sé de ella (1967), en la que Marina Vlady retrata a una mujer que lleva una doble vida como ama de casa y prostituta, considerada "entre los mayores logros en el cine."

La Chinoise (1967) vio a Godard en su forma más directa políticamente hasta el momento. La película se centró en un grupo de estudiantes y se comprometió con las ideas que surgían de los grupos activistas estudiantiles en la Francia contemporánea. Estrenada justo antes de los eventos de mayo de 1968, algunos creen que la película presagió las rebeliones estudiantiles que tuvieron lugar.

Fin de semana

Ese mismo año, Godard hizo una película más colorida y política, Week End. Sigue a una pareja parisina que se va de viaje de fin de semana por la campiña francesa para recoger una herencia. Lo que sigue es una confrontación con los defectos trágicos de la burguesía desmesurada. La película contiene una toma de seguimiento de ocho minutos de la pareja atrapada en un atasco de tráfico constante cuando salen de la ciudad, citada como una técnica que Godard usó para deconstruir las tendencias burguesas. Sorprendentemente, algunas tomas contienen imágenes adicionales de, por así decirlo, antes del comienzo de la toma (mientras los actores se preparan) y después del final de la toma (mientras los actores salen del personaje). La enigmática y audaz secuencia del título final de Week End, que dice "Fin del cine", marcó apropiadamente el final del período narrativo y cinematográfico en la obra de Godard. carrera cinematográfica.

Política

Godard era conocido por su "voz altamente política" y presentaba regularmente contenido político en sus películas. Uno de sus primeros largometrajes, Le petit soldat, que trataba sobre la Guerra de Independencia de Argelia, se destacó por su intento de presentar la complejidad de la disputa; la película fue percibida como equívoca y como una "equivalencia moral" entre las fuerzas francesas y el Frente de Liberación Nacional. En este sentido, Les Carabiniers presenta una guerra ficticia que inicialmente se romantiza en la forma en que sus personajes abordan su servicio, pero se convierte en una rígida metonimia contra la guerra. Además de los conflictos internacionales a los que Godard buscaba una respuesta artística, también estaba muy preocupado por los problemas sociales de Francia. El mejor y más temprano ejemplo de esto es la potente interpretación de Karina de una prostituta en Vivre sa vie. En la década de 1960 en París, el entorno político no se vio abrumado por un movimiento específico. Sin embargo, hubo un clima de posguerra distinto formado por varios conflictos internacionales, como el colonialismo en el norte de África y el sudeste asiático. La disposición marxista de Godard no se hizo muy explícita hasta La Chinoise y Week End, pero es evidente en varias películas, a saber, Pierrot y Una femme mariée.

Godard fue acusado por algunos de albergar puntos de vista antisemitas: en 2010, en el período previo a la presentación del Oscar honorífico de Godard, un artículo destacado en The New York Times por Michael Cieply llamó la atención sobre la idea, que había estado circulando en la prensa en semanas anteriores, de que Godard podría ser un antisemita y, por lo tanto, no merecer el galardón. Cieply hace referencia al libro de Richard Brody Everything is Cinema: The Working Life of Jean-Luc Godard, y aludió a un artículo anterior más extenso publicado por el Jewish Journal como yaciendo cerca del origen del debate. El artículo también se basa en el libro de Brody, por ejemplo, en la siguiente cita, que Godard hizo en televisión en 1981: "Moisés es mi principal enemigo... Moisés, cuando recibió los mandamientos, vio imágenes y los tradujo. Luego trajo los textos, no mostró lo que había visto. Por eso es que el pueblo judío está maldito."

Inmediatamente después de la publicación del artículo de Cieply, Brody dejó claro que criticaba el "uso extremadamente selectivo y restringido" de pasajes de su libro, y señaló que la obra de Godard abordaba el Holocausto con 'la mayor seriedad moral'. De hecho, sus documentales presentan imágenes del Holocausto en un contexto que sugiere que considera el nazismo y el Holocausto como el punto más bajo de la historia humana. Las opiniones de Godard se vuelven más complejas con respecto al Estado de Israel. En 1970, Godard viajó a Medio Oriente para hacer una película pro-palestina que no completó y cuyo metraje finalmente se convirtió en parte de la película de 1976 Ici et ailleurs. En esta película, Godard parece ver a los palestinos' causa como uno de los muchos movimientos revolucionarios de izquierda en todo el mundo. En otra parte, Godard se identificó explícitamente como antisionista pero negó las acusaciones de antisemitismo.

Guerra de Vietnam

Godard produjo varias piezas que abordan directamente la Guerra de Vietnam. Además, hay dos escenas en Pierrot le fou que abordan el tema. La primera es una escena que tiene lugar en el viaje inicial en automóvil entre Ferdinand (Belmondo) y Marianne (Karina). En la radio del auto, los dos escuchan el mensaje "guarnición masacrada por el Viet Cong que perdió 115 hombres". Marianne responde con una reflexión prolongada sobre la forma en que la radio deshumaniza a los combatientes de Vietnam del Norte. La guerra está presente a lo largo de la película en menciones, alusiones y representaciones en imágenes de noticieros, y el estilo de la película se vio afectado por la ira política de Godard por la guerra, alterando su capacidad para inspirarse en estilos cinematográficos anteriores.

Destaca que también participó en Loin du Vietnam (1967). Un proyecto contra la guerra, consta de siete bocetos dirigidos por Godard (que utilizó material de archivo de La Chinoise), Claude Lelouch, Joris Ivens, William Klein, Chris Marker, Alain Resnais y Agnès Varda.

Bertolt Brecht

El compromiso de Godard con el poeta y dramaturgo alemán Bertolt Brecht surge principalmente de su intento de transponer la teoría del teatro épico de Brecht y su perspectiva de alienar al espectador (Verfremdungseffekt) a través de una separación radical de los elementos del medio (teatro en el caso de Brecht, pero en el de Godard, cine). La influencia de Brecht se siente profundamente en gran parte del trabajo de Godard, particularmente antes de 1980, cuando Godard usó la expresión cinematográfica para fines políticos específicos.

Por ejemplo, el montaje elíptico de Breathless, que niega al espectador una narrativa fluida típica del cine convencional, obliga a los espectadores a asumir roles más críticos, conectando las piezas en sí mismas y viniendo lejos con más inversión en el contenido del trabajo. En muchas de sus piezas más políticas, en concreto Week-end, Pierrot le Fou, y La Chinoise, los personajes se dirigen al público con pensamientos, sentimientos e instrucciones.

Marxismo

Es posible una lectura marxista con la mayoría, si no todos, de los primeros trabajos de Godard. Sin embargo, la interacción directa de Godard con el marxismo no se vuelve explícitamente aparente hasta Week End, donde se cita el nombre de Karl Marx junto con figuras como Jesucristo. Un estribillo constante a lo largo del período cinematográfico de Godard es el del consumismo de la burguesía, la mercantilización de la vida y la actividad cotidianas y la alienación del hombre, todas características centrales de la crítica del capitalismo de Marx..

En un ensayo sobre Godard, el filósofo y estudioso de la estética Jacques Rancière afirma: "Cuando en Pierrot le fou, 1965, una película sin un mensaje político claro, Belmondo jugó con la palabra & #39;escándalo' y la 'libertad' que la faja Scandal supuestamente ofrecía a las mujeres, el contexto de una crítica marxista de la mercantilización, de la burla del arte pop al consumismo y de una denuncia feminista de la falsa 'liberación' de las mujeres, fue suficiente para fomentar una Lectura dialéctica del chiste y de toda la historia." La forma en que Godard trató la política en su período cinematográfico fue en el contexto de una broma, una obra de arte o una relación, presentados para ser utilizados como herramientas de referencia, romantizando la retórica marxista, en lugar de ser solo herramientas de educación.

Une femme mariée también se estructura en torno al concepto de fetichismo de la mercancía de Marx. Godard dijo una vez que se trata de "una película en la que los individuos son considerados como cosas, en la que se alternan persecuciones en taxi con entrevistas etológicas, en la que el espectáculo de la vida se entremezcla con su análisis". Era muy consciente de la forma en que deseaba retratar al ser humano. Sus esfuerzos son abiertamente característicos de Marx, quien en sus Manuscritos económicos y filosóficos de 1844 da una de sus elaboraciones más matizadas, analizando cómo el trabajador es alienado de su producto, el objeto de su actividad productiva. Georges Sadoul, en su breve reflexión sobre la película, la describe como un "estudio sociológico de la alienación de la mujer moderna".

Período revolucionario (1968-1979)

El período que se extiende desde mayo de 1968 hasta la década de 1970 ha recibido varias etiquetas, desde su "militante" período, a su "radical" período, junto con términos tan específicos como "maoísta" y tan vago como "político". En cualquier caso, el período vio a Godard emplear una retórica revolucionaria consistente en sus películas y en sus declaraciones públicas.

Inspirado por la agitación de mayo del 68, Godard, junto con François Truffaut, encabezó las protestas que cerraron el Festival de Cine de Cannes de 1968 en solidaridad con los estudiantes y trabajadores. Godard dijo que no se proyectó una sola película en el festival que representara sus causas. "Ninguno, ya sea de Milos [Forman], yo mismo, [Roman] Polanski o François. No hay ninguno. Estamos atrasados."

Películas

En medio de las convulsiones de finales de la década de 1960, Godard se apasionó por "hacer películas políticas políticamente". Aunque muchas de sus películas de 1968 a 1972 son largometrajes, son de bajo presupuesto y desafían la noción de lo que puede ser una película. Además de abandonar el cine convencional, Godard también trató de escapar del culto a la personalidad que se había formado a su alrededor. Trabajó de forma anónima en colaboración con otros cineastas, entre los que destaca Jean-Pierre Gorin, con quien formó el colectivo de cine Dziga-Vertov. Durante este período, Godard hizo películas en Inglaterra, Italia, Checoslovaquia, Palestina y Estados Unidos, además de Francia. Él y Gorin realizaron giras con su trabajo, intentando generar debate, principalmente en los campus universitarios. Este período llegó a su clímax con la producción de gran presupuesto Tout Va Bien, protagonizada por Yves Montand y Jane Fonda. Debido a un accidente de motocicleta que dejó severamente incapacitado a Godard, Gorin terminó dirigiendo el más célebre de sus trabajos juntos casi sin ayuda. Como pieza complementaria de Tout va bien, la pareja hizo Letter to Jane, un "examen de un fotograma&#34 de 50 minutos de duración. mostrando a Jane Fonda visitando al Viet Cong durante la Guerra de Vietnam. La película es una deconstrucción de la ideología imperialista occidental. Esta fue la última película que Godard y Gorin hicieron juntos.

En 1978, el gobierno mozambiqueño encargó a Godard que hiciera un cortometraje. Durante este tiempo, su experiencia con la película Kodak lo llevó a criticar la película como "inherentemente racista" ya que no reflejaba la variedad, matiz o complejidad en piel morena u oscura. Esto se debió a que las tarjetas Kodak Shirley solo se hicieron para sujetos caucásicos, un problema que no se solucionó hasta 1995.

Imagen de hijo

En 1972, Godard y su compañera de vida, la cineasta suiza Anne-Marie Miéville, iniciaron la empresa de producción y distribución de videos alternativos Sonimage, con sede en Grenoble. Bajo Sonimage, Godard produjo Comment ca va, Numéro Deux (1975) y Sauve qui peut (la vie) (1980). En 1976, Godard y Miéville, su esposa, colaboraron en una serie de obras de video innovadoras para la televisión abierta europea, tituladas Six fois deux/Sur et sous la communication (1976) y France/tour /détour/deux/enfants (1978). Desde el momento en que Godard volvió al cine convencional en 1980, Anne-Marie Miéville siguió siendo una importante colaboradora.

Jean Pierre Gorin

Tras los sucesos de mayo de 1968, cuando la ciudad de París se convulsionó totalmente en respuesta al "autoritario de Gaulle", y se replanteó el objetivo profesional de Godard, comenzó a colaborar con personas de ideas afines en el campo del cine. Su colaborador más notable fue Jean-Pierre Gorin, alumno maoísta de Louis Althusser, Michel Foucault y Jacques Lacan, quien luego se convirtió en profesor de Estudios Cinematográficos en la Universidad de California en San Diego, con una pasión por el cine que atrajo a Godard. 39;s atención.

Entre 1968 y 1973, Godard y Gorin colaboraron para realizar un total de cinco películas con fuertes mensajes maoístas. La película más destacada de la colaboración fue Tout Va Bien (1972). La película fue protagonizada por Jane Fonda, quien en ese momento era la esposa del cineasta francés Roger Vadim. Fonda estaba en el apogeo de su carrera como actriz, ganó un premio de la Academia por su actuación en Klute (1971) y ganó notoriedad como activista de izquierda contra la guerra. El protagonista masculino era el legendario cantante y actor francés Yves Montand, que había aparecido en prestigiosas películas de Georges Clouzot, Alain Résnais, Sacha Guitry, Vincente Minelli, George Cukor y Costa-Gavras.

Grupo Dziga Vertov

El pequeño grupo de maoístas que Godard había reunido, que incluía a Gorin, adoptó el nombre de Grupo Dziga Vertov. Godard tenía un interés específico en Dziga Vertov, un cineasta soviético conocido por una serie de documentales radicales titulados "Kino Pravda" (literalmente, "la verdad de la película") y el largometraje tardío de la era muda Man with a Movie Camera (1929). Vertov también fue contemporáneo tanto de los teóricos del montaje soviéticos, en particular de Sergei Eisenstein, como de los artistas constructivistas y de vanguardia rusos, como Alexander Rodchenko y Vladimir Tatlin. Parte del cambio político de Godard después de mayo de 1968 fue hacia una participación proactiva en la lucha de clases y se inspiró en cineastas asociados con la Revolución Rusa.

Hacia el final de este período de su vida, Godard comenzó a sentirse decepcionado con sus ideales maoístas y fue abandonado por su entonces esposa, Anne Wiazemsky. En este contexto, según el biógrafo Antoine de Baecque, Godard intentó suicidarse en dos ocasiones.

Regreso a las películas comerciales e Histoire(s) du cinéma: 1980–2000

Godard volvió a una ficción algo más tradicional con Sauve qui peut (la vie) (1980), la primera de una serie de películas más comerciales marcadas por corrientes autobiográficas: le siguió Passion, Lettre à Freddy Buache (ambas de 1982), Prénom Carmen (1983) y Grandeur et décadence d'un petit commerce de cine (1986). Sin embargo, hubo otra oleada de controversia con Je vous salue, Marie (1985), que fue condenada por la Iglesia Católica Romana por supuesta herejía, y también con King Lear. (1987), un ensayo fílmico sobre William Shakespeare y el lenguaje. También se completó en 1987 un segmento de la película Aria que se basó libremente en la trama de Armide; está ambientado en un gimnasio y utiliza varias arias de Jean-Baptiste Lully de su famoso Armide.

Sus últimas películas estuvieron marcadas por una gran belleza formal y, con frecuencia, un sentido de réquiem: Nouvelle Vague (New Wave, 1990), la autobiográfica JLG/JLG, autorretrato de décembre (JLG/JLG: Autorretrato en diciembre, 1995) y For Ever Mozart (1996). Allemagne année 90 neuf zéro (Alemania Año 90 Nueve Cero, 1991) que es una cuasi-secuela de Alphaville, pero realizada con un tono elegíaco y centrarse en la inevitable decadencia de la edad. En 1990, Godard recibió un premio especial de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine. Entre 1988 y 1998, produjo la serie de varias partes Histoire(s) du cinéma, un proyecto monumental que combinó todas las innovaciones de su trabajo en video con un apasionado compromiso con los temas de la historia del siglo XX. y la historia del cine en sí.

Películas de época tardía: 2001-2022

En 2001, se lanzó Éloge de l'amour (Elogio del amor). La película se destaca por el uso de película y video: la primera mitad capturada en 35 mm en blanco y negro, la segunda mitad filmada en color en DV, y luego transferida a la película para su edición. La película también se destaca por contener temas de envejecimiento, amor, separación y redescubrimiento, ya que sigue al joven artista Edgar en su contemplación de un nuevo trabajo sobre las cuatro etapas del amor. En Notre musique (2004), Godard centró su atención en la guerra, específicamente, la guerra en Sarajevo, pero con atención a todas las guerras, incluida la Guerra Civil Estadounidense, la guerra entre los EE. UU. y los nativos americanos, y el conflicto israelí-palestino. La película se estructura en tres reinos dantescos: Infierno, Purgatorio y Paraíso. La fascinación de Godard por la paradoja es constante en la película. Comienza con un largo y pesado montaje de imágenes de guerra que ocasionalmente cae en lo cómico; Paradise se muestra como una exuberante playa arbolada patrullada por marines estadounidenses.

La película de Godard Film Socialisme (2010) se estrenó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cine de Cannes de 2010. Se estrenó en cines en Francia en mayo de 2010. Se rumoreaba que Godard estaba considerando dirigir una adaptación cinematográfica de The Lost: A Search for Six of Six Million de Daniel Mendelsohn, un libro galardonado sobre el Holocausto. En 2013, Godard estrenó el cortometraje Les trois désastres (Los tres desastres) como parte de la película ómnibus 3X3D con los cineastas Peter Greenaway y Edgar Pera.. 3X3D se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2013. Su película de 2014 Goodbye to Language, filmada en 3-D, gira en torno a una pareja que no puede comunicarse entre sí hasta que su perro actúa como intérprete para ellos. La película hace referencia a una amplia gama de influencias, como las pinturas de Nicolas de Staël y la escritura de William Faulkner, así como el trabajo del matemático Laurent Schwartz y el dramaturgo Bertolt Brecht, una de las influencias más importantes de Godard. Fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en la sección de competición principal del Festival de Cine de Cannes de 2014, donde ganó el Premio del Jurado. El guión no tradicional de Godard para la película se describió como un collage de texto e imágenes escritos a mano, y una 'obra de arte'. sí mismo.

En 2015, J. Hoberman informó que Godard estaba trabajando en una nueva película. Inicialmente titulado Tentative de bleu, en diciembre de 2016, el codirector de Wild Bunch, Vincent Maraval, declaró que Godard había estado filmando Le livre d'image (The Image Book ) durante casi dos años "en varios países árabes, incluido Túnez" y que es un examen del mundo árabe moderno. Le livre d'image se mostró por primera vez en noviembre de 2018. El 4 de diciembre de 2019, se inauguró una instalación de arte creada por Godard en la Fondazione Prada de Milán. Titulada Le Studio d'Orphée, la instalación es un espacio de trabajo recreado e incluye equipos de edición, mobiliario y otros materiales utilizados por Godard en la posproducción.

En 2020, Godard le dijo a Les Inrockuptibles que su nueva película trataría sobre un manifestante de los chalecos amarillos e indicó que, junto con las imágenes de archivo, "también habrá un rodaje". No sé si encontraré lo que se llaman actores... Me gustaría filmar a la gente que vemos en los canales de noticias pero sumergiéndolos en una situación donde documental y ficción se dan la mano." En marzo de 2021 dijo que estaba trabajando en dos nuevas películas durante una entrevista virtual en el Festival Internacional de Cine de Kerala. Godard dijo: "Estoy terminando mi vida cinematográfica, sí, mi vida de cineasta, haciendo dos guiones... Después, diré: 'Adiós, cine". '"

En julio de 2021, el director de fotografía y colaborador de mucho tiempo Fabrice Aragno dijo que el trabajo en las películas iba lento y que Godard estaba más centrado en "libros, en las ideas de la película y menos en la realización". 34; Godard sugirió hacer una película como La Jetée de Chris Marker para "volver a su origen". Gran parte de la película se filmaría en película de 35 mm, 16 mm y 8 mm, pero el costo de la película de celuloide y la pandemia de COVID-19 paralizaron la producción. Aragno esperaba filmar imágenes de prueba ese otoño. Agregó que la segunda película fue para el canal Arte de Francia.

Aragno dijo que no creía que ninguna de las dos películas fuera la última de Godard, y agregó: "A menudo digo esto: Éloge de l'amour fue el comienzo de su último gesto. Estas cinco, seis o siete películas están conectadas entre sí de alguna manera, no son solo puntos finales. No es solo una pintura."

Legado

Godard ha sido reconocido como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX y uno de los líderes de la Nueva Ola francesa.

En 1969, el crítico de cine Roger Ebert escribió sobre la importancia de Godard en el cine:

Godard es director de la primera fila; ningún otro director en la década de 1960 ha tenido más influencia en el desarrollo de la película de largometraje. Como Joyce en ficción o Beckett en el teatro, es un pionero cuyo trabajo actual no es aceptable para el público actual. Pero su influencia en otros directores está creando y educando gradualmente a un público que, tal vez en la próxima generación, podrá mirar de nuevo sus películas y ver que aquí es donde comenzó su cine.

El cineasta Quentin Tarantino nombró a una productora que fundó A Band Apart, una referencia a la película de 1964 de Godard.

El director italiano Bernardo Bertolucci incluyó un homenaje a Band of Outsiders en su película The Dreamers.

Los trabajos e innovaciones de Godard fueron elogiados por directores notables como Michelangelo Antonioni, Satyajit Ray y Orson Welles. Fritz Lang aceptó participar en la película Le Mépris de Godard debido a su admiración por Godard como director. Akira Kurosawa incluyó 'Breathless' como una de sus 100 películas favoritas. El activista político, crítico y cineasta Tariq Ali incluyó la película de Godard Tout Va Bien como una de sus diez películas favoritas de todos los tiempos en la lista de críticos de Sight and Sound de 2012. encuesta. El crítico de cine estadounidense Armond White incluyó la película Nouvelle Vague de Godard como una de sus diez películas favoritas en la misma encuesta.

Las películas de Godard han influido e inspirado a muchos directores, incluidos Martin Scorsese, Quentin Tarantino, Francis Ford Coppola, George Lucas, David Lynch, David Cronenberg, Peter Bogdanovich, Brian De Palma, Oliver Stone, William Friedkin, Steven Soderbergh, Andrei Tarkovsky, Andrei Konchalovsky, Alejandro Jodorowsky, Abbas Kiarostami, Lars von Trier, Atom Egoyan, D. A. Pennebaker, Claire Denis, Robert Altman, Jim Jarmusch, Takeshi Kitano, Gaspar Noé, John Waters, Mamoru Oshii, Shane Carruth, Stan Brakhage, Ken Loach, Kevin Macdonald, Abel Ferrara, Luca Guadagnino, Terence Davies, Paul Schrader, Rainer Werner Fassbinder, Wong Kar-wai, Edward Yang, Hou Hsiao-hsien, Wim Wenders, Chantal Akerman, Bela Tarr, Theo Angelopoulos, Raoul Peck, Glauber Rocha, Fernando Solanas, Octavio Getino, Emir Kusturica, Terrence Malick, Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Richard Linklater, Harmony Korine, Darren Aronofsky, Bernardo Bertolucci, Dušan Makavejev, Marco Bellocchio y Pier Paolo Pasoli ni.

Cuatro de las películas de Godard están incluidas en la edición de 2022 de la lista de las 100 mejores películas de la revista Sight and Sound del British Film Institute (BFI): Breathless (13), Le Mépris (21), Pierrot le Fou (42), e Histoire(s) du cinéma (48).

El 60° Festival de Cine de Nueva York, que se llevó a cabo en 2022, rindió homenaje a Goddard, quien murió a principios de ese año.

Vida y muerte personales

Godard estuvo casado con dos de sus principales mujeres: Anna Karina (1961–1965) y Anne Wiazemsky (1967–1979). A partir de 1970, colaboró personal y profesionalmente con Anne-Marie Miéville. Godard vivió con Miéville en Rolle, Suiza, desde 1978 en adelante, y su ex esposa Karina lo describió como un 'recluso'. Godard se casó con Miéville en la década de 2010, según Patrick Jeanneret, asesor de Godard.

Su relación con Karina en particular produjo algunas de sus películas más aclamadas por la crítica, y su relación fue ampliamente publicitada: The Independent los describió como "una de las parejas más célebres de la década de 1960& #34;. La revista Filmmaker calificó sus colaboraciones como "posiblemente el cuerpo de trabajo más influyente en la historia del cine". Sin embargo, al final de su vida, Karina dijo que ya no se hablaban.

A través de su padre, era primo de Pedro Pablo Kuczynski, expresidente de Perú.

En 2017, Michel Hazanavicius dirigió una película sobre Godard, Temible, basada en las memorias One Year After (en francés: Un an après; 2015) de Wiazemsky. Se centra en su vida a fines de la década de 1960, cuando él y Wiazemsky hicieron películas juntos. La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 2017. Godard dijo que la película era una "idea estúpida, estúpida".

El documental Faces Places de Agnes Varda de 2017 culmina con Varda y el codirector JR llamando a la puerta principal de Godard en Rolle para una entrevista. Godard accedió a la reunión pero "los deja plantados". Su sobrino y asistente Paul Grivas dirigió el documental Film Catastrophe de 2018, que incluía imágenes detrás de escena, filmadas en el crucero Costa Concordia por Grivas durante la realización de Film Socialism, de Godard trabajando con actores y dirigiendo la película. Godard participó en el documental de 2022 See You Friday, Robinson [fr]. La directora Mitra Farahani inició un intercambio de correos electrónicos entre Godard y el cineasta iraní Ebrahim Golestan, con cartas de texto enviadas por correo electrónico desde Golestan y "videos, imágenes y aforismos" respuestas de Godard.

A la edad de 91 años, Godard murió el 13 de septiembre de 2022, en su casa de Rolle. Su muerte fue reportada como un procedimiento de suicidio asistido, que es legal en Suiza. El asesor legal de Godard dijo que tenía 'múltiples patologías incapacitantes', pero un familiar dijo que 'no estaba enfermo, simplemente estaba agotado'. Miéville estaba a su lado cuando murió. Su cuerpo fue incinerado y no hubo servicio funerario.

Filmografía seleccionada

Largometrajes

La lista excluye películas de antología multidirectoras a las que Godard ha contribuido cortos.

Colaboración con ECM Records

Godard tuvo una amistad duradera con Manfred Eicher, fundador y director del sello musical alemán ECM Records. El sello lanzó las bandas sonoras de Nouvelle Vague de Godard (ECM NewSeries 1600–01) e Histoire(s) du cinéma (ECM NewSeries 1706). Esta colaboración se amplió a lo largo de los años, lo que llevó a Godard a conceder a ECM permiso para utilizar imágenes fijas de sus películas en las portadas de álbumes, mientras que Eicher asumió la dirección musical de películas de Godard como Allemagne 90 neuf zéro., Hélas Pour Moi, JLG y For Ever Mozart. En sus películas se han utilizado pistas de discos de ECM; por ejemplo, la banda sonora de In Praise of Love utiliza ampliamente el álbum Epigraphs de Ketil Bjørnstad y David Darling. Godard también lanzó en la etiqueta una colección de cortos que hizo con Anne-Marie Miéville llamada Four Short Films (ECM 5001).

Entre las portadas de álbumes de ECM con fotogramas de películas de Godard se encuentran estas:

• Voci, obras de Luciano Berio interpretadas por Kim Kashkashian (ECM 1735)
• Palabras del Ángel, por Trio Mediaeval (ECM 1753)
• Morimur, por Christoph Poppen " The Hilliard Ensemble (ECM 1765)
• Canciones de Debussy y Mozart, por Juliane Banse & András Schiff (ECM 1772)
• Requiem for Larissa, por Valentin Silvestrov (ECM 1778)
• Alma de las cosas, por Tomasz Stanko Cuarteto (ECM 1788)
• Noche suspendida, por Tomasz Stanko Cuarteto (ECM 1868)
• Asturiana: Canciones de España y Argentina, por Kim Kashkashian " Robert Levin (ECM 1975)
• Distancias, por Norma Winstone, Glauco Venier " Klaus Gesing (ECM 2028)
• Vivir en Birdland, por Lee Konitz, Brad Mehldau, Charlie Haden " Paul Motian (ECM 2162)

Fuentes y lecturas adicionales