Jean-Baptiste-Camille Corot
Jean-Baptiste-Camille Corot (KORR-oh, kə-ROH, kor-OH, francés: [ʒɑ̃ batist kamij kɔʁo]; 16 de julio de 1796 - 22 de febrero de 1875), o simplemente Camille Corot, fue un paisajista y retratista francés, así como un grabador en aguafuerte. Una figura fundamental en la pintura de paisajes, su vasta producción hizo referencia simultáneamente a la tradición neoclásica y anticipó las innovaciones al aire libre del impresionismo.
Biografía
Primeros años y formación
Jean-Baptiste-Camille Corot nació en París el 16 de julio de 1796, en una casa en 125 Rue du Bac, ahora demolida. Su familia era de gente burguesa —su padre era peluquero y su madre, Marie-Françoise Corot, sombrerera— y, a diferencia de la experiencia de algunos de sus colegas artísticos, a lo largo de su vida nunca sintió la necesidad de dinero, ya que sus padres hacían buenas inversiones y manejaban bien sus negocios. Después de que sus padres se casaron, compraron la sombrerería donde había trabajado su madre y su padre abandonó su carrera como fabricante de pelucas para administrar la parte comercial de la tienda. La tienda era un destino famoso para los parisinos a la moda y le valió a la familia excelentes ingresos. Corot fue el segundo de los tres hijos de la familia, que vivía encima de su tienda durante esos años.
Corot recibió una beca para estudiar en el Lycée Pierre-Corneille de Rouen, pero lo dejó después de tener dificultades escolares y entró en un internado. "No fue un estudiante brillante, y en toda su carrera escolar no obtuvo una sola nominación a un premio, ni siquiera para las clases de dibujo." A diferencia de muchos maestros que demostraron temprano talento e inclinaciones hacia el arte, antes de 1815 Corot no mostró tal interés. Durante esos años vivió con la familia Sennegon, cuyo patriarca era amigo del padre de Corot y que pasaba mucho tiempo con el joven Corot en paseos por la naturaleza. Fue en esta región donde Corot realizó sus primeras pinturas sobre la naturaleza. A los diecinueve años, Corot era un "niño grande, tímido y torpe". Se sonrojaba cuando se le hablaba. Ante las bellas damas que frecuentaban el salón de su madre, se avergonzaba y huía como un salvaje... Emocionalmente, era un hijo cariñoso y bien portado, que adoraba a su madre y temblaba cuando su padre hablaba.& #34; Cuando los padres de Corot se mudaron a una nueva residencia en 1817, Corot, de 21 años, se mudó a la habitación con ventanas abuhardilladas en el tercer piso, que también se convirtió en su primer estudio.
Con la ayuda de su padre, Corot se convirtió en aprendiz de pañero, pero odiaba la vida comercial y despreciaba lo que él llamaba "trucos comerciales", pero permaneció fielmente en el oficio hasta los 26 años, cuando su padre consintió en que adoptara la profesión del arte. Más tarde, Corot declaró: "Le dije a mi padre que el negocio y yo éramos simplemente incompatibles, y que me iba a divorciar". Sin embargo, la experiencia comercial resultó beneficiosa al ayudarlo a desarrollar un sentido estético a través de su exposición a los colores y texturas de las telas. Tal vez por aburrimiento, se dedicó a la pintura al óleo hacia 1821 y comenzó de inmediato con los paisajes. A partir de 1822, después de la muerte de su hermana, Corot comenzó a recibir una asignación anual de 1500 francos que financió adecuadamente su nueva carrera, estudio, materiales y viajes por el resto de su vida. Inmediatamente alquiló un estudio en quai Voltaire.
Durante el período en que Corot adquirió los medios para dedicarse al arte, la pintura de paisajes estaba en auge y generalmente se dividía en dos campos: uno, el paisaje histórico de los neoclásicos en el sur de Europa que representaba vistas idealizadas de sitios reales y imaginarios poblados de antiguos, figuras mitológicas y bíblicas; y dos: paisaje realista, más común en el norte de Europa, que era en gran medida fiel a la topografía, la arquitectura y la flora reales, y que a menudo mostraba figuras de campesinos. En ambos enfoques, los paisajistas generalmente comenzarían con bocetos al aire libre y pintura preliminar, y terminarían el trabajo en interiores. El trabajo de los ingleses John Constable y J. M. W. Turner fue muy influyente para los paisajistas franceses a principios del siglo XIX, quienes reforzaron la tendencia a favor del realismo y se alejaron del neoclasicismo.
Durante un breve período entre 1821 y 1822, Corot estudió con Achille Etna Michallon, un paisajista de la época de Corot, protegido del pintor Jacques-Louis David y que ya era un maestro muy respetado. Michallon tuvo una gran influencia en la carrera de Corot. Las lecciones de dibujo de Corot incluyeron calcar litografías, copiar formas tridimensionales y hacer bocetos de paisajes y pinturas al aire libre, especialmente en los bosques de Fontainebleau, los puertos marítimos a lo largo de Normandía y los pueblos al oeste de París, como Ville-d'.;Avray (donde sus padres tenían una casa de campo). Michallon también lo expuso a los principios de la tradición neoclásica francesa, expuesta en el famoso tratado del teórico Pierre-Henri de Valenciennes, y ejemplificado en las obras de los neoclásicos franceses Claude Lorrain y Nicolas Poussin, cuyo principal objetivo era la representación de la belleza ideal. en la naturaleza, vinculado con eventos en la antigüedad.
Aunque esta escuela estaba en declive, todavía dominaba el Salón, la exposición de arte más importante de Francia a la que asistían miles de personas en cada evento. Corot declaró más tarde: "Hice mi primer paisaje de la naturaleza... bajo la mirada de este pintor, cuyo único consejo fue representar con el mayor escrúpulo todo lo que veía ante mí. La lección funcionó; desde entonces siempre he atesorado la precisión." Después de la temprana muerte de Michallon en 1822, Corot estudió con el maestro de Michallon, Jean-Victor Bertin, uno de los paisajistas neoclásicos más conocidos de Francia, quien hizo que Corot dibujara copias de litografías de temas botánicos para aprender técnicas orgánicas precisas. formularios Aunque tenía a los neoclásicos en la más alta consideración, Corot no limitó su formación a su tradición de alegoría ambientada en la naturaleza imaginada. Sus cuadernos revelan representaciones precisas de troncos de árboles, rocas y plantas que muestran la influencia del realismo nórdico. A lo largo de su carrera, Corot demostró una inclinación por aplicar ambas tradiciones en su trabajo, a veces combinándolas.
Primer viaje a Italia
Con sus padres' Corot siguió el patrón bien establecido de los pintores franceses que fueron a Italia a estudiar a los maestros del Renacimiento italiano y a dibujar los monumentos desmoronados de la antigüedad romana. Una condición de sus padres antes de irse fue que les pintara un autorretrato, el primero. La estancia de Corot en Italia desde 1825 hasta 1828 fue muy formativa y productiva, durante la cual completó más de 200 dibujos y 150 pinturas. Trabajó y viajó con varios pintores franceses jóvenes que también estudiaban en el extranjero, quienes pintaban juntos y socializaban por la noche en los cafés, criticándose y cotilleando. Corot aprendió poco de los maestros del Renacimiento (aunque más tarde citó a Leonardo da Vinci como su pintor favorito) y pasó la mayor parte de su tiempo en Roma y en la campiña italiana. Los Jardines Farnese con sus espléndidas vistas de las ruinas antiguas eran un destino frecuente, y lo pintó en tres momentos diferentes del día. La capacitación fue particularmente valiosa para obtener una comprensión de los desafíos de la perspectiva panorámica y de rango medio, y para colocar de manera efectiva las estructuras hechas por el hombre en un entorno natural. También aprendió cómo dar a los edificios y las rocas el efecto de volumen y solidez con la luz y la sombra adecuadas, utilizando una técnica suave y delgada. Además, colocar figuras adecuadas en un entorno secular era una necesidad de la buena pintura de paisajes, para agregar contexto y escala humanos, y era aún más importante en los paisajes alegóricos. Con ese fin, Corot trabajó en estudios de figuras con atuendos nativos y desnudos. Durante el invierno, pasaba un tiempo en un estudio, pero volvía a trabajar afuera tan pronto como el clima lo permitía. La intensa luz de Italia planteó desafíos considerables, "Este sol emite una luz que me desespera. Me hace sentir la absoluta impotencia de mi paleta." Aprendió a dominar la luz ya pintar las piedras y el cielo en variaciones sutiles y dramáticas.
No solo la arquitectura italiana y la luz captaron la atención de Corot. El Corot de florecimiento tardío también estaba fascinado con las mujeres italianas: "Todavía tienen las mujeres más hermosas del mundo que he conocido... sus ojos, sus hombros, sus manos son espectaculares". En eso superan a nuestras mujeres, pero por otro lado, no son sus iguales en gracia y bondad... Yo, como pintora, prefiero a la mujer italiana, pero me inclino por la mujer francesa cuando se trata de emoción. " A pesar de su fuerte atracción por las mujeres, escribió sobre su compromiso con la pintura: "Solo tengo un objetivo en la vida que quiero perseguir fielmente: hacer paisajes. Esta firme resolución me aleja de un apego serio. Es decir, en el matrimonio... pero mi carácter independiente y mi gran necesidad de estudio serio me hacen tomarme el asunto a la ligera."
Luchando por el Salón
Durante el período de seis años que siguió a su primera y segunda visita a Italia, Corot se concentró en preparar grandes paisajes para su presentación en el Salón. Varias de sus pinturas de salón fueron adaptaciones de sus bocetos al óleo italianos reelaborados en el estudio al agregar elementos formales imaginados consistentes con los principios neoclásicos. Un ejemplo de esto fue su primera entrada en el Salón, Vista de Narni (1827), donde tomó su estudio rápido y natural de las ruinas de un acueducto romano bajo un sol brillante y polvoriento y lo transformó en un falso idílico entorno pastoral con árboles de sombra gigantes y césped verde, una conversión destinada a atraer a los jurados neoclásicos. Muchos críticos han valorado mucho sus pinturas italianas al aire libre por su "germen del impresionismo", su fidelidad a la luz natural y su evitación de los valores académicos, a pesar de que estaban pensadas como estudios. Varias décadas más tarde, el impresionismo revolucionó el arte al adoptar un enfoque similar: pintura rápida y espontánea realizada al aire libre; sin embargo, donde los impresionistas usaban colores sin mezclar aplicados rápidamente para capturar la luz y el estado de ánimo, Corot generalmente mezclaba y mezclaba sus colores para obtener sus efectos de ensueño.
Cuando estaba fuera del estudio, Corot viajó por toda Francia, reflejando sus métodos italianos, y se concentró en paisajes rústicos. Regresó a la costa de Normandía ya Rouen, la ciudad en la que vivió de joven. Corot también hizo algunos retratos de amigos y familiares, y recibió sus primeros encargos. Su sensible retrato de su sobrina, Laure Sennegon, vestida de azul claro, fue uno de los más exitosos y luego fue donado al Louvre. Por lo general, pintó dos copias de cada retrato familiar, una para el sujeto y otra para la familia, y con frecuencia también hizo copias de sus paisajes.
En la primavera de 1829, Corot vino a Barbizon para pintar en el Bosque de Fontainebleau; había pintado por primera vez en el bosque de Chailly en 1822. Regresó a Barbizon en el otoño de 1830 y en el verano de 1831, donde realizó dibujos y estudios al óleo, a partir de los cuales realizó un cuadro destinado al Salón de 1830; su Vista del bosque de Fontainebleau (actualmente en la National Gallery de Washington) y, para el salón de 1831, otra Vista del bosque de Fontainebleau. Estando allí conoció a los miembros de la escuela de Barbizon; Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet y el joven Charles-François Daubigny. Corot exhibió un retrato y varios paisajes en el Salón de 1831 y 1833. Su recepción por parte de la crítica del Salón fue fría y Corot decidió regresar a Italia, al no haberlos satisfecho con sus temas neoclásicos.
Mitad de carrera
Durante sus dos viajes de regreso a Italia, visitó el norte de Italia, Venecia y nuevamente la campiña romana. En 1835, Corot causó sensación en el Salón con su cuadro bíblico Agar dans le desert (Agar en el desierto), que representaba a Agar, la sierva de Sara, y al niño Ismael, muriendo de sed en el desierto hasta que un ángel lo salva. El trasfondo probablemente se derivó de un estudio italiano. Esta vez, la declaración fresca e inesperada de Corot del ideal neoclásico tuvo éxito entre los críticos al demostrar "la armonía entre el escenario y la pasión o el sufrimiento que el pintor elige representar en él". Siguió eso con otros temas bíblicos y mitológicos, pero esas pinturas no tuvieron tanto éxito, ya que los críticos del Salón lo encontraron deficiente en comparación con Poussin. En 1837, pintó su primer desnudo superviviente, La ninfa del Sena. Más tarde, aconsejó a sus alumnos "El estudio del desnudo, ven, es la mejor lección que puede tener un paisajista. Si alguien sabe, sin trucos, dibujar una figura, es capaz de hacer un paisaje; de lo contrario nunca podrá hacerlo."
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Durante la década de 1840, Corot siguió teniendo problemas con la crítica (muchas de sus obras fueron rechazadas rotundamente para la exhibición en el Salón), y el público tampoco compró muchas obras. Si bien el reconocimiento y la aceptación por parte del establecimiento llegaron lentamente, en 1845 Baudelaire encabezó una carga que proclamó a Corot líder en la "escuela moderna de pintura de paisajes". Mientras que algunos críticos encontraron los colores de Corot 'pálidos' y su obra teniendo "torpeza ingenua", respondió astutamente Baudelaire, "M. Corot es más armonista que colorista, y sus composiciones, siempre libres de toda pedantería, resultan seductoras precisamente por la sencillez del color." En 1846, el gobierno francés lo condecoró con la cruz de la Légion d'honneur y en 1848 recibió una medalla de segunda clase en el Salón, pero como resultado recibió poco patrocinio estatal. Su única obra por encargo fue un cuadro religioso para una capilla bautismal pintado en 1847, a la manera de los maestros del Renacimiento. Aunque el establecimiento siguió refrenándose, otros pintores reconocieron la creciente estatura de Corot. En 1847, Delacroix anotó en su diario: “Corot es un verdadero artista. Hay que ver a un pintor en su sitio para hacerse una idea de lo que vale... Corot profundiza en un tema: le vienen ideas y va añadiendo mientras trabaja; es el enfoque correcto." Por recomendación de Delacroix, el pintor Constant Dutilleux compró un cuadro de Corot y comenzó una larga y gratificante relación con el artista, brindándole amistad y mecenas. El trato público de Corot mejoró dramáticamente después de la Revolución de 1848, cuando fue admitido como miembro del jurado del Salón. Fue ascendido a oficial del Salón en 1867.
Habiendo abandonado cualquier relación a largo plazo con mujeres, Corot se mantuvo muy cerca de sus padres incluso a los cincuenta años. Un contemporáneo dijo de él: "Corot es un hombre de principios, inconscientemente cristiano; entrega toda su libertad a su madre... tiene que rogarle repetidamente que le de permiso para salir... a cenar cada dos viernes." Aparte de sus frecuentes viajes, Corot permaneció estrechamente ligado a su familia hasta que sus padres murieron, entonces finalmente obtuvo la libertad de hacer lo que quisiera. Esa libertad le permitió contratar estudiantes para sesiones informales, incluidos los artistas judíos Édouard Brandon y el futuro impresionista Camille Pissarro, quien estuvo brevemente entre ellos. El vigor y los perspicaces consejos de Corot impresionaron a sus alumnos. Charles Daubigny declaró: "Él es un perfecto Old Man Joy, este padre Corot". En conjunto es un hombre maravilloso, que mezcla bromas con sus muy buenos consejos." Otro estudiante dijo de Corot, "los periódicos habían tergiversado tanto a Corot, poniendo a Teócrito y Virgilio en sus manos, que me sorprendió bastante encontrarlo sin saber ni griego ni latín... Su acogida es muy abierta, muy libre, muy divertido: te habla o te escucha mientras salta sobre un pie o sobre dos; canta fragmentos de ópera con una voz muy verdadera", pero tiene un "lado astuto y mordaz cuidadosamente escondido detrás de su buen carácter".
A mediados de la década de 1850, el estilo cada vez más impresionista de Corot comenzó a obtener el reconocimiento que fijó su lugar en el arte francés. "M. Corot sobresale... en reproducir la vegetación en sus nuevos comienzos; él representa maravillosamente las primicias del nuevo mundo." A partir de la década de 1850, Corot pintó muchos paisajes recuerdos y paisajes, pinturas imaginadas de ensueño de lugares recordados de visitas anteriores pintadas con pinceladas ligeras y sueltas.
Años posteriores
En la década de 1860, Corot todavía mezclaba figuras campesinas con figuras mitológicas, mezclaba el neoclasicismo con el realismo, lo que hizo que un crítico se lamentara: "Si M. Corot matara, de una vez por todas, a las ninfas de sus bosques y reemplácelos con campesinos, me gustaría mucho." En realidad, en su vida posterior sus figuras humanas aumentaron y las ninfas disminuyeron, pero incluso las figuras humanas a menudo se encontraban en ensueños idílicos.
Más tarde, el estudio de Corot se llenó de estudiantes, modelos, amigos, coleccionistas y comerciantes que iban y venían bajo la mirada tolerante del maestro, lo que hizo que bromeara: "¿Por qué que hay diez de ustedes a mi alrededor, y ninguno de ustedes piensa en volver a encender mi pipa." Los marchantes se apoderaron de sus obras y sus precios a menudo superaban los 4.000 francos por cuadro. Con su éxito asegurado, Corot dio generosamente su tiempo y dinero. Se convirtió en un anciano de los artistas' comunidad y usaría su influencia para ganar encargos para otros artistas. En 1871 dio £ 2000 para los pobres de París, sitiada por los prusianos. (ver: Guerra franco-prusiana) Durante la actual Comuna de París, estuvo en Arras con Alfred Robaut. En 1872 compró una casa en Auvers como regalo para Honoré Daumier, por entonces ciego, sin recursos y sin hogar. En 1875, donó 10.000 francos a la viuda de Millet para mantener a sus hijos. Su caridad era casi proverbial. También apoyó económicamente el mantenimiento de un centro de día para niños en la rue Vandrezanne de París. En su vida posterior, siguió siendo un hombre humilde y modesto, apolítico y feliz con su suerte en la vida, y mantuvo la creencia de que "los hombres no deben envanecerse, ya sean emperadores agregando tal o cual provincia a sus imperios o pintor que gana una reputación."
A pesar del gran éxito y reconocimiento entre artistas, coleccionistas y la crítica más generosa, sus muchos amigos consideraron, sin embargo, que estaba oficialmente en el abandono, y en 1874, poco antes de su muerte, le entregaron una medalla de oro.. Murió en París de un trastorno estomacal a los 78 años y fue enterrado en el cementerio Père Lachaise.
Varios seguidores se autodenominaron alumnos de Corot. Los más conocidos son Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux y Alexandre Defaux.
Arte y técnica
Corot es una figura fundamental en la pintura de paisaje. Su trabajo hace referencia simultáneamente a la tradición neoclásica y anticipa las innovaciones plein-air del impresionismo. De él, Claude Monet exclamó en 1897: "Aquí hay un solo maestro: Corot". No somos nada comparados con él, nada." Sus contribuciones a la pintura de figuras no son menos importantes; Degas prefería sus figuras a sus paisajes, y las figuras clásicas de Picasso rinden homenaje a la influencia de Corot.
Los historiadores han dividido su obra en períodos, pero los puntos de división suelen ser vagos, ya que a menudo completaba una imagen años después de comenzarla. En su primer período, pintó de forma tradicional y "estricta", con precisión minuciosa, contornos claros, pinceladas finas y con una definición absoluta de los objetos en todo momento, con una pintura base monocromática o ébauche. Después de cumplir 50 años, sus métodos cambiaron para centrarse en la amplitud del tono y un enfoque del poder poético transmitido con una aplicación de pintura más espesa; y unos 20 años después, a partir de 1865 aproximadamente, su forma de pintar se volvió más lírica, afectada por un toque más impresionista. En parte, esta evolución en la expresión puede verse como la transición de las pinturas al aire libre de su juventud, atravesadas por una cálida luz natural, a los paisajes creados en el estudio de su madurez tardía, envueltos en tonos uniformes de plata. En sus últimos 10 años se convirtió en el "Père (Padre) Corot" de los círculos artísticos parisinos, donde fue considerado con cariño personal, y reconocido como uno de los cinco o seis paisajistas más grandes que el mundo había visto, junto con Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J. M. W. Turner y John Constable. En su larga y productiva vida, pintó más de 3.000 cuadros.
Aunque a menudo se le acredita como un precursor de la práctica impresionista, Corot abordó sus paisajes de manera más tradicional de lo que generalmente se cree. En comparación con los impresionistas que vinieron después, la paleta de Corot es sobria, dominada por marrones y negros ('colores prohibidos' entre los impresionistas), junto con verdes oscuros y plateados. Aunque a veces parecía ser rápido y espontáneo, por lo general sus trazos eran controlados y cuidadosos, y sus composiciones estaban bien pensadas y generalmente representadas de la manera más simple y concisa posible, aumentando el efecto poético de las imágenes. Como él dijo, "Noté que todo lo que se hacía correctamente en el primer intento era más cierto y las formas más bellas".
El enfoque de Corot hacia sus sujetos era igualmente tradicional. Aunque fue un gran defensor de los estudios al aire libre, fue esencialmente un pintor de estudio y pocos de sus paisajes terminados se completaron antes del motivo. Durante la mayor parte de su vida, Corot pasaba los veranos viajando y recopilando estudios y bocetos, y los inviernos terminando obras más pulidas y listas para el mercado. Por ejemplo, el título de sus Bañistas de las Islas Borromeas (1865–1870) se refiere al lago Maggiore en Italia, a pesar de que Corot no había estado en Italia en 20 años. Su énfasis en dibujar imágenes de la imaginación y la memoria en lugar de la observación directa estaba en línea con los gustos de los jurados del Salón, de los cuales era miembro.
En la década de 1860, Corot se interesó por la fotografía, tomando fotos él mismo y familiarizándose con muchos de los primeros fotógrafos, lo que tuvo el efecto de suprimir su paleta de pintura aún más en simpatía con los tonos monocromáticos de las fotografías. Esto tuvo como resultado que sus pinturas fueran aún menos dramáticas pero algo más poéticas, un resultado que provocó que algunos críticos citaran una monotonía en su obra posterior. Théophile Thoré escribió que Corot "tiene una sola octava, extremadamente limitada y en tono menor; diría un músico. Apenas conoce más que una sola hora del día, la mañana, y un solo color, el gris pálido." Corot respondió:
Lo que hay que ver en la pintura, o más bien lo que estoy buscando, es la forma, todo, el valor de los tonos... Es por eso que para mí el color viene después, porque amo más que cualquier otra cosa el efecto general, la armonía de los tonos, mientras que el color te da una clase de shock que no me gusta. Tal vez es el exceso de este director lo que hace que la gente diga que tengo tonos de plomo.
En su aversión por los colores impactantes, Corot se apartó marcadamente de los impresionistas emergentes, que adoptaron la experimentación con tonos vivos.
Además de sus paisajes (tan popular fue el estilo tardío que existen numerosas falsificaciones), Corot produjo una serie de imágenes de figuras preciadas. Si bien los temas a veces se ubicaban en escenarios pastorales, en su mayoría eran piezas de estudio, extraídas del modelo en vivo con especificidad y sutileza. Al igual que sus paisajes, se caracterizan por un lirismo contemplativo, siendo finas sus pinturas tardías L'Algérienne (Mujer argelina) y La Jeune Grecque (La niña griega). ejemplos Corot pintó una cincuentena de retratos, en su mayoría de familiares y amigos. También pintó trece desnudos reclinados, con su Les Repos (1860) sorprendentemente similar en pose a la famosa Le Grande Odalisque de Ingres (1814), pero la mujer de Corot es en cambio, una bacante rústica. En quizás su última pintura de figuras, Dama de azul (1874), Corot logra un efecto que recuerda a Degas, suave pero expresivo. En todos los casos de su pintura de figura, el color es sobrio y destaca por su fuerza y pureza. Corot también ejecutó muchos aguafuertes y bocetos a lápiz. Algunos de los bocetos utilizaron un sistema de símbolos visuales: círculos que representan áreas de luz y cuadrados que representan sombras. También experimentó con el proceso de cliché verre, un híbrido de fotografía y grabado. A partir de la década de 1830, Corot también pintó paneles decorativos y paredes en casas de amigos, ayudado por sus alumnos.
Corot resumió su acercamiento al arte alrededor de 1860: "Yo interpreto con mi arte tanto como con mi ojo."
Las obras de Corot se encuentran en museos de Francia y los Países Bajos, Gran Bretaña, América del Norte y Rusia.
Falsificaciones
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El fuerte mercado de las obras de Corot y su estilo de pintura tardía, relativamente fácil de imitar, dieron como resultado una gran producción de falsificaciones de Corot entre 1870 y 1939. lienzos, diez mil de los cuales se han vendido en América". Aunque se trata de una exageración humorística, se han acumulado miles de falsificaciones, y solo la colección Jousseaume contiene 2.414 obras de este tipo. Al problema se sumaba la actitud laxa de Corot, que fomentaba la copia y la falsificación. Permitía a sus alumnos copiar sus obras e incluso tomarlas prestadas para su posterior devolución, retocaba y firmaba copias de estudiantes y coleccionistas, y prestaba obras a copistas profesionales ya agencias de alquiler. Según el catalogador de Corot, Etienne Moreau-Nélaton, en un estudio de copiado, "el pincel complaciente del maestro autenticó estas réplicas con algunos retoques personales y decisivos". Cuando ya no estaba para terminar sus "dobles", siguieron haciéndolos sin él." La catalogación de las obras de Corot en un intento por separar las copias de los originales resultó contraproducente cuando los falsificadores utilizaron las publicaciones como guías para ampliar y refinar sus pinturas falsas.
En la cultura popular
Dos de las obras de Corot aparecen y juegan un papel importante en la trama de la película francesa de 2008 L'Heure d'été (título en inglés Summer hora). La película fue producida por el Musée d'Orsay, y las dos obras fueron prestadas por el museo para la realización de la película.
Hay una calle llamada Rue Corot en Île des Sœurs, Quebec, llamada así por el artista.
En la novela El signo de los cuatro de Arthur Conan Doyle de 1890, Thaddeus Sholto exhibe una obra desconocida de Corot.
Obras seleccionadas
- El puente de Narni (1826), Musée du Louvre
- Venise, La Piazetta (1835), Musée du Louvre
- Le Baptême du Christ (1845-1847), París, Eglise Saint-Nicolas-du-Chardonnet
- Une Matinée, la Danse des Nymphes (1850), Musée d'Orsay
- Le concert champêtre (1857), Musée Condé, Chantilly
- Macbeth y las Brujas (1859), Wallace Collection
- Baigneuses au Bord d'un Lac (1861), colección privada
- Orfeo líder Eurídice del Inframundo (1861), Museo de Bellas Artes, Houston
- Meadow by the Swamp, Museo Nacional de Serbia
- Vist of Castel Sant'Angelo, Museo Nacional de las Artes Decorativas, Buenos Aires
- Souvenir de Mortefontaine (1864), Musée du Louvre
- L'Arbre brisé (1865)
- Ville d'Avray (1867), Galería Nacional de Arte
- Una mujer leyendo (1869), Metropolitan Museum of Art, Nueva York
- Nymphes et Faunes (antes de 1870), Birmingham Museum of Art, Alabama
- L'Albanese (1872)
- Pastorale... Recuerdo d'Italie (1873), Glasgow Art Gallery
- Biblis (1875)
- Corriente con un caballo blanco, Museo de Arte de Toledo
- Paisaje (no conocido), Colección Bass-Dwyer
Galería
Autotransporte, c. 1835, Uffizi Gallery
Vista desde los Jardines Farnese. 1826, The Phillips Collection
El puente de Narni. 1826, Musée du Louvre
Buenos días en Venecia. 1834, Pushkin Museum
Hagar en la naturaleza. 1835, Metropolitan Museum of Art
Retrato de Mariette Gambay (“La Songerie de Mariette”). 1869-1870, Museo Pushkin
El tiempo tormentoso, Pas de Calais. c. 1870, Pushkin Museum
Diana Bathing. 1873-1874, Pushkin Museum
Silenus. 1838, Minneapolis Institute of Art
![Repose. National Gallery of Art, National Gallery of Art[65]](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/91/Repose_by_Jean-Baptiste-Camille_Corot%2C_1860%2C_reworked_c._1865-1870_-_Corcoran_Gallery_of_Art_-_DSC01293.JPG/180px-Repose_by_Jean-Baptiste-Camille_Corot%2C_1860%2C_reworked_c._1865-1870_-_Corcoran_Gallery_of_Art_-_DSC01293.JPG)
Reponerse. National Gallery of Art, National Gallery of Art
Sibylle, cerca de 1870, Metropolitan Museum of Art
![Repose. National Gallery of Art, National Gallery of Art[65]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Repose_by_Jean-Baptiste-Camille_Corot,_1860,_reworked_c._1865-1870_-_Corcoran_Gallery_of_Art_-_DSC01293.JPG)
