Historia del teatro

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Teatro romano en Benevento, Italia
Teatro romano en Benevento, Italia

La historia del teatro traza el desarrollo del teatro durante los últimos 2500 años. Si bien los elementos performativos están presentes en todas las sociedades, se acostumbra reconocer una distinción entre el teatro como forma de arte y el entretenimiento y los elementos teatrales o performativos en otras actividades. La historia del teatro se ocupa principalmente del origen y posterior desarrollo del teatro como actividad autónoma. Desde la Atenas clásica en el siglo VI a. C., las vibrantes tradiciones del teatro han florecido en culturas de todo el mundo.

Orígenes

A pesar de la semejanza del teatro con la realización de actividades rituales y la importante relación que el teatro comparte con el ritual, no hay pruebas concluyentes que demuestren que el teatro se originó a partir del ritual. Aristóteles atestigua negativamente esta similitud del teatro primitivo con el ritual, quien en su Poética definió el teatro en contraste con las representaciones de misterios sagrados: el teatro no requería que el espectador ayunara, bebiera kykeon o marchara en procesión; sin embargo, el teatro se parecía a los misterios sagrados en el sentido de que traía purificación y curación al espectador por medio de una visión, el theama. En consecuencia, la ubicación física de tales representaciones se denominó theatron.

Según los historiadores Oscar Brockett y Franklin Hildy, los rituales suelen incluir elementos que entretienen o dan placer, como disfraces y máscaras, así como también hábiles artistas. A medida que las sociedades se volvieron más complejas, estos elementos espectaculares comenzaron a representarse en condiciones no rituales. Mientras esto ocurría, se estaban dando los primeros pasos hacia el teatro como actividad autónoma.

Teatro europeo

Ilustración de 1542 de un teatro andante europeo
Ilustración de 1542 de un teatro andante europeo

Teatro griego

El teatro griego, más desarrollado en Atenas, es la raíz de la tradición occidental; teatro es una palabra de origen griego. Era parte de una cultura más amplia de teatralidad y actuación en la Grecia clásica que incluía festivales, rituales religiosos, política, derecho, atletismo y gimnasia, música, poesía, bodas, funerales y simposios. La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado, y la asistencia a City Dionysia como miembro de la audiencia (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular, era una parte importante de la ciudadanía.La participación cívica también implicó la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en actuaciones en el tribunal de justicia o asamblea política, los cuales se entendían como análogos al teatro y cada vez más llegaron a absorber su vocabulario dramático. El teatro de la antigua Grecia constaba de tres tipos de drama: la tragedia, la comedia y la obra satírica.

La tragedia ateniense, la forma de tragedia más antigua que se conserva, es un tipo de danza-drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (desde el final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego) y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico. No hay tragedias del siglo VI y solo han sobrevivido 32 de las más de mil que se representaron durante el siglo V. Tenemos textos completos existentes de Esquilo, Sófocles y Eurípides. Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V se institucionalizó en concursos (agon) celebrada como parte de las festividades que celebran a Dionysos (el dios del vino y la fertilidad). Como concursantes en el concurso de City Dionysia (el más prestigioso de los festivales de teatro teatral), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por una historia o un tema), que por lo general consistía en tres tragedias y una obra de sátiro. La representación de tragedias en la Ciudad Dionisía pudo haber comenzado ya en el 534 a. C.; los registros oficiales (didaskaliai) comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo la obra satírica. La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega, aunque los persas—que escenifica la respuesta persa a la noticia de su derrota militar en la batalla de Salamina en el 480 a. C.— es la notable excepción en el drama sobreviviente. Cuando Esquilo ganó el primer premio en la Ciudad Dionisíaca en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, pero su tratamiento trágico de la historia reciente es el ejemplo más antiguo de drama que ha sobrevivido. Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra de teoría dramática más antigua que se conserva: su Poética.(c. 335 a. C.). La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos, "Comedia antigua", "Comedia intermedia" y "Comedia nueva". Old Comedy sobrevive hoy en gran parte en la forma de las once obras supervivientes de Aristófanes, mientras que Middle Comedy se ha perdido en gran parte (conservada solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Athenaeus of Naucratis). New Comedy se conoce principalmente a partir de los fragmentos de papiro sustanciales de las obras de Menandro. Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que implica algún tipo de error o fealdad que no causa dolor ni destrucción.

Teatro romano

El teatro occidental se desarrolló y expandió considerablemente bajo los romanos. El historiador romano Tito Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a. C., con una actuación de actores etruscos. Beacham argumenta que los romanos habían estado familiarizados con las "prácticas preteatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto registrado.El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que abarcaba desde representaciones de festivales de teatro callejero, bailes desnudos y acrobacias, hasta la puesta en escena de las comedias de situación ampliamente atractivas de Plauto, hasta las tragedias de alto estilo y verbalmente elaboradas de Séneca. Aunque Roma tenía una tradición nativa de interpretación, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y energizante en el teatro romano y alentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario.

Tras la expansión de la República romana (509–27 a. C.) en varios territorios griegos entre 270–240 a. C., Roma se encontró con el drama griego. A partir de los últimos años de la república ya través del Imperio Romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió por el oeste de Europa, bordeó el Mediterráneo y llegó a Inglaterra; El teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier cultura anterior. Si bien el drama griego continuó representándose durante el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular. Sin embargo, desde el comienzo del imperio, el interés por el drama de larga duración declinó a favor de una variedad más amplia de entretenimientos teatrales.

Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que Livius Andronicus escribió a partir del 240 a. Cinco años más tarde, Gnaeus Naevius también comenzó a escribir drama. No ha sobrevivido ninguna obra de teatro de ninguno de los dos escritores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros, Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Naevius por sus comedias; sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación del desarrollo posterior de cada tipo de drama. A principios del siglo II a. C., el teatro estaba firmemente establecido en Roma y se había formado un gremio de escritores (collegium poetarum).

Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Titus Maccius Plautus (Plautus) y Publius Terentius Afer (Terence). Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos cómicos romanos abolieron el papel del coro en la división del drama en episodios e introdujeron el acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos tercios en aquellas). de Terencio). La acción de todas las escenas se desarrolla en el exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de las escuchas.Plauto, el más popular de los dos, escribió entre 205 y 184 a. C. y sobreviven veinte de sus comedias, de las cuales sus farsas son las más conocidas; fue admirado por el ingenio de su diálogo y su uso de una variedad de métricas poéticas. Las seis comedias que Terence escribió entre 166 y 160 a. C. han sobrevivido; a veces se denunciaba la complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, pero sus tramas dobles permitían una presentación sofisticada del comportamiento humano contrastante.

No sobrevive ninguna tragedia romana temprana, aunque fue muy apreciada en su época; los historiadores conocen tres trágicos tempranos: Quintus Ennius, Marcus Pacuvius y Lucius Accius. De la época del imperio se conserva la obra de dos trágicos, uno de autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca. Sobreviven nueve de las tragedias de Séneca, todas las cuales son fabula crepidata (tragedias adaptadas de los originales griegos); su Fedra, por ejemplo, se basó en el Hipólito de Eurípides. Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia, pero antiguamente se atribuía erróneamente a Séneca por su aparición como personaje de la tragedia.

A diferencia del teatro de la Antigua Grecia, el teatro de la Antigua Roma permitía la participación de mujeres. Si bien la mayoría se empleaba para el baile y el canto, se sabe que una minoría de actrices ha realizado papeles de oratoria, y hubo actrices que lograron riqueza, fama y reconocimiento por su arte, como Eucharis, Dionysia, Galeria Copiola y Fabia Arete: También formaron su propio gremio de actores, la Sociae Mimae, que evidentemente era bastante rica.

Teatro de transición y altomedieval, 500-1050

A medida que el Imperio Romano de Occidente cayó en decadencia durante los siglos IV y V, la sede del poder romano se trasladó a Constantinopla y al Imperio Romano de Oriente, hoy llamado Imperio Bizantino. Si bien la evidencia sobreviviente sobre el teatro bizantino es escasa, los registros existentes muestran que el mimo, la pantomima, las escenas o recitaciones de tragedias y comedias, los bailes y otros entretenimientos eran muy populares. Constantinopla tenía dos teatros que estaban en uso hasta el siglo quinto. Sin embargo, la verdadera importancia de los bizantinos en la historia del teatro es su preservación de muchos textos griegos clásicos y la compilación de una enciclopedia masiva llamada Suda, de la que se deriva una gran cantidad de información contemporánea sobre el teatro griego.

A partir del siglo V, Europa Occidental se sumió en un período de desorden general que se prolongó (con un breve período de estabilidad bajo el Imperio Carolingio en el siglo IX) hasta el siglo X. Como tal, la mayoría de las actividades teatrales organizadas desaparecieron en Europa Occidental. Si bien parece que pequeñas bandas nómadas viajaron por Europa durante todo el período, actuando donde pudieron encontrar una audiencia, no hay evidencia de que produjeran nada más que escenas crudas. Estos artistas fueron denunciados por la Iglesia durante la Edad Media, ya que se los consideraba peligrosos y paganos.

A principios de la Edad Media, las iglesias en Europa comenzaron a presentar versiones dramatizadas de eventos bíblicos particulares en días específicos del año. Estas dramatizaciones se incluyeron con el fin de vivificar las celebraciones anuales. Objetos y acciones simbólicas –vestimentas, altares, incensarios y pantomimas realizadas por sacerdotes– recordaban los acontecimientos que celebra el ritual cristiano. Estos eran conjuntos extensos de signos visuales que podrían usarse para comunicarse con una audiencia en gran parte analfabeta. Estas representaciones se convirtieron en dramas litúrgicos, el primero de los cuales es el tropo de Pascua a quién buscas (Quem-Quaeritis), que data de ca. 925.El drama litúrgico fue cantado en respuesta por dos grupos y no involucró a actores que se hicieran pasar por personajes. Sin embargo, en algún momento entre 965 y 975, Æthelwold de Winchester compuso Regularis Concordia (Acuerdo monástico) que contiene una obra de teatro completa con instrucciones para la interpretación.

Hrosvitha (c. 935 - 973), canónigo del norte de Alemania, escribió seis obras inspiradas en las comedias de Terencio pero con temas religiosos. Estas seis obras (Abraham, Callimachus, Dulcitius, Gallicanus, Paphnutius y Sapientia) son las primeras obras conocidas compuestas por una dramaturga y las primeras obras dramáticas occidentales identificables de la era posclásica. Se publicaron por primera vez en 1501 y tuvieron una influencia considerable en las obras de teatro religiosas y didácticas del siglo XVI. Hrosvitha fue seguida por Hildegarda de Bingen (m. 1179), una abadesa benedictina, que escribió un drama musical en latín llamado Ordo Virtutum en 1155.

Óleo de 1768 con una representación de Macbeth
Óleo de 1768 con una representación de Macbeth

Teatro medieval alto y tardío, 1050-1500

Cuando cesaron las invasiones vikingas a mediados del siglo XI, el drama litúrgico se había extendido desde Rusia hasta Escandinavia e Italia. Solo en la Península Ibérica ocupada por los musulmanes no se presentaron dramas litúrgicos en absoluto. A pesar de la gran cantidad de dramas litúrgicos que han sobrevivido de la época, muchas iglesias solo habrían realizado uno o dos por año y un número mayor nunca realizó ninguno.

La Fiesta de los Locos fue especialmente importante en el desarrollo de la comedia. El festival invirtió el estatus del clero menor y les permitió ridiculizar a sus superiores y la rutina de la vida de la iglesia. A veces se representaban obras de teatro como parte de la ocasión y una cierta cantidad de burlesque y comedia se deslizaba en estas representaciones. Aunque los episodios cómicos realmente tuvieron que esperar hasta la separación del drama de la liturgia, la Fiesta de los Locos indudablemente tuvo un efecto profundo en el desarrollo de la comedia tanto en obras religiosas como seculares.

La representación de obras religiosas fuera de la iglesia comenzó en algún momento del siglo XII a través de un proceso tradicionalmente aceptado de fusionar dramas litúrgicos más cortos en obras más largas que luego se traducían a la lengua vernácula y eran interpretadas por laicos. El misterio de Adán (1150) da crédito a esta teoría, ya que su dirección escénica detallada sugiere que se representó al aire libre. Sobreviven otras obras de la época, como La Seinte Resurrection (normando), The Play of the Magi Kings (español) y Sponsus (francés).

La importancia de la Alta Edad Media en el desarrollo del teatro fueron los cambios económicos y políticos que propiciaron la formación de gremios y el crecimiento de los pueblos. Esto daría lugar a cambios significativos en la Baja Edad Media. En las Islas Británicas, se representaron obras de teatro en unas 127 ciudades diferentes durante la Edad Media. Estas obras de Misterio vernáculas se escribieron en ciclos de un gran número de obras: York (48 obras), Chester (24), Wakefield (32) y Unknown (42). Sobrevive un mayor número de obras de Francia y Alemania en este período y se representaron algún tipo de dramas religiosos en casi todos los países europeos a finales de la Edad Media. Muchas de estas obras contenían comedia, diablos, villanos y payasos.

La mayoría de los actores de estas obras procedían de la población local. Por ejemplo, en Valenciennes en 1547, se asignaron más de 100 papeles a 72 actores. Las obras de teatro se escenificaban en escenarios de vagones de desfiles, que eran plataformas montadas sobre ruedas que se usaban para mover el escenario. A menudo, proporcionando sus propios disfraces, los artistas aficionados en Inglaterra eran exclusivamente hombres, pero otros países tenían artistas femeninas. El escenario de la plataforma, que era un espacio no identificado y no un lugar específico, permitía cambios bruscos de ubicación.

Las obras de moralidad surgieron como una forma dramática distinta alrededor de 1400 y florecieron hasta 1550. La obra de moralidad más interesante es El castillo de la perseverancia, que representa el progreso de la humanidad desde el nacimiento hasta la muerte. Sin embargo, la obra moral más famosa y quizás el drama medieval más conocido es Everyman. Todo el mundo recibe la llamada de la Muerte, lucha por escapar y finalmente se resigna a la necesidad. En el camino, Kindred, Goods y Fellowship lo abandonan; solo Good Deeds lo acompaña a la tumba.

También hubo una serie de representaciones seculares en la Edad Media, la primera de las cuales es The Play of the Greenwood de Adam de la Halle en 1276. Contiene escenas satíricas y material popular como hadas y otros sucesos sobrenaturales. Las farsas también aumentaron dramáticamente en popularidad después del siglo XIII. La mayoría de estas obras provienen de Francia y Alemania y son similares en tono y forma, enfatizando el sexo y las excreciones corporales. El dramaturgo de farsas más conocido es Hans Sachs (1494-1576), quien escribió 198 obras dramáticas. En Inglaterra, The Second Shepherds' Play of the Wakefield Cycle es la farsa temprana más conocida. Sin embargo, la farsa no apareció de forma independiente en Inglaterra hasta el siglo XVI con la obra de John Heywood (1497-1580).

Un precursor significativo del desarrollo del drama isabelino fueron las Cámaras de Retórica en los Países Bajos. Estas sociedades se preocupaban por la poesía, la música y el teatro y organizaban concursos para ver qué sociedad podía componer el mejor drama en relación con una pregunta planteada.

A finales de la Baja Edad Media, comenzaron a aparecer actores profesionales en Inglaterra y Europa. Ricardo III y Enrique VII mantuvieron pequeñas compañías de actores profesionales. Sus obras se representaban en el Gran Salón de la residencia de un noble, a menudo con una plataforma elevada en un extremo para el público y una "pantalla" en el otro para los actores. También fueron importantes las obras de teatro de Mummers, representadas durante la temporada navideña, y las mascaradas de la corte. Estas máscaras fueron especialmente populares durante el reinado de Enrique VIII, quien hizo construir una Casa de Revels y estableció una Oficina de Revels en 1545.

El fin del drama medieval se produjo debido a una serie de factores, incluido el debilitamiento del poder de la Iglesia Católica, la Reforma protestante y la prohibición de las obras de teatro religiosas en muchos países. Isabel I prohibió todas las obras religiosas en 1558 y las grandes obras cíclicas habían sido silenciadas en la década de 1580. Del mismo modo, las obras religiosas fueron prohibidas en los Países Bajos en 1539, los Estados Pontificios en 1547 y en París en 1548. El abandono de estas obras destruyó el teatro internacional que había existido hasta entonces y obligó a cada país a desarrollar su propia forma de drama. También permitió a los dramaturgos dedicarse a temas seculares y el renovado interés por el teatro griego y romano les brindó la oportunidad perfecta.

Commedia dell'arte y Renacimiento

Las compañías de Commedia dell'arte interpretaron animadas obras de improvisación en toda Europa durante siglos. Se originó en Italia en la década de 1560. Comedia es teatro centrado en el actor, que requiere poca escenografía y muy pocos accesorios. Las obras de teatro no se originaron a partir del drama escrito sino de lazzi., marcos sueltos que proporcionan las situaciones, las complicaciones y el desenlace de la acción, en torno a los cuales los actores improvisan. Las obras utilizan personajes comunes, que podrían dividirse en tres grupos: los amantes, los amos y los sirvientes. Los amantes tenían diferentes nombres y características en la mayoría de las obras y, a menudo, eran los hijos del maestro. El papel de maestro se basa en uno de los tres estereotipos: Pantalone, un anciano comerciante veneciano; Dottore, amigo o rival de Pantalone, médico o abogado pedante; y Capitano, que una vez fue un personaje amante, pero se convirtió en un fanfarrón que se jacta de sus hazañas en el amor y la guerra, siendo terriblemente inexperto en ambos. El personaje sirviente (llamado zanni) tiene un solo papel recurrente: Arlecchino (también llamado Arlequín). Es a la vez astuto e ignorante, pero un consumado bailarín y acróbata. Por lo general, lleva un palo de madera con una hendidura en el medio que hace un ruido fuerte al golpear algo. Esta "arma" nos dio el término "bufonadas".

Una compañía típicamente constaba de 13 a 14 miembros. A la mayoría de los actores se les pagaba tomando una parte de las ganancias de la obra aproximadamente equivalente al tamaño de su papel. El estilo de teatro estuvo en su apogeo entre 1575 y 1650, pero incluso después de ese tiempo se escribieron y representaron nuevos escenarios. El dramaturgo veneciano Carlo Goldoni escribió algunos escenarios a partir de 1734, pero dado que consideraba que el género era vulgar, refinó los temas para que fueran más sofisticados. También escribió varias obras de teatro basadas en hechos reales, en las que incluyó personajes de comedia.

La commedia dell'arte permitió que las mujeres profesionales actuaran desde el principio: Lucrezia Di Siena, cuyo nombre está en un contrato de actores de 1564, ha sido mencionada como la primera actriz italiana conocida por su nombre, con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras. primadonna y las actrices bien documentadas en Europa.

Teatro isabelino inglés

El teatro renacentista se deriva de varias tradiciones teatrales medievales, como las obras de misterio que formaban parte de los festivales religiosos en Inglaterra y otras partes de Europa durante la Edad Media. Otras fuentes incluyen las "obras de moralidad" y el "drama universitario" que intentaron recrear la tragedia ateniense. La tradición italiana de la Commedia dell'arte, así como las elaboradas mascaradas que se presentaban con frecuencia en la corte, también contribuyeron a dar forma al teatro público.

Desde antes del reinado de Isabel I, las compañías de jugadores se unieron a los hogares de los principales aristócratas y actuaron según la temporada en varios lugares. Estos se convirtieron en la base para los jugadores profesionales que actuaron en el escenario isabelino. Las giras de estos actores reemplazaron gradualmente las representaciones de las obras de misterio y moralidad de los actores locales, y una ley de 1572 eliminó las restantes compañías que carecían de patrocinio formal al calificarlas de vagabundas.

Las autoridades de la City de Londres eran generalmente hostiles a las representaciones públicas, pero su hostilidad fue superada por el gusto de la Reina por las obras de teatro y el apoyo del Consejo Privado. Surgieron teatros en los suburbios, especialmente en la libertad de Southwark, accesible a través del Támesis para los habitantes de la ciudad pero fuera del control de las autoridades. Las compañías mantuvieron la pretensión de que sus actuaciones públicas eran meros ensayos de las frecuentes actuaciones ante la Reina, pero mientras estas últimas otorgaban prestigio, las primeras eran la verdadera fuente de ingresos de los jugadores profesionales.

Junto con la economía de la profesión, el carácter del drama cambió hacia el final del período. Bajo Isabel, el drama era una expresión unificada en lo que respecta a la clase social: la corte veía las mismas obras que los plebeyos veían en los teatros públicos. Con el desarrollo de los teatros privados, el teatro se orientó más hacia los gustos y valores de una audiencia de clase alta. En la última parte del reinado de Carlos I, se escribían pocas obras nuevas para los teatros públicos, que se sustentaban en las obras acumuladas de las décadas anteriores.

La oposición puritana al escenario (informada por los argumentos de los primeros Padres de la Iglesia que habían escrito diatribas contra los entretenimientos decadentes y violentos de los romanos) argumentaba no solo que el escenario en general era pagano, sino que cualquier obra que representara una figura religiosa era intrínsecamente idólatra. En 1642, al estallar la Guerra Civil Inglesa, las autoridades puritanas prohibieron la representación de todas las obras dentro de los límites de la ciudad de Londres. Un ataque arrollador contra las supuestas inmoralidades del teatro aplastó todo lo que quedaba en Inglaterra de la tradición dramática.

Pequeño teatro de Ostankino, Rusia, de la época imperial
Pequeño teatro de Ostankino, Rusia, de la época imperial

Teatro español del siglo de oro

Durante su Edad de Oro, aproximadamente entre 1590 y 1681, España vio un aumento monumental en la producción de teatro en vivo, así como en la importancia del teatro dentro de la sociedad española. Era una forma de arte accesible para todos los participantes en la España del Renacimiento, siendo altamente patrocinado por la clase aristocrática y muy concurrido por las clases bajas. El volumen y variedad de las obras españolas durante el Siglo de Oro no tiene precedentes en la historia del teatro mundial, superando, por ejemplo, la producción dramática del Renacimiento inglés por un factor de al menos cuatro. Aunque este volumen ha sido tanto fuente de críticas como de elogios para el teatro del Siglo de Oro español, por anteponer la cantidad a la calidad, gran parte de los 10.000 a 30.000las obras de teatro de este período todavía se consideran obras maestras.

Los principales artistas de la época incluyeron a Lope de Vega, un contemporáneo de Shakespeare, a menudo, y al mismo tiempo, visto su paralelo para la escena española, y Calderón de la Barca, inventor de la zarzuela y sucesor de Lope como el dramaturgo español preeminente. Gil Vicente, Lope de Rueda y Juan del Encina ayudaron a sentar las bases del teatro español a mediados del siglo XVI, mientras que Francisco de Rojas Zorrilla y Tirso de Molina hicieron contribuciones significativas en la segunda mitad del Siglo de Oro. Intérpretes importantes incluyeron a Lope de Rueda (antes mencionado entre los dramaturgos) y más tarde a Juan Rana.

Las fuentes de influencia para el emergente teatro nacional de España fueron tan diversas como el teatro que esa nación terminó produciendo. Las tradiciones narrativas que se originaron en la Commedia dell'arte italiana y la expresión exclusivamente española de los espectáculos de trovadores ambulantes de Europa occidental contribuyeron a una influencia populista en las narrativas y la música, respectivamente, del teatro español primitivo. La crítica neoaristotélica y los dramas litúrgicos, por otro lado, aportaron perspectivas literarias y moralistas. A su vez, el teatro del Siglo de Oro español ha influido de forma espectacular en el teatro de las generaciones posteriores en Europa y en todo el mundo. El drama español tuvo un impacto inmediato y significativo en los desarrollos contemporáneos del teatro renacentista inglés.También ha tenido un impacto duradero en el teatro en todo el mundo de habla hispana. Además, se está traduciendo un número creciente de obras, aumentando el alcance del teatro español del Siglo de Oro y reforzando su reputación entre la crítica y el público teatral.

Teatro clásico francés

Dramaturgos destacados:

Teatro renacentista cretense

El teatro griego estaba vivo y floreciente en la isla de Creta. Durante el Renacimiento de Creta, dos notables dramaturgos griegos Georgios Chortatzis y Vitsentzos Kornaros estuvieron presentes en la última parte del siglo XVI.

Comedia de restauración

Después de que el régimen puritano prohibiera las representaciones teatrales públicas durante 18 años, la reapertura de los teatros en 1660 marcó un renacimiento del teatro inglés. Con la restauración del monarca en 1660 vino la restauración y reapertura del teatro. Las comedias inglesas escritas e interpretadas en el período de la Restauración de 1660 a 1710 se denominan colectivamente "comedia de la Restauración". La comedia de restauración es conocida por su sexualidad explícita, una cualidad alentada personalmente por Carlos II (1660-1685) y por el espíritu aristocrático libertino de su corte. Por primera vez se permitió actuar a las mujeres, poniendo fin a la práctica del niño actor tomando el papel de mujeres. Las audiencias socialmente diversas incluían tanto aristócratas, sus sirvientes y parásitos, como un segmento sustancial de clase media. A las audiencias de la Restauración les gustaba ver el buen triunfo en sus tragedias y la restauración del gobierno legítimo. En la comedia, les gustaba ver las vidas amorosas de los jóvenes y de la moda, con una pareja central que llevaba su noviazgo a una conclusión exitosa (a menudo superando la oposición de los mayores para hacerlo). Las heroínas tenían que ser castas, pero independientes y francas; ahora que eran interpretadas por mujeres, el dramaturgo tenía más ventajas disfrazándolas con ropa de hombre o permitiéndoles escapar por poco de una violación. Estos asistentes al teatro se sintieron atraídos por las comedias por la escritura de actualidad actualizada, por las tramas concurridas y bulliciosas, por la introducción de las primeras actrices profesionales y por el surgimiento de los primeros actores famosos. Para los que no iban al teatro, estas comedias eran vistas como licenciosas y moralmente sospechosas. sosteniendo las travesuras de una clase pequeña, privilegiada y decadente para la admiración. Esta misma clase dominaba el público del teatro de la Restauración. Este período vio a la primera mujer dramaturga profesional, Aphra Behn.

Como reacción a la decadencia de las producciones de la época de Carlos II, la comedia sentimental creció en popularidad. Este género se centró en fomentar el comportamiento virtuoso al mostrar personajes de clase media que superan una serie de pruebas morales. Dramaturgos como Colley Cibber y Richard Steele creían que los humanos eran inherentemente buenos pero capaces de ser descarriados. A través de obras como The Conscious Lovers y Love's Last Shift, se esforzaron por apelar a los sentimientos nobles de la audiencia para que los espectadores pudieran reformarse.

Boceto de 1596 ilustrando las dimensiones del Teatro El Cisne, Londres
Boceto de 1596 ilustrando las dimensiones del Teatro El Cisne, Londres

Restauracion espectacular

El espectáculo de la Restauración, o "obra de máquina" elaboradamente escenificada, llegó al escenario público de Londres a fines del período de la Restauración del siglo XVII, cautivando al público con acción, música, danza, escenarios móviles, pintura ilusionista barroca, magníficos disfraces y efectos especiales como trucos de trampilla, actores "voladores" y fuegos artificiales. Estos programas siempre han tenido una mala reputación como una amenaza vulgar y comercial para el ingenioso y "legítimo" drama de la Restauración; sin embargo, atrajeron a un número sin precedentes de londinenses y los dejaron deslumbrados y encantados.

Básicamente de cosecha propia y con raíces en la mascarada de la corte de principios del siglo XVII, aunque nunca se avergüenza de tomar prestadas ideas y tecnología escénica de la ópera francesa, los espectáculos a veces se denominan "ópera inglesa". Sin embargo, la variedad de ellos es tan desordenada que la mayoría de los historiadores del teatro se desesperan por definirlos como un género. Solo a un puñado de obras de este período se les suele otorgar el término "ópera", ya que la dimensión musical de la mayoría de ellas está subordinada a la visual. Era el espectáculo y la escenografía lo que atraía a la multitud, como demuestran muchos comentarios en el diario del amante del teatro Samuel Pepys.El costo de montar producciones escénicas cada vez más elaboradas llevó a las dos compañías de teatro competidoras a una peligrosa espiral de enormes gastos y, en consecuencia, enormes pérdidas o ganancias. Un fiasco como Albion y Albanius de John Dryden dejaría a una empresa con una gran deuda, mientras que éxitos de taquilla como Psyche de Thomas Shadwell o King Arthur de Dryden la dejarían cómodamente en números negros durante mucho tiempo.

Teatro neoclásico

El neoclasicismo fue la forma dominante de teatro en el siglo XVIII. Exigió decoro y adherencia rigurosa a las unidades clásicas. El teatro neoclásico al igual que la época se caracteriza por su grandiosidad. El vestuario y el escenario eran intrincados y elaborados. La actuación se caracteriza por grandes gestos y melodrama. El teatro neoclásico abarca las edades de la Restauración, Augusta y Johnstinian. En cierto sentido, la era neoclásica sigue directamente a la época del Renacimiento.

Teatros de principios del siglo XVIII: las farsas sexuales de la Restauración fueron reemplazadas por comedias políticamente satíricas. El Parlamento de 1737 aprobó la Ley de licencias de escenarios que introdujo la censura estatal de las representaciones públicas y limitó a dos el número de teatros en Londres.

Teatro del siglo XIX

El teatro en el siglo XIX se divide en dos partes: temprana y tardía. El primer período estuvo dominado por el melodrama y el romanticismo.

Comenzando en Francia, el melodrama se convirtió en la forma teatral más popular. Misantropía y arrepentimiento (1789) de August von Kotzebue a menudo se considera la primera obra melodramática. Las obras de Kotzebue y René Charles Guilbert de Pixérécourt establecieron el melodrama como la forma dramática dominante de principios del siglo XIX.

En Alemania, hubo una tendencia hacia la precisión histórica en el vestuario y los escenarios, una revolución en la arquitectura teatral y la introducción de la forma teatral del romanticismo alemán. Influenciados por las tendencias de la filosofía y las artes visuales del siglo XIX, los escritores alemanes estaban cada vez más fascinados con su pasado teutón y tenían un creciente sentido del nacionalismo. Las obras de Gotthold Ephraim Lessing, Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller y otros dramaturgos de Sturm und Drang inspiraron una fe creciente en el sentimiento y el instinto como guías del comportamiento moral.

En Gran Bretaña, Percy Bysshe Shelley y Lord Byron fueron los dramaturgos más importantes de su época, aunque las obras de Shelley no se representaron hasta finales de siglo. En los teatros menores, la burletta y el melodrama fueron los más populares. Las obras de Kotzebue se tradujeron al inglés y A Tale of Mystery de Thomas Holcroft fue el primero de muchos melodramas ingleses. Pierce Egan, Douglas William Jerrold, Edward Fitzball y John Baldwin Buckstone iniciaron una tendencia hacia historias más contemporáneas y rurales en lugar de los habituales melodramas históricos o fantásticos. James Sheridan Knowles y Edward Bulwer-Lytton establecieron un drama "caballero" que comenzó a restablecer el antiguo prestigio del teatro con la aristocracia.

El último período del siglo XIX vio el surgimiento de dos tipos de drama en conflicto: el realismo y el no realismo, como el simbolismo y los precursores del expresionismo.

El realismo comenzó antes en el siglo XIX en Rusia que en cualquier otro lugar de Europa y tomó una forma más intransigente. Comenzando con las obras de Ivan Turgenev (quien usó "detalles domésticos para revelar la agitación interna"), Aleksandr Ostrovsky (quien fue el primer dramaturgo profesional de Rusia), Aleksey Pisemsky (cuya Un destino amargo (1859) anticipó el naturalismo), y Leo Tolstoy (cuya The Power of Darkness (1886) es "una de las obras naturalistas más efectivas"), una tradición de realismo psicológico en Rusia que culminó con el establecimiento del Teatro de Arte de Moscú por Konstantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko.

La fuerza teatral más importante en la Alemania de finales del siglo XIX fue la de Jorge II, duque de Sajonia-Meiningen y su Meiningen Ensemble, bajo la dirección de Ludwig Chronegk. Las producciones del Ensemble a menudo se consideran las más precisas históricamente del siglo XIX, aunque su objetivo principal era servir a los intereses del dramaturgo. El Meiningen Ensemble se encuentra al comienzo del nuevo movimiento hacia la producción unificada (o lo que Richard Wagner llamaría Gesamtkunstwerk) y el surgimiento del director (a expensas del actor) como el artista dominante en la creación teatral.

El naturalismo, un movimiento teatral nacido a partir de El origen de las especies de Charles Darwin (1859) y las condiciones políticas y económicas contemporáneas, encontró su principal defensor en Émile Zola. La realización de las ideas de Zola se vio obstaculizada por la falta de dramaturgos capaces que escribieran drama naturalista. André Antoine surgió en la década de 1880 con su Théâtre Libre que solo estaba abierto a los socios y, por lo tanto, estaba exento de censura. Rápidamente ganó la aprobación de Zola y comenzó a poner en escena obras naturalistas y otras piezas realistas extranjeras.

En Gran Bretaña, los melodramas, las comedias ligeras, las óperas, Shakespeare y el drama inglés clásico, el burlesque victoriano, las pantomimas, las traducciones de las farsas francesas y, desde la década de 1860, las operetas francesas continuaron siendo populares. Las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan, como HMS Pinafore (1878) y The Mikado (1885), tuvieron tanto éxito que ampliaron enormemente la audiencia del teatro musical. Esto, junto con la mejora del alumbrado público y el transporte en Londres y Nueva York, condujo a un auge de la construcción de teatros victorianos y eduardianos tardíos en el West End y en Broadway. Posteriormente, la obra de Henry Arthur Jones y Arthur Wing Pinero inició un nuevo rumbo en el escenario inglés.

Si bien su trabajo allanó el camino, el desarrollo de dramas más significativos se debe principalmente al dramaturgo Henrik Ibsen. Ibsen nació en Noruega en 1828. Escribió veinticinco obras de teatro, las más famosas de las cuales son Casa de muñecas (1879), Fantasmas (1881), El pato salvaje (1884) y Hedda Gabler (1890). Además, sus obras Rosmersholm (1886) y When We Dead Awaken (1899) evocan una sensación de fuerzas misteriosas que actúan en el destino humano, que iba a ser un tema principal del simbolismo y el llamado "Teatro del Absurdo".

Después de Ibsen, el teatro británico experimentó una revitalización con la obra de George Bernard Shaw, Oscar Wilde, John Galsworthy, William Butler Yeats y Harley Granville Barker. A diferencia de la mayoría de los trabajos sombríos e intensamente serios de sus contemporáneos, Shaw y Wilde escribieron principalmente en forma cómica. Las comedias musicales eduardianas fueron extremadamente populares, atrayendo los gustos de la clase media en los noventa homosexuales y atendiendo a la preferencia del público por el entretenimiento escapista durante la Primera Guerra Mundial.

Teatro del siglo XX

Si bien gran parte del teatro del siglo XX continuó y amplió los proyectos del realismo y el naturalismo, también hubo una gran cantidad de teatro experimental que rechazó esas convenciones. Estos experimentos forman parte de los movimientos modernistas y posmodernistas e incluyeron formas de teatro político, así como trabajos más orientados a la estética. Los ejemplos incluyen: el teatro épico, el Teatro de la Crueldad y el llamado "Teatro del Absurdo".

El término practicante de teatro llegó a usarse para describir a alguien que crea representaciones teatrales y que produce un discurso teórico que informa su trabajo práctico. Un practicante de teatro puede ser un director, un dramaturgo, un actor o, característicamente, a menudo una combinación de estos roles tradicionalmente separados. La "práctica teatral" describe el trabajo colectivo que realizan varios practicantes de teatro.Se utiliza para describir la praxis teatral desde el desarrollo de su 'sistema' de Konstantin Stanislavski, pasando por la biomecánica de Vsevolod Meyerhold, la epopeya de Bertolt Brecht y el teatro pobre de Jerzy Grotowski, hasta el día de hoy, con practicantes de teatro contemporáneos, incluido Augusto Boal con su Teatro de los oprimidos., el teatro popular de Dario Fo, la antropología teatral de Eugenio Barba y los puntos de vista de Anne Bogart.

Otras figuras clave del teatro del siglo XX incluyen: Antonin Artaud, August Strindberg, Anton Chekhov, Frank Wedekind, Maurice Maeterlinck, Federico García Lorca, Eugene O'Neill, Luigi Pirandello, George Bernard Shaw, Gertrude Stein, Ernst Toller, Vladimir Mayakovsky, Arthur Miller, Tennessee Williams, Jean Genet, Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Harold Pinter, Friedrich Dürrenmatt, Heiner Müller y Caryl Churchill.

Varios movimientos estéticos continuaron o surgieron en el siglo XX, que incluyen:

Después de la gran popularidad de las comedias musicales eduardianas británicas, el teatro musical estadounidense llegó a dominar el escenario musical, comenzando con los musicales de Princess Theatre, seguido por las obras de los hermanos Gershwin, Cole Porter, Jerome Kern, Rodgers y Hart, y más tarde Rogers y Hammerstein.

Teatro americano

1752 a 1895 Romanticismo

A lo largo de la mayor parte de la historia, las bellas letras y el teatro ingleses han estado separados, pero estas dos formas de arte están interconectadas. Sin embargo, si no aprenden a trabajar de la mano, puede ser perjudicial para la forma de arte. La prosa de la literatura inglesa y las historias que cuenta necesitan ser interpretadas y el teatro tiene esa capacidad. Desde el principio, el teatro estadounidense ha sido único y diverso, reflejando la sociedad a medida que Estados Unidos perseguía su identidad nacional. La primera obra que se representó, en 1752 en Williamsburg, Virginia, fue "El mercader de Venecia" de Shakespeare. Debido a una fuerte sociedad cristiana, el teatro estuvo prohibido desde 1774 hasta 1789.Este estándar social se debió a que la Biblia era sagrada y cualquier otra diversión (entretenimiento) se consideraba inapropiada, frívola (sin propósito) y sensual (placentera). Durante la prohibición, el teatro a menudo se escondió titulándose conferencias morales. El teatro hizo una breve pausa debido a la guerra revolucionaria, pero se reanudó rápidamente después de que terminó la guerra en 1781. El teatro comenzó a extenderse hacia el oeste y, a menudo, las ciudades tenían teatros antes de tener aceras o alcantarillas. Hubo varias compañías de teatro profesionales líderes desde el principio, pero una de las más influyentes fue la de Filadelfia (1794-1815); sin embargo, la compañía tenía raíces inestables debido a la prohibición del teatro.

A medida que el país se expandía, también lo hacía el teatro; después de la guerra de 1812, el teatro se dirigió al oeste. Muchos de los nuevos teatros eran administrados por la comunidad, pero en Nueva Orleans los franceses habían iniciado un teatro profesional en 1791. Varias compañías se separaron y establecieron un teatro en Cincinnati, Ohio. El primer teatro oficial del oeste llegó en 1815 cuando Samuel Drake (1769–1854) llevó su compañía de teatro profesional de Albany a Pittsburgh, al río Ohio y Kentucky. Junto con este circuito, a veces llevaba a la compañía a Lexington, Louisville y Frankfort. A veces, dirigía la compañía a Ohio, Indiana, Tennessee y Missouri.Si bien había compañías de equitación en circuito, las comunidades de teatro más permanentes en el oeste a menudo se sentaban en los ríos para que hubiera un fácil acceso en bote. Durante este período de tiempo, muy pocos teatros estaban sobre el río Ohio y, de hecho, Chicago no tuvo un teatro permanente hasta 1833. Debido a los tiempos turbulentos en Estados Unidos y la crisis económica que sucedía debido a las guerras, el teatro durante su época más expansiva, experimentó quiebra y cambio de administración. Además, la mayor parte del teatro estadounidense temprano tuvo una gran influencia europea porque muchos de los actores habían nacido y formado en Inglaterra. Entre 1800 y 1850 la filosofía neoclásica desapareció casi por completo bajo el romanticismo, que fue una gran influencia del teatro estadounidense del siglo XIX que idolatraba al "buen salvaje".Debido a nuevos descubrimientos psicológicos y métodos de actuación, eventualmente el romanticismo daría a luz al realismo. Esta tendencia hacia el realismo se produjo entre 1870 y 1895.

1895 a 1945 Realismo

En esta era del teatro, el héroe moral se desplaza hacia el hombre moderno que es un producto de su entorno. Este gran cambio se debe en parte a la guerra civil porque Estados Unidos ahora estaba manchado con su propia sangre, habiendo perdido su inocencia.

1945 a 1990

Durante este período del teatro, surgió Hollywood y amenazó al teatro estadounidense. Sin embargo, el teatro durante este tiempo no decayó, sino que de hecho fue reconocido y notado en todo el mundo. Tennessee Williams y Arthur Miller alcanzaron la fama mundial durante este período.

Teatro africano

Teatro egipcio

Eventos cuasi-teatrales del Antiguo Egipto

El evento cuasi-teatral registrado más antiguo se remonta al año 2000 a. C. con las "obras de pasión" del Antiguo Egipto. La historia del dios Osiris se representó anualmente en festivales a lo largo de la civilización.

Fotografía de un actor del teatro Sánscrito, representando la obra Sugriva
Fotografía de un actor del teatro Sánscrito, representando la obra Sugriva

Teatro egipcio moderno

Egipto ha conocido el arte del teatro a lo largo de siete mil años, a través de la edad media. En la era moderna, el arte del teatro evolucionó en la segunda mitad del siglo XIX a través de la interacción con Europa. Así como el desarrollo de formas teatrales populares que Egipto conoció miles de años antes de esta fecha.

El inicio estuvo a cargo de Yaqub Sanu y Abu Khalil al-Qabbani, luego la situación se dividió en grupos de teatro libre, entre ellos la compañía Youssef Wahbi como Fatima Rushdi, que presenta tragedia o tragedia, y Abo El Seoud El Ebiary, Ismail Yassine, Badie Khayri, Ali El Kassar y Naguib El-Rihani al presentar la comedia de otra manera.

Más de 350 obras se presentaron en el llamado teatro de salas en las décadas de 1930 y 1940, copresentadas por Bayram El-Tunisi, Amin Sedky, Badie' Khayri y Abo El Seoud El Ebiary y dirigidas por Aziz Eid, Bishara Wakim y Abdel. Aziz Jalil. Además de estadísticas importantes, entre ellas que el grupo del sector privado más longevo es la banda Rihani. Su actividad duró 67 años, desde 1916 hasta 1983, casi setenta años. El grupo del sector privado más prolífico es Ramses Troupe, que produjo más de 240 obras entre 1923 y 1960. La compañía de teatro estatal más longeva es la National Theatre Troupe, que duró más de 80 años, desde 1935 hasta ahora.

Después de la revolución de 1952, hubo un grupo de dramaturgos como Alfred Farag y Ali Salem, Noaman Ashour, Saad Eddin Wahba y otros. Zaki, en cuanto a los equipos de campo, los directores más prolíficos en producción son los artistas Fattouh Nashati y Zaki Tulaimat.

Entre los dramaturgos egipcios cuyas obras se presentaron en el escenario se encuentran Amin Sedky, Badi' Khairy, Abu Al-Saud Al-Ebiary y Tawfiq Al-Hakim. La mayoría de los dramaturgos del mundo cuyas obras se presentaron en el escenario son Moliere, Pierre Corneille y William Shakespeare.

La huella de la mujer fue clara en la historia del teatro egipcio, que Mounira El Mahdeya inició como la primera cantante y actriz egipcia, y la fundadora de un grupo de teatro a su nombre a principios del siglo XX en lugar de levantinos y judíos. Antes de esa época, las mujeres tenían prohibido actuar, lo que provocó un ruido que contribuyó al aumento de su fama. Y Mounira El Mahdeya fue también quien descubrió al músico de generaciones, Mohammed Abdel Wahab, y le dio la oportunidad de completar las melodías de la obra de Cleopatra y Mark Antony tras la repentina muerte de Sayed Darwish. Ella lo animó a pararse frente a ella, encarnando el papel de Mark Antonio en el mismo espectáculo. Desde principios de la década de 1960, las estrellas de cine comenzaron a invadir el teatro, como Salah Zulfikar en A Bullet in the Heart.de 1964, basada en la novela de 1933 de Tawfiq Al-Hakim, y muchas otras. En la década de 1970, la comedia era la dominante, como Al Ayal Kibrit de 1979.

En 2020, la Ministra de Cultura de Egipto, Dra. Ines Abdel-Dayem, dedica la próxima sesión del Festival Nacional de Teatro Egipcio a celebrar el 150 aniversario del comienzo del teatro egipcio moderno. Revisará los hallazgos del equipo de investigación, integrado por Amr Dawara, el guardián de la memoria del teatro, que comenzó desde 1993 a preparar la mayor enciclopedia teatral egipcia que incluye todos los detalles de las representaciones teatrales profesionales durante quince décadas, a partir de 1870 por Yacub Sanu. hasta 2019, durante el cual el número de funciones alcanzó las 6300 obras profesionales, que se presentaron al público mediante el pago de una tarifa en taquilla. Y se dirigió al cuerpo del libro para imprimir la enciclopedia.

Teatro de áfrica occidental

Teatro ghanés

El teatro moderno en Ghana surgió a principios del siglo XX. Surgió primero como comentario literario sobre la colonización de África por parte de Europa. Entre los primeros trabajos en los que esto se puede ver está The Blinkards escrito por Kobina Sekyi en 1915. The Blinkards es una sátira descarada sobre los africanos que abrazaron la cultura europea que les fue traída. En él, Sekyi degrada a tres grupos de individuos: cualquier europeo, cualquiera que imite a los europeos y el rico cultivador de cacao africano. Sin embargo, esta rebelión repentina fue solo la chispa inicial del teatro literario de Ghana.

Una obra que tiene similitud en su punto de vista satírico es Anowa. Escrito por la autora ghanesa Ama Ata Aidoo, comienza con su heroína homónima Anowa rechazando las propuestas de matrimonio de sus muchos pretendientes arreglados. Ella insiste en tomar sus propias decisiones sobre con quién se va a casar. La obra enfatiza la necesidad de la igualdad de género y el respeto por las mujeres.Este ideal de independencia, así como de igualdad, lleva a Anowa por un camino sinuoso de felicidad y miseria. Anowa elige a un hombre propio para casarse. Anowa apoya a su esposo Kofi tanto física como emocionalmente. Gracias a su apoyo, Kofi prospera en riqueza, pero se vuelve pobre como ser espiritual. A través de su acumulación de riqueza, Kofi se pierde en ella. Su otrora feliz matrimonio con Anowa cambia cuando comienza a contratar esclavos en lugar de hacer cualquier trabajo él mismo. Esto para Anowa no tiene sentido porque hace que Kofi no sea mejor que los colonos europeos a quienes ella detesta por la forma en que siente que han usado a la gente de África. Su matrimonio no tiene hijos, lo que se presume que fue causado por un ritual que Kofi ha realizado intercambiando su hombría por riqueza. Anowa está viendo a KofiEl nombre Anowa significa "Fuerza moral superior", mientras que el de Kofi significa solo "Nacido el viernes". Esta diferencia incluso en la base de sus nombres parece implicar la superioridad moral de las mujeres en una sociedad dirigida por hombres.

Otra obra importante es The Marriage of Anansewa, escrita en 1975 por Efua Sutherland. Toda la obra se basa en una tradición oral Akan llamada Anansesem (cuentos populares). El personaje principal de la obra es Ananse (la araña). Las cualidades de Ananse son una de las partes más predominantes de la obra. Ananse es astuto, egoísta, tiene un gran conocimiento de la naturaleza humana y animal, es ambicioso, elocuente e ingenioso. Al poner demasiado de sí mismo en todo lo que hace, Ananse arruina cada uno de sus esquemas y termina pobre.Ananse se usa en la obra como una especie de Everyman. Está escrito en un sentido exagerado para forzar el proceso de autoexamen. Ananse se usa como una forma de iniciar una conversación para el cambio en la sociedad de cualquiera que lea. La obra cuenta que Ananse intenta casar a su hija Anansewa con cualquiera de una selección de jefes ricos, u otro tipo de pretendiente rico simultáneamente, para recaudar dinero. Eventualmente, todos los pretendientes llegan a su casa a la vez y él tiene que usar toda su astucia para calmar la situación.El narrador no solo narra, sino que también actúa, reacciona y comenta la acción del cuento. Junto con esto, se usa Mbuguous, Mbuguous es el nombre que se le da a una secta muy especializada de la técnica teatral ghanesa que permite la participación del público. Los Mbuguous de este cuento son canciones que embellecen el cuento o lo comentan. La espontaneidad a través de esta técnica, así como la improvisación, se utilizan lo suficiente como para cumplir con cualquier estándar del teatro moderno.

Teatro yoruba

En su estudio pionero del teatro yoruba, Joel Adedeji rastreó sus orígenes hasta la mascarada del Egungun (el "culto del antepasado"). La ceremonia tradicional culmina en la esencia de la mascarada donde se considera que los ancestros regresan al mundo de los vivos para visitar a sus descendientes. Además de su origen en el ritual, el teatro yoruba se puede rastrear hasta la naturaleza 'teatrogénica' de varias deidades en el panteón yoruba, como Obatala, la archidevinidad, Ogun, la divinidad de la creatividad, así como Hierro y tecnología., y Sango la divinidad de la tormenta", cuya reverencia está imbuida "de drama y teatro y la relevancia global simbólica en términos de su interpretación relativa".

La tradición teatral de Aláàrìnjó surgió de la mascarada de Egungun en el siglo XVI. El Aláàrìnjó era una compañía de artistas ambulantes cuyas formas enmascaradas tenían un aire de mística. Crearon escenas breves y satíricas que se basaron en una serie de personajes estereotipados establecidos. Sus actuaciones utilizaron mimo, música y acrobacias. La tradición Aláàrìnjó influyó en el teatro ambulante popular, que fue la forma de teatro más frecuente y desarrollada en Nigeria desde la década de 1950 hasta la de 1980. En la década de 1990, el popular teatro itinerante pasó a la televisión y el cine y ahora ofrece representaciones en vivo en raras ocasiones.

El "teatro total" también se desarrolló en Nigeria en la década de 1950. Utilizó técnicas no naturalistas, imágenes físicas surrealistas y ejerció un uso flexible del lenguaje. Los dramaturgos que escribieron a mediados de la década de 1970 hicieron uso de algunas de estas técnicas, pero las articularon con "una apreciación radical de los problemas de la sociedad".

Los modos de actuación tradicionales han influido fuertemente en las principales figuras del teatro nigeriano contemporáneo. El trabajo de Hubert Ogunde (a veces denominado como el "padre del teatro yoruba contemporáneo") fue informado por la tradición Aláàrìnjó y las mascaradas de Egungun. Wole Soyinka, quien es "generalmente reconocido como el dramaturgo vivo más grande de África", le da a la divinidad Ogun un significado metafísico complejo en su trabajo. En su ensayo "La cuarta etapa" (1973), Soyinka contrasta el drama yoruba con el drama ateniense clásico, relacionándolos con el análisis de este último del filósofo alemán del siglo XIX Friedrich Nietzsche en El nacimiento de la tragedia (1872). Ogun, argumenta, es "una totalidad de las virtudes dionisíacas, apolíneas y prometeicas".

Los defensores del teatro ambulante en Nigeria incluyen a Duro Ladipo y Moses Olaiya (un acto cómico popular). Estos practicantes contribuyeron mucho al campo del teatro africano durante el período de mezcla y experimentación del teatro indígena con el occidental.

Teatro de la diáspora africana

Teatro afroamericano

La historia del teatro afroamericano tiene un doble origen. El primero tiene sus raíces en el teatro local donde los afroamericanos actuaban en cabañas y parques. Sus actuaciones (cuentos populares, canciones, música y danza) tenían sus raíces en la cultura africana antes de ser influenciadas por el ambiente estadounidense. African Grove Theatre fue el primer teatro afroamericano establecido en 1821 por William Henry Brown ISBN 0521465850

Teatro asiatico

Teatro indio

Descripción general del teatro indio

La forma más antigua de teatro indio fue el teatro sánscrito. Surgió en algún momento entre el siglo XV aC y el siglo I y floreció entre el siglo I y el X, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro.El texto védico como Rigveda proporciona evidencias de obras de teatro representadas durante las ceremonias de Yajna. Los diálogos mencionados en los textos van desde el monólogo de una persona hasta el diálogo de tres personas, por ejemplo, el diálogo entre Indra, Indrani y Vrishakapi. Los diálogos no solo son religiosos en su contexto, sino también seculares, por ejemplo, un monólogo rigvédico trata sobre un jugador cuya vida está arruinada por eso y se ha distanciado de su esposa y sus padres también lo odian. Panini en el siglo V a. C. menciona un texto dramático Natasutra escrito por dos dramaturgos indios Shilalin y Krishashva. Patanjali también menciona el nombre de obras que se han perdido, como kemsavadha y Balibandha. Las cuevas de Sitabenga que datan del siglo III a. C. y las cuevas de Khandagiri del siglo II a. C. son los primeros ejemplos de arquitectura teatral en la India. Con las conquistas islámicas que comenzaron en los siglos X y XI, el teatro fue desaconsejado o prohibido por completo. Más tarde, en un intento por reafirmar los valores e ideas indígenas, se fomentó el teatro de pueblo en todo el subcontinente, que se desarrolló en una gran cantidad de idiomas regionales desde el siglo XV hasta el XIX. El teatro indio moderno se desarrolló durante el período de dominio colonial bajo el Imperio Británico, desde mediados del siglo XIX hasta mediados del XX.

Teatro sánscrito

Los primeros fragmentos sobrevivientes del drama sánscrito datan del siglo I. La riqueza de la evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece indicios de la existencia de una tradición de teatro. Los Vedas (la literatura india más antigua, de entre 1500 y 600 a. C.) no contienen ningún indicio de ello; aunque un pequeño número de himnos están compuestos en forma de diálogo), los rituales del período védico no parecen haberse convertido en teatro. El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pueden haber sido las semillas del drama sánscrito. Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los comienzos del teatro en la India.

Sin embargo, aunque no hay fragmentos sobrevivientes de ningún drama anterior a esta fecha, es posible que la literatura budista temprana proporcione la evidencia más temprana de la existencia del teatro indio. Los Pali suttas (que van desde el siglo V al III a. C.) se refieren a la existencia de grupos de actores (dirigidos por un actor principal), que representaban dramas en un escenario. Se indica que estos dramas incorporaron la danza, pero se enumeraron como una forma distinta de actuación, junto con la danza, el canto y la recitación de historias. (Según textos budistas posteriores, el rey Bimbisara, un contemporáneo de Gautama Buda, hizo representar un drama para otro rey. Esto podría ser ya en el siglo V a. C., pero el evento solo se describe en textos mucho más posteriores, desde el siglo III- siglo IV d.C.)

La principal fuente de evidencia para el teatro sánscrito es A Treatise on Theatre (Nātyaśāstra), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones van desde el 200 a. C. hasta el 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni. El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación, la danza, la música, la construcción dramática, la arquitectura, el vestuario, el maquillaje, la utilería, la organización de compañías, el público, los concursos y ofrece un relato mitológico del origen del teatro.Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito era representado en terreno sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.

Bajo el patrocinio de las cortes reales, los artistas pertenecían a compañías profesionales dirigidas por un director de escena (sutradhara), que también pudo haber actuado. Se pensó que esta tarea era análoga a la de un titiritero: el significado literal de " sutradhara " es "sostenedor de las cuerdas o hilos". Los intérpretes fueron entrenados rigurosamente en técnica vocal y física.No había prohibiciones contra las artistas intérpretes o ejecutantes; las empresas eran solo de hombres, solo de mujeres y de género mixto. Sin embargo, ciertos sentimientos se consideraron inapropiados para que los hombres los representaran y se pensó que eran más adecuados para las mujeres. Algunos artistas interpretaron personajes de su misma edad, mientras que otros interpretaron personajes diferentes a los suyos (ya sean más jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta más atención a la actuación (abhinaya), que consta de dos estilos: realista (lokadharmi) y convencional (natyadharmi), aunque el foco principal está en el último.

Su drama se considera el mayor logro de la literatura sánscrita. Utilizaba personajes comunes, como el héroe (nayaka), la heroína (nayika) o el payaso (vidusaka). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Kālidāsa en el siglo I a. C., podría decirse que es el dramaturgo sánscrito más grande de la India antigua. Tres obras románticas famosas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram (Mālavikā y Agnimitra), Vikramuurvashiiya (Perteneciente a Vikrama y Urvashi) y Abhijñānaśākuntala (El reconocimiento de Shakuntala). El último se inspiró en una historia del Mahabharata.y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán. Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808–1832).

El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. siglo VII). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava, Mahaviracharita y Uttar Ramacharita. Entre estos tres, los dos últimos cubren entre ellos toda la epopeya del Ramayana. Al poderoso emperador indio Harsha (606–648) se le atribuye haber escrito tres obras de teatro: la comedia Ratnavali, Priyadarsika y el drama budista Nagananda.

Teatro tradicional indio

Kutiyattam es el único espécimen sobreviviente del antiguo teatro sánscrito, que se cree que se originó alrededor del comienzo de la Era Común, y está oficialmente reconocido por la UNESCO como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad. Además, abundan muchas formas de teatro popular indio. Bhavai (jugadores ambulantes) es una forma popular de teatro folclórico de Gujarat, que se dice que surgió en el siglo XIV d.C. Bhaona y Ankiya Nats han estado practicando en Assam desde principios del siglo XVI, que fueron creados e iniciados por Mahapurusha Srimanta Sankardeva. Jatra ha sido popular en Bengala y su origen se remonta al movimiento Bhakti en el siglo XVI. Otra forma de teatro folclórico popular en Haryana, Uttar Pradesh y la región de Malwa de Madhya Pradesh es Swang, que está orientado al diálogo en lugar del movimiento y se considera que surgió en su forma actual a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Yakshagana es un arte teatral muy popular en Karnataka y ha existido bajo diferentes nombres al menos desde el siglo XVI. Es de naturaleza semiclásica e incluye música y canciones basadas en la música carnática, ricos disfraces, argumentos basados ​​en laMahabharata y Ramayana. También emplea diálogos hablados entre sus canciones que le dan un sabor a arte popular. Kathakali es una forma de danza-drama, característica de Kerala, que surgió en el siglo XVII, y se desarrolló a partir de las obras de arte del templo Krishnanattam y Ramanattam.

Kathakali

Kathakali es un drama-danza clásico indio muy estilizado que destaca por la atractiva composición de los personajes, el vestuario elaborado, los gestos detallados y los movimientos corporales bien definidos que se presentan en sintonía con la música de reproducción del ancla y la percusión complementaria. Se originó en el actual estado de Kerala del país durante el siglo XVII y se ha desarrollado a lo largo de los años con una apariencia mejorada, gestos refinados y temas agregados además de cantos más ornamentados y percusión precisa.

Teatro indio moderno

Rabindranath Tagore fue un dramaturgo moderno pionero que escribió obras destacadas por su exploración y cuestionamiento del nacionalismo, la identidad, el espiritualismo y la codicia material. Sus obras están escritas en bengalí e incluyen Chitra (Chitrangada, 1892), El rey de la cámara oscura (Raja, 1910), La oficina de correos (Dakghar, 1913) y Red Oleander (Raktakarabi, 1924).

Teatro chino

Teatro shang

Hay referencias a espectáculos teatrales en China desde el año 1500 a. C. durante la dinastía Shang; a menudo incluían música, payasadas y exhibiciones acrobáticas.

Teatro Han y Tang

Durante la dinastía Han, los títeres de sombras surgieron por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de teatro de sombras, el cantonés del sur y el pequinés del norte. Los dos estilos se diferenciaban por el método de fabricación de los títeres y la colocación de las varillas en los títeres, a diferencia del tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos generalmente representaban obras de gran aventura y fantasía, rara vez se usaba esta forma de teatro muy estilizada para la propaganda política. Los títeres de sombras cantoneses eran los más grandes de los dos. Fueron construidos con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también fue muy frecuente; una cara negra representaba la honestidad, una roja la valentía. Las varillas que se usaban para controlar los títeres cantoneses estaban unidas perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, el público no los vio cuando se creó la sombra. Los títeres pequineses eran más delicados y pequeños. Fueron creados con cuero delgado y translúcido que generalmente se toma del vientre de un burro. Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que proyectan una sombra muy colorida. Las delgadas varillas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello de la marioneta. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectó la sombra, quedaron fuera de la sombra de la marioneta; por lo tanto, no interferían con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba de acuerdo con la vieja superstición de que, si se dejaban intactas, las marionetas cobraban vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.

La dinastía Tang a veces se conoce como 'La era de los 1000 entretenimientos'. Durante esta era, el emperador Xuanzong formó una escuela de actuación conocida como los Hijos del Jardín de las Peras para producir una forma de drama que era principalmente musical.

Teatro de canciones y yuanes

En la dinastía Song, había muchas obras populares que involucraban acrobacias y música. Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos.

El teatro Yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Beijing, que sigue siendo popular en la actualidad.

Teatro indonesio

El teatro indonesio se ha convertido en una parte importante de la cultura local, las representaciones teatrales en Indonesia se han desarrollado durante cientos de años. La mayoría de las formas teatrales más antiguas de Indonesia están vinculadas directamente a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los destacados teatros de títeres —wayang golek (obra de títeres de varillas de madera) de los sundaneses y wayang kulit (obra de títeres de sombras de cuero) de los javaneses y balineses— extraen gran parte de su repertorio de versiones autóctonas del Ramayana y el Mahabharata. Estos cuentos también proporcionan material de origen para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali, que utiliza actores. Wayang wong es un tipo de representación teatral de danza clásica javanesa con temas tomados de episodios del Ramayana o Mahabharata. Los paneles en bajorrelieve del siglo IX del templo de Prambanan muestran episodios de la epopeya del Ramayana. La adaptación de episodios del Mahabharata se ha integrado en la tradición literaria javanesa desde la era Kahuripan y Kediri, con ejemplos notables como Arjunawiwaha, compuesta por Mpu Kanwa en el siglo XI. El templo de Penataran en Java Oriental representa temas del Ramayana y el Mahabharata en sus bajorrelieves. Wayang wong fue una actuación al estilo de wayang kulit (el teatro de sombras de Java Central) en la que actores y actrices representaban los papeles de los títeres. La primera referencia escrita a la forma está en la inscripción de piedra Wimalarama de Java Oriental con fecha de 930 EC. Actualmente, el género se realiza en variaciones enmascaradas y desenmascaradas en Java Central, Bali y Cirebon, así como en sundanés (Java occidental). con ejemplos notables como Arjunawiwaha, compuesta por Mpu Kanwa en el siglo XI. El templo de Penataran en Java Oriental representa temas del Ramayana y el Mahabharata en sus bajorrelieves. Wayang wong fue una actuación al estilo de wayang kulit (el teatro de sombras de Java Central) en la que actores y actrices representaban los papeles de los títeres. La primera referencia escrita a la forma está en la inscripción de piedra Wimalarama de Java Oriental con fecha de 930 EC. Actualmente, el género se realiza en variaciones enmascaradas y desenmascaradas en Java Central, Bali y Cirebon, así como en sundanés (Java occidental). con ejemplos notables como Arjunawiwaha, compuesta por Mpu Kanwa en el siglo XI. El templo de Penataran en Java Oriental representa temas del Ramayana y el Mahabharata en sus bajorrelieves. Wayang wong fue una actuación al estilo de wayang kulit (el teatro de sombras de Java Central) en la que actores y actrices representaban los papeles de los títeres. La primera referencia escrita a la forma está en la inscripción de piedra Wimalarama de Java Oriental con fecha de 930 EC. Actualmente, el género se realiza en variaciones enmascaradas y desenmascaradas en Java Central, Bali y Cirebon, así como en sundanés (Java occidental). Wayang wong fue una actuación al estilo de wayang kulit (el teatro de sombras de Java Central) en la que actores y actrices representaban los papeles de los títeres. La primera referencia escrita a la forma está en la inscripción de piedra Wimalarama de Java Oriental con fecha de 930 EC. Actualmente, el género se realiza en variaciones enmascaradas y desenmascaradas en Java Central, Bali y Cirebon, así como en sundanés (Java occidental). Wayang wong fue una actuación al estilo de wayang kulit (el teatro de sombras de Java Central) en la que actores y actrices representaban los papeles de los títeres. La primera referencia escrita a la forma está en la inscripción de piedra Wimalarama de Java Oriental con fecha de 930 EC. Actualmente, el género se realiza en variaciones enmascaradas y desenmascaradas en Java Central, Bali y Cirebon, así como en sundanés (Java occidental).

Teatro jemer

En Camboya, en la antigua capital Angkor Wat, se han grabado historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata en las paredes de templos y palacios.

Teatro tailandés

En Tailandia, ha sido una tradición desde la Edad Media representar obras de teatro basadas en tramas extraídas de epopeyas indias. En particular, la versión teatral de la epopeya nacional tailandesa Ramakien, una versión del Ramayana indio, sigue siendo popular en Tailandia incluso hoy en día.

Teatro filipino

Durante el reinado de 333 años del gobierno español, introdujeron en las islas la religión católica y el estilo de vida español, que gradualmente se fusionaron con la cultura indígena para formar la “cultura popular de las tierras bajas” ahora compartida por los principales grupos etnolingüísticos. Hoy, las formas dramáticas introducidas o influenciadas por España continúan viviendo en las zonas rurales de todo el archipiélago. Estas formas incluyen el komedya, los playlets, el sinakulo, el sarswela y el drama. En los últimos años, algunas de estas formas se han revitalizado para que respondan mejor a las condiciones y necesidades de una nación en desarrollo.

Teatro japones

No h

Durante el siglo XIV, había pequeñas compañías de actores en Japón que representaban comedias breves, a veces vulgares. Un director de una de estas compañías, Kan'ami (1333–1384), tuvo un hijo, Zeami Motokiyo (1363–1443), considerado uno de los mejores niños actores de Japón. Cuando la compañía de Kan'ami actuó para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el Shōgun de Japón, imploró a Zeami que tuviera una educación cortesana para sus artes. Después de que Zeami sucedió a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es Noh. Una mezcla de pantomima y acrobacias vocales, este estilo ha fascinado a los japoneses durante cientos de años.

Bunraku

Japón, después de un largo período de guerras civiles y desorden político, estaba unificado y en paz principalmente gracias al shōgun Tokugawa Ieyasu (1543–1616). Sin embargo, alarmado por el aumento del crecimiento cristiano, cortó el contacto de Japón con Europa y China y proscribió el cristianismo. Cuando llegó la paz, el florecimiento de la influencia cultural y la creciente clase mercantil exigieron su propio entretenimiento. La primera forma de teatro que floreció fue Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku). El fundador y principal colaborador de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653–1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. Ningyō jōruri es una forma de teatro muy estilizada que utiliza títeres, hoy en día aproximadamente 1/3 del tamaño de un humano. Los hombres que controlan los títeres se entrenan durante toda su vida para convertirse en maestros titiriteros, cuando luego pueden manejar el títere. la cabeza y el brazo derecho de s y eligen mostrar sus rostros durante la actuación. Los otros titiriteros, que controlan las extremidades menos importantes del títere, se cubren a sí mismos y a sus rostros con un traje negro, para implicar su invisibilidad. El diálogo es manejado por una sola persona, que utiliza variados tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras de teatro durante su carrera, la mayoría de las cuales todavía se utilizan en la actualidad. Llevaban máscaras en lugar de maquillaje elaborado. Las máscaras definen su género, personalidad y estados de ánimo en los que se encuentra el actor. quien utiliza variados tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras de teatro durante su carrera, la mayoría de las cuales todavía se utilizan en la actualidad. Llevaban máscaras en lugar de maquillaje elaborado. Las máscaras definen su género, personalidad y estados de ánimo en los que se encuentra el actor. quien utiliza variados tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras de teatro durante su carrera, la mayoría de las cuales todavía se utilizan en la actualidad. Llevaban máscaras en lugar de maquillaje elaborado. Las máscaras definen su género, personalidad y estados de ánimo en los que se encuentra el actor.

Kabuki

Kabuki comenzó poco después de Bunraku, cuenta la leyenda por una actriz llamada Okuni, que vivió a finales del siglo XVI. La mayor parte del material de Kabuki provino de Nõ y Bunraku, y sus movimientos erráticos tipo danza también son un efecto de Bunraku. Sin embargo, Kabuki es menos formal y más distante que Nõ, pero muy popular entre el público japonés. Los actores están capacitados en muchas cosas variadas, como baile, canto, pantomima e incluso acrobacias. El Kabuki fue interpretado primero por niñas, luego por niños y, a fines del siglo XVI, las compañías de Kabuki estaban formadas solo por hombres. Los hombres que representaron a las mujeres en el escenario fueron entrenados específicamente para obtener la esencia de una mujer en sus sutiles movimientos y gestos.

Butoh

Butoh es el nombre colectivo de una amplia gama de actividades, técnicas y motivaciones para la danza, la actuación o el movimiento inspirado en el Ankoku-Butoh (暗黒舞踏, ankoku butō)movimienot. Por lo general, involucra imágenes divertidas y grotescas, temas tabú, entornos extremos o absurdos, y tradicionalmente se realiza con maquillaje de cuerpo blanco con movimiento lento e hipercontrolado, con o sin público. No hay un estilo establecido, y puede ser puramente conceptual sin ningún movimiento. Sus orígenes se han atribuido a las leyendas de la danza japonesa Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno. Butoh apareció por primera vez en Japón después de la Segunda Guerra Mundial y específicamente después de los disturbios estudiantiles. Los roles de autoridad ahora estaban sujetos a desafío y subversión. También apareció como una reacción contra la escena de la danza contemporánea en Japón, que Hijikata sentía que se basaba, por un lado, en imitar a Occidente y, por otro, en imitar al Noh. Criticó el estado actual de la danza como demasiado superficial.

Teatro turco

Primera mención de obras de teatro en el imperio otomano relacionadas con la aparición de judíos españoles allí a fines de los siglos XV y XVI. Más tarde, otras minorías, como los romaníes, los griegos y los armenios, se involucraron en el campo. Posteriormente, el equivalente turco de la commedia dell'arte, la Orta oyunu, se hizo muy popular en todo el Imperio.

Teatro persa

Teatro islámico medieval

Las formas de teatro más populares en el mundo islámico medieval eran el teatro de títeres (que incluía títeres de mano, teatro de sombras y producciones de marionetas) y obras de teatro de pasión en vivo conocidas como ta'ziya, en las que los actores recrean episodios de la historia musulmana. En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali, Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali. Las obras seculares conocidas como akhraja se registraron en la literatura adab medieval, aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya.