Historia del diseño gráfico

El diseño gráfico es la práctica de combinar texto con imágenes y conceptos, con mayor frecuencia para anuncios, publicaciones o sitios web. La historia del diseño gráfico se remonta con frecuencia desde el inicio de la impresión de tipos móviles en el siglo XV, sin embargo, los desarrollos y tecnologías anteriores relacionados con la escritura y la impresión se pueden considerar como parte de la historia más larga de la comunicación.

Escritura

• El Lantingji Xu, Prefacio a los poemas compuestos en el Pabellón de las Orquídeas es la obra más famosa del calígrafo chino Wang Xizhi, creada en el año 353.
• Tablilla de ejercicios de escribano con texto hierático sobre madera, relacionada con la Dinastía XVIII, reinado de Amenhotep I, c. 1514-1493 a.C. El texto es un extracto de Las Instrucciones de Amenemhat II (Dinastía XII), y dice: "Esté en guardia contra todos los que están subordinados a usted... No confíe en ningún hermano, no conozca a ningún amigo, no haga íntimos".
• Un epílogo del título tradicional chino escrito por Wen Zhengming en el retrato de Ni Zan de Qiu Ying (1470-1559)
• El Papiro de Ani es una versión del Libro de los Muertos para el Escriba Ani. Esta viñeta (pequeña escena que ilustra el texto) es Capítulo por no dejar que el corazón de Ani creara oposición contra él en el Dominio de Dios.

Medieval

Los manuscritos iluminados religiosos medievales combinan texto e imágenes. Entre estos libros se encuentran los Evangelios de arte insular, creados en los monasterios de las Islas Británicas. Los gráficos de estos libros reflejan la influencia del estilo Animal asociado con los pueblos "bárbaros" del norte de Europa, con mucho uso de entrelazado y decoración geométrica.

• Una página de los Evangelios de Lindisfarne, c. 710
• Los Evangelios de Ada son uno de un grupo de manuscritos, conocidos por los eruditos modernos como la Escuela de Ada. Sus iluminaciones incluyen una elaborada página inicial del Evangelio de Mateo y retratos de Mateo, Marcos y Lucas. Finales del siglo VIII
• Una decoración gráfica en el Libro de Kells, c. 800
• Primera página del Libro de Durrow, siglo VII

El Corán

En los países islámicos, la caligrafía era un aspecto sagrado del libro sagrado del Islam, el Corán. Los escribas musulmanes usaban tinta negra y papel dorado para escribir y dibujar, usando un alfabeto en ángulo llamado Kuffi o Kufi. Dichos escritos aparecieron en el siglo VIII y alcanzaron su cúspide en el siglo X. Posteriormente, se agregaron decoraciones en los márgenes de las páginas, con diversas técnicas gráficas, para embellecer el libro. En el siglo XII, se inventó el alfabeto naskh; presentaba curvas en lugar de las líneas en ángulo de la escritura kufi. Más tarde aparecieron otros estilos, como Mohaghegh, Reyhan, Sols, Reghaa y Toghii.

• Una página de un Corán persa del siglo XI.
• Arte gráfico en un Corán egipcio del siglo IX o X.
• Un Corán iraní del siglo XV encontrado en Uzbekistán.
• Un Corán con el Alfabeto Kuffi del siglo XII.

Caligrafía

• Se ha sugerido que la caligrafía agrega una dimensión mística a un texto. Tal misticismo parece ser coherente con el sentimiento que un texto religioso intenta transmitir. Muchos textos religiosos, por lo tanto, han aparecido en ediciones caligráficas, con el fin de evocar un sentimiento espiritual en el lector.
• El arte de la caligrafía en China se remonta al año 2000 a. La caligrafía china se utilizó para comunicar las ideas filosóficas de Confucio y las Cien Escuelas de Pensamiento (諸子百家; zhūzǐ bǎijiā")
• La caligrafía ingresó a Japón desde China en el siglo III a. C., durante sus guerras estatales. Los japoneses usaban la caligrafía para escribir su haiku en pancartas decorativas.

Jugando a las cartas

Se cree que los naipes se inventaron en China. Los naipes chinos, tal como entendemos el término hoy, datan de al menos 1294, cuando Yen Sengzhu y Zheng Pig-Dog aparentemente fueron atrapados apostando en Enzhou (en la actual provincia de Shandong). Las tarjetas entraron en Europa desde el imperio islámico. Las primeras referencias auténticas a los naipes en Europa datan de 1377. Europa cambió los símbolos islámicos, como cimitarras y copas, por representaciones gráficas de reyes, reinas, caballeros y bufones. Diferentes países europeos adoptaron diferentes sistemas de palos. Por ejemplo, algunas barajas italianas, españolas y alemanas aún hoy no tienen reinas.Durante el siglo XV, los impresores alemanes introdujeron una técnica de impresión en madera para producir naipes. Los menores costos de producción permitieron una rápida exportación de las cartas impresas a toda Europa. La sustitución de la impresión en bloque de madera y el coloreado a mano por el grabado en placa de cobre durante el siglo XVI fue la siguiente innovación significativa en la fabricación de naipes. La impresión masiva de naipes se revolucionó con la introducción de la litografía en color a principios del siglo XIX.

• Estos son diseños de tarjetas del sultanato mameluco de Egipto. C. 1500. Según un pasaje de la HISTORIA DE EGIPTO, 1382-1469 d.C. de Ibn Taghri Birdi, el futuro sultán al-Malik al-Mu'ayyad ganó una gran suma de dinero en un juego de cartas. En los naipes del imperio islámico los palos eran monedas, copas, espadas y palos de polo.
• Los alemanes introdujeron la impresión de bloques de madera

Comunicación

• Muchas organizaciones médicas utilizan la vara de Asclepio como logotipo, ya que simboliza las artes curativas. Este tipo de signo se llama pictograma. La principal ventaja de un pictograma es que no es necesario saber leer o comprender un idioma en particular para poder comprender la información que transmite.
• Esta es la señal de tráfico sueca para la zona de no estacionamiento. El círculo rojo con una línea diagonal que lo cruza transmite la idea de "No permitido" y se llama ideograma.

Un acertijo (en latín: "por cosas") es una especie de rompecabezas de palabras que utiliza imágenes para representar palabras o partes de palabras, como "T,4,2" en lugar de "té para dos". En 1977, el Departamento de Comercio del Estado de Nueva York contrató a Milton Glaser, un diseñador gráfico productivo para trabajar en una campaña de marketing para el Estado de Nueva York. Glaser creó el ícono de estilo rebus I ❤ NY, que se convirtió en un gran éxito y se ha seguido vendiendo durante años. Rebus ha jugado un papel importante en la creación de alfabetos.

Heráldica

La heráldica es la práctica de diseñar y exhibir escudos de armas e insignias heráldicas y es bastante común entre todas las naciones. Por ejemplo, los romanos usaban el águila como escudo de armas, los franceses usaban la flor de lis y los persas usaban el signo de su dios, Ahura Mazda. Históricamente, se ha descrito de diversas formas como "la taquigrafía de la historia" y "el borde floral en el jardín de la historia". Proviene del compuesto germánico *harja-waldaz, "comandante del ejército". Los orígenes de la heráldica radican en la necesidad de distinguir a los participantes en combate cuando sus rostros estaban ocultos por cascos de hierro y acero. Finalmente, un sistema formal de reglas se convirtió en formas cada vez más complejas de heráldica.

• Este es el escudo de armas imperial de Carlos V, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Desde la época de Otón el Grande en adelante, los diversos príncipes alemanes eligieron a uno de sus pares como rey de los alemanes, después de lo cual sería coronado emperador por el Papa. El último emperador en ser coronado por el Papa fue Carlos V; todos los emperadores después de él fueron técnicamente emperadores electos, pero universalmente se los conocía como Emperadores.
• Este es el escudo de armas de Alberto de Suecia. Fue Rey de Suecia desde 1364, y en 1384 heredó el título ducal de Mecklenburg y unió los dos países en una unión personal.
• Al igual que la heráldica occidental, los mon s japoneses inicialmente solo estaban en manos de familias aristocráticas y fueron adaptados gradualmente por los plebeyos. La vestimenta formal tradicional japonesa generalmente muestra el mon del usuario. Los plebeyos sin mon a menudo usaban el de su patrón o la organización a la que pertenecían. Este es el escudo de armas de Gion Mamori de Japón.
• Esta es la Rosa Blanca de York, una rosa heráldica blanca, que es el símbolo de la Casa de York. Tradicionalmente, se dice que los orígenes del emblema se remontan a Edmund de Langley en el siglo XIV, el primer duque de York y fundador de la Casa de York como rama cadete de la entonces gobernante Casa de Plantagenet. El simbolismo real detrás de la rosa tiene connotaciones religiosas, ya que representa a la Virgen María, a quien a menudo se la llama la Rosa Mística del Cielo.

Logotipos y marcas registradas

Una marca es un signo o indicador distintivo utilizado por un individuo, empresa u otra entidad para identificar sus productos o servicios y distinguirlos de los de otros productores. Una marca comercial es un tipo de propiedad intelectual y, por lo general, un nombre, una palabra, una frase, un logotipo, un símbolo, un diseño, una imagen o una combinación de estos elementos.

• Este diseño gráfico del logotipo de Coca-Cola es obra de Frank Mason Robinson, quien lo creó en 1885. Este antiguo logotipo ha existido durante más de un siglo, lo que podría considerarse como una medida de su éxito. Un logotipo exitoso creará un sentido de lealtad entre las clientes.
• Google es una empresa joven de alta tecnología, y su logotipo creado por Ruth Kedar nos recuerda el minimalismo de Mondrian. Kedar ha enfatizado la alegría de su diseño y su simplicidad que transmite una ilusión de no diseño. Según ella, "los colores evocan recuerdos de juegos infantiles, pero se desvían hábilmente de las restricciones de la rueda de colores para insinuar el elemento inherente de serendipia que se cuela en cualquier página de resultados de búsqueda... La textura y el sombreado de cada letra se hace en una forma discreta que resulta en levantarlo de la página mientras le da peso y ligereza".

Cambio de marca

Cambiar la marca significa mantenerse relevante a medida que aumenta la competencia y las ventas comienzan a estancarse. En tales circunstancias, las empresas a menudo buscan dar nueva vida a la marca a través del cambio de marca. La idea detrás de esto es que las suposiciones hechas cuando se estableció la marca ya no pueden ser ciertas.

Señalización de cultura y paz

• Esta bandera de los Juegos Olímpicos que ha sido diseñada por Pierre de Coubertin recuerda al espectador el minimalismo de Mondrian. Según Coubertin "Este diseño es simbólico, representa los cinco continentes del mundo, unidos por el Olimpismo, mientras que los seis colores son los que aparecen en todas las banderas nacionales del mundo en la actualidad"

El logo del Partido Socialista (Francia). El símbolo de la rosa representa; la comunidad (los pétalos de la flor), el socialismo (su color rojo), el cuidado de los menos capaces de competir (la fragilidad), la lucha (las espinas), la vida cultural (la belleza). Históricamente, la rosa roja se convirtió en el emblema del partido durante la década de los setenta. El símbolo del puño era un signo de resistencia. Aunque los socialistas de Mitterrand convirtieron el puño en un gráfico que sostiene una rosa.

Conocido en todo el mundo por su logotipo de panda, el Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF), con sede en Suiza, participa en los esfuerzos internacionales para proteger las especies en peligro de extinción y sus hábitats.

Médicos Sin Fronteras, o Médicos sin Fronteras, es mejor conocido por sus proyectos humanitarios en regiones devastadas por la guerra y países en desarrollo que enfrentan enfermedades endémicas. Su logotipo con un enfoque minimalista crea su impacto visual.

Rótulos informativos: ISOTIPO

En 1921, Otto Neurath, un científico social austriaco, introdujo el diseño gráfico para facilitar la comprensión de diversas tendencias sociales y económicas mediante el uso creativo de cuadros estadísticos. En 1924, Neurath abogó por el establecimiento del Museo de Economía y Sociedad, una institución para la educación pública y la información social. En mayo de 1925 se abrieron al público las primeras muestras gráficas del Museo. La exposición mostró varias tendencias sociales y económicas complicadas. Mediante el uso de gráficos que debían ser intuitivos e interesantes, el intento era hacer que esos conceptos fueran fáciles de comprender. Este estilo de presentación en ese momento se llamaba método vienés, pero ahora se conoce como gráficos ISOTYPE (Sistema Internacional de Educación de Imágenes Tipográficas).

Otto Neurath (1882-1945) fue un entusiasta de la sociología. Después de obtener su doctorado, trabajó en la planificación de la economía de guerra del imperio austrohúngaro. Sin embargo, en 1919 estaba involucrado en la planificación de un sistema económico completamente nuevo de la caótica y efímera República Soviética de Baviera. Propuso la abolición del dinero, pero antes de que esto pudiera implementarse, la república fue derrocada sangrientamente por los socialdemócratas de Weimar. Neurath escapó a Viena, donde se convirtió en activista del movimiento de ocupantes ilegales de autoayuda. En la década de 1920 se unió al Círculo de Viena de Positivistas Lógicos, que intentó establecer una base científica para la filosofía; y al mismo tiempo fue pionero en los métodos gráficos que se convirtieron en Isotipo y se exhibieron en el "Museo de la Sociedad y la Economía".

Como argumenta Lupton: Neurath sugirió "dos reglas centrales para generar el vocabulario de imágenes internacionales: reducción, para determinar el estilo de los signos individuales; y consistencia, para dar a un grupo de signos la apariencia de un sistema coherente". Reducir significa encontrar la expresión más simple de un objeto. Por ejemplo, la silueta es una técnica básica para la reducción. Emula la sombra de la imagen sin intervención humana. Por lo tanto, es un molde natural más que una interpretación cultural. El signo como representación geométrica de la realidad es tanto una connotación retórica como una técnica práctica para muchos diseñadores de símbolos. Martin Krampen sugirió "realismo simplificado"; instó a los diseñadores a "comenzar con fotografías de siluetas de objetos... y luego por sustracción... obtener pictografías de siluetas".

Gerd Arntz (1900–1988) nació en una familia alemana de comerciantes y fabricantes. Fue un activista sociopolítico en Düsseldorf, donde se unió a un movimiento que tenía como objetivo convertir a Alemania en una forma de estado socialista radical. Como artista revolucionario, Arntz estaba conectado con el 'grupo de artistas progresistas' con sede en Colonia (Gruppe progresiva Künstler Köln) y representó la vida de los trabajadores y la lucha de clases en figuras abstractas en grabados en madera. Publicado en revistas de izquierda, su trabajo llamó la atención de Otto Neurath, quien para su 'método de estadísticas visuales de Viena' necesitaba un diseñador de pictogramas que pudiera resumir un tema de un vistazo. Neurath invitó a los jóvenes artistas a venir a Viena en 1928 y trabajar en el desarrollo de su ISOTIPO. Arntz diseñó alrededor de 4000 pictogramas diferentes e ilustraciones abstractas para este sistema.

El lema de Neurath era "las palabras dividen, las imágenes unen". Muchos de sus diseños, junto con los de su protegido Gerd Arntz, fueron los antepasados ​​de los pictogramas que ahora encontramos en todas partes, como el hombre y la mujer en las puertas de los baños. Como sugiere Marina Vishmidt: "Los pictogramas de Neurath deben mucho a la creencia modernista de que la realidad puede modificarse al ser codificada: plantillas estandarizadas y fáciles de entender como una revolución en los asuntos humanos.

Pictogramas olímpicos

Los logos y pictogramas de los Juegos Olímpicos cambian cada cuatro años y la ciudad patrocinadora desarrolla sus propios logos. Los pictogramas aparecieron por primera vez en los Juegos Olímpicos de Londres en 1948. Se generalizaron, ya que simultáneamente comunican un mensaje a un gran número de personas que hablan diferentes idiomas. En ausencia de dichos letreros en lugares como la villa olímpica, se necesitarían muchos letreros escritos en diferentes idiomas, por ejemplo, para remar como; Roning, Κωπηλασία, Aviron, قایق رانی، y ボート競技 que no solo serían costosos sino que también podrían confundir a los espectadores. Símbolos para deportes individuales desarrollados por Masasa Katzoumie y Yoshiro Yamashita en los Juegos Olímpicos de Tokio en 1964.

Pictogramas en los Juegos Olímpicos de México, 1968. Un grupo de diseñadores del programa de identidad olímpica colaboró ​​en la creación de estos símbolos, que se emplearon para designar los eventos e instalaciones tanto del programa deportivo como de la Olimpiada Cultural.

Inspirándose en los pictogramas de Gerd Arntz, Otl Aicher, director de diseño de los juegos de Múnich 1972, en palabras de Michael Bierut “desarrolló un conjunto de pictogramas de una elegancia y claridad tan impresionantes que nunca serían superados”. Aicher (1922-1991), fundador de la escuela de diseño de Ulm y consultor de Braun y Lufthansa, fue el diseñador alemán por excelencia: preciso, cool y lógico".

Los pictogramas de los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992 fueron influenciados por el trabajo de Aicher. Sin embargo, se abandonaron las formas geométricas en favor de la línea característica del emblema creado por Josep. M. Trias y su estilizada simplificación del cuerpo humano en tres partes.

La ilustradora holandesa Irene Jacobs de I'm JAC Design creó veinticuatro pictogramas deportivos y una serie de ilustraciones deportivas para los Juegos de Invierno de 2010.

Cartas astronómicas, estadísticas y científicas

• Las cartas astronómicas tienen una larga historia. Por ejemplo, un grabado de un antiguo diagrama egipcio de los cielos del Templo de Dendara representa el cielo en la fecha de la fundación del templo en el 54 a. El gráfico anterior es un mapa astronómico del cielo dibujado por Nicolás Copérnico en 1543 que reemplazó un gráfico anterior de Cellarius que mostraba el universo centrado en la Tierra.
• En este cuadro gráfico se muestra la posición de dos planetas en relación con un espectador, y su posición tal como aparecen para un espectador específico. Estos tipos de gráficos se utilizan en varios libros de texto para describir diversos fenómenos científicos. Los fabricantes también los utilizan para sus manuales con el fin de ayudar a los compradores a familiarizarse con el funcionamiento de un dispositivo.
• Este es un gráfico de burbujas, que puede mostrar la relación entre tres variables. Estos gráficos facilitan la comprensión de las relaciones sociales, económicas, médicas y científicas.

La estadística es cada vez más importante en la sociedad moderna. Varios programas informáticos pueden transformar fácilmente un gran conjunto de datos en tablas, gráficos y estadísticas de varios tipos en un intento de brindarnos información sucinta para tomar decisiones.

Diseños dinámicos y animación por ordenador

• La animación por computadora crea la ilusión de movimiento al ver una sucesión de imágenes fijas generadas por computadora. En el pasado, la animación se producía filmando secuencias pintadas en celdas de plástico o papel. La animación anterior fue creada a partir de fotografías de Eadweard Muybridge en 1887. La animación por computadora se puede utilizar para producir efectos especiales con fines educativos, como el estudio de movimientos planetarios, colisiones de partículas o dinámica de fluidos.
• Los gráficos dinámicos se utilizan para facilitar la comprensión de conceptos en ciencia, ingeniería, medicina, educación y negocios. Los gráficos por computadora facilitan la producción de imágenes que varían en complejidad desde simples dibujos lineales hasta reconstrucciones tridimensionales de datos. La evolución de un fenómeno a través del tiempo y sus interacciones con otros elementos se puede mostrar a través de la animación.
• En este diseño dinámico tridimensional se estudia una casa desde varios ángulos. Este tipo de animaciones pueden ser muy útiles en el estudio de diversos objetos. También se pueden utilizar para estudiar la evolución de un proceso a través del tiempo.:
• El arte de los diseños dinámicos aún está en pañales. Con la disponibilidad de sofisticadas técnicas de gráficos por computadora, el horizonte se ha ampliado enormemente para los diseñadores gráficos.

Pioneros de la gráfica moderna y el diseño industrial

• En 1907, AEG (Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft) contrató a Peter Behrens, un arquitecto y diseñador alemán, como consultor artístico. Diseñó toda la identidad corporativa (logotipo, diseño de producto, publicidad, etc.) y por ello es considerado el primer diseñador industrial de la historia. Nunca se convirtió en empleado de AEG, pero trabajó como consultor artístico.
• Paul Rand, un diseñador gráfico estadounidense, es mejor conocido por sus diseños de logotipos corporativos. Su carrera comenzó con un puesto de medio tiempo creando imágenes de archivo para un sindicato que suministraba gráficos a varios periódicos y revistas. Entre sus tareas de clase y su trabajo, Rand pudo acumular una cartera bastante grande, en gran medida influenciada por el estilo publicitario alemán Sachplakat (cartel de objetos), así como por las obras de Gustav Jensen.

Raymond Loewy fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nacido en Francia, desarrolló la mayor parte de su carrera profesional en los Estados Unidos. Entre sus muchas contribuciones se encuentran el logotipo de Shell, el autobús Greyhound, la locomotora S-1, el paquete Lucky Strike, los refrigeradores Coldspot y el Studebaker Avanti. La corporación de galgos se acercó por primera vez a Loewy para rediseñar su logotipo. El logo de la compañía parecía un 'mestizo gordo', dijo. Entonces, creó una versión reducida que todavía se usa hoy.

William Golden es uno de los pioneros del diseño gráfico estadounidense. Nació en el bajo Manhattan, el menor de doce hijos. Su única educación formal fue en la Vocational School for Boys, donde aprendió fotograbado y los conceptos básicos del diseño comercial. Junto con el tipo de letra Didot, Golden desarrolló el famoso logotipo CBS Eye. Se ha sugerido que el ojo se inspiró en un artículo del Portafolio de Alexey Brodovitch sobre el tema del diseño de Shaker.

Pancartas y carteles

Placard y carteles existieron desde la antigüedad. Los relieves persas que representan los importantes acontecimientos históricos; y los axones griegos y los álbumes romanos, con sus diseños decorativos y anuncios, eran bastante similares a los carteles actuales. En la antigua Grecia, el nombre de los atletas y los horarios de los juegos se escribían en columnas que giraban lentamente sobre un eje. Los romanos usaban paredes encaladas en sus mercados en los que los vendedores, prestamistas y traficantes de esclavos escribían sus anuncios y publicitaban sus productos, y para atraer la atención de los clientes añadían diseños atractivos a sus anuncios.

Relieves antiguos

Aparición de la industria de la impresión y el diseño.

Alrededor de 1450, la imprenta de Johann Gutenberg hizo que los libros estuvieran ampliamente disponibles en Europa. El diseño del libro de Aldus Manutius desarrolló la estructura del libro que se convertiría en la base del diseño de publicaciones occidentales. Con el desarrollo del proceso litográfico, inventado por un checo llamado Alois Senefelder en 1798 en Austria, la creación de carteles se hizo factible. Aunque antes existían carteles hechos a mano, se usaban principalmente para anuncios gubernamentales. William Caxton, quien en 1477 fundó una imprenta en Inglaterra, produjo el primer cartel impreso. En 1870 surge el cartel publicitario.

• Aristóteles impreso por Aldus Manutius, 1495-98 (Libreria antiquaria Pregliasco, Turín)
• Una página de Hypnerotomachia Poliphili de Francesco Colonna, impresa por Aldus Manutius
• El dispositivo de la impresora de William Caxton, 1478.
• Un grabado en madera de la segunda edición de William Caxton de los Cuentos de Canterbury impreso en 1483.

Grabado

El grabado es la práctica de incidir un diseño en una superficie dura, generalmente plana, cortando ranuras en ella. El proceso se desarrolló en Alemania en la década de 1430 a partir del grabado utilizado por los orfebres para decorar trabajos en metal. Los grabadores usan una herramienta de acero endurecido llamada buril para cortar el diseño en la superficie, más tradicionalmente una placa de cobre. Los buriladores vienen en una variedad de formas y tamaños que producen diferentes tipos de líneas.

• Theodor de Bry (1528 - 1598) fue grabador, orfebre y editor. Un retrato grabado de Theodorus de Bry, solo y que confirma su origen en Lieja, en latín "Leodiensis", entre paréntesis: (una ciudad en ese momento que no pertenecía ni a Flandes ni a Valonia, ni siquiera a Bélgica).
• Alberto Durero, San Jerónimo en su estudio. Alberto Durero fue un pintor y grabador alemán. (1514)
• Ecce Homo, grabado, siglo XV, por Martin Schongauer(c. 1448 - 1491). Fue un grabador y pintor alemán, y fue el grabador alemán más importante antes de Alberto Durero.
• Matthäus Merian, Vista de Frankfurt, entre 1612 y 1619. Merian fue un notable grabador suizo.

Grabando

El grabado es el proceso de usar ácido fuerte o mordiente para cortar las partes desprotegidas de una superficie de metal para crear un diseño en huecograbado en el metal. Se cree que esta técnica fue inventada por Daniel Hopfer (c. 1470-1536) de Augsburgo, Alemania, quien decoró armaduras de esta manera y aplicó el método al grabado. El aguafuerte pronto llegó a desafiar al grabado como el medio de grabado más popular. Su gran ventaja era que, a diferencia del grabado, que requiere una habilidad especial en el trabajo de los metales, el grabado es relativamente fácil de aprender para un artista formado en dibujo.

• Bufón de la corte del emperador Maximiliano I. Aguafuerte de Daniel Hopfer, (1493).
• Jardinero con canasta, c. 1612, Aguafuerte de Jacques Bellange. Fue un artista y grabador de Lorena, ahora en Francia (c. 1575 - 1616).
• Pornócrates de Félicien Rops. Fue un artista belga y grabador en aguafuerte y aguatinta, 1896.
• Anciano de los días de William Blake, aguafuerte/acuarela, (1794).

Diseño gráfico moderno

En la segunda mitad del siglo XIX, la Kelmscott Press de William Morris produjo muchos diseños gráficos historicistas y creó un mercado de coleccionistas para este tipo de arte. En Oxford se asoció con artistas como Burne-Jones y Dante Gabriel Rossetti. Juntos formaron el grupo Pre-Raphaelites, y sus ideas influyeron considerablemente en el diseño gráfico moderno.

• Este diseño de tela llamado Peacock and Dragon, que es obra de William Morris (1878) es un ejemplo de diseño gráfico decorativo. Este tipo de diseños revivió durante la década de 1960 con el surgimiento del movimiento hippie.
• Este diseño de Morris Tulip and Willow (1873) es otro ejemplo de gráficos decorativos. Al usar un azul diagonal, con solo una sugerencia de naranja, el artista intenta crear un esquema de color armonioso que podría usarse de manera efectiva en el diseño de un póster u otro medio de diseño gráfico.
• Esta es la primera página de The Nature of Gothic de John Ruskin, que fue publicada por Kelmscott Press de William Morris. El diseño decorativo fue el renacimiento del estilo gótico en el diseño gráfico.
• Este libro de poesía, llamado Rubaiyat, del famoso poeta persa Omar Khayyam, es un ejemplo de la cooperación en el diseño gráfico moderno temprano. La composición gráfica de la caligrafía y su diseño decorativo son de Morris y la pintura es de Burne-Jones.

En 1917, Frederick H. Meyer, director e instructor de la Escuela de Artes y Oficios de California, impartió una clase titulada "Diseño gráfico y letras".

Carteles posteriores a la Segunda Guerra Mundial

Después de la Segunda Guerra Mundial, con la aparición de nuevas tecnologías de impresión en color y, en particular, la aparición de las computadoras, el arte de los carteles experimentó una nueva fase revolucionaria. Las personas pueden crear carteles en color en sus computadoras portátiles y crear impresiones en color a un costo muy bajo. Desafortunadamente, los procesos de impresión sofisticados de alto costo solo pueden costearlos principalmente las entidades gubernamentales y las grandes corporaciones. Con la aparición de Internet, el papel de los carteles en la transmisión de información ha disminuido considerablemente. Sin embargo, algunos artistas todavía utilizan la cromolitografía para crear obras de arte en forma de impresión. En este sentido, la diferencia entre pintura e impresión se ha reducido considerablemente.

Diseño psicodélico

La palabra "psicodélico" significa "manifestación de la mente". El arte psicodélico es un arte inspirado en la experiencia psicodélica inducida por las drogas, y se refiere sobre todo al movimiento artístico de la contracultura de los años sesenta. Las artes visuales psicodélicas eran una contraparte de la música rock psicodélica. Carteles de conciertos, portadas de álbumes, espectáculos de luces, murales, cómics, periódicos clandestinos y más reflejaban sentimientos políticos, sociales y espirituales revolucionarios inspirados en estados psicodélicos de conciencia.

Aunque San Francisco siguió siendo el centro del arte psicodélico hasta principios de la década de 1970, el estilo también se desarrolló a nivel internacional. Pink Floyd trabajó extensamente con los diseñadores con sede en Londres, Hipgnosis, para crear gráficos que respaldaran los conceptos de sus álbumes, como esta versión de la banda sonora de la película 'More'. La portada y el artículo principal de la revista Life para el número del 1 de septiembre de 1967 en el apogeo del Verano del amor se centró en la explosión del arte psicodélico en los carteles y los artistas como líderes en la comunidad de la contracultura hippie.

Yellow Submarine fue un hito en el diseño gráfico, inspirado en las nuevas tendencias del arte, se sienta junto a los deslumbrantes estilos Pop Art de Andy Warhol, Martin Sharp, Alan Aldridge y Peter Blake. Heinz Edelman fue contratado por TVC como director de arte para esta película. Antes de hacer Yellow Submarine, TVC había producido The Beatles, una serie de televisión de 39 episodios "producida" por Al Brodax y King Features. A pesar de la aclamación de la crítica por su trabajo de diseño para la película, Edelman nunca trabajó en otra película animada.

El trabajo de arte de Peter Max fue parte del movimiento psicodélico en el diseño gráfico. Su trabajo fue muy imitado en la ilustración comercial a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. En 1970, muchos de los productos y carteles de Max se presentaron en la exposición "El mundo de Peter Max" que se inauguró en el Museo Conmemorativo MH de Young en San Francisco. Apareció en la portada de la revista Life con un artículo de ocho páginas, así como en The Tonight Show Starring Johnny Carson y The Ed Sullivan Show.

Diseño de carteles en Japón

La estética distintiva del diseño gráfico japonés ha sido admirada durante muchas décadas, ganando premios en prestigiosos lugares internacionales.

Las obras de los diseñadores gráficos japoneses se destacan por su ingenio, su poderosa expresión visual y su extraordinaria calidad técnica de impresión.

El lenguaje artístico distintivo y la sofisticación tipográfica se muestran particularmente en el diseño de carteles japoneses. El cartel japonés es un medio pictórico convincente y una obra de arte original, que refleja por completo el talento creativo del diseñador.

Revolución cultural china

El cartel "La revolución promueve la producción", creado por He Shuxui, celebra las técnicas tradicionales de pintura en cerámica. Una placa al fondo conmemora a un grupo de ceramistas como unidad productiva destacada, 1974.

Un trabajador llamado Wang Qing Cang creó el cartel "¡Los tres países de Indo Zhina (Lao, Camboya, Vietnam) ganarán!". En el lado superior izquierdo, dice "Los enemigos se enferman más y más cada día, y nosotros mejoramos cada día". (Estados Unidos apoyó a los gobiernos de Indo Zhina (Indochina), mientras que China apoyó a sus fuerzas guerrilleras comunistas). Octubre de 1964.

El cartel "Mao Ze Dong en la montaña Jing Gang" muestra a un joven Mao Ze Dong sentado contra el fondo del monte Jing Gang. Jing Gang Shan (Montaña Jing Gang) simboliza el liderazgo de Mao Ze Dong y su visión de unir a las masas oprimidas para luchar y luchar contra la clase dominante. Creado por Liu Chun Hua y Wang Hui, octubre de 1969.

El cartel, "El tiempo es dinero", presenta al famoso médico canadiense Norman Bethune (Dr. Bai Qiuen en chino), corriendo para rescatar a otro paciente. Bethune se convirtió en uno de los primeros defensores de la atención médica universal, cuyo éxito observó durante una visita a la Unión Soviética. Como médico en Montreal, Bethune buscaba con frecuencia a los pobres y les brindaba atención médica gratuita. Como cirujano torácico, viajó a España (1936-1937) ya China (1938-1939) para realizar operaciones quirúrgicas en el campo de batalla en víctimas de guerra. Creado por Zhang Xin Gua. Editorial del pueblo de Hebei.

Cultura y política

Richard Avedon fue un fotógrafo estadounidense. Avedon aprovechó su temprano éxito en la fotografía de moda y se expandió al ámbito de las bellas artes. Este es un póster solarizado con retratos de los Beatles, producido originalmente para la edición del 9 de enero de 1967 de la revista estadounidense Look.

El cartel de "esperanza" de Barack Obama es una imagen icónica de Barack Obama diseñada por el artista Shepard Fairey. La imagen se convirtió en uno de los símbolos más reconocidos del mensaje de campaña de Obama, generando muchas variaciones e imitaciones, incluidas algunas encargadas por la campaña de Obama. En enero de 2009, después de que Obama ganara las elecciones, la Smithsonian Institution adquirió la versión del retrato estarcido en medios mixtos de la imagen de Fairey para su Galería Nacional de Retratos.

• Este cartel político de Tiocfaidh Ár Lá sobre Ulster.
• Póster de Andrew Pavlovsky del poeta MAYAKOVSKIY (2003). Este cartel es una ilustración gráfica de un verdadero interés por el constructivismo en la Rusia actual. Este movimiento de arte (constructivismo) casi siempre estuvo en demanda en Rusia y ahora puede convertirse en una de las principales tendencias. Algunos de los artistas e historiadores del arte rusos contemporáneos ya han sugerido el nuevo término: Constructivismo aditivo. Enfatiza el retorno al modernismo, que comienza a desplazar significativamente las prácticas artísticas posmodernas. No es una actuación posmoderna. La solución de color constructivista demuestra que así es.

hacer

Diseño gráfico asistido por ordenador en carteles

Con la llegada del diseño gráfico asistido por computadora, ha surgido una variedad de efectos novedosos, técnicas digitales y estilos innovadores en los diseños de carteles. Con software como Adobe Photoshop, Corel y el programa Paint de Windows, la edición de imágenes se ha vuelto muy barata y los artistas pueden experimentar fácilmente con una variedad de esquemas de color, filtros y efectos especiales. Por ejemplo, utilizando varios filtros de Photoshop, muchos artistas han creado diseños "vectorizados" en carteles en los que una imagen fotográfica se solariza, se agudiza, se convierte en efectos de acuarela o vidrieras o se convierte en líneas desnudas con colores de bloque. Otros diseños crearon estilos suaves o borrosos, efectos ondulados o en cascada y otros filtros especiales.

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El diseño gráfico se utiliza en la publicidad para anunciar un mensaje persuasivo por parte de un patrocinador identificado; o una promoción por parte de una empresa de sus productos a sus clientes actuales y potenciales. Los egipcios usaban papiro para hacer mensajes de venta y carteles de pared. Se han encontrado mensajes comerciales y exhibiciones de campañas políticas en las ruinas de Pompeya y la antigua Arabia. La publicidad de objetos perdidos y encontrados en papiro era común en la Antigua Grecia y la Antigua Roma. La pintura mural o rupestre para publicidad comercial es otra manifestación de una antigua forma de publicidad, que está presente hasta el día de hoy en muchas partes de Asia, África y América del Sur.

La publicidad en el siglo XIX.

• Este volante publicitario de 1806 es para una medicina tradicional llamada Kinseitan. Exhibición en el Museo Edo de Tokio.
• Se trata de un cartel publicitario del siglo XIX de las termas hidroterapéuticas de Bagnoles de l'Orne (Francia).
• Este es un programa para los vocalistas de ópera de Perham, 1856.
• Este cartel de la segunda mitad de la década de 1880 anuncia el espectáculo del Lejano Oeste de Buffalo Bill, anunciando "Miss Annie Oakley, la incomparable dama wing-shot".

La publicidad a principios del siglo XX

• Este es un cartel alemán de Fritz Rehm para Laferme Cigarettes (publicado en 1896-1900)
• Póster de circo, 1899. "Espectáculos combinados de Forepaugh y Sells Brothers. La mundialmente famosa compañía Hanlon en los logros en el aire más asombrosos jamás logrados".
• "Beba Coca-Cola 5 ¢", un cartel publicitario de la década de 1890 que muestra a una mujer con ropa elegante (parcialmente influenciada vagamente por los estilos de los siglos XVI y XVII) bebiendo Coca-Cola.

Plakatstil alemán, "estilo póster"

A principios del siglo XX, Alemania se convirtió en la cuna de muchos de los movimientos artísticos de vanguardia, especialmente para los carteles. Esto creó el movimiento "Plakatstil" o "Estilo póster". Este movimiento se volvió muy influyente y tuvo un impacto considerable en el diseño gráfico de carteles. Los carteles en este estilo presentarían pocos pero fuertes colores, una composición nítida, ordenada y mínima, y ​​tipos claros y audaces.

Ludwig hohlwein

Ludwig Hohlwein nació en Alemania en 1874. Se formó y ejerció como arquitecto hasta 1906 cuando cambió al diseño de carteles. Las adaptaciones de imágenes fotográficas de Hohlwein se basaron en una comprensión profunda e intuitiva de los principios gráficos. Su uso creativo del color y las composiciones arquitectónicas disipa cualquier sugerencia de que utiliza las fotografías como sustituto del diseño creativo.

para Té Riquet Pralinen c. 1920–1926. Hohlwein nació en la región Rin-Meno de Alemania, aunque él y su trabajo están asociados con Múnich y Baviera en el sur de Alemania. Había dos escuelas de Gebrauchsgrafik en Alemania en ese momento, Norte y Sur. Los altos contrastes tonales de Hohlwein y una red de formas entrelazadas hicieron que su trabajo fuera reconocible al instante.

El historiador de carteles Alain Weill comenta que " Hohlwein fue el cartelista alemán más prolífico y brillante del siglo XX... Comenzando con sus primeros esfuerzos, Hohlwein encontró su estilo con una facilidad desconcertante. Variaría poco durante los siguientes cuarenta años. El dibujo fue perfecta desde el principio, nada le parecía ajeno, y en cualquier caso, nada le suponía un problema. Sus figuras están llenas de toques de color y de un juego de luces y sombras que las saca de su fondo y les da sustancia ”

Luciano Bernardo

A lo largo de su carrera, que duró hasta bien entrada la década de 1950, Lucian Bernhard se convirtió en un diseñador prolífico no solo de carteles innovadores, sino también de marcas registradas, empaques, tipos, textiles, muebles y diseño de interiores.

Publicidad en la era 1920-30

• Anuncio de automóvil Pierce-Arrow, de un anuncio en la revista Life, 1919
• La London Underground Electric Railway Company Ltd publicó este cartel en 1924.
• Este es un cartel oficial de fútbol de la Copa del Mundo en Uruguay, 1930.

Carteles de los Juegos Olímpicos de 1972 y Otl Aicher

El artista internacionalmente reconocido Otl Aicher fue diseñador gráfico, urbanista, fotógrafo y el autor intelectual detrás de las imágenes de los Juegos Olímpicos de Munich de 1972 y el tipo de letra Rotis. Al crecer como un niño en la Alemania nazi, Aicher, junto con sus amigos Hans y Sophie Scholl, organizaron la organización política antinazi Die Weisse Rose (la Rosa Blanca). En 1943, los Scholl y Aicher fueron arrestados por el partido nazi. Mientras Aicher fue liberado, los Scholl fueron a juicio donde fueron declarados culpables de traición y ejecutados. Después de la guerra, Aicher ayudó a reconstruir su ciudad devastada de Ulm y fundó la influyente escuela internacional de diseño, Hochschule für Gestaltung (HfG).

En la candidatura original de Múnich para los Juegos Olímpicos de 1972, una de las principales promesas era crear una síntesis entre el deporte y el arte. Otl Aicher fue designado como jefe del grupo de diseño visual del comité, y su mandato era implementar el arte en un rol relativamente nuevo de promoción de este evento público global. Desde el principio, los carteles ocuparon un lugar destacado en la agenda del comité organizador, y ya en septiembre de 1967 se discutieron ideas para publicar una serie de carteles artísticos que "relacionarían la actividad artística con los Juegos Olímpicos e involucrarían a los mejores artistas para colaborar". y también encargar el cartel oficial a un artista de renombre internacional.

Otl Aicher creó los carteles oficiales de los Juegos Olímpicos de 1972 en Munich. Como señaló en su ensayo "Entwurf der Moderne" (Diseñando la Era Moderna), la palabra alemana entwerfen, que significa "redactar" o "diseñar", también contiene el verbo werfen, que significa "lanzar". ¿Pero donde? ¿A quien? ¿Qué? ¿Y con qué intención? Como escribe Benjamin Secher: "Ideó una paleta vigorizante, casi diurna, para los Juegos Olímpicos que estaba completamente libre de rojo y negro, prohibidos por su asociación con la bandera alemana. Los atletas representados en los carteles oficiales de cada deporte tenían sus uniformes despojados de cualquier identificador nacional, dejando el énfasis firme en el esfuerzo individual.Incluso el logotipo de los Juegos, un gráfico de un sol radiante, martillaba el mensaje de universalidad y, sobre todo, optimismo.

Aicher desarrolló un sistema completo para articular el carácter de los juegos a través de una amplia gama de materiales, desde letreros hasta piezas impresas e incluso uniformes del personal. Como dice la introducción a su exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco: "Sus obras, que incluyen carteles oficiales y boletos para eventos deportivos, demuestran las herramientas de diseño que Aicher usó para unir elementos individuales al colectivo: cuadrículas estructurales, una paleta de colores audaz y animada, y pictogramas ingeniosos. El diseño ordenado y agradable de Aicher llevó ágilmente el peso de la historia alemana moderna mientras reposicionaba la hospitalidad de la nación en el escenario mundial".

Este es un póster de los Juegos Olímpicos de 1972 Yachting en Alemania diseñado por Otl Aicher. Usando un esquema de colores brillantes, tomado del arte pop y el arte psicodélico de los años 60, y combinándolo con el modernismo alemán, Aicher crea este programa gráfico visual.

Publicidad actual

El póster My Butt is Big de Nike parece transmitir una declaración audaz y honesta. La única parte de un cuerpo en la imagen es un trasero. El texto de un poema a la derecha repite la forma curva del trasero de la mujer que se repite de nuevo con una mancha de colores vivos de puntos rojos y morados en el fondo. El fondo es blanco, que contrasta con la piel más oscura de la modelo. La declaración, "Mi trasero es grande" es roja y más grande que el resto del poema. Imagen:Courvoisier Cognac.jpg | Este es un cartel publicitario moderno de Courvoisier Cognac. Una composición equilibrada de manos, pies y rostro de la figura sobre un fondo negro parecen transmitir el mensaje de este cartel.

Este es un cartel publicitario parecido a "¿Dónde está la carne?" de Wendy's. campaña. En la versión televisiva de este anuncio, Clara Peller, una actriz de cabello canoso, miró fijamente una hamburguesa de aspecto poco impresionante y preguntó: "¿Dónde está la carne?". Este simple mensaje fue tan agudo que al hacer la misma pregunta sobre el programa de su rival, el vicepresidente Walter Mondale neutralizó efectivamente el impulso del senador de Colorado Gary Hart en la campaña presidencial de 1984.

Este es un anuncio de perfume para Chanel No 5. La combinación de la figura femenina con el número 5, junto con el llamativo color del vestido han dado como resultado la creación de su impacto gráfico visual.

Cómics y novelas gráficas

Un cómic se refiere a una revista o libro de arte narrativo y, casi siempre, diálogo y prosa descriptiva. A pesar del término, el tema del cómic no es necesariamente humorístico; de hecho, a menudo es serio y está orientado a la acción. Debido al hecho de que el diseño gráfico constituye la base principal de los cómics, juega un papel crucial en la transmisión de diversas narrativas a través de sus dispositivos compositivos, dibujos lineales y esquemas de color.

Cómics convencionales y arte pop

Superman, de la portada de Superman, número 204 (abril de 2004). Arte de Jim Lee y Scott Williams. Superman es ampliamente considerado como un ícono cultural estadounidense. Creado por el escritor estadounidense Jerry Siegel y el artista nacido en Canadá Joe Shuster en 1932. El personaje apareció por primera vez en Action Comics en 1938. La apariencia del personaje es distintiva e icónica: un traje rojo, azul y amarillo, completo con capa y con un estilizado " Escudo S" en el pecho.

Shang-Chi fue creado por el escritor Steve Englehart y el artista Jim Starlin. No tiene superpoderes especiales, pero exhibe habilidades extraordinarias en las artes marciales. 1972

Esta es Contessa Valentina Allegra di Fontaine de Steranko, de Strange Tales, (Volumen 168, mayo de 1968). Drowning Girl de Lichtenstein, y su globo de palabras parece haberse inspirado en un cómic similar a este trabajo.

Seleccionando la tira cómica pasada de moda como tema, Roy Lichtenstein usó la página de inicio de una historia romántica escrita por Ira Schnapp en Secret Hearts (volumen 83, noviembre de 1962), y modificó ligeramente el arte y el diálogo volviendo a escribir el original de Schnapp. globo de palabras Esta composición precisa, titulada Drowning Girl (1963) ahora forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Cómics y novelas gráficas modernas

Portada de Wanted, una novela gráfica de Mark Millar, JG Jones, Paul Mounts.

La portada de Too Cool to be Forgotten, una novela de historietas de Alex Robinson. El dibujo de Robinson equilibra los paneles gráficos con el realismo.

Póster de Persépolis (2000), edición francesa de L'Association de Marjane Satrapi, novelista gráfica iraní. Persépolis se adaptó a una película animada del mismo nombre que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en mayo de 2007 y compartió un Premio Especial del Jurado.

Portada de Batman: The Killing Joke (1988). Arte de Brian Bolland.

Diseño web

El diseño gráfico se utiliza para hacer que un sitio web sea comprensible, memorable y atractivo para el usuario final, así como para presentar su contenido de una manera fácil de usar. El diseño gráfico se relaciona estrechamente con el diseño de la interfaz de usuario y el diseño de la experiencia del usuario para la web, ya que la estética puede afectar la capacidad de las personas para interactuar con el contenido web. La web se remonta a principios de la década de 1980 en el CERN, un centro europeo de investigación de física de alta energía. Tim Berners-Lee, que realizó la etapa de desarrollo inicial, estaba interesado en la capacidad de vincular documentos académicos electrónicamente y utilizar Internet para mantener correspondencia con personas en otros laboratorios de todo el mundo. Se le atribuye la construcción del primer sitio web en agosto de 1991.

Vida moderna

Hoy el diseño gráfico ha penetrado en todos los aspectos de la vida moderna. En particular, la arquitectura moderna ha sido influenciada por los gráficos.

• El monumental movimiento de tierra de arte gráfico de Robert Smithson, Spiral Jetty (1970), se encuentra en el Gran Lago Salado en Utah. Usando rocas de basalto negro y tierra del sitio, el artista creó una composición artística en el agua roja translúcida con un diseño gráfico de 1,500 pies de largo y 15 pies de ancho.
• En el diseño arquitectónico del Hotel Steigenberger en El Gouna, Egipto, el diseño minimalista con composición geométrica en 3D y un esquema de color monocromático proporciona composiciones gráficas desde varios ángulos.