Historia de la publicación musical

La publicación musical es el negocio de crear, producir y distribuir partituras, partes y libros musicales impresos en varios tipos de notación musical, mientras se garantiza que el compositor, autor de canciones y otros creadores reciban crédito y regalías u otro pago (cuando corresponda). Este artículo describe la historia temprana de la industria.

Impresión

La publicación de música no comenzó a gran escala hasta mediados del siglo XV, cuando se desarrollaron por primera vez técnicas mecánicas para imprimir música. El ejemplo más antiguo, un conjunto de cantos litúrgicos, data de alrededor de 1465, poco después de la Biblia de Gutenberg. Antes de este tiempo, la música tenía que copiarse a mano. Este fue un proceso que requería mucho trabajo y tiempo, por lo que primero fue realizado solo por monjes y sacerdotes que buscaban preservar la música sagrada para la iglesia. Las pocas colecciones de música secular que existen fueron encargadas y propiedad de nobles adinerados. Los ejemplos incluyen el Códice Squarcialupi de música italiana Trecento y el Códice Chantilly de música francesa Ars subtilior. La copia manual persistió mucho después de que la invención de la imprenta y la música se difundiera ampliamente en forma de manuscrito hasta bien entrado el siglo XVIII.

Petrucci

El padre de la impresión de música moderna fue Ottaviano Petrucci, un impresor y editor que pudo asegurar un monopolio de veinte años sobre la música impresa en Venecia durante el siglo XVI. Su primera colección se tituló Harmonice Musices Odhecaton y contenía 96 composiciones polifónicas, en su mayoría de Josquin des Prez y Heinrich Isaac. Floreció centrándose en obras flamencas, en lugar de italianas, ya que fueron muy populares en toda Europa durante el Renacimiento. Su imprenta utilizaba el método de triple impresión, en el que se presionaba una hoja de papel tres veces. La primera impresión fueron las líneas del pentagrama, la segunda las palabras y la tercera las notas. Este método produjo resultados muy limpios, aunque requería mucho tiempo y dinero.

Rastell

Alrededor de 1520 en Inglaterra, John Rastell desarrolló un método de impresión única para imprimir música. Con su método, las líneas de pentagrama, las palabras y las notas formaban parte de una sola pieza tipográfica, lo que facilitaba mucho su producción. Sin embargo, este método producía resultados más complicados, ya que las líneas del pentagrama a menudo se alineaban de manera inexacta y se veían onduladas en la página. Sin embargo, el método de impresión única finalmente triunfó sobre el de Petrucci y se convirtió en el modo dominante de impresión hasta que el grabado en placa de cobre se hizo cargo en el siglo XVII. Este método fue adoptado y utilizado ampliamente por un francés, Pierre Attaingnant.

Derechos de autor

El concepto de derechos de autor musicales tuvo sus inicios en el reinado del rey Enrique VIII de Inglaterra, quien exigió que se le enviaran copias de todo el material impreso y ofreció protección a los impresores en forma de licencias, principalmente para producir una nueva fuente de ingresos. En 1575, Isabel I concedió a Thomas Tallis y su alumno William Byrd un monopolio de patente de 21 años sobre la impresión y publicación de música polifónica. La primera ley de derechos de autor moderna fue el Estatuto de Ana (1709), que protegía todas las obras publicadas durante un período de catorce años, que luego se extendió a veintiocho años. El primer intento de un aviso de copyright musical impreso aparece en el "Shir Hashirim" de Salomone Rossi (Venecia, 1623) que incluye una maldición rabínica sobre quienes infrinjan el texto, escrito por León de Módena.

Convenio de Berna de 1886

El primer acuerdo internacional relacionado con los derechos de autor fue el Convenio de Berna de 1886. El principio central del Convenio es su disposición de que cada uno de los países contratantes otorgará protección automática a las obras en todos los demás países de la unión y a las obras inéditas cuyos autores sean ciudadanos de o residentes en esos países. Los derechos de ejecución están incluidos en estas disposiciones. Hasta marzo de 2012, 165 países se habían convertido en partes de la convención.

Estados Unidos

La primera ley federal de derechos de autor de EE. UU. otorgó protección a "mapas, gráficos y libros". Contrariamente a algunos relatos académicos, la protección de los "libros" de la Ley de 1790 abarcaba las composiciones musicales. El primer registro en los EE. UU. para una composición musical se realizó el 6 de enero de 1794 por Raynor Taylor para la canción original "The Kentucky Volunteer". Sin embargo, las composiciones musicales no fueron protegidas explícitamente hasta la Ley de derechos de autor de 1831, y luego la protección permaneció limitada a los derechos de reproducción. El plazo de los derechos de autor era de veintiocho años más un período de renovación de catorce años.

Derechos de ejecución

Mientras que Inglaterra fue líder en el desarrollo de los derechos de autor, los franceses abrieron el camino en los derechos de ejecución. En 1777, Pierre de Beaumarchais fundó la "Bureau de Legislation Dramatique" que se convirtió en la actual Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques (SACD) en 1829. Muchos años después, en 1847, esto inspiró al compositor y libretista Ernest Bourget a reclamar el pago de cada interpretación de sus obras en Les Ambassadeurs, uno de los principales cafés-conciertos de la época. Un juicio ganado por Bourget y otros en 1851 condujo a la formación de la Société des Auteurs, Compositeurs et Editeurs de Musique (SACEM), la primera sociedad de derechos de ejecución del mundo.

Otros países siguieron su ejemplo: la italiana Società Italiana degli Autori ed Editori (SIAE) fue fundada en 1882 y la española "Sociedad de Autores", antecesora de la actual Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), en 1899. La antecesora de la Gesellschaft für Musikalische Aufführungs und Mechanische Vervielfältigungsrechte (GEMA) fue formada en Alemania por el compositor Richard Strauss en 1903. Se convirtió en GEMA en 1915 cuando se fusionó con otra pequeña sociedad. Entonces, a fines del siglo XIX, se sentaron las bases para la industria editorial de música moderna.

Era moderna temprana: siglo XVIII

Editoriales alemanas

Como Inglaterra fue líder en el desarrollo de sistemas de derechos de autor y Francia estuvo a la cabeza en el desarrollo de derechos de interpretación, Alemania fue el país pionero en la edición de música moderna. Las primeras empresas editoriales de música alemanas datan del siglo XVIII. Bernhard Christoph Breitkopf de Leipzig, impresor y editor general, decidió especializarse en la impresión de música a partir de 1754. Tuvo éxito al desarrollar mejoras en la configuración de la tipografía musical. Gottfried Christoph Härtel se unió a la firma en 1795, que pronto se convirtió en la sociedad de Breitkopf & Härtel. Fueron los editores originales de grandes compositores alemanes, incluidos Beethoven, Haydn, Mozart, Schubert, Schumann y Wagner.

Schott Music of Mainz fue fundada en 1770 por Bernhard Schott y todavía existe hoy. Se especializaron en óperas francesas e italianas y, más recientemente, han publicado obras de Hindemith, Stravinsky, Orff, Schoenberg y Henze. N. Simrock de Bonn, y luego de Berlín, fue establecida en 1790 por Nikolaus Simrock. Sus publicaciones originales incluyeron obras de Beethoven, Haydn, Meyerbeer, Weber, Mendelssohn, Schumann y Brahms.

Estados Unidos

En 1764, Josiah Flagg compiló la primera colección de música popular y religiosa, impresa en papel fabricado en las colonias. El período posrevolucionario se caracterizó por la llegada de los primeros editores musicales profesionales de Europa en la década de 1770. Abrieron tiendas en Filadelfia, Nueva York, Boston y Baltimore, trayendo consigo tecnología europea. Benjamin Carr y James Hewitt fueron dos importantes editores musicales de los primeros años de Estados Unidos. La primera canción publicada con derechos de autor estadounidenses fue The Kentucky Volunteer, de la propia casa de Carr.

Solo en el primer cuarto del siglo XIX, los editores estadounidenses imprimieron 10.000 piezas de música popular. La industria, sin embargo, no hizo nada para promover la música o desarrollar escritores. Las canciones se hicieron populares de boca en boca. La mayoría de las compañías de trovadores y cantantes profesionales escribieron su propia música o escribieron canciones por encargo. Stephen Foster fue el primer compositor que trató de ganarse la vida como compositor profesional independiente pero, en la década de 1850, la protección de los derechos de autor era tan laxa y las regalías tan pequeñas (o inexistentes) que se encontró viviendo en la pobreza. Esto cambió solo gradualmente a medida que los jóvenes involucrados en otras empresas comerciales comenzaron a percibir las posibilidades de enriquecimiento en la publicación de canciones.

Antes de la década de 1880, la publicación de música popular era una función secundaria de las tiendas de música o editores de música "seria" (clásica). Después de 1880, los editores de Nueva York desarrollaron una técnica de promoción llamada “taponamiento”. Para 1900, la mayoría de los editores de música habían agrupado sus negocios a lo largo de la calle 28 (entre la avenida 6 y Broadway) para estar más cerca del próspero centro de entretenimiento de Nueva York. Esta área llegó a ser conocida como Tin Pan Alley. La primera década del siglo XX vio la producción de más música popular de la que se había escrito hasta ese momento: unas 25.000 canciones al año. En 1893, la partitura de la canción "After the Ball" vendió un millón de copias y, durante los siguientes diez años, vendió un total de diez millones.

A pesar de la promulgación de una nueva legislación estadounidense sobre derechos de autor, incluida la Ley Chace de 1891, que permitía la protección internacional de los derechos de autor, las disposiciones de la Ley de derechos de autor de 1909 fueron generalmente ignoradas. Para corregir esta situación, el compositor de opereta Victor Herbert estableció la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) en 1914. Rápidamente atrajo a destacados compositores como Irving Berlin y John Philip Sousa, y pudo garantizar que todos recibieran el pago adecuado. y acreditados por su trabajo.

Licencia

Hay muchos aspectos en la publicación de música. La principal de ellas es la concesión de licencias de música para su uso en publicidad, televisión, películas y otros fines. La publicación de música comenzó siendo solo la publicación de la partitura real, y ni siquiera de la partitura. Se confeccionaron hojas de canciones que solo tenían la letra de una canción popular. En el siglo XIX, las partituras de canciones comenzaron a incluir un acompañamiento de piano simple y notación para la melodía de la canción. En la década de 2010, la publicación de música es la explotación de composiciones (canciones, piezas instrumentales y otra música) para varios usos de interpretación, incluidos usos más nuevos, como la concesión de licencias para videojuegos, para el uso de artistas de grabación que buscan su próximo sencillo de éxito y para el uso. en una variedad de propósitos de licencia.

Licencias

Dentro de la edición de música hay muchos tipos diferentes de licencias. Por ejemplo:

• Licencia general
• licencia mecanica
• Licencia de derechos de ejecución (PRO)
• Licencia de sincronización o derechos de sincronización

Una licencia general es una tarifa anual pagada a una de las principales organizaciones de derechos de ejecución (PRO) (SESAC, ASCAP o BMI). La licencia general pagada al PRO cubre todos los trabajos que se encuentran en el catálogo del PRO. Las licencias generales son utilizadas principalmente por cadenas de televisión y estaciones de radio para que tengan derecho a reproducir cualquier canción o pieza de un catálogo en lugar de pagar tarifas de licencia por cada canción individualmente.

Se emite una licencia mecánica cuando un artista discográfico desea vender su grabación de una composición escrita. Sirve como un aviso a los propietarios de la composición de que las ventas están próximas y que se les adeudarán y pagarán regalías dictadas por una tasa legal.

Una licencia de derechos de ejecución (PRO) es la licencia que otorga al licenciatario el derecho a interpretar públicamente la canción/obra.

Por último, una licencia de sincronización otorga el derecho a usar la composición en la sincronización de una grabación sobre una imagen en movimiento en una película, publicidad, programa de televisión o cualquier otra obra audiovisual. Para el mismo uso de sincronización, también se debe obtener una licencia de uso maestra, que otorga derechos de uso de la grabación de sonido, que es un activo de propiedad independiente de la composición.

Un editor de música negocia los usos y las tarifas para los autores y compositores de su lista. En la década de 2010, las editoriales son una fuente principal de ingresos además de las giras en vivo, porque las licencias de sincronización han persistido como una fuente de ingresos sustancial mientras que la industria de la música experimentó cambios que vieron cómo su fuente de ingresos anteriormente dominante, las ventas de discos, disminuía constantemente.

Tecnologías

Grabación de sonido

La invención y el desarrollo de la grabación de sonido dieron como resultado una redefinición del concepto de publicación, al igual que las tiendas de música en línea en la década de 2000 revolucionarían más tarde la forma en que se compran las grabaciones. Inicialmente, la música popular tardó en aprovechar la nueva tecnología. En 1910, cuando las ventas del nuevo formato de disco superaron a las del antiguo cilindro, más del 75% de los discos vendidos eran de música clásica. Un factor en esto puede haber sido el gasto, que habría concentrado las ventas entre los compradores más exclusivos. Hasta 1925, las ventas de partituras continuaron superando a los discos y fueron la principal fuente de ingresos para editores y compositores. En ese momento, las ventas de partituras comenzaron a declinar mientras que los discos aún proporcionaban ingresos inadecuados para compensar. Esto condujo a problemas económicos de corta duración pero graves para algunos editores.

Música de cine

Samuel Fox (1884–1971), quien fundó Sam Fox Publishing Company en 1906, fue el primero en publicar bandas sonoras originales de películas. En 1927, tras el lanzamiento de The Jazz Singer (el primer cine sonoro), la necesidad de música llevó a los estudios de cine a comprar editoriales musicales, ganando al mismo tiempo catálogos de música y compositores experimentados. Por ejemplo, en 1929, Warner Brothers pagó 10 millones de dólares por Harms, Witmark y Remick; MGM compró Leo Feist Inc. y algunas empresas más pequeñas; Paramount comenzó su propia división editorial, Famous Music.