Historia de la ópera

La forma de arte conocida como ópera se originó en Italia en los siglos XVI y XVII, aunque se basó en tradiciones más antiguas de entretenimiento cortesano medieval y renacentista. La palabra ópera, que significa "obra" en italiano, se utilizó por primera vez en el sentido musical y teatral moderno en 1639 y pronto se extendió a los demás idiomas europeos. Las primeras óperas fueron producciones modestas en comparación con otras formas renacentistas de drama cantado, pero pronto se volvieron más lujosas y adoptaron las espectaculares puestas en escena del género anterior conocido como intermedio.

Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como se entiende hoy, aunque con solo cinco partes instrumentales se parecía mucho más a una ópera de cámara que los intermedios anteriores o las óperas de Claudio Monteverdi unos años más tarde. Fue escrito alrededor de 1597, en gran parte bajo la inspiración de un círculo de élite de humanistas florentinos letrados que se reunieron como la "Camerata". Significativamente, Dafnefue un intento de revivir el drama griego clásico, parte del renacimiento más amplio de la antigüedad característica del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraron que originalmente se cantaban las partes del "coro" de los dramas griegos, y posiblemente incluso el texto completo de todos los roles; la ópera fue así concebida como una forma de "restaurar" esta situación. El libreto era de Ottavio Rinuccini, autor de algunos de los Medici intermedi de 1587, en los que también participó Peri; Rinuccini parece haber reciclado parte del material, al menos de la escena ilustrada a la derecha. La mayor parte de la música de "Dafne" se ha perdido (el libreto se imprimió y sobrevive), pero una de las muchas óperas posteriores de Peri, Euridice, que data de 1600, es la primera partitura de ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días.

Las tradiciones de la música cantada y el teatro escenificados se remontan a formas seculares y religiosas de la Edad Media, y en el momento en que aparece la ópera por primera vez, el intermedio italiano tenía equivalentes cortesanos en varios países.

Etimología

La palabra italiana opera significa "trabajo", tanto en el sentido del trabajo realizado como del resultado producido. La palabra italiana a su vez deriva del latín opera. Opera es también el plural latino de opus, con la misma raíz, pero la palabra opera era un sustantivo latino singular por derecho propio y, según Lewis y Short, en latín "opus se usa principalmente para la actividad mecánica del trabajo, como la de los animales, los esclavos y los soldados; la ópera supone la libre voluntad y el deseo de servir". Según el Oxford English Dictionary, la palabra italiana se utilizó por primera vez en el sentido de "composición en la que se combinan poesía, danza y música" en 1639; el primer uso inglés registrado en este sentido data de 1648.

Orígenes italianos de la ópera

Las obras de Peri, sin embargo, no surgieron de un vacío creativo en el ámbito del teatro cantado. Un requisito previo subyacente para la creación de la ópera propiamente dicha era la práctica de la monodia. Monody es el canto / puesta en solitario de una melodía dramáticamente concebida, diseñada para expresar el contenido emocional del texto que lleva, que está acompañada por una secuencia de acordes relativamente simple en lugar de otras partes polifónicas. Los compositores italianos comenzaron a componer en este estilo a fines del siglo XVI, y surgió en parte de la práctica de larga data de interpretar madrigales polifónicos con un cantante acompañado de una interpretación instrumental de las otras partes, así como de la creciente popularidad de más populares., géneros vocales más homofónicos como la frottola y la villanella. En estos dos últimos géneros, la tendencia creciente fue hacia una textura más homofónica, con la parte superior presentando una melodía elaborada y activa, y las inferiores (por lo general, estas eran composiciones de tres partes, a diferencia del madrigal de cuatro o más partes) una menos activa. estructura de soporte. A partir de esto, fue solo un pequeño paso hacia la monodia completa. Todas estas obras tendieron a configurar una poesía humanista de un tipo que intentaba imitar a Petrarca y sus seguidores del Trecento, otro elemento de la tendencia de la época hacia un deseo de restauración de principios que asociaba con una noción mezclada de antigüedad.

El madrigal solista, la frottola, la villanella y sus afines ocuparon un lugar destacado en el intermedio o intermezzo, espectáculos teatrales con música que fueron financiados en los últimos setenta años del siglo XVI por las cortes opulentas y cada vez más seculares de las ciudades-estado de Italia. Dichos espectáculos, por lo general, se organizaban para conmemorar eventos estatales importantes: bodas, victorias militares y similares, y se alternaban en la actuación con los actos de las obras de teatro. Al igual que la ópera posterior, un intermedio presentaba el canto solista antes mencionado, pero también madrigales interpretados en su textura típica de varias voces y baile acompañado por los instrumentistas presentes. Fueron profusamente escenificados y protagonizaron la escenografía de la segunda mitad del siglo XVI. Los intermedios tendían a no contar una historia como tal, aunque ocasionalmente lo hacían,

La puesta en escena en 1600 de la ópera Eurídice de Peri como parte de las celebraciones de la boda de los Médici, la ocasión de los intermedios más espectaculares e internacionalmente famosos del siglo anterior, fue probablemente un desarrollo crucial para la nueva forma, colocándola en la corriente principal de los lujos. entretenimiento cortesano.

Otro entretenimiento cortesano popular en este momento fue la "comedia madrigal", más tarde también llamada "ópera madrigal" por musicólogos familiarizados con el género posterior. Este consistía en una serie de madrigales unidos para sugerir una narrativa dramática, pero no escenificados. También hubo dos musicales "pastorales" escenificados, Il Satiro y La Disperazione di Fileno, ambos producidos en 1590 y escritos por Emilio de' Cavalieri. Aunque estas obras perdidas parecen haber incluido sólo arias, sin recitativo, aparentemente eran a lo que se refería Peri, en el prefacio a la edición publicada de su Euridice, cuando escribió: "Señor Emilio del Cavalieri, antes que ningún otro de los que Lo sé, nos permitió escuchar nuestro tipo de música en el escenario".Otras obras pastorales habían incluido durante mucho tiempo algunos números musicales; uno de los primeros, La fabula d'Orfeo (1480) de Poliziano tenía al menos tres canciones solistas y un coro.

El ballet de cour francés y la mascarada inglesa

Además de la ópera en Italia, a finales del siglo XVI y principios del XVII se desarrollaron simultáneamente las formas nacionales particulares del ballet de cour francés, como parte de los festivales de la corte de Catalina de Médicis, y la mascarada inglesa, que era similar a la italiana. intermedio en muchos aspectos, incluido un énfasis en la puesta en escena espectacular. En ambos casos, la principal diferencia además del estilo musical local fue un mayor grado de participación del público en forma de bailes escenificados o procesionales. En este momento, por supuesto, la audiencia estaba compuesta principalmente por nobles y cortesanos invitados, aunque los Medici intermedios de 1589 se repitieron tres veces para una audiencia más amplia. La mascarada inglesa también contó con una "revelación" culminante, en la que los artistas se acercaron y retozaron con la audiencia. La ópera fue importada a ambos países a mediados del siglo XVII, donde se fusionó con los incipientes géneros locales. Esto condujo al dominio del ballet en la ópera de la tradición francesa.

La primera ópera alemana

Dafne de Schütz (1627) fue la primera ópera alemana perdida, aunque Seelewig de Staden (1644) es la primera ópera alemana superviviente.

La primera ópera inglesa

En Inglaterra, la tradición de las máscaras estaba demasiado asociada con la corte de Carlos I para sobrevivir al estallido de la Guerra Civil Inglesa. Aunque, de manera bastante improbable, fue bajo el régimen totalitario y puritano de Oliver Cromwell que se produjo la primera ópera en inglés, The Siege of Rhodes, en 1656, la ópera no recibió ningún estímulo de ese régimen, ni ningún subsidio del gobierno posterior a la Restauración. de Carlos II, que prefería las comedias y los que actuaban en ellas. Esta falta de respaldo financiero y la próspera tradición inglesa de la música incidental dificultaron que la ópera al estilo italiano se arraigara allí. En cambio, se desarrolló la semi-ópera inglesa, aunque no se produjo en grandes cantidades. Incluso después de que comenzaron a representarse óperas italianas importadas, los compositores ingleses tardaron mucho en intentar el género.

Otros antepasados ​​de la ópera

Religioso

En épocas anteriores, la música había sido parte de los misterios medievales, siendo Hildegarda de Bingen la compositora más conocida por el público moderno. Es muy discutible si estos deben considerarse como posibles progenitores de la ópera. Las principales celebraciones litúrgicas a menudo eran dramáticas en un grado considerable, con procesiones elaboradas, tableaux vivants y drama litúrgico; la Missa Aurea es el ejemplo más conocido. El oratorio, una nueva forma de drama religioso del siglo XVII, surgió poco después del advenimiento de la ópera, aunque debe al menos tanto a la forma de aria recitativa no dramática (originalmente secular) de la cantata.

Secular

Los orígenes de la ópera están claramente en la corte, mientras que los misterios eran normalmente una forma burguesa, confiada a los gremios. Pero varias formas de festividades cortesanas medievales combinaban música y teatro; en el período gótico, los principales banquetes reales, como la fiesta borgoñona del faisán de 1454, iban acompañados de representaciones, a menudo elaboradas recreaciones de acciones militares, con cortesanos tomando los papeles. A diferencia de los dramas litúrgicos, que han sobrevivido en gran número, al menos en lo que se refiere a los guiones, solo tenemos descripciones someras de espectáculos dramáticos cortesanos anteriores. Una entrada real solía ir acompañada de varias actuaciones breves, incluidos cuadros vivos y mascaradas.

La historia de la ópera tiene una duración relativamente corta en el contexto de la historia de la música en general: aparece en 1597, cuando se crea la primera ópera, Dafne , de Jacopo Peri. Desde entonces se ha desarrollado en paralelo a las diversas corrientes musicales que se han sucedido a lo largo del tiempo hasta nuestros días, generalmente ligadas al concepto actual de música clásica.

La ópera (del latín opera , plural de opus , "obra") es un género musical que combina música sinfónica, generalmente interpretada por una orquesta, y un texto dramático escrito -expresado en forma de libreto- interpretado vocalmente por cantantes de diferentes tesitura: tenor, barítono y bajo para el registro masculino, y soprano, mezzosoprano y contralto para el femenino, además de las llamadas voces blancas (las de los niños) o en falsete ( castrato, contratenor). Generalmente, la obra musical contiene oberturas, interludios y acompañamientos musicales, mientras que la parte cantada puede ser en coro o solo, dúo, trío o varias combinaciones, en diferentes estructuras como recitativo o aria. Hay varios géneros, como la ópera clásica, la ópera de cámara, la zarzuela, el musical, el singspiel y la zarzuela. Por otro lado, como en el teatro, existe la ópera dramática (opera seria) y la ópera cómica (opera buffa), así como un híbrido entre ambas: el dramma giocoso .

Como género multidisciplinar, la ópera reúne música, canto, danza, teatro, escenografía, performance, vestuario, maquillaje, peluquería y otras disciplinas artísticas. Se trata pues de una obra de creación colectiva, que parte esencialmente de un libretista y un compositor, y donde los intérpretes vocales tienen un papel primordial, pero donde los músicos y el director, los bailarines, los creadores de escenografía y vestuario, y muchos otras figuras son igualmente esenciales. Por otro lado, es un evento social, por lo que no tiene por qué existir sin público que presencie el espectáculo. Por eso mismo, ha sido a lo largo del tiempo un reflejo de las diversas corrientes de pensamiento, político y filosófico, religioso y moral, estético y cultural, propias de la sociedad donde se produjeron las obras.

La ópera nació a finales del siglo XVI, como iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata florentina ) que, al descubrir que el antiguo teatro griego antiguo era cantado, tuvo la idea de poner música a los textos dramáticos. Así, Jacopo Peri crea Dafne (1597), seguida de Euridice (1600), del mismo autor. En 1607, Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo , donde añadió una introducción musical que llamó sinfonía , y dividió las partes cantadas en arias , dando estructura a la ópera moderna.

La evolución posterior de la ópera ha ido paralela a las distintas corrientes musicales que se han sucedido a lo largo del tiempo: entre el siglo XVII y la primera mitad del XVIII se enmarca en el Barroco, época en la que la música culta se reserva a la sociedad élites, pero que produjo nuevas y ricas formas musicales, y que vio el establecimiento de un lenguaje propio para la ópera, que fue ganando riqueza y complejidad no sólo en los métodos compositivos y vocales sino también en la producción teatral y escenográfica. La segunda mitad del siglo XVIII vio el Clasicismo, un período de gran creatividad marcado por la serenidad y armonía de sus composiciones, con grandes figuras como Mozart y Beethoven. El siglo XIX estuvo marcado por el romanticismo, caracterizado por la individualidad del compositor, ya considerado un genio ilustrado y cada vez más venerado, como lo fueron las más grandes figuras vocales del canto, que se convirtieron en estrellas de una sociedad donde la burguesía relegaba a la aristocracia en la preeminencia social. Este siglo vio surgir las variantes musicales de numerosas naciones hasta entonces sin apenas tradición musical, en lo que se dio en llamar nacionalismo musical. El siglo se cerró con corrientes como el impresionismo francés y el verismo italiano. En el siglo XX la ópera, como el resto de la música y las artes en general, entra en la vanguardia, una nueva forma de concebir la creación artística en la que surgen nuevos métodos y técnicas compositivas, que se expresan en una gran variedad de estilos, a una época de mayor difusión de los medios que permitió llegar a un público más amplio a través de diversos canales, no solo presenciales (radio,

A lo largo de la historia, dentro de la ópera ha habido diferencias de opinión sobre cuál de sus componentes era más importante, la música o el texto, o incluso si la importancia residía en el canto y el virtuosismo de los intérpretes, fenómeno que dio lugar a al bel canto y a la aparición de figuras como la diva o la prima donna. Desde sus inicios hasta la consolidación del clasicismo, el texto gozó de mayor importancia, ligado siempre al espectáculo visual, a los suntuosos decorados ya las complejas escenografías barrocas; Claudio Monteverdi decía al respecto: "la palabra debe ser decisiva, debe dirigir la armonía, no servirla". Sin embargo, a partir de la reforma llevada a cabo por Gluck y la aparición de grandes genios como Mozart, la música como componente principal de la ópera adquirió cada vez más importancia. El propio Mozart comentó una vez: "la poesía debe ser la sierva obediente de la música". Otros autores, como Richard Wagner, buscaron reunir todas las artes en una sola creación, a la que llamó “obra de arte total” ( Gesamtkunstwerk ).

Fondo

La ópera tiene sus raíces en las diversas formas de teatro cantado o musical que se han producido a lo largo de la historia en todo el mundo. La representación dramática así como el canto, la música, la danza y otras manifestaciones artísticas son formas de expresión consustanciales al ser humano, practicadas desde tiempos prehistóricos. En la Antigua Grecia, el teatro era uno de los espectáculos favoritos de la sociedad. Allí nacieron los principales géneros dramáticos (comedia y tragedia) y se sentaron las bases de la escenografía y la interpretación. Por diversos testimonios se sabe que las representaciones dramáticas eran cantadas y acompañadas de música, aunque en la actualidad apenas se conservan vestigios de la música griega. Los principales dramaturgos de la época, Esquilo, Sófocles y Eurípides, sentaron las bases del arte dramático, cuya influencia perdura hasta nuestros días.

Durante la Edad Media, la música y el teatro también estuvieron íntimamente relacionados. Eran obras de carácter religioso, de dos tipos: dramas litúrgicos para ser representados en las iglesias, celebrados en latín; y los llamados "misterios", piezas teatrales de carácter popular que se representaban en los pórticos de las iglesias, en lengua vernácula. Estas obras alternaban partes habladas y cantadas, generalmente en coro, y estaban acompañadas de música instrumental y, en ocasiones, de bailes populares.

En Japón surgió en la época medieval el teatro nō , un tipo de drama lírico-musical en prosa o verso, con una temática histórica o mitológica. La narración fue recitada por un coro, mientras los actores principales actuaban gestualmente, en movimientos rítmicos. La representación estuvo a cargo de tres actores, junto a un coro de ocho cantantes, un flautista y tres tamborileros. En China se desarrolló la llamada ópera china, un tipo de teatro cantado, de carácter ritual, donde la música no acompaña al texto, sino que sirve únicamente para crear atmósfera.

En el Renacimiento surgieron varios géneros músico-vocales, como el madrigal, el oratorio, el intermedio y el ballet de cour , que allanaron el camino para el nacimiento de la ópera. El más inmediato fue el intermedio (en italiano: intermezzo ), interludios que se intercalaban entre los diversos actos de una obra teatral, que reunía canto, danza, música instrumental y efectos escenográficos, con tramas basadas en la mitología grecorromana, alegorías o pastorales. escenas Su principal centro de producción fue la Florencia de los Medici, donde poco después nació la ópera.

Orígenes

A finales del siglo XVI, en Florencia, un círculo de eruditos patrocinado por el conde Giovanni de' Bardi creó una sociedad llamada Florentine Camerata , cuyo objetivo era el estudio y la discusión crítica de las artes, especialmente el teatro y la música. Uno de sus estudiosos fue Vincenzo Galilei —padre del científico Galileo—, célebre helenista y musicólogo, autor de un método de tablatura para laúd y compositor de madrigales y recitativos.En el curso de sus estudios de teatro griego antiguo, descubrieron que en las representaciones teatrales griegas el texto se cantaba a voces individuales. Esta idea les impactó, ya que no existía nada parecido en aquella época, en una época en la que casi toda la música cantada era coral (polifonía) y, en los casos de voces individuales, se daba únicamente en el ámbito religioso. Tuvieron entonces la idea de musicalizar textos dramáticos de carácter profano, que germinó en la ópera ( opera in musica fue el nombre que le dio la Camerata). Galilei fue el principal defensor de una sola línea melódica —la monodia— frente a la polifonía, que consideraba generaba un discurso musical incoherente, teoría que expuso en Dialogo della musica antica et della moderna(1581). Otro de los estudiosos de la Camerata, Girolamo Mei, que fue quien investigó principalmente el teatro griego, señaló el afecto emocional que el canto individual generaba en el público de las representaciones teatrales griegas ( De modis musicis antiquorum , 1573).

Así, uno de los integrantes de la Camerata, el compositor Jacopo Peri, creó Dafne (1597), con libreto de Ottavio Rinuccini, basada en el mito de Apolo y Dafne, con prólogo y seis escenas; de esta obra solo se conserva el libreto y pequeños fragmentos de la música. Peri, que también era cantante, representó a Apolo. A esto le siguió, en 1600, Eurídice —de los mismos autores—, la primera ópera completa que se conserva, sobre el mito de Orfeo y Eurídice. Fue compuesta con motivo de la boda entre Enrique IV de Francia y María de Medici, celebrada en Florencia en 1600. Peri interpretó a Orfeo.

Otro miembro de la Camerata, Giulio Caccini, compuso en 1602 Eurídice , con el mismo libreto de Rinuccini que su homónimo de dos años antes, con prólogo y tres actos. Fue autor del primer tratado teórico sobre el nuevo género, Le nuove musiche (1602). Su hija, Francesca Caccini, fue cantante y compositora, la primera mujer en componer una ópera: La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina (1625).

Una de las principales novedades de esta nueva forma de expresión artística fue su laicismo, en una época en la que la producción artística y musical era mayoritariamente de carácter religioso. Otro fue la aparición de la monodia, el canto de una sola voz, frente a la polifonía medieval y renacentista; era una línea vocal acompañada de un bajo continuo de clavicémbalo o laúd. Así, las primeras óperas tenían partes cantadas por solistas y partes habladas o declamadas en monodia, conocido como stile rappresentativo .

Estas primeras experiencias fueron un gran éxito, sobre todo entre la nobleza: los Medici se convirtieron en mecenas de estas representaciones y, desde Florencia, se extendieron al resto de Italia. La Casa de Gonzaga de Mantua encargó entonces al célebre compositor de madrigales Claudio Monteverdi que escribiera una ópera: La favola d'Orfeo en 1607, con libreto de Alessandro Striggio, una ambiciosa obra compuesta para orquesta de cuarenta y tres instrumentos —incluidos dos órganos— con prólogo y cinco actos. En esta obra se imprimieron por primera vez libretos para que el público pudiera seguir la actuación. Monteverdi añadió una introducción musical a la que llamó "sinfonía", y dividió las partes cantadas en "arias", dando estructura a la ópera moderna.Estas arias se alternaban con el recitativo, línea musical que incluía partes habladas y cantadas. También introdujo el ritornello , una estrofa instrumental repetida entre los cinco actos. En cuanto a las voces, aunque dejó algunas partes en polifonía, diferenció las principales voces solistas: Orfeo era tenor, Eurídice soprano y Caronte bajo. En 1608, Monteverdi estrenó L'Arianna , con libreto de Rinuccini, del que no se ha conservado la música, salvo un fragmento: el Lamento d'Arianna .

Durante las primeras décadas del siglo XVII la ópera se difundió gradualmente: en 1608 se estrenó en Mantua La Dafne , nuevamente con libreto de Rinuccini, esta vez con música de Marco da Gagliano. En Roma se estrenó en 1600 Rappresentazione di anima e di corpo , de Emilio de' Cavalieri, un melodramma spirituale que suele considerarse un precedente de la ópera, y que señalaba algunas de las variantes de la ópera romana frente a la ópera florentina: mayor presencia de temas sacros, presencia de personajes alegóricos, y mayor uso de coros. El Papa Pablo V y la familia Barberini patrocinaron el nuevo género: los Barberini construyeron un auditorio para 3000 personas en su palacio.También impulsaron la creación de una escuela de operatistas, entre los que destaca Stefano Landi, autor de La morte d'Orfeo (1619), que como novedad introdujo elementos cómicos. También se introdujeron temas religiosos, como en Il Sant'Alessio (1631), de Landi, con libreto del cardenal Giulio Rospigliosi (futuro Papa Clemente IX). En esta obra, Landi introdujo la estructura rápido-lento-rápido —llamada obertura italiana— que sería muy utilizada desde entonces.

Otro introductor del estilo monódico en Roma fue Paolo Quagliati, quien adaptó viejos madrigales suyos en forma de ópera: Il carro di fedeltà d'amore (1606), La sfera armoniosa (1623). En la escuela romana también destacaba Luigi Rossi, que trabajaba para los Barberini. En 1642 estrenó en su teatro Il palazzo incantato , una suntuosa producción que obtuvo un gran éxito. Cuando en 1644 los Barberini tuvieron que exiliarse en París, Rossi los acompañó y obtuvo la protección del cardenal Mazarino, ayudando así a introducir la ópera en Francia. Allí compuso su Orfeo (1647), con prólogo y tres actos, una gran producción que contó con numerosos efectos visuales.También se debe mencionar a Domenico Mazzocchi, empresario además de compositor, quien inició la contratación de cantantes para la ópera. Fue el autor de La catena d'Adone (1626). Otro exponente fue Miguel Ángel Rossi ( Erminia sul Giordano , 1633; Andrómeda , 1638).

En Roma se estrenó en 1639 Chi soffre, speri , de Virgilio Mazzocchi y Marco Marazzoli, considerada la primera ópera cómica.

En estos primeros trabajos destacaba vocalmente uno de los primeros cantantes de ópera de reconocido talento: Francesco Rasi, un tenor ya famoso antes del auge de la ópera, que participó en las primeras representaciones del Euridice de Peri . En 1598 entró al servicio de los Gonzaga de Mantua, para los que realizó en esta ciudad el Orfeo de Monteverdi en 1607; al año siguiente participó en Dafne de Gagliano . También fue compositor, autor de Cibele ed Ati (1617), cuya música se ha perdido.

Barroco

El barroco se desarrolló durante el siglo XVII. Fue una época de grandes disputas en los campos político y religioso, en la que surgió una división entre los países católicos contrarreformadores, donde se atrincheraba el estado absolutista, y los países protestantes, de signo más parlamentario.

La música barroca se caracterizó generalmente por el contraste, los acordes violentos, los volúmenes en movimiento, la ornamentación exagerada, la estructura variada y contrastada. A pesar de ello, no toda la música barroca es exagerada: Bach es autor del equilibrio armónico, Vivaldi crea melodías sencillas y radiantes. La base de la música barroca es serena y equilibrada, aunque adolece del gusto por la ornamentación excesiva: arpegios, mordientes, trémolos, arabescos sonoros que son la sal del músico barroco. Fue también en esta época cuando se introdujeron los tempos para regular la velocidad de interpretación: largo , adagio , andante , allegro y presto ; o la intensidad: forte y piano. A pesar de todo, más que un estilo homogéneo en el tiempo y el espacio, el barroco fue un período en el que se suelen englobar las obras producidas en esos años.

Durante este período, los principales centros musicales se encuentran en las cortes monárquicas, los círculos aristocráticos y las sedes episcopales. La instrumentación alcanzó cotas de gran perfección, especialmente en el violín. La orquesta barroca era pequeña, por lo general sólo una orquesta de cámara, o unos cuarenta instrumentos como máximo. La mayoría eran instrumentos de cuerda, además de algunos oboes, flautas, fagotes y trompetas. Junto a estos había una sección para bajo continuo, generalmente compuesta por uno o dos clavicémbalos con acompañamiento de violonchelo, contrabajo, laúd, viola o tiorba.

La ópera barroca se destacó por su escenografía complicada, ornamentada, ornamentada, ornamentada, con cambios repentinos y complicados efectos de iluminación y sensoriales. Se utilizaron numerosos decorados, hasta quince o veinte cambios de decorado por representación. Allí comenzó un gusto por las voces solistas, principalmente los agudos (tenor, soprano), que desembocó paralelamente en el fenómeno de los castrati . Estos últimos eran niños que sobresalían en el canto y que eran castrados antes de entrar en la pubertad para que no les cambiara la voz; así, de adultos mantuvieron una voz aguda, cercana a la femenina, pero más potente, flexible y penetrante. cantando en vibratotambién se introdujo, consistente en fluctuaciones de timbre, tono e intensidad, que dotaban de mayor emotividad a la interpretación.

En la primera mitad del siglo XVII se establecieron las reglas de los libretos de ópera, que sufrirían pocas variaciones hasta casi el siglo XX: diálogos sencillos y lenguaje convencional, estrofas de formas rigurosas, distinción entre "recitativos" —partes declamadas que desarrollan el acción — y "número" (o "pieza cerrada") — partes ornamentales en forma de aria, dúo, coro u otros formatos. Sin embargo, durante este siglo se prestó en general poca atención a los textos, siendo más importantes el virtuosismo musical y vocal, la escenografía y los efectos visuales.

ópera veneciana

A mediados del siglo XVII el principal centro productor de ópera fue Venecia, el primer lugar donde la música se desligó de la protección religiosa o aristocrática para ser interpretada en lugares públicos: en 1637 se fundó el Teatro San Cassiano (demolido en 1812), el primer centro de ópera del mundo, ubicado en un palacio que perteneció a la familia Tron. La primera ópera representada fue L'Andromeda , de Francesco Mannelli. El teatro fue fundado por Domenico Mazzocchi, quien tras perder el favor papal se mudó de Roma a la ciudad veneciana. A medida que la ópera se convirtió en un negocio, empezó a depender cada vez más de los gustos del público, ya que por su asistencia a las representaciones podía favorecer una determinada línea compositiva o relegarla al olvido.Una de las primeras consecuencias fue que el público mostró cada vez más gusto por las voces agudas, las de tenores, sopranos y castrati , mientras decaía el uso de coros y grandes orquestas, pues se prefería un acompañamiento de pocos instrumentos, entre diez y diez. quince, por lo general. A medida que el género se hizo más popular, se introdujeron más elementos cómicos y los textos se simplificaron, hasta el punto de que, especialmente en las arias, la interpretación era más importante que las palabras que se expresaban. Después del San Cassiano, floreció la apertura de nuevos teatros en Venecia: San Giovanni e Paolo (1639), San Moisè (1640), Novissimo (1641), San Samuele (1655) y Santi Apostoli (1649).Fue en estos teatros donde se inició la disposición en forma de plaza rodeada de palcos, típica de los teatros de ópera.

En Venecia surgió el concepto de bel canto , que se popularizó especialmente en la primera mitad del siglo XVIII y nuevamente en la primera mitad del siglo XIX en Italia. Es una técnica vocal de difícil ejecución que consiste en mantener un tono uniforme pasando de una frase musical a otra sin pausas, en un legato sostenido que requiere un timbre y una articulación armónica potentes. Los principales intérpretes del bel canto fueron los castrati y las prima donna sopranos. Por otro lado, en esta época surge el arioso, un canto intermedio entre el recitativo y el aria, que con el tiempo se convirtió en números cerrados con tendencia a la ornamentación.Asimismo, a partir de los años 1630-1640 fue cobrando relevancia el conjunto, la conjunción de voces en diferentes números: dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto y octeto.

La ópera veneciana estuvo particularmente influida por el teatro español del llamado Siglo de Oro —especialmente Lope de Vega—, perceptible en la confluencia argumental entre fantasía y realidad —camino iniciado con el Quijote de Cervantes—, el abandono de las unidades aristotélicas, la la convivencia de personajes cómicos y trágicos, las relaciones entre señores y criados, el gusto por el enredo y por los disfraces y travestis. En el medio operístico veneciano, estas características se llamaban all'usanza spagnuola.

Claudio Monteverdi se instaló en 1613 en Venecia, donde fue maestro di cappella de la Basílica de San Marcos. Allí compuso doce óperas, las principales de las cuales son Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) y L'incoronazione di Poppea (1642). Esta última es considerada su mejor ópera, con libreto de Giovanni Francesco Busenello, basada en obras de Tácito y Suetonio. Fue una de las primeras óperas con una trama histórica más que mitológica.

Uno de sus discípulos, Pier Francesco Cavalli, introdujo algunas novedades, como el uso de arias cortas, en obras como L'Egisto (1643), La Calisto (1651), Statira principessa di Persia (1656) y Ercole amante (1662). . Fue director del Teatro San Cassiano, con contrato para escribir una ópera al año. Otro exponente fue Marc'Antonio Cesti, que redujo aún más la orquesta, como en Orontea (1649) y Cesare amante (1651). Interpretó algunas óperas para el emperador Leopoldo I ( Il pomo d'oro , 1668), introduciendo así la ópera en el ámbito germánico.Antonio Sartorio fue durante diez años maestro di cappella en la corte ducal de Brunswick-Lüneburg, hasta que regresó a su ciudad natal y fue nombrado maestro di cappella de la Basílica de San Marcos. Se le recuerda como el introductor del parlamento musical. Su obra principal fue Orfeo (1672), que cosechó un gran éxito. Giovanni Legrenzi fue director del Ospedale dei Mendicanti de Venecia y maestro di cappella de la basílica de San Marcos. Compuso catorce óperas para varios teatros venecianos, muchas de las cuales se han perdido. Introdujo el género heroico-cómico, como en sus óperas Totila (1677), Giustino (1683) y I due Cesari (1683).Pietro Andrea Ziani se inició en la música religiosa, que abandonó para dedicarse a la ópera. Sucedió a Cavalli como organista de San Marco. Sus obras más importantes fueron L'Antigona delusa da Alceste (1660) y La Circe (1665). Su sobrino, Marco Antonio Ziani, también fue operista en Nápoles y Viena.

En el terreno vocal , destacó Anna Renzi, la primera soprano en alcanzar el estatus de prima donna . Interpretó a Octavia, esposa de Nerón, en L'incoronazione di Poppea de Monteverdi . El castrato Siface también era popular entre el público y contaba entre sus admiradores a Christina de Suecia y Henry Purcell.

ópera francesa

Uno de los primeros países donde se introdujo la ópera después de Italia fue Francia, donde se llamó tragédie en musique . En 1645 se representó en París la primera ópera italiana, la pastoral La finta pazza , de Francesco Sacrati. Dos años más tarde se representó el Orfeo de Luigi Rossi , que causó gran sensación. Pier Francesco Cavalli estrenó su Ercole amante en París en 1662, en el recién inaugurado Palacio de las Tullerías por encargo del cardenal Mazarino para la celebración de la boda de Luis XIV con María Teresa de Austria. La obra no gustó mucho, pues estaba en italiano y con castrati , un fenómeno extraño para el público francés, más aficionado aballets de corte .

En 1669, el poeta Pierre Perrin y el compositor Robert Cambert crearon una compañía para interpretar óperas al gusto francés y obtuvieron del rey Luis XIV el privilegio real de constituir una academia, la Académie Royale de Musique, ubicada en el Jeu de Paume de la Teatro Bouteille. Ambos autores produjeron la ópera Pomone , la primera escrita en francés, estrenada en 1671. Sin embargo, al año siguiente, Perrin fue encarcelado por deudas y el privilegio real pasó a Jean-Baptiste Lully, un compositor de origen florentino (su verdadero nombre era Giovanni Battista Lulio). Lully adaptó la ópera al gusto francés, con coros, ballets, una orquesta más rica, interludios musicales y arias más cortas. Desarrolló oberturas ("obertura francesa"),en una estructura lento-rápido-lento -a diferencia del italiano- que se convirtieron en piezas casi autónomas del conjunto operístico. Por otro lado, solía acompañar el recitativo con un bajo continuo de clavecín. Al mismo tiempo, dio mayor protagonismo al texto, lo que dotó de mayor expresividad a la ópera. Asimismo, adaptó el canto a la prosodia de la lengua francesa, creando una vocalidad típicamente gala llamada déclamation mélodique . Desde 1673 hasta 1687, fecha de su muerte, compuso una ópera al año -la mayoría con libretos de Philippe Quinault- entre ellas: Cadmus et Hermione (1673), Alceste (1674), Atys (1676), Proserpina (1680),Persée (1682), Faetón (1683) , Amadis (1684), Armide (1686) y Acis et Galatée (1686). La de mayor éxito fue Alceste , basada en una tragedia de Eurípides y compuesta para celebrar la victoria de Luis XIV en el Franco Condado, que incluía una trama menor con aire cómico y unas melodías pegadizas que agradaron enormemente al público.

Otro exponente fue Marc-Antoine Charpentier, que musicalizó algunas obras de teatro de Molière ( Le mariage forcé , 1672; Le malade imaginaire [ Le malade imaginaire ], 1673) y compuso varias obras para la Comédie-Française, como Les amours de Vénus et d 'Adonis (1678), David et Jonathas (1688) y La noce du village (1692). Su obra maestra es la tragedia Médée ( Medea, 1693), sobre una obra de teatro de Pierre Corneille.

Marin Marais fue un compositor e intérprete de viola da gamba. Trabajó en la corte de Luis XIV y fue director de orquesta de la Académie Royale de Musique. Compuso cuatro óperas de estilo luliano: Alcide (1693), Ariane et Bacchus (1695), Alcyone (1706) y Sémélé (1709).

Tras las óperas de Lully, y debido a la afición francesa por el ballet, surge la ópera-ballet , un género híbrido de los dos, en el que las partes cantadas con música alternaban con interludios bailados, con temas generalmente cómicos y amorosos. Este género fue introducido por André Campra con L'Europe galante (1689), al que siguieron numerosas obras de este autor, entre las que destaca Les fêtes vénitiennes (1710). Campra también produjo óperas convencionales, como Tancrède (1702) e Idoménée (1712).

Desarrollo en Europa

A lo largo del siglo XVII la ópera se extendió por toda Europa, generalmente bajo la influencia italiana. En Alemania -entonces dividida en numerosos estados de diversa configuración política-, el pionero fue Heinrich Schütz, quien en 1627 adaptó el Dafne de Rinuccini , con una clara influencia monteverdiana. En 1644, Sigmund Theophil Staden compuso Seelewig , la primera ópera en alemán. En 1678 se inauguró la Oper am Gänsemarkt de Hamburgo, convirtiéndose en la principal ciudad operística del área germánica. En Munich, el elector Fernando María de Baviera patrocinó la ópera, a la que se dedicaron Johann Caspar Kerll y Agostino Steffani. Este último inauguró la Schlossopernhaus en Hannover en 1689 con Enrico Leone .

El principal compositor de este período fue Reinhard Keiser, el primero en escribir óperas íntegramente en alemán. Compuso varias óperas que gozaron de gran éxito, como Adonis (1697), Claudio (1703), Octavia (1705) y Creso (1710). Fue director del Theatre am Gänsemarkt, donde estrenó en promedio unas cinco óperas por temporada; su producción se estima entre setenta y cinco y cien óperas, aunque sólo sobreviven diecinueve completas. Otros autores de la época fueron: Johann Wolfgang Franck ( Die drey Töchter Cecrops, 1679)y Christoph Graupner ( Dido, Königin von Carthage , 1707; Bellerophon, 1708).

En Austria, el emperador Leopoldo I del Sacro Imperio Romano Germánico alentó la ópera después de escuchar Il pomo d'oro (1668) de Cesti. Su representación tuvo lugar en el Palacio Imperial Hofburg de Viena, al que sólo tenía acceso la corte. La mayoría eran óperas italianas, aunque se fueron añadiendo gradualmente compositores austriacos, entre los que destaca Heinrich Ignaz Biber: Applausi festivi di Giove (1686), Chi la dura la vince (1687), Arminio (1692). En 1748 se inauguró el Burgtheater, también ubicado en el Hofburg. El primer teatro público fue el Theatre am Kärntnertor, inaugurado en 1761, que finalmente se convirtió en el teatro oficial de la corte.

En Inglaterra había un precedente para la ópera, la masque (mascarada), que combinaba música, danza y teatro en verso. Durante la Revolución Puritana de Oliver Cromwell la música estaba prohibida. A pesar de ello, la primera ópera inglesa, The Siege of Rhodes ( El asedio de Rodas ), se estrenó en 1656, con libreto del dramaturgo William Davenant y música de cinco compositores: Henry Lawes, Matthew Locke, Henry Cooke, Charles Coleman y George Hudson. . Posteriormente, el reinado de Carlos II vio un resurgimiento de las representaciones teatrales y operísticas. El primer compositor de ópera destacado fue John Blow, organista y compositor de la Capilla Real. Compuso música preferentemente religiosa y de entretenimiento para la corte y fue autor de una ópera,Venus y Adonis (1682), una obra breve que incluía ballets de influencia francesa. De particular interés fue su alumno, Henry Purcell, autor de Dido y Eneas (1689), una obra de influencia francesa con arias breves y danzas. Era un encargo para un colegio de señoritas, que debían realizar ellas mismas, con un pequeño conjunto instrumental. Se trata de una obra breve, de una hora de duración, pero que Purcell resolvió de forma brillante: su aria final, la llamada "El lamento de Dido" ( Cuando me destierren en la tierra ), goza de justa fama. También compuso varias semi-óperas inspiradas en mascaradas, incluyendo divertimentos , canciones, coros y danzas, como Dioclesian (1690), King Arthur(1691), La reina de las hadas (1692), Timón de Atenas (1694), La reina india (1695) y La tempestad (1695). Este período vio la vida del dramaturgo William Shakespeare, cuyas obras fueron adaptadas a la ópera en numerosas ocasiones desde su época hasta la actualidad.

En Polonia, la ópera fue patrocinada por el rey Ladislao IV, que había presenciado una representación de ópera en la Toscana. En 1632 creó una compañía con cantantes italianos, que representaron varias óperas en Varsovia. Esta compañía estrenó la primera ópera de autor polaco -aunque escrita en italiano-, La fama reale (1633), de Piotr Elert.

En España, la ópera llegó con cierto retraso debido a la crisis social provocada por la Guerra de los Treinta Años. La primera ópera se estrenó en 1627 en el Alcázar de Madrid: La selva sin amor , égloga pastoril compuesta por Bernardo Monanni y Filippo Piccinini sobre texto de Lope de Vega; la partitura no se conserva. Tomás de Torrejón y Velasco compuso en 1659 La púrpura de la rosa , con texto de Pedro Calderón de la Barca, la primera ópera compuesta y representada en América, estrenada en el Palacio Virreinal de Lima. Juan Hidalgo fue el autor de Celos aun del aire matan (1660), también con texto de Calderón.

A finales del siglo XVII, el rey Felipe IV patrocinó la representación de operetas en el Palacio de la Zarzuela de Madrid, dando lugar a un nuevo género: la zarzuela. El primer zarzuelista fue Juan Hidalgo, autor en 1658 de El laurel de Apolo , con texto de Calderón, al que siguieron Ni amor se libra de amor (1662, Calderón de la Barca), La estatua de Prometeo (1670, Calderón de la Barca), Alfeo y Aretusa (1672, Juan Bautista Diamante), Los juegos olímpicos (1673, Agustín de Salazar y Torres), Apolo y Leucotea (1684, Pedro Scotti de Agoiz) y Endimión y Diana(1684, Melchor Fernández de León). Posteriormente, destacó la obra de Sebastián Durón, con libretos de José de Cañizares ( Salir el amor del mundo , 1696), y de Antonio Literes (Júpiter y Dánae , 1708). Tras la muerte de Felipe IV, la zarzuela se traslada al Teatro del Buen Retiro de Madrid.

ópera napolitana

En la segunda mitad del siglo XVII, la escuela napolitana introdujo un estilo más purista y clasicista, con tramas simplificadas y óperas más cultas y sofisticadas. En ese momento, Nápoles era posesión española y la ópera contaba con el patrocinio de los virreyes españoles, especialmente el conde de Oñate. Entre las principales novedades, se distinguió entre dos tipos de recitativo: secco , un canto declamatorio con acompañamiento de bajo continuo; y accompagnato , una canción melódica con música orquestal. En las arias se dejó espacio para las improvisaciones vocales de los cantantes. Se eliminaron los personajes cómicos, lo que dio como contrapartida la inclusión de los intermezzi cómicos que, ya en el siglo XVIII, dieron origen a la ópera bufa.En 1737 se inauguró el Teatro San Carlo de Nápoles, uno de los más prestigiosos del mundo.

Uno de sus primeros compositores fue Francesco Provenzale, autor de Lo schiavo di sua moglie (1672) y Difendere l'offensore overo La Stellidaura vendicante (1674). También se considera un precursor de este tipo de ópera a Alessandro Stradella, a pesar de que compuso la mayoría de sus óperas en Génova: Trespolo tutore (1677), La forza dell'amor patterno (1678), La gare dell'amor eroico (1679 ).

Su principal representante fue Alessandro Scarlatti, quien fue maestro de capilla de Cristina de Suecia y del virrey de Nápoles, además de director del Teatro San Bartolomeo de Nápoles. En sus obras introdujo numerosas novedades: creó el aria a tres voces ( aria da capo ), con una estructura tema-variación-tema (ABA); redujo las ornamentaciones vocales y suprimió las improvisaciones que a menudo realizaban los cantantes; también redujo los recitativos y alargó las arias, en alternancia recitativo-aria, y añadió un tipo de arias más cortas ( cavatina ) para dar mayor velocidad a la obra, interpretada por personajes secundarios;por otra parte, junto a su libretista habitual, Apostolo Zeno, eliminó los personajes cómicos y las tramas intercaladas, siguiendo únicamente la historia original. La melodía de Scarlatti era en general más sencilla que la de Monteverdi, pero dotada de un encanto especial, lo que llevó a Luigi Fait a comentar que "con Scarlatti, la ópera italiana alcanza la cumbre de su belleza". Hay 114 óperas conocidas de Scarlatti, incluidas Il Mitridate Eupatore (1707), Tigrane (1715), Il trionfo dell'onore (1718) y Griselda (1721). Su hijo Domenico Scarlatti también compuso óperas: L'Ottavia restituita al soglio (1703), La Dirindina (1715).

Otro destacado exponente fue Giovanni Battista Pergolesi. Murió a la edad de veintiséis años, pero tuvo una carrera exitosa. En 1732 compuso su primera ópera, La Salustia , que fracasó, y Lo frate 'namorato , de género cómico, que cosechó un notable éxito. Al año siguiente estrenó Il prigionier superbo , en cuyos intermedios se representó la obra cómica La serva padrona , que tuvo más éxito que la obra principal. En 1734 compuso Adriano in Siria , con libreto de Pietro Metastasio, en cuyos intermedios se representó la obra cómica Livietta e Tracollo , que tuvo más éxito que la obra principal. Al año siguiente estrenó L'Olimpiade, todavía con libreto de Metastasio, y su última obra, Il Flaminio , de género cómico, que cosechó un notable éxito.

Nicola Porpora enseñó canto -tuvo como alumnos a Farinelli y Caffarelli- y composición -entre sus alumnos se encuentra Johann Adolph Hasse. Fue uno de los primeros en musicalizar libretos de Pietro Metastasio. Entre sus primeras óperas se encuentran Agrippina (1708), Arianna e Teseo (1714) y Angelica (1720). En 1726 se trasladó a Venecia y, en 1733, a Londres, donde fue director musical de la Ópera de la Nobleza ubicada en el King's Theatre, donde estrenó Arianna in Nasso (1733). Posteriormente trabajó en Dresde, donde estrenó Filandro (1747), así como en Viena, antes de regresar a Nápoles, donde murió en la pobreza.

Otros ilustres representantes fueron Leonardo Vinci, Leonardo Leo y Giovanni Bononcini. Vinci debutó a los veintitrés años con Lo cecato fauzo ( El falso ciego , 1719). En 1722 compuso Li zite 'ngalera (Los amantes de la galera), de género cómico. Ese mismo año cosechó un gran éxito con Publio Cornelio Scipione , que lo encaminó hacia la ópera seria. En 1724, renovó su éxito con Farnace, que lo llevó a Roma y Venecia. Le siguieron Didone abbandonata y Siroe, re di Persia , ambas de 1726 y con libreto de Pietro Metastasio. Hasta su muerte en 1730 compuso dos óperas al año, entre ellas Alessandro nell'Indiey Artaserse , ambas de 1730 y nuevamente con libretos de Metastasio. Leo era organista y músico de iglesia. Su primera ópera fue Il Pisistrate (1714), a la edad de diecinueve años. En 1725 fue nombrado organista de la capilla del virrey de Nápoles. Sus obras fueron más conservadoras que las de Vinci y Porpora, basadas en gran medida en el contrapunto. Entre ellos destaca L'Olimpiade (1737), con libreto de Metastasio. También compuso varias óperas cómicas, a las que dio respetabilidad por el empeño que puso en ellas. Bononcini tuvo un gran éxito inicial con Il trionfo di Camilla(1696, con libreto de Silvio Stampiglia), que se representó en diecinueve ciudades italianas. En 1697 se instaló en Viena, al servicio del emperador José I, hasta que en 1719 fue contratado por la Royal Academy of Music de Londres. Entre sus obras se encuentran Gli affetti più grandi vinti dal più giusto (1701), Griselda (1722) y Zenobia (1737). También hay que mencionar a: Francesco Feo ( L'amor tirannico , 1713; Siface , 1723; Ipermestra , 1724), Gaetano Latilla ( Angélica e Orlando , 1735) y Francesco Mancini Mancini ( L'Alfonso , 1699; Idaspe fedele , 1710 ). ; Traiano, 1721).

Barroco tardío: ópera seria y buffa

La producción musical de la primera mitad del siglo XVIII suele denominarse barroco tardío. El principal centro de producción siguió siendo Italia, especialmente Nápoles y Venecia. En 1732 se inauguró el Teatro Argentina de Roma. La influencia italiana se extendió por toda Europa: se establecieron compañías italianas en la Ópera de Dresde, en la corte del Elector de Sajonia y en la Real Academia de Música de Londres. La única escuela nacional no italiana estaba en Francia. Durante este período, la escenografía se desarrolló notablemente, gracias sobre todo al italiano Ferdinando Galli Bibbiena —cuyo trabajo continuaron sus hijos Antonio y Giuseppe—, quien introdujo la perspectiva teatral y numerosos efectos escénicos. Entre 1700 y 1750 fue la era del bel canto clásico, cuando los escenarios estaban dominados por castrati y prime donne .

Alrededor del segundo cuarto del siglo XVIII, la ópera se dividió gradualmente en dos géneros opuestos: la ópera seria y la ópera buffa. Los temas de la ópera seria se extrajeron generalmente de la mitología clásica, con un componente moralista, mostrando el lado más virtuoso de los héroes de la vejez. Generalmente, la acción se centraba en los recitativos y las arias quedaban para las incursiones líricas de los cantantes, con preferencia por el aria da capo , que vivía su época dorada. La ópera seria quería despojar a los dramas líricos de las extravagancias y tramas enrevesadas utilizadas hasta entonces, con un estilo más sobrio inspirado en el antiguo teatro griego. Uno de sus principales teóricos fue Giovanni Vincenzo Gravina, cofundador de la Academia de Arcadia.

Sin embargo, la desaparición de los personajes de cómic dejó un cierto vacío en un sector del público, generalmente de clase baja, al que le gustaban estos personajes. Para satisfacerlos, se introdujeron intermezzi en los intermedios de las obras, que poco a poco fueron ganando éxito hasta convertirse en obras independientes. Un buen ejemplo fue La serva padrona de Pergolesi (1733). A partir de entonces estos intermezzi se independizaron y se convirtieron en espectáculos propios. La ópera bufa era de género cómico, destinada a un público más popular, influenciada por la Commedia dell'arte . Incluía arias y recitativos, pero con intérpretes de segundo orden, que cantaban con sus voces naturales, sin castrati .o sopranos. Las arias eran más cortas y los recitativos mantenían la música, a diferencia de la zarzuela española o el singspiel alemán , que incluían sólo partes habladas. También hubo dúos, tríos y cuartetos, ausentes en la ópera seria. En la ópera bufa era característico un tipo de declamación rápida y silábica llamada parlando . También era frecuente la presencia de tartamudeos, bostezos o estornudos. La música, generalmente de cuerda, era sencilla, de pequeñas orquestas, aunque con el tiempo se equipararía a la de la ópera seria. Con el tiempo, ambos géneros tendieron a fusionarse, con la aparición de la ópera semiseria o dramma giocoso .

Algunos de los elementos característicos de la ópera buffa fueron: el uso del recitativo acompañado , mayor uso de coros y conjuntos, y el uso de la cavatina y el aria con pertichini , modalidad basada en un aria -generalmente da capo- a la que se agregaron comentarios en recitativo por parte de personajes que observaban la escena desde afuera, generando una forma de ensamble. La introduzione y el finale , escenas que solían reunir a todos los personajes de la obra, cantando en conjunto, también adquirieron mayor relevancia.

En el campo de la ópera seria, se produjo en este período un fenómeno único en la historia de la ópera: los libretistas fueron más relevantes que los compositores, especialmente dos: Apostolo Zeno y Pietro Metastasio. Zeno fue un historiador y bibliotecario veneciano que, tras incursionar en el campo de los libretos de ópera, siempre estuvo deseoso de que fueran considerados un género literario de primer orden. En 1718, reemplazó a Silvio Stampiglia como poeta imperial de Carlos VI, para quien también fue historiógrafo imperial. Introdujo temas históricos en la ópera y, en sus tramas, incorporó siempre un código de honor para servir de ejemplo al público. Escribió treinta y cinco libretos, algunos de ellos en colaboración con Pietro Pariati, que fueron musicalizados por compositores como Albinoni, Caldara, Gasparini, Scarlatti y Händel.Una generación más joven, Metastasio fue influenciado directamente por Zeno, a quien reemplazó como poeta imperial. En una carrera de cincuenta años, escribió veintisiete libretos que se pusieron música en unas cien óperas. Fue un gran reformador de la escritura operística, hasta el punto de que a menudo se habla de "ópera metastásica" por sus obras. Sus libretos eran elegantes y sofisticados, y daba mayor protagonismo a los solistas. Zeno y Metastasio introdujeron la llamada "doctrina de los afectos", según la cual toda emoción (amor, odio, tristeza, esperanza, desesperación) se expresaba mediante una determinada forma musical (aria, coral, movimiento instrumental).

Venecia siguió siendo uno de los principales centros operísticos. Destaca Antonio Vivaldi, principal representante de la escuela tardobarroca italiana. Fue maestro de capilla del Ospedale della Pietà de Venecia, donde pudo apoyarse en los huérfanos del hospicio para formar una gran orquesta, por lo que se le considera el primer gran maestro de la música orquestal. Se dedicó a la ópera tanto como compositor como empresario. En 1739 afirmó haber escrito noventa y cuatro óperas, aunque sólo sobreviven unos cincuenta libretos y veinte partituras. Entre sus obras destacan: Ottone in villa (1713), Orlando finto pazzo (1714), La costanza trionfante degl'amori e degl'odii (1716), Teuzzone (1719), Tito Manlio(1719), Il Giustino (1724), Farnace' (1727), Orlando furioso (1727), Bajazet (1735), Ginevra (1736) y Catone en Utica (1737).

Tomaso Albinoni fue un brillante compositor, célebre por su Adagio , aunque también incursionó en la ópera. Preocupado por la armonía del conjunto vocal, dotó de serenidad y equilibrio a los movimientos lentos, con especial atención a las voces graves. Sus obras incluyen Zenobia, regina dei Palmireni (1694), Pimpinone (1708) y Didone abbandonata (1724). Otros compositores venecianos de la época fueron: Ferdinando Bertoni ( Orfeo ed Euridice , 1776; Quinto Fabio , 1778) y Francesco Gasparini ( Roderico , 1694; Ambleto , 1705; Il Bajazet , 1719).

También continuó la escuela napolitana, donde se produjo la escisión entre la ópera seria y la ópera buffa. Sus principales representantes en este período fueron Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta. Jommelli estrenó sus primeras óperas en Nápoles: L'errore amoroso (1737), Ricimero (1740) y Astianatte (1741). Tras cosechar fama por estas obras fue nombrado maestro de capilla de San Pedro en el Vaticano en 1749 y, cuatro años más tarde, el mismo cargo en Stuttgart, para el duque de Württemberg. En Alemania compuso treinta y tres óperas, y su estilo se germanizó tanto que a su regreso a su tierra natal sus obras fueron rechazadas por el público.Traetta se vio influido por la influencia gluckiana, que combinó con su prodigiosa habilidad para componer corales y elegantes melodías. Sus primeras composiciones fueron para teatros de ópera en Nápoles y Parma ( Ippolito e Aricia , 1759; Ifigenia in Tauride , 1763). En 1765 se trasladó a Venecia y, en 1768, a Rusia, donde fue nombrado director de ópera por la emperatriz Catalina II. Allí compuso, entre otras, Antígona (1772).

Se considera que el español Domingo Terradellas (también conocido en italiano como Domenico Terradeglias) pertenece a la escuela napolitana. Estudió en Nápoles, donde fue alumno de Francesco Durante. En 1736 estrenó su primera ópera, Giuseppe riconosciuto . Se trasladó a Roma, donde fue maestro de capilla de San Giacomo degli Spagnoli y estrenó Astarto (1739), Merope (1743) y Semiramide riconosciuta (1746). Luego se fue a Londres, donde compuso Mitridate (1746) y Bellerofonte (1747). De regreso a Italia, estrenó en Turín Didone (1750), en Venecia Imeneo en Atene (1750) y en Roma Sesostri (1751).

También hay que mencionar a Gian Francesco de Majo y Davide Perez. El primero se inicia con Ricimero, re dei Goti (1759) y L'Almeria (1761). Pasó un tiempo en Mannheim, donde estrenó Ifigenia en Tauride (1764), que influyó en Gluck. De vuelta en Nápoles, realiza L'Ulisse (1769) y L'eroe cinese (1770). Pérez, de origen español, compuso algunas óperas buffa ( La nemica amante , 1735), pero sobre todo serias: Siroe (1740), Astarto (1743), Merope (1744), La clemenza di Tito (1749), Demofoonte (1752) , Olimpiada(1754), Solimano (1757). Otros representantes de la escuela napolitana fueron: Girolamo Abos ( Artaserse , 1746; Alessandro nell'Indie , 1747), Pasquale Cafaro ( La disfatta di Dario , 1756; Creso , 1768), Ignazio Fiorillo ( L'Olimpiade , 1745), Pietro Alessandro Guglielmi ( L'Olimpiade , 1763; Farnace , 1765; Sesostri , 1766; Alceste , 1768), Giacomo Insanguine ( L'osteria di Marechiaro , 1768; Didone abbandonata , 1770) y Antonio Sacchini (La contadina en corte , 1765).

Del resto de Italia cabe mencionar a Antonio Caldara. Fue maestro de cappella en Mantua y Roma antes de ser nombrado vicemaestro de cappella del emperador Carlos VI en Viena, donde permaneció unos veinte años. Colaboró ​​regularmente con los libretistas Zeno y Metastasio. Su obra se destaca por el uso de grandes corales. Entre sus obras destacan: Il più bel nome (1708), Andromaca (1724), Demetrio (1731), Adriano in Siria (1732), L'Olimpiade (1733), Demofoonte (1733), Achille in Sciro (1736) y Ciro riconosciuto (1736).Hay que mencionar también al milanés Giovanni Battista Lampugnani ( Candace , 1732; Antigono , 1736).

También se destacó un libretista en la ópera buffa: Carlo Goldoni. Abogado de profesión, trabajó como libretista para varios teatros venecianos. Escribió alrededor de un centenar de libretos, en los que incorporó elementos de la Commedia dell'arte , el típico teatro popular italiano de origen renacentista. Sus obras presentaban personajes reales y hechos cotidianos, con tramas más sencillas y diálogos ingeniosos que ayudaron a humanizar la ópera. Su obra influyó en compositores como Mozart y, más tarde, Rossini y Donizetti.

Among the composers of opera buffa were Niccolò Piccinni and Baldassare Galuppi. The former was a prolific composer, author of about one hundred and twenty works. He began his career with Le donne dispettose (1754). His greatest success was La Cecchina, ossia la buona figliuola (1760), with libretto by Goldoni based on Pamela by Samuel Richardson, which is usually considered the first semi-serious opera. In 1776 he was invited to Paris, where he had a tense rivalry with Gluck: both composed an Gluck's opera (1779) was more successful than Piccinni's (1781). Piccinni introduced the rondo aria, which had a slow and fast two-part structure, repeated twice. Galuppi wrote his first opera at the age of sixteen (La fede nell'incostanza, 1722). His first great success was with Dorinda in 1729. He composed about a hundred operas, a good part of them written for London: Scipione in Cartagine (1742), Sirbace (1743). In 1749 he composed L'Arcadia in Brenta, with a libretto by Carlo Goldoni, the first opera buffa of great length. It was followed by other comic operas such as Il mondo della luna (1750), Il mondo alla roversa (1750), La diavolessa (1755) and La cantarina (1756), but Galuppi and Goldoni's most famous joint work was the dramma giocoso Il filosofo di campagna (1754).

Other authors of opera buffa were: Pasquale Anfossi (La finta giardiniera, 1774; La maga Circe, 1788), Gennaro Astarita (Il corsaro algerino, 1765; L'astuta cameriera, 1770), Francesco Coradini (Lo 'ngiegno de le femmine, 1724; L'oracolo di Dejana, 1725), Domenico Fischietti (Il mercato di Malmantile, 1756), Giuseppe Gazzaniga (Don Giovanni Tenorio, 1787), Nicola Logroscino (Il governatore, 1747) and Giacomo Tritto (La fedeltà in amore, 1764).

At this time also appeared the pasticcio, an opera composed jointly by several composers. The first was Muzio Scevola (1721), which consisted of three acts each composed by Filippo Amadei, Giovanni Bononcini and Georg Friedrich Händel. Generally, rather than collaborating in a single homogeneous whole, most pasticci were a conglomerate of music, songs, dances, arias and chorales, which could be added successively.

In the vocal field, at this time it is worth remembering the sopranos Francesca Cuzzoni, Margherita Durastanti and Anna Maria Strada, and the mezzo-soprano Faustina Bordoni, who all performed in London for Händel. Bordoni and Cuzzoni maintained a strong rivalry between them, to the point that they came to blows in the performance of Bononcini's Astianatte in 1727. On the other hand, this was the golden age of the castrati, among whom Giovanni Carestini, Carlo Broschi "Farinelli", Nicolò Grimaldi "Nicolini", Francesco Bernardi "Senesino" and Antonio Maria Bernacchi stood out. The most famous was Farinelli, who performed all over Europe with great success. He retired at the age of thirty-two, at the height of his fame, and entered the service of Philip V of Spain.

Francia

Al comienzo de este período aún predominaba la tragédie-lyrique luliana , donde destacaba el gusto por el ballet. Así como la ópera italiana solía tener tres actos largos, la ópera francesa tenía cinco cortos, con ballets intercalados. El operatista más destacado de este período fue Jean-Philippe Rameau. Ocupó varios puestos como organista y maestro de capilla en varias catedrales francesas, mientras escribía varios tratados de teoría musical. No fue hasta los cincuenta años que compuso su primera ópera, Hippolyte et Aricie (1733), a la que siguieron Les Indes galantes (1735), Castor et Pollux (1737) y Dardanus (1739). Tras unos años de inactividad, en 1745 compusoLa Princesse de Navarre , Le temple de la gloire —ambas de Voltaire— y la ópera cómica Platée . Sus últimas obras incluyen Zoroastre (1749) y Les boréades (1763). Las óperas de Rameau gozaron de gran popularidad, al mismo tiempo que suscitaron intensos debates entre sus defensores y detractores: en 1733 estalló la llamada querella de lulistas y ramistas, entre quienes propugnaban mantener la tradición operística iniciada por Lully y quienes veían con placer la nueva forma introducida por Rameau, que ponía más énfasis en la música que en el texto.De manera similar, en la década de 1750 surgió la llamada disputa del bufón entre los partidarios de Rameau, defensores de la ópera seria francesa, y el filósofo Jean-Jacques Rousseau y sus seguidores, partidarios de la ópera buffa italiana.

André Cardinal Destouches fue director de la Ópera de París de 1728 a 1731. Su obra influyó en Rameau. Fue autor de óperas como Omphale (1700), Callirhoé (1712), Télémaque (1714), Les Élémens (1721) y Les Stratagèmes de l'amour (1726). Henri Desmarets fue maestro de capilla en la orden de los jesuitas franceses hasta que, acusado del asesinato de su mujer, se instaló en España, donde sirvió a Felipe V. Más tarde residió en el Ducado de Lorena, donde se estrenó su ópera Le Temple d'Astrée. el Teatro de Nancy en 1708. Otro exponente fue Michel Pignolet de Montéclair ( Jephté , 1732).

El filósofo Jean-Jacques Rousseau, que también era un compositor aficionado, compuso una ópera, Le devin du village , en 1752. Era de mala calidad, pero influyó por la introducción de personajes del campo que se mostraban como personas sencillas y virtuosas, en oposición a a la nobleza cínica y corrupta, ideales que tuvieron eco en la Revolución Francesa.

En Francia, la ópera buffa tuvo su equivalente en la opéra-comique , un tipo de espectáculos sencillos, con tramas contemporáneas, generalmente de corte doméstico y urbano, y de tono conservador, en los que las innovaciones técnicas, las corrientes culturales y los aspectos sociales en general, como así como los defectos y costumbres de los personajes, fueron ridiculizados. Tenía ciertos elementos en común con la ópera buffa italiana, como el gusto por el vestuario y el travestismo, o los personajes inspirados en la Commedia dell'arte . Era frecuente la presencia de un tipo de canciones conocidas como vodevil .Para este tipo de representaciones se creó el Théâtre National de l'Opéra-Comique. Sus principales representantes fueron François-André Danican Philidor y André Ernest Modeste Grétry. El primero se inició en la ópera italiana, pero cuando al público no le gustó, se pasó a la ópera cómica, donde cosechó grandes éxitos: Blaise le savetier (1759), Le sorcier (1764), Tom Jones (1765), Ernelinde, princesa de Noruega (1767). En sus obras introdujo sonidos extramusicales, como el de un martillo o el rebuzno de un burro. Grétry se ganó al público con sus melodías elegantes y expresivas. Su primer éxito fue Le Huron (1768), al que siguieron Lucile yLe tableau parlant en 1769. Probó el género serio con Andromaque (1780), que no resolvió tan bien como sus obras cómicas. Su mayor éxito fue Richard Coeur-de-lion (1784).

Otros compositores de opéra-comique fueron: Nicolas Dalayrac ( Nina, ou La Folle par amour , 1786), Antoine Dauvergne ( Les troqueurs , 1753), Egidio Romualdo Duni ( Ninette à la cour , 1755; La fée Urgèle , 1765), François- Joseph Gossec ( Les Pêcheurs de perles , 1766; Toinin et Toinette , 1767) y Pierre-Alexandre Monsigny ( Le Cadi dupé , 1761; Le Roi et le fermier , 1762; Rose et Colas , 1764; Le Déserteur , 1769).

Alemania y Austria

Un estilo indígena no floreció en Alemania, y en general se siguió la estructura de la ópera italiana. Sin embargo, el singspiel surgió como un género menor de tono cómico, análogo a la opéra-comique francesa y la zarzuela española, que alternaba el diálogo con la música y el canto. El primer ejemplo fue Creso de Reinhard Keizer (1711).

Georg Philipp Telemann interpretó óperas con arias en italiano y recitativos en alemán. Músico precoz, compuso su primera ópera a los doce años. Fue compositor, organista, director de orquesta y creador de la primera revista musical de la historia, Der getreue Musikmeister . Sin embargo, su obra cayó en el olvido y no fue recuperada hasta principios del siglo XX, aunque sus óperas hoy no se representan en el circuito operístico. Se calcula que compuso unas cincuenta óperas, aunque sólo se conservan nueve, entre ellas Germanicus (1704), Pimpinone (1725) y Don Quichotte auf der Hochzeit des Camacho ( Don Quijote en las bodas de Camacho , 1761).

Uno de los mejores operatistas de la época fue Georg Friedrich Händel. Discípulo de Friedrich Wilhelm Zachow, en 1703 se instaló en Hamburgo, donde compuso su primera ópera, Almira , en 1705, a la edad de diecinueve años. En 1707 viajó a Roma, Venecia y Florencia, esta última ciudad donde estrenó su primera ópera, Rodrigo . A pesar de sus orígenes, escribió todas sus óperas en italiano. En 1708 viajó a Nápoles, donde entró en contacto con la notable escuela operística de esa ciudad. En 1710 estrenó Agrippina en Venecia, que fue un gran éxito. En sus obras reunió influencias italianas y francesas, sin faltar su carácter germánico.Poco después, regresó a su tierra natal, donde se convirtió en maestro de capilla del príncipe elector Jorge de Hannover, quien en 1714 se convirtió en Jorge I de Gran Bretaña. En 1712 se instaló en Inglaterra, donde desarrolló la mayor parte de su obra, y donde fue director de orquesta de la Royal Academy of Music, que tenía su sede en el King's Theatre. Compuso cuarenta y dos óperas, generalmente obras solemnes y grandiosas, en las que suele incorporar coros, aunque no ballets como los franceses. Tenía preferencia por las tramas heroicas y sus protagonistas solían ser héroes de la antigüedad, ya fueran históricos o mitológicos, como Teseo, Jerjes, Alejandro Magno, Escipión o Julio César. Sus obras incluyen: Rinaldo (1711), Amadigi di Gaula (1715),Giulio Cesare en Egitto (1724), Tamerlano (1724), Rodelinda (1725), Admeto (1727), Tolomeo (1728), Orlando (1732), Ariodante (1735), Alcina (1735), Serse (1738) e Imeneo ( 1740). Su libretista habitual fue Nicola Francesco Haym.

Otros exponentes fueron Johann Adolph Hasse, Johann Joseph Fux y Johann Mattheson. Hasse estudió en Nápoles con Scarlatti. Su primera ópera fue Antioco (1721), a los veintidós años, seguida de Sesostrate (1726) y La sorella amante (1729). En 1730 se estrenó en Venecia Artaserse , que fue innovador por sus contrastes expresivos que permitieron un gran lucimiento de los cantores. Ese año fue nombrado director de la Ópera de Dresde, donde fue uno de los principales impulsores de la ópera seria. Dejó unas setenta óperas. Fux fue autor de dieciocho óperas, en su mayoría con libretos de Pietro Pariati, aunque también de Zeno y Metastasio. Su mayor éxito fue Costanza e Fortezza(1723), estrenada en Praga en la coronación del emperador Carlos VI como rey de Bohemia. Mattheson era tenor además de compositor. Trabajó como asistente de otros operatistas, incluido Keiser, antes de componer el suyo propio. En 1715 fue nombrado director de música de la Catedral de Hamburgo. Sus obras incluyen Cleopatra (1704).

Otros países

En Inglaterra tampoco surgió una escuela nacional y el público se mantuvo fiel a la ópera italiana. En 1707, un intento de ópera inglesa, Rosamund , por parte del músico Thomas Clayton y el escritor Joseph Addison, fue un rotundo fracaso. Ese mismo año ni siquiera se estrenó la ópera Semele de John Eccles —con libreto de William Congreve—. Así como en Alemania se produjeron obras con recitativo en alemán y arias en italiano, en Inglaterra tampoco despegó la introducción del idioma inglés. Así, la escena operística estuvo dominada en gran medida por Handel, junto con el estreno de producciones italianas.En 1732 el Theatre Royal —también conocido como Covent Garden— de Londres, principal centro operístico del país, reconstruido en 1809 y 1858; desde 1892 se llama Royal Opera House.

Sin embargo, con el paso del tiempo, el público empezó a cansarse de las óperas handelianas, lo que explica el éxito de The Beggar's Opera ( La ópera del mendigo , 1728), una especie de antiópera italiana con música de Johann Christoph Pepusch y libreto de John Gay, una reacción a la solemnidad algo pomposa de Händel. Esta obra inauguró el género de la ópera balada , equivalente a la opereta, la zarzuela española o el singspiel alemán . Eran obras basadas en baladas y canciones cortas, con danzas y melodías folklóricas. También surgieron los afterpieces , obras cortas interpretadas durante los intermedios de obras teatrales, al estilo de los intermezzi italianos .Algunos exponentes fueron Samuel Arnold ( The Maid of the Mill , 1765), Charles Dibdin ( The Waterman , 1774), Stephen Storace ( The Haunted Tower , 1789; The Pirates , 1792) y William Shield ( The Magic Cavern , 1784; The Enchanted Castillo , 1786; La Cruzada , 1790).

Un último intento de ópera inglesa estuvo a cargo de Thomas Arne, compositor y productor. Fue autor de la ópera cómica Rosamond (1733) y de la seria Comus (1738), así como de la mascarada Alfred (1740), cuya canción Rule, Britannia! se convirtió en un himno patriótico inglés. Posteriormente compuso Artajerjes (1762) —en inglés— y L'Olimpiade (1765) —en italiano— ambas con libreto de Pietro Metastasio.

En Dinamarca, el rey Federico V protegió la ópera y acogió al compositor italiano Giuseppe Sarti, autor de la primera ópera en danés: Gam og Signe (1756). Entre los compositores daneses destacaba Friedrich Ludwig Æmilius Kunzen, autor de Holger Danske ( Holger the Dane , 1789), mientras que el alemán Johann Abraham Peter Schulz introdujo el género singspiel en danés ( Høstgildet [ Festival de la cosecha ], 1790).

En España, durante el reinado de Felipe V, numerosos cantantes y compositores italianos se establecieron en el país, entre ellos el célebre Farinelli. Entre las obras producidas en estos años se encuentran Júpiter y Anfitrión (1720), de Giacomo Facco y libreto de José de Cañizares; y El rapto de las sabinas (1735), de Francesco Corselli. Fernando VI y Bárbara de Braganza eran amantes de la ópera italiana y favorecieron la estancia de compositores como Francesco Coradini y Giovanni Battista Mele.

Con la llegada al poder de los Borbones la zarzuela decae, debido a la preferencia de los nuevos gobernantes por la ópera italiana. Sin embargo, durante el reinado de Carlos III resurgió brevemente, debido al rechazo de la ópera italiana provocado por el descontento popular con los ministros italianos del monarca. Destaca el sainetista Ramón de la Cruz, que definió en sus obras el llamado casticismo madrileño: entre sus obras cabe mencionar Las segadoras de Vallecas (1768), con música de Antonio Rodríguez de Hita. Otro exponente fue José de Nebra, autor de Viento es la dicha de amor (1743) y Donde hay violencia no hay culpa (1744), entre otros.

En Barcelona, ​​el marqués de la Mina impulsó la ópera y patrocinó la instalación de una compañía italiana en el Teatro de la Santa Cruz, en la que trabajaba el compositor Giuseppe Scolari, que estrenó algunas óperas como Alessandro nell'Indie (1750) y Didone abbandonata (1752). También hubo un compositor local, Josep Duran, autor de Antigono (1760) y Temístocle (1762).

En este período también se desarrolló el género de la tonadilla, unas obras de carácter lírico-teatral y de signo satírico y picaresco, que se representaban en los entreactos teatrales junto a los sainetes o entremeses. Ocurrió principalmente en la segunda mitad del siglo XVIII. La primera obra de este género fue Una mesonera y un arriero (1757), de Luis de Misón. Otros autores fueron Antonio Guerrero, Blas de Laserna, Pablo Esteve y Fernando Ferandiere.

En Portugal, la ópera fue apoyada por el rey Juan V, que favoreció la instalación de compositores italianos, como Domenico Scarlatti. Entre los compositores portugueses, cabe mencionar a Francisco António de Almeida, autor de las óperas italianas: La pazienzia di Socrate (1733) y La Spinalba, ovvero Il vecchio matto (1739).

Música Galant y reforma gluckiana

En el segundo tercio del siglo XVIII comenzaron a surgir algunas voces críticas con la ópera seria, que se consideraba embrutecida y demasiado orientada a florituras vocales. Las primeras críticas provinieron de algunos escritos como Il teatro alla moda de Benedetto Marcello (1720) o Saggio sull'opera de Francesco Algarotti (1755). Era la época del rococó, que en la música dio la llamada música galante , más tranquila que la barroca, más ligera y sencilla, suave, decorativa, melódica y sentimental. Desapareció el gusto por el contraste y se buscó la gradación sonora ( crescendo , diminuendo ).En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolló la música sinfónica, con la primera gran orquesta moderna (40 instrumentos), iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach. Su principal representante, Johann Stamitz, es considerado el primer director.

El principal centro de la música galante fue el área germánica (Alemania y Austria), donde se le conoce como Empfindsamer Stil("estilo sentimental"). En Alemania, tuvo un precedente temprano en el trabajo tardío de Telemann y Mattheson. Su principal representante fue Johann Christian Bach, probablemente el más talentoso de los hijos de Johann Sebastian Bach. Vivió un tiempo en Italia, donde se convirtió al catolicismo y se casó con una cantante de ópera, hecho que sin duda influiría en él para acercarse a un género que ni su padre ni sus hermanos habían tratado. Con un gran dominio de la música instrumental, combinó la sencillez y claridad de la música italiana con la precisión germánica. Más tarde se instaló en Inglaterra, donde fue director del Theatre Royal de Londres. Su obra influyó en Mozart, a quien incluso dio lecciones cuando este último viajó a Londres a la edad de ocho años. Entre sus obras se encuentran: Artaserse (1760),Catone en Utica (1761), Alessandro nell'Indie (1762), Orione (1762), Lucio Silla (1775), La clemenza di Scipione (1778) y Amadis de Gaule (1779). Otro exponente fue Carl Heinrich Graun, maestro de capilla de Federico II de Prusia. Su ópera Cleopatra e Cesare inauguró la Staatsoper Unter den Linden en Berlín en 1742. El propio rey Federico escribió el libreto de su ópera Montezuma (1755). En general, sus óperas siguieron el estilo italiano, influenciado por Scarlatti. Cabe mencionar que la hermana de Federico II, Guillermina de Prusia, fue compositora de una ópera ( Argenore, 1740) y promovió la creación del Teatro Markgräfliches en Bayreuth.

En Austria, Florian Leopold Gassmann, de origen checo, compuso varias óperas —preferiblemente buffas— para la emperatriz María Teresa: L'amore artigiano (1767), La notte critica (1768), La contessina (1770), Il filosofo innamorato (1771) , Le pescatrici (1771). Ignaz Holzbauer fue uno de los primeros compositores germánicos en componer óperas con recitativo en lugar de diálogo, como Günther von Schwarzburg (1776), obra admirada por Mozart. El checo Josef Mysliveček estudió en Italia, donde estrenó la mayoría de sus obras: Il Bellerofonte (1767), Demofoonte (1775), L'Olimpiade (1778).

En el ámbito germano fue la época dorada del singspiel : en 1778, José II rebautizó el Teatro Francés de Viena como Deutsches Nationaltheater (ahora Burgtheater) y lo dedicó a este género, que estrenó con Die Bergknappen ( Los mineros ), de Ignaz Umlauf. Los compositores más destacados de singspiel fueron Johann Adam Hiller ( Der Teufel ist los [ El diablo anda suelto ], 1766; Der Jagd [ La caza ], 1770) y Georg Anton Benda ( Der Dorfjahrmarkt [ La feria del pueblo ], 1775; Romeo y Julia , 1776).Otros exponentes fueron: Karl von Ordonez ( Diesmal hat der Mann den Willen [ Esta vez la decisión es del hombre ], 1778), Johann André ( Erwin und Elmire , 1775), Christian Gottlob Neefe ( Adelheit von Veltheim , 1780), Carl Ditters von Dittersdorf ( Doktor und Apotheker [ Médico y farmacéutico ], 1786), Anton Eberl ( Die Marchande des Modes , 1787), Paul Wranitzky ( Oberón, König der Elfen [ Oberón, rey de los elfos ], 1789), Johann Friedrich Reichardt ( Erwin und Elmire , 1790), Johann Baptist Schenk (Der Dorfbarbier [ El barbero del pueblo ], 1796) y Wenzel Müller ( Die Teufelmühle [ El molino del diablo ], 1799).

En Francia, el estilo galante ya se denota en la obra de Rameau y, más plenamente, en Joseph Bodin de Boismortier ( Les Voyages de l'Amour , 1736; Daphnis et Chloé , 1747) y Jean-Joseph de Mondonville ( Daphnis et Alcimadure , 1754).

En Italia, la música galante tuvo menor incidencia, dada la presencia de las escuelas veneciana y napolitana. Aun así, se denota en la obra de Niccolò Piccinni, Domenico Scarlatti y Baldassare Galuppi, así como en Pietro Domenico Paradisi ( Alessandro in Persia , 1738; Le muse in gara , 1740; Fetonte 1747; La Forza d'amore , 1751 ). ), Giovanni Marco Rutini ( I matrimoni in maschera , 1763; L'olandese in Italia , 1765), Felice Alessandri ( Ezio , 1767; Adriano in Siria , 1779; Demofoonte , 1783) y Giovanni Battista Martini ( Don Chisciotte , 1746).

Durante este período se introdujo una reforma en la ópera que apuntaba a un cambio de estilo que culminaría en el clasicismo. Su arquitecto fue el alemán Christoph Willibald Gluck. Estudió en Milán, donde estrenó en 1741 Artaserse , con libreto de Metastasio. En 1745 se trasladó a Londres, donde buscó sin éxito el apoyo de Händel; por tanto, se instaló en Viena al año siguiente, hasta 1770, cuando se instaló en París. Entre las reformas introducidas por Gluck se encuentran: preeminencia de la trama sobre las improvisaciones vocales, con personajes más veraces; música austera, sin ornamentación; limitación de recitativos, todos con acompañamiento orquestal; obertura, coro y ballet se integran en la acción de la ópera; abolición del da capoen las arias; la música al servicio del texto, armonizando ambos elementos. Por otro lado, frente al concepto de números cerrados de la ópera italiana, Gluck introdujo el tableau ("tableau"), un concepto escénico que convertía cada acto en una unidad dramático-musical que englobaba a solistas, coros, conjuntos y ballets, que formó una escena de conjunto orgánico. Este concepto se desarrolló especialmente en la ópera francesa del siglo XIX.

Entre sus obras se encuentran: Orfeo ed Euridice (1762), Alceste (1767) y Paride ed Elena (1770), estrenadas en Viena; e Iphigénie en Aulide (1774), Armide (1777), Iphigénie en Tauride (1779) y Écho et Narcisse (1779), estrenadas en París. Su libretista habitual fue Raniero di Calzabigi. Durante su estancia en Francia, surgió la llamada querella de gluckistas y piccinistas (1775-1779) entre los partidarios de la reforma de Gluck y los partidarios de la ópera italiana. Gluck no se limitó a su Reform-Opern ( ópera renovada ), sino que realizó algunas obras cómicas al estilo italiano, comoL'ivrogne corrigé ( El Boodle corregido , 1760) y La rencontre imprévue ( El encuentro imprevisto , 1764).

Clasicismo

La música clásica —no confundir con el concepto general de "música clásica" entendida como la música vocal e instrumental de tradición culta producida desde la Edad Media hasta nuestros días— comprendía entre el último tercio del siglo XVIII y principios del siglo XIX la culminación de las formas instrumentales, consolidada con la estructuración definitiva de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en el equilibrio y la serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal, de la perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores. Pretendía la creación de un lenguaje musical universal, una armonización entre forma y contenido musical. Se empezó a valorar el gusto del público, lo que dio lugar a una nueva forma de producir obras musicales, así como a nuevas formas de mecenazgo.

La ópera siguió gozando de gran popularidad, aunque experimentó una evolución paulatina de acuerdo con las novedades introducidas por el clasicismo. Junto a las voces solistas hubo dúos, tríos, cuartetos y otras agrupaciones —incluso un sexteto en Le Nozze di Figaro de Mozart—, así como coros, aunque no tan grandiosos como los barrocos. La orquesta se amplió y la música instrumental adquirió cada vez más protagonismo en relación con la línea vocal. En 1778 se inauguró el Teatro La Scala de Milán, uno de los más famosos del mundo, con un auditorio de 2800 espectadores. Asimismo, en 1792 se inauguró el Teatro La Fenice de Venecia, que también ha gozado de gran prestigio.

Los principales compositores del clasicismo fueron Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Haydn, considerado el padre de la sinfonía, fue un gran innovador en el campo de la música. Autodidacta, en su juventud tocó en bandas callejeras, hasta que entró al servicio del príncipe Pál Antal Esterházy, en cuyo palacio de Eisenstadt vivió durante treinta años. Creó una orquesta cercana a la moderna, con una correlación entre cuerdas y vientos. Haydn le dio a la sinfonía la llamada "forma sonata", en cuatro movimientos. La ópera no era el principal interés de Haydn, pero compuso varias para la corte de Esterházy, generalmente cómicas; hoy en día no suelen estar en el repertorio operístico. Estos incluyen: Acide e Galatea (1763), La canterina (1766),Lo speziale (1768), Le pescatrici (1770), L'infedeltà delusa (1773), L'incontro improvviso (1775), Il mondo della luna (1777), La vera costanza (1779), L'isola disabitata (1779) , La fedeltà premiata (1781), Orlando paladino (1782), Armida (1784) y L'anima del filosofo (1791).

El principal exponente del clasicismo fue el austriaco Wolfgang Amadeus Mozart. Fue un niño prodigio, que recorrió Europa con su padre entre los seis y los catorce años, conociendo las principales corrientes musicales de la época: ópera italiana y francesa, música galante, escuela de Mannheim. En su Salzburgo natal, interpretó en 1767 el sagrado singspiel Die Schuldigkeit des ersten Gebots ( La obligación del primer mandamiento ), con tan solo once años. Ese mismo año interpretó para la universidad una opereta en latín, Apollo et Hyacinthus . Al año siguiente compuso el singspiel Bastien und Bastienne , una parodia de Le devin du village.de Jean-Jacques Rousseau. Ese año recibió un encargo del gran duque de Toscana Leopoldo, futuro emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Leopoldo II, para una ópera buffa italiana y produjo La finta semplice . Durante una estancia en Nápoles compuso Mitridate, re di Ponto (1770), su primera ópera seria, que cosechó un notable éxito y contó con una orquestación más rica y elegante que las óperas italianas de la época. En los dos años siguientes compuso dos serenatas, operetas para ser representadas en un salón: Ascanio in Alba (1771) e Il sogno di Scipione (1772), esta última con libreto de Metastasio. Ese año produjo Lucio Silla , de influencia gluckiana.En 1775 recibió un encargo de Munich y realizó La finta giardiniera , de tono cómico, todavía en estilo barroco. Ese año produjo Il re pastore , una serenata pastoral. De nuevo en Salzburgo, entre 1779 y 1780 inicia Zaide , un singspiel que deja inacabado. Idomeneo, re di Creta (1781) fue un nuevo encargo de Munich. Esta obra supuso su entrada en la madurez musical y su paulatino abandono del barroco.

Tras el éxito de Idomeneo se instaló en Viena, donde recibió el encargo del emperador José II de escribir una ópera en alemán, dada la política pangermanista del monarca. En 1782 estrenó en el Burgtheater Die Entführung aus dem Serail ( El rapto del serrallo ), ambientada en un harén turco. Esta obra rompió por completo con el estilo barroco, sobre todo al romper con la sucesión de arias y la inclusión de personajes reales, que expresan sus sentimientos. Según la trama introducía varios estilos musicales, como la música folclórica para acompañar a la criada, o pasajes con música turca, caracterizada por su estridente percusión.Empleó una orquesta más densa, con más instrumentos de viento. También introdujo un aria en dos partes, una más lenta y otra más rápida ( caballetta ). Al final presenta un vodevil , una escena que reúne a todos los personajes en escena, cuyo texto hace una síntesis de lo acontecido en la obra.

Tras dos óperas buffa inacabadas en 1783 ( L'oca del Cairo y Lo sposo deluso ), no es hasta tres años después cuando recibe otros encargos en 1786: Der Schauspieldirektor ( El director de teatro ) y Le Nozze di Figaro ( Las bodas de Fígaro ). Esta última fue una ópera bufa con libreto de Lorenzo da Ponte , basada en Le mariage de Figaro de Pierre-Augustin de Beaumarchais. En él mostró su dominio del conjunto vocal, introduciendo un sexteto en el tercer acto.También mostró una admirable habilidad psicológica en el tratamiento de los personajes, así como en las diversas cualidades emocionales de los instrumentos (clarinete para el amor, oboe para el dolor, fagot para la ironía). Al año siguiente produjo Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni , también con libreto de Da Ponte, basado igualmente en Don Juan y Molière de Tirso de Molina, por encargo del Teatro Estatal de Praga. En esta obra combinó tragedia y comedia a partes iguales. En 1790 produjo Così fan tutte ( Así hacen todos ), su última colaboración con Da Ponte, que fue considerada frívola e inmoral. Sus dos últimas óperas son del año de su muerte (1791): La clemenza di Tito, ópera seria con libreto de Metastasio, y Die Zauberflöte ( La flauta mágica ), un singspiel con libreto de Emanuel Schikaneder. Este último mezcló un cuento de hadas con una alegoría masónica, y fue una de sus obras más logradas.

Otro destacado compositor del clasicismo fue Ludwig van Beethoven, a medio camino del romanticismo. En 1803 intentó una ópera, Vestas Feuer , con libreto de Emanuel Schikaneder, pero el proyecto quedó inacabado. Dos años después realizó la que sería su única ópera, Fidelio (1805), un singspiel de carácter político-moral, un drama de estilo romántico, basado en Léonore, ou l'amour conjugale de Jean-Nicolas Bouilly. En esta obra se nota la influencia de Mozart, especialmente Così fan tutte y Die Zauberflöte .Debido a la poca experiencia que tenía en el campo de la ópera, la música de esta obra fue sinfónica, con una instrumentación tan densa que exigió un gran esfuerzo de los cantantes. Posteriormente realizó otros intentos de componer óperas, como un Macbeth (1808-1811) o un cuento de hadas titulado Melusine (1823-1824), que dejó incompletos.

En el ámbito germánico también cabe mencionar: Franz Seraph von Destouches ( Die Thomasnacht [ La noche de Tomás ], 1792; Das Mißverständnis [ El malentendido ], 1805), Anton Reicha ( Argene, regina di Granata , 1806; Natalie , 1816), Joseph Weigl ( La principessa d'Amalfi , 1794; Die Schweizerfamilie [ La familia suiza ], 1809) y Peter von Winter ( Das unterbochene Opferfest [ La fiesta de la ofrenda interrumpida ], 1796; Der Sturm [ La tempestad ], 1798;Maometto , 1817).

En Italia se destacó la labor de Giovanni Paisiello y Domenico Cimarosa. Paisiello se inició en la ópera buffa ( L'idolo cinese , 1767). En 1776 fue invitado a San Petersburgo, donde compuso Lucinda ed Armidoro (1777), Nitteti (1777) e Il barbiere di Siviglia (1782), sobre la obra de Beaumarchais, que también sería versionada más tarde por Rossini. En 1784 regresó a Viena, donde compuso Il re Teodoro in Venezia y, poco después, fue nombrado maestro de capilla del rey Fernando IV de Nápoles, para quien compuso su mayor éxito Nina, o sia La pazza per amore(1789). Compuso unas ochenta óperas, en género serio y bufón, aunque este último más dramático de lo habitual, contribuyendo así a su prestigio. Cimarosa fue un prolífico compositor, que a la edad de treinta y cinco años había compuesto quince óperas, cuando en 1787 fue nombrado maestro di cappella en San Petersburgo, donde estrenó La vergine del sole (1788) y La Cleopatra (1789). En 1791 fue nombrado maestro de capilla en Viena, donde al año siguiente cosechó su mayor éxito con Il matrimonio segreto . Su producción final fueron unas sesenta óperas, en las que denotó gran intensidad vital y calidez melódica.

Antonio Salieri fue alumno de Florian Gassmann, quien lo llevó a Viena en 1766, cuando tenía dieciséis años. A los veinte años compuso Le donne letterate (1770), que obtuvo un gran éxito, por lo que en 1774 fue nombrado compositor de la corte del emperador José II. En 1784 fue nombrado director de la Ópera de París, donde sucedió a Gluck. Aquí compuso varias óperas en estilo Gluckiano: Les Danaïdes (1784) y Tarare (1787). En 1788 fue nombrado maestro de capilla de la corte vienesa, a cargo de la ópera italiana. Compuso una treintena de óperas, tanto serias como buffas, entre las que destacan: La fiera di Venezia (1772) y Falstaff ossia Le tre burle(1799). Disfrutó de un gran éxito durante su vida, pero después de su muerte su popularidad decayó.

Nicola Antonio Zingarelli fue el último gran representante de la escuela napolitana. Su primer éxito fue Montezuma (1781), que estrenó en el Teatro San Carlo y luego fue interpretada por Haydn en Esterháza. Hizo óperas bufas ( Il mercato di Monfregoso , 1792; La secchia rapita , 1793) y serias ( Artaserse , 1793; Giulietta e Romeo , 1796; Edipo en Colono , 1802).

Otros exponentes fueron Gaetano Andreozzi ( Giulio Cesare , 1789; La principessa filosofa , 1794), Francesco Bianchi ( Il Gran Cid , 1773; La vilanella rapita , 1783; La vendetta di Nino , 1790; Ines de Castro , 1794), Valentino Fioravanti ( Le cantatrici villane , 1798), Giuseppe Nicolini ( Artaserse , 1795; La clemenza di Tito , 1797; Il trionfo del bel sesso , 1799; Il geloso sincerato , 1804; Traiano in Dacia , 1807), Ferdinando Paër ( Griselda , 1796;Camila , 1799; Aquiles , 1801; Leonora , 1804; Le Maître de Chapelle , 1821), Silvestro Palma ( La pietra simpatica , 1795) y Angelo Tarchi ( Le disgrazie lucky , 1781; Il guerriero immaginario , 1783).

En esta época surge en Italia el género de la farsa, una variante de la ópera bufa de menor formato y trama generalmente fantasiosa, poco realista. Cimarosa compuso algunas farsas, como I matrimoni in ballo (1776) y L'impresario in angustie (1786). Algunos de sus principales exponentes fueron: Giuseppe Farinelli ( Teresa e Claudio , 1801; Pamela , 1802), Pietro Generali ( Pamela nubile , 1804) y Giuseppe Mosca ( I tre mariti , 1811). Se desarrolló hasta principios del siglo XIX, cuando, con la llegada del romanticismo, prácticamente desapareció, aunque Rossini, Donizetti y Mayr aún producían alguna farsa.

Francia vivió un período de transición, ya que la atmósfera generada por la Revolución Francesa favoreció un cierto prerromanticismo en el género lírico francés. Destacan en este período Pierre Gaveaux ( Léonore, ou l'amour conjugal , 1798) y Rodolphe Kreutzer ( Lodoïska , 1791; Astianax , 1801; Aristippe , 1808; Abel , 1809).

In Spain, the figure of Vicente Martín y Soler stood out internationally. He settled in Italy, where he composed serious and buffa operas, which stood out for the grace of their characters and their beautiful melodies. He was invited to Vienna, where he composed three operas with libretto by Lorenzo da Ponte: Il burbero di buon cuore (1786), Una cosa rara, ossia bellezza ed onestà (1786) and L'arbore di Diana (1787). The most successful, Una cosa rara, displaced Mozart's Le Nozze di Figaro. In 1787 he was appointed court composer to Catherine II of Russia in St. Petersburg. Mention should also be made of Juan Crisóstomo de Arriaga, a child prodigy nicknamed the Spanish Mozart. At the age of thirteen he composed the opera Los esclavos felices (1820), but unfortunately died of consumption at the age of twenty. Fernando Sor premiered in Barcelona his opera in Italian Telemaco nell'isola di Calipso (1797). He later settled in France, where he excelled as a composer of guitar music. Carles Baguer, organist of Barcelona Cathedral, was the author of La principessa filosofa (1791).

In Portugal, he stood out at this time Marcos António de Fonseca Portugal. He began with short operas in Portuguese, such as A castanheira (1787). In 1792 he settled in Naples, where he performed serious and buffa operas: Cinna (1793), La confusione nata della somiglianza (1793), La vedova raggiratrice (1794), Lo spazzacamino principe (1794), Le donne cambiate (1797), Fernando nel Messico (1797).

In Russia, a taste for opera began at this time at the court of the tsars, thanks especially to the support of Empress Catherine II, who brought numerous composers to St. Petersburg, such as Baldassare Galuppi, Tommaso Traetta, Giovanni Paisiello, Domenico Cimarosa, Giuseppe Sarti and Vicente Martín y Soler. The first opera written in Russian was by an Italian, Francesco Araja, author of Tsefal i Prokris (Cephalus and Procris, 1755). Vasili Pashkévich was the pioneer of opera among Russian composers with Anyuta (1772), which was followed by Neschastye ot karety (The Carriage Accident, 1779). He also produced two operas to libretti by Empress Catherine II: Fevey (1786) and Fedul s det'mi (Fedul and his sons, 1792). Dmitri Bortniansky studied in Italy with Galuppi and wrote several operas in Italian: Creonte (1776), Quinto Fabio (1778), Don Carlo (1786). Yevstignéi Fomín also studied in Italy with father Martini. With libretto by Catherine II he composed Novgorodskiy bogatyr Boyeslayevich (Boyeslayevich, the hero of Novgorod, 1786).

In Poland, the reigns of Augustus II, Augustus III and Estanislaus II saw opera flourish under royal patronage. Numerous Polish nobles hired Italian companies for their palaces. In 1765 the Teatr Narodowy (National Theater) in Warsaw was inaugurated. In 1778 the first opera in Polish, Nedza Uzazesliwiona (Sorrow turned into joy), by Maciej Kamieński, was premiered. After the partition of Poland, the taste for opera continued, with composers such as Jan Stefani (Krakowiacy Górale [Cracovians and Highlanders], 1794).

In Sweden, Queen Louise Ulrica encouraged the construction of the Drottningholm Theater, inaugurated in 1766, and invited composers such as Francesco Uttini, author of the first opera in Swedish, Thetis och Pelée (1773). King Gustav III was a promoter of the Kungliga Operan (Royal Opera) in Stockholm, founded in 1782. Several German composers settled there, such as Johann Gottlieb Naumann, author of Cora och Alonzo (1782) and, in collaboration with King Gustav III, Gustav Wasa (1786); and Joseph Martin Kraus, who was nicknamed the Swedish Mozart, author of Proserpin (1781) and Dido och Aeneas (1799).

In Hungary, incorporated into the Austro-Hungarian Empire, opera enjoyed little protection, apart from that exercised by the Esterházy, Haydn's protectors. József Chudy was the author of the first opera in Hungarian, the singspiel Pikkó Herceg (Duke Pikkó, 1793, now lost).

In these years opera was being introduced in North America: in United States, the first performances were given at the John Street Theater in New York, opened in 1767. Among the opera's pioneers were Benjamin Carr (The Archers, or the Mountaineers of Switzerland [The Archers, or the Mountaineers of Switzerland], 1796) and John Bray (The Indian Princess, 1808). In Canada, the French Joseph Quesnel was the first author of operas in that country: Colas et Colinette (1805), Lucas et Cécile (1809).

Among the singers, at this time it is worth remembering: Austrian soprano Caterina Cavalieri, Salieri's pupil and lover, for whom Mozart wrote the role of Konstanze in Die Entführung aus dem Serail and that of Elvira in Don Giovanni; English soprano Nancy Storace, sister of composer Stephen Storace, for whom Mozart wrote the role of Susanna in Le Nozze di Figaro; Joseph Legros, tenor and composer, who performed roles by Lully, Rameau, Grétry and Gluck; and German tenor Anton Raaff, for whom Mozart wrote his Idomeneo.

19th Century

Between the end of the 18th century and the beginning of the 19th century, the foundations of the contemporary society were laid, marked in the political field by the end of absolutism and the establishment of democratic governments. -an impulse initiated with the French Revolution - and, in the economic field, by the Industrial Revolution and the consolidation of capitalism, which would have a response in Marxism and the class struggle. In the field of art and music, an evolutionary dynamic of styles began to follow one another chronologically with increasing speed, culminating in the 20th century with an atomization of styles and currents that coexist and oppose, influence and confront each other. Music was a reflection on numerous occasions of these artistic movements, which occurred not only in art and music, but also in literature, theater, dance and other artistic manifestations.

In music, the most outstanding aspect was the progressive independence of composers and performers from the patronage of the aristocracy and the Church. The new addressee was the public, preferably the bourgeoisie, but also the common people, in theaters and concert halls. The new situation gave the musician greater creative freedom, but also deprived him of the previous security provided by his patrons, as he was subject to the ups and downs of success or failure.

Opera developed in this century in an increasingly grandiloquent manner, on large stages and with large scenographic stagings, with larger and larger orchestras performing more powerful and sonorous music. This forced vocal performers to increase their singing power, to fill the entire theater and to be heard above the instruments. To this end, new techniques of voice enhancement appeared and new registers emerged, such as the "robust tenor", the "tenore di forza" and the "dramatic soprano".

In the second half of this century, the operetta was established as a minor genre of opera, based on a theatrical piece with dances and songs alternating with dialogues, with light music of popular taste. It became established in France as a derivation of opéra-comique, in small theaters such as the Bouffes-Parisiens sponsored by the composer Jacques Offenbach. It was also well established in Vienna, where it was nourished by the traditional German singspiel. This type of work gave rise to the current musical.

During this century numerous innovations and advances were introduced in the scenographic field, especially in lighting: in 1822 the gas light was introduced for the first time at the Paris Opera, in the performance of Aladin ou La lampe merveilleuse by Nicolas Isouard; in 1849 the electric light was premiered in Le Prophète, by Giacomo Meyerbeer. One of the best scenographers was Pierre-Luc-Charles Cicéri, creator of large and ingenious sets with the latest technologies of the time, as well as special effects, fireworks and other novelties. He invented a moving panorama composed of a curtain that was rolled up on a cylinder and, when unrolled, produced movement effects on the scene. On the other hand, the pioneer of photography Louis Daguerre introduced the double-painted sets, which thanks to lighting effects caused a sensation of movement. The most prestigious theater was — along with La Scala in Milan — the Paris Opera, which, after various venues, was located in 1821 in the hall on rue Le Peletier, where it enjoyed the golden age of the grand-opéra. Destroyed by fire in 1873, two years later the Opéra Garnier, designed by architect Charles Garnier, was inaugurated, with seating for 2600 spectators.

Romanticism

La música romántica sobrevivió durante casi todo el siglo, hasta la aparición de las vanguardias musicales del siglo XX. Se caracterizó, como en el resto de las artes, por el predominio del sentimiento y la pasión, de la subjetividad y emotividad del artista, con exaltación de la música nacional y popular. Se amplió la orquesta, para satisfacer plenamente la expresividad del artista, los nuevos sentimientos que anidaban en él (lo sublime, lo patético). El romanticismo enfatizó la individualidad, la irracionalidad como reacción a la razón ilustrada. El protagonismo lo ganó el ser humano y sus actos heroicos, frente a los dioses mitológicos y al barroco deus ex machinaintervenciones. Surgió un nuevo interés por la naturaleza y sus sonidos, que fueron imitados en numerosas composiciones: tormentas, fuego, avalanchas, erupciones volcánicas, etc. El instrumento ideal para reflejar las pasiones románticas fue el piano, del que surgieron numerosos virtuosos, como Franz Liszt y Frederic Chopin. Junto a él fueron cobrando importancia los instrumentos de percusión —especialmente timbales y platillos—, en busca de sonidos más expresivos. También se incorporaron nuevos instrumentos a la orquesta, como el arpa, el flautín, el contrafagot y el corno inglés. Al mismo tiempo, se buscaban movimientos que expresaran más emociones, como prestissimo , molto agitato o adagio lamentoso. La figura del director de orquesta cobró mayor importancia y muchos compositores fueron al mismo tiempo directores de orquesta; uno de ellos, Carl Maria von Weber, introdujo la batuta para la dirección.

Este período vio un notable desarrollo de la ópera, especialmente en Italia, donde fue la edad de oro del bel canto . Destacó por la brillantez de sus voces, la coloratura, la ornamentación, cobrando importancia el papel de la soprano, mientras que para el tenor se puso de moda a partir de 1840 el do de pecho . La ópera romántica tenía dos vertientes: la cómica -o buffa- y la dramática, basada en los grandes dramas literarios románticos. La diferencia entre recitativo y aria se diluyó, predominando la melodía cantabile sobre el resto de elementos. Por otro lado, la ópera romántica se destacó por su gusto folclórico y el uso de temas basados ​​en la historia y mitología del país.También surgió un nuevo gusto por los llamados temas "góticos", que en la ópera dieron una variante llamada morte ("muerte"), provocada por los lúgubres acontecimientos de la Revolución Francesa; un buen ejemplo sería Lucia di Lammermoor , de Gaetano Donizetti.

En este período los libretos variaban en temas y tramas, pero tenían pocas transformaciones estructurales, por lo que predominaba el lenguaje convencional y la simplificación de diálogos y situaciones como en épocas anteriores. Uno de los novelistas más exitosos de la época fue Walter Scott, diecinueve de cuyas novelas se adaptaron a sesenta y tres óperas. Otro fue Johann Wolfgang von Goethe, cuyos textos fueron musicalizados en 122 óperas, veinte de ellas sobre su obra Fausto . También escribió personalmente ocho libretos para singspiel . También se compusieron cincuenta y seis óperas sobre textos de Friedrich von Schiller. Otros escritores que también inspiraron numerosas óperas fueron Victor Hugo y Aleksandr Pushkin.

Francia

El germen de la ópera romántica surge en Francia, donde la ópera seria y la ópera buffa tienden a converger, al mismo tiempo que la reforma gluckiana se va gestando. Los recitativos con clavecín fueron descartados y pasaron a ser orquestales. Se abandonan las tramas basadas en los clásicos grecolatinos para musicalizar los nuevos dramas románticos, con preferencia por las ambientaciones medievales (bardos, trovadores) o las leyendas populares. En esta época se desarrolla en Francia la llamada grand-opéra , caracterizada por la exuberancia de sus grandes montajes escénicos, con grandes orquestas y numerosos personajes, con temas generalmente históricos y épicos, destinados a un público burgués. La ópera cómicatambién continuó el género, que en 1805 se instaló en la Salle Feydeau y, en 1840, en la Salle Favart. Aquí se estrenaron obras no convencionales, nuevas o extranjeras, que fueron rechazadas en la Ópera de París, más conservadora.

Los inicios de la ópera romántica francesa se sitúan en el ambiente posrevolucionario. El cambio de régimen supuso la sustitución de temas mitológicos clásicos, vinculados a la aristocracia, por nuevos temas y personajes basados ​​en el heroísmo popular, con una serie de obras que se denominaron "ópera de salvación", entre ellas Les rigueurs du cloître (1790) de Henri -Montan Berton y Le siège de Lille (1792) de Rodolphe Kreutzer. Sin embargo, estas obras propagandísticas de la revolución no lograron hacer olvidar al público que la ópera era ante todo un entretenimiento, hecho ayudado por la obra de Étienne Nicolas Méhul, quien en esos años estrenó varias óperas: Euphrosine (1790), Stratonice (1792) , Mélidore y Phrosine(1794) y Ariodant (1799). En estas obras, los personajes se encontraban en situaciones azarosas que los sumían en emociones intensas, hecho que sería el punto neurálgico de la ópera romántica.

Paradójicamente, entre los primeros exponentes de la ópera romántica francesa se encuentran dos compositores italianos establecidos en Francia: Luigi Cherubini y Gaspare Spontini. El primero se instaló en París en 1787, cuando ya había compuesto trece óperas en Italia. En Démophon (1788) inicia el rumbo de lo que será la ópera romántica francesa, que encauzará con Lodoïska (1791), donde introduce personajes más reales y situaciones más dramáticas, con una orquestación y unos efectos más ricos y potentes. basado en la naturaleza, en este caso un fuego. Su obra maestra fue Médée ( Medea , 1797), basada en una tragedia de Pierre Corneille.Spontini se trasladó a París en 1800, donde cultivó preferentemente el género trágico. Su primer éxito fue Milton (1804), al que siguió La vestale (1807). Fue el introductor de numerosos componentes de la grand-opéra , como grandes coros, procesiones o bandas en escena, culminando en su Fernand Cortez (1809), sobre el conquistador español Hernán Cortés, que incluía una carga de caballería y fuego de flota.

Cherubini tuvo varios alumnos, entre los que destacaron Daniel-François-Esprit Auber y Jacques Fromental Halévy. Auber fue el maestro de la opéra-comique , en la que se inició con La bergère châtelaine (1820) y Emma (1821). En 1823 se asoció con el dramaturgo Eugène Scribe, con quien creó Leicester (1823), La neige (1823), Léocadie (1824), Le Maçon (1825) y Fra Diavolo (1830). También intentó grand-opéra con La muette de Portici ( La muette de Portici , 1828). Halévy sufrió varios fracasos hasta que tuvo su primer éxito conClari (1828), que escribió para la mezzosoprano española María Malibrán. Su obra maestra fue La juive ( La judía , 1835), de la que Wagner elogió el sentimiento de su gran tragedia lírica . Alternó opéra-comique ( L'éclair , 1835; Le lazzarone , 1844) con grand-opéra ( Guido et Ginevra , 1838; Charles VI , 1844).

Entre los primeros exponentes del romanticismo francés también se encontraba François-Adrien Boieldieu. Compuso su primera ópera, La fille coupable (1793), a los dieciocho años. Establecido en París, triunfó con sus óperas cómicas, pero también probó otros géneros, como en Le Calife of Baghdad (1800), de gusto exótico y oriental. Tras una estancia en Rusia, a su regreso renovó su éxito con Jean de Paris (1812). Su mayor éxito fue La dame blanche (1825).

El mayor paladín del comienzo de la grand-opéra fue el alemán Giacomo Meyerbeer. Se instaló en París en 1831, cuando tuvo su primer éxito con Robert le diable , ambientada en la Sicilia medieval. Su obra maestra fue Los hugonotes (1836), sobre la persecución de los protestantes franceses (huguenotes) en el siglo XVI, que destacó por su fastuosa puesta en escena. Su tercer gran éxito fue Le Prophète ( El profeta , 1849). Robert le diable incluyó un ballet, el Ballet de las monjas , en el que las bailarinas, en el papel de espíritus que se levantan de las tumbas, iban vestidas con tul blanco, que se convirtió en el clásico traje de ballet (el tutú ); esta obra es considerada el primer ballet moderno de la historia.

Héctor Berlioz se dedicó a la ópera épica. Inició cinco óperas, de las que completó sólo tres: Benvenuto Cellini (1838), sobre la vida del escultor renacentista, basada en su autobiografía; Les troyens ( Los troyanos , 1856-1858), con libreto del propio Berlioz basado en La Eneida de Virgilio, obra de larga duración que se dividió en dos partes para su estreno; y Béatrice et Bénédict (1862), también escrita por el propio compositor a partir de Mucho ruido y pocas nueces de Shakespeare . También fue el autor de La Damnation de Faust ( La condenación de Fausto, 1846), obra musical para orquesta, voces solistas y coro que suele interpretarse también en teatros de ópera.

En una segunda generación —a veces denominada romanticismo tardío— destacó Georges Bizet, compositor que murió prematuramente a los treinta y seis años, por lo que sólo pudo completar seis óperas, aunque proyectaba unas treinta. Fue discípulo de Halévy, quien le escribió su primer libreto, la opereta Le Docteur Miracle (1857). Residió durante tres años en Italia, donde estrenó Don Procopio (1859), una ópera cómica. Su siguiente proyecto fue Les pêcheurs de perles ( Les pêcheurs de perles , 1863), ambientado en Ceilán, que reflejaba el gusto por el exotismo de la época. En 1865 realizó Ivan IV para el Théâtre Lyrique. En el mismo teatro estrenó dos años después La jolie fille de Perth.( The Beautiful Girl of Perth ), basada en una obra de teatro de Walter Scott. Otra apuesta por el exotismo fue Djamileh (1872), basada en una obra de teatro de Alfred de Musset, ambientada en Egipto. En 1875 estrenó su obra maestra, Carmen , basada en una novela de Prosper Mérimée, ambientada en la España folclórica de gitanos y bandoleros. Fue una opéra-comique que, sin embargo, introdujo elementos realistas, acordes con el naturalismo literario de la época, fenómeno que en Italia daría el verismo. Introdujo la música y los bailes populares españoles, como la seguidilla, así como la habanera ( L'amour est un oiseau rebelle ), un género de origen cubano. Bizet murió tres meses después del estreno.

Charles Gounod se inició en la música sacra, hasta que se volcó a la ópera, con un total de doce obras en su carrera. Sus primeras obras fueron del género grand-opéra ( Sapho , 1851; La nonne sanglante , 1854), pero no tuvieron mucho éxito, por lo que se pasó a la opéra-comique . Escogió una obra de Molière, Le médecin malgré lui , que estrenó en 1858. Le siguió Fausto (1859), su obra maestra. Sus obras posteriores incluyen Mireille (1864) y Roméo et Juliette (1867).

Ambroise Thomas fue un clasicista, un ferviente detractor de Wagner y de la música "moderna". Compuso nueve óperas, estrictamente basadas en la tradición francesa. Su primer éxito fue La double échelle ( La escalera doble , 1837). Trató el género cómico con Le songe d'une nuit d'été ( El suelo de una noche de verano , 1850), no basada en Shakespeare a pesar del título. Fue influenciado por Gounod, como se ve en Mignon (1866) y Hamlet (1868).

Another German, Jacques Offenbach, excelled in the comic genre. He began his musical career as a cellist, until he switched to composition. Endowed with a keen sense of dramatic art and well acquainted with the tastes of the French public, he devoted himself to operetta, for which he rented the Théâtre Marigny, which he renamed Bouffes-Parisiens, where he premiered works by himself and other composers. In 1858 he composed Orphée aux enfers (Orpheus in the underworld), an irreverent reinterpretation of classical Greek myths, which scandalized the purist grand-opéra public. It was followed by La belle Hélène (1864) and La vie Parisienne (1866). With Les Contes d'Hoffmann (1881) he attempted something more serious, but died during rehearsals. He counted as librettists Henri Meilhac and Ludovic Halévy, nephew of composer Fromental Halévy — authors also of the libretto of Bizet's Carmen. Other exponents of operetta were: Edmond Audran (Le Grand Mogol, 1877; La Mascotte, 1880) and Alexandre Charles Lecocq (La fille de Madame Angot, 1872; Le petit duc, 1878)

Camille Saint-Saëns was a child prodigy as a pianist and began composing at the age of six. He was a prolific composer, who wrote thirteen operas, as well as orchestral and vocal music. His first success was with the operetta La Princesse jaune (The Yellow Princess, 1872). After that he switched to grand-opéra, with which he had his greatest success with Samson et Delilah (1877), based on the biblical story. In 1883 he premiered Henri VIII, about the relationship between Henry VIII of England and Anne Boleyn.

Léo Delibes excelled especially in operetta and ballet. His first success, Deux vieilles gardes (1856), already denoted his facility for composing melodies. His masterpiece was Lakmé (1883), set in colonial India, which was notable for its exoticism.

Jules Massenet was a pupil of Ambroise Thomas, a fact that turned him towards opera. His first success was Le roi de Lahore (1877). It was followed by Hérodiade (1883) and Manon (1884). After receiving a commission from the Paris Opera he composed Le Cid (1885). After Esclarmonde (1889) he had several failures, until reaching success again with Werther (1892), on Goethe's work. He enjoyed equal fortune with Thaïs (1894), of orientalist taste, whose Meditation is one of his best known melodies. His next success was La Navarraise (1894), which included cannon sounds. His later works include Sapho (1897), Cendrillon (1899), Chérubin (1905) and Don Quichotte (1909).

Emmanuel Chabrier studied law, but eventually turned to his greatest hobby, music. A great admirer of Wagner, in 1886 he premiered Gwendoline, where he used the Wagnerian leitmotif. He later turned, however, toward light music of comic tone, with which he achieved his greatest success, Le roi malgré lui (The King in spite of himself, 1887).

Otros compositores del romanticismo francés fueron: Adolphe Adam ( Le Chalet , 1834; Le Postillon de Lonjumeau , 1836; Le toréador , 1849; Si j'étais roi , 1852), Félicien David ( La perle du Brésil , 1851; Lalla-Roukh , 1862; Le Saphir , 1965), Vincent d'Indy ( Le Chant de la cloche , 1886; Fervaal , 1897; L'Étranger , 1903), Benjamin Godard ( Les Bijoux de Jeannette , 1878; Pierre de Zalaméa , 1884; Jocelyn , 1888; La Vivandière , 1893),Ferdinand Hérold ( Zampa , 1831; Le Pré aux Clercs , 1832), Nicolas Isouard ( Cendrillon , 1810; Jeannot et Colin , 1814), Édouard Lalo ( Le Roi d'Ys , 1888), Jean-François Lesueur ( Ossian, ou les Bardes , 1804) y Ernest Reyer ( Sigurd , 1882; Salammbô , 1890).

Italia

En Italia, el romanticismo tuvo un componente marcadamente populista y nacionalista, en el que la ópera fue un medio de reivindicación política para la unificación de la península, que tendría lugar en 1870. Era la época del bel canto , del lucimiento de voces, especialmente las voces de soprano. Compositores como Rossini, Bellini y Donizetti fueron acérrimos defensores del bel canto , en un momento en Europa en general en el que la orquesta cobraba cada vez más protagonismo. Sin embargo, el bel canto clásico prácticamente llegó a su fin con Rossini, mientras que Bellini y Donizetti introdujeron algunas innovaciones, como la sustitución del canto fiorito por el canto declamato., y la reserva de pasajes del bel canto para momentos de intensidad, como en la cabaletta o las llamadas arias de locura , en todo caso con menor ornamentación vocal.

El primer gran nombre de la época fue Gioachino Rossini, un compositor entre el clasicismo y el romanticismo. Estudió en el Liceo de Bolonia. Siguiendo los pasos de Paisiello y Cimarosa, enriqueció la orquesta con más instrumentos de viento. En 1810 estrenó en Venecia La cambiale di matrimonio , una farsa cómica en un acto, deudora de la ópera napolitana, pero con el nuevo espíritu romántico, más dinámico, con un ritmo más marcado y con las gradaciones tonales introducidas por la escuela de Mannheim. Esta obra agradó tanto a los tradicionalistas como a los partidarios de la innovación, a quienes les gustó su agilidad tímbrica y su ritmo vivo. Le siguieron L'equivoco stravagante (1811), L'inganno felice (1812), La scala di seta(1812), L'occasione fa il ladro (1812) e Il signor Bruschino (1813). Tras una ópera seria, Ciro in Babilonia (1812), en Tancredi , estrenada al año siguiente en el teatro La Fenice de Venecia, abandonó los esquemas clásicos y dio la estructura de la ópera buffa a la seria, con arias, cabalette y recitativo . con orquesta También introdujo cambios en la estructura habitual de la ópera buffa, en La pietra del paragone (1812) y L'italiana in Algeri (1813). Il Turco in Italia (1814) es una farsa teatral, donde el libretista aparece pretendiendo escribir la ópera a medida que se desarrolla. Ese año compuso su última ópera seria en estilo tradicional: Aureliano en Palmira , que aún incluía en su elenco a un castrato , al que le añadía diversas ornamentaciones que no agradaban al compositor, por lo que a partir de entonces compuso él mismo los ornamentos musicales, cerrando el puertas a las improvisaciones de los cantantes. Con esta obra, Rossini abandonó los temas históricos y mitológicos propios de la ópera seria tradicional y comenzó a elaborar obras de corte contemporáneo, basadas en la nueva literatura romántica; un primer caso sería Elisabetta, regina d'Inghilterra (1815).

En 1816 estrenó en el Teatro Argentina de Roma Il barbiere di Siviglia ( El barbero de Sevilla ), basado en la obra de Beaumarchais, uno de sus mayores éxitos, de género bufo, así como La Cenerentola (1817), basada en el cuento Cenicienta de Charles Perrault . La gazza ladra ( La urraca ladrona , 1817) fue una ópera semiseria, de trama romántica, pero con elementos cómicos; cultivó el mismo género en Matilde di Shabran (1821). Con Mosè in Egitto (1818) elaboró ​​un nuevo híbrido, al que llamó azione sacrotragica. En género serio elaboró ​​Otello (1816), La donna del lago(1819), Maometto secondo (1820, reconvertido en 1826 en Le Siège de Corinthe), Zelmira (1822) y Semiramide (1823). Inició entonces un viaje de varios años que lo llevó a Viena, París, Londres y nuevamente París, donde estrenó Le comte Ory (1828) y Guillaume Tell (1829). En sus obras, Rossini eliminó el recitativo sin acompañamiento musical, por lo que se les puso música de principio a fin. Introdujo el llamado "crescendo Rossini", un crescendo gradual en el que el mismo tema se repetía sucesivamente aumentando en intensidad. También introdujo los coros, que se pusieron de moda, generalmente colocados entre el aria y la cabaletta y entre las dos partes de la cabaletta. Dejó de componer a los treinta y seis años y desde entonces vive de sus ganancias.

Las siguientes figuras del romanticismo fueron Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti. Bellini produjo obras más sentimentales y melancólicas, de evocación onírica, con frases entrecortadas e irregulares, la voz flotando sobre la melodía. Es considerado el maestro del bel canto , por sus largas y líricas melodías vocales. Tras dos óperas por las que empezó a ser reconocido ( Adelson e Salvini , 1825; y Bianca e Fernando , 1826), cosechó su primer éxito con Il pirata (1827), representada en La Scala de Milán. Siguieron dos fracasos: La straniera (1829) y Zaira (1829). En 1830 estrenó en Venecia I Capuleti ei Montecchi( Capuletos y Montescos ), una tragedia lírica con libreto de Felice Romani. Sus siguientes obras fueron plenamente románticas, con la trama común de la muerte de uno de los amantes y la sublimación del amor. La sonnambula (1831) fue una ópera semiseria, basada en un guión de pantomima-ballet de Eugène Scribe. Del mismo año es Norma , su obra más famosa, con libreto también de Romani, que incluye la famosa aria Casta Diva . En 1833, Beatrice di Tenda no cosechó el éxito esperado. Su última obra, I Puritani (1835), la compuso y estrenó en París, donde obtuvo un gran éxito. Murió a la edad de treinta y cuatro años.

Donizetti logró su primer éxito con su octava ópera, Zoraida di Granata (1822), gracias a la cual consiguió un contrato para componer óperas para varios teatros de Nápoles. Entonces decidió componer óperas generalmente cómicas, que denotaron la influencia de Rossini y Bellini, como L'ajo nell'imbarazzo (1824) y ¡Viva la mamma! (1827). También abordó el género serio con Emilia di Liverpool (1824) e Il castello di Kenilworth (1829). con Ana Bolena(1830) obtuvo su primer éxito internacional, e inició una línea argumental basada en personajes de carácter humano —especialmente mujeres en el papel de heroína— tratados psicológicamente. Esta obra le abrió las puertas a otras ciudades: así, compuso para Milán L'elisir d'amore (1832), una comedia sentimental con libreto de Felice Romani, donde humanizó de igual forma a los personajes de la ópera buffa; incluye el aria Una furtiva lagrima , una de las más famosas de la ópera. Luego incursionó en el género dramático con la sombría Lucrezia Borgia (1833), basada en un cuento de Víctor Hugo. Le siguieron Parisina d'Este (1833), Torquato Tasso (1833) yMaría Estuarda (1834). Poco después se inspiró en la grand-opéra francesa de Lucia di Lammermoor (1835), basada en una novela de Walter Scott (con libreto de Salvatore Cammarano). Le siguieron Il campanello (1836), Belisario (1836), Pia de' Tolomei (1837), Roberto Devereux ossia il conte d'Essex (1837), Maria di Rudenz (1838) y Poliuto (1838). Viajó a París, donde estrenó La fille du régiment (1840) y La Favourite(1840), en el que introduce el do de pecho e inicia la época dorada de los tenores. Fue a Viena, donde fue nombrado Kapellmeister . En 1841 estrenó María Padilla y, al año siguiente, Linda di Chamounix . Le siguió Maria di Rohan (1843). De regreso a su país volvió al género cómico con Don Pasquale (1843). Sus obras posteriores incluyen Caterina Cornaro (1844) y Dom Sébastien, roi de Portugal (1843). Compuso un total de sesenta y siete óperas. En sus obras los adornos musicales del bel cantoestán presentes, pero compuso vibrantes escenas dramáticas, donde la música realza el efecto de la voz. Sus melodías eran cristalinas, vivaces, con un magnetismo que sigue vigente en la actualidad.

En los inicios del romanticismo también se destacaron Saverio Mercadante y Giovanni Pacini. Mercadante estudió en Nápoles y se animó a componer óperas de Rossini. Su primer éxito fue L'apoteosi d'Ercole (1819). Le siguieron Elisa e Claudio (1821) y Donna Caritea, regina di Spagna (1826). En 1827 se instaló en España, donde estrenó Il posto abbandonato ese mismo año. De regreso a su país en 1831, obtuvo un gran éxito al año siguiente con I normanni a Parigi . En 1837 estrenó en Milán Il giuramento, su obra maestra. Tras la muerte de Bellini y la instalación de Donizetti en París fue durante unos años el compositor más famoso de su país, con obras como Le due illustri rivali (1838), Elena de Feltre (1838), Il bravo (1839), La Vestale ( 1840), Il reggente (1843), Leonora (1844) y Gli Orazi ei Curiazi ( Horatii e Curiatii , 1846). Pacini obtuvo un gran éxito en 1824 en Nápoles con Alessandro nell'Indie , lo que le valió un nombramiento como director del Teatro San Carlo de esa ciudad. Su obra maestra fue Saffo (1840). Otras obras suyas fueronLa fidanzata corsa (1842), Medea (1843), Lorenzino de' Medici (1845) y Buondelmonte (1845).

Los hermanos Luigi y Federico Ricci compusieron varias obras tanto juntos como por separado, y son recordados como los autores de la última ópera bufa tradicional: Crispino e la comare (1850).

El romanticismo tardío estuvo dominado en Italia por la figura de Giuseppe Verdi. Se inició en la ópera romántica con aire bufo, con su estructura recitativo-aria-caballetta , con temas generalmente inspirados en la Italia medieval. Sus primeros trabajos denotaron la influencia de Rossini y continuaron las formas típicas del bel canto . Sin embargo, evolucionó progresivamente hacia las formas del drama musical, restando importancia al aria —de la que no consiguió despegarse, como sí hacía Wagner— y realzando la melodía. Las óperas de Verdi tenían un fuerte componente nacionalista, lo que convirtió sus obras en alegatos contra la ocupación extranjera de varias regiones de Italia, hecho que lo convirtió en un símbolo del Risorgimento, el proceso que condujo a la unificación de Italia.

Tras una primera ópera que nunca se representó ( Roester , 1836), con Oberto, Conte di San Bonifacio (1839) obtuvo un rotundo éxito en La Scala de Milán. En cambio, su siguiente obra, Un giorno di regno (1840), fracasó. Repitió el éxito con Nabucco (1842), con la que comenzó su vinculación con la política: se comparaba la trama basada en el cautiverio hebreo en Babilonia con los italianos, bajo dominación extranjera en buena parte de sus territorios. Incluye el famoso coro Va, pensiero . Le siguió I Lombardi alla prima crociata (1843). Ernani (1844) fue su obra más plenamente romántica, basada en una obra de teatro de Victor Hugo. Las siguientes óperas que compuso fueron: I due Foscari (1844), Giovanna d'Arco (1845), Alzira (1845), Attila (1846) y I masnadieri (1847). En Macbeth (1847) introdujo una soprano de voz fea, acorde con el personaje de Lady Macbeth, rompiendo así con el bel canto . Fue su primera obra basada en Shakespeare, de quien era un gran admirador. Con Luisa Miller (1849) y Stiffelio (1850) abandona el romanticismo en busca de un mayor realismo.

Next came his three masterpieces: Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) and La Traviata (1853) are more realistic dramas, which stick more to the historical aspect. The former, based on Victor Hugo's play The King Amuses Himself, revolved around a superstitious jester who is cursed. It includes a motiv or evocative motif, a passage associated with some aspect of the opera, an antecedent of the Wagnerian leitmotif, which appears for example in the famous aria La donna è mobile. Il trovatore was based on a play by Antonio García Gutiérrez about a medieval troubadour. Composed in only thirty days, it contains a wide range of melodies, including the famous gypsy choir with its anvil strikes. La Traviata was based on Alexandre Dumas' The Lady of the Camellias, a work controversial for having a tubercular courtesan as its protagonist, with which Verdi anticipated fin-de-siècle verismo. It includes the famous duet Libiamo ne' lieti calici, also known as the "toast.".

Su siguiente obra fue Les vêpres siciliennes ( Las vísperas sicilianas , 1855), estrenada en París, basada en un libreto de una ópera que Donizetti dejó inconclusa a su muerte ( Le duc d'Albe ). Le siguió Simon Boccanegra (1857), también basada en una obra de García Gutiérrez, una ópera oscura que no fue del agrado del público. Un ballo in maschera (1859) se inspiró en el asesinato de Gustavo III de Suecia durante un baile de máscaras; que contenía un regicidio fue censurado en Nápoles, por lo que tuvo que estrenarlo en Roma. La forza del destino (1862), basada en textos de Ángel de Saavedra y Friedrich von Schiller, fue un encargo del Teatro Imperial de San Petersburgo, donde se estrenó. Don Carlo (1867) se basó en el drama de Schiller Don Carlos , sobre el trágico destino del hijo primogénito de Felipe II de España. Aida (1871), ambientada en el Antiguo Egipto, fue una de sus producciones más grandiosas. Fue encargado por el jedive de Egipto, Ismail Pasha, para inaugurar la Royal Opera House de El Cairo, construida para conmemorar la apertura del Canal de Suez; sin embargo, Verdi no llegó a tiempo y no se estrenó hasta dos años después. Sus dos últimas óperas se basaron en obras de Shakespeare: Otello (1887) y Falstaff (1893), ambas con libreto de Arrigo Boito. La primera fue la culminación de sus grandes óperas, mientras que Falstaff , basada en Las alegres comadres de Windsor , y Enrich IV : compuso como entretenimiento su segunda obra cómica después del fracaso de Un giorno di regno . Verdi trabajó con varios libretistas (Temistocle Solera, Salvatore Cammarano, Francesco Maria Piave, Eugène Scribe), con los que a menudo tuvo conflictos, ya que era muy exigente con los textos que musicalizaba. A veces escribía sus propias tramas, que luego pasaba a un libretista solo para versificar.

Después de Verdi, destacó la obra de dos compositores que ya presagiaban cierto cambio de estilo que se materializaría a finales de siglo con el verismo: Arrigo Boito y Amilcare Ponchielli. Boito fue compositor y libretista, autor de los libretos de las últimas óperas de Verdi. Su primera ópera fue Mefistofele (1868), basada en el Fausto de Goethe , que fracasó, por lo que abandonó temporalmente la composición y se dedicó a escribir. Sin embargo, tras algunas revisiones y gracias al apoyo de Verdi, en 1875 lo revivió, y esta vez fue un éxito. Dos años más tarde comenzó Nerone , en el que trabajó durante cuarenta años hasta su muerte. Completada por Vincezo Tommasini y Arturo Toscanini, se estrenó en 1924.Ponchielli compuso nueve óperas, aunque triunfó con una sola, La Gioconda (1876), basada en una obra de Víctor Hugo adaptada con libreto de Arrigo Boito. Su primera obra, I promessi sposi (1856), tuvo poco éxito. I Lituani (1874) fue bien recibida, pero no permaneció en el repertorio operístico. Probó el orientalismo con Il figliuol prodigo (1880) y el género cómico con Marion Delorme (1885).

Otros compositores italianos de la época fueron: Luigi Arditi ( I briganti , 1840; Gulnara , 1848; La spia , 1856), Giovanni Bottesini ( Cristoforo Colombo , 1848; Marion Delorme , 1864), Antonio Cagnoni ( Don Bucefalo , 1847; Papà Martin , 1871), Michele Carafa ( Jeanne d'Arc , 1821; Le nozze di Lammermoor , 1829), Carlo Coccia ( Maria Stuarda , 1833; Caterina di Guisa , 1833), Filippo Marchetti ( Ruy Blas , 1869), Francesco Morlacchi ( Il barbiere de siviglia, 1816; Tebaldo ed Isolina , 1820; La gioventù di Enrico V , 1823), Carlo Pedrotti ( Fiorina , 1851; Tutti in maschera , 1869), Errico Petrella ( Mario Visconti , 1854; Jone , 1858), Lauro Rossi ( I falsi monetari , 1846; Il dominò nero , 1849 ; La sirena , 1855; Lo zingaro rivale , 1867) y Nicola Vaccai ( Giulietta e Romeo , 1825).

países germánicos

En Alemania, la actividad musical se distribuyó entre los distintos estados en los que se dividía la nación, hasta la unificación del país en 1871, que supuso un mayor mecenazgo cultural de la casa reinante, los Hohenzollern, hasta entonces reyes de Prusia. Durante este siglo, la influencia italiana hasta entonces predominante fue abandonada gradualmente, especialmente gracias a la obra de Richard Wagner. En Austria, tras la disolución del Sacro Imperio Romano Germánico, se formó el Imperio Austro-Húngaro, también gobernado por los Habsburgo. En 1869 se inauguró la Wiener Staatsoper (Ópera Estatal de Viena), que rápidamente se convirtió en uno de los centros más activos de la ópera europea; y, en 1898, la Wiener Volksoper (Ópera del Pueblo de Viena), dedicada a la opereta y al ballet.

Carl Maria von Weber es considerado el creador de la ópera nacional alemana. Fue director de la Ópera de Dresde, desde donde impulsó varias reformas en la ópera, como la disposición de la orquesta y el coro, y un programa de ensayos que animaba a los intérpretes a estudiar el drama en lugar de la música. Escribió su primera ópera a los doce años, Der Macht der Liebe und des Weins ( El poder del amor y el vino , 1798), a la que siguió Das Waldmädchen ( La chica del bosque , 1800, que más tarde remodeló y retituló Silvana , 1810), Peter Schmoll und seine Nachbarn ( Peter Schmoll y sus vecinos , 1803) yAbu Hasan (1811). Su ópera principal es Der Freischütz ( El cazador furtivo , 1821), un tema basado en leyendas populares: toda la acción transcurre en un bosque, con elementos alusivos a la naturaleza, el misterio, la magia y el populismo, todos los ingredientes necesarios para una ópera romántica. Con esta ópera, Weber creó la ópera nacional alemana y, al mismo tiempo, la primera ópera plenamente romántica. Su siguiente ópera, Euryanthe (1823), no tuvo tanto éxito. Su última ópera, Oberon (1826), encargada en inglés por la Royal Opera de Londres, está basada en el Sueño de una noche de verano de Shakespeare.. Excepto en Alemania, sus óperas no se representan mucho en la actualidad, pero sus oberturas aún gozan de una buena fama como piezas sinfónicas.

Notable en el romanticismo alemán temprano fueron las obras de Johann Simon Mayr, Ludwig Spohr y Heinrich Marschner. Mayr estudió en Italia, donde Piccinni lo animó a componer ópera. Su primer éxito fue Saffo (1794), al que siguió Ginevra di Scozia (1801). Su obra maestra fue Medea en Corinto (1813), después de lo cual sus óperas se representaron por toda Europa y en Nueva York. Su obra influenció a Rossini. Spohr logró el éxito por primera vez con Fausto (1816), la primera adaptación operística de la obra de Goethe. Director musical de la Ópera de Frankfurt, estrenó allí Zemire und Azor (1819). Luego se traslada a Kassel, donde desarrolla el resto de su carrera: Jessonda (1823),Der Berggeist ( El espíritu de la montaña , 1825), Pietro Albano (1827), Der Alchymist ( El alquimista , 1830). Marschner tuvo la suerte de que Weber estrenara su primera ópera en Dresde: Heinrich IV und d'Aubigné (1818). Tras algunos fracasos, cosechó un gran éxito con Der Vampyr (1828), basada en El vampiro (1819) de John William Polidori, que denota la influencia de Der Freischütz de Weber . Su tercer éxito fue Hans Heiling (1833), basado en una leyenda bohemia.

El austriaco Franz Schubert fue uno de los compositores románticos más destacados, famoso por sus lieder . A los diecisiete años compuso la "ópera mágica" Des Teufels Lustschloß ( El palacio de placer del demonio , 1814). Le siguió la opereta Die Zwillingsbrüder ( Los hermanos gemelos , 1819). Recurrió al melodrama con Die Zauberharfe ( El arpa mágica , 1820), que fue un fracaso. Alfonso und Estrella (1822) y Fierrabras(1823) nunca fueron estrenadas en vida del compositor, a pesar de la belleza de sus melodías; en general, las tramas de Schubert tendían a fallarle, no a la altura de su música. Su mayor éxito fue Die Verschworenen ( Los conspiradores , 1823), basada en la Lisístrata de Aristófanes .

Otros compositores románticos famosos, como Felix Mendelssohn, Robert Schumann y Franz Liszt, incursionaron ocasionalmente en la ópera. Mendelssohn compuso óperas principalmente en su juventud, con singspiele como Die Soldatenliebschaft ( El amor del soldado , 1820), Die beiden Pädagogen ( Los dos educadores , 1821), Die wandernden Komödianten ( Los comediantes errantes, 1822), Der Onkel aus Boston, oder Die beiden Neffen ( El tío de Boston o los dos sobrinos, 1823) y Die Hochzeit des Camacho ( La boda de Camacho, 1825). también compusoDie Heimkehr aus der Fremde ( El regreso del extranjero , 1829), un liederspiel , un género menor de singspiel basado en canciones ( lieder ). Schumann, que se destacó principalmente como músico sinfónico, compuso una sola ópera, Genoveva (1850). Liszt, de origen húngaro, fue además de compositor, virtuoso pianista y director de orquesta. También produjo una sola ópera, Don Sanche (1825), en un acto. El novelista Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, también compositor, realizó varios singspiele , como Dirna (1809), Aurora (1813) y Undine (1816).

Las siguientes figuras del período fueron Albert Lortzing, Carl Otto Nicolai y Friedrich von Flotow. Lortzing fue compositor y director de orquesta, casi autodidacta. Su primera obra fue Ali Pascha von Janina (1824). En 1837 estrenó dos óperas cómicas: Die beiden Schützen ( Los dos escuderos ) y Zar und Zimmermann ( Zar y carpintero ). A partir de 1839 compuso una ópera al año, entre ellas Hans Sachs (1841), Der Wildschütz ( El cazador del bosque , 1842), Undine (1845) y Der Waffenschmied ( El maestro armero , 1846). Su obra seguía siendo en gran medida heredera de Mozart.Nicolai era organista en Roma, donde se aficionó a la ópera. Compaginó su actividad como compositor con la de director de orquesta, principalmente en la Viena Hofoper. Su primer éxito fue Enrico II (1839). En 1849 —año de su muerte— logró su obra maestra: Die lustigen Weiber von Windsor ( Las alegres comadres de Windsor ), basada en la comedia homónima de Shakespeare. Flotow estudió en París, por lo que sus obras seguían el estilo francés. Fue famoso por sus melodías pegadizas, como en Alessandro Stradella (1844), su primer éxito internacional. Instalado en Viena, estrenó Martha (1847), su obra maestra, que incluía la canción popular Die letzte rose ( La última rosa). Fue un compositor ecléctico, que reunió la gracia de la opéra-comique francesa , el lirismo italiano y la rica orquestación germánica.

En una segunda generación destacó la figura de Richard Wagner. Fue compositor, director de orquesta y crítico musical en la Gazette musicale . Dio a la ópera alturas de gran brillantez, con la pretensión de hacer una obra de arte total ( Gesamtkunstwerk ) que uniera música, poesía, drama, filosofía, escenografía y otras artes, teoría que plasmó en su ensayo Ópera y drama (1851). ). A Wagner no le gustaba el término ópera, prefiriendo el drama musical ( Musikdrama ). Abandonó el singspielpara orquesta sinfónica, siguiendo el modelo de la ópera grandilocuente de Giacomo Meyerbeer. Renovó la orquesta operística, a la que añadió la tuba wagneriana. En su tetralogía Nibelungen llegó a formar una orquesta de ciento quince instrumentos. Tal potencia orquestal presentaba serias dificultades para que la voz humana estuviera a la altura, por lo que sus intérpretes necesitaban un entrenamiento especial, lo que propició la aparición de dos nuevas figuras vocales: la soprano wagneriana y el tenor heroico o wagneriano ( heldentenor ).Crítico de la ópera italiana, a la que consideraba artificiosa y convencional, suprimió en sus obras el aria, así como el concepto de "números cerrados", de episodios aislados del resto, creando en su lugar obras de flujo continuo, un todo integrado en ejecución. de principio a fin con un único concepto musical; incluso los intermedios estaban conectados con el resto de la composición. Este sistema se llama "transcomposición" (en alemán: Durchkomposition ), y fue utilizado por numerosos compositores desde Wagner. Era tan meticuloso con sus actuaciones que era el primero en oscurecer la sala y centrar la atención del espectador en el escenario. Asimismo, prohibió los aplausos durante la actuación, que sólo se permitió al final. Otro de Wagner', pasaje donde asocia un determinado motivo musical con una idea recurrente (un personaje, un sentimiento, un objeto, una situación escénica). Desarrolló este concepto mientras componía las tres primeras partes de El anillo del Nibelungo y lo aplicó a partir de entonces a todas sus óperas. Wagner escribió sus propios libretos, por lo que controló todos los aspectos de la obra.

Tras un primer intento de una ópera inacabada ( Die Hochzeit [ La boda ], 1832) y otro que no estrenó ( Die Feen [ Las hadas ], 1833), su primer estreno, Das Liebesverbot ( La prohibición del amor , 1836) , fue un fracaso. Tras viajar por Noruega, Londres y París, compuso Rienzi (1842) y Der fliegende Holländer ( El holandés errante , 1843). Esta ópera iniciaba una serie de obras de temática germánica ambientadas generalmente en la Edad Media, con amores románticos protagonizados por una moraleja recurrente: la redención por el amor a través de la muerte. En 1843 fue nombrado maestro de capilla en Dresde.En 1845 estrenó Tannhäuser , sobre un trovador medieval. Le siguió Lohengrin (1850), sobre la búsqueda del Santo Grial, el primero en el que eliminó arias y recitativos, con continuas escenas melódicas. Tras participar en la Revolución Liberal de 1849, se vio obligado a exiliarse, por lo que se instaló en Zúrich (Suiza). Su siguiente ópera, Tristán e Isolda (1865), fue una obra difícil para el público, donde introdujo disonancias armónicas que confundían al espectador, con una melodía que se pierde en el infinito.

Su siguiente proyecto fue la tetralogía Der Ring des Nibelungen ( El anillo del Nibelungo ), que consta de Das Rheingold ( Rhin Gold , 1851–1854), Die Walküre ( The Valkyrie , 1851–1856), Siegfried ( Siegfried , 1851-1857 y 1864–1871) y Götterdämmerung ( El crepúsculo de los dioses , 1848-1852 y 1869–1874), que pudo desarrollar gracias al patrocinio de Luis II de Baviera. Basado en la épica medieval Canción de los Nibelungos, el planteamiento inicial de una sola ópera se amplió a cuatro debido a la amplitud de la trama. Wagner se alejó del cuento legendario y lo adaptó a su ideal anarquista, en el que el mito equivalía al cambio social, a la lucha universal entre las fuerzas reaccionarias y la evolución humanista. Para ello también se inspiró en las Eddas nórdicas , de las que tomó el verso aliterado stabreim . La tetralogía le llevó veintiséis años de trabajo, y su realización le trajo serias dificultades por la enormidad de las obras: no fue hasta 1876 que estrenó el ciclo completo en el Festspielhaus de Bayreuth, un nuevo teatro patrocinado por él para la reproducción de sus óperas.

Combinó este proyecto con Die Meistersinger von Nürnberg ( Los maestros cantores de Nuremberg , 1868), descrito como una comedia, pero no en el sentido corriente del término, sino como una evocación de la amarga comedia humana . Su última obra fue Parsifal (1882), sobre el carácter del ciclo artúrico, que destaca por una música diáfana que anticipa en cierta medida el impresionismo musical.

Notable among the latter figures was Peter Cornelius. He was an admirer of Wagner, but rejected his influence and was determined to find a path of his own. He focused on comic opera, intending to create a new German comic genre more serious and profound than the traditional singspiel. Inspired by the traditional Arabian tales of The Thousand and One Nights he composed and wrote Der Barbier von Bagdad (The Barber of Bagdad, 1858), which failed. He later made the historical drama Der Cid (The Cid, 1865).

It is also worth naming among the composers of romantic opera from the Germanic sphere: Franz Joseph Gläser (Des Adlers Horst [The Eagles' Nest], 1832), Karl Goldmark (Die Königin von Saba [The Queen of Sheba], 1875), Conradin Kreutzer (Das Nachtlager in Granada [The Inn at Granada], 1834) and Johann Peter Pixis (Der Zauberspruch [The Magic Tale], 1822; Bibiana, 1829; Die Sprache des Herzens [The Language of the Heart], 1836).

En la segunda mitad del siglo, especialmente en Austria, hubo un renacimiento de la opereta, que gozó de gran popularidad en la sociedad vienesa. Su representante más destacado fue Johann Strauss II, violinista, director de orquesta y compositor, miembro de una familia de músicos célebre sobre todo por su especialización en valses. Intentó el género serio con Ritter Pásmán (1892), pero fue más famoso por sus operetas: Indigo und die vierzig Räuber ( Indigo and the Forty Thieves , 1871), Die Fledermaus ( The Bat , 1874), Eine Nacht in Venedig ( A Noche en Venecia , 1883), Der Zigeunerbaron ( El barón gitano, 1885) y Wiener Blut ( Sangre vienesa , 1899). El austrohúngaro Franz Lehár fue director de orquesta en el Theatre an der Wien. Destacó en la opereta con un estilo ingenioso, enérgico e imaginativo: Wiener Frauen ( Mujeres vienesas , 1902), Der Rastelbinder (1902), Die lustige Witwe ( La viuda alegre , 1905). Franz von Suppé, de origen croata, fue un compositor y director de orquesta, autor de operetas algunas de las cuales se recuerdan especialmente por sus oberturas: Die Schöne Galathée ( La bella Galatea , 1865), Die Leichte Kavallerie ( Caballería ligera, 1866), Fatinitza (1876), Bocaccio (1879). Otros exponentes fueron: Carl Millöcker ( Der Bettelstudent [ El estudiante mendigo ], 1882) Robert Stolz ( Schön Lorchen [ El hermoso Lorchen ], 1903), Oscar Straus ( Der tapfere Soldat [ El soldado de chocolate ], 1908) y Carl Zeller ( Der Vogelhändler [ El vendedor de pájaros ], 1891).

Otros países

En España, la ópera estuvo directamente influenciada por Italia, hasta el punto de que la producción de autores locales fue en italiano. Destaca la obra de Ramón Carnicer, autor de óperas de influencia rossiniana, aunque con cierta reminiscencia mozartiana: Adele di Lusignano (1819), Elena e Costantino (1821), Don Giovanni Tenorio (1822), Elena e Malvina (1829), Cristoforo Colombo (1831), Eufemio di Messina (1832), Ismailia (1838). Asimismo, Marià Obiols fue discípula de Saverio Mercadante y escribió en italiano Odio ed amore(1837), que estrenó en La Scala de Milán. Posteriormente fue director del Conservatorio Superior del Liceu de Barcelona y compuso Laura Debellan y Edita di Belcourt (1874). Baltasar Saldoni fue el último compositor en utilizar libretos de Metastasio: Ipermestra (1848), Cleonice, regina di Siria (1840). También hay que mencionar a: Vicente Cuyás ( La Fattuchiera , 1838), Eduard Domínguez ( La dama del castello , 1845), Nicolau Manent ( Gualtiero di Monsonís , 1857) y Nicolau Guanyabens ( Arnaldo di Erill , 1859).

El inglés John Fane, fundador de la Royal Academy of Music de Londres, dejó obras en italiano: Fedra (1824), Il torneo (1829), L'assedio di Belgrado (1830).

En Rusia, donde durante el reinado de Catalina II había predominado el gusto por la ópera italiana, con Alejandro I era la ópera francesa la que estaba en boga. Aun así, el italiano Catterino Cavos, instalado en el país, fue nombrado director del Teatro Imperial de San Petersburgo y estrenó varias óperas, como Ilya Bogatyr (1807) e Ivan Susanin (1815). Los compositores rusos incluyen: Stepan Davydov ( Lesta , 1803), Alekséi Titov ( Yam, ili Pochtovaja stancija [ Yam, o la estación de correos ], 1805) y Alekséi Verstovski ( Askol'dova mogila [ La tumba de Askold ], 1835).

En Polonia, Józef Ksawery Elsner, maestro de Frédéric Chopin, fue autor de algunas óperas, entre ellas Andrómeda (1807), compuesta en honor a Napoleón Bonaparte. Karol Kurpiński fue director de la Ópera de Varsovia desde 1824 hasta 1840. Compuso más de veinte óperas, entre las que destaca Zamek na Czorsztynie ( El castillo de Czorsztyn , 1819).

El checo Vojtěch Jírovec (también llamado en alemán Adalbert Gyrowetz) desarrolló su obra entre Viena, Nápoles, París y Londres. Compuso en italiano Il finto Stanislao (1818) y, en alemán, Agnes Sorel (1806), Der Augenartz ( El oculista , 1811) y Hans Sachs im vorgerückten Alter ( Hans Sachs en una edad avanzada , 1834).

Cantantes Románticos

Entre los intérpretes líricos del romanticismo cabe recordar:

• Isabella Colbran, mezzosoprano española, esposa de Rossini, en muchas de cuyas óperas actuó, considerada una de las primeras "divas"
• Giovanni Davide, tenor italiano, para quien Rossini escribió algunos papeles
• Gilbert Duprez, tenor francés, primera figura de la Ópera de París durante doce años
• Cornélie Falcon, mezzosoprano francesa de corta pero brillante carrera
• Manuel del Pópulo Vicente García, tenor y compositor español, intérprete de las obras de Rossini, padre de María Malibrán, mezzosoprano
• Julián Gayarre, tenor español de amplia trayectoria internacional
• Giulia Grisi, soprano italiana de éxito internacional
• Jenny Lind, soprano y prima donna sueca , una de las más famosas del siglo
• Jean-Blaise Martin, barítono francés que por su registro de una octava más en falsete dio nombre al llamado barítono Martin
• Giuditta Pasta, soprano italiana considerada una de las mejores exponentes del bel canto
• Adelina Patti, soprano y diva italiana, considerada la mejor del último cuarto del siglo XIX
• Fanny Persiani, soprano italiana ideal en papeles de heroína
• Jean de Reszke, tenor polaco de atractivo físico perfectamente adaptado a papeles románticos
• Giovanni Battista Rubini, tenor italiano de voz dulce pero poderosa
• Ludwig Schnorr von Carolsfeld, tenor alemán, el primer holdentenor wagneriano
• Wilhelmine Schröder-Devrient , soprano alemana que se destacó por su sentimentalismo
• Henriette Sontag, soprano alemana de la que Rossini dijo que tenía la voz más pura
• Teresa Stolz, soprano checa que destacó especialmente en los papeles de Verdi
• Francesco Tamagno, tenor italiano famoso por su Do de pecho
• Enrico Tamberlick, tenor italiano de voz poderosa y tono vibrante
• Giovanni Battista Velluti, el último castrato de renombre

Nacionalismo

En la segunda mitad del siglo XIX, especialmente desde las revoluciones liberales de 1848, numerosas naciones que no habían sobresalido previamente en la música experimentaron un renacimiento musical, potenciado por los sentimientos nacionalistas asociados con el romanticismo y el liberalismo político. En general, la mayoría de estas composiciones estuvieron vinculadas al romanticismo musical, aunque muchas veces con un componente nacional basado en la tradición folklórica y popular de cada uno de estos países.La mayoría de las tramas eran históricas y nacionales —Rimsky-Korsakov dedicó trece de sus quince óperas a temas rusos— y se introdujeron lenguas vernáculas en los textos operísticos. Varias de estas naciones no gozaban entonces de autonomía política, por lo que la ópera —y la cultura en general— fueron factores identitarios de reivindicación nacional. Estos movimientos duraron en muchos casos hasta principios del siglo XX.

Rusia

La música rusa se destacó por los coloridos timbres, la preferencia por los instrumentos de metal, la tendencia al modo menor y un espíritu melancólico y expresivo, así como una fuerte influencia orientalista, especialmente árabe y china. También les gustaban los ballets y las danzas folclóricas. En el siglo XIX, la ópera rusa pasó por tres fases: durante el reinado absolutista de Nicolás I, la ópera estaba al servicio de la propaganda monárquica, como en la obra de Glinka; durante el reinado de Alejandro II, en el que se introdujeron ciertas reformas, la ópera presentó un componente más popular y tendió al realismo social, cuyo paradigma fue Boris Godunov de Músorgski; la tercera, con el retorno a la autocracia de Alejandro III, coincide con la obra de Tchaikovsky. Por otro lado, en Rusia surgió la opéra dialogué, un género de canto recitativo elevado en ocasiones a arioso, pero renunciando al aria, coros y conjuntos.

La sede de la Ópera Imperial estuvo en el Teatro Bolshoi Kamenny de San Petersburgo, inaugurado en 1783, hasta 1862 cuando se trasladó al Teatro Mariinsky. En 1825 se inauguró el Teatro Bolshoi de Moscú. En el ámbito empresarial, también cabe destacar las producciones puestas en escena por Sergey Diaghilev y el Teatro de las Artes fundado en 1898 por Vladimir Nemirovich-Danchenko y Konstantin Stanislavski, grandes innovadores en los campos de la actuación y la escenografía.

Mikhail Glinka es considerado el "padre de la música rusa". Su primer éxito fue Zhizn za tsaryá ( Una vida por el zar , 1836), la historia de un héroe popular ruso, Ivan Susanin. Presentó influencias francesas e italianas, pero introdujo melodías claramente rusas, basadas en el folclore popular, como en el uso de la balalaika. En 1842 estrenó Ruslán y Liudmila , sobre un poema de Aleksandr Pushkin, que inauguró el género de la llamada "ópera mágica" rusa.

Aleksandr Dargomizhski, amigo de Glinka, estaba igualmente comprometido con la creación de una ópera nacional basada en el folclore ruso. Su primera ópera, Esmeralda (1840), se basó en El jorobado de Notre Dame de Victor Hugo. Su obra maestra fue Rusalka (1856), con melodías líricas basadas en los patrones del idioma ruso. Dejó inconclusa su última ópera, Kámenni gost ( El huésped de piedra ), sobre una tragedia de Aleksandr Pushkin, que fue completada por Cui y Rimski-Kórsakov, y estrenada en 1872.

El siguiente impulso provino de un grupo de compositores conocidos como Los Cinco, interesados ​​en componer una música específicamente rusa. Estaba formado por Mili Balákirev, Aleksandr Borodín, César Cui, Modest Músorgski y Nikolái Rimski-Kórsakov, aunque el primero no incursionó en la ópera. Borodin era químico y practicaba la música como hobby. Completó solo una ópera, Bogatyri (1867), y dejó inconclusa la que sería su obra maestra, Kniaz Igor ( El príncipe Igor , 1869-1870, terminada entre 1874 y 1887 y estrenada en 1890). César Cui era ingeniero de profesión. Fue autor de varias óperas, como Kavkazski plénnik ( El prisionero del Cáucaso , 1883) y Kot v sapogaj( El gato con botas , 1915), no representada en el repertorio operístico actual. Modest Músorgski, de origen aristocrático, inició una carrera militar, que abandonó para dedicarse a la música. Entre 1868 y 1869 compuso su obra maestra, Boris Godunov , basada en un texto de Aleksandr Pushkin, en la que introdujo su característico estilo declamatorio basado en el lenguaje coloquial ruso. Entre 1872 y 1880 compuso Jovánschina ( El caso Jovanski ), que fue completada por Rimsky-Kórsakov. Ambas son óperas de difícil interpretación, por lo que a menudo se ofrecen solo en su versión orquestal. Su última ópera fue Soróchinskaya yármarka ( La Feria de Sorochinets, 1876-1881), de género cómico, que también dejó inacabado. Rimsky-Korsakov fue un oficial naval y compositor aficionado. Fue alumno de Balakirev, y se destacó por su dominio de la orquesta y sus evocadoras armonías, a pesar de lo cual no triunfó mucho en Occidente. Tras óperas como Snegúrochka ( La doncella de nieve , 1882), Mlada (1892), Noch péred Rózhdestvom ( Noche de Navidad , 1895), Mozart y Salieri (1898), Sadkó (1898), Tsárskaya nevesta ( La novia del zar , 1899), Tsare Saltane ( Zar Saltan , 1900) ySkazániye o nevídimom grade Kítezhe ( La ciudad invisible de Kítezh , 1907), su mayor éxito fue Zolotoi Petushok ( El gallo de oro , 1909), basada en una obra de teatro de Pushkin, estrenada tras su muerte.

Otro destacado exponente fue Pyotr Tchaikovsky, un personaje atormentado por su homosexualidad y con tendencia a la depresión, pero de gran sensibilidad como compositor. Su primera ópera fue Voivode (1868), de la que no quedó satisfecho. Con Opríchnik ( La guardia , 1874) y Kuznets Vakula ( Vakula el herrero , 1876) inicia su personal estilo dramático, caracterizado por la música lírica, las danzas y las melodías populares, con cierto gusto orientalista. Con estos parámetros compuso Evgeni Onegin (1879), su obra maestra. Le siguieron Orleanskaya deva ( La doncella de Orleans , 1881), Mazepa (1884),Charodeyka ( La hechicera , 1887), Píkovaya dama ( La dama de picas , 1890) e Iolanta (1891). Tchaikovsky fue el más europeísta de los compositores rusos de la época, así como el más romántico; a menudo se le llama el último romántico .

Otros exponentes fueron: Aleksandr Aliabiev ( Burya , 1835; Rusalka , 1843), Anton Arensky ( Son na Volge , 1891; Raphael , 1894), Mikhail Ippolytov-Ivanov ( Rut , 1887), Anton Rubinstein ( El demonio , 1875) y Aleksandr Serov ( Judith , 1863; Rogneda , 1865).

En Ucrania, perteneciente a Rusia hasta 1991, Mykola Lysenko fue el principal compositor en lengua ucraniana: Natalka Poltavka (1889), Taras Bulba (1890). Su obra fue admirada por Tchaikovsky y Rimsky-Korsakov, pero no fue ampliamente difundida porque se negó a traducirla al ruso.

Checoslovaquia

En el siglo XIX, Bohemia (actual República Checa) y Eslovaquia formaban parte del Imperio austrohúngaro. Las revoluciones liberales de este período —especialmente la de 1848— despertaron en estas regiones el anhelo de independencia, que fue sofocado. No fue hasta el final de la Primera Guerra Mundial que se formó el estado de Checoslovaquia, ahora dividido entre la República Checa y Eslovaquia. La ópera checa parte del singspiel alemán , con un componente popular y folclórico. Su primer exponente fue František Škroup, autor de la primera ópera en checo: Dráteník ( El calderero , 1829).

El padre del nacionalismo checo fue Bedřich Smetana. Director del Teatro Nacional de Praga, mostró grandes dotes para la orquestación y la dramatización, y adaptó las cadencias del idioma checo a la música. Por ello se le considera el primer compositor nacional checo, circunstancia algo diluida, sin embargo, por su fuerte influencia wagneriana. Su primera ópera fue Braniboři v Čechách ( Los habitantes de Brandeburgo en Bohemia , 1866). Su principal éxito fue Prodaná nevěsta ( La novia vendida , 1866), de género cómico. Le siguieron Dálibor (1868), Tajemství ( El secreto , 1878), Libuše (1881) y Čertova stěna (El Muro del Diablo , 1882).

Antonín Dvořák fue un destacado sinfonista, autor de diez óperas que continuaron el camino iniciado por Smetana. Comenzó con obras cómicas, como Šelma Sedlák ( El campesino astuto , 1877). Su obra maestra fue Rusalka (1901), con libreto del también compositor Jaroslav Kvapil, una lírica historia de amor alejada de los explosivos dramas realistas que triunfaron en la época.

Zdeněk Fibich combinó la música tradicional checa con la influencia de Wagner, Weber y Schumann. Puso música a obras de Schiller, Byron y Shakespeare, así como de la mitología griega ( Hippodamia , 1889) y checa ( Šárka , 1897).

Leoš Janáček puede considerarse un representante tardío del nacionalismo checo, aunque su obra ya entra en la modernidad y, por la calidad de sus obras, puede considerarse un compositor universal. Originario de Moravia, incorporó en sus obras las melodías populares propias de esa región, con preferencia por las tramas sencillas sobre la gente común. Su primer éxito fue Jenůfa (1904), una historia de ambiente rural. Después de algunos años de obras teatrales sin éxito, sus mayores éxitos llegaron en la década de 1920: Káťa Kabanová (1921), Příhody lišky bystroušky ( El zorro astuto , 1924) y Věc Makropulos ( El caso Makropoulos)., 1926), inspirado en su amor obsesivo por la joven Kamila Stösslová. Murió mientras trabajaba en su última obra, Z mrtvého domu ( De la casa de los muertos, 1928).

Otros compositores fueron: Karel Bendl ( Černohorci [ Los montenegrinos ], 1881; Karel Škréta , 1883), Eduard Nápravník ( Nizhegorodski , 1868; Harold , 1886; Dubrovski , 1895; Francesca da Rimini , 1902), Vítězslav Novák , 1916 Karlstejn ; Lucerne [ La linterna ], 1923) y Otakar Ostrčil ( Vlasty Skon [ La muerte de Vlasta ], 1904; Honzovo království [ El reino de Johnny ], 1934).

Hungría

Hungría formó parte del Imperio Austro-Húngaro durante el siglo XIX y no logró la independencia hasta después de la Primera Guerra Mundial. Sus vínculos políticos lo acercaron al ambiente operístico de Viena, la capital del imperio. En 1884 se inauguró la Operaház (Ópera Nacional) de Budapest. La primera ópera húngara que se conserva es Béla Király Futása ( La huida del rey Béla , 1822), de József Ruzitska. Otros pioneros fueron András Bartay ( Csel [ El truco ], 1839) y Franz Doppler ( Benyovszky , 1847).

Ferenc Erkel es considerado el padre de la ópera nacional húngara. Fue director de orquesta y pianista además de compositor y, en 1853, fundó la Orquesta Filarmónica de Budapest. Su primera ópera fue Bátori Mária (1840), seguida de Hunyadi László (1844). En estas obras incorporó danzas folclóricas (csárdás, verbunkos) y adaptó los recitativos a las inflexiones de la lengua húngara. Su mayor éxito fue Bánk bán (1861), donde incorporó el címbalo, la cítara húngara. De sus obras posteriores destaca Brankovics György (1874).

Wagnerism influenced the work of Ödön Mihalovich, founder of the Budapest Wagner Society and author of Toldi szereime (Toldi's Love, 1893), clearly reminiscent of Wagner.

Later, Béla Bartók combined his own style with traditional Hungarian folk melodies, to which he adapted the asymmetrical patterns of his country's language. He composed a single opera, A kékszakállú herceg vara (The Castle of Barbazul, 1918), based on a play by Maurice Maeterlinck, one-act with prologue.

Zoltán Kodály triumphed in 1926 with Háry János (1926), which was followed by Székely fond (The Spinners, 1932) and the singspiel Czinka Panna (1948). Other members of the Hungarian national school were: Emil Ábrányi (Monna Vanna, 1907; Paolo és Francesca, 1911; Don Quixote, 1917), Imre Kálmán (Die Csárdásfürstin [The Gypsy Princess], 1915; Gräfin Maritza, 1924; Die Zirkusprinzessin [The Circus Princess], 1926) and Mihály Mosonyi (Szép Ilonka [The Beautiful Elena], 1861).

Poland

Poland belonged at this time to Russia. The pioneer of modern Polish opera was Stanisław Moniuszko. He composed several operettas until he moved to the big genre with Halka (1847), his greatest success. In this, as in almost all his works, he showed the relations between the Polish nobility and the townspeople as victims of their cruelty. In his works he introduced Polish folk dances, such as the mazurka or the polonaise. After him, for a time the Wagnerian influence was felt, as in the work of Władysław Żeleński (Konrad Wallenrod, 1885) and Ludomir Różycki (Meduza, 1912).

After Poland's independence, which occurred after World War I, Karol Szymanowski was the main architect of a Polish national music. He lived in Zakopane, in the Tatra Mountains, where he studied the syncopated rhythms played there. His first work was Hagith (1913), which denoted German, French and Russian influences. His masterpiece was Król Roger (King Roger, 1924), an evocative, richly nuanced and colorfully orchestrated work, somewhat influenced by Maurice Ravel's Daphnis et Chloé. Other composers were: Ignacy Jan Paderewski (Manru, 1901), Henryk Opieński (Maria, 1905) and Witold Maliszewski (Syrena, 1927).

Scandinavia

En Dinamarca había algunas óperas en danés desde finales del siglo XVIII, pero fue con la llegada del romanticismo cuando germinó la ópera danesa, con compositores como Christoph Ernst Friedrich Weyse ( Festen på Kenilworth [ Castillo de Kenilworth ], 1836), Johan Peter Emilius Hartmann ( Ravnen [ El cuervo ], 1832; Korsarerne [ Los corsarios ], 1835), Niels Gade ( Mariotta , 1850), Peter Heise ( Drot og Marsk [ Rey y mariscal ], 1878), August Enna ( Keksen [ El Bruja ], 1892), Carl Nielsen ( Saul og David , 1902;Maskarade , 1906) y Paul von Klenau ( Gudrun auf Island [ Gudrun en Islandia ], 1924).

En Suecia, tras la presencia de compositores alemanes en los inicios de la ópera sueca a finales del siglo XVIII, el siglo XIX vio surgir los primeros autores nacionales, como Kurt Atterberg, autor de Härvard Harpolekare ( Härvard the Harpist , 1919), Bäckahästen (1925), Fanal (1934), Aladdin (1941) y Stormen (1948); Franz Adolf Berwald ( Ein ländliches Verlobungsfest in Schweden , [ Una boda campestre en Suecia ], 1847); e Ivar Hallström ( Den bergtagna [ La novia del rey de la montaña ], 1874).

Noruega perteneció a Dinamarca hasta 1814, ya Suecia hasta 1905. La primera ópera noruega fue Fjeldeventyret ( Una aventura en el campo , 1824), de Waldemar Thrane. Por su parte, Martin Andreas Udbye fue autor de la ópera Fredkulla (1858) y de algunas zarzuelas. Otros exponentes fueron: Ole Olsen ( Stig Hvide , 1876; Lajla , 1893; Stallo , 1902), Catharinus Elling ( Kosakkerne [ Los cosacos ], 1897), Johannes Haarklou ( Marisagnet [ La leyenda de María ], 1910) y Christian Sinding ( Der heilige Berg [ La montaña sagrada ], 1914).

Finlandia estuvo ligada a Suecia hasta 1808, cuando fue anexada por Rusia, hasta que se independizó después de la Primera Guerra Mundial. Las primeras obras autóctonas fueron escritas por Finlandia. Las primeras obras nativas fueron escritas en sueco: Kung Carls jakt ( La caza del rey Carlos , 1880), de Fredrik Pacius; Jungfrun i tornet ( La chica de la torre , 1896), de Jean Sibelius. Las primeras obras en finlandés aparecieron después de la independencia, con compositores como Oskar Merikanto ( Pojhan neiti [ La chica de Botnia ], 1908) y su hijo Aarre Merikanto ( Juha , 1922), así como Leevi Madetoja ( Pohjalaisa [ Los botnianos del Oriente ], 1924).

Bélgica y Holanda

Holanda entró en contacto con la ópera gracias a compañías itinerantes francesas o italianas. El primer autor de ópera holandés fue Johannes Bernardus van Bree, autor de Sapho (1834) y Le Bandit (1840). En general, la ópera ha sido de poco interés para los compositores holandeses. Destaca la ópera Halewijn de Willem Pijper (1933).

Bélgica se independizó de los Países Bajos en 1830. Precisamente, fue la ópera La muette de Portici de Daniel Auber, basada en el levantamiento napolitano contra los españoles de 1647, la que impulsó a la población a levantarse y proclamar la independencia. Los primeros compositores belgas incluyen a Albert Grisar ( Le Mariage imposible , 1833; L'Eau merveilleuse , 1839), François-Auguste Gevaert ( Quentin Durward , 1858) y César Franck ( Hulda , 1894). Paul Gilson escribió en flamenco: Prinses Zonneschijn (1903). Jan Blockx reflejó el folclore de su país en sus obras de teatro: Herbergprinses ( La princesa de la posada , 1896), De Bruid der zeen( La novia del mar , 1901), De kapel ( La capilla , 1903).

Países de habla inglesa

En Reino Unido no podemos hablar de una ópera de reivindicación nacionalista en el sentido político que tuvo en otros países, pero hubo intentos de crear una ópera inglesa ajena a influencias italianas, francesas o alemanas. En el campo de la ópera seria esta iniciativa no despegó, a pesar de los intentos de autores como Henry Rowley Bishop, George Alexander Macfarren o el irlandés Michael Balfe. Bishop fue director de Covent Garden, autor de la ópera Aladino (1826). Macfarren fue director de la Royal Academy of Music; compuso, entre otras, La aventura de don Quijote (1846) y El rey Carlos II (1849). Balfe, compositor, cantante y violinista, fue primer barítono en Palermo, donde estrenó su primera ópera,Rivali di se stessi (1830). En 1835 regresó a Inglaterra y se unió al esfuerzo por crear una ópera nacional inglesa. Compuso veintinueve óperas, entre ellas El asedio de La Rochelle (1835), La doncella de Artois (1836) y La muchacha de Bohemia (1843).

Otros dos compositores irlandeses desarrollaron su trabajo en Londres, como Balfe: William Vincent Wallace y Charles Villiers Stanford. El primero viajó por varios países hasta que se instaló en Londres, donde logró un temprano éxito con la ópera de estilo italiano Maritana (1845). Después de varias obras de menor éxito, produjo The Amber Witch (1861), Love's Triumph (1862) y The Desert Flower (1864). Stanford estudió en Londres y Alemania. Fue autor de varias óperas en inglés: Shamus O'Brien (1896), Mucho ruido y pocas nueces (1908), The Travelling Companion (1925).También cabe mencionar entre los compositores británicos: Granville Bantock ( Caedmar , 1893; The Seal Woman , 1924), John Barnett ( The Mountain Sylph , 1834; Fair Rosamond , 1837), Julius Benedict ( The Lily of Killarney , 1862), Isidore de Lara ( Messaline , 1899; Naïl , 1912) y Ethel Smyth ( El contramaestre , 1916).

En el campo de la ópera cómica, sin embargo, hubo más fortuna, en consonancia con el éxito de larga data de la ópera balada , que se renovó con un nuevo tipo de opereta producida por el tándem Arthur Sullivan (compositor)—WS Gilbert (dramaturgo). , que inauguró un género llamado ópera de Saboya, en honor al teatro donde se representaban. Su colaboración comenzó con Thespis (1871) y tuvo un primer éxito con Trial by Jury (1875). Sus mejores obras fueron El mikado (1885) y Los gondoleros (1889), que ya reflejaban sus desencuentros, hasta que poco después se separaron. Sullivan probó suerte en la ópera seria con Ivanhoe (1891), en la obra de teatro de Walter Scott.

En Irlanda, durante el siglo XIX, triunfó la ópera en su mayoría italiana, así como algunas en inglés. Compositores como Michael Balfe, Vincent Wallace y Charles Stanford se establecieron en Londres y escribieron en inglés. No fue hasta el siglo XX que se compusieron óperas en irlandés, la primera de las cuales fue de Robert O'Dwyer ( Eithne , 1910). Más tarde se destacó Geoffrey Molyneux Palmer ( Sruth na Maoile [ El mar de Moyle ], 1923).

En Estados Unidos la afición por la ópera europea creció a lo largo del siglo XIX. En 1883 se inauguró en Nueva York el Metropolitan Opera House, el teatro más prestigioso del país, que en 1966 se trasladó a un nuevo edificio en el Lincoln Center. En el siglo XIX predominó la ópera italiana, a pesar de los intentos de óperas en inglés como las de George Frederick Bristow ( Rip van Winkle , 1855) y Silas Gamaliel Pratt ( Zenobia, reina de Palmyra , 1882). En el siglo XX se fueron introduciendo paulatinamente influencias de la música popular, especialmente del jazz. Frederick Converse fue el autor de The Pipe of Desire (1906), la primera ópera estadounidense estrenada en el Metropolitan. Scott Joplin, un músico de color exponente deritmos de ragtime , fue el autor de la ópera Treemonisha (1911). Al año siguiente, Horatio Parker estrenó Mona , que transcurrió sin mucha trascendencia.

Virgil Thomson fue el autor de la que se considera la primera gran ópera estadounidense, Four Saints in Three Acts (1928), con libreto de Gertrude Stein. Los dos colaboraron nuevamente en The Mother of Us All (1947), basada en la vida de la feminista Susan B. Anthony. Su tercera y última ópera fue Lord Byron (1972). Henry Kimball Hadley estudió en Boston y Viena, y fue director de orquesta de la Sinfónica de Seattle. Entre sus óperas se encuentran Safie (1909), Azora (1917) y La noche de Cleopatra (1919). En 1933 estrenó en la radio Una noche en el viejo París .

George Gershwin combinó la música clásica con elementos de la música popular estadounidense, especialmente el jazz y el blues. En 1922 estrenó la ópera-jazz Blue Monday , que no tuvo mucho éxito. Su siguiente proyecto fue Porgy and Bess (1935), una ópera popular que incorporaba ritmos de jazz y blues, con libreto de su hermano, Ira Gershwin, y DuBose Heyward. No fue muy bien recibida inicialmente, aunque con el tiempo fue creciendo en prestigio hasta ser considerada una de las mejores óperas americanas.

países bálticos

Las actuales repúblicas bálticas tuvieron un período de independencia entre 1918 y 1940, para luego ser absorbidas por la Unión Soviética, hasta que volvieron a independizarse en 1991. En Estonia, la primera ópera en lengua local fue Sabina (1906), de Artur Lemba . Notable en el período de entreguerras fue Evald Aav, autor de Vikerlased ( Los vikingos , 1928).

Letonia se encontraba en el ámbito cultural germánico, por lo que esta influencia predominó en el origen de su tradición operística. En 1919 se inauguró en Riga la Ópera Nacional de Letonia (Latvijas Nacionālā Opera), donde se estrenó en 1920 la ópera letona Banjuta de Alfrēds Kalniņš. Su hijo Jānis Kalniņš fue el autor de Hamlet (1936). Otros exponentes de la ópera letona fueron los hermanos Jānis Mediņš ( Uguns un nakts [ Fuego y noche ], 1921) y Jāzeps Mediņš ( Vaidelote [ La vestal ], 1927).

Lituania, más cercana a Polonia, recibió como Polonia la influencia inicial de la ópera italiana. En 1922 se fundó el Teatro Nacional Lituano (Lietuvos Tautas Teatras) en Vilnius. La primera ópera lituana fue Biruta (1906), de Mikas Petrauskas. Los puntos destacados posteriores incluyeron Antanas Račiūnas ( Trys talismanai [ Tres talismanes ], 1936) y Jurgis Karnavičius ( Gražina , 1932).

países balcánicos

Bulgaria se independizó del Imperio Otomano en 1885. En 1908 se fundó el Naroden Teatar (Teatro Nacional) en Sofía. La primera ópera en búlgaro fue Shiromakhinya ( La mujer pobre , 1910), de Emanuil Manolov. El principal arquitecto de la ópera nacional búlgara fue Georgi Atanasov, alumno de Pietro Mascagni en Italia. Fue autor de Borislav (1911), Gergana (1917), Zapustyalata vodenitsa ( El molino abandonado , 1923) y Tsveta ( La flor , 1923). Otros exponentes fueron Ivan Ivanov, autor de Kamen i Tsena ( La pirámide de piedra , 1911); Dimitar Hadjigeorgiev (Tajin Begovitsa , 1911); y Pancho Vladigerov ( Zar Kalojan , 1936).

Rumania se independizó del Imperio Otomano en 1878, después de lo cual se unió a la vida cultural europea. La cercanía del rumano, lengua de origen latino, al italiano favoreció la difusión de la ópera italiana. Entre los pioneros estuvo Ciprian Porumbescu, autor de la opereta Crai nou ( Luna nueva , 1880). Posteriormente Nicolae Bretan ( Luceafărul , 1921) y, principalmente, George Enescu, se formaron en Francia, donde fue alumno de Gabriel Fauré y Jules Massenet. En 1917 compuso su ópera Œdipe ( Edipo), cuyo manuscrito perdió durante un viaje, por lo que tuvo que reescribirlo y finalmente lo estrenó en la Ópera de París en 1936. Fue una obra grandilocuente, que requirió tres grupos de timbales y maquinaria para simular el viento.

Croacia fue una parte integral del Imperio austrohúngaro, hasta que se formó el Reino de los serbios, croatas y eslovenos (desde 1929, Yugoslavia) en 1918. Se independizó en 1991. En 1895, se inauguró el Teatro Nacional de Zagreb. El primer compositor en escribir en su idioma fue Vatroslav Lisinski: Ljubav i zloba ( Amor y malicia , 1846). Posteriormente, Krešimir Baranović fue autor de óperas cómicas, como Nevjesta od Cetingrada ( La novia de Cetingrada , 1942). Otros autores fueron: Blagoje Bersa ( Der Eisenhammer [ El martillo de hierro ], 1911; Der Schuster von Delft [ El zapatero de Delft], 1914), Jakov Gotovac ( Ero s onoga svijeta [ Ero del otro mundo ], 1935) e Ivan Zajc ( Nikola Šubić Zrinjski , 1876).

Eslovenia tuvo el mismo desarrollo histórico que Croacia. En 1892, se fundó la Ópera de Ljubljana. La primera ópera en esloveno se debe a Jakob Frančišek Zupan ( Belin , 1782), hoy perdida. A lo largo del siglo XIX, algunos compositores eslovenos se dedicaron ocasionalmente a la ópera, con malos resultados. En la transición al siglo XX destaca Risto Savin ( Lepa Vida [ La vida hermosa ], 1907).

En Serbia, bajo el dominio otomano, la ópera no se introdujo hasta el último cuarto del siglo XIX. Se independizó en 1882, para pasar a formar parte tras la Primera Guerra Mundial del Reino de los Serbios, Croatas y Eslovenos, más tarde Yugoslavia. En 1894 se fundó el Teatro Nacional (Pozorište Narodno) de Belgrado. El pionero de la ópera serbia fue Petar Konjović ( Koštana , 1931).

Grecia se independizó del Imperio Otomano en 1830. Pronto se establecieron varias compañías italianas y comenzó el gusto por la ópera. En 1888 se fundó en Atenas la Ópera Griega, desde 1939 la Ópera Real y, en la actualidad, la Ópera Nacional. Uno de los primeros pioneros del género fue Spyridon Xyndas, que compuso algunas óperas en italiano y una en griego ( O ypopfisios vouleftis [ El candidato parlamentario ], 1867). Los puntos destacados posteriores incluyeron a Manolis Kalomiris ( O Protomastoras [ El maestro constructor ], 1916), Dionysios Lavrangas ( Ta dyo adelfia , [ Los dos hermanos ], 1900; Dido , 1909) y Theophrastos Sakellaridis ( O Vaftistikos [El ahijado ], 1918).

Turquía y países del Cáucaso

En el Imperio Otomano (actual Turquía) hubo presencia de empresas italianas desde finales del siglo XVIII. La primera ópera turca se estrenó en la Volksoper de Viena en 1918: Kenan çobanları , de Vedî Sabra. Con el proceso de europeización iniciado por Kemal Atatürk en la década de 1920, la ópera se generalizó en el país: en 1929 se estrenó Köyde bir facia , de Cemal Reşit Rey; En 1934, Ahmet Adnan Saygun recibió el encargo oficial de una ópera para la visita del sha de Persia, para la que compuso Özsoy .

In Armenia, whose territory was divided between Turkey and Russia, opera enjoyed great popularity. The first Armenian opera was due to Tigran Chukhachean (Arshak Erkrod, 1868). Subsequently, Armen Tigranian (Anusha, 1912) and Alexander Spendiaryan (Almast, 1928) stood out.

In Georgia, Italian opera was introduced in the mid-19th century. The first Georgian composer of some renown was Meliton Balanchivadze, author of Daredžan Tsviery (Daredžan the Sly, 1898). Later, Zakharia Paliashvili (Abesalom da Eteri, 1919) and Iona Tuskiya, author of Rodina (Homeland, 1939) stood out.

In Azerbaijan there was a traditional genre of sung music, the mugam. Opera was introduced in the late 19th century: the first Azerbaijani opera Leyli and Medzhnun (1908), by Uzeyir Hajibeyov, is considered to be the first Azerbaijani opera. In 1910 the Tagiyev's Theater (now Azerbaijan State Academic Opera and Ballet Theater) in Baku opened, which promoted local opera, led by Müslüm Maqomayev (Shah Ismail, 1919).

Portugal

In Portugal, Italian opera predominated during the 19th century, with few local productions. In 1793, the Teatro São Carlos in Lisbon was inaugurated. The first prominent composer was José Augusto Ferreira Veiga (L'elisir di giovinezza, 1876; Dina la derelitta, 1885). In a tardo romanticismo he emphasized Alfredo Keil (Dona Branca, 1883; Irene, 1893; Serrana, 1899).

Spain

In Spain it is not possible to speak of nationalism as such: a Spanish nationality was not claimed against a foreign dominator, no patriotic identities or lost cultural essences were asserted, no formulas from the past were sought, neither popular legends nor traditional folklore were resorted to. On the other hand, the different regional modalities of popular music were used (Andalusian, Asturian, Aragonese, Catalan, Basque, Galician), together with a certain orientalist influence fashionable in Europe and considered here as more genuine because of the Andalusian past of the Iberian Peninsula. During practically the first half of the century the influence of Italian opera, especially Rossinian opera, continued. Some composers followed that line, such as Baltasar Saldoni and Hilarión Eslava. In 1832 the Teatro Principal in Valencia was inaugurated, in 1847 the Gran Teatro del Liceo in Barcelona and, in 1850, the Teatro Real in Madrid.

The pioneer of opera in Spain was Felipe Pedrell, one of the fathers—with Francisco Asenjo Barbieri—of modern Spanish musicology. In his first works, some of them in Italian, he showed the influence of Italian opera, as in L'ultimo abenzerraggio (El último abencerraje, 1874), Quasimodo (1875) and Cleopatra (1878). Later he denoted Wagnerian influence: I Pirinei (The Pyrenees, 1902), La Celestina (1904).

Other pioneers were Ruperto Chapí and Tomás Bretón. Chapí studied in Paris thanks to a scholarship obtained after composing the short opera Las naves de Cortés (1874). In 1876 he premiered La hija de Jefté at the Teatro Real. From then on he devoted himself mainly to zarzuela, but still composed several operas, such as Roger de Flor (1878), Circe (1902) and Margarita la tornera (1909). Bretón studied in Italy and Vienna. He began with the short opera Guzmán el Bueno (1878), which was followed by Los amantes de Teruel (1889), Garín (1892), La Dolores (1895) and Raquel (1900). In some of his works he introduced Spanish folk music, such as a sardana in Garín and a jota in La Dolores.

Among the great composers of the period are Isaac Albéniz, Enrique Granados and Manuel de Falla. Albéniz began in zarzuela, until he signed a contract with an English banker to write operas, the fruit of which were The Magic Opal (1893), Henry Clifford (1895), Pepita Jiménez (1896) and Merlin (1897-1902), the latter on a cycle based on King Arthur of which he only made this first title. Granados achieved fame with his piano pieces. In 1898 he premiered his opera María del Carmen, close to zarzuela. Later, he adapted several compositions for piano in his opera Goyescas (1916), which he premiered at the Metropolitan in New York. Falla, one of the best modern Spanish composers, combined musical nationalism —with some influence of the Norwegian Edvard Grieg— with impressionism, which he met during a stay in France. Although he was not very prolific in opera, he left two notable works: La vida breve (1913) and El retablo de Maese Pedro (1923). He began an adaptation of La Atlántida by Jacinto Verdaguer, which was completed by Ernesto Halffter and premiered in 1962 as Atlántida.

Other exponents were: Enric Morera, who began in opera with La fada (1897), in Wagnerian style. In 1906 he premiered two works at the Liceo de Barcelona, Bruniselda and Emporium, followed by Titaina (1912) and Tassarba (1916). Amadeo Vives was a pupil of Pedrell and, together with Lluís Millet, founder of the Orfeó Català. In 1897 he premiered his first opera, Artús, followed by Euda d'Uriac (1900), Colomba (1910), Maruxa (1914) and Balada de Carnaval (1919). Jesús Guridi was a professor of organ at the Madrid Conservatory. He composed two operas: Mirentxu (1910, in Basque) and Amaya (1920). Jaume Pahissa, a pupil of Enric Morera, wrote several operas in Catalan, such as Gal-la Placídia (1913), La morisca (1919), Marianela (1923) and La princesa Margarida (1928). Joaquín Turina met Falla and Albéniz in Paris, through whose influence he turned to Spanish national music, with a certain impressionist influence. His most relevant opera is Jardín de Oriente (1923).

Also worth mentioning are: Conrado del Campo (Fantochines, 1923; Lola, la piconera, 1950), Óscar Esplá (La bella durmiente, 1909), Joan Lamote de Grignon (Hesperia, 1907), Juan Manén (Giovanna di Napoli, 1903; Acté, 1904), Manuel Penella Moreno (El gato montés, 1917; Don Gil de Alcalá, 1932), Emilio Serrano (Doña Juana la Loca, 1890; Irene de Otranto, 1891) and Eduard Toldrà (El giravolt de maig, 1928).

En este siglo vuelve a resurgir la zarzuela, recuperada por el nuevo gusto romántico y el renacimiento nacionalista. En 1856, un grupo de compositores formado por Francisco Asenjo Barbieri, Joaquín Gaztambide, José Inzenga, Rafael Hernando y Cristóbal Oudrid crearon la Sociedad Artística para promover el género e impulsaron la creación del Teatro de la Zarzuela de Madrid (1856). Se diferenciaba entonces en "género grande" y "género chico", el primero dividido en tres actos y el segundo compuesto por uno solo. Incluyó partes cantadas y habladas, así como bailes populares, con un tema generalmente costumbrista —especialmente casticista— y tendencia cómica. Se desarrolló especialmente en el tercer cuarto de siglo, la era del "género grande",. Entre sus exponentes se encuentran: Cristóbal Oudrid ( Buenas noches, señor don Simón , 1852; El postillón de La Rioja , 1856), Emilio Arrieta ( El grumete , 1853; Marina , 1855; La suegra del Diablo , 1867; Las fuentes del Prado , 1870), Joaquín Gaztambide ( Catalina , 1854; Los magiares , 1857; El juramento , 1858), Francisco Asenjo Barbieri ( Los diamantes de la corona , 1854; Pan y toros , 1864; El barberillo de Lavapiés , 1874; El diablo cojuelo , 1878)y Ruperto Chapí ( La tempestad , 1883; La bruja , 1887; El rey que rabió , 1891).

Hacia finales de siglo estaba más de moda el "género chico", obras de teatro en un acto, con más recitativo, con cierta influencia de la opereta vienesa. Destacan: Tomás Bretón ( La verbena de la Paloma , 1884), Federico Chueca ( La Gran Vía , 1886; El año pasado por agua , 1889; Agua, azucarillos y aguardiente , 1897), Ruperto Chapí ( La Revoltosa , 1897; El puñao de rosas , 1902), Manuel Fernández Caballero ( El dúo de La africana , 1893; Gigantes y cabezudos , 1898), Gerónimo Giménez ( El baile de Luis Alonso , 1896;La boda de Luis Alonso , 1897; La tempranica , 1900), Amadeo Vives ( La balada de la luz , 1900; Bohemios , 1903; Doña Francisquita , 1923), José Serrano Simeón ( La Reina mora , 1903; Moros y cristianos , 1905; La canción del olvido , 1916; Los claveles , 1929; La dolorosa , 1930), Vicente Lleó Balbastre ( La corte de Faraón , 1910), Pablo Luna ( Molinos de viento , 1910; Los cadetes de la reina , 1913; El asombro de Damasco , 1916;El niño judío , 1918), José María Usandizaga ( Las golondrinas , 1914), Francisco Alonso ( La linda tapada , 1924; Las Leandras , 1931), Jacinto Guerrero ( Los gavilanes , 1923; El huésped del sevillano , 1926; La rosa del azafrán , 1930), José Padilla Sánchez ( La bien amada , 1924), el tándem Juan Vert-Reveriano Soutullo ( La leyenda del beso , 1924; La del Soto del Parral , 1927; El último romántico , 1928), Jesús Guridi ( El caserío , 1926; La meiga , 1928;Peñamariana , 1944), Federico Moreno Torroba ( Luisa Fernanda , 1932) y Pablo Sorozábal ( La del manojo de rosas , 1934; La tabernera del puerto , 1936; La eterna canción , 1945; Los burladores , 1948; La ópera del mogollón , 1954 ). También cabe mencionar Cançó d'amor i de guerra (1926), de Rafael Martínez Valls, zarzuela escrita en catalán.

Tras la Guerra Civil española, la zarzuela estuvo en declive, hasta su práctica desaparición en los años sesenta. Hoy en día se siguen interpretando los clásicos del género, pero no hay nueva producción.

America latina

La ópera latinoamericana tuvo una evolución paulatina a lo largo del tiempo: durante la época colonial se representaban óperas italianas o españolas; luego de la independencia de las colonias, comenzaron a producirse obras nativas, pero que seguían las reglas de la ópera italiana; con el tiempo se fueron agregando elementos locales, generalmente con aire folclórico o popular; finalmente, comenzaron a producirse obras de carácter universal.

En Argentina, la ópera fue llevada por compañías italianas, luego de la independencia del país. En 1857 se inauguró el Teatro Colón de Buenos Aires. Uno de los primeros compositores locales fue Arturo Berutti, autor de Pampa (1897) y Yupanqui (1899). En 1908, Héctor Panizza tuvo un gran éxito con Aurora . En 1916, Felipe Boero compuso Tucumán para conmemorar el centenario de la independencia; otra obra suya fue El Matrero (1929), considerada la ópera nacional argentina. Otros autores fueron: Pascual De Rogatis ( Huémac , 1916), Constantino Vicente Gaito ( Petronio , 1919; Ollantay , 1926), Floro Ugarte ( Saika, 1920) y Athos Palma ( La novia del hereje , 1935).

En Brasil, cuando la corte portuguesa se trasladó al nuevo continente en 1808, debido a la invasión napoleónica, trajo consigo el gusto por la ópera italiana. Poco a poco fueron surgiendo compositores locales, entre ellos Carlos Gomes, el primer compositor latinoamericano en triunfar en Europa ( Joana de Flandres , 1863; Il Guarany , 1870; Salvator Rosa , 1874; Maria Tudor , 1878; Lo Schiavo , 1889), quien, sin embargo, escribió en italiano, en un estilo verdiano tardío. Los primeros intentos en portugués fueron de compositores como Francisco Braga ( O contratista de diamantes , 1901) y Oscar Lorenzo Fernández ( Malazarte , 1921).

En Colombia, la primera producción fue Ester (1874), de José María Ponce de León. En Chile, Telésfora (1841), de Aquinas Ried.

Cuba se inició en la tradición operística siendo colonia española. A lo largo del siglo XIX, la ópera italiana triunfó por encima de todo. En 1875, Laureano Fuentes Matons compuso la primera ópera cubana, La hija de Jefté . Posteriormente, Ignacio Cervantes ( Los Saltimbanquis , 1899) y Eduardo Sánchez de Fuentes ( El náufrago , 1901). También hubo compositores de zarzuelas, como Ernesto Lecuona ( María la O , 1930; El cafetal , 1930) y Eliseo Grenet ( Niña Rita , 1927; La virgen morena , 1928).

En Guatemala, la ópera italiana se introdujo a principios del siglo XIX. En 1859 se inauguró el Teatro Carrera, luego llamado Nacional y, desde 1886, Colón, se inauguró. La primera ópera local fue La mora generosa (1850), de José Escolástico Andrino. Ya en el siglo XX destacaba Jesús Castillo ( Quiché Vinak , 1924).

México tenía una tradición operística desde su pasado colonial: una ópera mexicana, La Parténope (1711), de Manuel de Sumaya, se produjo ya en el siglo XVIII. La tradición operística se centró en la Ciudad de México (Palacio de Bellas Artes, inaugurado en 1934) y ciudades como Guanajuato y Guadalajara. A principios del siglo XIX predomina la ópera italiana, hasta que en la segunda mitad se realizan las primeras producciones locales con autores como Melesio Morales ( Romeo y Julieta , 1863; Ildegonda , 1866; Gino Corsini , 1877), Aniceto Ortega ( Guatemotzin , 1871), Felipe Villanueva ( Keofar , 1892), Ricardo Castro ( Atzimba , 1900) y Gustavo Campa (El rey poeta , 1901).

En Nicaragua se destacó Luis Abraham Delgadillo: Final de Norma (1930), Mabaltayán (1942).

En el Perú, la vida cultural europea fue seguida de cerca en el siglo XIX. La primera ópera del país fue Atahualpa (1875), del italiano Carlo Enrico Pasta. Posteriormente, se destacaron José María Valle Riestra ( Ollanta , 1900) y Ernesto López Mindreau ( Nueva Castilla , 1926).

En Uruguay, el Teatro Solís de Montevideo, principal centro operístico del país, fue inaugurado en 1856. Entre sus compositores se encontraban: Tomás Giribaldi ( La Parisina , 1878), Alfonso Broqua ( Tabaré , 1888), León Ribeiro ( Colón , 1892; Liropeya , 1912), Manuel M. Ponce ( El patio florido , 1913) y Carlos Pedrell ( Ardid de amor , 1917; La guitarra , 1924).

En Venezuela, cabe mencionar: José Ángel Montero ( Virginia , 1873) y Reynaldo Hahn ( Le Marchand de Venise , 1935).

Verismo

El verismo italiano —también conocido como Giovane Scuola (Escuela Joven)— buscaba reflejar la realidad, con tramas más populares, en ambientes rurales y proletarios, donde los protagonistas eran personajes comunes y corrientes. Este movimiento surgió de la literatura naturalista iniciada en Francia por Émile Zola, que tuvo como exponentes en Italia a Giovanni Verga y Luigi Capuana. Los compositores veristas denotaron la influencia de Verdi y Wagner, aunque rompieron con la tradición romántica. La música era continua, transcompuesta al estilo wagneriano, sin cabaletta y con arias sin patrón fijo. Se eliminaron oberturas, pero se añadieron intermezzi , de una vistosa orquestación de tono dramático.La voz fue llevada al límite de sus posibilidades expresivas. En el verismo incluso se daban protagonismos a villanos y personajes reprobables, como asesinos, proxenetas, prostitutas y otros personajes de baja extracción. Sin embargo, con el tiempo, el mensaje didáctico que buscaba transmitir el verismo derivó en tramas sensacionalistas, que junto a una orquestación colorida y efectista reflejaban los nuevos gustos del público.

El comienzo del éxito del verismo fue con dos óperas: Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Ruggero Leoncavallo. Mascagni trabajó como director de orquesta con varias compañías por toda Italia hasta 1888, cuando se presentó a un concurso musical organizado por la editorial Edoardo Sanzogno con la ópera en un acto Cavalleria rusticana (estrenada en 1890), con la que ganó el concurso y cosechó un enorme éxito. . Basada en una obra de teatro de Giovanni Verga, se destacó por sus personajes ordinarios impulsados ​​por pasiones violentas. No repitió tal éxito con sus siguientes obras: L'amico Fritz (1891), I Rantzau (1893) y Guglielmo Ratcliff (1895).Leoncavallo compuso su primera ópera a los diecinueve años ( Chatterton , 1876). Por encargo del editor Giulio Ricordi, emprendió una trilogía al estilo wagneriano, que nunca llegó a completar. Tras un tiempo en el que se dedicó principalmente a la escritura, el éxito de Cavalleria rusticana le animó de nuevo y compuso su mayor éxito, Pagliacci (1892), una trágica historia sobre cuatro actores itinerantes, con libreto escrito por él mismo. Sus siguientes obras no tuvieron tanto éxito: I Medici (1893), La bohème (1897) y Zazà (1900).

El compositor más destacado de esta corriente fue Giacomo Puccini. Alumno de Ponchielli, tenía un gran instinto para las melodías sugerentes y las tramas apasionantes, así como para combinar música y dramatismo en perfecta armonía, siempre con la voz como eje central de su composición. Admirador de Wagner, utilizó el leitmotiv en varias de sus obras. Tuvo un primer éxito con Le Villi ( The Willis , 1884), pero por diversas razones su siguiente obra operística, Edgar (1889), que no fue bien recibida, se retrasó. Logró un gran éxito con Manon Lescaut.(1893), que le trajo fama y fortuna. En colaboración con los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica creó sus tres óperas más relevantes: La Bohème (1896), Tosca (1900) y Madama Butterfly (1904). El primero, sobre la vida bohemia parisina, mezclaba tragedia, pasión y humor, junto con una música seductora que agradaba enormemente al público. Tosca presentó una trama igualmente trágica realzada por disonancias musicales y armonías retorcidas, con uno de los papeles femeninos más complejos jamás esbozados. Su aria E lucevan le stelle es una de las más famosas de la ópera, también conocida como Adiós a la vida . señora mariposaestá ambientada en Japón, acorde con el gusto exótico de la época. Aunque no fue bien recibido en su estreno, con el tiempo se ha apreciado su colorido tonal y su lenguaje armónico. Incluye la famosa aria Un bel dì, vedremo .

En 1910 estrenó en Nueva York La fanciulla del West ( La chica del Oeste ). Tras La rondine ( La golondrina , 1917), su siguiente proyecto fue Il trittico ( El tríptico ), un conjunto de tres óperas para ser representadas en una sola sesión: Il tabarro ( El tabardo ), Suor Angelica y Gianni Schicchi (1918). Su última ópera fue Turandot., en la que trabajó entre 1920 y el año de su muerte (1924), y que fue completada por Franco Alfano y estrenada en 1926. En esta obra sintetizó su estilo musical: conjunción de drama y música, personajes reales de gran fuerza emotiva. y música de gran intensidad sinfónica. Incluye la famosa aria Nessun dorma .

Otros compositores destacados del verismo fueron Umberto Giordano, Alfredo Catalani y Francesco Cilea. Giordano se inició en la competición de Sanzogno con la ópera en un acto Marina (1889). Le siguieron Mala vita (1892) y Regina Díaz (1894). Alcanzó su mayor éxito con Andrea Chénier (1896), con libreto de Luigi Illica. Repitió éxito con Fedora (1898), al que siguió una serie de fracasos, hasta que renovó la fama con La cena delle beffe ( La cena de la burla , 1924). Catalani evolucionó desde una temprana influencia wagneriana hacia el verismo. Su primera ópera, La falce(1875), fue con libreto de Arrigo Boito. Le siguió Elda (1880), transformada diez años más tarde en Loreley . Su mayor éxito fue La Wally (1892), de estilo germanizante, con libreto de Luigi Illica. Cilea abandonó la ley por la música. Logró un temprano éxito con Gina (1889), a la que siguieron La tilda (1892), L'arlesiana (1897) y su obra maestra, Adriana Lecouvreur (1902), mezcla de tragedia y comedia, en la que combinó el verismo con cierto bel canto.

Otros exponentes fueron: Franco Alfano ( Resurrección , 1904), Alberto Franchetti ( Cristóbal Colón , 1892; Alemania , 1902), Franco Leoni ( El oráculo , 1905; Francesca da Rimini , 1914), Giacomo Orefice ( Chopin , 1901; El Moisés , 1905) y Antonio Smareglia ( Boda en Istria , 1895; La polilla , 1897).

Cercano al verismo, pero con un estilo más personal está Ermanno Wolf-Ferrari. Alumno de Arrigo Boito, fue un compositor inconstante, que parecía no encontrar un estilo propio. Realizó obras verísticas, así como óperas serias y cómicas, entre las que destacan: Cenerentola (1900), Le donne curiose (1903), I quatro rusteghi (1906), Il segreto di Susanna (1909) y L'amore medico ( 1913), que no han perdurado en el repertorio operístico.

En la década de 1910, este estilo evolucionó hacia el llamado posverismo, caracterizado por la fuerte influencia del escritor Gabriele D'Annunzio y un vínculo más fuerte con el nacionalismo italiano. Destacados en esta corriente fueron Italo Montemezzi y Riccardo Zandonai. El primero, un compositor y director de orquesta en gran parte autodidacta, tuvo un gran éxito con sus dos primeras óperas, Giovanni Gallurese (1905) y L'amore dei tre re (1913). Posteriormente produjo La nave (1918), La notte di Zoraima (1931) y L'incantesimo (1943). Zandonai llamó la atención del editor Ricordi con La coppa del re (1907), por lo que le encargó una ópera, Il grillo del focolare(1908), basada en un cuento de Dickens. Su primer gran éxito fue Francesca da Rimini (1914), basada en un episodio de la Divina Comedia de Dante. Desarrolló un estilo más original en Giulietta e Romeo (1922), al que siguió I cavalieri di Ekebù (1925). Dejó inconclusa su última ópera, Il bacio . También hay que mencionar a Alfredo Casella, compositor de estilo cosmopolita influido también por el posromántico y el impresionismo, autor de La donna serpente (1929).

Fuera de Italia, la influencia verista se nota en la obra del francés Gustave Charpentier. Fue alumno de Massenet y, en 1887, ganó el premio de Roma. Fue en esa ciudad donde se contagió del ambiente verista y compuso su ópera más famosa, Louise (1900), la historia de amor de dos jóvenes de Montmartre, con libreto de Saint-Pol-Roux. También en Francia, Alfred Bruneau puso música a varios textos de Émile Zola, como Le rêve (1891), L'Attaque du moulin (1893), Messidor (1897), L'Ouragan (1901) y L'Enfant roi (1905). ). Henry Février fue el autor de Monna Vanna(1909), sobre un texto de Maurice Maeterlinck, obra semiviverista de inspiración simbolista.

En Alemania, Eugen d'Albert fue un prolífico compositor, autor de una veintena de óperas, entre ellas Die Abreise ( El viaje de partida , 1898) y Tiefland (1903), esta última basada en Lowland de Ángel Guimerá.

El checo Josef Bohuslav Foerster se inició en un estilo verista con sus dos primeras óperas Debora (1893) y Eva (1899). Posteriormente fue autor de Jessika (1905), basada en El mercader de Venecia de Shakespeare , así como de Nepřemožení ( Los invencibles , 1919), Srdce ( El corazón , 1923) y Bloud ( Los torpes , 1936).

El griego Spyridon Samaras fue autor de óperas en italiano de estilo verista: La martire (1894), La furia domata (1895), Rhea (1908).

Posromanticismo

Entre finales del siglo XIX y principios del XX se produjo el posromanticismo, que como su nombre indica fue una evolución del romanticismo basada en premisas más modernas, pero manteniendo el mismo espíritu que caracterizó a dicho movimiento. La principal influencia de este estilo fue Wagner, por lo que a veces también se le llama poswagnerismo.

Su principal representante fue Richard Strauss, quien se destacó por su creatividad armónica y su dominio de la orquestación. Bajo la influencia de Wagner se inició en la ópera con Guntram (1894) y Feuersnot ( La necesidad del fuego , 1901), que fracasó. En cambio, gozó del favor del público con Salomé (1905), basada en la obra homónima de Oscar Wilde, a pesar del escándalo que provocó la carga erótica de la trama. Desde entonces inició una colaboración con el dramaturgo austriaco Hugo von Hofmannsthal, quien escribió la mayor parte de sus libretos. Su primer trabajo conjunto fue Elektra (1909), al que siguió Der Rosenkavalier ( El caballero de la rosa , 1911),Ariadne auf Naxos (1912), Die Frau ohne Schatten ( La mujer sin sombra , 1919), Die ägyptische Helena ( La Helena egipcia , 1928) y Arabella (1933). Posteriormente contó con Stefan Zweig para Die schweigsame Frau ( La mujer silenciosa , 1935) y con Joseph Gregor para Friedenstag ( Día de la paz , 1938), Daphne (1938) y Die Liebe der Danae ( El amor de Danae , 1940). Su última ópera fue Capriccio (1942).En estas obras introdujo un nuevo lenguaje armónico que traspasaba los límites tonales tradicionales, con sonidos apasionados que podían incluir gritos y otros sonidos guturales, anticipándose así al expresionismo posterior.

Otros exponentes fueron Engelbert Humperdinck, Alexander von Zemlinsky y Hans Pfitzner. Humperdinck era un estudiante talentoso, que en 1881 conoció a Wagner, quien lo tomó como asistente para la producción de Parsifal . Sin embargo, su producción se orientó hacia una línea más simple, como en Hänsel und Gretel (1893), su primera y más exitosa ópera, basada en el cuento de hadas de los hermanos Grimm. Escogió a los mismos autores para su siguiente proyecto, Die sieben Geißlein ( Los siete niños , 1898), que no tuvo tanto éxito. Tras varios fracasos más, triunfa con Königskinder ( Los hijos del rey , 1910), de estilo más wagneriano.Zemlinsky se dedicó a la ópera como compositor y director. Su primer éxito fue Es War Einmal ( Érase una vez , 1899), que interpretó Gustav Mahler en el Hofoper de Viena. En 1906 compuso Der Traumgörge ( Görge the Dreamer ), que no se estrenó hasta cuarenta años después. Le siguieron sus dos grandes éxitos, Eine florentinische Tragödie ( Una tragedia florentina , 1917) y Der Zwerg ( El enano , 1922), ambos en un acto. En 1932, Der Kreidekreis ( El círculo de tiza) fue prohibido por los nazis, tras lo cual se exilió en Estados Unidos, donde murió en el anonimato. Pfitzner fue influenciado por Schumann y Wagner, notable en sus primeras óperas: Der arme Heinrich ( Pobre Heinrich , 1893) y Die Rose vom Liebesgarten ( La rosa en el jardín del amor , 1900). Su mayor éxito fue Palestrina (1917), una obra fundamental sobre la posición del artista en la sociedad. Sus siguientes trabajos, Von deutscher Seele ( Del alma alemana , 1921) y Das dunkle Reich ( El reino oscuro , 1929), expresaron sus ideas sobre una música alemana "pura".

El austriaco Erich Wolfgang Korngold fue considerado un niño prodigio, y despertó la admiración de Mahler, Puccini y Strauss. Sus primeras óperas fueron Der Ring des Polykrates ( El anillo de Polícrates , 1916), Violanta (1916) y Die Tote Stadt ( La ciudad muerta , 1920), de romanticismo tardío. Das Wunder der Heliane ( El milagro de Heliane , 1927) fue una obra de cierto erotismo con una partitura concebida en una escala épica que crea una gran dificultad para los intérpretes. Con el establecimiento del Anschluss en 1938, emigró a los Estados Unidos, donde compuso música para películas y ganó dos premios Oscar.

En el campo germánico también cabe mencionar a: Wilhelm Kienzl ( Der Evangelimann [ El evangelista ], 1895), Max von Schillings ( Moloch , 1900; Mona Lisa , 1915), Siegfried Wagner —hijo de Richard Wagner— ( Der Bärenhäuter [ El Piel de oso ], 1899; Der Kobold [ El duende ], 1904; Der Schmied von Marienburg [ El herrero de Marienburgo ], 1923) y Hugo Wolf ( Der Corregidor , 1895).

El británico Rutland Boughton intentó establecer un "wagnerismo al estilo inglés", con óperas como The Immortal Hour (1922), Alkestis (1922), The Queen of Cornwall (1924) y The Lily Maid (1934). Asimismo, Joseph Holbrooke buscó trasladar a la mitología celta el universo wagneriano, a través de la trilogía El caldero de Annwyn (1912-1929), compuesta por Los hijos de Don (1912), Dylan, hijo de la ola (1914) y Bronwen (1929 ). ).

En Francia, Gabriel Fauré mostró una clara influencia wagneriana en su ópera Pénélope (1913). Jean Nouguès fue el autor de Quo Vadis? (1909), sobre la novela de Henryk Sienkiewicz, obra de una ambiciosa puesta en escena que incluía animales de circo.

En Italia, Luigi Mancinelli mostró un estilo claramente wagneriano, aunque con un componente más cosmopolita, no tan germanizado como el de otros seguidores del compositor alemán. Sus dos mejores obras fueron Ero e Leandro (1897) y Paolo e Francesca (1907).

Impresionismo

Como su homólogo pictórico, el impresionismo surge en Francia, con una voluntad de modernización de la concepción musical, que se desarrolla entre finales del siglo XIX y principios del XX. Al igual que en la pintura, se pretendía captar las sensaciones que el artista producía del mundo circundante, con una base de realidad, pero interpretadas de forma subjetiva. Influenciados por la poesía simbolista (Verlaine, Baudelaire, Mallarmé), también buscaron un nuevo lenguaje que confrontara tanto el purismo formal del clasicismo como la violencia apasionada del romanticismo. Para ello, Claude Debussy, su principal representante, recurrió a una escala de tonos no utilizada hasta entonces, tonos enteros e intervalos complejos a partir de la novena, así como intervalos de cuartas y quintas paralelas.

Claude Debussy inició varios proyectos operísticos que dejó inacabados -un par sobre cuentos de Edgar Allan Poe y uno sobre el Cid titulado Rodrigue et Chimène- , hasta que encontró un proyecto que le fascinó: Pelléas et Mélisande (1902), sobre una obra de Maurice Maeterlinck . No fue su única ópera, sino una obra maestra. A pesar de su trama simple, una rivalidad amorosa entre dos hermanos y una joven, Debussy creó una obra profunda y conmovedora, evocadora y sugerente, que aún hoy es novedosa. Con esta obra inició el género de la ópera literaria ( Literaturoper), un tipo de ópera basada en textos literarios respetados en su integridad que, si bien pueden ser reducidos, no pueden ser alterados en su esencia, y que son declamados al estilo de la opéra dialogué rusa y presentados en forma transcompuesta.

En Francia también destacaron Maurice Ravel y Paul Dukas. Ravel era un antiwagneriano convencido, que buscaba con avidez su propio estilo. Era muy meticuloso e inconformista en su trabajo, por lo que revisaba continuamente sus obras, lo que explica su escasa producción. De madre vasca, sintió una gran atracción por la cultura española, lo que queda patente en su primera ópera, L'heure espagnole ( La hora española , 1911), obra cómica en un acto, con efectos sonoros de máquinas y relojes. Su siguiente ópera fue L'enfant et les sortilèges (1925), con libreto de Colette. Dukas inicialmente acusó la influencia wagneriana, como se indica en Horn et Riemenhild (1892) y L'arbre de science .(1899), que dejó inconclusa. Completó una sola ópera, Ariane et Barbe-bleu (1907), basada en el texto de Maurice Maeterlinck, donde mezcló el cromatismo wagneriano con la escala pentatónica utilizada por Debussy.

El italiano Ottorino Respighi intentó combinar el impresionismo con la música tradicional, especialmente la barroca. Sus dos primeras óperas fueron de género cómico: Re Enzo (1905) y Semirâma (1910). Posteriormente produjo Belfagor (1923), La campana sommersa (1927), La Fiamma (1934) y Lucrezia (1937).

El británico Frederick Delius se acercó al impresionismo partiendo de la influencia wagneriana. Solo recurrió a la ópera al principio de su carrera: Koanga (1904), A Village Romeo and Juliet (1907), Fennimore and Gerda (1919).

El suizo Ernest Bloch unió la influencia de Debussy con la de Richard Strauss. Produjo una sola ópera, Macbeth (1910). En 1916 emigró a Estados Unidos, donde comenzó una ópera que dejó inconclusa, Jezabel .

Cantantes de fin de siglo

En el cambio de siglo destacaron vocalmente: Mattia Battistini, barítono italiano de voz aguda y cristalina, ajustado a lo que entonces se llamaba baritenor ; Enrico Caruso, tenor italiano, uno de los más famosos de todos los tiempos, con un tono flexible que le permitió una gran variedad de roles; Fyodor Chaliapin, bajo ruso que interpretó tanto el repertorio de su país como el de Rossini, Bellini y Verdi; Emmy Destinn, soprano checa que destacó en papeles de Puccini y Strauss; Geraldine Farrar, soprano estadounidense de gran presencia escénica; la misma nacionalidad tenía la soprano Mary Garden, que destacó en el papel protagónico de Pelléas et Mélisande de Debussy; Hipólito Lázaro, tenor español del repertorio de Verist; Victor Maurel, barítono francés admirado por Verdi, quien le dio varios papeles; Nellie Melba, soprano australiana de gran virtuosismo; Claudia Muzio, soprano italiana que destacó en papeles trágicos, principalmente en óperas veristas; Elisabeth Schumann, soprano alemana de voz aguda y delicada, intérprete de Mozart, Wagner y Strauss; Francisco Viñas, tenor español de amplio registro que podía cantar tanto tenor lírico como heroico; y Giovanni Zenatello, tenor italiano de gran facilidad para el registro más alto.

siglo 20

El siglo XX vio una gran revolución en la música, motivada por los profundos cambios políticos y sociales que tuvieron lugar durante el siglo. El interés transformador, experimental y renovador de las vanguardias artísticas se tradujo en un nuevo lenguaje musical, al mismo tiempo que se producía una renovación técnica motivada por la aparición de nuevas tecnologías, como la música electrónica. Todo ello dio como resultado nuevos métodos compositivos y nuevas gamas sonoras, que se adaptaron a los nuevos movimientos musicales que se iban produciendo a lo largo del siglo.La nueva música compuesta en este siglo rompió radicalmente con el pasado y buscó un nuevo lenguaje, rompiendo el esquema del discurso musical tradicional: si era necesario, se rompía la armonía, la melodía y la tonalidad. Muchas de estas innovaciones causaron desconcierto, especialmente la atonalidad, en un público acostumbrado a una jerarquía de notas donde dominaba una nota fundamental; en la atonalidad, cada nota tiene la misma relevancia que las demás. Por este motivo, la música contemporánea no ha tenido un gran éxito de público y ha estado muchas veces restringida a un círculo cerrado de intelectuales.

La ópera en el siglo XX mantuvo el repertorio anterior, que siguió presentándose con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo, mientras que, a nivel de producción, si bien hubo una copiosa y excelente producción, las innovaciones producidas en este campo no gozan de gran éxito entre el público mayoritario. El afán de experimentación de los compositores provocó duras críticas y controversias, si no censura o persecución política: en la Unión Soviética, Stalin obligó a Shostakovich a adherirse a las pautas culturales del régimen tras asistir a una representación de Lady Macbeth de Mtsensk en 1936; en la Alemania nazi, los compositores de vanguardia fueron catalogados como músicos degenerados , y muchos tuvieron que exiliarse.Durante este siglo, incluso se experimentó con el repertorio operístico tradicional a través de producciones de vanguardia, escenografías más modernas y adaptaciones contemporáneas de óperas clásicas, como fue tendencia en los años 20 en la Ópera Kroll de Berlín o como llevó a cabo Wieland Wagner — nieto del compositor— en el Festival de Bayreuth. Por otro lado, en este período la fascinación por los cantantes de ópera continuó e incluso aumentó, convirtiéndose en ocasiones en fenómenos de gran popularidad, como los llamados Tres Tenores (Luciano Pavarotti, José Carreras y Plácido Domingo).Cabe señalar que los avances técnicos que permitieron la grabación de voz popularizaron este género a nivel nacional: Enrico Caruso, por ejemplo, fue uno de los cantantes que más se prodigó en la grabación de sus interpretaciones, aumentando así su popularidad. Otros medios que contribuyeron a la difusión de la ópera fueron la radio, el cine y la televisión. en 1951 se compuso la primera ópera televisiva, Amahl and the Night Parties , de Gian Carlo Menotti.

La ópera en el siglo XX mantuvo el repertorio anterior, que siguió presentándose con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo, mientras que, a nivel de producción, si bien hubo una copiosa y excelente producción, las innovaciones producidas en este campo no gozan de gran éxito entre el público mayoritario. El afán de experimentación de los compositores provocó duras críticas y controversias, si no censura o persecución política: en la Unión Soviética, Stalin obligó a Shostakovich a adherirse a las pautas culturales del régimen tras asistir a una representación de Lady Macbeth de Mtsensk en 1936; en la Alemania nazi, los compositores de vanguardia fueron catalogados como músicos degenerados , y muchos tuvieron que exiliarse.Durante este siglo, incluso se experimentó con el repertorio operístico tradicional a través de producciones de vanguardia, escenografías más modernas y adaptaciones contemporáneas de óperas clásicas, como fue tendencia en los años 20 en la Ópera Kroll de Berlín o como llevó a cabo Wieland Wagner — nieto del compositor— en el Festival de Bayreuth. Por otro lado, en este período la fascinación por los cantantes de ópera continuó e incluso aumentó, convirtiéndose en ocasiones en fenómenos de gran popularidad, como los llamados Tres Tenores (Luciano Pavarotti, José Carreras y Plácido Domingo).Cabe señalar que los avances técnicos que permitieron la grabación de voz popularizaron este género a nivel nacional: Enrico Caruso, por ejemplo, fue uno de los cantantes que más se prodigó en la grabación de sus interpretaciones, aumentando así su popularidad.

Este siglo vio numerosas novedades en el campo de la escenografía: del verismo surgió una corriente más sobria y realista en la representación escénica, cuyos pioneros fueron André Antoine, fundador del Théâtre Libre de París, y Otto Brahm, al frente del Freie Bühne en Berlina. Max Reinhardt, director del Deutsches Theatre, introdujo numerosas innovaciones, como decorados tridimensionales y el uso de la iluminación para crear ambiente. Otro innovador fue Alfred Roller, quien se asoció con Gustav Mahler, director de orquesta de la Viena Hofoper, quienes se esforzaron por integrar la representación escénica con el drama musical como un todo unificado.

A principios de este siglo surge la ópera de cámara, una modalidad menor del género compuesta por obras en un acto, con pocos personajes y orquesta reducida, formato similar al género chico de la zarzuela española. Ejemplos serían L'heure espagnole de Ravel (1911), Arlecchino de Busoni (1917) e Histoire du soldat de Stravinski (1918). En Viena, la Kammeroper, dedicada a este género, fue fundada en 1953.El compositor inglés Benjamin Britten llegó a fundar su propia orquesta de ópera de cámara, el English Opera Group. Por otro lado, el género de la opereta tradicional evolucionó hacia el musical, un género renovado que se basó más en la música y la danza popular, en centros como los teatros del West End de Londres o los teatros de Broadway en Nueva York. Otros medios que contribuyeron a la difusión de la ópera fueron la radio, el cine y la televisión. en 1951 se compuso la primera ópera televisiva, Amahl and the Night Parties , de Gian Carlo Menotti.

Otro fenómeno de relevancia en este siglo fue la proliferación de festivales de ópera, que contó con el ejemplo del Festival de Bayreuth (1876). En 1901 apareció el Festival de Munich, seguido del Savonlinna (1912), Verona (1913), Salzburgo (1920), Florencia (Maggio Musicale Fiorentino, 1933), Glyndebourne (1934), Ravinia (1936), Edimburgo (1947), Aldeburgh (1948), Aix-en-Provence (1948), Santander (1952), Spoleto (1958), Tanglewood (1970) y Peralada (1987), entre las más famosas.

En un artículo publicado por Opera Holland Park, la directora de ópera Ella Marchment explicó que por cada hora de actuación, un director de ópera completará 150 horas de preparación y ensayos; o 2,5 horas de trabajo por cada minuto de tiempo en el escenario.

Expresionismo

El expresionismo surge a principios de siglo como un estilo preocupado fundamentalmente por la expresividad interior del individuo, en su profundización psicológica, frente al naturalismo dominante en el cambio de siglo, que en la ópera dio el verismo. En esta corriente se valoraba especialmente las relaciones interpersonales, la emotividad y los estados psíquicos de los personajes. A nivel literario, sus referentes fueron Franz Kafka, James Joyce y los dramaturgos alemanes Ernst Toller, Frank Wedekind y Georg Kaiser. Para los autores expresionistas, el arte era una forma de expresión, no de entretenimiento, por lo que estaban más preocupados por el mensaje que querían transmitir que por el estilo o el dispositivo musical o argumental.

En Francia, este estilo fue practicado por algunos compositores que formaron un grupo llamado Les Six (Francis Poulenc, Darius Milhaud, Arthur Honegger, Germaine Tailleferre, Georges Auric y Louis Durey), interesados ​​en la vanguardia musical y los ritmos populares, con un carácter informal. y estilo espontáneo. Poulenc, autor de sus propios libretos, se destacó por sus melodías líricas. Su primera ópera fue Les mamelles de Tirésias ( Los pechos de Tiresias , 1947), sobre un texto de Guillaume Apollinaire. Le siguió Dialogues des Carmélites (1957), basada en una obra de Georges Bernanos. En La voix humaine ( La voz humana, 1959) presentó una ópera con sólo una soprano hablando por teléfono durante cuarenta minutos, con libreto de Jean Cocteau. Milhaud fue alumno de Paul Dukas y Vincent d'Indy. Produjo grandes obras históricas, como Christophe Colomb (1930), Bolívar (1950) y David (1954), así como obras menores: Les Malheurs d'Orphée ( Los males de Orfeo , 1926), Le pauvre matelot ( Los pobres Marinero , 1927) y La mère coupable ( La madre culpable , 1966). Honegger se inició en el campo operístico con Philippa (1903), a la que siguió Judith(1925), Antigone (1927) y las operetas Les Aventures du roi Pausole (1930), La Belle de Moudon (1931) y Les Petites Cardinales (1937). También en 1937 compuso junto con Jacques Ibert L'Aiglon , su última ópera. Vinculado a este grupo estaba Erik Satie, más conocido por sus composiciones sinfónicas y para piano, que compuso varias operetas: Geneviève de Brabant (1899), Pousse l'amour (1905), Le Piège de Méduse (1913). También vale la pena mencionar a Jacques Ibert ( Angélique , 1927; Le Roi d'Yvetot , 1930).

In Germany, Franz Schreker began in post-romanticism, but later opted for a style close to expressionism. His first opera was Der ferne Klang (The Far Sound, 1910), with which he achieved great success. It was followed by Die Gezeichneten (The Marked Ones, 1918), an opera of great complexity that required an orchestra of 120 musicians, with a somber and tortured theme, fully immersed in the depressing spirit of the postwar period. In Der Schatzgräber (The Treasure Hunter, 1920) he also showed a theme centered on loneliness, despair and sexual desire. His last works, Christophorus (1931) and Der Schmied von Gent (The Blacksmith of Ghent, 1932), were sabotaged by the Nazis, who considered him a degenerate musician, with the accentuated motif of being Jewish.

Paul Hindemith started in expressionism with three one-act operas (Mörder, Hoffnung der Frauen [Murder, Hope of Women], 1919; Das Nusch-Nuschi, 1920; Sancta Sussana, 1921), but later evolved into a neo-baroque style with use of polyphony. In that sense, Cardillac (1926) was a transitional work, while in Mathis der Maler (Matthias the Painter, 1928) he combined medieval influences with German folklore and counterpoint techniques. After being considered a degenerate musician by the Nazis, he went into exile in Switzerland and the United States. Die Harmonie der Welt (The Harmony of the World, 1957) was the culmination of his neo-baroque style.

Kurt Weill was a representative of the so-called New Objectivity (Neue Sachlichkeit), a movement that in a certain way reacted against expressionist subjectivism, although it used many of its resources, while having points in common with neoclassicism and assimilating new musical forms such as jazz, tango or cabaret. He sought in his works a type of musical theater that featured the best artists and professionals, from playwrights to dancers. His first operas were Der Protagonist (1926) and Der Zar lässt sich photographieren (The Tsar takes a photograph of himself, 1928). From then on he formed a fruitful partnership with the playwright Bertolt Brecht, which produced numerous successes: Die Dreigroschenoper (The Threepenny Opera, 1928), Happy End (Happy Ending, 1929), Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny (Rise and Fall of the City of Mahagonny, 1929) and Der Jasager (The Yes-Sayer, 1930). His greatest success was The Threepenny Opera, based on The Beggar's Opera by John Gay and Johann Christoph Pepusch. In 1933 he premiered Der Silbersee (The Silver Lake), with a libretto by Georg Kaiser. Shortly thereafter he went into exile in the United States, where he made several musicals.

Erwin Schulhoff compuso en 1928 su ópera Flammen ( Llamas ), una obra de carácter fantástico, en la que el autor abandonaba las reglas teatrales aristotélicas vigentes hasta entonces en el teatro y la ópera en aras de un nuevo concepto de puesta en escena, que entendía el teatro como un juego, un espectáculo, una fantasía desbordante de realidad. Berthold Goldschmidt, alumno de Schrecker, fue director de la Ópera de Darmstadt. En 1930 adaptó Der Gewaltige Hanrei ( El Poderoso Hanrei ) de Fernand Crommelynck, estrenada en 1932, aunque su judaísmo hizo que fuera inmediatamente retirada, por lo que emigró al Reino Unido.

dodecafonía

El espíritu de renovación del cambio de siglo, que llevó a todas las artes a romper con el pasado y a buscar un nuevo impulso creativo, llevó al compositor austriaco Arnold Schönberg a crear un sistema donde todas las notas tienen el mismo valor y la armonía es reemplazada por la progresión de tonos. En el dodecafonismo se utilizan las doce notas de la escala (principal e intermedia), pero rompiendo la jerarquía entre ellas. Estilísticamente, el dodecafonismo estuvo fuertemente ligado al expresionismo. Schönberg compuso dos óperas en este contexto: Moses und Aron (compuesta a partir de 1926 e inconclusa) y Von Heute auf Morgen ( De hoy a mañana , 1930). Pero sin duda, la gran ópera del atonalismo fue Wozzeck(1925), de Alban Berg, basada en la obra de Georg Büchner, una ópera romántica en cuanto a temática, pero de compleja estructura musical, donde experimentó con todos los recursos musicales disponibles desde el clasicismo hasta la vanguardia, desde el tonal hasta el atonal , del recitativo a la música, de la música popular a la música sofisticada de contrapunto disonante. Obra de fuerte expresión psicológica, unía el atonalismo musical con el expresionismo argumental. Su segunda ópera, Lulu (1929-1935), basada en dos dramas de Frank Wedekind, se acercaba más al dodecafonismo y aplicaba la transcomposición wagneriana. El trabajo quedó incompleto y fue completado por Friedrich Cerha en 1979.

En 1927, Ernst Krenek estrenó su ópera Jonny spielt auf ( Jonny empieza a tocar ), que alcanzó un éxito notable y fue la ópera más representada de la época. Muy influenciado por el jazz, Krenek experimentó con las principales corrientes musicales de la época: neorromanticismo, neoclasicismo, atonalidad, dodecafonismo y otros estilos. En 1934 compuso Karl V con técnica serialista, que incluía escenas filmadas y pantomimas. Con la llegada del nazismo emigró a Estados Unidos, donde compuso Der goldene Bock ( El vellocino de oro , 1964) y Der Zauberspiegel ( El espejo mágico , 1966).

Viktor Ullmann fue alumno de Schönberg y, aunque no utilizó la atonalidad, su obra empleó el cromatismo de la moderna Escuela de Viena. Su primera ópera fue Der Sturz des Antichrist ( La caída del Anticristo , 1935). Siendo judío, fue internado en el campo de concentración de Theresienstadt (Terezín), donde compuso su ópera Der Kaiser Von Atlantis ( El emperador de la Atlántida , 1944). Sin embargo, antes de su estreno fue prohibida por las SS, que encontraron cierta similitud entre el protagonista y la figura de Hitler, y el autor fue enviado al campo de Auschwitz para su exterminio. Igual suerte corrió el checo Hans Krása, autor de la ópera infantil Brundibár (1941).

Otro campo de experimentación fue el microtonalismo, en el que se utilizaban los microtonos, intervalos musicales inferiores a un semitono. En esta corriente destacó el checo Alois Hába, autor de la ópera Matka ( La Madre , 1931), que por su ineficacia ha sido escasamente representada.

neoclasicismo

El neoclasicismo supuso una vuelta a los modelos musicales del clasicismo del siglo XVIII, caracterizados por la mesura, el equilibrio y la claridad formal. Se desarrolló especialmente en el período de entreguerras (décadas de 1920 y 1930). Sus modelos fueron básicamente los clasicistas, pero también recuperaron formas barrocas, así como diversas opciones expresivas como la disonancia. En general, se buscaron formas musicales más objetivas y definidas, con un timbre más contrastado y diáfano, ritmos repetitivos —con uso frecuente del ostinato— y una armonía más diatónica, alejada del cromatismo wagneriano.

Uno de los países donde más predominó este estilo fue la Unión Soviética. Su principal representante, Igor Stravinsky, estuvo cerca del expresionismo, aunque a veces se le puede calificar de neoclásico, pero sobre todo fue un genio inclasificable con una sorprendente paleta de sonidos de gran variedad; él mismo nunca quiso ser asociado con ningún estilo en particular. En sus inicios, todavía influido por el folclore ruso, y con cierta influencia del impresionismo francés, obtuvo un gran éxito con sus ballets, representados por los Ballets Russes de Sergey Diaghilev. Tras ellos, inicia una nueva etapa de musicalidad más sobria, reduciendo los recursos instrumentales, lo que queda patente en su primera ópera, Le rossignol ( El ruiseñor, 1914), basada en un cuento de Hans Christian Andersen, que combinaba influencias neorrománticas y orientalistas. Su siguiente obra escénica fue Mavra (1922), un homenaje a la escuela rusa de ópera tradicional. Un proyecto más ambicioso fue Œdipus Rex (1927), con libreto de Jean Cocteau traducido al latín, en estilo neoclásico. Tras estas obras, todas breves, su única ópera de larga duración fue The Rake's Progress ( The Rake's Progress , 1951), basada en una serie de grabados de William Hogarth que vio en el Art Institute of Chicago, que fueron dramatizados por el poeta Wystan Hugh Auden.

Dmitri Shostakovich vivió toda su vida bajo la lupa de la censura del régimen soviético, pero logró algunas de las mejores composiciones del siglo. Su primera ópera fue Nos ( La nariz , 1928), una crítica al reinado de Nicolás I. Su obra maestra fue Ledi Mákbet Mtsénskogo Uyezda ( La dama Macbeth de Mtsensk , 1936), sobre una obra de teatro de Nikolái Leskov, que tuvo un gran éxito fuera de su país, pero no fue del agrado de las autoridades soviéticas por su estilo disonante. Una versión revisada con el título Katerina Ismailova se estrenó en Moscú en 1963.

Sergey Prokofiev, alumno de Rimsky-Korsakov, combinó la música tradicional con algunas características experimentales. Compuso su primera ópera, Maddalena (1911) a la edad de veinte años. Durante una gira por Estados Unidos, la Ópera de Chicago le encargó una ópera, El amor de las tres naranjas ( The Love of the Three Oranges , 1919), basada en un texto de Carlo Gozzi, una obra cómica de tono surrealista. Vivió unos años en París, tiempo en el que realizó Ógnenny angel ( El ángel de fuego , 1923). Tras regresar a su país en 1933, abordó Vojna i Mir ( Guerra y Paz, 1946), de Lev Tolstoy, que no fue bien recibido por las autoridades soviéticas, que lo tildaron de antipatriótico. Para congratularse de ellos compuso Póvest o nastoyáschem cheloveke ( Historia de un hombre de verdad , 1948), más adepto al régimen.

Sergey Rakhmaninov fue influenciado por Tchaikovsky. Se dedicó principalmente a la música sinfónica y pianística, pero abordó la ópera en obras como Aleko (1893), Skupój rýtsar ( El caballero avaro , 1906) y Francesca da Rimini (1907).

El británico de origen sueco Gustav Theodor Holst estrenó en 1916 Savitri , una ópera de cámara basada en el Mahābhārata indio , en la que empleó la bitonalidad. Posteriormente compuso The Perfect Fool (1923), At the Boar's Head (1925) y The Tale of the Wandering Scholar (1934).

Ralph Vaughan Williams fue el autor en 1924 de una ópera balada , Hugh the Drover ( Hugh the Drover ). En 1929 estrenó Sir John in Love , sobre el personaje shakesperiano de Falstaff. Tras la opereta El beso envenenado ( The Poisoned Kiss ), compuso Riders to the Sea ( Jinetes del mar ), de filiación verística y wagneriana. Su última obra fue El progreso del peregrino ( The Pilgrim's Progress , 1951).

El alemán Carl Orff fue autor de las óperas Der Mond ( La luna , 1939), Die Kluge ( El astuto , 1943), Antigonae (1949) y Oedipus der Tyrann ( Edipo rey , 1959). Su cantata Carmina Burana (1937), basada en poemas goliárdicos medievales, aunque no es una ópera, se representa a menudo en teatros de ópera.

En Italia, Gian Francesco Malipiero desarrolló un estilo que, a pesar de su modernidad, denotaba el peso de la tradición musical italiana, especialmente Monteverdi y Vivaldi. Fue autor de L'Orfeide (1925), Giulio Cesare (1936), I caprici di Callot (1942), Il figliuol prodigo (1953) e Il capitan Spavento (1963). Ildebrando Pizzetti también combinó modernidad y tradición, influenciado por la música renacentista y barroca. Tras varios trabajos juveniles, en 1915 estrena Fedra , basada en una obra de teatro de Gabriele D'Annunzio. Le siguieron óperas como Debora e Jaele (1922), Fra Gherardo (1928) y Lo straniero(1930). En sus siguientes obras dio predominio al arioso: Orseolo (1935), Vanna Lupa (1950) y Cagliostro (1953). Uno de sus mayores éxitos fue Assassino nella cattedrale (1958), sobre una obra de TS Eliot. Ferruccio Busoni, radicado en Alemania, evolucionó de un posromántico influenciado por Schumann, Brahms y Mendelssohn a un clasicismo joven -según sus palabras- que fue asumiendo paulatinamente las novedades contemporáneas. Fue autor de Die Brautwahl ( La elección de la novia , 1912), Arlecchino (1917), Turandot (1917) y Doktor Faust(1925); este último, incompleto, fue completado por su discípulo Philipp Jarnach. Licinio Refice, que era sacerdote, hizo óperas de tema religioso: Santa Cecilia (1934) y Margherita da Cortona (1938).

El checo Bohuslav Martinů fue un músico ecléctico que fusionó el neoclasicismo con cierta tendencia neobarroca, el impresionismo y la música popular americana (jazz y gospel). Afincado en París, produjo obras como Le Soldat et la danseuse ( El soldado y la bailarina , 1927), Les Trois Souhaits ( Los tres deseos , 1929) y Hry o Marii ( Los milagros de María , 1934). Más tarde compuso dos óperas para radio: Veselohra na mostě ( Comedia en el puente , 1935) y Julietta (1937). Sus últimos trabajos fueron Ariane (1958) y Řecké pašije (La pasión griega , 1959).

Otros exponentes fueron: Werner Egk ( Die Zaubergeige [ El violín mágico ], 1935; Irische Legende [ Leyenda irlandesa ], 1954; Der Revisor [ El revisor ], 1957), Dmitri Kabalevsky ( Breugnon Tails , 1938), Albert Roussel ( Padmâvatî , 1923), Othmar Schoeck ( Pentesilea , 1927), Heinrich Sutermeister ( Die schwarze Spinne [ La araña negra ], 1936; Romeo und Julia , 1940; Die Zauberinsel [ La isla mágica ], 1942; Raskolnikoff, 1948) y Rudolf Wagner-Régeny ( Der Günstling , 1935; Die Bürger von Calais [ Los burgueses de Calais ], 1939).

Posterior a la Segunda Guerra Mundial: tradición y vanguardia

Después de la Segunda Guerra Mundial, la ópera continuó con su escisión, quizás más acentuada, entre la tradición neoclásica y las vanguardias musicales heredadas del impresionismo, el expresionismo y el atonalismo, que dieron nuevos estilos musicales como la música concreta, el serialismo integral, la música aleatoria, el minimalismo , etc. En general, los nuevos lenguajes musicales han sido incomprendidos por el público, que ha permanecido anclado en el repertorio tradicional.

La inmediata posguerra fue una época difícil para la ópera, no solo por la destrucción provocada durante la guerra, sino también por el pesimismo y escepticismo de las élites intelectuales, que llegaron a cuestionar la viabilidad del género operístico, al que consideraban obsoleto. . En esos primeros años predominaban las producciones modestas, junto con formas experimentales como la llamada "antiópera", basadas en la deconstrucción de los recursos tradicionales del género. Otros autores, como John Cage, ensayaron un tipo de música escénica sin trama y, en ocasiones, incluso sin texto, en obras como Living Room Music (1940) o Water Walk (1959). György Ligeti creó una especie de teatro fonético basado en ruidos y onomatopeyas (Nuevas aventuras , 1966).

En la década de 1960, la ópera estaba resurgiendo y los compositores se embarcaron en obras más ambiciosas y de mayor escala. Junto a montajes de carácter más tradicional, siguieron la antiópera con elementos experimentales y aleatorios, sin ningún carácter narrativo; ejemplos serían Glossolalie (1961) de Dieter Schnebel, Votre Faust (1969) de Henri Pousseur y Staatstheater (1970) de Mauricio Kagel . Como reacción, entre las décadas de 1970 y 1980 surgió la anti-anti-ópera , que recuperaba el texto narrativo y los recursos tradicionales de la ópera, aunque con un lenguaje contemporáneo y cierto componente irónico y satírico; algunos exponentes serían: We Come to the River de Hans Werner Henze (1976),Le Grand Macabre de György Ligeti (1978), Jakob Lenz de Wolfgang Rihm (1979) y Un re in ascolto de Luciano Berio (1984).

Reino Unido

En este período, uno de los compositores de ópera más prolíficos fue Benjamin Britten. Los temas más recurrentes en sus obras fueron la soledad y el dolor, sus principales inquietudes existenciales, tal y como denota en su primera obra, Peter Grimes (1945). Luego incursionó en la ópera de cámara, como en sus obras El rapto de Lucrecia (1946) y Albert Herring (1947). Para ello fundó la orquesta English Opera Group y el Festival de Aldeburgh (Sussex). En 1951, la Royal Opera le propuso componer una segunda parte de Peter Grimes , de la que resultó Billy Budd , basada en un texto de Herman Melville. Para la coronación de Isabel II compuso Gloriana (1953). Se ocupó del drama psicológico conOtra vuelta de tuerca (1954), basada en una obra de teatro de Henry James. En 1960 recurrió a Shakespeare para Sueño de una noche de verano . Tras algunas obras de inspiración religiosa, Owen Wingrave (1971) se centró en el pacifismo, una de las preocupaciones de Britten, cuyo estreno fue en televisión. Su último trabajo fue Muerte en Venecia (1973), sobre la novela de Thomas Mann. Fue pareja del tenor Peter Pears, con quien colaboró ​​en numerosas obras.

William Walton fue influenciado por Stravinsky, Sibelius y el jazz. En 1947 recibió el encargo de escribir una ópera para la reapertura de la Royal Opera House de Londres y, tras seis años de trabajo, presentó Troilus and Cressida , cuyo estreno en 1954 no tuvo el éxito esperado. En 1967 estrenó El oso , una comedia en un acto que parodiaba los excesos vocales de la ópera tradicional.

Michael Tippett se inspiró en Die Zauberflöte de Mozart para su primera ópera, The Midsummer Marriage ( 1955). Sus siguientes proyectos fueron todos diferentes en tema y estructura: King Priam (1962), The Knot Garden (1970), The Ice Break (1977) y New Year (1989). En este último introdujo algunos elementos de rap.

Harrison Birtwistle logró un gran éxito con su primera ópera, Punch and Judy (1968), que se destacó por su falta de narración directa, siendo una historia contada desde varios puntos de vista. Repitió la misma fórmula en La máscara de Orfeo (1984). Otros trabajos suyos fueron Yan Tan Tethera (1986), Gawain (1991), The Second Mrs. Kong (1994) y The Last Supper (2000).

Mark-Anthony Turnage desarrolló un trabajo innovador, con gran influencia del jazz y gusto por la percusión. En Griego (1988) exigió a los cantantes una declamación vocal que debía sonar como si no fuera ópera. En 1997 adaptó El país de los ciegos de HG Wells y, en 2002, una obra de Sean O'Casey, The Silver Tassie .

Notable en el minimalismo fue Michael Nyman, autor de El hombre que confundió a su esposa con un sombrero ( The Man who confundió a su esposa con un sombrero , 1986) y Facing Goya (2000).

Otros exponentes fueron: Lennox Berkeley ( Ruth , 1956; The Castaway , 1967), Arthur Bliss ( The Olympians , 1949; Tobias and the Angel , 1960), Alan Bush ( Wat Tyler , 1950; The Man of Blackmoor , 1955; The Sugar Reapers , 1964), Peter Maxwell Davies ( Taverner , 1962; The Lighthouse , 1980), Thea Musgrave ( Mary, Queen of Scots , 1977; A Christmas Carol , 1978) y John Tavener ( St. Mary of Egypt , 1992). Más recientemente, Thomas Adès ( Powder Her Face , 1995;La tempestad , 2004), Judith Weir ( Una noche en la ópera china , 1987) y George Benjamin ( Escrito sobre la piel , 2012).

Francia e Italia

En Francia, uno de los músicos más destacados de la época fue Olivier Messiaen. Alumno de Paul Dukas, integró en su estilo diversas influencias, desde el clásico hasta el serialismo y la música oriental. Compuso una sola ópera, Saint-François d'Assise ( Saint-François d'Assise , 1983), una obra muy escénica, que incluía tres olas Martenot.

Emmanuel Bondeville was director of the Opéra-Comique and the Paris Opera. He was the author of Madame Bovary (1951), based on the play by Gustave Flaubert, and Antoine et Cléopâtre (Antony and Cleopatra, 1974), based on Shakespeare.

Philippe Fénelon was a disciple of Messiaen, author of operas such as Le chevalier imaginaire (1992), Salammbô (1998) and Faust (2007).

In Italy, Luigi Dallapiccola framed himself in serialism, with a strong influence of Schönberg, as is evident in his first opera, Volo di notte (Night Flight, 1940), based on a work by Antoine de Saint-Exupéry. In 1949 he premiered Il prigioniero, in which he used three rows of twelve tones that symbolically connected each element of the opera. It was followed by Job (1950) and Ulisse (1968), which were not as successful.

Luigi Nono started in serialism and then moved on to electronic music. He was the author of Intolleranza 1960 (1961), which was followed by Al gran sole carico d'amore (1975) and Prometeo. Tragedia dell'ascolto (1984).

Luciano Berio, a disciple of Dallapiccola, evolved from neoclassicism towards integral serialism. He composed some operas, such as Opera (Opera, 1970), La vera storia (The true story, 1982), Un re in ascolto (A king listens, 1984) — the last two with librettos by Italo Calvino — Outis (1996) and Cronaca del luogo (Chronicle of the place, 1999). He also composed a new finale for the opera Turandot by Giacomo Puccini, replacing Franco Alfano's, which he premiered in 2002.

Otros exponentes fueron: Franco Mannino ( Vivì , 1957; Il diavolo in giardino , 1963; Il ritratto di Dorian Gray , 1982), Jacopo Napoli ( Miseria e nobiltà , 1945; Massaniello , 1953), Goffredo Petrassi ( Il cordovano , 1949; Morte dell'aria , 1960), Renzo Rossellini ( La guerra , 1956; Il vortice , 1958; Uno sguardo dal ponte , 1961) y Nino Rota ( Il cappello di paglia di Firenze , 1944). Más recientemente, cabe mencionar: Lorenzo Ferrero ( Salvatore Giuliano , 1986;La Conquista , 2005; Risorgimento! , 2011) y Salvatore Sciarrino ( Luci mie traditrici , 1998).

Alemania y Austria

En Alemania, Karlheinz Stockhausen fue uno de los representantes más destacados del serialismo y la música electrónica. Abordó uno de los proyectos operísticos más complejos, Licht: Die Sieben Tage der Woche ( Luz: Los siete días de la semana ), un ciclo de siete óperas compuestas entre 1977 y 2003. Fue estrenada íntegramente en 2011, aunque cada una parte ya se había estrenado por separado. La pretensión de Stockhausen era realizar un “teatro cósmico” que uniera música y religión, en busca de una visión trascendental del ser humano.

Bernd Alois Zimmermann fue un músico de vanguardia influenciado por el dodecafonismo de Schönberg y por compositores como Stravinsky, Honegger, Poulenc y Milhaud. En su trabajo unió sonidos acústicos y electrónicos, y utilizó la grabación como recurso adicional. Compuso una sola ópera, Die Soldaten ( Los soldados , 1965), que fue considerada una de las mejores óperas alemanas de la segunda mitad del siglo. Fue una obra innovadora, con un escenario de cinco niveles en el que se podían representar hasta tres escenas simultáneamente.

Hans Werner Henze reunió en su obra el expresionismo, el serialismo, el dodecafonismo, el neoclasicismo y la música popular como el jazz. Tras su primera ópera de larga duración, Boulevard Solitude (1952), se trasladó a Italia, donde su estilo se hizo más sensual y exuberante, en obras como König Hirsch ( El rey ciervo , 1956), Der Prinz von Homburg (1960), Elegie für junge Liebende ( Elegía para jóvenes amantes , 1961), Der junge Lord ( El joven señor , 1965) y Die Bassariden ( Las bacantes , 1962). Sus siguientes obras expresaron su compromiso político de izquierda: Venimos al río(1976), Die englische Katze (1983). En L'Upupa und der Triumph der Sohnesliebe ( La abubilla y el triunfo del amor filial , 2003) también escribió el libreto.

Wolfgang Rihm fue alumno de Stockhausen, aunque buscó ir más allá de los lenguajes experimentales en busca de una mayor expresividad. Influenciado por el teatro de la crueldad de Antonin Artaud , buscó una mayor comunión entre la interpretación musical y el público, a través de una orquesta más texturada, una vocalidad matizada y una música lírica y dinámica. Compuso seis óperas : Faust und Yorick (1976), Jakob Lenz (1978), Die Hamletmaschine (1986), Edipo (1987), Die Eroberung von Mexico ( La conquista de México , 1992) y Séraphin (1994).

Wolfgang Fortner fue autor de dos óperas basadas en obras de Federico García Lorca: Bluthochzeit ( Bodas de sangre , 1958) e In seinem Garten lebt Don Perlimplín mit Belisa ( Don Perlimplín con Belisa en su jardín , 1962). También compuso la ópera buffa Corinna (1958) y Elisabeth Tudor (1972).

Otros compositores alemanes fueron: Boris Blacher ( Fürstin Tarakanowa , 1945; Die Flut [ El diluvio ], 1947; Preußisches Märchen [ Cuento de hadas prusiano ], 1949), Paul Dessau ( Die Verurteilung des Lukullus [ La condenación de Lúculo ], 1951; Puntila , 1966; Einstein , 1974), Giselher Klebe ( Die Räuber [ Los bandidos ], 1957; Figaro lässt sich scheiden [ Fígaro se divorcia ], 1963), Helmut Lachenmann ( Das Mädchen mit den Schwefelhölzern [La cerillera ], 1996) y Aribert Reimann ( Ein Traumspiel [ Fantasmagoría ], 1965; Lear , 1978; Bernarda Albas Haus [ La casa de Bernarda Alba ], 2000).

En Austria, Gottfried von Einem fue influenciado por Stravinsky, Prokofiev y el jazz. Debutó con Dantons Tod ( La muerte de Danton , 1947), sobre un texto de Georg Büchner, y Der Prozeß ( El proceso , 1953), sobre la obra de Franz Kafka. En 1971 estrenó Der Besuch der alten Dame ( La visita de la anciana ), basada en la obra de teatro de Friedrich Dürrenmatt. Su última ópera fue Kabale und Liebe (1976), basada en la obra de Friedrich Schiller que Verdi utilizó para Luisa Miller .

Estados Unidos

En los Estados Unidos, Samuel Barber se destacó como melodista, con un estilo conservador a veces descrito como posromántico. Colaboró ​​en ocasiones con Gian Carlo Menotti, quien escribió el libreto de su primera y más famosa ópera, Vanessa (1957), basada en una obra de teatro de Isak Dinesen, por la que ganó un premio Pulitzer. Más grandilocuente fue Antonio y Cleopatra (1966), encargada para la Ópera Metropolitana. Por su parte, el italoamericano Menotti era un talento precoz, ya con trece años había escrito dos óperas. Influenciado por el verismo italiano, su obra destaca por su melodramatismo: Amelia Goes to the Ball ( Amelia Goes to the Ball , 1937), The Medium (El médium , 1946), El teléfono (1947), El cónsul (1950), Amahl y los visitantes nocturnos ( Amahl y los visitantes nocturnos , 1951), El santo de la calle Bleecker (1954).

Leonard Bernstein fue compositor y director de orquesta, autor de numerosos musicales y bandas sonoras de películas. Su primera ópera fue Trouble in Tahiti (1951), en la que mezclaba el género operístico tradicional con la música pop. En 1956 estrenó su opereta cómica Candide , con la que no quedó muy satisfecho y retocó durante treinta años.

Carlisle Floyd compuso dos óperas durante su etapa de estudiante: Slow Dusk (1949) y The Fugitives (1951). Con Susannah (1955), que combinó cierto posromanticismo con elementos del folclore estadounidense —especialmente himnos cuáqueros— obtuvo un gran éxito y excelentes críticas. Sus siguientes trabajos no tuvieron tanto éxito: Cumbres Borrascosas ( Cumbres Borrascosas , 1958), basada en la obra de Emily Brontë; y Of Mice and Men ( Of Mice and Men , 1969), basada en un texto de John Steinbeck.

John Adams fue descrito como un minimalista, aunque en su música se encuentran ecos neorrománticos y elementos de la música popular, como el jazz, el ragtime, el swing, el pop y el rock. Su primera ópera fue Nixon en China (1987), a la que siguieron La muerte de Klinghoffer ( La muerte de Klinghoffer , 1991), las óperas-oratorios El Niño (2000) y El evangelio según la otra María (2012) y otras obras escénicas. .

Philip Glass fue uno de los representantes más destacados del minimalismo, estilo que, frente a las estructuras densas que se usaban en la época en Europa, buscaba elaborar música con pocos elementos, utilizando por ejemplo patrones repetitivos en diferente velocidad, duración y volumen, en alteraciones escalonadas o superpuestas. También estuvo influenciado por la música oriental —especialmente india— y norteafricana. En 1967 formó el Philip Glass Ensemble. Su primera ópera, Einstein on the Beach ( Einstein on the Beach , 1976), lo catapultó a la fama. Le siguieron Satyagraha (1980) y Akhnaten (1984). Tras su ópera El viaje (1992) realizó una trilogía basada en películas de Jean Cocteau: Orphée(1993), La Belle et la Bête (1994) y Les enfants terribles (1996). En 1998 estrenó una ópera digital en 3-D, Monsters of Grace . Otro exponente del minimalismo fue Steve Reich ( Three Tales , 2002).

También hay que mencionar a: Mark Adamo ( Mujercitas [ Mujercitas ], 1998; Lysistrata , 2005), George Antheil ( Volpone , 1953; The Brothers , 1954; The Wish , 1955), Marc Blitzstein ( Regina , 1949; Idiots First , 1963), William Bolcom ( Casino Paradise , 1990; A View from the Bridge , 1999) y Aaron Copland ( The Tender Land , 1954).

españa y america latina

España entra en la modernidad en la segunda mitad del siglo, tras dejar atrás el nacionalismo musical y la práctica desaparición de la zarzuela. Xavier Montsalvatge destacó por su hábil manejo de la instrumentación, con cierta influencia de Olivier Messiaen. Fue autor de El gato con botas (1947) y Una voz en off (1961). Roberto Gerhard fue alumno de Schönberg y el primer compositor español en utilizar el dodecafonismo. También fue influenciado por Falla. Fue autor de la ópera La dueña (1951). Luis de Pablo, autodidacta, partió del serialismo hacia la música aleatoria, mientras practicaba la música electrónica. Fue autor de las óperas Kiú (1982), El viajero indiscreto(1988) y La madre invita a comer (1992). Cristóbal Halffter desarrolló su obra a partir del serialismo y el dodecafonismo. Fue autor de las óperas Don Quijote (2000) y Lázaro (2007). También hay que mencionar a: Salvador Bacarisse ( El tesoro de Boabdil , 1958), Xavier Benguerel ( Llibre vermell , 1988), José María Cano Cano ( Luna , 1998), Francisco Escudero ( Gernika , 1987), Josep Maria Mestres Quadreny ( El Ganxo , 1959; Cap de Mirar , 1991), Joaquín Nin-Culmell ( La Celestina, 1965), Matilde Salvador ( Vinatea , 1974), Tomás Marco ( Selene , 1974), Amando Blanquer ( El triunfo de Tirant , 1992), Carles Santos ( Asdrúbila , 1992; Ricardo y Elena , 2000) y Joan Guinjoan ( Gaudí , 2004).

Latin America entered into full modernity at this time. In Argentina, Alberto Ginastera composed in a neo-expressionist style heir to serialism, as denoted in his operas Don Rodrigo (1964), Bomarzo (1967) and Beatrix Cenci (1971). Bomarzo was banned in Argentina for its scenes of sex and violence. Mauricio Kagel moved between neoclassicism and aleatoric music, with an eclectic, anti-conventional style, in which a sense of humor and irony stand out. In Sur Scène (1962), considered an anti-opera, he made a rupturist exercise with a deconstruction of traditional opera. He repeated with Staatstheater (1970), an experimental opera without libretto or plot, with recorded orchestral music, a ballet without dance and a choir of sixty voices singing solo. In Aus Deutschland (1981) he presented Schubert and Goethe singing a black spiritual. Other Argentine authors were: Juan José Castro (La zapatera prodigiosa, 1943; Bodas de sangre, 1953) and Astor Piazzolla (María de Buenos Aires, 1968, opera-tango). Already in the 21st century it is worth mentioning Osvaldo Golijov (Ainadamar, 2003).

En Brasil, Heitor Villa-Lobos, de forma autodidacta, estudió las formas musicales de las tribus nativas de su país, que influyeron en su música. Durante una estancia en París asimiló las novedades de la vanguardia musical, especialmente las de Erik Satie y Darius Milhaud. Fue autor de Magdalena (1948), Yerma (1955) y A Menina das Nuvens ( La niña de las nubes , 1957).

En Chile cabe mencionar a Juan Orrego-Salas, autor de El retablo del rey pobre (1952). El exponente de Ecuador fue Luis Humberto Salgado ( Cumandá , 1940; El centurión , 1959–1961; Eunice , 1956–1962). En México, cabe mencionar a Carlos Chávez ( Pánfilo y Laurita , luego rebautizado como Los visitantes , 1957).

Otros países

En la Unión Soviética (Rusia desde 1991), la música gozó del proteccionismo estatal, aunque bajo las pautas estilísticas y argumentativas impuestas por el régimen, generalmente ligadas a un cierto nacionalismo posromántico. Tikhon Khrénnikov se destacó como músico sinfónico y fue autor de varias óperas, entre ellas Frol Skobeiev (1950) y Mat ( La madre , 1957), basadas en una novela de Maksim Gorky. Fikret Amirov compuso ballets, música sinfónica y de concierto y algunas óperas, entre las que destaca Syevil (1953), que recompuso en tres ocasiones hasta estrenar la versión definitiva en 1980. Otros exponentes fueron: Vissarion Shebalin ( Ukroshcheniye stroptivoy [La fierecilla domada ], 1957; Solntse nad stepyu [ El sol sobre la estepa ], 1958) y Rodion Shchedrin ( Oratoriya Lenina [ Oratorio de Lenin ], 1972; Lolita , 1992).

En Hungría, György Ligeti desarrolló una obra ecléctica en la que cada una de sus composiciones era independiente del resto, aunque se apreciaba cierta tendencia neodadaísta. Compuso una sola ópera, Le Grand Macabre (1976), con una partitura un tanto caótica que incluía fragmentos alusivos a otros compositores, así como diversos sonidos heterodoxos, tanto guturales como de instrumentos como trompas y silbatos.

En Finlandia, Aulis Sallinen se movía en un lenguaje tonal tradicional, con un gran sentido de compenetración entre la música y el teatro. Su primera ópera, Ratsumies ( El jinete , 1975), fue un gran éxito, por lo que la Ópera Nacional de Finlandia le encargó otra obra, Punainen viiva ( La línea roja , 1978). El siguiente encargo fue de la BBC y la Royal Opera House de Londres, Kunningas lähtee Ranskaan ( El rey marcha a Francia , 1983). Otras obras suyas fueron Kullervo (1988), Palatsi ( El palacio , 1995, ópera de cámara) y El rey Lear (2000).Einojuhani Rautavaara se dedicó mayoritariamente a la música sinfónica, pero incursionó en la ópera con Apollo v. Marsyas (1973), tras la cual concibió una trilogía en la que elaboró ​​texto y música: Sammon Ryosto ( The Myth of Sampo , 1982), Thomas (1986) y Vicente (1990). Más recientemente, el destacado compositor Kaija Saariaho ( L'amour de loin [ Amor a distancia ], 2000; Only the Sounds Remains [ Sólo quedan los sonidos ], 2015).

El polaco Krzysztof Penderecki fue un virtuoso del violín además de compositor, con un estilo vanguardista heredero del atonalismo. Compuso cuatro óperas, de difícil interpretación vocal por la densidad orquestal —con glissandos y vibratos— y los sonidos guturales integrados en sus composiciones: The Devils of Loudun (1969), Paradise Lost (1978), Die Schwarze Maske (1986) y Ubú Rex (1991).

El eslovaco Eugen Suchoň mostró cierta influencia de Leoš Janáček, en óperas como Krútňava ( El remolino , 1949) y Svätopluk (1960).

En Suecia, destacan en estos años: Karl-Birger Blomdahl ( Aniara , 1959) e Hilding Rosenberg ( Hus med dubbel ingäng [ Casa con dos puertas ], 1970).

En Bélgica, Philippe Boesmans denota la influencia de Henri Pousseur, como se ve en Reigen (1993) y Wintermärchen ( Cuento de invierno , 1999).

En Israel, Marc Lavry compuso la primera ópera en hebreo: Dan ha-shomer ( Dan the guard , 1945). Los trabajos posteriores incluyen Menachem Avidom ( Aleksandrah , 1961).

John Haddock fue el autor de la primera ópera australiana: Madelin Lee (2004).

El chino Tan Dun, radicado en EE. UU., se destacó por su música para películas y eventos como los Juegos Olímpicos de Beijing 2008, y fue autor de varias óperas: Marco Polo (1996), Tea: A Mirror of Soul (2002) y El primer emperador . (2006).

En Tailandia, el compositor Somtow Papinian Sucharitkul, sobrino nieto del rey Rama VI, fue el impulsor del establecimiento de la ópera en el país y autor de las primeras óperas nacionales: Madana (1999), Mae Naak (2001), Ayodhya (2006 ).

Cantantes del siglo XX

Entre las cantantes de ópera más destacadas del siglo XX cabe mencionar: Victoria de los Ángeles, soprano española de gran presencia escénica; Janet Baker, mezzosoprano inglesa intérprete de obras tradicionales y numerosas obras de Britten y Walton; Cecilia Bartoli, mezzosoprano italiana especialista en Handel, Mozart y Rossini; Teresa Berganza, mezzosoprano española descrita por Herbert von Karajan como la "mejor mezzosoprano del mundo"; Carlo Bergonzi, tenor italiano apodado el "tenor de los tenores", ideal en los papeles verdianos; Jussi Björling, tenor lírico sueco que destacó en el repertorio italiano; Montserrat Caballé, soprano española de renombre internacional, intérprete de bel cantoy géneros menores como la zarzuela; Maria Callas, soprano griega, una de las divas más famosas de todos los tiempos, que combinó intensidad dramática y precisión técnica; Piero Cappuccilli, intérprete barítono italiano de Verdi; José Carreras, tenor español, formó el grupo Los Tres Tenores con Domingo y Pavarotti; Boris Christoff, el bajo búlgaro considerado el mejor en el papel de Boris Godunov, así como en óperas de Verdi; Plácido Domingo, tenor español con una gran variedad de roles, el que más discos ha grabado en la historia; Dietrich Fischer-Dieskau, barítono y director de orquesta alemán, muy solicitado en recitales de ópera; Kirsten Flagstad, soprano noruega que interpretó varios papeles wagnerianos; Juan Diego Flórez, tenor ligero peruano especialista en Rossini y Donizetti; Nicolai Gedda, tenor sueco que dominaba varios idiomas, lo que le permitió una gran variedad de papeles; Beniamino Gigli, tenor italiano que sucedió a Caruso en el Metropolitan de Nueva York, de voz dulce y ligera; Tito Gobbi, barítono italiano de gran presencia escénica; Elisabeth Grümmer, soprano alemana de voz pura y amplio registro; Marilyn Horne , mezzosoprano estadounidense que interpretó Händel y bel cantoobras; Hans Hotter, bajo-barítono alemán del repertorio wagneriano; María Jeritza, soprano checa que triunfó en el período de entreguerras; Alfredo Kraus, tenor de lírica ligera española, principalmente de repertorio italiano y francés; Lotte Lehmann, soprano alemana de Wagner y Strauss; Christa Ludwig, mezzosoprano alemana, una de las favoritas de Karajan; Giovanni Martinelli, tenor italiano de elevada tesitura, actuó en el Metropolitan durante treinta y tres años; Lauritz Melchior, tenor danés, el holdentenor más famosowagneriano del siglo; Birgit Nilsson, soprano sueca de voz amplia y potente, ideal para registros wagnerianos; Jessye Norman, soprano estadounidense de amplio repertorio; Luciano Pavarotti, tenor italiano de grandes dotes vocales, uno de los más célebres y carismáticos de los últimos tiempos; Ezio Pinza, bajo italiano que actuó varias temporadas en el Metropolitan, así como en musicales y películas; Rosa Ponselle, soprano estadounidense de voz profunda y altisonante; Leontyne Price, soprano estadounidense que se destacó en papeles verdianos; Friedrich Schorr, barítono bajo húngaro con registro wagneriano; Ernestine Schumann-Heink, contralto austriaca de amplio registro; Elisabeth Schwarzkopf, soprano alemana que se destacó en los papeles de Mozart; Léopold Simoneau, tenor canadiense especializado en Mozart; Mariano Stabile, barítono italiano que destacó en el papel de Falstaff, que interpretó 1200 veces; Giuseppe Di Stefano, tenor italiano que formó pareja artística con Maria Callas; Conchita Supervía, mezzosoprano española que destacó en los papeles de Rossini; Joan Sutherland , soprano australiana capaz de una gran destreza vocal, por la que se destacó enbel canto ; Renata Tebaldi, soprano italiana, una de las estrellas del Metropolitan Opera junto a Maria Callas, con quien rivalizó; Bryn Terfel, barítono galés con un repertorio que va desde Mozart hasta Wagner; Jon Vickers, tenor heroico canadiense que se destacó tanto en la interpretación como en el canto; Leonard Warren, barítono dramático estadounidense, el único en su época en llegar al do alto; y Fritz Wunderlich, tenor lírico alemán de potente voz.