Filosofía de la música

La filosofía de la música es el estudio de "cuestiones fundamentales sobre la naturaleza de la música y nuestra experiencia de ella". El estudio filosófico de la música tiene muchas conexiones con cuestiones filosóficas en metafísica y estética. La expresión nació en el siglo XIX y se utiliza especialmente como nombre de una disciplina desde la década de 1980.

Algunas cuestiones básicas en la filosofía de la música son:

• ¿Cuál es la definición de música? (¿Cuáles son las condiciones necesarias y suficientes para clasificar algo como música?)
• ¿Cuál es la relación entre la música y la mente?
• ¿Cuál es la relación entre la música y el lenguaje?
• ¿Qué nos revela la historia de la música sobre el mundo?
• ¿Cuál es la conexión entre la música y las emociones? (en el siglo XIX comenzó un debate sobre si la música puramente instrumental podía transmitir emociones y representar escenas imaginarias)
• ¿Qué es el significado en relación con la música?

Filósofos, críticos musicales, musicólogos, teóricos de la música y otros académicos han hecho contribuciones a la filosofía de la música.

Cuestiones filosóficas

Definicion de musica

“Las explicaciones del concepto de música suelen comenzar con la idea de que la música es sonido organizado. Continúan señalando que esta caracterización es demasiado amplia, ya que hay muchos ejemplos de sonido organizado que no son música, como el habla humana y el sonidos que hacen los animales no humanos y las máquinas". Hay muchas maneras diferentes de denotar los aspectos fundamentales de la música que son más específicos que el "sonido": los aspectos populares incluyen la melodía (tonos que ocurren consecutivamente), la armonía (tonos considerados como grupos, que no necesariamente suenan al mismo tiempo, para formar acordes).), ritmo, métrica y timbre (también conocido como el "color" de un sonido).

Sin embargo, la música de ruido puede consistir principalmente en ruido. Musique concrète a menudo consiste solo en muestras de sonido de naturaleza no musical, a veces en yuxtaposición aleatoria. La música ambiental puede consistir en grabaciones de la vida silvestre o la naturaleza. La llegada de estas formas de música de vanguardia en el siglo XX ha sido un gran desafío para las visiones tradicionales de la música que se basan en melodías y ritmos, lo que lleva a demandas de caracterizaciones más amplias.

Música absoluta vs música de programa

Hubo un intenso debate sobre la "música absoluta" frente a la "música de programa" durante la era romántica tardía a fines del siglo XIX. Los defensores de la perspectiva de la "música absoluta" argumentaron que la música instrumental no transmite emociones o imágenes al oyente, pero afirmaron que la música no trata explícitamente "sobre" nada y que no es representativa. La idea de música absoluta se desarrolló a finales del siglo XVIII en los escritos de autores del primer romanticismo alemán, como Wilhelm Heinrich Wackenroder, Ludwig Tieck y ETA Hoffmann.

Los partidarios de la perspectiva de la "música programática" creían que la música podía transmitir emociones e imágenes. Un ejemplo de música programática es la Sinfonía fantástica de Berlioz, en la que el cuarto movimiento es la descripción que hace el compositor de la historia de un artista que se envenena con opio y luego es ejecutado. La mayoría de la oposición a la música absolutamente instrumental provino del compositor Richard Wagner (destacado por sus óperas) y los filósofos Friedrich Nietzsche y Georg Wilhelm Friedrich Hegel. Las obras de Wagner eran principalmente programáticas y con frecuencia utilizaban la vocalización, y dijo que "Donde la música no puede ir más allá, llega la palabra... la palabra está por encima del tono". Nietzsche escribió muchos comentarios aplaudiendo la música de Wagner y también fue un compositor aficionado.

Otros filósofos románticos y defensores de la música absoluta, como Johann von Goethe, vieron la música no solo como un "lenguaje" humano subjetivo, sino como un medio trascendente absoluto de mirar hacia un reino superior de orden y belleza. Algunos expresaron una conexión espiritual con la música. En la Parte IV de su obra principal, El mundo como voluntad y representación (1819), Arthur Schopenhauer dijo que "la música es la respuesta al misterio de la vida. La más profunda de todas las artes, expresa los pensamientos más profundos de la vida". En "Las etapas inmediatas de lo erótico o erótico musical", un capítulo de O bien o bien (1843), Søren Kierkegaard examina la profundidad de la música de Wolfgang Amadeus Mozart y la naturaleza sensual de Don Giovanni.

Significado y propósito

En su libro de 1997 Cómo funciona la mente, Steven Pinker denominó a la música "pastel de queso auditivo", una frase que desde entonces ha servido como un desafío para los musicólogos y psicólogos que creen lo contrario. Entre los que notaron este revuelo estuvo Philip Ball en su libro The Music Instinct, donde señaló que la música parece llegar al núcleo mismo de lo que significa ser humano: "Hay culturas en el mundo donde decir 'No soy musical' no tendría sentido", escribe Ball, "similar a decir 'No estoy vivo'". En un debate filmado, Ball sugiere que la música podría obtener su poder emotivo a través de su capacidad para imitar a las personas y tal vez su capacidad para atraernos radica en la música.

Estética de la música

En la tradición premoderna, la estética de la música o estética musical exploró las dimensiones matemáticas y cosmológicas de la organización rítmica y armónica. En el siglo XVIII, el enfoque se centró en la experiencia de escuchar música y, por lo tanto, en las preguntas sobre su belleza y el disfrute humano (plaisir y jouissance) de la música. El origen de este cambio filosófico a veces se atribuye a Baumgarten en el siglo XVIII, seguido de Kant. A través de su escritura, el antiguo término estética, que significa percepción sensorial, recibió su connotación actual. En las últimas décadas, los filósofos han tendido a enfatizar temas además de la belleza y el disfrute. Por ejemplo, la capacidad de la música para expresar emociones ha sido un tema central.

La estética es una subdisciplina de la filosofía. En el siglo XX, Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton y Stephen Davies hicieron contribuciones importantes. Sin embargo, muchos músicos, críticos musicales y otros no filósofos han contribuido a la estética de la música. En el siglo XIX, surgió un importante debate entre Eduard Hanslick, crítico musical y musicólogo, y el compositor Richard Wagner. Harry Partch y algunos otros musicólogos, como Kyle Gann, han estudiado y tratado de popularizar la música microtonal y el uso de escalas musicales alternativas. Además, muchos compositores modernos como La Monte Young, Rhys Chatham y Glenn Branca prestaron mucha atención a un sistema de afinación llamado entonación justa.

Ha habido una fuerte tendencia en la estética de la música a enfatizar la importancia primordial de la estructura compositiva; sin embargo, otros temas relacionados con la estética de la música incluyen el lirismo, la armonía, el hipnotismo, la emotividad, la dinámica temporal, la resonancia, el juego y el color (ver también desarrollo musical).

A menudo se piensa que la música tiene la capacidad de afectar nuestras emociones, intelecto y psicología; puede mitigar nuestra soledad o incitar nuestras pasiones. El filósofo Platón sugiere en La República que la música tiene un efecto directo sobre el alma. Por tanto, propone que en el régimen ideal la música estaría estrechamente regulada por el Estado (Libro VII).