Danza

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Realización de arte consistente en movimiento del cuerpo
A man and woman, mid-leap
Dos bailarines modernos

Danza es una forma de arte escénico que consiste en secuencias de movimiento, ya sea improvisadas o seleccionadas a propósito. Este movimiento tiene un valor estético ya menudo simbólico. La danza se puede categorizar y describir por su coreografía, por su repertorio de movimientos, o por su período histórico o lugar de origen.

Se debe hacer una distinción importante entre los contextos de danza teatral y participativa, aunque estas dos categorías no siempre están completamente separadas; ambos pueden tener funciones especiales, ya sean sociales, ceremoniales, competitivas, eróticas, marciales o sagradas/litúrgicas. A veces se dice que otras formas de movimiento humano tienen una cualidad similar a la danza, incluidas las artes marciales, la gimnasia, las porristas, el patinaje artístico, la natación sincronizada, las bandas de música y muchas otras formas de atletismo. Hay muchos atletas profesionales como futbolistas profesionales y jugadores de fútbol que toman clases de baile para ayudar con sus habilidades. Para ser más específicos, los atletas profesionales toman muchas clases de ballet porque el ballet es la base de muchas cosas que hacemos en la vida. El ballet ayuda con el equilibrio, la fuerza central y la fuerza de las piernas.

La danza requiere la misma cantidad de enfoque cognitivo que de fuerza física. La forma de arte exigente pero en evolución permite a las personas expresarse creativamente a través del movimiento, al tiempo que les permite adaptar el movimiento que posee un patrón rítmico y movimientos fluidos que atraen a la audiencia, ya sea en el escenario o en la película. La danza se considera una forma de arte estéticamente agradable.

Rendimiento y participación

Miembros de una compañía americana de baile de jazz realizan una rutina formal de grupo en un escenario de baile de conciertos

La danza teatral, también llamada actuación o danza de concierto, está pensada principalmente como un espectáculo, generalmente una actuación sobre un escenario de bailarines virtuosos. A menudo cuenta una historia, quizás usando mimo, vestuario y escenografía, o bien puede interpretar el acompañamiento musical, que a menudo se compone especialmente y se ejecuta en un escenario de teatro, pero no es un requisito. Algunos ejemplos son el ballet occidental y la danza moderna, la danza clásica india como Bharatanatyam y los dramas de canciones y bailes chinos y japoneses como la danza del dragón. La mayoría de las formas clásicas se centran únicamente en la danza, pero la danza escénica también puede aparecer en la ópera y otras formas de teatro musical.

La danza participativa, por otro lado, ya sea una danza folclórica, una danza social, una danza grupal como una línea, un círculo, una cadena o una danza cuadrada, o una danza en pareja, como es común en los bailes de salón occidentales, se lleva a cabo principalmente para un propósito común, como la interacción social o el ejercicio, o para aumentar la flexibilidad de los participantes, en lugar de brindar algún beneficio a los espectadores. Tal danza rara vez tiene una narrativa. Un baile de grupo y un corps de ballet, un baile de pareja social y un pas de deux difieren profundamente. Incluso un baile en solitario puede emprenderse únicamente para la satisfacción del bailarín. Los bailarines participativos a menudo emplean los mismos movimientos y pasos pero, por ejemplo, en la cultura rave de la música dance electrónica, grandes multitudes pueden participar en el baile libre, sin coordinación con quienes los rodean. Por otro lado, algunas culturas establecen reglas estrictas en cuanto a los bailes particulares en los que, por ejemplo, pueden o deben participar hombres, mujeres y niños.

Historia

Bailadores mesolíticos en Bhimbetka

La evidencia arqueológica de la danza temprana incluye pinturas de 10 000 años de antigüedad en Madhya Pradesh, India, en los refugios rocosos de Bhimbetka, y pinturas de tumbas egipcias que representan figuras danzantes, fechadas c. 3300 a.C. Se ha propuesto que antes de la invención de los lenguajes escritos, la danza era una parte importante de los métodos orales y de actuación para transmitir historias de una generación a la siguiente. Se cree que el uso de la danza en estados de trance extático y rituales curativos (como se observa hoy en muchas culturas "primitivas" contemporáneas, desde la selva tropical brasileña hasta el desierto de Kalahari) fue otro factor temprano en el desarrollo social de danza.

Bailarines y músicos en un tazón sasaniano, Irán

Las referencias a la danza se pueden encontrar en la historia registrada muy temprana; La danza griega (horos) es mencionada por Platón, Aristóteles, Plutarco y Luciano. La Biblia y el Talmud se refieren a muchos eventos relacionados con la danza y contienen más de 30 términos de danza diferentes. En la cerámica china ya en el período Neolítico, se representan grupos de personas bailando en una línea tomados de la mano, y la palabra china más antigua para 'baile' se encuentra escrito en los huesos del oráculo. La danza se describe con más detalle en el Lüshi Chunqiu. La danza primitiva en la antigua China estaba asociada con la hechicería y los rituales chamánicos.

Estatuilla de bronce griega de una bailarina velada y enmascarada, siglo 3 a 2 a.C., Alexandria, Egipto

Durante el primer milenio a. C. en la India, se redactaron muchos textos que intentaban codificar aspectos de la vida cotidiana. El Natyashastra de Bharata Muni (literalmente "el texto de la dramaturgia") es uno de los textos anteriores. Se trata principalmente de teatro, en el que la danza juega un papel importante en la cultura india. Clasifica la danza en cuatro tipos: secular, ritual, abstracto e interpretativo, y en cuatro variedades regionales. El texto elabora varios gestos con las manos (mudras) y clasifica los movimientos de las distintas extremidades, pasos, etc. Desde entonces, una fuerte tradición continua de danza ha continuado en la India, hasta los tiempos modernos, donde continúa desempeñando un papel en la cultura, el ritual y, en particular, en la industria del entretenimiento de Bollywood. Muchas otras formas de danza contemporánea también se remontan a la danza histórica, tradicional, ceremonial y étnica.

Música

Dos mujeres bailan en un concierto de música pop en Sofía, Bulgaria.

La danza se realiza generalmente, aunque no exclusivamente, con acompañamiento de música y puede o no realizarse al ritmo de dicha música. Algunos bailes (como el claqué) pueden proporcionar su propio acompañamiento audible en lugar de (o además de) la música. Muchas formas tempranas de música y danza se crearon mutuamente y con frecuencia se interpretan juntas. Ejemplos notables de parejas tradicionales de baile/música incluyen el jig, el vals, el tango, la música disco y la salsa. Algunos géneros musicales tienen una forma de danza paralela como la música barroca y la danza barroca; otras variedades de danza y música pueden compartir nomenclatura pero desarrollarse por separado, como la música clásica y el ballet clásico. La coreografía y la música van de la mano, pues se complementan para expresar una historia contada por el coreógrafo y/o los bailarines.

Ritmo

El ritmo y la danza están profundamente vinculados en la historia y la práctica. El bailarín estadounidense Ted Shawn escribió; "La concepción del ritmo que subyace en todos los estudios de la danza es algo sobre lo que podríamos hablar eternamente y aún no terminar." Un ritmo musical requiere de dos elementos principales; primero, un pulso que se repite regularmente (también llamado "tiempo" o "tactus") que establece el tempo y, segundo, un patrón de acentos y silencios que establece el carácter de la métrica. o patrón rítmico básico. El pulso básico tiene aproximadamente la misma duración que un simple paso o gesto.

Un ritmo de tango básico

Las danzas generalmente tienen un tempo y un patrón rítmico característicos. El tango, por ejemplo, se suele bailar en 2
4 tiempo a aproximadamente 66 latidos por minuto. El paso lento básico, llamado "lento", dura un tiempo, de modo que un paso completo de "derecha-izquierda" paso equivale a uno 2
4 medida. El paso básico hacia adelante y hacia atrás del baile se cuenta así: "lento-lento" – mientras que muchas figuras adicionales se cuentan "lento – rápido-rápido.

Así como los ritmos musicales (p. ej., golpes de tambor) se definen por un patrón de golpes fuertes y débiles, los movimientos corporales repetitivos a menudo dependen de la alternancia de ritmos "fuertes" y "débil" movimientos musculares. Dada esta alternancia de izquierda-derecha, de adelante-atrás y de subir-bajar, junto con la simetría bilateral del cuerpo humano, es natural que muchos bailes y mucha música estén en compás doble y cuádruple. Dado que algunos de estos movimientos requieren más tiempo en una fase que en la otra, como el tiempo más largo requerido para levantar un martillo que para golpear, algunos ritmos de baile caen con la misma naturalidad en la triple métrica. De vez en cuando, como en las danzas folclóricas de los Balcanes, las tradiciones de baile dependen en gran medida de ritmos más complejos. Además, las danzas complejas compuestas por una secuencia fija de pasos siempre requieren frases y melodías de cierta longitud fija para acompañar esa secuencia.

Lululaund – The Dancing Girl (Pintura y tela de seda. A.L. Baldry 1901, before p. 107), La inscripción dice: "El baile es una forma de ritmo/ Rhythm es una forma de música/Música es una forma de pensamiento/ Y el pensamiento es una forma de divinidad."

El mismo acto de bailar, los propios pasos, generan un "esqueleto inicial de latidos rítmicos" eso debe haber precedido a cualquier acompañamiento musical por separado, mientras que la danza en sí misma, tanto como la música, requiere el cronometraje al igual que los movimientos repetitivos utilitarios como caminar, arrastrar y cavar adquieren, a medida que se refinan, algo de la calidad de la danza.

El acompañamiento musical, por lo tanto, surgió en la danza más antigua, por lo que los antiguos egipcios atribuyeron el origen de la danza al divino Athotus, de quien se decía que había observado que la música que acompañaba a los rituales religiosos hacía que los participantes se movieran rítmicamente y trajera estos movimientos en medida proporcional. La misma idea, que la danza surge del ritmo musical, todavía se encuentra en la Europa renacentista en las obras del maestro de danza Guglielmo Ebreo da Pesaro, quien habla de la danza como un movimiento físico que surge y expresa un movimiento espiritual interior que está de acuerdo con el &# 34;medidas y concordancias perfectas de armonía" que caen sobre el oído humano, mientras que, antes, Matilde de Magdeburgo, aprovechando la danza como símbolo de la vida santa prefigurada en Jesús' diciendo "he flautado y vosotros no habéis bailado", escribe;

No puedo bailar a menos que tú lideras. Si me tuvieras levantado, cantarás tú y yo mantendremos, en amor, en amor, en conocimiento, en éxtasis sobre todo sentido humano.

El célebre tratado de danza del siglo XVI Orchésographie de Thoinot Arbeau, de hecho, comienza con definiciones de más de ochenta ritmos de percusión distintos.

Helen Moller
El Waltz por Camille Claudel, 1905 cast

Como se ha mostrado anteriormente, a lo largo de los siglos se ha representado que la danza surgió como una respuesta a la música; sin embargo, como insinuó Lincoln Kirstein, es al menos tan probable que la música primitiva surgiera de la danza. Shawn está de acuerdo y afirma que la danza "fue el primer arte de la raza humana y la matriz a partir de la cual crecieron todas las demás artes". y que incluso el "metro en nuestra poesía actual es el resultado de los acentos necesarios para el movimiento del cuerpo, ya que el baile y la recitación se realizaron simultáneamente" – una afirmación algo respaldada por el uso común del término "pie" describir las unidades rítmicas fundamentales de la poesía.

Scholes, no un bailarín sino un músico, ofrece apoyo a este punto de vista, afirmando que las medidas constantes de la música, de dos, tres o cuatro tiempos por compás, sus frases iguales y equilibradas, cadencias regulares, contrastes y repeticiones, todo puede atribuirse a la "incalculable" influencia de la danza sobre la música.

Émile Jaques-Dalcroze, ante todo músico y profesor, relata cómo un estudio de los movimientos físicos de los pianistas lo llevó "al descubrimiento de que las sensaciones musicales de naturaleza rítmica exigen la respuesta muscular y nerviosa del conjunto organismo", para desarrollar "un entrenamiento especial diseñado para regular las reacciones nerviosas y efectuar una coordinación de músculos y nervios" y, en última instancia, buscar las conexiones entre "el arte de la música y el arte de la danza", que formuló en su sistema de euritmia. Concluyó que "el ritmo musical es sólo la transposición al sonido de movimientos y dinamismos que expresan espontánea e involuntariamente emociones".

Por lo tanto, aunque sin duda, como afirma Shawn, "es bastante posible desarrollar la danza sin música y... la música es perfectamente capaz de mantenerse en pie sin la ayuda de la danza", sin embargo, las "dos artes siempre estarán relacionadas y la relación puede ser provechosa tanto para la danza como para la música", siendo un punto discutible la precedencia de un arte sobre el otro. Las medidas comunes de balada de himnos y canciones populares toman su nombre de la danza, al igual que el villancico, originalmente una danza circular. Muchas piezas puramente musicales han sido nombradas "vals" o "minuet", por ejemplo, mientras que se han producido muchos bailes de concierto que se basan en piezas musicales abstractas, como Invenciones en 2 y 3 partes, Concierto para violín de Adams y Andantino. De manera similar, los poemas a menudo se estructuran y reciben nombres de danzas u obras musicales, mientras que tanto la danza como la música han elaborado su concepto de "medida" o "metro" de la poesía

Shawn cita con aprobación la afirmación de Dalcroze de que, mientras el arte del ritmo musical consiste en diferenciar y combinar duraciones de tiempo, pausas y acentos "según la ley fisiológica", el del "ritmo plástico& #34; (es decir, danza) "es designar movimiento en el espacio, interpretar valores de tiempo largos por movimientos lentos y cortos por movimientos rápidos, regular pausas por sus diversas sucesiones y expresar acentuaciones sonoras en sus múltiples matices por adiciones de peso corporal, por medio de inervaciones musculares".

Sin embargo, Shawn señala que el sistema de tiempo musical es una "cosa artificial hecha por el hombre... una herramienta manufacturada, mientras que el ritmo es algo que siempre ha existido y no depende en absoluto del hombre".;, siendo "el tiempo continuo que fluye que nuestras mentes humanas dividen en unidades convenientes", lo que sugiere que la música podría revivir mediante un retorno a los valores y la percepción del tiempo de la danza.

La bailarina estadounidense de principios del siglo XX, Helen Moller, afirmó que "son el ritmo y la forma más que la armonía y el color lo que, desde el principio, ha unido la música, la poesía y la danza en una unión indisoluble. "

Enfoques

Bailarinas femeninas dinastía Tang

Teatral

La danza de concierto, como la ópera, generalmente depende, para su forma a gran escala, de una estructura dramática narrativa. Los movimientos y gestos de la coreografía están destinados principalmente a imitar la personalidad y los objetivos de los personajes y su papel en la trama. Dichos requisitos teatrales tienden hacia movimientos más largos y libres que los habituales en los estilos de danza no narrativos. Por otro lado, el ballet blanc, desarrollado en el siglo XIX, permite interludios de danza rítmica que se convirtió en danza completamente "sin trama" ballets del siglo XX y que permitía pasos de baile rápidos y rítmicos como los del petit allegro. Un ejemplo bien conocido es The Cygnets' Danza en el segundo acto de El lago de los cisnes.

El ballet se desarrolló a partir de producciones dramáticas cortesanas de los siglos XVI y XVII en Francia e Italia y, durante algún tiempo, los bailarines interpretaron danzas desarrolladas a partir de las familiares de la suite musical, todas las cuales estaban definidas por ritmos definidos estrechamente identificados con cada danza.. Estos aparecieron como bailes de personajes en la era del nacionalismo romántico.

El ballet llegó a estar de moda en la era romántica, acompañado por una orquesta más grande y concepciones musicales más grandiosas que no se prestaban fácilmente a la claridad rítmica y por una danza que enfatizaba la mímica dramática. Se necesitaba un concepto más amplio de ritmo, el que Rudolf Laban denomina "ritmo y forma" de movimiento que comunica carácter, emoción e intención, mientras que solo ciertas escenas requerían la sincronización exacta del paso y la música esencial para otros estilos de baile, de modo que, para Laban, los europeos modernos parecían totalmente incapaces de comprender el significado de "primitivo rítmico". movimientos", una situación que comenzó a cambiar en el siglo XX con producciones como The Rite of Spring de Igor Stravinsky con su nuevo lenguaje rítmico que evoca sentimientos primarios de un pasado primitivo.

Los estilos de danza clásica de la India, como el ballet, suelen tener forma dramática, por lo que existe una complementariedad similar entre la expresión narrativa y la expresión "pura" danza. En este caso, los dos se definen por separado, aunque no siempre se realizan por separado. Los elementos rítmicos, que son abstractos y técnicos, se conocen como nritta. Sin embargo, tanto esta como la danza expresiva (nritya) están estrechamente ligadas al sistema rítmico (tala). Los maestros han adaptado el sistema mnemotécnico rítmico hablado llamado bol a las necesidades de los bailarines.

Los estilos de danza-teatro clásico japonés, como Kabuki y Noh, al igual que la danza-drama india, distinguen entre producciones de danza narrativa y abstracta. Las tres categorías principales de kabuki son jidaimono (histórico), sewamono (doméstico) y shosagoto (piezas de danza). De manera similar, Noh distingue entre Geki Noh, basado en el avance de la trama y la narración de la acción, y Furyū Noh, piezas de danza que involucran acrobacias, propiedades escénicas, múltiples personajes y acción escénica elaborada.

Participativo y social

Un baile contra, una forma de baile social participativo con raíces europeas mixtas

Los bailes sociales, aquellos destinados a la participación más que al público, pueden incluir varias formas de mímica y narrativa, pero por lo general se ajustan mucho más al patrón rítmico de la música, por lo que términos como vals y polka se refieren tanto a piezas musicales como a la danza misma. El ritmo de los bailarines' los pies pueden incluso formar una parte esencial de la música, como en el claqué. La danza africana, por ejemplo, tiene sus raíces en pasos básicos fijos, pero también puede permitir un alto grado de interpretación rítmica: los pies o el tronco marcan el pulso básico mientras que los hombros, las rodillas o la cabeza recogen los ritmos cruzados, con el mejores bailarines dando expresión plástica simultáneamente a todos los elementos del patrón polirrítmico.

Tradiciones culturales

África

"Kuduro"
Baile juvenil ugandés en una celebración cultural de la paz

La danza en África está profundamente integrada en la sociedad y los principales eventos de una comunidad se reflejan con frecuencia en las danzas: las danzas se realizan para nacimientos y funerales, bodas y guerras. Las danzas tradicionales imparten moral cultural, incluidas las tradiciones religiosas y las normas sexuales; dar rienda suelta a las emociones reprimidas, como el dolor; motivar a los miembros de la comunidad a cooperar, ya sea peleando guerras o moliendo granos; promulgar rituales espirituales; y contribuir a la cohesión social.

Miles de bailes se realizan en todo el continente. Estos pueden dividirse en estilos tradicionales, neotradicionales y clásicos: bailes folclóricos de una sociedad en particular, bailes creados más recientemente a imitación de estilos tradicionales y bailes transmitidos más formalmente en escuelas o lecciones privadas. La danza africana ha sido alterada por muchas fuerzas, como los misioneros europeos y los gobiernos colonialistas, que a menudo suprimieron las tradiciones locales de danza por considerarlas licenciosas o que distraían. La danza en las culturas africanas contemporáneas todavía cumple sus funciones tradicionales en nuevos contextos; la danza puede celebrar la inauguración de un hospital, construir una comunidad para los migrantes rurales en ciudades desconocidas e incorporarse a las ceremonias de la iglesia cristiana.

Asia

Una bailarina clásica india
En el Teatro Mintha (Mandalay) un maestro de la Escuela de Artes Escénicas de Inwa demuestra los movimientos tradicionales de la mano.

Todas las danzas clásicas de la India están enraizadas en diversos grados en el Natyashastra y, por lo tanto, comparten características comunes: por ejemplo, los mudras (posiciones de las manos), algunas posiciones del cuerpo, movimiento de piernas y la inclusión de actuación dramática o expresiva o abhinaya. La música clásica india brinda acompañamiento y los bailarines de casi todos los estilos usan campanas alrededor de los tobillos para contrarrestar y complementar la percusión.

Ahora hay muchas variedades regionales de danza clásica india. Danzas como "Odra Magadhi", que después de décadas de debate, se ha rastreado hasta la actualidad Mithila, la forma de danza de Odissi (Orissi) de la región de Odisha, indican influencia de las danzas en las interacciones culturales entre diferentes regiones.

El área de Punjab que se superpone a India y Pakistán es el lugar de origen de Bhangra. Es ampliamente conocido como estilo de música y baile. Se relaciona principalmente con celebraciones de cosechas antiguas, amor, patriotismo o cuestiones sociales. Su música está coordinada por un instrumento musical llamado 'Dhol'. Bhangra no es solo música sino un baile, una celebración de la cosecha donde la gente golpea el dhol (tambor), canta Boliyaan (letra) y baila. Se desarrolló aún más con el festival Vaisakhi de los sijs.

Las danzas de Sri Lanka incluyen las danzas del diablo (yakun natima), un ritual cuidadosamente elaborado que se remonta al pasado prebudista de Sri Lanka que combina la antigua "ayurvédica& #34; conceptos de causalidad de enfermedades con manipulación psicológica y combina muchos aspectos, incluida la cosmología cingalesa. Su influencia se puede ver en las danzas clásicas de Sri Lanka.

Bailarín indonesio balineso

Las danzas indonesias reflejan la riqueza y diversidad de las culturas y los grupos étnicos indonesios. Hay más de 1300 grupos étnicos en Indonesia, se puede ver en las raíces culturales de los pueblos austronesios y melanesios, y varias influencias culturales de Asia y Occidente. Las danzas en Indonesia tienen su origen en movimientos rituales y ceremonias religiosas, este tipo de danza suele comenzar con rituales, como danzas de guerra, danzas de chamanes para curar o prevenir enfermedades, danzas para llamar a la lluvia y otros tipos de danzas. Con la aceptación de la religión dharma en el siglo I en Indonesia, el hinduismo y los rituales budistas se celebraron en diversas representaciones artísticas. Las epopeyas hindúes como el Ramayana, el Mahabharata y también el Panji se convirtieron en la inspiración para mostrarse en un baile-drama llamado "Sendratari" parecido a "ballet" en la tradición occidental. Se inventó un método de baile elaborado y muy estilizado que ha sobrevivido hasta el día de hoy, especialmente en las islas de Java y Bali. La danza wayang wong de Java toma imágenes de los episodios de Ramayana o Mahabharata, pero esta danza es muy diferente de la versión india, las danzas indonesias no prestan tanta atención a los "mudras" como danzas indias: más aún para mostrar formas locales. Se cree que la danza ritual sagrada javanesa Bedhaya se remonta al período Majapahit en el siglo XIV o incluso antes, esta danza se originó a partir de danzas rituales realizadas por niñas vírgenes para adorar a dioses hindúes como Shiva, Brahma y Vishnu. En Bali, la danza se ha convertido en una parte integral de los rituales sagrados del Dharma hindú. Algunos expertos creen que la danza balinesa proviene de una tradición de danza más antigua de Java. Los relieves de los templos del este de Java del siglo XIV presentan coronas y tocados similares a los tocados que se usan en la danza balinesa en la actualidad. El Islam comenzó a extenderse al archipiélago de Indonesia cuando las danzas indígenas y las danzas dharma aún eran populares. Los artistas y bailarines todavía usan estilos de la era anterior, reemplazando historias con interpretaciones más islámicas y ropa más cerrada de acuerdo con las enseñanzas islámicas.

Los bailes del Medio Oriente suelen ser las formas tradicionales de baile en círculo que se han modernizado hasta cierto punto. Incluirían dabke, tamzara, danza folclórica asiria, danza kurda, danza armenia y danza turca, entre otras. Todas estas formas de baile generalmente involucran a los participantes tomándose de las manos o de los brazos (según el estilo del baile). Hacían movimientos rítmicos con las piernas y los hombros mientras se curvaban alrededor de la pista de baile. La cabeza del baile generalmente sostenía un bastón o un pañuelo.

Europa y Norteamérica

Baile en Bougival por Pierre-Auguste Renoir (1883)

Los bailes folclóricos varían en toda Europa y pueden remontarse a cientos o miles de años, pero muchos tienen características en común, como la participación en grupo dirigida por una persona que llama, los participantes tomados de la mano o del brazo y formas musicales fijas conocidas como villancicos.. Algunas, como la danza del árbol de mayo, son comunes a muchas naciones, mientras que otras, como el céilidh y la polka, están profundamente arraigadas en una sola cultura. Algunas danzas folclóricas europeas, como la danza cuadrada, fueron traídas al Nuevo Mundo y posteriormente se convirtieron en parte de la cultura estadounidense.

Dos bailarines de ballet clásico realizan una secuencia de El Nutcracker, una de las obras más conocidas de la danza clásica.
Sioux Buffalo Dance, 1894

El ballet se desarrolló primero en Italia y luego en Francia a partir de lujosos espectáculos cortesanos que combinaban música, teatro, poesía, canciones, vestuario y danza. Los miembros de la nobleza cortesana participaron como artistas. Durante el reinado de Luis XIV, él mismo bailarín, la danza se volvió más codificada. Los bailarines profesionales comenzaron a ocupar el lugar de los aficionados de la corte, y el gobierno francés autorizó a los maestros de ballet. La primera academia de danza de ballet fue la Académie Royale de Danse (Academia Real de Danza), inaugurada en París en 1661. Poco después, se formó la primera compañía de ballet institucionalizada, asociada con la Academia; esta compañía comenzó como un conjunto exclusivamente masculino, pero en 1681 se abrió para incluir también a mujeres.

La danza de concierto del siglo XX trajo consigo una explosión de innovación en el estilo de danza caracterizado por una exploración de una técnica más libre. Los primeros pioneros de lo que se conoció como danza moderna incluyen a Loie Fuller, Isadora Duncan, Mary Wigman y Ruth St. Denis. La relación de la música con la danza sirve como base para Eurhythmics, ideada por Emile Jaques-Dalcroze, que influyó en el desarrollo de la danza moderna y el ballet moderno a través de artistas como Marie Rambert. La euritmia, desarrollada por Rudolf Steiner y Marie Steiner-von Sivers, combina elementos formales que recuerdan a la danza tradicional con el nuevo estilo más libre e introdujo un vocabulario nuevo y complejo en la danza. En la década de 1920, importantes fundadores del nuevo estilo como Martha Graham y Doris Humphrey comenzaron su trabajo. Desde entonces, se han desarrollado una amplia variedad de estilos de baile; ver Danza moderna.

La danza afroamericana se desarrolló en espacios cotidianos, más que en estudios, escuelas o compañías de danza. El claqué, la música disco, el jazz dance, el swing dance, el hip hop dance, el lindy hop con su relación con la música rock and roll y el rock and roll dance han tenido una influencia mundial. Los estilos de baile que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza afroamericana también han aparecido en el siglo XXI, incluido el Hiplet.

América Latina

Los bailarines de samba calle realizan en desfiles y concursos de carnaval.

La danza es central en la vida social y cultural latinoamericana. La samba brasileña, el tango argentino y la salsa cubana son bailes de pareja populares internacionalmente, y otros bailes nacionales (merengue, cueca, plena, jarabe, joropo, marinera, cumbia, bachata y otros) son componentes importantes de sus respectivos países. culturas Las tradicionales fiestas de Carnaval incorporan estos y otros bailes en enormes celebraciones.

La danza ha jugado un papel importante en la forja de una identidad colectiva entre los muchos grupos culturales y étnicos de América Latina. La danza sirvió para unir a los numerosos pueblos africanos, europeos e indígenas de la región. Ciertos géneros de baile, como la capoeira, y los movimientos corporales, especialmente las características quebradas o balanceos de la pelvis, han sido prohibidos y celebrados de diversas formas a lo largo de la historia latinoamericana.

Educación

Los estudios de danza se ofrecen a través de los programas de artes y humanidades de muchas instituciones de educación superior. Algunas universidades ofrecen licenciaturas en artes y títulos académicos superiores en danza. Un plan de estudios de danza puede abarcar una amplia gama de cursos y temas, que incluyen práctica y actuación de danza, coreografía, etnocoreología, kinesiología, notación de danza y terapia de danza. Más recientemente, la terapia de baile y movimiento se ha integrado en algunas escuelas en las lecciones de matemáticas para estudiantes con discapacidades de aprendizaje, discapacidades emocionales/conductuales y/o trastorno por déficit de atención con hiperactividad (TDAH).

Una bailarina practica en un estudio de danza, el escenario principal para la formación en danza clásica y muchos otros estilos.

Ocupaciones

Bailarines

Los bailarines profesionales generalmente se emplean por contrato o para actuaciones o producciones particulares. La vida profesional de un bailarín es generalmente una de situaciones laborales en constante cambio, fuerte presión competitiva y salarios bajos. En consecuencia, los bailarines profesionales a menudo deben complementar sus ingresos para lograr la estabilidad financiera. En los EE. UU., muchos bailarines profesionales pertenecen a sindicatos (como el Sindicato Estadounidense de Artistas Musicales, el Sindicato de Actores de Pantalla y la Asociación de Equidad de Actores) que establecen las condiciones de trabajo y los salarios mínimos para sus miembros. Los bailarines profesionales deben poseer grandes cantidades de atletismo. Para llevar una carrera exitosa, es ventajoso ser versátil en muchos estilos de baile, tener una sólida formación técnica y utilizar otras formas de entrenamiento físico para mantenerse en forma y saludable.

Profesores

Los profesores de danza normalmente se enfocan en enseñar interpretación de danza, o en entrenar a bailarines competitivos, o en ambos. Por lo general, tienen experiencia en la interpretación de los tipos de danza que enseñan o entrenan. Por ejemplo, los profesores y entrenadores de deportes de baile suelen ser bailarines de torneos o ex-ejecutantes de deportes de baile. Los profesores de danza pueden trabajar por cuenta propia o ser empleados de escuelas de danza o instituciones de educación general con programas de danza. Algunos trabajan para programas universitarios u otras escuelas que están asociadas con compañías profesionales de danza clásica (p. ej., ballet) o danza moderna. Otros son empleados de escuelas de baile privadas más pequeñas que ofrecen entrenamiento de baile y entrenamiento de interpretación para varios tipos de baile.

Coreógrafos

Los coreógrafos son los que diseñan los movimientos de baile dentro de un baile, a menudo tienen formación universitaria y normalmente se emplean para proyectos particulares o, más raramente, pueden trabajar bajo contrato como coreógrafo residente para una compañía de danza específica.

Concursos

Una competición de baile amateur, con el Waltz de Viena

Una competencia de baile es un evento organizado en el que los concursantes realizan bailes ante un juez o jueces para recibir premios y, en algunos casos, premios monetarios. Hay varios tipos principales de concursos de baile, que se distinguen principalmente por el estilo o estilos de los bailes realizados. Las competencias de baile son un entorno excelente para establecer conexiones con profesores, jueces, coreógrafos y otros bailarines líderes en la industria de los estudios de la competencia. Una competencia de baile típica para bailarines preprofesionales más jóvenes puede durar entre dos y cuatro días, dependiendo de si se trata de una competencia regional o nacional.

El propósito de las competencias de baile es proporcionar un lugar divertido y educativo para los bailarines y darles la oportunidad de realizar sus rutinas coreografiadas de su temporada de baile actual en el escenario. A menudo, las competencias se llevarán a cabo en un entorno profesional o pueden variar a espacios que no son de actuación, como el teatro de una escuela secundaria. Los resultados de los bailarines luego son dictados por un panel de jueces creíble y son evaluados en su desempeño antes de recibir una puntuación. En lo que respecta a las categorías competitivas, la mayoría de las competencias basan sus categorías según el estilo de baile, la edad, el nivel de experiencia y la cantidad de bailarines que compiten en la rutina. Los principales tipos de concursos de baile incluyen:

Concursos de baile televisados

Hay numerosos programas de competencia de baile que se presentan en la televisión y otros medios de comunicación masivos, incluidos World Of Dance de NBC, Dancing With Myself de NBC, Dancing With The Stars, etc.

Salud

Lesiones del pie de la danza

Calzado

En la mayoría de las formas de danza, el pie es la fuente del movimiento y, en algunos casos, se requieren zapatos específicos para ayudar en la salud, la capacidad de seguridad del bailarín, según el tipo de danza, la intensidad de los movimientos y la superficie sobre la que se bailará.

El calzado de baile puede ser tanto de apoyo como restrictivo para el movimiento del bailarín. La eficacia del zapato está relacionada con su capacidad para ayudar al pie a hacer algo para lo que no está diseñado o para facilitar un movimiento difícil. Dichos efectos se relacionan con la salud y la seguridad debido a que la función del equipo no es natural para la movilidad habitual del cuerpo.

Ballet

Zapato puntiagudo
zapato de punta desgastado

El ballet destaca por los riesgos de lesiones debido a la biomecánica del tobillo y los dedos del pie como soporte principal del resto de movimientos. Con el zapato de punta, el diseño une específicamente todos los dedos de los pies para permitir que los dedos se mantengan de pie durante períodos de tiempo más largos.

Hay accesorios asociados con las zapatillas de punta que ayudan a mitigar las lesiones y aliviar el dolor mientras se baila, incluidos elementos como almohadillas para los dedos de los pies, cintas para los dedos de los pies y cojines.

Imagen del cuerpo

Se piensa públicamente que los bailarines están muy preocupados por su imagen corporal para adaptarse a cierto molde en la industria. Las investigaciones indican que los bailarines tienen mayores dificultades para controlar sus hábitos alimenticios, ya que muchos se esfuerzan por alcanzar la masa corporal ideal de la forma de arte. Algunos bailarines suelen recurrir a tácticas abusivas para mantener cierta imagen. Los escenarios comunes incluyen bailarines que abusan de los laxantes para controlar el peso y terminan cayendo en trastornos alimentarios poco saludables. Los estudios muestran que una gran cantidad de bailarines utilizan al menos un método de control de peso, incluido el exceso de ejercicio y la restricción de alimentos. La presión de los bailarines para mantener un peso por debajo del promedio afecta sus conductas de alimentación y control de peso y su estilo de vida. Debido a su naturaleza artística, los bailarines suelen tener muchas tendencias autocríticas hostiles. Comúnmente visto en artistas, es probable que una variedad de individuos se resistan a los conceptos de autocompasión.

Trastornos de la alimentación

Los trastornos alimentarios en los bailarines son generalmente muy comunes públicamente. A través del análisis de datos y estudios publicados, se extrajeron datos suficientes sobre el porcentaje y la precisión que tienen los bailarines de caer de manera realista en hábitos alimentarios desordenados poco saludables o desarrollar un trastorno alimentario. Los bailarines, en general, tienen un mayor riesgo de sufrir trastornos alimentarios que el público en general, cayendo principalmente en anorexia nerviosa y EDNOS. La investigación aún tiene que distinguir una correlación directa con respecto a que los bailarines tengan un mayor riesgo de sufrir bulimia nerviosa. Los estudios concluyeron que los bailarines en general tienen un riesgo tres veces mayor de sufrir trastornos alimentarios, más específicamente anorexia nerviosa y EDNOS.

Redes sociales

TikTok

La danza se ha convertido en un aspecto fundamental de la aplicación popular y una categoría principal que influye en la cultura de los jóvenes de hoy. Los desafíos de baile se han convertido en una forma popular de contenido en muchas plataformas de redes sociales, incluido TikTok. Durante 2020, los bailes de TikTok ofrecieron un escape para que personas aisladas jugaran y se conectaran entre sí a través del formato virtual. Con el fácil acceso de TikTok a una variedad de diferentes filtros y efectos especiales, la aplicación hizo que filmarte bailando con música fuera un pasatiempo divertido y fácil. Desde su debut en 2017, la aplicación atrajo a una pequeña pero creciente audiencia de bailarines profesionales de entre 20 y 30 años. Si bien la mayoría de este grupo demográfico está más acostumbrado a actuar en el escenario, esta aplicación introdujo una nueva era de baile en pantalla. En 2022, se creó un nuevo baile llamado. A menudo se subía a TikTok, pero también se subía a YouTube Shorts.

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