Cuadro vivo

Un tableau vivant (Francés: [tablo vivɑ̃]; a menudo abreviado como tableau; plural: tableaux vivants), en francés, 'imagen viva', es una escena estática que contiene uno o más actores o modelos. Están estacionarios y en silencio, generalmente disfrazados, posados cuidadosamente, con accesorios y/o escenografía, y pueden estar iluminados teatralmente. Combina así aspectos del teatro y las artes visuales.

Eran una forma medieval popular que revivió considerablemente a partir del siglo XIX, probablemente porque eran muy adecuados para el registro fotográfico. Los participantes eran ahora en su mayoría aficionados, que participaban en una forma rápida y sencilla de teatro amateur que podía realizarse en una velada y requería poca habilidad para actuar o hablar. También eran populares para diversos tipos de eventos y desfiles comunitarios.

A finales del siglo XIX y principios del XX, también se utilizaba una especie de cuadro en el teatro profesional, aprovechando la libertad adicional que la ley permitía para la exhibición de desnudos siempre que el Los actores no se movieron. Tableaux presentó poses plastiques ('poses flexibles') de modelos prácticamente desnudas, proporcionando una forma de entretenimiento erótico, tanto en escena como en forma impresa. Los cuadros continúan hasta el día de hoy en forma de estatuas vivientes, artistas callejeros que tocan la calle posando disfrazados. En el cine o en el teatro en vivo, los artistas a veces se quedan brevemente en posición para lograr un efecto de tableau vivant.

Historia

En la Edad Media, ocasionalmente una misa estaba marcada por breves escenas dramáticas y tableaux que parecían pinturas. Eran una característica importante de las festividades de bodas reales, coronaciones y entradas reales a las ciudades. A menudo los actores imitaban estatuas o pinturas, muy a la manera de los artistas callejeros modernos, pero en grupos más grandes y montados en elaboradas gradas temporales a lo largo del camino de la procesión principal. Johan Huizinga, en El otoño de la Edad Media, describe el uso y diseño de los tableaux vivants a finales de la Edad Media. Muchas pinturas y esculturas probablemente recrean cuadros vivos, mediante los cuales los historiadores del arte a veces explican grupos de figuras bastante estáticas. Los artistas eran a menudo los diseñadores de espectáculos públicos de este tipo.

La historia de las artes visuales occidentales en general, hasta la era moderna, se ha centrado en la presentación simbólica y organizada y (aparte de los retratos personales directos) dependía en gran medida de las técnicas de los artistas estacionarios. modelos disfrazados, que pueden considerarse tableaux vivants a pequeña escala con el artista como audiencia temporal. El movimiento del realismo, con representaciones más naturalistas, no comenzó hasta mediados del siglo XIX, una reacción directa contra el romanticismo y su fuerte dependencia de tableau estilizados. Formato .

La invención de la fotografía provocó un renacimiento en la forma. Al principio, la fotografía era cara y la forma floreció en las fiestas de los ricos en las casas de campo inglesas. La reina Victoria fue una de las primeras en adoptarlo (solo ella misma tomó parte de la audiencia). A mediados de la década de 1850, los actores eran sus hijos, que representaban cuadros para el 14º aniversario de bodas de sus padres en 1854. En la década de 1890, los escenarios se habían vuelto muy elaborados, como cuando su tercer hijo, el príncipe Arturo, duque de Connaught y Strathearn, su esposa y sus tres hijos posaron para una escena japonesa, en 1891.

Se hicieron populares para eventos y festivales comunitarios, y muy a menudo utilizaban niños, que desfilaban antes de instalarse en un cuadro para el público y una cámara.

En el escenario

Antes de la radio, el cine y la televisión, los tableaux vivants eran formas populares de entretenimiento, incluso en las ciudades fronterizas de Estados Unidos. . Antes de la era de la reproducción de imágenes en color, el tableau se utilizaba a veces para recrear obras de arte en el escenario, basadas en un grabado o boceto de una pintura. Esto se podría hacer como una aventura amateur en un salón, o como una serie de tableaux presentados de forma más profesional. en un escenario teatral, uno tras otro, generalmente para contar una historia sin requerir todos los adornos y la producción habituales de una representación teatral completa. Por lo tanto, influyeron en la forma adoptada por los espectáculos de linterna mágica de las épocas victoriana y eduardiana posteriores, y quizás también en las tiras cómicas narrativas secuenciales (que aparecieron por primera vez en forma moderna a finales de la década de 1890).

Tableaux vivants se representaban a menudo como parte de las obras de teatro navideñas escolares en Inglaterra durante el período victoriano; la costumbre todavía se practica en la escuela secundaria de Loughborough (que se cree que es una de las escuelas primarias para niñas más antiguas de Inglaterra). Cada año se representan varios tableaux en el servicio de villancicos de la escuela, incluida la representación de un grabado en grisaille (en el que los sujetos están pintados y vestidos completamente de gris).

También se realizaron cuadros para eventos benéficos. La edición de febrero de 1917 de la revista estadounidense Harper's Bazar informó, con numerosas fotografías, sobre dos eventos en Londres donde damas de alta sociedad posaron, principalmente como pinturas. Un evento se concentró en pinturas de James McNeill Whistler y John Singer Sargent, posadas por damas de origen estadounidense en Londres. El otro incluía a Violet Trefusis y Lady Diana Cooper.

Por una peculiaridad de la ley inglesa, la desnudez en el escenario no estaba permitida a menos que los artistas permanecieran inmóviles mientras el telón del escenario estaba abierto; la situación en lugares de los Estados Unidos era a menudo similar. En los primeros años del siglo XX, los artistas aprovecharon esta excepción para montar "representaciones plásticas", como a veces se las llamaba, centradas en la desnudez. La intérprete más persistente en esta línea fue la bailarina alemana Olga Desmond, que comenzó en Londres y que luego representó "Evens of Beauty" (Schönheitsabende) en Alemania, en la que posó desnuda imitando obras de arte clásicas reales o imaginarias ("cuadros vivientes"). La tradición inglesa en el entretenimiento atrevido continuó hasta que se cambió la ley inglesa en la década de 1960.

En el siglo XIX, tableaux vivants adoptó títulos como "Ninfas bañándose" y "Diana la Cazadora" y se encontraban en lugares como el Salón de Roma en Great Windmill Street, Londres. Otros lugares fueron el Coal Hole en Strand y el Cyder Cellar en Maiden Lane. Los desnudos y semidesnudos poses plastiques también fueron una característica frecuente de los espectáculos de variedades en Estados Unidos: primero en Broadway en Nueva York y luego en otras partes del país. The Ziegfeld Follies presentó tableaux de 1917. El Windmill Theatre de Londres (1932-1964) presentó desnudos pose plástica en el escenario; fue el primer, y durante muchos años el único, lugar para celebrarlos en el Londres del siglo XX.

Tableaux vivants se incluían a menudo en espectáculos de feria (como se ve en la película de 1961 A Taste de Miel). Estos espectáculos desaparecieron en gran medida en la década de 1970, pero continúan en el Carnaval de Bridgewater en Somerset. Los cuadros siguen siendo una de las principales atracciones del certamen anual de Maestros en Laguna Beach, California.

Tableaux en la teoría fotográfica moderna

Jean-François Chevrier fue el primero en utilizar el término tableau en relación con una forma de fotografía artística. , que comenzó en las décadas de 1970 y 1980 en un ensayo titulado "Las aventuras de la forma pictórica en la historia de la fotografía" en 1989. La traducción inicial de este texto sustituye la palabra inglesa picture por la palabra francesa tableau. Sin embargo, Michael Fried conserva el término francés cuando se refiere al ensayo de Chevrier, porque según Fried (2008), no existe una traducción directa al inglés de tableau en este sentido. Si bien imagen es similar, "... carece de las connotaciones de construcción, de ser producto de un acto intelectual que conlleva la palabra francesa". (pág.146) Otros textos y la teoría de la especificidad del medio de Clement Greenberg también cubren este tema.

Las características clave del tableau fotográfico contemporáneo según Chevrier son, en primer lugar:

Están diseñados y producidos para la pared. Convocando una experiencia de confrontación por parte del espectador que contrasta marcadamente con los procesos habituales de apropiación y proyección por los que normalmente se reciben imágenes fotográficas y "consumidas" (pág. 116)

Con esto, Chevrier señala que la escala y el tamaño son obviamente importantes si las imágenes van a "sujetar la pared". Pero el tamaño tiene otra función; distancia al espectador del objeto, lo que requiere que uno se aleje de la imagen para asimilarlo todo. Esta experiencia, señala Fried, supone en realidad una ruptura bastante grande con la recepción convencional de la fotografía, que hasta ese momento se consumía a menudo en libros o revistas.

El tableau fotográfico no tiene sus raíces en el tableau vivant, sino en la fotografía pictorialista, como la de Alfred Stieglitz, un movimiento con raíces en el esteticismo, que ya hacía un uso intensivo del tableau como estilo de arte visual no teatral. El pictorialismo, según Jeff Wall, podría verse como un intento de los fotógrafos de imitar la pintura (quizás sin éxito):

La fotografía pictórica fue deslumbrada por el espectáculo de la pintura occidental e intentó, en cierta medida, imitarla en actos de composición pura. La falta de medios para que la superficie de sus imágenes sea impredecible e importante, la primera fase del Pictorialismo, la fase de Stieglitz, emular las bellas artes gráficas, reinventar la hermosa mirada, establecer estándares para la belleza de la composición y desvanecerse. (pág. 75)

Sin embargo, la fotografía tenía la capacidad de volverse impredecible y espontánea. Esto se logró realizando fotografías relacionadas con las capacidades inherentes de la propia cámara. Y esto, sostiene Wall, fue un resultado directo del fotoperiodismo y de las industrias de los medios de comunicación y la cultura pop.

Al sumergirse en las gravamenes y ventajas heredadas de formas de arte antiguas, reportajes o el aspecto fugaz espontáneo de la imagen fotográfica empuja hacia un descubrimiento de cualidades aparentemente intrínsecas al medio, cualidades que necesariamente deben distinguir al medio de otros y a través de la autoexaminación de las cuales puede emerger como un arte modernista en un plano con otros. (pág. 76 a 78)

El argumento es que, a diferencia de la mayoría de las otras formas de arte, la fotografía puede beneficiarse de la captura de sucesos fortuitos. A través de este proceso—la instantánea, la experiencia "accidental" imagen: la fotografía inventa su propio concepto de imagen: una forma híbrida de la "imagen occidental" (fotografía pictorialista) y la instantánea espontánea. Esta es la etapa en la que Wall sostiene que la fotografía entra en una “dialéctica modernista”. Wall afirma que la imprevisibilidad es clave para la estética moderna. Este nuevo concepto de imagen que propone Wall, con los aspectos compositivos de la imagen occidental combinados con la imprevisibilidad que ofrece la cámara a través de su obturador, se puede ver en el trabajo de muchos artistas fotográficos contemporáneos, entre ellos Luc Delahaye, Andreas Gursky, Thomas Struth, Irene César y Philip-Lorca diCorcia.

El tableau como forma todavía domina el mercado de la fotografía artística. Como señala Fried: “Podría decirse que el avance más decisivo en el surgimiento de la nueva fotografía artística ha sido la aparición, a partir de finales de los años 1970 y cobrando impulso en los años 1980 y después, de lo que el crítico francés Jean-François Chevrier ha dicho: llamado "forma de cuadro" (pág. 143).

Sin embargo, parece haber sólo un puñado de artistas jóvenes y emergentes trabajando dentro de la forma tableau. Los ejemplos incluyen a Florian Maier Aichen, Matthew Porter y Peter Funch. Más recientemente, la artista canadiense Sylvia Grace Borda ha trabajado desde 2013 para seguir montando tableaux para la cámara dentro del motor Google Street View. Su trabajo crea imágenes tableau vivant inmersivas de 360° para que el espectador las explore. Gracias a sus esfuerzos por ser pionera en los tableaux vivant para la exploración en línea, ella y su colaborador, John M. Lynch, ganaron el Premio Lumen 2016 de Artes Web.

Película

En la película de 1963 de Pier Paolo Pasolini La ricotta, un cineasta intenta que los actores representen dos pinturas, de Jacopo Pontormo y Rosso Fiorentino, de la Pasión de Jesús.

La película de 1969 El color de las granadas, dirigida por Sergei Parajanov, presenta una biografía suelta del poeta armenio Sayat Nova en una serie de tableaux vivants de traje armenio, bordado y rituales religiosos que representan escenas y versos de la vida del poeta.

La película de Jean-Luc Godard Passion (1982) se trata de la realización de una ambiciosa película de arte que utiliza re-creaciones de pinturas clásicas europeas como tableaux vivants, ambientada en la música clásica europea. Las pinturas incluyen Rembrandt El reloj nocturno; Goya's El Parasol, 3 de mayo de 1808, La Maja Desnuda, Carlos IV de España y Su Familia; Ingresos ' The Valpinçon Bather, The Turkish Bath; Delacroix Entrada de los cruzados en Constantinopla, Jacob luchando con el Ángel; El Greco Asunción de la Virgen- Watteau's El embargo para Cythera.

A lo largo de la película de Derek Jarman Caravaggio (1986), muchas de las pinturas de Caravaggio se recrean en tableau vivant para explorar su relación con su vida.

La película de 1991 My Own Private Idaho presenta sus escenas sexuales utilizando el efecto.

La película de 2013 Un campo en Inglaterra, hace uso del efecto para añadir al aspecto oculto general de la película.

Hay un largometraje estonio de 2014 producido íntegramente en formato tableau titulado In the Crosswind.