Claroscuro
Claroscuro (italiano para 'claro-oscuro';; kee-AR-ə-SKOOR-oh, -SKURE-; Italiano: [ˌkjaroˈskuːro]), en el arte, es el uso de fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad, generalmente contrastes audaces que afectan a toda una composición. También es un término técnico utilizado por artistas e historiadores del arte para el uso de contrastes de luz para lograr una sensación de volumen en el modelado de objetos y figuras tridimensionales. Los efectos similares en el cine, y en la fotografía en blanco y negro y de bajo perfil también se denominan claroscuro.
Otros usos especializados del término incluyen xilografía de claroscuro para xilografías en color impresas con diferentes bloques, cada uno con una tinta de color diferente; y dibujo de claroscuro para dibujos sobre papel de color en un medio oscuro con realce blanco.
El claroscuro se originó en el período del Renacimiento, pero se asocia sobre todo con el arte barroco. El claroscuro es uno de los modos de pintura canónicos del Renacimiento (junto con cangiante, sfumato y unione) (ver también Arte renacentista). Los artistas conocidos por usar la técnica incluyen a Leonardo da Vinci, Caravaggio, Rembrandt, Vermeer, Goya y Georges de La Tour.
Historia
Origen en el dibujo del claroscuro
El término claroscuro se originó durante el Renacimiento como dibujo sobre papel de color, donde el artista trabajaba desde el tono base del papel hacia la luz usando gouache blanco, y hacia la oscuridad usando tinta, color corporal o acuarela. Estos, a su vez, se inspiraron en las tradiciones de los manuscritos iluminados que se remontan a los manuscritos imperiales romanos tardíos en vitela teñida de púrpura. Estas obras se denominan "dibujos de claroscuro", pero en la terminología moderna de los museos solo pueden describirse mediante fórmulas como "pluma sobre papel preparado, realzado con color de cuerpo blanco". Las xilografías en claroscuro comenzaron como imitaciones de esta técnica. Cuando se habla de arte italiano, el término a veces se usa para referirse a imágenes pintadas en monocromo o en dos colores, más conocidas en inglés por el equivalente francés, grisalla. El término amplió su significado desde el principio para cubrir todos los fuertes contrastes en la iluminación entre las áreas claras y oscuras en el arte, que ahora es el significado principal.
Modelado de claroscuro
El uso más técnico del término claroscuro es el efecto del modelado de la luz en la pintura, el dibujo o el grabado, donde el volumen tridimensional se sugiere mediante la gradación del color y la división analítica de las formas de luz y sombra, a menudo denominada "sombreado". La invención de estos efectos en Occidente, "skiagraphia" o "pintura de sombras" a los antiguos griegos, tradicionalmente se le atribuía al famoso pintor ateniense del siglo V a. C., Apolodoro. Aunque sobreviven pocas pinturas de la Grecia antigua, su comprensión del efecto del modelado de la luz todavía se puede ver en los mosaicos de finales del siglo IV a. del rapto de Helena, inscrito gnosis epoesen, o 'el conocimiento lo hizo'.
La técnica también sobrevivió en una forma estandarizada bastante tosca en el arte bizantino y se perfeccionó nuevamente en la Edad Media para convertirse en estándar a principios del siglo XV en la pintura y la iluminación de manuscritos en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental.
Según la teoría de la historiadora del arte Marcia B. Hall, que ha ganado una aceptación considerable, el claroscuro es uno de los cuatro modos de pintar colores disponibles para los pintores del Alto Renacimiento italiano, junto con cangiante, sfumato y unión.
La pintura de Rafael ilustrada, con luz proveniente de la izquierda, muestra tanto un delicado claroscuro de modelado para dar volumen al cuerpo del modelo, como un fuerte claroscuro en el sentido más común, en el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro del follaje. Sin embargo, para complicar aún más las cosas, el claroscuro compositivo del contraste entre el modelo y el fondo probablemente no se describiría con este término, ya que los dos elementos están casi completamente separados. El término se usa principalmente para describir composiciones en las que al menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz y la oscuridad, como en las pinturas de Baglioni y Geertgen tot Sint Jans ilustradas arriba y abajo.
El modelado de claroscuro ahora se da por sentado, pero ha tenido algunos oponentes; a saber: el miniaturista de retratos inglés Nicholas Hilliard advirtió en su tratado sobre la pintura contra todo uso que no sea el mínimo que vemos en sus obras, reflejando las opiniones de su mecenas, la reina Isabel I de Inglaterra: "ver lo mejor para mostrarse no necesita sombra del lugar, sino más bien la luz abierta... Su Majestad... eligió su lugar para sentarse con ese propósito en el callejón abierto de un hermoso jardín, donde no había ningún árbol cerca, ni ninguna sombra en absoluto..."
En dibujos y grabados, el modelado del claroscuro a menudo se logra mediante el uso de tramas o sombreados con líneas paralelas. Efectos de aguada, punteado o punteado y "tono de superficie" en el grabado se encuentran otras técnicas.
Xilografías en claroscuro
Las xilografías en claroscuro son grabados de maestros antiguos en xilografía que utilizan dos o más bloques impresos en diferentes colores; no presentan necesariamente fuertes contrastes de luz y oscuridad. Primero se produjeron para lograr efectos similares a los dibujos de claroscuro. Después de algunos experimentos tempranos en la impresión de libros, el verdadero grabado en madera de claroscuro concebido para dos bloques probablemente fue inventado por primera vez por Lucas Cranach el Viejo en Alemania en 1508 o 1509, aunque retrocedió algunas de sus primeras impresiones y agregó bloques de tono a algunas impresiones producidas por primera vez. para la impresión monocromática, seguido rápidamente por Hans Burgkmair el Viejo. Se afirma que el formschneider o cortador de bloques que trabajó en la imprenta de Johannes Schott en Estrasburgo fue el primero en lograr xilografías en claroscuro con tres bloques. A pesar de la afirmación de Vasari de la precedencia italiana en Ugo da Carpi, está claro que los suyos, los primeros ejemplos italianos, datan de alrededor de 1516. Pero otras fuentes sugieren que el primer grabado en claroscuro es el Triunfo de Julio César, que fue creado por Andrea Mantegna, un pintor italiano, entre 1470 y 1500. Otro punto de vista afirma que: "Lucas Cranach retrotrajo dos de sus obras en un intento de apoderarse de la gloria" y que la técnica fue inventada "con toda probabilidad" por Burgkmair "a quien el emperador Maximiliano le encargó que encontrara una forma económica y efectiva de difundir ampliamente la imagen imperial, ya que necesitaba reunir dinero y apoyo para una cruzada".
Otros grabadores que han utilizado esta técnica son Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien y Parmigianino. En Alemania, la técnica alcanzó su mayor popularidad alrededor de 1520, pero se usó en Italia a lo largo del siglo XVI. Artistas posteriores como Goltzius a veces lo utilizaron. En la mayoría de las impresiones alemanas de dos bloques, el bloque clave (o "bloque de línea") se imprimía en negro y el bloque o bloques de tono tenían áreas planas de color. En Italia, las xilografías de claroscuro se produjeron sin bloques de teclas para lograr un efecto muy diferente.
Claroscuro compositivo a la manera de Caravaggio
La iluminación de manuscritos fue, como en muchas áreas, especialmente experimental al intentar efectos de iluminación ambiciosos, ya que los resultados no eran para exhibición pública. El desarrollo del claroscuro compositivo recibió un impulso considerable en el norte de Europa a partir de la visión de la Natividad de Jesús de Santa Brígida de Suecia, una mística muy popular. Ella describió al niño Jesús como emitiendo luz; las representaciones redujeron cada vez más otras fuentes de luz en la escena para enfatizar este efecto, y la Natividad siguió siendo muy comúnmente tratada con claroscuro hasta el Barroco. Hugo van der Goes y sus seguidores pintaron muchas escenas iluminadas solo por velas o la luz divina del niño Cristo. Como ocurrió con algunos pintores posteriores, en sus manos el efecto fue de quietud y calma más que del dramatismo con el que se utilizaría durante el Barroco.
El fuerte claroscuro se convirtió en un efecto popular durante el siglo XVI en el manierismo y el arte barroco. La luz divina continuó iluminando, a menudo de manera bastante inadecuada, las composiciones de Tintoretto, Veronese y sus muchos seguidores. El uso de sujetos oscuros iluminados dramáticamente por un haz de luz de una sola fuente restringida y, a menudo, invisible, fue un recurso compositivo desarrollado por Ugo da Carpi (c. 1455 - c. 1523), Giovanni Baglione (1566-1643) y Caravaggio. (1571-1610), el último de los cuales fue crucial en el desarrollo del estilo del tenebrismo, donde el claroscuro dramático se convierte en un recurso estilístico dominante.
Siglos XVII y XVIII
El tenebrismo fue especialmente practicado en España y el Reino de Nápoles gobernado por los españoles, por Jusepe de Ribera y sus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), un artista alemán que vivía en Roma, produjo varias escenas nocturnas iluminadas principalmente por fuego y, a veces, por la luz de la luna. A diferencia de Caravaggio, sus áreas oscuras contienen detalles e interés muy sutiles. Las influencias de Caravaggio y Elsheimer fueron fuertes en Peter Paul Rubens, quien explotó sus respectivos enfoques de la tenebrosidad para lograr un efecto dramático en pinturas como La elevación de la cruz (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), artista barroca seguidora de Caravaggio, fue también una destacada exponente del tenebrismo y el claroscuro.
Un género particular que se desarrolló fue la escena nocturna iluminada por velas, que recordaba a los artistas nórdicos anteriores, como Geertgen tot Sint Jans, y más inmediatamente, a las innovaciones de Caravaggio y Elsheimer. Este tema se desarrolló con muchos artistas de los Países Bajos en las primeras décadas del siglo XVII, donde se asoció con Utrecht Caravaggisti como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen, y con pintores barrocos flamencos como Jacob Jordaens. Las primeras obras de Rembrandt van Rijn (1606-1669) de la década de 1620 también adoptaron la fuente de luz de una sola vela. La escena nocturna a la luz de las velas resurgió en la República Holandesa a mediados del siglo XVII en menor escala en las obras de fijnschilders como Gerrit Dou y Gottfried Schalken.
El propio interés de Rembrandt por los efectos de la oscuridad cambió en sus obras de madurez. Se basó menos en los agudos contrastes de luz y oscuridad que marcaron las influencias italianas de la generación anterior, un factor que se encuentra en sus aguafuertes de mediados del siglo XVII. En ese medio compartió muchas similitudes con su contemporáneo en Italia, Giovanni Benedetto Castiglione, cuyo trabajo en el grabado lo llevó a inventar la monotipia.
Fuera de los Países Bajos, artistas como Georges de La Tour y Trophime Bigot en Francia y Joseph Wright de Derby en Inglaterra continuaron con un claroscuro a la luz de las velas tan fuerte, pero gradual. Watteau usó un suave claroscuro en los fondos frondosos de sus fêtes galantes, y esto continuó en las pinturas de muchos artistas franceses, en particular Fragonard. A finales de siglo, Fuseli y otros utilizaron un claroscuro más denso para lograr un efecto romántico, al igual que Delacroix y otros en el siglo XIX.
Uso del término
El uso francés del término, clair-obscur, fue introducido por el crítico de arte del siglo XVII Roger de Piles en el curso de un famoso argumento (Débat sur le coloris), sobre los méritos relativos del dibujo y el color en la pintura (sus Dialogues sur le coloris, 1673, fueron una contribución clave al Débat).
En inglés, se ha utilizado el término italiano, originalmente como claro-obscuro y chiaro-scuro—al menos desde finales del siglo XVII. El término se usa con menos frecuencia para el arte después de finales del siglo XIX, aunque el expresionista y otros movimientos modernos hacen un gran uso del efecto.
Especialmente desde el fuerte aumento de la reputación de Caravaggio en el siglo XX, en el uso no especializado, el término se usa principalmente para fuertes efectos de claroscuro como el suyo o el de Rembrandt. Como dice la Tate: "Por lo general, el claroscuro solo se menciona cuando es una característica particularmente prominente de la obra, generalmente cuando el artista utiliza contrastes extremos de luces y sombras".
Cine y fotografía
El claroscuro se utiliza en cinematografía para iluminación de alto contraste y clave baja extrema para crear distintas áreas de luz y oscuridad en las películas, especialmente en películas en blanco y negro. Ejemplos clásicos son El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metrópolis (1927) El jorobado de Notre Dame (1939), The Devil and Daniel Webster (1941), y las escenas en blanco y negro en Stalker de Andrei Tarkovsky (1979).
Por ejemplo, en Metropolis, la iluminación de claroscuro crea un contraste entre la puesta en escena y las figuras claras y oscuras. El efecto destaca las diferencias entre la élite capitalista y los trabajadores.
En fotografía, el claroscuro se puede lograr usando "iluminación Rembrandt". En procesos fotográficos más desarrollados, la técnica puede denominarse "iluminación ambiental/natural", aunque cuando se hace así por el efecto, el aspecto es artificial y generalmente no de naturaleza documental. En particular, Bill Henson junto con otros, como W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi y Ralph Gibson, pueden considerarse algunos de los maestros modernos del claroscuro en la fotografía documental.
Quizás el uso más directo del claroscuro en el cine sea la película Barry Lyndon de Stanley Kubrick de 1975. Cuando se le informó que ninguna lente tenía una apertura lo suficientemente amplia para filmar un drama ambientado en grandes palacios utilizando solo la luz de las velas, Kubrick compró y adaptó una lente especial para ese propósito: una cámara Mitchell BNC modificada y una lente Zeiss fabricada para los rigores del espacio. fotografía, con una apertura máxima de f/0.7. La iluminación natural, sin aumentos, de los decorados de la película ejemplificó la iluminación natural discreta en el trabajo cinematográfico en su forma más extrema, fuera de la tradición cinematográfica de Europa del Este/Soviética (ejemplificada por el estilo de iluminación duro y discreto empleado por el cineasta soviético Sergei Eisenstein).
Sven Nykvist, el antiguo colaborador de Ingmar Bergman, también influyó en gran parte de su fotografía con realismo de claroscuro, al igual que Gregg Toland, quien influyó en directores de fotografía como László Kovács, Vilmos Zsigmond y Vittorio Storaro con su uso del enfoque profundo y selectivo. aumentada con una fuerte iluminación clave a nivel del horizonte que penetra a través de ventanas y puertas. Gran parte de la célebre tradición del cine negro se basa en técnicas relacionadas con el claroscuro que Toland perfeccionó a principios de la década de 1930 (aunque la iluminación de alto perfil, la iluminación del escenario, la iluminación frontal y otros efectos del cine negro se intercalan de manera que disminuyen el reclamo del claroscuro).
Galería
Claroscuro en el modelado; pinturas
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