Cine de Japón

El cine de Japón (日本映画, Nihon eiga, también conocido localmente como 邦画hōga, "cine doméstico") tiene una historia que abarca más de 100 años. Japón tiene una de las industrias cinematográficas más grandes y antiguas del mundo; a partir de 2021, fue el cuarto más grande por número de largometrajes producidos. En 2011, Japón produjo 411 largometrajes que obtuvieron el 54,9% de una taquilla total de 2338 millones de dólares. Las películas se han producido en Japón desde 1897, cuando llegaron los primeros camarógrafos extranjeros.

Tokyo Story (1953) ocupó el tercer lugar en la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos de los críticos de Sight & Sound. Tokyo Story también encabezó la encuesta de directores de Sight & Sound de 2012 de las 50 mejores películas de todos los tiempos, destronando a Citizen Kane, mientras que Seven Samurai (1954) de Akira Kurosawa fue votada como la mejor película en lengua extranjera de todos los tiempos en la encuesta de BBC de 2018 de 209 críticos en 43 países. Japón ha ganado cuatro veces el Premio de la Academia a la Mejor Película Internacional, más que cualquier otro país asiático.

Los estudios cinematográficos Big Four de Japón son Toho, Toei, Shochiku y Kadokawa, que son los únicos miembros de la Motion Picture Producers Association of Japan (MPPAJ). El Premio de Cine de la Academia de Japón anual organizado por la Asociación Nippon Academy-shō se considera el equivalente japonés de los Premios de la Academia.

Historia

Era muda temprana

El kinetoscopio, mostrado comercialmente por primera vez por Thomas Edison en los Estados Unidos en 1894, se mostró por primera vez en Japón en noviembre de 1896. El Vitascope y el Cinematógrafo de los hermanos Lumière se presentaron por primera vez en Japón a principios de 1897, por empresarios como Inabata Katsutaro. Los camarógrafos de Lumière fueron los primeros en rodar películas en Japón. Las imágenes en movimiento, sin embargo, no fueron una experiencia completamente nueva para los japoneses debido a su rica tradición de dispositivos precinematográficos como el gentō (utsushi-e) o la linterna mágica. La primera película japonesa exitosa a fines de 1897 mostró vistas en Tokio.

En 1898 se realizaron algunas películas de fantasmas, los cortos de Shirō Asano Bake Jizo (Jizo the Spook / 化け地蔵) y Shinin no sosei (Resurrección de un cadáver). El primer documental, el corto Geisha no teodori (芸者の手踊り), se realizó en junio de 1899. Tsunekichi Shibata realizó una serie de películas tempranas, incluida Momijigari, un registro de 1899 de dos actores famosos interpretando una escena de un conocido kabuki. desempeñar. Las primeras películas fueron influenciadas por el teatro tradicional, por ejemplo, kabuki y bunraku.

Siglo 20

En los albores del siglo XX, los teatros de Japón contrataron benshi, narradores que se sentaban junto a la pantalla y narraban películas mudas. Eran descendientes de kabuki jōruri, narradores de kōdan, ladradores de teatro y otras formas de narración oral. Benshi podría ir acompañado de música como las películas mudas del cine occidental. Con la llegada del sonido a principios de la década de 1930, el benshi disminuyó gradualmente.

En 1908, Shōzō Makino, considerado el director pionero del cine japonés, comenzó su influyente carrera con Honnōji gassen (本能寺合戦), producida para Yokota Shōkai. Shōzō reclutó a Matsunosuke Onoe, un ex actor de kabuki, para protagonizar sus producciones. Onoe se convirtió en la primera estrella de cine de Japón, apareciendo en más de 1000 películas, en su mayoría cortos, entre 1909 y 1926. La pareja fue pionera en el género jidaigeki. Tokihiko Okada fue un protagonista romántico popular de la misma época.

El primer estudio de producción de cine japonés fue construido en 1909 por la compañía Yoshizawa Shōten en Tokio.

La primera actriz japonesa en aparecer profesionalmente en una película fue la bailarina y actriz Tokuko Nagai Takagi, que apareció en cuatro cortos para la compañía estadounidense Thanhouser Company entre 1911 y 1914.

Entre los intelectuales, las críticas al cine japonés crecieron en la década de 1910 y finalmente se convirtieron en un movimiento que transformó el cine japonés. La crítica de cine comenzó con las primeras revistas de cine como Katsudō shashinkai (comenzada en 1909) y un libro completo escrito por Yasunosuke Gonda en 1914, pero muchos de los primeros críticos de cine a menudo se centraron en castigar el trabajo de estudios como Nikkatsu y Tenkatsu por ser demasiado teatral. (usando, por ejemplo, elementos de kabuki y shinpa como onnagata) y por no utilizar lo que se consideraban más técnicas cinematográficas para contar historias, sino confiar en benshi. En lo que más tarde se denominó Pure Film Movement, los escritores de revistas como Kinema Recordpidió un uso más amplio de tales técnicas cinematográficas. Algunos de estos críticos, como Norimasa Kaeriyama, pusieron en práctica sus ideas dirigiendo películas como The Glow of Life (1918), que fue una de las primeras películas en utilizar actrices (en este caso, Harumi Hanayagi). Hubo esfuerzos paralelos en otras partes de la industria cinematográfica. En su película de 1917 La hija del capitán, Masao Inoue comenzó a utilizar técnicas nuevas en la era del cine mudo, como el primer plano y el corte. El Pure Film Movement fue central en el desarrollo del gendaigeki y la escritura de guiones.

Los nuevos estudios establecidos alrededor de 1920, como Shochiku y Taikatsu, ayudaron a la causa de la reforma. En Taikatsu, Thomas Kurihara dirigió películas escritas por el novelista Junichiro Tanizaki, quien fue un firme defensor de la reforma cinematográfica. Incluso Nikkatsu produjo películas reformistas bajo la dirección de Eizō Tanaka. A mediados de la década de 1920, las actrices habían reemplazado a onnagata y las películas usaban más de los dispositivos iniciados por Inoue. Algunas de las películas mudas más discutidas de Japón son las de Kenji Mizoguchi, cuyos trabajos posteriores (incluidos Ugetsu / Ugetsu Monogatari) conservan una reputación muy alta.

Las películas japonesas ganaron popularidad a mediados de la década de 1920 frente a las películas extranjeras, en parte impulsadas por la popularidad de las estrellas de cine y un nuevo estilo de jidaigeki. Directores como Daisuke Itō y Masahiro Makino hicieron películas de samuráis como A Diary of Chuji's Travels y Roningai presentando antihéroes rebeldes en escenas de lucha rápidas que fueron aclamadas por la crítica y éxitos comerciales. Algunas estrellas, como Tsumasaburo Bando, Kanjūrō ​​Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie y Utaemon Ichikawa, se inspiraron en Makino Film Productions y formaron sus propias productoras independientes donde directores como Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami y Sadao Yamanaka perfeccionaron sus habilidades. El director Teinosuke Kinugasa creó una productora para producir la obra maestra experimentalA Page of Madness, protagonizada por Masao Inoue, en 1926. Muchas de estas compañías, aunque sobrevivieron durante la era del cine mudo frente a los principales estudios como Nikkatsu, Shochiku, Teikine y Toa Studios, no pudieron sobrevivir al costo que implicaba la conversión al sonido.

Con el auge de los movimientos políticos de izquierda y los sindicatos a fines de la década de 1920, surgieron las llamadas películas de tendencia con tendencias de izquierda. Los directores Kenji Mizoguchi, Daisuke Itō, Shigeyoshi Suzuki y Tomu Uchida fueron ejemplos destacados. En contraste con estas películas de 35 mm producidas comercialmente, la Liga de Cine Proletario Marxista de Japón (Prokino) realizó obras de forma independiente en calibres más pequeños (como 9,5 mm y 16 mm), con intenciones más radicales. Las películas de tendencia sufrieron una severa censura antes de la década de 1930, y los miembros de Prokino fueron arrestados y el movimiento efectivamente aplastado. Tales movimientos del gobierno tuvieron efectos profundos en la expresión de la disidencia política en el cine de los años treinta. Las películas de este período incluyen:Sakanaya Honda, Jitsuroku Chushingura, Horaijima, Orochi, Maboroshi, Kurutta Ippeji, Jujiro, Kurama Tengu: Kyōfu Jidai y Kurama Tengu.

Una versión posterior de La hija del capitán fue una de las primeras películas sonoras. Usó el sistema Mina Talkie. La industria cinematográfica japonesa luego se dividió en dos grupos; uno retuvo el sistema Mina Talkie, mientras que el otro usó el sistema Eastphone Talkie utilizado para hacer las películas de Tojo Masaki.

El terremoto de 1923, el bombardeo de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial y los efectos naturales del tiempo y la humedad de Japón en las películas de nitrato inflamables e inestables han resultado en una gran escasez de películas sobrevivientes de este período.

A diferencia de Occidente, en Japón todavía se producían películas mudas hasta bien entrada la década de 1930; en 1938, un tercio de las películas japonesas eran mudas. Por ejemplo, An Inn in Tokyo (1935) de Yasujirō Ozu, considerada precursora del género neorrealista, fue una película muda. Se hicieron algunos cortos de sonido japoneses en las décadas de 1920 y 1930, pero el primer cine sonoro de largometraje de Japón fue Fujiwara Yoshie no furusato (1930), que utilizó el sistema Mina Talkie. Las películas sonoras notables de este período incluyen Mikio Naruse's Wife, Be Like A Rose! (Tsuma Yo Bara No Yoni, 1935), que fue una de las primeras películas japonesas en estrenarse en los cines de Estados Unidos; Hermanas de Gion de Kenji Mizoguchi (Gion no shimai, 1936); Elegía de Osaka (1936); y La historia de los últimos crisantemos (1939); y La humanidad y los globos de papel de Sadao Yamanaka (1937).

La crítica de cine compartió esta vitalidad, con muchas revistas de cine como Kinema Junpo y periódicos que publican discusiones detalladas sobre el cine del día, tanto en el país como en el extranjero. Dominó una crítica "impresionista" culta perseguida por críticos como Tadashi Iijima, Fuyuhiko Kitagawa y Matsuo Kishi, pero se opuso a críticos de izquierda como Akira Iwasaki y Genjū Sasa que buscaban una crítica ideológica de las películas.

La década de 1930 también vio una mayor participación del gobierno en el cine, simbolizada por la aprobación de la Ley de Cine, que le dio al estado más autoridad sobre la industria cinematográfica, en 1939. El gobierno fomentó algunas formas de cine, produciendo películas de propaganda y promoviendo películas documentales. (también llamado bunka eiga o "películas culturales"), con importantes documentales realizados por directores como Fumio Kamei.El realismo estaba a favor; teóricos del cine como Taihei Imamura y Heiichi Sugiyama abogaron por el drama documental o realista, mientras que directores como Hiroshi Shimizu y Tomotaka Tasaka produjeron películas de ficción con un estilo fuertemente realista. Las películas reforzaron la importancia de los valores tradicionales japoneses frente al surgimiento de la chica moderna occidentalizada, un personaje personificado por Shizue Tatsuta en la película de Ozu de 1930, Young Lady.

Películas de guerra

Debido a la Segunda Guerra Mundial y la economía débil, el desempleo se generalizó en Japón y la industria del cine sufrió.

Durante este período, cuando Japón estaba expandiendo su Imperio, el gobierno japonés vio el cine como una herramienta de propaganda para mostrar la gloria y la invencibilidad del Imperio de Japón. Por lo tanto, muchas películas de este período representan temas patrióticos y militaristas. En 1942, la película de Kajiro Yamamoto Hawai Mare oki kaisen o "La guerra en el mar de Hawai a Malaya" retrató el ataque a Pearl Harbor; la película hizo uso de efectos especiales dirigidos por Eiji Tsuburaya, incluido un modelo a escala en miniatura del propio Pearl Harbor.

Yoshiko Yamaguchi fue una actriz muy popular. Saltó al estrellato internacional con 22 películas de guerra. La Asociación de Cine de Manchukuo le permitió usar el nombre chino Li Xianglan para que pudiera representar papeles chinos en películas de propaganda japonesa. Después de la guerra, usó su nombre japonés oficial y protagonizó 29 películas más. Fue elegida miembro del parlamento japonés en la década de 1970 y sirvió durante 18 años.

Akira Kurosawa hizo su debut cinematográfico con Sugata Sanshiro en 1943.

Ocupación estadounidense y período de posguerra

En 1945, Japón fue derrotado en la Segunda Guerra Mundial, comenzó el gobierno de Japón por parte del SCAP (Comandante Supremo de las Potencias Aliadas). Las películas producidas en Japón fueron administradas por la organización subordinada de GHQ, CIE (Sección Educativa de Información Civil, 民間情報教育局). Este sistema de gestión duró hasta 1952, y fue la primera vez en el mundo del cine japonés que se implementó la gestión y el control por parte de una institución extranjera. Durante las etapas de planificación y guión se tradujo al inglés, solo se produjeron las películas aprobadas por el CIE. Por ejemplo, “Akatsuki no Dassō” (1950) de Akira Kurosawa fue originalmente una obra que representaba a una mujer de consuelo militar coreana protagonizada por Yoshiko Yamaguchi, pero con docenas de censuras de la CIE, se convirtió en una obra original.La película completa fue censurada por segunda vez por un CCD (Destacamento de Censura Civil). La censura también se llevó a cabo con carácter retroactivo a obras cinematográficas pasadas. Japón estuvo expuesto a más de una década de animación estadounidense que fue prohibida por el gobierno en tiempos de guerra.

Además, como parte de la política de ocupación, el tema de la responsabilidad por la guerra se extendió a la industria cinematográfica, y cuando comenzaron a expresarse las voces de prohibir a los cooperantes de guerra en la producción de películas durante la guerra, Nagamasa Kawakita, Kanichi Negishi, Shiro Kido en 1947, la persona que participó en tales películas de alto movimiento fue exiliada. Sin embargo, como en otras actividades de género, la posición de responsabilidad por la guerra se ha tratado vagamente en la industria cinematográfica y las medidas anteriores se levantaron en 1950.

La primera película estrenada después de la guerra fue “Soyokaze” (そよかぜ) de 1945 de Yasushi Sasaki, y el tema musical “Ringo no Uta” de Michiko Namiki fue un gran éxito.

En la lista de prohibiciones de producción promulgada en 1945 por David Conde del CIE, el nacionalismo, el patriotismo, el suicidio y la masacre, las películas violentas brutales, etc. se convirtieron en elementos prohibidos, haciendo prácticamente imposible la producción de drama histórico. Como resultado, los actores que han estado usando el drama histórico como su negocio aparecieron en el drama contemporáneo. Esto incluye “Bannai Tarao” de Chiezō Kataoka (1946), “Torn Drum (破れ太鼓)” de Tsumasaburō Bandō (1949), “The Child Holding Hands (手をつなぐ子等)” de Hiroshi Inagaki y “King (王将)” de Daisuke Itō. ”.

Además, se produjeron muchas películas de propaganda como obras de cortesía democrática recomendadas por SCAP. Películas significativas entre ellas son, Setsuko Hara apareció en "No Regrets for Our Youth" de Akira Kurosawa (1946), "A Ball at the Anjo House" de Kōzaburō Yoshimura (1947), "Aoi sanmyaku" de Tadashi Imai (1949), etc. ganó popularidad nacional como una estrella que simboliza el comienzo de una nueva era. En "Hatachi no Seishun (はたちの青春)" de Yasushi Sasaki (1946), se filmó la primera escena de beso de una película japonesa.

Las primeras colaboraciones entre Akira Kurosawa y el actor Toshiro Mifune fueron Drunken Angel en 1948 y Stray Dog en 1949. Yasujirō Ozu dirigió Late Spring, un éxito comercial y de crítica, en 1949.

El Mainichi Film Award fue creado en 1946.

La década de 1950 es ampliamente considerada como la Edad de Oro del cine japonés. Tres películas japonesas de esta década (Rashomon, Seven Samurai y Tokyo Story) aparecieron entre las diez primeras de las encuestas de críticos y directores de Sight & Sound sobre las mejores películas de todos los tiempos en 2002. También aparecieron en las encuestas de 2012, con Tokyo Story (1953) destronando a Citizen Kane en la cima de la encuesta de directores de 2012.

Comenzaron a producirse películas de guerra restringidas por SCAP, “Escucha las voces del mar” de Hideo Sekigawa (1950), “Himeyuri no Tô - La torre de los lirios” de Tadashi Imai (1953), “Veinticuatro ojos” de Keisuke Kinoshita (1954), “El arpa birmana” de Kon Ichikawa (1956), y otras obras encaminadas a la retrospectiva trágica y sentimental de la experiencia bélica, una tras otra, se convirtieron en una influencia social. También se produjeron en masa otras películas de Nostalgia como Battleship Yamato (1953) y Eagle of the Pacific (1953). En estas circunstancias, también aparecieron películas como "El emperador Meiji y la guerra ruso-japonesa (明治天皇と日露大戦争)" (1957), donde Kanjūrō ​​Arashi interpretó al emperador Meiji. Era una situación que era impensable antes de la guerra, la comercialización del Emperador que se suponía que era sagrado e inviolable.

El período posterior a la ocupación estadounidense condujo a un aumento de la diversidad en la distribución de películas gracias a la mayor producción y popularidad de los estudios cinematográficos de Toho, Daiei, Shochiku, Nikkatsu y Toei. Este período dio origen a los cuatro grandes artistas del cine japonés: Masaki Kobayashi, Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi y Yasujirō Ozu. Cada director abordó los efectos de la guerra y la subsiguiente ocupación de Estados Unidos de manera única e innovadora.

La década comenzó con Rashomon (1950) de Akira Kurosawa, que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1951 y el Premio de Honor de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 1952, y marcó la entrada del cine japonés en el escenario mundial. También fue el papel destacado de la legendaria estrella Toshiro Mifune. En 1953, Entotsu no mieru basho de Heinosuke Gosho estuvo en competencia en el 3er Festival Internacional de Cine de Berlín.

La primera película japonesa en color fue Carmen Comes Home, dirigida por Keisuke Kinoshita y estrenada en 1951. También había disponible una versión en blanco y negro de esta película. Tokyo File 212 (1951) fue el primer largometraje estadounidense rodado íntegramente en Japón. Los papeles principales fueron interpretados por Florence Marly y Robert Peyton. Presentó a la geisha Ichimaru en un breve cameo. Tonichi Enterprises Company de Suzuki Ikuzo coprodujo la película. Gate of Hell, una película de 1953 de Teinosuke Kinugasa, fue la primera película que se filmó con película de Eastmancolor, Gate of Hell fue la primera película en color de Daiei y la primera película en color japonesa que se estrenó fuera de Japón, y recibió un premio de honor de la Academia en 1954 al mejor diseño de vestuario de Sanzo Wada y un premio de honor a la mejor película en lengua extranjera. También ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, la primera película japonesa en lograr ese honor.

En el año 1954 se estrenaron dos de las películas más influyentes de Japón. El primero fue la epopeya de Kurosawa Seven Samurai, sobre una banda de samuráis contratados que protegen un pueblo indefenso de una banda de ladrones rapaces. El mismo año, Ishirō Honda dirigió el drama antinuclear de monstruos Godzilla, que se estrenó en Estados Unidos dos años después con el título Godzilla, King of the Monsters. . Aunque editado para su lanzamiento occidental, Godzilla se convirtió en un ícono internacional de Japón y generó todo un subgénero de películas kaiju, así como la franquicia cinematográfica más antigua de la historia. También en 1954, otra película de Kurosawa, Ikiruestuvo en competencia en el 4º Festival Internacional de Cine de Berlín.

En 1955, Hiroshi Inagaki ganó un Premio de Honor de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera por la Parte I de su trilogía Samurai y en 1958 ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia por Rickshaw Man. Kon Ichikawa dirigió dos dramas contra la guerra: The Burmese Harp (1956), que fue nominada a Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia, y Fires On The Plain (1959), junto con Enjo (1958), que fue adaptada de Yukio. La novela de Mishima El Templo del Pabellón Dorado. Masaki Kobayashi hizo tres películas que se conocerían colectivamente como La trilogía de la condición humana: No hay amor más grande (1959) y El camino a la eternidad.(1959). La trilogía se completó en 1961, con A Soldier's Prayer.

Kenji Mizoguchi, quien murió en 1956, terminó su carrera con una serie de obras maestras que incluyen La vida de Oharu (1952), Ugetsu (1953) y Sansho the Bailiff (1954). Ganó el Oso de Plata en el Festival de Cine de Venecia por Ugetsu. Las películas de Mizoguchi a menudo tratan sobre las tragedias infligidas a las mujeres por la sociedad japonesa. Mikio Naruse realizó Repast (1950), Late Chrysanthemums (1954), The Sound of the Mountain (1954) y Floating Clouds (1955). Yasujirō Ozu comenzó a dirigir películas en color comenzando con Equinox Flower (1958), y luego Good Morning (1959) y Floating Weeds.(1958), que fue una adaptación de su anterior película muda A Story of Floating Weeds (1934), y fue filmada por Rashomon y el director de fotografía de Sansho the Bailiff, Kazuo Miyagawa.

Los premios Blue Ribbon se establecieron en 1950. El primer ganador a la Mejor Película fue Hasta que nos volvamos a encontrar de Tadashi Imai.

El número de películas producidas y la audiencia cinematográfica alcanzaron su punto máximo en la década de 1960. La mayoría de las películas se mostraron en carteles dobles, y la mitad del cartel era una "imagen de programa" o una película B. Una imagen de programa típica se filmó en cuatro semanas. La demanda de estos programas de imágenes en cantidad significó el crecimiento de series de películas como The Hoodlum Soldier o Akumyo.

El enorme nivel de actividad del cine japonés de la década de 1960 también dio lugar a muchos clásicos. Akira Kurosawa dirigió el clásico Yojimbo de 1961. Yasujirō Ozu hizo su última película, Una tarde de otoño, en 1962. Mikio Naruse dirigió el melodrama de pantalla ancha Cuando una mujer sube las escaleras en 1960; su última película fue Nubes dispersas de 1967.

Kon Ichikawa capturó el hito de los Juegos Olímpicos de 1964 en su documental de tres horas Olimpiada de Tokio (1965). Seijun Suzuki fue despedido por Nikkatsu por "hacer películas que no tienen ningún sentido y no generan dinero" después de su película surrealista yakuza Branded to Kill (1967).

La década de 1960 fueron los años pico del movimiento New Wave japonés, que comenzó en la década de 1950 y continuó hasta principios de la década de 1970. Nagisa Oshima, Kaneto Shindo, Masahiro Shinoda, Susumu Hani y Shohei Imamura surgieron como los principales cineastas durante la década. Cruel Story of Youth de Oshima, Night and Fog in Japan y Death By Hanging, junto con Onibaba de Shindo, Kanojo to kare de Hani y The Insect Woman de Imamura, se convirtió en uno de los ejemplos más conocidos del cine japonés New Wave. El documental desempeñó un papel crucial en la Nueva Ola, ya que directores como Hani, Kazuo Kuroki, Toshio Matsumoto e Hiroshi Teshigahara pasaron del documental al cine de ficción, mientras que cineastas como Oshima e Imamura también realizaron documentales. Shinsuke Ogawa y Noriaki Tsuchimoto se convirtieron en los documentalistas más importantes: "dos figuras [que] se elevan sobre el paisaje del documental japonés".

Woman in the Dunes (1964), de Teshigahara, ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes y fue nominada a los Oscar al Mejor Director y Mejor Película en Lengua Extranjera. Kwaidan (1965), de Masaki Kobayashi, también obtuvo el Premio Especial del Jurado en Cannes y recibió una nominación a Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia. Bushido, Samurai Saga de Tadashi Imai ganó el Oso de Oro en el 13º Festival Internacional de Cine de Berlín. Immortal Love de Keisuke Kinoshita y Twin Sisters of Kyoto y Portrait of Chieko, ambas de Noboru Nakamura, también recibieron nominaciones a Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia. Primavera perdida, también de Nakamura, compitió por el Oso de Oro en el 17º Festival Internacional de Cine de Berlín.

La década de 1970 vio caer la audiencia del cine debido a la expansión de la televisión. La audiencia total disminuyó de 1200 millones en 1960 a 200 millones en 1980. Las compañías cinematográficas se defendieron de varias maneras, como las películas de mayor presupuesto de Kadokawa Pictures, o incluyendo contenido y lenguaje cada vez más sexual o violento que no se podía mostrar en la televisión. La industria cinematográfica rosa resultante se convirtió en el trampolín para muchos jóvenes cineastas independientes. Los años setenta también vieron el comienzo de los "idol eiga", películas protagonizadas por jóvenes "ídolos", que atraerían al público debido a su fama y popularidad.

Toshiya Fujita realizó la película de venganza Lady Snowblood en 1973. Ese mismo año, Yoshishige Yoshida realizó la película Coup d'État, un retrato de Ikki Kita, el líder del golpe japonés de febrero de 1936. Su cinematografía experimental y puesta en escena scène, así como su partitura vanguardista de Toshi Ichiyanagi, le valieron elogios de la crítica en Japón.

En 1976 se creó el Hochi Film Award. El primer ganador a Mejor Película fue The Inugamis de Kon Ichikawa. Nagisa Oshima dirigió In the Realm of the Senses (1976), una película que detalla un crimen pasional que involucra a Sada Abe ambientado en la década de 1930. Controvertido por su contenido sexual explícito, nunca se ha visto sin censura en Japón.

Kinji Fukasaku completó la épica serie de películas yakuza Battles Without Honor and Humanity. Yoji Yamada presentó la exitosa serie Tora-San, mientras también dirigía otras películas, en particular la popular The Yellow Handkerchief, que ganó el primer Premio de la Academia Japonesa a la Mejor Película en 1978. Los cineastas de la nueva ola Susumu Hani y Shōhei Imamura se retiraron al trabajo documental. aunque Imamura hizo un regreso dramático a la realización de largometrajes con Vengeance Is Mine (1979).

Dodes'ka-den de Akira Kurosawa y Sandakan No. 8 de Kei Kumai fueron nominados al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera.

La década de 1980 vio el declive de los principales estudios de cine japoneses y sus cadenas de cines asociadas, con los principales estudios Toho y Toei apenas permaneciendo en el negocio, Shochiku apoyado casi únicamente por las películas de Otoko wa tsurai yo y Nikkatsu decayendo aún más.

De la generación anterior de directores, Akira Kurosawa dirigió Kagemusha (1980), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1980, y Ran (1985). Seijun Suzuki hizo una reaparición comenzando con Zigeunerweisen en 1980. Shohei Imamura ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes por La balada de Narayama (1983). Yoshishige Yoshida hizo A Promise (1986), su primera película desde Coup d'État de 1973.

Los nuevos directores que aparecieron en la década de 1980 incluyen al actor Juzo Itami, quien dirigió su primera película, The Funeral, en 1984, y logró el éxito de crítica y taquilla con Tampopo en 1985. Shinji Sōmai, un director populista con inclinaciones artísticas que hizo películas como la juventud -centrada en Typhoon Club y la aclamada por la crítica Roman porno Love Hotel, entre otras. Kiyoshi Kurosawa, quien generaría atención internacional a partir de mediados de la década de 1990, hizo su debut inicial con películas rosas y géneros de terror.

Durante la década de 1980, el anime creció en popularidad, con nuevas películas animadas lanzadas cada verano e invierno, a menudo basadas en series de televisión de anime populares. Mamoru Oshii lanzó su histórico Angel's Egg en 1985. Hayao Miyazaki adaptó su serie de manga Nausicaä of the Valley of Wind en un largometraje del mismo nombre en 1984. Katsuhiro Otomo hizo lo mismo al adaptar su propio manga Akira en un largometraje del mismo nombre en 1988.

El video casero hizo posible la creación de una industria cinematográfica directa a video.

Los minicines, un tipo de cine independiente caracterizado por un tamaño y una capacidad de asientos más pequeños en comparación con los cines más grandes, ganaron popularidad durante la década de 1980. Los miniteatros ayudaron a llevar al público japonés películas independientes y de autor de otros países, así como películas producidas en Japón por cineastas japoneses desconocidos.

Debido a las recesiones económicas, la cantidad de salas de cine en Japón ha disminuido constantemente desde la década de 1960. La década de 1990 vio la inversión de esta tendencia y la introducción de los multiplex en Japón. Al mismo tiempo, continuó la popularidad de los mini teatros.

Takeshi Kitano emergió como un cineasta importante con trabajos como Sonatine (1993), Kids Return (1996) y Hana-bi (1997), que recibió el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. Shōhei Imamura volvió a ganar la Palma de Oro (compartida con el director iraní Abbas Kiarostami), esta vez por La anguila (1997). Se convirtió en el quinto ganador dos veces, uniéndose a Alf Sjöberg, Francis Ford Coppola, Emir Kusturica y Bille August.

Kiyoshi Kurosawa obtuvo reconocimiento internacional tras el lanzamiento de Cure (1997). Takashi Miike inició una prolífica carrera con títulos como Audition (1999), Dead or Alive (1999) y The Bird People in China (1998). El ex documentalista Hirokazu Koreeda inició una aclamada carrera cinematográfica con Maborosi (1996) y After Life (1999).

Hayao Miyazaki dirigió dos grandes éxitos de taquilla y crítica, Porco Rosso (1992), que superó a ET the Extra-Terrestrial (1982) como la película más taquillera de Japón, y La princesa Mononoke (1997), que también obtuvo el primer lugar en taquilla. spot hasta Titanic (1997).

Varios nuevos directores de anime alcanzaron un amplio reconocimiento, trayendo consigo nociones de anime no solo como entretenimiento, sino también como arte moderno. Mamoru Oshii estrenó la película de acción de ciencia ficción filosófica internacionalmente aclamada Ghost in the Shell en 1996. Satoshi Kon dirigió el galardonado thriller psicológico Perfect Blue. Hideaki Anno también obtuvo un reconocimiento considerable con The End of Evangelion en 1997.

Siglo 21

El número de películas que se muestran en Japón aumentó constantemente, con alrededor de 821 películas estrenadas en 2006. Las películas basadas en series de televisión japonesas fueron especialmente populares durante este período. Las películas de anime ahora representaban el 60 por ciento de la producción cinematográfica japonesa. Las décadas de 1990 y 2000 se consideran la "Segunda Edad de Oro del cine japonés", debido a la inmensa popularidad del anime, tanto dentro de Japón como en el extranjero.

Aunque no fue un éxito comercial, All About Lily Chou-Chou, dirigida por Shunji Iwai, fue galardonada en los festivales de cine de Berlín, Yokohama y Shanghái en 2001. Takeshi Kitano apareció en Battle Royale y dirigió y protagonizó Dolls y Zatoichi. Varias películas de terror, Kairo, Dark Water, Yogen, la serie Grudge y One Missed Call tuvieron éxito comercial. En 2004, se lanzó Godzilla: Final Wars, dirigida por Ryuhei Kitamura, para celebrar el 50 aniversario de Godzilla. En 2005, el director Seijun Suzuki hizo su película número 56, Princess Raccoon.. Hirokazu Koreeda ganó premios en festivales de cine de todo el mundo con dos de sus películas Distancia y Nadie sabe. La película de la directora de cine Naomi Kawase The Mourning Forest ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes en 2007. Yoji Yamada, director de la serie Otoko wa Tsurai yo, hizo una trilogía de aclamadas películas revisionistas de samuráis, Twilight Samurai de 2002, seguida de The Hidden Blade en 2004 y Love and Honor en 2006. En 2008, Departures ganó el Premio de la Academia a la mejor película en lengua extranjera.

En el anime, Hayao Miyazaki dirigió El viaje de Chihiro en 2001, rompió récords de taquilla en Japón y ganó varios premios, incluido el Premio de la Academia a la mejor película animada en 2003, seguido de Howl's Moving Castle y Ponyo en 2004 y 2008 respectivamente. En 2004, Mamoru Oshii lanzó la película de anime Ghost in the Shell 2: Innocence, que recibió elogios de la crítica en todo el mundo. Su película de 2008 The Sky Crawlers tuvo una recepción internacional igualmente positiva. Satoshi Kon también estrenó tres películas más tranquilas, pero sin embargo muy exitosas: Millennium Actress, Tokyo Godfathers y Paprika.. Katsuhiro Otomo lanzó Steamboy, su primer proyecto animado desde la compilación de cortometrajes de 1995 Memories, en 2004. En colaboración con Studio 4C, el director estadounidense Michael Arias lanzó Tekkon Kinkreet en 2008, con gran éxito internacional. Después de varios años de dirigir principalmente películas de acción en vivo de bajo perfil, Hideaki Anno formó su propio estudio de producción y revisó su aún popular franquicia Evangelion con la tetralogía Rebuild of Evangelion, una nueva serie de películas que brindan un recuento alternativo de la historia original.

Desde febrero de 2000, se estableció el Consejo de Promoción de la Comisión Cinematográfica de Japón. El 16 de noviembre de 2001, las leyes de la Fundación Japonesa para la Promoción de las Artes fueron presentadas a la Cámara de Representantes. Estas leyes estaban destinadas a promover la producción de artes mediáticas, incluida la escenografía cinematográfica, y estipulan que el gobierno, tanto a nivel nacional como local, debe prestar ayuda para preservar los medios cinematográficos. Las leyes se aprobaron el 30 de noviembre y entraron en vigencia el 7 de diciembre. En 2003, en una reunión de la Agencia de Asuntos Culturales, se propusieron doce políticas en un informe escrito para permitir que las películas hechas por el público se promocionen y exhiban en el Cine. Centro del Museo Nacional de Arte Moderno.

Hasta ahora, cuatro películas han recibido reconocimiento internacional al ser seleccionadas para competir en los principales festivales de cine: Caterpillar de Kōji Wakamatsu compitió por el Oso de Oro en el 60º Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el Oso de Plata a la Mejor Actriz, Outrage de Takeshi Kitano fue En Competición por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2010, Himizu de Sion Sono compitió por el León de Oro en la 68ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia.

En 2011, Hara-Kiri: Death of a Samurai de Takashi Miike estuvo en competencia por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2012, la primera película en 3D que se proyectó en competencia en Cannes. La película fue coproducida por el productor independiente británico Jeremy Thomas, que había llevado con éxito títulos japoneses como Merry Christmas de Nagisa Oshima, Mr Lawrence and Taboo, Takeshi Kitano's Brother y 13 Assassins de Miike al escenario internacional como productor.

En 2018, Hirokazu Kore-eda ganó la Palma de Oro por su película Shoplifters en la 71.ª edición del Festival de Cine de Cannes, un festival que también contó con la participación de Asako I & II de Ryūsuke Hamaguchi.

En 2020, una película de anime japonesa Demon Slayer: Mugen Train basada en la serie de manga Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba rompió todos los récords de taquilla en el país, convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos en Japón, la japonesa más taquillera. película de todos los tiempos y la película más taquillera de 2020.

La película de carretera dramática de 2021 Drive My Car ganó el premio a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 79.ª edición de los Globos de Oro y recibió el Premio de la Academia a la Mejor Película Internacional en la 94.ª edición de los Premios de la Academia.

Géneros

• Anime: películas animadas
  • Mecha: películas con robots mecha
• Gendaigeki: películas ambientadas en la actualidad, lo contrario de jidaigeki
• Terror japonés: películas de terror
• Ciencia ficción japonesa: películas de ciencia ficción
  • Cyberpunk japonés: películas cyberpunk
  • Kaiju: películas de monstruos
  • Tokusatsu: películas que hacen un uso intensivo de los efectos especiales, generalmente con superhéroes disfrazados.
• Jidaigeki: películas de época ambientadas durante el período Edo (1603–1868) o antes, lo opuesto a gendaigeki
  • Cine samurái: películas que presentan el manejo de la espada, también conocido como chanbara (una onomatopeya que describe el sonido de las espadas chocando)
• Películas de ninjas: películas protagonizadas por ninjas
• Pink films: películas pornográficas softcore
• Shomingeki: películas realistas sobre trabajadores comunes
• Películas de tendencia: películas socialmente conscientes, de tendencia izquierdista
• Películas de Yakuza: películas de gánsteres sobre mafiosos yakuza

Taquilla

Teóricos del cine

Los estudiosos del cine expertos en cine japonés incluyen:

• Isolde Standish, teórica de cine australiana y británica

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