Caravaggio

Michelangelo Merisi (Michele Angelo Merigi o Amerighi) da Caravaggio, conocido simplemente como Caravaggio (, Italiano: [mikeˈlandʒelo meˈriːzi da (k)karaˈvaddʒo]; 29 de septiembre de 1571 - 18 de julio de 1610), fue un pintor italiano activo en Roma durante la mayor parte de su vida artística. Durante los últimos cuatro años de su vida se mudó entre Nápoles, Malta y Sicilia hasta su muerte. Los críticos de arte han caracterizado sus pinturas por combinar una observación realista del estado humano, tanto físico como emocional, con un uso dramático de la iluminación, que tuvo una influencia formativa en la pintura barroca.

Caravaggio empleó la observación física minuciosa con un uso dramático del claroscuro que llegó a conocerse como tenebrismo. Hizo de la técnica un elemento estilístico dominante, transfigurando sujetos en brillantes haces de luz y sombras oscurecidas. Caravaggio expresó vívidamente momentos y escenas cruciales, a menudo con luchas violentas, tortura y muerte. Trabajó rápidamente con modelos vivos, prefiriendo renunciar a los dibujos y trabajar directamente sobre el lienzo. Su efecto inspirador en el nuevo estilo barroco que surgió del manierismo fue profundo. Su influencia se puede ver directa o indirectamente en la obra de Peter Paul Rubens, Jusepe de Ribera, Gian Lorenzo Bernini y Rembrandt. Los artistas fuertemente bajo su influencia fueron llamados "Caravaggisti" (o "Caravagesques"), así como tenebristas o tenebrosi ("shadowists").

Caravaggio se formó como pintor en Milán antes de mudarse a Roma cuando tenía veinte años. Desarrolló un nombre considerable como artista y como hombre violento, delicado y provocador. Una reyerta derivó en una sentencia de muerte por asesinato y lo obligó a huir a Nápoles. Allí volvió a consolidarse como uno de los pintores italianos más destacados de su generación. Viajó a Malta y luego a Sicilia en 1607 y buscó el perdón papal por su sentencia. En 1609 regresó a Nápoles, donde se vio envuelto en un violento enfrentamiento; su rostro quedó desfigurado y circularon rumores de su muerte. Las preguntas sobre su estado mental surgieron de su comportamiento errático y extraño. Murió en 1610 en circunstancias inciertas mientras se dirigía de Nápoles a Roma. Los informes indicaron que murió de fiebre, pero se ha sugerido que fue asesinado o que murió por envenenamiento por plomo.

Las innovaciones de Caravaggio inspiraron la pintura barroca, pero esta última incorporó el dramatismo de su claroscuro sin el realismo psicológico. El estilo evolucionó y las modas cambiaron, y Caravaggio cayó en desgracia. En el siglo XX, revivió el interés por su trabajo y se reevaluó su importancia para el desarrollo del arte occidental. El historiador del arte del siglo XX André Berne-Joffroy [fr] declaró: "Lo que comienza en la obra de Caravaggio es, sencillamente, pintura moderna."

Biografía

Primeros años (1571-1592)

Cesta de frutas, c. 1595–1596, aceite sobre lienzo, Pinacoteca Ambrosiana, Milan

Caravaggio (Michelangelo Merisi o Amerighi) nació en Milán, donde su padre, Fermo (Fermo Merixio), era administrador doméstico y arquitecto-decorador del marqués de Caravaggio, una ciudad a 35 km al este de Milán y al sur de Bérgamo. En 1576, la familia se mudó a Caravaggio (Caravaggius) para escapar de una plaga que asolaba Milán, y el padre y el abuelo de Caravaggio murieron allí el mismo día de 1577. Se supone que el artista creció en Caravaggio, pero su La familia mantuvo conexiones con los Sforza y la poderosa familia Colonna, quienes estaban aliados por matrimonio con los Sforza y destinados a desempeñar un papel importante más adelante en la vida de Caravaggio.

La madre de Caravaggio tuvo que criar a sus cinco hijos en la pobreza. Más tarde murió en 1584, el mismo año en que comenzó su aprendizaje de cuatro años con el pintor milanés Simone Peterzano, descrito en el contrato de aprendizaje como alumno de Tiziano. Caravaggio parece haberse quedado en el área de Milán-Caravaggio después de que terminó su aprendizaje, pero es posible que visitó Venecia y vio las obras de Giorgione, a quien Federico Zuccari luego lo acusó de imitar, y Tiziano. También se habría familiarizado con los tesoros artísticos de Milán, incluida la Última Cena de Leonardo da Vinci, y con el arte regional lombardo, un estilo que valoraba la sencillez y la atención a los detalles naturalistas y era más cerca del naturalismo de Alemania que de la estilizada formalidad y grandeza del manierismo romano.

Comienzos en Roma (1592/95–1600)

Después de su formación inicial con Simone Peterzano, en 1592, Caravaggio partió de Milán rumbo a Roma huyendo después de "ciertas disputas" y la herida de un oficial de policía. El joven artista llegó a Roma "desnudo y extremadamente necesitado... sin domicilio fijo y sin provisiones... falto de dinero." Durante este período, se quedó con el avaro Pandolfo Pucci, conocido como "monseñor Insalata". Unos meses más tarde estaba realizando un trabajo de pirateo para el exitoso Giuseppe Cesari, el artista favorito del Papa Clemente VIII, "pintando flores y frutas" en su taller tipo fábrica.

En Roma, había demanda de pinturas para llenar las muchas iglesias y palacios nuevos y enormes que se estaban construyendo en ese momento. También fue un período en el que la Iglesia buscaba una alternativa estilística al manierismo en el arte religioso que tenía la tarea de contrarrestar la amenaza del protestantismo. La innovación de Caravaggio fue un naturalismo radical que combinaba la observación física cercana con un uso dramático, incluso teatral, del claroscuro que llegó a conocerse como tenebrismo (el cambio de la luz a la oscuridad con poco valor intermedio).

Los músicos, 1595–1596, Metropolitan Museum of Art, New York

Obras conocidas de este período incluyen un pequeño Niño pelando una fruta (su pintura más antigua conocida), un Niño con una cesta de frutas y el Joven Baco enfermo, supuestamente un autorretrato realizado durante la convalecencia de una grave enfermedad que acabó con su relación laboral con Cesari. Los tres demuestran la particularidad física por la que Caravaggio se haría célebre: un profesor de horticultura analizó los productos del chico de la cesta de frutas y pudo identificar cultivares individuales hasta "...una hoja de parra grande con una lesión de quemadura fúngica prominente que se asemeja a la antracnosis (Glomerella cingulata)."

Caravaggio dejó a Cesari, decidido a seguir su propio camino después de una acalorada discusión. En este punto forjó algunas amistades muy importantes, con el pintor Prospero Orsi, el arquitecto Onorio Longhi y el artista siciliano de dieciséis años Mario Minniti. Orsi, establecido en la profesión, lo presentó a coleccionistas influyentes; Longhi, más siniestro, lo introdujo en el mundo de las peleas callejeras romanas. Minniti sirvió de modelo a Caravaggio y, años más tarde, sería fundamental para ayudarlo a obtener importantes encargos en Sicilia. Aparentemente, la primera referencia de archivo a Caravaggio en un documento contemporáneo de Roma es la lista de su nombre, con el de Prospero Orsi como su socio, como 'asistente' en una procesión en octubre de 1594 en honor a San Lucas. El relato informativo más antiguo de su vida en la ciudad es una transcripción judicial fechada el 11 de julio de 1597, cuando Caravaggio y Prospero Orsi fueron testigos de un crimen cerca de San Luigi de' Francesi.

San Francisco de Asís en éxtasis (c. 1595), Wadsworth Atheneum, Hartford

El Jugador de Lute (versión de Hermitage), c. 1600. Museo Hermitage, San Petersburgo. (comisado por Francesco Maria del Monte)

The Fortune Teller, su primera composición con más de una figura, muestra a un niño, probablemente Minniti, a quien una niña romaní le lee la palma de la mano y se quita el anillo sigilosamente mientras le acaricia la mano.. El tema era bastante nuevo para Roma y resultó inmensamente influyente durante el siglo siguiente y más allá. Sin embargo, en su momento, Caravaggio lo vendió prácticamente por nada. The Cardsharps, que muestra a otro ingenuo joven privilegiado que cae víctima de trampas con cartas, es aún más complejo psicológicamente y quizás la primera verdadera obra maestra de Caravaggio. Al igual que The Fortune Teller, fue inmensamente popular y sobrevivieron más de 50 copias. Más importante aún, atrajo el patrocinio del cardenal Francesco Maria del Monte, uno de los principales conocedores de Roma. Para Del Monte y su rico círculo amante del arte, Caravaggio ejecutó una serie de piezas de cámara íntimas: Los músicos, El jugador de laúd, un borracho Baco, un niño mordido por un lagarto, alegórico pero realista, con Minniti y otros modelos adolescentes.

Las primeras pinturas de Caravaggio sobre temas religiosos volvieron al realismo y al surgimiento de una espiritualidad notable. El primero de ellos fue la Magdalena penitente, que muestra a María Magdalena en el momento en que se aparta de su vida de cortesana y se sienta a llorar en el suelo, con sus joyas esparcidas a su alrededor. "No parecía una pintura religiosa en absoluto... una niña sentada en un taburete bajo de madera secándose el cabello... ¿Dónde estaba el arrepentimiento... el sufrimiento... la promesa de salvación?" Fue discreto, a la manera lombarda, no histriónico a la manera romana de la época. Le siguieron otros del mismo estilo: Santa Catalina; Marta y María Magdalena; Judit decapitando a Holofernes; un Sacrificio de Isaac; un San Francisco de Asís en éxtasis; y un Descanso en la Huida a Egipto. Estas obras, aunque fueron vistas por un círculo comparativamente limitado, aumentaron la fama de Caravaggio tanto entre los conocedores como entre sus compañeros artistas. Pero una verdadera reputación dependería de los encargos públicos, para lo cual había que mirar a la Iglesia.

Medusa, c. 1597. Uffizi, Florencia

Narciso en la Fuente, 1597-1599, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma

Ya era evidente el intenso realismo o naturalismo por el que Caravaggio es ahora famoso. Prefería pintar a sus sujetos como los ve el ojo, con todos sus defectos y fallas naturales, en lugar de como creaciones idealizadas. Esto permitió una exhibición completa de sus talentos virtuosos. Este cambio de la práctica estándar aceptada y el idealismo clásico de Miguel Ángel fue muy controvertido en ese momento. Caravaggio también prescindió de los largos preparativos tradicionales en el centro de Italia en ese momento. En cambio, prefirió la práctica veneciana de trabajar al óleo directamente del sujeto: figuras de medio cuerpo y naturalezas muertas. Cena en Emaús, de c. 1600-1601, es una obra característica de este período que demuestra su talento virtuoso.

"El pintor más famoso de Roma" (1600–1606)

En 1599, presumiblemente por influencia de Del Monte, Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli en la iglesia de San Luigi dei Francesi. Las dos obras que componían el encargo, El martirio de san Mateo y La vocación de san Mateo, entregadas en 1600, fueron una sensación inmediata. A partir de entonces nunca le faltaron comisiones ni mecenas.

El llamado de San Mateo (1599–1600), Capilla Contarelli, San Luigi dei Francesi, Roma. Sin recurrir a los ángeles voladores, partiendo nubes u otro artificio, Caravaggio retrata la conversión instantánea de San Mateo, el momento en que su destino girará, por medio de un rayo de luz y el dedo puntero de Jesús.

El tenebrismo de Caravaggio (un claroscuro realzado) trajo gran dramatismo a sus modelos, mientras que su realismo agudamente observado trajo un nuevo nivel de intensidad emocional. La opinión entre sus compañeros artistas estaba polarizada. Algunos lo denunciaron por varios defectos percibidos, en particular su insistencia en pintar del natural, sin dibujos, pero en su mayor parte, fue aclamado como un gran visionario artístico: "Los pintores entonces en Roma quedaron muy cautivados por esta novedad, y los jóvenes particularmente reunidos a su alrededor, lo alabaron como el único imitador de la naturaleza, y consideraron su obra como milagros."

Caravaggio consiguió una serie de prestigiosos encargos de obras religiosas que presentaban luchas violentas, decapitaciones grotescas, tortura y muerte. El más notable y técnicamente magistral entre ellos fue The Taking of Christ (circa 1602) para la familia Mattei, solo redescubierto a principios de la década de 1990, en Irlanda, después de dos siglos sin ser reconocido. En su mayor parte, cada nueva pintura aumentó su fama, pero algunos fueron rechazados por los diversos organismos a los que estaban destinados, al menos en sus formas originales, y tuvieron que volver a pintar o encontrar nuevos compradores. La esencia del problema era que, si bien se apreciaba la intensidad dramática de Caravaggio, algunos consideraban su realismo inaceptablemente vulgar.

Judith Beheading Holofernes 1599–1602, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma

Su primera versión de San Mateo y el ángel, que mostraba al santo como un campesino calvo con las piernas sucias atendido por un niño-ángel demasiado familiar y ligeramente vestido, fue rechazada y se tuvo que preparar una segunda versión. ser pintado como La Inspiración de San Mateo. Del mismo modo, La Conversión de San Pablo fue rechazada, y aunque se aceptó otra versión del mismo tema, la Conversión en el Camino de Damasco, presentaba al santo' Las ancas de su caballo son mucho más prominentes que las del propio santo, lo que provocó este intercambio entre el artista y un funcionario exasperado de Santa Maria del Popolo: "¿Por qué has puesto un caballo en medio, y San Pablo en el suelo?" "¡Porque!" "¿Es Dios el caballo?" "No, ¡pero está en la luz de Dios!"

Muerte de la Virgen, 1601–1606, Louvre, Paris

Otras obras incluyeron Entombment, la Madonna di Loreto (Madonna of the Pilgrims), the Grooms' Madonna, y la Muerte de la Virgen. La historia de estos dos últimos cuadros ilustra la acogida que tuvo parte del arte de Caravaggio y la época en la que vivió. Los Novios' Madonna, también conocida como Madonna dei palafrenieri, pintada para un pequeño altar en la Basílica de San Pedro en Roma, permaneció allí solo dos días y luego fue retirada. El secretario de un cardenal escribió: "En esta pintura, no hay más que vulgaridad, sacrilegio, impiedad y repugnancia... Se diría que es una obra hecha por un pintor que puede pintar bien, pero de un color oscuro. espíritu, y que ha estado mucho tiempo lejos de Dios, de su adoración, y de todo buen pensamiento..."

Amor Vincit Omnia, 1601–1602, Gemäldegalerie, Berlín. Caravaggio muestra Cupido prevaleciendo sobre todos los esfuerzos humanos: guerra, música, ciencia, gobierno.

La Muerte de la Virgen, encargada en 1601 por un rico jurista para su capilla privada en la nueva iglesia carmelita de Santa Maria della Scala, fue rechazada por los carmelitas en 1606. Caravaggio' El contemporáneo Giulio Mancini registra que fue rechazado porque Caravaggio había utilizado a una conocida prostituta como modelo para la Virgen. Giovanni Baglione, otro contemporáneo, cuenta que se debió a las piernas desnudas de María, una cuestión de decoro en cualquier caso. El erudito de Caravaggio, John Gash, sugiere que el problema para los carmelitas puede haber sido más teológico que estético, en el sentido de que la versión de Caravaggio no afirma la doctrina de la Asunción de María, la idea de que la Madre de Dios no murió en ningún sentido ordinario, pero fue asumido en el Cielo. El retablo de reemplazo encargado (a uno de los más capaces seguidores de Caravaggio, Carlo Saraceni), mostraba a la Virgen no muerta, como la había pintado Caravaggio, sino sentada y moribunda; e incluso esto fue rechazado y reemplazado por una obra que muestra a la Virgen no muriendo, sino ascendiendo al cielo con coros de ángeles. En cualquier caso, el rechazo no significó que Caravaggio o sus pinturas estuvieran en desgracia. La Muerte de la Virgen no bien fue sacada de la iglesia cuando fue comprada por el Duque de Mantua, por consejo de Rubens, y posteriormente adquirida por Carlos I de Inglaterra antes de ingresar a la colección real francesa en 1671.

Una pieza secular de estos años es Amor Vincit Omnia, en inglés también llamada Amor Victorious, pintada en 1602 para Vincenzo Giustiniani, miembro de Del Monte' círculo de s. El modelo fue nombrado en una memoria de principios del siglo XVII como "Cecco", el diminutivo de Francesco. Posiblemente sea Francesco Boneri, identificado con un artista activo en el período 1610-1625 y conocido como Cecco del Caravaggio ('Caravaggio's Cecco'), portando un arco y flechas y pisoteando símbolos de la guerra. y artes y ciencias pacíficas bajo los pies. Está desnudo, y es difícil aceptar a este golfillo sonriente como el dios romano Cupido, tan difícil como lo fue aceptar a los otros adolescentes semidesnudos de Caravaggio como los diversos ángeles que pintó en sus lienzos, vestidos de manera muy similar. alas de utilería. El punto, sin embargo, es la realidad intensa pero ambigua de la obra: es simultáneamente Cupido y Cecco, como las vírgenes de Caravaggio eran simultáneamente la Madre de Cristo y las cortesanas romanas que modelaban para ellas.

Problemas legales y huida de Roma (1606)

San Jerónimo, 1605–1606, Galleria Borghese, Roma

Caravaggio llevó una vida tumultuosa. Era conocido por sus peleas, incluso en una época y un lugar en los que ese comportamiento era común, y las transcripciones de sus registros policiales y procedimientos judiciales ocupan muchas páginas.

Bellori afirma que alrededor de 1590-1592, Caravaggio, ya conocido por pelear con bandas de jóvenes, cometió un asesinato que lo obligó a huir de Milán, primero a Venecia y luego a Roma.

El 28 de noviembre de 1600, mientras vivía en el Palazzo Madama con su patrón, el cardenal Del Monte, Caravaggio golpeó con un garrote al noble Girolamo Stampa da Montepulciano, invitado del cardenal, lo que resultó en una denuncia oficial a la policía. Los episodios de peleas, violencia y tumulto se hicieron cada vez más frecuentes. Caravaggio fue arrestado y encarcelado a menudo en Tor di Nona.

Después de su liberación de la cárcel en 1601, Caravaggio volvió a pintar primero La toma de Cristo y luego Amor Vincit Omnia. En 1603, fue arrestado nuevamente, esta vez por difamación de otro pintor, Giovanni Baglione, quien demandó a Caravaggio y sus seguidores Orazio Gentileschi y Onorio Longhi por escribir poemas ofensivos sobre él. Intervino el embajador francés y Caravaggio fue trasladado a arresto domiciliario después de un mes en la cárcel de Tor di Nona.

Entre mayo y octubre de 1604, Caravaggio fue arrestado varias veces por posesión de armas ilegales y por insultar a los guardias de la ciudad. También fue demandado por un camarero de taberna por haberle tirado un plato de alcachofas en la cara.

Un aviso publicado temprano sobre Caravaggio, que data de 1604 y describe su estilo de vida tres años antes, cuenta que "después de quince días de trabajo, se pavoneará durante uno o dos meses con una espada al costado". y un sirviente que lo sigue, de un juego de pelota a otro, siempre dispuesto a entablar una pelea o una discusión, por lo que es muy incómodo llevarse bien con él."

En 1605, Caravaggio se vio obligado a huir a Génova durante tres semanas después de herir gravemente a Mariano Pasqualone di Accumoli, un notario, en una disputa por Lena, modelo y amante de Caravaggio. El notario informó haber sido atacado el 29 de julio con una espada, provocándole una herida grave en la cabeza. Los mecenas de Caravaggio intervinieron y lograron encubrir el incidente.

A su regreso a Roma, Caravaggio fue demandado por su casera Prudenzia Bruni por no haber pagado el alquiler. Por despecho, Caravaggio arrojó piedras a través de su ventana por la noche y fue demandado nuevamente.

En noviembre, Caravaggio fue hospitalizado por una lesión que, según afirmó, se había causado él mismo al caer sobre su propia espada.

El 29 de mayo de 1606, Caravaggio mató a un joven, posiblemente sin querer, lo que provocó que huyera de Roma con una sentencia de muerte pendiente. Ranuccio Tommasoni era un gángster de una familia adinerada. Los dos habían discutido muchas veces, a menudo terminando en golpes. Las circunstancias no están claras, ya sea una pelea o un duelo con espadas en Campo Marzio, pero el asesinato puede haber sido involuntario.

En ese momento circularon muchos rumores sobre la causa de la pelea. Varios avvisi contemporáneos se refirieron a una disputa por una deuda de juego y un juego de pallacorda, una especie de tenis, y esta explicación se ha instalado en la imaginación popular. Otros rumores, sin embargo, afirmaban que el duelo se debió a los celos por Fillide Melandroni, una conocida prostituta romana que había modelado para él en varios cuadros importantes; Tommasoni era su proxeneta. Según tales rumores, Caravaggio castró a Tommasoni con su espada antes de matarlo deliberadamente, y otras versiones afirman que la muerte de Tommasoni fue causada accidentalmente durante la castración. El duelo puede haber tenido una dimensión política, ya que la familia de Tommasoni era notoriamente proespañola, mientras que Caravaggio era cliente del embajador francés.

Hasta ahora, los mecenas de Caravaggio habían podido protegerlo de las graves consecuencias de sus frecuentes duelos y peleas, pero la familia adinerada de Tommasoni estaba indignada por su muerte y exigía justicia. Los mecenas de Caravaggio no pudieron protegerlo. Caravaggio fue condenado a decapitación por asesinato y se decretó una recompensa abierta que permitía a cualquiera que lo reconociera ejecutar legalmente la sentencia. Las pinturas de Caravaggio comenzaron a representar obsesivamente cabezas cortadas, a menudo la suya propia, en este momento.

Se pueden encontrar buenos relatos modernos en M de Peter Robb y Caravaggio: A Life de Helen Langdon. El historiador de arte Andrew Graham-Dixon ha propuesto una teoría que relaciona la muerte con las nociones renacentistas de honor y heridas simbólicas. Cualesquiera que fueran los detalles, era un asunto serio.

Caravaggio se vio obligado a huir de Roma. Se mudó justo al sur de la ciudad, luego a Nápoles, Malta y Sicilia.

Exilio y muerte (1606-1610)

Mapa de los viajes de Caravaggio

Nápoles

Las Siete Obras de la Misericordia, 1606–1607, Pio Monte della Misericordia, Nápoles

Tras la muerte de Tomassoni, Caravaggio huyó primero a las propiedades de la familia Colonna al sur de Roma, luego a Nápoles, donde Costanza Colonna Sforza, viuda de Francesco Sforza, en la casa de cuyo esposo Caravaggio' El padre había ocupado un cargo, mantenido un palacio. En Nápoles, fuera de la jurisdicción de las autoridades romanas y protegido por la familia Colonna, el pintor más famoso de Roma se convirtió en el más famoso de Nápoles.

Sus conexiones con los Colonna dieron lugar a una serie de encargos eclesiásticos importantes, incluida la Virgen del Rosario y Las Siete Obras de Misericordia. Las Siete Obras de Misericordia describe las siete obras de misericordia corporales como un conjunto de actos de compasión relacionados con las necesidades materiales de los demás. La pintura fue hecha y todavía se encuentra en la iglesia de Pio Monte della Misericordia en Nápoles. Caravaggio combinó las siete obras de misericordia en una sola composición, que se convirtió en el retablo de la iglesia. Alessandro Giardino también ha establecido la conexión entre la iconografía de "Las siete obras de misericordia" y los círculos culturales, científicos y filosóficos de los comisarios del cuadro.

Malta

A pesar de su éxito en Nápoles, después de solo unos meses en la ciudad, Caravaggio partió hacia Malta, la sede de los Caballeros de Malta. Fabrizio Sforza Colonna, hijo de Costanza, fue Caballero de Malta y general de galeras de la Orden. Parece haber facilitado la llegada de Caravaggio a la isla en 1607 (y su huida al año siguiente). Presumiblemente, Caravaggio esperaba que el patrocinio de Alof de Wignacourt, Gran Maestre de los Caballeros de San Juan, pudiera ayudarlo a obtener el perdón por la muerte de Tomassoni. Wignacourt quedó tan impresionado de tener al famoso artista como pintor oficial de la Orden que lo incorporó como Caballero, y el primer biógrafo Bellori registra que el artista estaba muy complacido con su éxito.

La decapitación de San Juan (1608) de Caravaggio (Saint John's Co-Cathedral, Valletta, Malta)

Las principales obras de su período en Malta incluyen la Decapitación de San Juan Bautista, su obra más grande hasta la fecha, y la única pintura a la que puso su firma, San Jerónimo escrito (ambos ubicados en la Concatedral de San Juan, La Valeta, Malta) y un Retrato de Alof de Wignacourt y su paje, así como retratos de otros Caballeros destacados. Según Andrea Pomella, La decapitación de San Juan Bautista es ampliamente considerada "una de las obras más importantes de la pintura occidental". Completado en 1608, la pintura había sido encargada por los Caballeros de Malta como retablo y medía 370 por 520 centímetros (150 x 200 pulgadas) y era el retablo más grande que pintó Caravaggio. Todavía cuelga en la Concatedral de San Juan, para la que se encargó y donde el propio Caravaggio fue exaltado y sirvió brevemente como caballero.

Sin embargo, a fines de agosto de 1608, fue arrestado y encarcelado, probablemente como resultado de otra pelea, esta vez con un caballero aristocrático, durante la cual la puerta de una casa fue derribada y el caballero gravemente herido. Caravaggio fue encarcelado por los Caballeros de La Valeta, pero logró escapar. Para diciembre, había sido expulsado de la Orden 'como un miembro asqueroso y podrido', una frase formal utilizada en todos esos casos.

Sicilia

El Levantamiento de Lázaro y el Adoración de los pastores. Museo Regional de Messina, Sicilia, Italia

Caravaggio se dirigió a Sicilia, donde conoció a su viejo amigo Mario Minniti, que ahora estaba casado y vivía en Siracusa. Juntos emprendieron lo que equivalía a una gira triunfal desde Siracusa a Messina y, tal vez, a la capital de la isla, Palermo. En Siracusa y Messina, Caravaggio siguió ganando encargos prestigiosos y bien pagados. Entre otras obras de este período se encuentran Entierro de Santa Lucía, La resurrección de Lázaro y Adoración de los pastores. Su estilo continuó evolucionando, mostrando ahora frisos de figuras aisladas contra vastos fondos vacíos. "Sus grandes retablos sicilianos aíslan sus figuras sombrías y lamentablemente pobres en vastas áreas de oscuridad; sugieren los miedos desesperados y la fragilidad del hombre, y al mismo tiempo transmiten, con una ternura nueva pero desolada, la belleza de la humildad y de los mansos, que heredarán la tierra." Los informes contemporáneos describen a un hombre cuyo comportamiento se estaba volviendo cada vez más extraño, que incluía dormir completamente armado y con su ropa, romper una pintura ante una leve palabra de crítica y burlarse de los pintores locales.

Caravaggio mostró un comportamiento extraño desde muy temprano en su carrera. Mancini lo describe como 'extremadamente loco', una carta de Del Monte señala su rareza, y el biógrafo de Minniti de 1724 dice que Mario dejó a Caravaggio por su comportamiento. La extrañeza parece haber aumentado después de Malta. Le vite de' pittori Messinesi ("Vidas de los pintores de Messina") proporciona varias anécdotas coloridas del comportamiento errático de Caravaggio en Sicilia, y éstas se reproducen en biografías modernas completas como Langdon y robo Bellori escribe sobre el "miedo" de Caravaggio llevándolo de ciudad en ciudad a través de la isla y finalmente, "sintiendo que ya no era seguro quedarse", de regreso a Nápoles. Baglione dice que Caravaggio estaba siendo 'perseguido por su enemigo', pero al igual que Bellori, no dice quién era este enemigo.

Regreso a Nápoles

Salomé con la Cabeza de Juan el Bautista, Palacio Real de Madrid

Después de solo nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles a fines del verano de 1609. Según su primer biógrafo, los enemigos lo perseguían mientras estaba en Sicilia y sintió que era más seguro ponerse bajo la protección de los Colonna hasta que podría obtener el perdón del Papa (ahora Pablo V) y regresar a Roma. En Nápoles pintó La negación de San Pedro, un último Juan Bautista (Borghese), y su último cuadro, El martirio de santa Úrsula. Su estilo continuó evolucionando: Santa Úrsula está atrapada en un momento de máxima acción y drama, cuando la flecha disparada por el rey de los hunos la golpea en el pecho, a diferencia de las pinturas anteriores que tenían toda la inmovilidad de los modelos posados. La pincelada también fue mucho más libre e impresionista.

David con el Jefe de Goliat, 1609-1610, Galleria Borghese, Roma

En octubre de 1609 se vio envuelto en un violento enfrentamiento, un atentado contra su vida, quizás emboscado por hombres a sueldo del caballero que había herido en Malta o de alguna otra facción de la Orden. Su rostro estaba gravemente desfigurado y en Roma circulaban rumores de que estaba muerto. Pintó una Salomé con la cabeza de Juan Bautista (Madrid), mostrando su propia cabeza en una bandeja, y se la envió a Wignacourt como súplica de perdón. Quizás en esta época también pintó un David con la cabeza de Goliat, mostrando al joven David con una expresión extrañamente afligida mirando la cabeza cortada del gigante, que es nuevamente Caravaggio. Esta pintura pudo haberla enviado a su mecenas, el inescrupuloso cardenal Scipione Borghese, amante del arte, sobrino del Papa, quien tenía el poder de otorgar o negar indultos. Caravaggio esperaba que Borghese pudiera mediar un indulto a cambio de obras del artista.

Las noticias de Roma alentaron a Caravaggio, y en el verano de 1610 tomó un barco hacia el norte para recibir el indulto, que parecía inminente gracias a sus poderosos amigos romanos. Con él fueron tres últimos cuadros, los regalos para el cardenal Scipione. Lo que sucedió a continuación es objeto de mucha confusión y conjeturas, envuelto en mucho misterio.

Los hechos desnudos parecen ser que el 28 de julio, un avviso anónimo (boletín privado) de Roma a la corte ducal de Urbino informó que Caravaggio estaba muerto. Tres días después, otro avviso dijo que había muerto de fiebre en el camino de Nápoles a Roma. Un poeta amigo del artista dio más tarde el 18 de julio como la fecha de la muerte, y un investigador reciente afirma haber descubierto un aviso de muerte que muestra que el artista murió ese día de fiebre en Porto Ercole, cerca de Grosseto en la Toscana.

Muerte

Caravaggio tenía fiebre en el momento de su muerte, y lo que lo mató fue un tema de controversia y rumor en ese momento, y ha sido un tema de debate y estudio histórico desde entonces. Los rumores contemporáneos sostenían que la familia Tommasoni o los Caballeros lo mataron en venganza. Tradicionalmente, los historiadores han pensado durante mucho tiempo que murió de sífilis. Algunos han dicho que tenía malaria, o posiblemente brucelosis por productos lácteos no pasteurizados. Algunos estudiosos han argumentado que Caravaggio en realidad fue atacado y asesinado por los mismos 'enemigos'. que lo había estado persiguiendo desde que huyó de Malta, posiblemente Wignacourt y/o facciones de los Caballeros.

Los restos de Caravaggio fueron enterrados en el cementerio San Sebastiano de Porto Ercole, que cerró en 1956, y luego se trasladaron al cementerio de San Erasmo, donde, en 2010, los arqueólogos llevaron a cabo una investigación de los restos durante un año. encontrados en tres criptas y tras utilizar ADN, datación por carbono y otros métodos, se cree con un alto grado de confianza que han identificado a los de Caravaggio. Las pruebas iniciales sugirieron que Caravaggio podría haber muerto por envenenamiento con plomo: las pinturas utilizadas en ese momento contenían altas cantidades de sales de plomo, y se sabe que Caravaggio tuvo un comportamiento violento, causado por el envenenamiento por plomo. Investigaciones posteriores concluyeron que murió a consecuencia de una herida sufrida en una reyerta en Nápoles, concretamente de una sepsis provocada por Staphylococcus aureus.

Documentos del Vaticano publicados en 2002 respaldan la teoría de que la rica familia Tommasoni hizo que lo persiguieran y lo mataran como venganza por el asesinato del gángster Ranuccio Tommasoni por parte de Caravaggio, en un fallido intento de castración después de un duelo por el afecto de modelo Fillide Melandroni.

Sexualidad

Fillide Melandroni

Desde la década de 1970, los estudiosos del arte y los historiadores han debatido las inferencias del homoerotismo en las obras de Caravaggio como una forma de comprender mejor al hombre. Caravaggio nunca se casó y no tuvo hijos conocidos, y Howard Hibbard observó la ausencia de figuras eróticas femeninas en la obra del artista: "En toda su carrera no pintó un solo desnudo femenino", y el Los gabinetes del período Del Monte están repletos de "muchachos lánguidos y de labios carnosos... que parecen solicitar al espectador con sus ofertas de frutas, vino, flores y ellos mismos" sugiriendo un interés erótico en la forma masculina. El modelo de Amor vincit omnia, Cecco di Caravaggio, vivió con el artista en Roma y se quedó con él incluso después de que se viera obligado a abandonar la ciudad en 1606, y los dos pudieron haber sido amantes.

Una conexión con cierta Lena se menciona en una declaración judicial de 1605 de Pasqualone, donde se la describe como "la niña de Miguel Ángel". Según G. B. Passeri, esta 'Lena' fue modelo de Caravaggio para la Madonna di Loreto; y según Catherine Puglisi, 'Lena' pudo haber sido la misma persona que la cortesana Maddalena di Paolo Antognetti, quien nombró a Caravaggio como un "amigo íntimo" según su propio testimonio en 1604. También se rumoreaba que Caravaggio estaba locamente enamorado de Fillide Melandroni, una conocida prostituta romana que modeló para él en varias pinturas importantes.

Niño con canasta de frutas, 1593-1594, óleo sobre lienzo, 67 cm × 53 cm (26 en × 21 in), Galleria Borghese, Roma

La sexualidad de Caravaggio también recibió especulaciones tempranas debido a las afirmaciones sobre el artista de Honoré Gabriel Riqueti, conde de Mirabeau. Escribiendo en 1783, Mirabeau contrastó la vida personal de Caravaggio directamente con los escritos de San Pablo en el Libro de Romanos, argumentando que "Romanos" Practicar en exceso la sodomía o la homosexualidad. Las enseñanzas de la Santa Madre Iglesia Católica sobre la moralidad (y así sucesivamente; título breve del libro) contiene la frase latina "Et fœminæ eorum immutaverunt naturalem usum in eum usum qui est contra naturam.< /i>" La frase, según Mirabeau, entró en los pensamientos de Caravaggio, y afirmó que tal "abominación" podría ser testigo a través de una pintura particular que se encuentra en el Museo del Gran Duque de Toscana, que presenta un rosario de naturaleza blasfema, en el que un círculo de treinta hombres (turpiter ligati) se entrelazan en un abrazo y se presentan en composición desenfrenada. Mirabeau señala que la naturaleza afectuosa de la representación de Caravaggio refleja el brillo voluptuoso de la sexualidad del artista. A fines del siglo XIX, Sir Richard Francis Burton identificó la pintura como la pintura de San Rosario de Caravaggio. Burton también identifica tanto a San Rosario como a esta pintura con las prácticas de Tiberio mencionadas por Séneca el Joven. Se desconoce el estado de supervivencia y la ubicación de la pintura de Caravaggio. Ninguna pintura de este tipo aparece en sus catálogos ni en los de su escuela.

Amor Sagrado Versus Profane Love (1602–03), de Giovanni Baglione. Intended as an attack on his hated enemy, Caravaggio, it shows a winged male youth with an arrow, most likely a representation of Eros, the god associated with Aphrodite and sexual (i.e., profane) love, on one side, a diablo with Caravaggio's face on the other, and between an angel representing pure, meaning non-erotic or sacral, love.

Además de las pinturas, la evidencia también proviene del juicio por difamación iniciado contra Caravaggio por Giovanni Baglione en 1603. Baglione acusó a Caravaggio y sus amigos de escribir y distribuir tonterías difamatorias atacándolo; los folletos, según el amigo y testigo de Baglione, Mao Salini, habían sido distribuidos por un tal Giovanni Battista, un bardassa, o niño prostituto, compartido por Caravaggio y su amigo Onorio Longhi. Caravaggio negó conocer a ningún niño con ese nombre y la acusación no fue seguida.

La pintura de Baglione de "Amor divino" también se ha visto como una acusación visual de sodomía contra Caravaggio. Tales acusaciones eran dañinas y peligrosas ya que la sodomía era un crimen capital en ese momento. Aunque era poco probable que las autoridades investigaran a una persona tan bien conectada como Caravaggio, "una vez que un artista había sido difamado como pederasta, su trabajo también fue difamado". Francesco Susino en su biografía posterior también relata la historia de cómo un maestro de escuela persiguió al artista en Sicilia por pasar demasiado tiempo mirando a los niños a su cuidado. Susino lo presenta como un malentendido, pero algunos autores han especulado que Caravaggio pudo haber estado buscando sexo con los chicos, usando el incidente para explicar algunas de sus pinturas que creen que son homoeróticas.

El historiador del arte Andrew Graham-Dixon ha resumido el debate:

Mucho se ha hecho de la presumida homosexualidad de Caravaggio, que ha presentado en más de un relato previo de su vida como la única llave que explica todo, tanto el poder de su arte como las desgracias de su vida. No hay ninguna prueba absoluta de ello, sólo evidencia circunstancial fuerte y mucho rumor. El equilibrio de probabilidad sugiere que Caravaggio sí tenía relaciones sexuales con los hombres. Pero ciertamente tenía amantes femeninos. A lo largo de los años que pasó en Roma, mantuvo una estrecha compañía con varias prostitutas. La verdad es que Caravaggio era tan incómodo en sus relaciones como él estaba en la mayoría de otros aspectos de la vida. Probablemente se acostó con hombres. Se acostó con mujeres. Se estableció sin nadie... [pero] la idea de que era un mártir temprano a los impulsos de una sexualidad no convencional es una ficción anacrónica.

El crítico de arte del Washington Post Philip Kennicott se ha mostrado en desacuerdo con lo que él considera como la minimización de Graham-Dixon de la homosexualidad de Caravaggio:

Hubo un escándalo en el tono cuando un académico o curador fue forzado a grapple con sexualidad transgresiva, y todavía se puede encontrar incluso en historias relativamente recientes, incluyendo la biografía 2010 de Andrew Graham-Dixon de Caravaggio, que reconoce sólo que “probablemente durmió con los hombres”. El autor señala los deseos sexuales fluidos del artista, pero da algunas de las pinturas homoeróticas más explícitas de Caravaggio torturadas para mantenerlas seguras en la categoría de mera “ambiguidad”. ”

Como artista

El nacimiento del barroco

La toma de Cristo, 1602, National Gallery of Ireland, Dublin. La aplicación de Caravaggio de la técnica chiaroscuro muestra a través de las caras y la armadura a pesar de la falta de un eje visible de luz. La figura de la extrema derecha es un autorretrato.

Cena en Emaús, 1601, óleo sobre lienzo, 139 cm × 195 cm (55 en × 77 en), Galería Nacional, Londres. Caravaggio se incluyó como la figura en la parte superior izquierda.

Caravaggio "puso lo oscuro (sombras) en claroscuro." El claroscuro se practicaba mucho antes de que apareciera en escena, pero fue Caravaggio quien hizo de la técnica un elemento estilístico dominante, oscureciendo las sombras y transfigurando al sujeto en un haz de luz cegador. Con esto vino la aguda observación de la realidad física y psicológica que formó la base tanto de su inmensa popularidad como de sus frecuentes problemas con sus encargos religiosos.

Trabajó a gran velocidad, a partir de modelos en vivo, marcando guías básicas directamente sobre el lienzo con el extremo del mango del pincel; muy pocos de los dibujos de Caravaggio parecen haber sobrevivido, y es probable que prefiriera trabajar directamente sobre el lienzo. El enfoque fue un anatema para los hábiles artistas de su época, quienes denunciaron su negativa a trabajar a partir de dibujos e idealizar sus figuras. Sin embargo, los modelos eran básicos para su realismo. Se han identificado algunos, incluidos Mario Minniti y Francesco Boneri, ambos compañeros artistas, Minniti aparece como varias figuras en las primeras obras seculares, el joven Boneri como una sucesión de ángeles, bautistas y davids en los lienzos posteriores. Sus modelos femeninas incluyen a Fillide Melandroni, Anna Bianchini y Maddalena Antognetti (la 'Lena' mencionada en los documentos judiciales del caso de la 'alcachofa' como la concubina de Caravaggio), todas bien- prostitutas conocidas, que aparecen como figuras religiosas femeninas, incluida la Virgen y varios santos. El propio Caravaggio aparece en varias pinturas, siendo su último autorretrato como testigo en el extremo derecho del Martirio de Santa Úrsula.

Caravaggio tenía una habilidad notable para expresar en una escena de viveza insuperable el paso de un momento crucial. La Cena de Emaús representa el reconocimiento de Cristo por parte de sus discípulos: un momento antes es un compañero de viaje, que llora la muerte del Mesías, como nunca deja de serlo para el mesonero' ojos; el segundo después, es el Salvador. En La Vocación de San Mateo, la mano del Santo se señala a sí mismo como si dijera "¿quién, yo?", mientras sus ojos, fijos en la figura de Cristo, ya he dicho: "Sí, te seguiré". Con La resurrección de Lázaro, va un paso más allá, dando una idea del proceso físico real de la resurrección. El cuerpo de Lázaro aún sufre el rigor mortis, pero su mano, frente a la de Cristo y reconociéndola, está viva. Otros grandes artistas barrocos recorrerían el mismo camino, por ejemplo Bernini, fascinado con los temas de las Metamorfosis de Ovidio.

Los caravaggistas

La crucifixión de San Pedro, 1601, Capilla Cerasi, Santa Maria del Popolo, Roma

La instalación de las pinturas de San Mateo en la Capilla Contarelli tuvo un impacto inmediato entre los artistas más jóvenes de Roma, y el caravaggismo se convirtió en la vanguardia para todos los pintores jóvenes ambiciosos. Los primeros caravaggisti incluyeron a Orazio Gentileschi y Giovanni Baglione. La fase Caravaggio de Baglione fue efímera; Caravaggio luego lo acusó de plagio y los dos se vieron envueltos en una larga disputa. Baglione pasó a escribir la primera biografía de Caravaggio. En la siguiente generación de caravaggisti estaban Carlo Saraceni, Bartolomeo Manfredi y Orazio Borgianni. Gentileschi, a pesar de ser considerablemente mayor, fue el único de estos artistas que vivió mucho más allá de 1620 y terminó como pintor de la corte de Carlos I de Inglaterra. Su hija Artemisia Gentileschi también fue estilísticamente cercana a Caravaggio y una de las más dotadas del movimiento. Sin embargo, en Roma y en Italia, no fue Caravaggio, sino la influencia de su rival Annibale Carracci, mezclando elementos del Alto Renacimiento y el realismo lombardo, lo que finalmente triunfó.

La breve estancia de Caravaggio en Nápoles produjo una notable escuela de caravaggisti napolitanos, incluidos Battistello Caracciolo y Carlo Sellitto. El movimiento caravaggisti allí terminó con un terrible brote de peste en 1656, pero la conexión española —Nápoles era una posesión de España— fue fundamental para formar la importante rama española de su influencia.

Un grupo de artistas católicos de Utrecht, los "Utrecht Caravaggisti", viajaron a Roma como estudiantes en los primeros años del siglo XVII y fueron profundamente influenciados por el trabajo de Caravaggio como describe Bellori. A su regreso al norte, esta tendencia tuvo un florecimiento efímero pero influyente en la década de 1620 entre pintores como Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both y Dirck van Baburen. En la siguiente generación los efectos de Caravaggio, aunque atenuados, se aprecian en la obra de Rubens (quien compró uno de sus cuadros para el Gonzaga de Mantua y pintó una copia del Entierro de Cristo), Vermeer, Rembrandt y Velázquez, el último de los cuales presumiblemente vio su obra durante sus diversas estancias en Italia.

Muerte y renacimiento de una reputación

La Entomía de Cristo, (1602–1603), Pinacoteca Vaticana, Roma

Las innovaciones de Caravaggio inspiraron al Barroco, pero el Barroco tomó el dramatismo de su claroscuro sin el realismo psicológico. Si bien influyó directamente en el estilo de los artistas mencionados anteriormente y, a la distancia, de los franceses Georges de La Tour y Simon Vouet, y del español Giuseppe Ribera, en pocas décadas sus obras fueron atribuidas a artistas menos escandalosos, o simplemente pasado por alto. El barroco, al que tanto contribuyó, había evolucionado y las modas habían cambiado, pero quizás lo más pertinente es que Caravaggio nunca estableció un taller como lo hicieron los Carracci y, por lo tanto, no tuvo una escuela para difundir sus técnicas. Tampoco expuso nunca su enfoque filosófico subyacente al arte, el realismo psicológico que solo puede deducirse de su obra superviviente.

Por lo tanto, su reputación era doblemente vulnerable a los trabajos críticos de demolición realizados por dos de sus primeros biógrafos, Giovanni Baglione, un pintor rival con una vendetta, y el influyente crítico del siglo XVII Gian Pietro Bellori, quien no lo había conocido pero fue bajo la influencia del anterior Giovanni Battista Agucchi y del amigo de Bellori, Poussin, al preferir el estilo "clásico-idealista" tradición de la escuela boloñesa dirigida por los Carracci. Baglione, su primer biógrafo, desempeñó un papel considerable en la creación de la leyenda del carácter inestable y violento de Caravaggio, así como de su incapacidad para dibujar.

En la década de 1920, el crítico de arte Roberto Longhi trajo el nombre de Caravaggio una vez más al primer plano y lo colocó en la tradición europea: "Ribera, Vermeer, La Tour y Rembrandt nunca podrían haber existido sin él. Y el arte de Delacroix, Courbet y Manet habría sido completamente diferente". El influyente Bernard Berenson estuvo de acuerdo: "Con la excepción de Miguel Ángel, ningún otro pintor italiano ejerció una influencia tan grande".

Epitafio

La negación de San Pedro (1610), Metropolitan Museum of Art

El epitafio de Caravaggio fue compuesto por su amigo Marzio Milesi. Se lee:

Michelangelo Merisi, hijo de Fermo di Caravaggio – en la pintura no igual a un pintor, pero a la Naturaleza misma – murió en Port' Ercole – acercándose desde Nápoles – regresar a Roma – 15o caléndum de agosto – En el año de nuestro Señor 1610 – Vivió treinta y seis años nueve meses y veinte días – Marzio Milesi, Jurisconsult – Dedicaron esto a un amigo de extraordinario genio."

Fue conmemorado en el anverso del billete de 100.000 liras de la Banca d'Italia en los años 80 y 90 (antes de que Italia cambiara al euro) con el reverso mostrando su Cesta de Fruta.

Obra

Conversión en el Camino de Damasco, 1601, Capilla Cerasi, Santa Maria del Popolo, Roma

Hay desacuerdo en cuanto al tamaño de la obra de Caravaggio, con recuentos tan bajos como 40 y tan altos como 80. En su biografía, el estudioso de Caravaggio Alfred Moir escribe: "Las cuarenta y ocho láminas en color En este libro se incluyen casi todas las obras supervivientes aceptadas por todos los expertos de Caravaggio como autógrafas, e incluso las menos exigentes añadirían menos de una docena más". Uno, La vocación de los santos Pedro y Andrés, fue autenticado y restaurado en 2006; había estado almacenado en Hampton Court, mal etiquetado como una copia. Richard Francis Burton escribe sobre un "cuadro de San Rosario (en el museo del Gran Duque de Toscana), que muestra un círculo de treinta hombres turpiter ligati" ("bandas lascivas"), que no se sabe que haya sobrevivido. La versión rechazada de San Mateo y el Ángel, destinada a la Capilla Contarelli de San Luigi dei Francesi en Roma, fue destruida durante el bombardeo de Dresde, aunque existen fotografías en blanco y negro de la obra. En junio de 2011 se anunció que se había descubierto en una colección privada en Gran Bretaña una pintura de San Agustín de Caravaggio previamente desconocida que databa de alrededor de 1600. Llamado un "descubrimiento significativo", la pintura nunca se había publicado y se cree que fue encargada por Vincenzo Giustiniani, un mecenas del pintor en Roma.

Una pintura que algunos expertos creen que es la segunda versión de Caravaggio de Judith decapitando a Holofernes, fechada tentativamente entre 1600 y 1610, fue descubierta en un ático en Toulouse en 2014. Una prohibición de exportación fue colocada sobre la pintura por el gobierno francés mientras se realizaban pruebas para establecer su procedencia. En febrero de 2019 se anunció que la pintura se vendería en una subasta después de que el Louvre rechazara la oportunidad de comprarla por 100 millones de euros. Después de considerar una subasta, la pintura finalmente se vendió de mutuo acuerdo a un particular. Se dice que el comprador es J. Tomilson Hill por $110 millones. Después de la restauración, la pintura podría exhibirse en un museo, posiblemente el Met.

En abril de 2021, una obra menor que se creía pertenecía al círculo de un seguidor español de Caravaggio, Jusepe de Ribera, fue retirada de la venta en la casa de subastas madrileña Ansorena cuando el Museo del Prado alertó al Ministerio de Cultura, que colocó una prohibición de exportación preventiva de la pintura. El cuadro de 111 centímetros (44 pulgadas) por 86 centímetros (34 pulgadas) pertenece a la familia Pérez de Castro desde 1823, cuando fue canjeado por otra obra de la Real Academia de San Fernando. Había sido catalogado como “Ecce-Hommo con dos saiones de Carabaggio” antes de que la atribución se perdiera o cambiara al círculo de Ribera. La evidencia estilística, así como la similitud de los modelos con los de otras obras de Caravaggio, ha convencido a algunos expertos de que la pintura es el Caravaggio original 'Ecce Homo' para la comisión Massimo Massimi de 1605. La atribución a Caravaggio es cuestionada por otros expertos. La pintura ahora está siendo restaurada por Colnaghis, quien también se encargará de la futura venta de la obra.

Robo de arte

Natividad con San Francisco y San Lorenzo, 1600

En octubre de 1969, dos ladrones entraron en el Oratorio de San Lorenzo en Palermo, Sicilia, y robaron la Natividad con San Francisco y San Lorenzo de Caravaggio de su marco. Los expertos estimaron su valor en 20 millones de dólares.

Tras el robo, la policía italiana creó un grupo de trabajo contra el robo de obras de arte con el objetivo específico de recuperar las obras de arte perdidas y robadas. Desde la creación de este grupo de trabajo, se han seguido muchas pistas con respecto a la Natividad. Antiguos miembros de la mafia italiana han declarado que Nacimiento con San Francisco y San Lorenzo fue robado por la mafia siciliana y exhibido en importantes reuniones de la mafia. Antiguos miembros de la mafia han dicho que la Natividad resultó dañada y que desde entonces ha sido destruida.

Todavía se desconoce el paradero de la obra de arte. Actualmente cuelga una reproducción en su lugar en el Oratorio de San Lorenzo.

Legado

El trabajo de Caravaggio ha tenido una gran influencia en la cultura gay estadounidense de finales del siglo XX, con frecuentes referencias a imágenes sexuales masculinas en pinturas como The Musicians y Amor Victorious< /i>. El cineasta británico Derek Jarman hizo una película biográfica aplaudida por la crítica titulada Caravaggio en 1986. Varios poemas escritos por Thom Gunn fueron respuestas a pinturas específicas de Caravaggio.

En 2013, una exposición itinerante de Caravaggio llamada "Explosión de luz: Caravaggio y su legado" abrió en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut. La muestra incluyó cinco pinturas del maestro artista que incluían San Juan Bautista en el desierto (1604-1605) y Marta y María Magdalena (1589). El conjunto viajó a Francia y también a Los Ángeles, California. Otros artistas barrocos como Georges de La Tour, Orazio Gentileschi y el trío español de Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán y Carlo Saraceni también se incluyeron en las exposiciones.