Camille Saint-Saëns

Gabriel Fauré, alumno, protegido y amigo de Saint-Saëns, como estudiante, 1864

En 1861, Saint-Saëns aceptó su único puesto como profesor, en la École de Musique Classique et Religieuse de París, que Louis Niedermeyer había establecido en 1853 para formar organistas y directores de coro de primer nivel para las iglesias de Francia. El mismo Niedermeyer fue profesor de piano; cuando murió en marzo de 1861, Saint-Saëns fue designado para hacerse cargo de los estudios de piano. Escandalizó a algunos de sus colegas más austeros al introducir a sus alumnos en la música contemporánea, incluida la de Schumann, Liszt y Wagner. Su alumno más conocido, Gabriel Fauré, recordaba en la vejez:

Después de dejar pasar las lecciones, él iría al piano y nos revelaría las obras de los maestros de las que la rigurosa naturaleza clásica de nuestro programa de estudio nos mantenía a distancia y que, además, en esos años lejanos, apenas se conocían.... En el momento de los 15 ó 16 años, y a partir de este tiempo data el apego casi filial... la inmensa admiración, la incesante gratitud que tuve por él, a lo largo de mi vida.

Saint-Saëns animó aún más el régimen académico escribiendo y componiendo música incidental para una farsa en un acto interpretada por los estudiantes (incluido André Messager). Concibió su pieza más conocida, El carnaval de los animales, pensando en sus alumnos, pero no terminó de componerla hasta 1886, más de veinte años después de abandonar la escuela Niedermeyer.

En 1864, Saint-Saëns causó cierta sorpresa al competir por segunda vez por el Prix de Rome. Muchos en los círculos musicales estaban desconcertados por su decisión de participar nuevamente en la competencia, ahora que estaba estableciendo una reputación como solista y compositor. Una vez más fracasó. Berlioz, uno de los jueces, escribió:

Dimos el Prix de Roma el otro día a un joven que no esperaba ganarlo y que se enojó casi con alegría. Todos estábamos esperando el premio para ir a Camille Saint-Saëns, que tenía la extraña noción de competir. Confieso que siento votar contra un hombre que es realmente un gran artista y que ya es conocido, prácticamente una celebridad. Pero el otro hombre, que todavía es estudiante, tiene ese fuego interior, inspiración, se siente, puede hacer cosas que no se pueden aprender y el resto aprenderá más o menos. Así que voté por él, suspirando en el pensamiento de la infelicidad que este fracaso debe causar Saint-Saëns. Pero, lo que sea, uno debe ser honesto.

Según el erudito musical Jean Gallois, fue a propósito de este episodio que Berlioz hizo su conocido bon mot sobre Saint-Saëns, "Él lo sabe todo, pero le falta inexperiencia" 34; ("Il sait tout, mais il manque d'inexpérience"). El ganador, Victor Sieg, tuvo una carrera no más notable que la del ganador de 1852, pero el biógrafo de Saint-Saëns, Brian Rees, especula que los jueces pueden haber estado "buscando signos de genialidad en medio de pruebas tentativas". esfuerzo y error, y consideró que Saint-Saëns había llegado a su cumbre de competencia". La sugerencia de que Saint-Saëns era más competente que inspirado persiguió su carrera y su reputación póstuma. Él mismo escribió: “El arte está destinado a crear belleza y carácter. El sentimiento sólo viene después y el arte bien puede prescindir de él. De hecho, es mucho mejor cuando lo hace." La biógrafa Jessica Duchen escribe que era 'un hombre con problemas que prefería no traicionar el lado más oscuro de su alma'. El crítico y compositor Jeremy Nicholas observa que esta reticencia ha llevado a muchos a subestimar la música; cita comentarios tan despectivos como 'Saint-Saëns es el único gran compositor que no fue un genio', y 'Mala música bien escrita'.

Premio Saint-Saëns, París, 1867: reloj de la izquierda, Berlioz, Gounod, Rossini y Verdi

Mientras enseñaba en la escuela Niedermeyer, Saint-Saëns dedicó menos energía a la composición y la interpretación, aunque una obertura titulada Spartacus fue coronada en un concurso instituido en 1863 por la Société Sainte Cécile de Burdeos. Pero después de dejar la escuela en 1865, siguió con vigor ambos aspectos de su carrera. En 1867 su cantata Les noces de Prométhée venció a más de un centenar de candidaturas para ganar el premio de composición de la Grande Fête Internationale de París, cuyo jurado estuvo integrado por Auber, Berlioz, Gounod, Rossini y Giuseppe Verdi.. En 1868 estrenó la primera de sus obras orquestales para ganar un lugar permanente en el repertorio, su Segundo Concierto para piano. Tocando esta y otras obras, se convirtió en una figura destacada en la vida musical de París y otras ciudades de Francia y el extranjero durante la década de 1860.

1870: Guerra, matrimonio y éxito operístico

En 1870, preocupados por el dominio de la música alemana y la falta de oportunidades para que los jóvenes compositores franceses interpretaran sus obras, Saint-Saëns y Romain Bussine, profesor de canto en el Conservatorio, discutieron la fundación de una sociedad para promover nueva música francesa. Antes de que pudieran llevar la propuesta más allá, estalló la guerra franco-prusiana. Saint-Saëns sirvió en la Guardia Nacional durante la guerra. Durante la breve pero sangrienta Comuna de París que siguió de marzo a mayo de 1871, su superior en Madeleine, el Abbé Deguerry, fue asesinado por rebeldes; Saint-Saëns escapó a un breve exilio en Inglaterra. Con la ayuda de George Grove y otros se mantuvo en Londres, dando recitales. Al regresar a París en mayo, descubrió que los sentimientos anti-alemanes habían aumentado considerablemente el apoyo a la idea de una sociedad musical pro-francesa. La Société Nationale de Musique, con su lema, "Ars Gallica", había sido establecida en febrero de 1871, con Bussine como presidente, Saint-Saëns como vicepresidente y Henri Duparc, Fauré, Franck y Jules Massenet entre sus miembros fundadores.

Saint-Saëns en 1875, año de su matrimonio

Como admirador de los innovadores poemas sinfónicos de Liszt, Saint-Saëns adoptó con entusiasmo la forma; su primer "poème symphonique" fue Le Rouet d'Omphale (1871), estrenada en un concierto de la Sociéte Nationale en enero de 1872. En el mismo año, después de más de una década de trabajo intermitente en partituras operísticas, Saint- Saëns finalmente puso en escena una de sus óperas. La princesse jaune ("La princesa amarilla"), una pieza romántica ligera en un acto, se presentó en la Opéra-Comique de París en junio. Tuvo cinco funciones.

A lo largo de la década de 1860 y principios de la de 1870, Saint-Saëns siguió viviendo una vida de soltero, compartiendo un amplio cuarto piso en la Rue du Faubourg Saint-Honoré con su madre. En 1875, sorprendió a muchos al casarse. El novio se acercaba a los cuarenta y la novia diecinueve; ella era Marie-Laure Truffot, la hermana de uno de los alumnos del compositor. El matrimonio no fue un éxito. En palabras de la biógrafa Sabina Teller Ratner, 'la madre de Saint-Saëns lo desaprobaba, y era difícil vivir con su hijo'. Saint-Saëns y su esposa se mudaron a la Rue Monsieur-le-Prince, en el Barrio Latino; su madre se mudó con ellos. La pareja tuvo dos hijos, los cuales murieron en la infancia. En 1878, el mayor, André, de dos años, se cayó de una ventana del piso y murió; el más joven, Jean-François, murió de neumonía seis semanas después, a la edad de seis meses. Saint-Saëns y Marie-Laure siguieron viviendo juntos durante tres años, pero él la culpó del accidente de André; el doble golpe de su pérdida destruyó efectivamente el matrimonio.

Escena de Le timbre d'argent

Para un compositor francés del siglo XIX, la ópera era vista como el tipo de música más importante. El contemporáneo y rival más joven de Saint-Saëns, Massenet, comenzaba a ganar reputación como compositor de ópera, pero Saint-Saëns, con solo la corta y sin éxito La princesse jaune puesta en escena, había hecho ninguna marca en esa esfera. En febrero de 1877, finalmente hizo representar una ópera de larga duración. Su "drama lírico" en cuatro actos, Le timbre d'argent ("The Silver Bell"), para Jules Barbier's y Michel El libreto de Carré, que recuerda a la leyenda de Fausto, había estado ensayado en 1870, pero el estallido de la guerra detuvo la producción. La obra finalmente fue presentada por la compañía Théâtre Lyrique de París; tuvo dieciocho funciones.

El dedicado de la ópera, Albert Libon, murió tres meses después del estreno, dejando a Saint-Saëns un gran legado "Para liberarlo de la esclavitud del órgano de la Madeleine y permitirle dedicarse por completo a la composición". Saint-Saëns, sin saber del legado inminente, había dimitido de su cargo poco antes de la muerte de su amigo. No era un cristiano convencional y encontraba los dogmas religiosos cada vez más fastidiosos; se había cansado de las autoridades clericales' interferencia e insensibilidad musical; y quería ser libre para aceptar más compromisos como pianista solista en otras ciudades. Después de esto, nunca tocó el órgano profesionalmente en un servicio religioso y rara vez tocó el instrumento. Compuso una Messe de Requiem en memoria de su amigo, que se representó en Saint-Sulpice para conmemorar el primer aniversario de la muerte de Libon; Charles-Marie Widor tocaba el órgano y Saint-Saëns dirigía.

"¡Vois ma misère, hélas!"

Desde Samson and Delilah. Sung de Enrico Caruso en 1916.

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En diciembre de 1877, Saint-Saëns tuvo un éxito operístico más sólido, con Samson et Dalila, su única ópera para ganar y mantener un lugar en el repertorio internacional. Debido a su tema bíblico, el compositor había encontrado muchos obstáculos para su presentación en Francia y, gracias a la influencia de Liszt, el estreno se realizó en Weimar en una traducción al alemán. Aunque la obra finalmente se convirtió en un éxito internacional, no se representó en la Ópera de París hasta 1892.

Saint-Saëns era un gran viajero. Desde la década de 1870 hasta el final de su vida realizó 179 viajes a 27 países. Sus compromisos profesionales lo llevaron con mayor frecuencia a Alemania e Inglaterra; para las vacaciones y para evitar los inviernos parisinos que afectaban su débil pecho, prefería Argel y varios lugares de Egipto.

1880: figura internacional

Saint-Saëns fue elegido miembro del Institut de France en 1881, en su segundo intento, después de haber sido derrotado por Massenet en 1878. En julio de ese año, él y su esposa fueron a la ciudad balneario de Auvergnat, La Bourboule. para unas vacaciones. El 28 de julio desapareció de su hotel y unos días después su esposa recibió una carta de él para decirle que no regresaría. Nunca se volvieron a ver. Marie Saint-Saëns volvió con su familia y vivió hasta 1950, muriendo cerca de Burdeos a la edad de noventa y cinco años. Saint-Saëns no se divorció de su esposa y se volvió a casar, ni entabló ninguna relación íntima posterior con una mujer. Rees comenta que aunque no hay pruebas firmes, algunos biógrafos creen que Saint-Saëns se sentía más atraído por su propio sexo que por las mujeres. Después de la muerte de sus hijos y el colapso de su matrimonio, Saint-Saëns encontró cada vez más una familia sustituta en Fauré y su esposa, Marie, y sus dos hijos, de quienes era un tío honorario muy querido. Marie le dijo: "Para nosotros usted es uno más de la familia, y mencionamos su nombre sin cesar aquí."

Saint-Saëns Enrique VIII en el París Opéra, 1883

En la década de 1880, Saint-Saëns siguió buscando el éxito en el teatro de ópera, una empresa que se hizo más difícil debido a la creencia arraigada entre los miembros influyentes del establecimiento musical de que era impensable que un pianista, organista y sinfonista pudiera escribir una buena ópera. Hizo representar dos óperas durante la década, siendo la primera Henry VIII (1883) encargada por la Ópera de París. Aunque el libreto no fue de su elección, Saint-Saëns, normalmente un compositor fluido e incluso fácil, trabajó en la partitura con una diligencia inusual para capturar un aire convincente de la Inglaterra del siglo XVI. La obra fue un éxito y fue revivida con frecuencia durante la vida del compositor. Cuando se produjo en Covent Garden en 1898, The Era comentó que aunque los libretistas franceses generalmente "hacen un buen lío con la historia británica", esta pieza "no era del todo despreciable". como una historia de ópera".

La mentalidad abierta de la Société Nationale se había endurecido a mediados de la década de 1880 en una adhesión dogmática a los métodos wagnerianos favorecidos por los alumnos de Franck, encabezados por Vincent d'Indy. Habían comenzado a dominar la organización y buscaban abandonar su "Ars Gallica" ethos de compromiso con las obras francesas. Bussine y Saint-Saëns encontraron esto inaceptable y renunciaron en 1886. Después de haber presionado durante mucho tiempo los méritos de Wagner ante un público francés a veces escéptico, Saint-Saëns ahora estaba preocupado de que la música alemana estuviera teniendo un impacto excesivo en los jóvenes. compositores franceses. Su creciente cautela hacia Wagner se convirtió en años posteriores en una hostilidad más fuerte, dirigida tanto al nacionalismo político de Wagner como a su música.

En la década de 1880, Saint-Saëns era un favorito establecido entre el público de Inglaterra, donde era ampliamente considerado como el mejor compositor francés vivo. En 1886, la Sociedad Filarmónica de Londres encargó lo que se convirtió en una de sus obras más populares y respetadas, la Tercera Sinfonía ("Órgano"). Se estrenó en Londres en un concierto en el que Saint-Saëns actuó como director de la sinfónica y como solista en el Cuarto Concierto para piano de Beethoven, dirigido por Sir Arthur Sullivan. El éxito de la sinfónica en Londres fue considerable, pero fue superado por la acogida exultante que recibió la obra en su estreno en París a principios del año siguiente. Más tarde, en 1887, el "drame lyrique" de Saint-Saëns Proserpine se inauguró en la Opéra-Comique. Fue bien recibido y parecía encaminarse a una carrera sustancial cuando el teatro se quemó a las pocas semanas del estreno y se perdió la producción.

En diciembre de 1888 murió la madre de Saint-Saëns. Sintió profundamente su pérdida y se sumió en la depresión y el insomnio, incluso contemplando el suicidio. Dejó París y se quedó en Argel, donde se recuperó hasta mayo de 1889, caminando y leyendo pero sin poder componer.

1890: marcando el tiempo

Saint-Saëns fotografiado por Nadar

Durante la década de 1890, Saint-Saëns pasó mucho tiempo de vacaciones, viajando al extranjero, componiendo menos y actuando con menos frecuencia que antes. Una visita planeada para actuar en Chicago fracasó en 1893. Escribió una ópera, la comedia Phryné (1893), y junto con Paul Dukas ayudó a completar Frédégonde (1895) una ópera que Ernest Guiraud, quien murió en 1892, dejó inconclusa. Phryné fue bien recibida y provocó pedidos de más óperas cómicas en la Opéra-Comique, que últimamente había estado favoreciendo la gran ópera. Sus pocas obras corales y orquestales de la década de 1890 son en su mayoría breves; las principales piezas de concierto de la década fueron el movimiento único fantasía África (1891) y su Quinto ('Egipcio') Concierto para piano, que estrenó en un concierto en 1896 que marcó el quincuagésimo aniversario de su debut en la Salle Pleyel en 1846. Antes de tocar el concierto, leyó un breve poema que había escrito para el evento, elogiando la tutela de su madre y el largo apoyo de su público.

Entre los conciertos que Saint-Saëns realizó durante la década estuvo uno en Cambridge en junio de 1893, cuando él, Bruch y Tchaikovsky actuaron en un evento presentado por Charles Villiers Stanford para la Sociedad Musical de la Universidad de Cambridge, marcando la concesión de títulos honoríficos. a los tres visitantes. Saint-Saëns disfrutó mucho de la visita e incluso habló con aprobación de los servicios de la capilla del colegio: "Las exigencias de la religión inglesa no son excesivas. Los servicios son muy breves, y consisten principalmente en escuchar buena música muy bien cantada, pues los ingleses son excelentes coristas. Su respeto mutuo por los coros británicos continuó durante el resto de su vida, y una de sus últimas obras a gran escala, el oratorio La Tierra Prometida, fue compuesta para el Festival de los Tres Coros de 1913.

1900–21: Últimos años

En 1900, después de diez años sin un hogar permanente en París, Saint-Saëns alquiló un piso en la rue de Courcelles, no lejos de su antigua residencia en la rue du Faubourg Saint-Honoré. Este siguió siendo su hogar por el resto de su vida. Continuó viajando al extranjero con frecuencia, pero cada vez más para dar conciertos en lugar de como turista. Volvió a visitar Londres, donde siempre fue un visitante bienvenido, fue a Berlín, donde hasta la Primera Guerra Mundial fue recibido con honor, y viajó por Italia, España, Mónaco y la provincia de Francia. En 1906 y 1909 realizó exitosas giras por los Estados Unidos, como pianista y director de orquesta. En Nueva York, en su segunda visita, estrenó su "Alabado sea el Señor" para doble coro, orquesta y órgano, que compuso para la ocasión.

Saint-Saëns, fotografiado por Pierre Petit en 1900

A pesar de su creciente reputación como reaccionario musical, Saint-Saëns fue, según Gallois, probablemente el único músico francés que viajó a Múnich para escuchar el estreno de la Octava Sinfonía de Mahler en 1910. No obstante, para el 20 siglo Saint-Saëns había perdido gran parte de su entusiasmo por el modernismo en la música. Aunque se esforzó por ocultárselo a Fauré, no entendió ni le gustó la ópera Pénélope (1913) de este último, de la que fue el dedicado. En 1917, Francis Poulenc, al comienzo de su carrera como compositor, se mostró desdeñoso cuando Ravel elogió a Saint-Saëns como un genio. En ese momento, estaban surgiendo varios hilos de música nueva con los que Saint-Saëns tenía poco en común. Su instinto clásico por la forma lo puso en desacuerdo con lo que le parecía la falta de forma y la estructura de los impresionistas musicales, encabezados por Debussy. La atonalidad de Arnold Schönberg tampoco se recomendó a Saint-Saëns:

Ya no se trata de añadir a las viejas reglas nuevos principios que son la expresión natural del tiempo y la experiencia, sino simplemente de descartar todas las reglas y toda moderación. "Todo el mundo debe hacer sus propias reglas. La música es libre e ilimitada en su libertad de expresión. No hay acordes perfectos, acordes disonantes o falsos acordes. Todas las agregaciones de notas son legítimas." Eso se llama, y ellos lo creen, desarrollo del gusto.

Con puntos de vista tan conservadores, Saint-Saëns no simpatizaba (y estaba pasado de moda) con la escena musical parisina de principios del siglo XX, fascinado como estaba con la novedad. A menudo se dice que salió, escandalizado, del estreno del ballet La consagración de la primavera de Vaslav Nijinsky e Igor Stravinsky en 1913. De hecho, según Stravinsky, Saint-Saëns fue no estuvo presente en esa ocasión, pero en el primer concierto de la pieza al año siguiente expresó la firme opinión de que Stravinsky estaba loco.

Cuando un grupo de músicos franceses liderados por Saint-Saëns intentó organizar un boicot a la música alemana durante la Primera Guerra Mundial, Fauré y Messager se desvincularon de la idea, aunque el desacuerdo no afectó la amistad con su antiguo maestro. En privado, les preocupaba que su amigo corriera el riesgo de quedar en ridículo con su exceso de patriotismo y su creciente tendencia a denunciar en público las obras de los jóvenes compositores en ascenso, como en su condena de En blanc et noir (1915): "Debemos a toda costa cerrar la puerta del Institut contra un hombre capaz de tales atrocidades; deben colocarse junto a los cuadros cubistas." Su determinación de bloquear la candidatura de Debussy para la elección del Institut tuvo éxito y provocó un amargo resentimiento entre los seguidores del joven compositor. La respuesta de Saint-Saëns al neoclasicismo de Les Six fue igualmente intransigente: de la suite sinfónica politonal de Darius Milhaud Protée (1919) comentó, "afortunadamente, hay todavía asilos para lunáticos en Francia".

Saint-Saëns en el piano para su concierto de despedida previsto en 1913, dirigido por Pierre Monteux

Saint-Saëns dio lo que pretendía ser su concierto de despedida como pianista en París en 1913, pero su retiro pronto quedó en suspenso como resultado de la guerra, durante la cual realizó muchas actuaciones en Francia y otros lugares, recaudando dinero. para organizaciones benéficas de guerra. Estas actividades lo llevaron a cruzar el Atlántico, a pesar del peligro de los submarinos alemanes.

En noviembre de 1921, Saint-Saëns dio un recital en el Institut ante un numeroso público invitado; se comentó que su forma de tocar era tan vívida y precisa como siempre, y que su porte personal era admirable para un hombre de ochenta y seis años. Salió de París un mes después hacia Argel, con la intención de pasar el invierno allí, como estaba acostumbrado desde hacía mucho tiempo. Mientras estuvo allí, murió sin previo aviso de un ataque al corazón el 16 de diciembre de 1921. Su cuerpo fue llevado de regreso a París y, después de un funeral de estado en Madeleine, fue enterrado en el cimetière du Montparnasse. Profundamente velada, en un lugar discreto entre los dolientes de la élite política y artística de Francia, estaba su viuda, Marie-Laure, a quien había visto por última vez en 1881.

Música

Retrato de Camille Saint-Saëns por Jean-Joseph Benjamin-Constant, 1898

En los primeros años del siglo XX, el autor anónimo del artículo sobre Saint-Saëns en el Diccionario de música y músicos de Grove escribió:

Saint-Saëns es un maestro consumado de composición, y nadie posee un conocimiento más profundo que él de los secretos y recursos del arte; pero la facultad creativa no mantiene el ritmo con la habilidad técnica del trabajador. Su incomparable talento para la orquestación le permite dar alivio a las ideas que de otro modo serían crudas y mediocres en sí mismos... sus obras son por un lado no lo suficientemente frívolas para llegar a ser popular en el sentido más amplio, ni por el otro se apoderan del público por esa sinceridad y calidez de sentimiento que es tan convincente.

Aunque en su juventud fue un entusiasta modernista, Saint-Saëns siempre fue muy consciente de los grandes maestros del pasado. En un perfil de él escrito para conmemorar su octogésimo cumpleaños, el crítico D C Parker escribió: "Ese Saint- Saëns conoce a Rameau ... Bach y Handel, Haydn y Mozart, deben ser manifiestos para todos los que estén familiarizados con sus escritos. Su amor por los gigantes clásicos y su simpatía por ellos forman, por así decirlo, la base de su arte."

Menos atraído que algunos de sus contemporáneos franceses por el flujo continuo de música popularizado por Wagner, Saint-Saëns a menudo favorecía las melodías independientes. Aunque con frecuencia son, en la frase de Ratner, 'flexibles y maleables', la mayoría de las veces se construyen en secciones de tres o cuatro compases, y el 'patrón de frase AABB es característica". Una tendencia ocasional al neoclasicismo, influenciada por su estudio de la música barroca francesa, contrasta con la colorida música orquestal más ampliamente identificada con él. Grove observa que sus efectos se basan más en armonías y ritmos característicos que en una partitura extravagante. En ambas áreas de su oficio, normalmente se contentaba con lo familiar. Rítmicamente, se inclinó por los metros estándar dobles, triples o compuestos (aunque Grove apunta a un pasaje de 5/4 en el Piano Trio y otro en 7/4 en la Polonesa para dos pianos). Desde su época en el Conservatorio fue un maestro del contrapunto; pasajes contrapuntísticos surgen, aparentemente con naturalidad, en muchas de sus obras.

Obras orquestales

Los autores de The Record Guide de 1955, Edward Sackville-West y Desmond Shawe-Taylor escriben que la brillante maestría musical de Saint-Saëns fue "instrumental para llamar la atención de músicos franceses al hecho de que hay otras formas de música además de la ópera." En la edición de 2001 del Grove's Dictionary, Ratner y Daniel Fallon, al analizar la música orquestal de Saint-Saëns, califican la Sinfonía en A sin numerar (c.1850) como la más ambiciosa de la juvenilia del compositor. De las obras de su madurez, la Primera Sinfonía (1853) es una obra seria y de gran formato, en la que se nota la influencia de Schumann. La "Urbs Roma" Symphony (1856) representa en cierto modo un paso atrás, al estar orquestada con menos destreza y ser "gruesa y pesada" en su efecto. Ratner y Fallon elogian la Segunda Sinfonía (1859) como un excelente ejemplo de economía orquestal y cohesión estructural, con pasajes que muestran el dominio del compositor en la escritura fugaz. La más conocida de las sinfonías es la Tercera (1886) que, inusualmente, tiene partes prominentes para piano y órgano. Se abre en do menor y termina en do mayor con una majestuosa melodía coral. Los cuatro movimientos están claramente divididos en dos pares, una práctica que Saint-Saëns usó en otros lugares, especialmente en el Cuarto Concierto para piano (1875) y la Primera Sonata para violín (1885). La obra está dedicada a la memoria de Liszt, y utiliza un motivo recurrente tratado en un estilo lisztiano de transformación temática.

Saint-Saëns modeló sus poemas sinfónicos sobre los de Liszt, vistos aquí en una postal inscrita a Fauré

Los cuatro poemas sinfónicos de Saint-Saëns siguen el modelo de los de Liszt, aunque, desde el punto de vista de Sackville-West y Shawe-Taylor, sin el "vulgar descaro' 34; a la que era propenso el compositor anterior. El más popular de los cuatro es Danse macabre (1874) que representa esqueletos bailando a medianoche. Saint-Saëns generalmente logró sus efectos orquestales mediante una hábil armonización en lugar de una instrumentación exótica, pero en esta pieza destacó el xilófono, que representa el ruido de los huesos de los bailarines. Le Rouet d'Omphale (1871) se compuso poco después de los horrores de la Comuna, pero su ligereza y delicada orquestación no dan indicios de tragedias recientes. Rees califica a Phaëton (1873) como el mejor de los poemas sinfónicos, contradiciendo la indiferencia declarada del compositor por la melodía, e inspirado en su descripción del héroe mítico y su destino. Un crítico en el momento del estreno tuvo una opinión diferente, al escuchar en la pieza "el ruido de un coche que bajaba de Montmartre" en lugar de los caballos de fuego al galope de la leyenda griega que inspiró la pieza. El último de los cuatro poemas sinfónicos, La jeunesse d'Hercule ("Hercules's Youth", 1877) fue el más ambicioso de los cuatro, que, según Harding sugiere, es por eso que es el menos exitoso. A juicio del crítico Roger Nichols, estas obras orquestales, que combinan melodías impactantes, fuerza de construcción y una orquestación memorable "establecieron nuevos estándares para la música francesa y fueron una inspiración para compositores tan jóvenes como Ravel".

Saint-Saëns escribió un ballet en un acto, Javot (1896), la partitura de la película L'assassinat du duc de Guise (1908), y música incidental en una docena de obras entre 1850 y 1916. Tres de estas partituras fueron para reposiciones de clásicos de Molière y Racine, para las cuales el profundo conocimiento de Saint-Saëns de las partituras barrocas francesas se reflejó en sus partituras, en las que incorporó música de Lully y Charpentier.

Obras de concertante

Saint-Saëns fue el primer gran compositor francés en escribir conciertos para piano. Su Primera, en re (1858), en forma convencional de tres movimientos, no es muy conocida, pero la Segunda, en sol menor (1868) es una de sus obras más populares. El compositor experimentó con la forma en esta pieza, reemplazando el primer movimiento habitual de la forma sonata con una estructura más discursiva, abriendo con una cadencia solemne. El segundo movimiento de scherzo y el final de presto contrastan tanto con la apertura que el pianista Zygmunt Stojowski comentó que la obra "comienza como Bach y termina como Offenbach". El tercer concierto para piano, en mi ♭ (1869) tiene otro final animado, pero los movimientos anteriores son más clásicos, la textura clara, con elegantes líneas melódicas. El Cuarto, en Do menor (1875) es probablemente el concierto para piano más conocido del compositor después del Segundo. Consta de dos movimientos, cada uno de los cuales comprende dos subsecciones identificables, y mantiene una unidad temática que no se encuentra en los otros conciertos para piano del compositor. Según algunas fuentes, fue esta pieza la que impresionó tanto a Gounod que apodó a Saint-Saëns "el Beethoven de Francia" (otras fuentes basan esa distinción en la Tercera Sinfonía). El quinto y último concierto para piano, en fa mayor, fue escrito en 1896, más de veinte años después de su predecesor. La obra es conocida como el "egipcio" concierto; fue escrito mientras el compositor pasaba el invierno en Luxor e incorpora una melodía que escuchó cantar a los barqueros del Nilo.

El Primer Concierto para Violonchelo, en La menor (1872) es una obra seria aunque animada, en un solo movimiento continuo con una primera sección inusualmente turbulenta. Es uno de los conciertos más populares en el repertorio de violonchelo, muy favorecido por Pablo Casals y los músicos posteriores. El Segundo, en re menor (1902), al igual que el Cuarto Concierto para piano, consta de dos movimientos, cada uno subdividido en dos secciones distintas. Es más puramente virtuosa que su predecesora: Saint-Saëns le comentó a Fauré que nunca sería tan popular como la Primera porque era demasiado difícil. Hay tres conciertos para violín; la primera que se compuso data de 1858 pero no se publicó hasta 1879, como la Segunda del compositor, en do mayor. La Primera, en A, también se completó en 1858. Es una obra corta, su único movimiento de 314 compases dura menos de un cuarto de hora. El Segundo, en forma de concierto convencional de tres movimientos, es el doble de largo que el Primero y es el menos popular de los tres: el catálogo temático de las obras del compositor enumera solo tres representaciones durante su vida. La Tercera, en si menor, escrita para Pablo de Sarasate, es técnicamente desafiante para el solista, aunque los pasajes virtuosos se equilibran con intervalos de serenidad pastoril. Es, con cierto margen, el más popular de los tres conciertos para violín, pero la obra concertante para violín y orquesta más conocida de Saint-Saëns es probablemente la Introducción y Rondo Capriccioso, en la menor, op. 28, una pieza de un solo movimiento, también escrita para Sarasate, que data de 1863. Cambia de una apertura melancólica y tensa a un tema principal arrogante, descrito como levemente siniestro por el crítico Gerald Larner, quien continúa, "Después una cadencia de varias paradas... el violín solista hace un sprint sin aliento a través de la coda hasta el final feliz en La mayor".

Ópera

Samson et Dalila en el París Opéra, 1892: Sansón (Edmond Vergnet) destruye el templo filisteo

Descontando su colaboración con Dukas en la finalización de la inacabada Frédégonde de Guiraud, Saint-Saëns escribió doce óperas, dos de las cuales son opéras comiques. Durante la vida del compositor, su Henry VIII se convirtió en una pieza de repertorio; desde su muerte sólo se ha representado regularmente Samson et Dalila, aunque según Schonberg, Ascanio (1890) es considerada por los expertos como una obra mucho mejor. El crítico Ronald Crichton escribe que a pesar de toda su experiencia y habilidad musical, Saint-Saëns "carecía de 'nariz' del animal de teatro concedido, por ejemplo, a Massenet que en otras formas de música era su inferior". En un estudio de 2005, el erudito musical Steven Huebner contrasta a los dos compositores: "Saint-Saëns obviamente no tenía tiempo para el histrionismo de Massenet". El biógrafo de Saint-Saëns, James Harding, comenta que es lamentable que el compositor no intentara más obras de naturaleza alegre, en la línea de La princesse jaune, que Harding describe como Sullivan "con un ligero toque francés".

Aunque la mayoría de las óperas de Saint-Saëns han permanecido olvidadas, Crichton las considera importantes en la historia de la ópera francesa, como "un puente entre Meyerbeer y las óperas francesas serias de principios de la década de 1890".;. En su opinión, las partituras operísticas de Saint-Saëns tienen, en general, las fortalezas y debilidades del resto de su música: "transparencia mozartiana lúcida, mayor cuidado por la forma que por el contenido ... Hay una cierta sequedad emocional; la invención a veces es escasa, pero la mano de obra es impecable." Estilísticamente, Saint-Saëns se basó en una variedad de modelos. De Meyerbeer extrajo el uso efectivo del coro en la acción de una pieza; para Enrique VIII incluyó música Tudor que había investigado en Londres; en La princesse jaune utilizó una escala pentatónica oriental; de Wagner derivó el uso de leitmotivs, que, como Massenet, utilizó con moderación. Huebner observa que Saint-Saëns era más convencional que Massenet en lo que respecta a la composición, favoreciendo más a menudo arias y conjuntos discretos, con menos variedad de tempo dentro de los números individuales. En un estudio de la ópera grabada, Alan Blyth escribe que Saint-Saëns "ciertamente aprendió mucho de Handel, Gluck, Berlioz, el Verdi de Aida y Wagner, pero de estos excelentes modelos forjó su propio estilo."

Otra música vocal

Pierre Corneille, Alphonse de Lamartine, Victor Hugo y Herman Klein, cuyas palabras Saint-Saëns ponen en juego canciones y obras de coral

Desde la edad de seis años y durante el resto de su vida, Saint-Saëns compuso melodías, escribiendo más de 140. Consideraba sus canciones completas y típicamente francesas, negando cualquier influencia de Schubert u otros. Compositores alemanes de Lieder. A diferencia de su protegido Fauré, o su rival Massenet, no se sintió atraído por el ciclo de canciones, escribiendo solo dos durante su larga carrera: Mélodies persanes ("Persian Songs", 1870) y Le Cendre rouge ("El fresno rojo", 1914, dedicado a Fauré). El poeta cuyas obras ambientó con mayor frecuencia fue Víctor Hugo; otros incluyeron a Alphonse de Lamartine, Pierre Corneille, Amable Tastu y, en ocho canciones, el propio Saint-Saëns: entre sus muchos talentos no musicales, era un poeta aficionado. Era muy sensible a la disposición de las palabras y le dijo a la joven compositora Lili Boulanger que para escribir canciones de manera efectiva el talento musical no era suficiente: "debes estudiar el idioma francés en profundidad; es indispensable." La mayoría de las melodías están escritas para acompañamiento de piano, pero algunas, como "Le lever du soleil sur le Nil" ("Amanecer sobre el Nilo", 1898) y "Hymne à la paix" ("Himno a la paz", 1919), son para voz y orquesta. Sus escenarios y versos elegidos son generalmente de forma tradicional, en contraste con el verso libre y las formas menos estructuradas de una generación posterior de compositores franceses, incluido Debussy.

Saint-Saëns compuso más de sesenta obras vocales sacras, que van desde motetes hasta misas y oratorios. Entre las composiciones de mayor formato se encuentran el Requiem (1878) y los oratorios Le déluge (1875) y The Promised Land (1913) con texto en inglés de Herman Klein. Estaba orgulloso de su conexión con los coros británicos y comentó: "A uno le gusta ser apreciado en el hogar, por excelencia, del oratorio." Escribió un número menor de obras corales seculares, algunas para coro solo, algunas con acompañamiento de piano y algunas con orquesta completa. En sus obras corales, Saint-Saëns se basó en gran medida en la tradición, sintiendo que sus modelos deberían ser Handel, Mendelssohn y otros maestros anteriores del género. En opinión de Klein, este enfoque estaba pasado de moda, y la familiaridad del tratamiento de Saint-Saëns de la forma del oratorio impidió su éxito en él.

Teclado en solitario

Nichols comenta que, aunque como un famoso pianista Saint-Saëns escribió para piano a lo largo de su vida, "esta parte de su obra ha dejado curiosamente poca huella". Nichols exceptúa el Étude en forme de valse (1912), que observa que todavía atrae a pianistas deseosos de mostrar su técnica de la mano izquierda. Aunque Saint-Saëns fue apodado "el Beethoven francés", y sus Variaciones sobre un tema de Beethoven en E♭ (1874) es su obra más extensa para piano solo, no emuló a su predecesor en la composición de sonatas para piano. Ni siquiera se sabe que haya contemplado escribir uno. Hay conjuntos de bagatelas (1855), estudios (dos conjuntos: 1899 y 1912) y fugas (1920), pero, en general, las obras para piano de Saint-Saëns son piezas cortas individuales. Además de formas establecidas como la canción sin palabras (1871) y la mazurca (1862, 1871 y 1882) popularizadas por Mendelssohn y Chopin, respectivamente, escribió piezas descriptivas como "Souvenir d'Italie" (1887), "Les cloches du soir" ("Campanas de la tarde", 1889) y "Souvenir d'Ismaïlia" (1895).

Sept Improvisations (Seven Improvisations for Organ), Op. 150

Improvisación No 7 (Allegro giocoso) realizada por Robert Smith

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A diferencia de su alumno, Fauré, cuya larga carrera como organista reacio no dejó ningún legado de obras para el instrumento, Saint-Saëns publicó un número modesto de piezas para órgano solo. Algunos de ellos fueron escritos para su uso en los servicios de la iglesia: "Offertoire" (1853), "Bénédiction nuptiale" (1859), "Comunión" (1859) y otros. Después de dejar la Madeleine en 1877, Saint-Saëns escribió diez piezas más para órgano, principalmente para conciertos, incluidos dos juegos de preludios y fugas (1894 y 1898). Algunas de las obras anteriores se escribieron para tocarse en el armonio o en el órgano, y algunas estaban destinadas principalmente al primero.

Cámara

Saint-Saëns escribió más de cuarenta obras de cámara entre la década de 1840 y sus últimos años. Una de las primeras de sus principales obras en el género fue el Piano Quintet (1855). Es una pieza sencilla y segura, de estructura convencional con movimientos exteriores vivos y un movimiento central que contiene dos temas lentos, uno coral y el otro cantabile. El Septeto (1880), para la combinación inusual de trompeta, dos violines, viola, violonchelo, contrabajo y piano, es una obra neoclásica que se inspira en las formas de danza francesa del siglo XVII. En el momento de su composición, Saint-Saëns estaba preparando nuevas ediciones de las obras de compositores barrocos, incluidos Rameau y Lully. El Caprice sur des airs danois et russes (1887) para flauta, oboe, clarinete y piano, y la Barcarolle en fa mayor (1898) para violín, violonchelo, armonio y piano son otros ejemplos de Saint- La instrumentación a veces poco ortodoxa de Saëns.

En opinión de Ratner, las obras de cámara de Saint-Saëns más importantes son las sonatas: dos para violín, dos para violonchelo y una para oboe, clarinete y fagot, las siete con piano acompañamiento. La Primera Sonata para violín data de 1885 y está clasificada por el Grove's Dictionary como una de las mejores y más características composiciones del compositor. The Second (1896) marca un cambio estilístico en la obra de Saint-Saëns, con un sonido más ligero y claro para el piano, característico de su música a partir de entonces. La Primera Sonata para violonchelo (1872) fue escrita después de la muerte de la tía abuela del compositor, quien le había enseñado a tocar el piano más de treinta años antes. Se trata de una obra seria, en la que el material melódico principal está sostenido por el violonchelo sobre un virtuoso acompañamiento de piano. Fauré la llamó la única sonata para violonchelo de cualquier país que tenga alguna importancia. The Second (1905) está en cuatro movimientos y tiene la característica inusual de un tema y variaciones como su scherzo.

Sonata para baszón con acompañamiento de piano (Op. 168, 1921)

La Sonata Bassoon, interpretada por Arthur Grossman en baszón y Joseph Levine en piano

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"Le cygne"

Le cygne (El Cisne) de El Carnaval de los Animales, realizado por John Michel

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Las sonatas de viento-madera se encuentran entre las últimas obras del compositor y forman parte de sus esfuerzos por ampliar el repertorio para instrumentos para los que apenas se escribieron partes solistas, como le confió a su amigo Jean Chantavoine en una carta fechada el 15 Abril de 1921: "En este momento estoy concentrando mis últimas reservas en dar a instrumentos raramente considerados la oportunidad de ser escuchados." Ratner escribe sobre ellos: "Las líneas sobrias, evocadoras y clásicas, las melodías inquietantes y las soberbias estructuras formales subrayan estos faros del movimiento neoclásico". Gallois comenta que la Sonata para oboe comienza como una sonata clásica convencional, con un tema andantino; la sección central tiene armonías ricas y coloridas, y el molto allegro finale está lleno de delicadeza, humor y encanto con forma de tarantela. Para Gallois, la Sonata para clarinete es la más importante de las tres: la llama "una obra maestra llena de picardía, elegancia y un lirismo discreto" que asciende a "un resumen del resto". La obra contrasta un "threnody triste" en el movimiento lento con el final, que "piruetas en compás de 4/4", en un estilo que recuerda al siglo XVIII. El mismo comentarista llama a la Sonata para fagot "un modelo de transparencia, vitalidad y ligereza", que contiene toques de humor pero también momentos de contemplación pacífica. Saint-Saëns también expresó su intención de escribir una sonata para el cor anglais, pero no lo hizo.

La obra más famosa del compositor, El carnaval de los animales (1887), aunque lejos de ser una pieza de cámara típica, está escrita para once intérpretes, y es considerada por Grove's Dictionary formará parte de la producción de cámara de Saint-Saëns. Grove lo califica como "su obra cómica más brillante, parodiando a Offenbach, Berlioz, Mendelssohn, Rossini, su propia Danse macabre y varias melodías populares". Prohibió su interpretación durante su vida, preocupado de que su frivolidad dañara su reputación como compositor serio.

Grabaciones

Saint-Saëns fue un pionero en la música grabada. En junio de 1904 The Gramophone Company of London envió a su productor Fred Gaisberg a París para grabar Saint-Saëns como acompañante de la mezzosoprano Meyriane Héglon en arias de Ascanio y Samson et Dalila, y como solista en su propia música para piano, incluyendo un arreglo de secciones del Segundo Concierto para piano (sin orquesta). Saint-Saëns hizo más grabaciones para la compañía en 1919.

En los primeros días del disco LP, las obras de Saint-Saëns se representaban irregularmente en el disco. The Record Guide (1955) incluye una grabación de la Tercera Sinfonía, el Segundo Concierto para piano y el Primer Concierto para violonchelo, junto con varias versiones de Danse Macabre, The Carnival of los Animales, la Introducción y Rondo Capriccioso y otras obras orquestales breves. En la última parte del siglo XX y principios del XXI, muchas más obras del compositor se publicaron en LP y luego en CD y DVD. La Guía Penguin de música clásica grabada de 2008 contiene diez páginas de listas de obras de Saint-Saëns, incluidos todos los conciertos, sinfonías, poemas sinfónicos, sonatas y cuartetos. También se enumeran una Misa temprana, colecciones de música de órgano y canciones corales. En 1997 se lanzó una grabación de veintisiete de las melodías de Saint-Saëns.

Con la excepción de Samson et Dalila, las óperas han sido escasamente representadas en disco. Una grabación de Henry VIII se publicó en CD y DVD en 1992. Hélène se publicó en CD en 2008. Hay varias grabaciones de Samson et Dalilah, bajo la dirección de Sir Colin Davis, Georges Prêtre, Daniel Barenboim y Myung-Whun Chung. A principios de la década de 2020, el sello Bru Zane del Centre de musique romantique française publicó nuevas grabaciones de Le Timbre d'argent (dirigida por François-Xavier Roth, 2020), La Princesse jaune (Leo Hussain, 2021), y Phryné (Hervé Niquet, 2022).

Honores y reputación

Saint-Saëns fue nombrado Chevalier de la Legión de Honor en 1867 y ascendido a Oficial en 1884, y a Grand Croix en 1913 Los honores extranjeros incluyeron la Real Orden Victoriana Británica (CVO) en 1902, la Orden Monégasque de Saint-Charles en 1904 y doctorados honorarios de las universidades de Cambridge (1893) y Oxford (1907).

Tumba de Saint-Saëns en el cementerio de Montparnasse

En su nota necrológica, The Times comentó:

La muerte de M. Saint-Saëns no sólo priva a Francia de uno de sus compositores más distinguidos; elimina del mundo al último representante de los grandes movimientos musicales que fueron típicos del siglo XIX. Había mantenido una vitalidad tan vigorosa y mantenido en un contacto tan estrecho con las actividades actuales que, aunque se había hecho habitual hablar de él como el Doyen de compositores franceses, fue fácil olvidar el lugar que tomó en la cronología musical. Era sólo dos años más joven que Brahms, tenía cinco años más que Tchaikovsky, seis años más que Dvořák, y siete años más que Sullivan. Mantuvo una posición en la música de su propio país, algunos aspectos de los cuales pueden compararse adecuadamente con cada uno de esos maestros en sus propias esferas.

En un breve poema, "Mea culpa", publicado en 1890, Saint-Saëns se acusaba a sí mismo de falta de decadencia y comentaba con aprobación los entusiasmos excesivos de la juventud, lamentando que tales cosas no fueran para él. Un comentarista inglés citó el poema en 1910 y observó: "Sus simpatías están con los jóvenes en su deseo de seguir adelante, porque no ha olvidado su propia juventud cuando defendió los ideales progresistas de la época". El compositor buscó un equilibrio entre la innovación y la forma tradicional. El crítico Henry Colles, escribió, pocos días después de la muerte del compositor:

En su deseo de mantener "el equilibrio perfecto" encontramos la limitación del atractivo de Saint-Saëns a la mente musical ordinaria. San-Saëns rara vez, si alguna vez, toma algún riesgo; él nunca, para usar la jerga del momento, "se va del fondo". Todos sus mayores contemporáneos lo hicieron. Brahms, Tchaikovsky, e incluso Franck, estaban listos para sacrificar todo por el final que cada uno quería alcanzar, para ahogarse en el intento de llegar allí si fuera necesario. Saint-Saëns, al preservar su equilibrio, permite a sus oyentes preservar el suyo.

Grove concluye su artículo sobre Saint-Saëns con la observación de que aunque sus obras son notablemente consistentes, "no se puede decir que desarrolló un estilo musical distintivo. Más bien, defendió la tradición francesa que amenazaba con ser absorbida por las influencias wagnerianas y creó el ambiente que nutrió a sus sucesores.

Desde la muerte del compositor, los escritores que simpatizan con su música han lamentado que el público musical lo conozca solo por un puñado de sus partituras, como El carnaval de los animales, el Segundo Concierto para Piano, Tercer Concierto para Violín, Sinfonía para Órgano, Samson et Dalila, Danse macabre y la Introducción y Rondo Capriccioso. Entre su gran producción, Nicholas destaca el Réquiem, el Oratorio de Navidad, el ballet Javotte, el Piano Quartet, el Septeto para trompeta, piano y cuerdas, y la Primera Sonata para violín como obras maestras olvidadas. En 2004, el violonchelista Steven Isserlis dijo: "Saint-Saens es exactamente el tipo de compositor que necesita un festival para él solo... hay misas, todas interesantes". He tocado toda su música de violonchelo y no hay una pieza mala. Sus obras son gratificantes en todos los sentidos. Y es una figura infinitamente fascinante."

Notas, referencias y fuentes

Notas