Cabello (musical)

Hair: The American Tribal Love-Rock Musical es un musical de rock con libreto y letra de Gerome Ragni y James Rado y música de Galt MacDermot. El trabajo refleja los creadores' observaciones de la contracultura hippie y la revolución sexual de finales de la década de 1960, y varias de sus canciones se convirtieron en himnos del movimiento de paz contra la guerra de Vietnam. Las blasfemias del musical, su descripción del uso de drogas ilegales, su tratamiento de la sexualidad, su irreverencia por la bandera estadounidense y su escena desnuda causaron muchos comentarios y controversia. La obra abrió nuevos caminos en el teatro musical al definir el género de "rock musical", utilizando un elenco racialmente integrado e invitando a la audiencia al escenario para un "Be-In" final.

Hair cuenta la historia de la "tribu", un grupo de hippies políticamente activos y de pelo largo de la "Era de Acuario" viviendo una vida bohemia en la ciudad de Nueva York y luchando contra el servicio militar obligatorio en la Guerra de Vietnam. Claude, su buen amigo Berger, su compañera de cuarto Sheila y sus amigos luchan por equilibrar sus jóvenes vidas, amores y la revolución sexual con su rebelión contra la guerra y sus padres conservadores y la sociedad. En última instancia, Claude debe decidir si resistir el reclutamiento como lo han hecho sus amigos, o servir en Vietnam, comprometiendo sus principios pacifistas y arriesgando su vida.

Después de un debut fuera de Broadway el 17 de octubre de 1967, en el Teatro Público de Joseph Papp y una presentación en el club nocturno Cheetah desde diciembre de 1967 hasta enero de 1968, el espectáculo se estrenó en Broadway en abril de 1968 y tuvo una audiencia de 1750 actuaciones Poco después siguieron producciones simultáneas en ciudades de los Estados Unidos y Europa, incluida una exitosa producción en Londres que tuvo 1997 representaciones. Desde entonces, se han presentado numerosas producciones en todo el mundo, generando docenas de grabaciones del musical, incluida la grabación original del elenco de Broadway con 3 millones de ventas. Algunas de las canciones de su partitura se convirtieron en éxitos Top 10, y se estrenó una adaptación cinematográfica en 1979. Se inauguró una reposición de Broadway en 2009, obtuvo buenas críticas y ganó el premio Tony y el premio Drama Desk a la mejor reposición de un musical. En 2008, Time escribió: "Hoy Hair parece, en todo caso, más atrevido que nunca".

Historia

Hair fue concebido por los actores James Rado y Gerome Ragni. Los dos se conocieron en 1964 cuando actuaron juntos en el fracaso de Off-Broadway Hang Down Your Head and Die, y comenzaron a escribir juntos Hair a finales de 1964. Los personajes principales eran autobiográfica, con el Claude de Rado como un romántico pensativo y el Berger de Ragni como un extrovertido. Su estrecha relación, incluida su volatilidad, se reflejó en el musical. Rado explicó: "Fuimos grandes amigos. Fue un tipo de relación apasionada que dirigimos a la creatividad, a la escritura, a la creación de esta pieza. Ponemos el drama entre nosotros en el escenario."

Rado describió la inspiración para Hair como "una combinación de algunos personajes que conocimos en las calles, gente que conocíamos y nuestra propia imaginación. Conocíamos a este grupo de niños en East Village que abandonaban la escuela y eludían el reclutamiento, y también había muchos artículos en la prensa sobre cómo los niños eran expulsados de la escuela por dejarse el pelo largo. Recordó: “Había tanto entusiasmo en las calles, los parques y las áreas hippies, y pensamos que si podíamos transmitir este entusiasmo al escenario, sería maravilloso.... Pasamos el rato con ellos y fuimos a sus Be-Ins [y] nos dejamos crecer el pelo." Muchos miembros del elenco (Shelley Plimpton en particular) fueron reclutados directamente de la calle. Rado dijo: "Fue muy importante históricamente, y si no lo hubiéramos escrito, no habría ningún ejemplo". Podrías leer sobre él y ver fragmentos de películas, pero nunca lo experimentarías. Pensamos, 'Esto está sucediendo en las calles', y queríamos llevarlo al escenario." Según el obituario de Rado en The New York Times, el título se inspiró en "un paseo por un museo a mediados de 1965, [cuando él y Ragni vieron] una pintura de un penacho de pelo del artista pop Jim Dine. Su título era 'Hair'."

Rado y Ragni provenían de diferentes orígenes artísticos. En la universidad, Rado escribió revistas musicales y aspiraba a ser un compositor de Broadway en la tradición de Rodgers y Hammerstein. Luego pasó a estudiar actuación con Lee Strasberg. Ragni, por otro lado, era un miembro activo de The Open Theatre, uno de varios grupos, en su mayoría fuera de Broadway, que estaban desarrollando técnicas de teatro experimental. Presentó a Rado los estilos y métodos de teatro moderno que se estaban desarrollando en The Open Theatre. En 1966, mientras ambos desarrollaban Hair, Ragni actuó en la producción de The Open Theatre de la obra de Megan Terry, Viet Rock, una historia sobre jóvenes enviados a la guerra de Vietnam. Además del tema de la guerra, Viet Rock empleó los ejercicios de improvisación que se utilizan en la escena del teatro experimental y luego en el desarrollo de Hair.

Rado y Ragni llevaron sus borradores del programa al productor Eric Blau quien, a través de un amigo en común, Nat Shapiro, los conectó con el compositor canadiense Galt MacDermot. MacDermot había ganado un premio Grammy en 1961 por su composición "African Waltz" (grabado por Cannonball Adderley). El estilo de vida del compositor contrastaba marcadamente con el de sus cocreadores: "Tenía el pelo corto, una esposa y, en ese momento, cuatro hijos, y vivía en Staten Island". "Ni siquiera había oído hablar de un hippie cuando conocí a Rado y Ragni." Pero compartió su entusiasmo por hacer un espectáculo de rock and roll. "Trabajamos de forma independiente", explicó MacDermot en mayo de 1968. "Lo prefiero así. Me entregan el material. Le puse música." MacDermot escribió la primera partitura en tres semanas, comenzando con las canciones "I Got Life", "Ain't Got No", "Where Do I Go" y el título de la canción. Primero escribió "Acuario" como una obra de arte poco convencional, pero luego la reescribió en un himno edificante.

Producciones fuera de Broadway

Los creadores presentaron el espectáculo a los productores de Broadway y recibieron muchos rechazos. Finalmente, Joe Papp, que dirigía el Festival de Shakespeare de Nueva York, decidió que quería que Hair abriera el nuevo Teatro Público (todavía en construcción) en el East Village de la ciudad de Nueva York. El musical fue la primera obra de autores vivos que produjo Papp. El director, Gerald Freedman, director artístico asociado del teatro, decidió que Rado, a los 35 años, era demasiado mayor para interpretar a Claude, aunque accedió a elegir a Ragni, de 32 años, como Berger. La producción no transcurrió sin problemas: "El ensayo y el proceso de casting fueron confusos, el material en sí era incomprensible para muchos miembros del personal del teatro". [Freedman] se retiró frustrado durante la última semana de ensayos y ofreció su renuncia. Papp lo aceptó y la coreógrafa Anna Sokolow se hizo cargo del espectáculo.... Después de un desastroso ensayo general final, Papp telegrafió al Sr. Freedman en Washington, adonde había huido: 'Por favor, vuelva'. El Sr. Freedman lo hizo."

Hair se estrenó fuera de Broadway en el Public el 17 de octubre de 1967 y tuvo una participación limitada de seis semanas. Los papeles principales fueron interpretados por Walker Daniels como Claude, Ragni como Berger, Jill O'Hara como Sheila, Steve Dean como Woof, Arnold Wilkerson como Hud, Sally Eaton como Jeanie y Shelley Plimpton como Crissy. El diseño del escenario estuvo a cargo de Ming Cho Lee, el diseño de vestuario de Theoni Aldredge y, aunque Anna Sokolow comenzó los ensayos como coreógrafa, Freedman recibió el crédito de coreógrafo. Aunque la producción tuvo una "tibia recepción de la crítica", fue popular entre el público. Un álbum de reparto fue lanzado en 1967.

El empresario de Chicago Michael Butler planeaba postularse para el Senado de los Estados Unidos con una plataforma contra la guerra. Después de ver un anuncio de Hair en The New York Times que lo llevó a creer que el programa trataba sobre los nativos americanos, vio la producción de Public varias veces y se unió a se une a Joe Papp para reproducir el espectáculo en otro local de Nueva York tras el cierre de su paso por el Public. Papp y Butler primero trasladaron el espectáculo a The Cheetah, una discoteca en 53rd Street y Broadway. Se inauguró allí el 22 de diciembre de 1967 y tuvo 45 funciones. No hubo desnudez ni en la producción de Public Theatre ni en Cheetah.

Revisión para Broadway

Hair se sometió a una profunda revisión entre su cierre en el Cheetah en enero de 1968 y su estreno en Broadway tres meses después. El libro fuera de Broadway, que ya tenía una trama ligera, se relajó aún más y se hizo más realista. Se agregaron Trece canciones nuevas, incluida "Let the Sun Shine In", para hacer que el final sea más edificante.

Antes de mudarse a Broadway, el equipo creativo contrató al director Tom O'Horgan, quien se había ganado una reputación dirigiendo teatro experimental en La MaMa Experimental Theatre Club. Él había sido los autores' primera opción para dirigir la producción de Teatro Público, pero estaba en Europa en ese momento. Newsweek describió el estilo de dirección de O'Horgan como 'sensual, salvaje y completamente musical... [él] desintegra la estructura verbal y, a menudo, rompe y distribuye la narrativa e incluso personaje entre diferentes actores.... Le gusta el bombardeo sensorial." En los ensayos, O'Horgan usó técnicas heredadas por Viola Spolin y Paul Sills que incluían juegos de rol e improvisación. Muchas de las improvisaciones que se intentaron durante este proceso se incorporaron al guión de Broadway. O'Horgan y la nueva coreógrafa Julie Arenal fomentaron la libertad y la espontaneidad de sus actores, introduciendo 'un estilo de puesta en escena orgánico y expansivo' que nunca antes se había visto en Broadway. La inspiración para incluir la desnudez surgió cuando los autores vieron una manifestación contra la guerra en Central Park donde dos hombres se desnudaron como una expresión de desafío y libertad, y decidieron incorporar la idea en el programa. O'Horgan había utilizado la desnudez en muchas de las obras que dirigió y ayudó a integrar la idea en la trama del espectáculo.

Papp se negó a participar en una producción de Broadway, por lo que Butler produjo el espectáculo él mismo. Durante un tiempo, pareció que Butler no podría asegurar un teatro en Broadway, ya que los Shubert, los Nederlanders y otros propietarios de teatros consideraron que el material era demasiado controvertido. Sin embargo, Butler tenía conexiones familiares y conocía a personas importantes; persuadió al propietario del Biltmore Theatre, David Cogan, para que pusiera su lugar a disposición.

Sinopsis

Acto I

Claude se sienta en el centro del escenario como la "tribu" se mezcla con la audiencia. Los miembros de la tribu Sheila, una estudiante de la Universidad de Nueva York que es una decidida activista política, y Berger, un espíritu libre e irreverente, cortan un mechón de cabello de Claude y lo queman en un receptáculo. Después de que la tribu converge en cámara lenta hacia el escenario, a través de la audiencia, comienzan su celebración como hijos de la Era de Acuario ("Acuario"). Berger se quita los pantalones para revelar un taparrabos. Interactuando con la audiencia, se presenta a sí mismo como un "osito de peluche psicodélico" y revela que está "buscando a mi Donna" ("Donna").

La tribu recita una lista de productos farmacéuticos, legales e ilegales ("hachís"). Woof, un alma gentil, ensalza varias prácticas sexuales ("Sodomía") y dice: "Cultivo cosas." Le encantan las plantas, su familia y el público, y le dice al público: "Todos somos uno". Hud, un militante afroamericano, es llevado boca abajo en un poste. Se declara "presidente de los Estados Unidos del Amor" ("Pala de colores"). Con un falso acento inglés, Claude dice que él es "la bestia más hermosa del bosque" de "Manchester, Inglaterra". Un miembro de la tribu le recuerda que en realidad es de Flushing, Nueva York ("Manchester, Inglaterra"). Hud, Woof y Berger declaran de qué color son ('I'm Black'), mientras que Claude dice que él es 'invisible'. La tribu recita una lista de las cosas que les faltan ("Ain't Got No"). Cuatro miembros de una tribu afroamericana recitan los letreros de las calles en una secuencia simbólica ("Callejón sin salida").

Sheila sube al escenario ("I Believe in Love") y dirige a la tribu en un canto de protesta. Jeanie, una joven excéntrica, aparece con una máscara de gas, satirizando la contaminación ("Air"). Está embarazada y enamorada de Claude. Aunque desearía que fuera el bebé de Claude, "un fanático de la velocidad la dejó embarazada". La tribu une a LBJ (presidente Lyndon B. Johnson), FBI (Oficina Federal de Investigaciones), CIA (Agencia Central de Inteligencia) y LSD ("Iniciales"). Seis miembros de la tribu aparecen vestidos como los padres de Claude, reprendiéndolo por sus diversas transgresiones: no tiene trabajo y colecciona "montañas de papel" recortes y notas. Dicen que no le darán más dinero, y 'el ejército' te hará un hombre', presentándole su aviso de reclutamiento. En desafío, Claude lidera a la tribu en la celebración de su vitalidad ("I Got Life").

Después de repartir píldoras imaginarias a los miembros de la tribu, diciendo que las píldoras son para personas de alto perfil como Richard Nixon, el Papa y "Alabama Wallace", Berger relata cómo fue expulsado de la escuela secundaria.. Tres miembros de la tribu se disfrazan de directores con bigotes de Hitler y brazaletes con la esvástica, burlándose del sistema educativo estadounidense. Berger y la tribu los desafían cantando 'Going Down'. Claude regresa de su examen físico preliminar, que aprobó. Pretende quemar su tarjeta de reclutamiento de la Guerra de Vietnam, que Berger revela como una tarjeta de biblioteca. Claude agoniza sobre qué hacer si lo reclutan.

Dos miembros de la tribu vestidos como turistas bajan por el pasillo para preguntar a la tribu por qué tienen el pelo tan largo. En respuesta, Claude y Berger lideran a la tribu explicando el significado de sus mechones ("Cabello"). La mujer afirma que los niños deben "ser libres, sin culpa" y debe "hacer lo que quiera, siempre y cuando no lastime a nadie". Ella observa que el cabello largo es natural, como el "plumaje elegante" de pájaros machos ("Mi Convicción"). Se abre el abrigo para revelar que es un hombre vestido de mujer. Cuando la pareja se va, la tribu la llama Margaret Mead.

Sheila le da a Berger una camiseta amarilla. Hace el tonto y termina rompiéndolo en dos. Sheila expresa su angustia porque Berger parece preocuparse más por la "multitud sangrante" que sobre ella ("Easy to Be Hard"). Jeanie resume los enredos románticos de todos: "Estoy obsesionada con Claude, Sheila está obsesionada con Berger, Berger está obsesionado en todas partes". Claude está colgado en una cruz sobre Sheila y Berger." Berger, Woof y otro miembro de la tribu rinden un tributo satírico a la bandera estadounidense mientras la doblan ('Don't Put it Down'). La tribu corre hacia la audiencia, invitándolos a un Be-In. Después de que la joven e inocente Crissy describe a 'Frank Mills', un chico que está buscando, la tribu participa en el 'Be-In'. Los hombres de la tribu queman sus tarjetas de reclutamiento. Claude pone su tarjeta en el fuego, luego cambia de opinión y la saca. Él pregunta, "¿dónde está el algo, dónde está el alguien, que me dice por qué vivo y muero?" ("A dónde voy"). La tribu emerge desnuda, entonando "cuentas, flores, libertad, felicidad".

Acto II

Cuatro miembros de la tribu tienen el "Blues eléctrico". Después de un apagón, la tribu entra a adorar en un intento de convocar a Claude ('Oh, gran dios del poder'). Claude regresa del centro de inducción y los miembros de la tribu representan una conversación imaginaria de la entrevista del borrador de Claude, con Hud diciendo: "el borrador es que los blancos envíen a los negros para hacerles la guerra a los amarillos para defender la tierra". le robaron a los rojos". Claude le da a Woof un póster de Mick Jagger y Woof está entusiasmado con el regalo, ya que ha dicho que le ha colgado a Jagger. Tres mujeres blancas de la tribu cuentan por qué les gusta "Black Boys" ("los chicos negros son deliciosos..."), y tres mujeres negras de la tribu, vestidas como The Supremes, explican por qué les gusta "White Boys" ("los chicos blancos son tan bonitos...").

Berger le da un porro a Claude que contiene un alucinógeno. Claude comienza a tropezar mientras la tribu representa sus visiones ("Caminando en el espacio"). Alucina que está saltando en paracaídas desde un avión hacia las selvas de Vietnam. Berger aparece como el general George Washington y se le dice que se retire debido a un ataque indio. Los indios disparan a todos los hombres de Washington. Aparece el general Ulysses S. Grant y comienza a pasar lista: Abraham Lincoln (interpretado por una miembro de la tribu negra), John Wilkes Booth, Calvin Coolidge, Clark Gable, Scarlett O'Hara, Aretha Franklin, el coronel George Custer. Claude Bukowski es llamado a pasar lista, pero Clark Gable dice 'no pudo asistir'. Todos bailan un minueto hasta que tres brujos africanos los matan, todos excepto Abraham Lincoln, que dice: 'Soy uno de ustedes'. Lincoln, después de que los tres africanos canten sus alabanzas, recita una versión alternativa del Discurso de Gettysburg ("Abie Baby"). Booth le dispara a Lincoln, pero Lincoln le dice: '¡Mierda! No me estoy muriendo para ningún hombre blanco".

Mientras continúan las visiones, entran cuatro monjes budistas. Un monje vierte una lata de gasolina sobre otro monje, a quien le prenden fuego (que recuerda a la autoinmolación de Thích Quảng Đức) y sale corriendo gritando. Tres monjas católicas estrangulan a los tres monjes budistas restantes. Tres astronautas disparan a las monjas con pistolas de rayos. Tres chinos apuñalan a los astronautas con cuchillos. Tres nativos americanos matan a los chinos con arcos y tomahawks. Tres boinas verdes matan a los nativos americanos con ametralladoras y luego se matan entre ellos. Un sargento y dos padres aparecen sosteniendo un traje en una percha. Los padres le hablan al traje como si fuera su hijo y están muy orgullosos de él. Los cuerpos se levantan y juegan como niños. La obra se intensifica a la violencia hasta que todos están muertos de nuevo. Vuelven a levantarse y comentan sobre las bajas en Vietnam: "Es una guerrita sucia" ("Tres-Cinco-Cero-Cero"). Al final de la secuencia del viaje, dos miembros de la tribu cantan, sobre los cadáveres, un discurso de Shakespeare sobre la nobleza del hombre ("What A Piece of Work Is Man"), con música.

Después del viaje, Claude dice "No puedo soportar este momento a momento viviendo en las calles... Sé lo que quiero ser... invisible". Mientras "miran la luna," Sheila y los demás disfrutan de un momento ligero ("Good Morning Starshine"). La tribu rinde homenaje a un viejo colchón ("La cama"). Claude se queda solo con sus dudas. Se va cuando la tribu entra envuelta en mantas en medio de una tormenta de nieve. Comienzan un cántico de protesta y luego se preguntan adónde ha ido Claude. Berger grita '¡Claude! Claudio!" Claude entra vestido con uniforme militar, el pelo corto, pero no lo ven porque es un espíritu invisible. Claude dice, "te guste o no, me atraparon."

Claude y todos cantan "Flesh Failures". La tribu se mueve frente a Claude mientras Sheila y Dionne retoman la letra. Toda la tribu se lanza a 'Let the Sun Shine In' y, cuando salen, revelan a Claude acostado en el centro del escenario sobre una tela negra. Durante el toque final, la tribu repite "Let the Sun Shine In" y trae a los miembros de la audiencia al escenario para bailar.

(Nota: Este resumen de la trama se basa en el guión original de Broadway. El guión ha variado en producciones posteriores.)

Roles principales; Reparto original de Broadway y Off-Broadway

• Claude Hooper Bukowski – Walker Daniels / James Rado
• George Berger – Gerome Ragni
• Sheila Franklin – Jill O'Hara / Lynn Kellogg
• Jeanie – Sally Eaton
• Neil "Woof" Donovan – Steve Dean / Steve Curry
• Hud – Arnold Wilkerson / Lamont Washington
• Crissy – Shelley Plimpton

La producción original de Broadway también incluyó a Melba Moore como Dionne, Ronnie Dyson, Paul Jabara y Diane Keaton.

Primeras producciones

Broadway

Hair se estrenó en Broadway en el Biltmore Theatre el 29 de abril de 1968. La producción fue dirigida por Tom O'Horgan y coreografiada por Julie Arenal, con escenografía de Robin Wagner, diseño de vestuario de Nancy Potts, y el diseño de iluminación de Jules Fisher. La "tribu" original de Broadway (es decir, el reparto) incluía a los autores Rado y Ragni, que interpretaron los papeles principales de Claude y Berger, respectivamente, Kellogg como Sheila, Washington como Hud, Eaton y Plimpton retomando sus papeles fuera de Broadway como Jeanie y Crissy, Moore como Dionne, Curry como Woof, Dyson (quien cantó 'Aquarius' y 'What a Piece of Work is Man'), Jabara y Keaton (tanto Moore como Keaton luego interpretaron a Sheila). Entre los artistas que aparecieron en Hair durante su presentación original en Broadway se encontraban Ben Vereen, Keith Carradine, Barry McGuire, Ted Lange, Meat Loaf, La La Brooks, Mary Seymour (de Musique), Joe Butler, Peppy Castro (de los Blues Magoos), Robin McNamara, Heather MacRae (hija de Gordon MacRae y Sheila MacRae), Eddie Rambeau, Vicki Sue Robinson, Beverly Bremers, Dale Soules y Kim Milford. Fue el primer espectáculo de Broadway en tener un precio de entrada regular de $50, con 12 de los asientos a este precio a la venta para grandes corporaciones desde julio de 1968. El precio máximo cuando se inauguró fue de $11.

El equipo Hair pronto se vio envuelto en una demanda con los organizadores de los Premios Tony. Después de asegurarle al productor Michael Butler que comenzar las vistas previas el 3 de abril de 1968 aseguraría la elegibilidad para ser considerado para los Tonys de 1968, la New York Theatre League dictaminó que Hair no era elegible y movió la fecha límite al 19 de marzo. presentó una demanda, pero no pudo obligar a la Liga a reconsiderar. En los Tony de 1969, Hair fue nominado a Mejor musical y Mejor director, pero perdió frente a 1776 en ambas categorías. La producción duró cuatro años y 1.750 representaciones, y cerró el 1 de julio de 1972.

Primeras producciones regionales

La versión de la Costa Oeste se presentó en el Teatro Aquarius de Los Ángeles a partir de unos seis meses después de la inauguración de Broadway y duró dos años sin precedentes. La tribu de Los Ángeles incluía a Rado, Ragni, Ben Vereen (quien reemplazó a Ragni), Willie Weatherly (quien interpretó a Berger y Claude), Ted Neeley (quien reemplazó a Rado), Meat Loaf, Gloria Jones, Táta Vega, Jobriath, Jennifer Warnes y Dobie. Gris.

Pronto hubo nueve producciones simultáneas en ciudades de EE. UU., seguidas de giras nacionales. Entre los artistas en estos estaban Joe Mantegna, André DeShields y Alaina Reed (Chicago), David Lasley, David Patrick Kelly, Meat Loaf y Shaun Murphy (Detroit) Arnold McCuller (gira), Bob Bingham (Seattle) y Philip Michael Thomas (San Francisco). El equipo creativo de Broadway trabajó en Hair en Los Ángeles, Chicago y San Francisco, ya que la puesta en escena de Broadway sirvió como modelo aproximado para estas y otras primeras producciones regionales. Una adición notable al equipo en Los Ángeles fue Tom Smothers, quien se desempeñó como coproductor. Los elencos regionales estaban compuestos principalmente por actores locales, aunque algunos miembros del elenco de Broadway repitieron sus papeles en otras ciudades. O'Horgan o los autores a veces tomaban nuevas ideas e improvisaciones de un espectáculo regional y las traían de regreso a Nueva York, como cuando se arrojaron pollos vivos al escenario en Los Ángeles.

Era raro que tantas producciones se presentaran simultáneamente durante una presentación inicial en Broadway. El productor Michael Butler, quien había declarado que Hair es "la declaración contra la guerra más fuerte jamás escrita", dijo que la razón por la que abrió tantas producciones fue para influir en la opinión pública contra Vietnam. Guerra y acabar con ella lo antes posible.

Extremo Oeste

Hair se estrenó en el Shaftesbury Theatre de Londres el 27 de septiembre de 1968, dirigido por el mismo equipo creativo que la producción de Broadway. La noche de estreno se retrasó hasta la abolición de la censura teatral en Inglaterra bajo la Ley de Teatros de 1968 para que el espectáculo pudiera incluir desnudez y blasfemias. Al igual que con otras producciones tempranas, el espectáculo de Londres agregó una pizca de alusiones locales y otras desviaciones menores de la versión de Broadway.

La tribu original de Londres incluía a Sonja Kristina, Peter Straker, Paul Nicholas, Melba Moore, Annabel Leventon, Elaine Paige, Paul Korda, Marsha Hunt, Floella Benjamin, Alex Harvey, Oliver Tobias, Richard O'Brien y Tim Curry.. Este fue el primer papel de actuación teatral de tiempo completo de Curry, donde conoció al futuro colaborador de Rocky Horror Show O'Brien. La participación de Hair' en Londres superó la producción de Broadway, con 1997 representaciones hasta su El cierre fue forzado por el derrumbe del techo del teatro en julio de 1973.

Primeras producciones internacionales

El trabajo de dirigir las producciones en idiomas extranjeros de Hair se le dio a Bertrand Castelli, socio de Butler y productor ejecutivo del espectáculo de Broadway. Castelli fue un escritor/productor que viajó por los círculos artísticos de París y se codeó con Pablo Picasso y Jean Cocteau. Butler lo describió como un "showman loco... el tipo con traje de negocios y collares". Castelli decidió hacer el espectáculo en el idioma local de cada país en una época en que los espectáculos de Broadway siempre se hacían en inglés. Las traducciones siguieron de cerca el guión original y se utilizaron las puestas en escena de Broadway. Cada guión contenía referencias locales, como nombres de calles y nombres o representaciones de políticos y celebridades locales. Castelli produjo empresas en Francia, Alemania, México y otros países, a veces también dirigiendo las producciones. La primera producción europea se inauguró en Estocolmo, Suecia, el 20 de septiembre de 1968, con un elenco que incluía a Ulf Brunnberg y Bill Öhrström, producida y dirigida por Pierre Fränckel y coreografiada por Julie Arenal, y tuvo 134 funciones hasta marzo de 1969.

Una producción alemana, dirigida por Castelli, se estrenó un mes después en Munich; la tribu incluía a Donna Summer, Liz Mitchell y Donna Wyant. Una exitosa producción parisina de Hair se inauguró el 1 de junio de 1969. La producción australiana original se estrenó en Sídney el 6 de junio de 1969, producida por Harry M. Miller y dirigida por Jim Sharman, quien también diseñó la producción.. La tribu incluía a Keith Glass y luego a Reg Livermore como Berger, John Waters como Claude y Sharon Redd como The Magician. Redd fue uno de los seis afroamericanos traídos a Australia para formar una tribu racialmente integrada. La producción rompió récords de taquilla locales y estuvo al aire durante dos años, pero debido al lenguaje del programa, el álbum del elenco fue prohibido en Queensland y Nueva Zelanda. La producción se trasladó a Melbourne en 1971 y luego realizó una gira nacional. Marcó el debut en el escenario de la vocalista australiana nacida en Boston Marcia Hines. En México la producción fue prohibida por el gobierno luego de una noche en Acapulco. Sônia Braga, de 18 años, apareció en la producción brasileña de 1969.

Otra producción notable fue en Belgrado, en la antigua Yugoslavia, en 1969. Fue el primer Hair producido en un país comunista. El espectáculo, traducido al serbio, fue dirigido por la productora y directora Mira Trailović en el teatro Atelje 212. Contó con Dragan Nikolić, Branko Milićević, Seka Sablić y Dušan Prelević. Durante cuatro años, la producción recibió 250 funciones y contó con la presencia del presidente Tito. Las referencias locales en el guión incluían críticas dirigidas a Mao Zedong, así como a Albania, el rival tradicional de Yugoslavia.

En 1970, Hair fue un gran éxito financiero y diecinueve producciones se habían presentado fuera de América del Norte. Además de las mencionadas anteriormente, incluyeron producciones en Escandinavia, América del Sur, Italia, Israel, Japón, Canadá, Países Bajos, Suiza y Austria. Según Billboard, las distintas producciones del programa recaudaban casi un millón de dólares cada diez días y se recaudaban regalías por 300 grabaciones diferentes de las canciones del programa, por lo que es "la partitura más exitosa de la historia, así como la partitura más interpretada jamás escrita para el escenario de Broadway."

Temas

Hair explora muchos de los temas del movimiento hippie de la década de 1960. El escritor de teatro Scott Miller los describió de la siguiente manera:

[Los jóvenes de América, especialmente los de las universidades universitarias, comenzaron a protestar todas las cosas que vieron mal con Estados Unidos: racismo, destrucción ambiental, pobreza, sexismo y represión sexual, violencia en el hogar y la guerra en Vietnam, despersonalización de nuevas tecnologías y corrupción en la política... Contrariamente a la opinión popular, los hippies tenían un gran respeto por Estados Unidos y creían que eran los verdaderos patriotas, los únicos que realmente querían salvar a nuestro país y hacerlo lo mejor que podría ser una vez más.... [Long] el pelo era la bandera de los hippies – su... símbolo no sólo de la rebelión sino también de nuevas posibilidades, un símbolo del rechazo de la discriminación y los roles de género restrictivos (una filosofía celebrada en la canción "My Conviction"). simbolizaba la igualdad entre hombres y mujeres... También hizo declaraciones. La ropa de trabajo de dibujo (jeans, camisas de trabajo, abrigos de guisantes) fue un rechazo del materialismo. El vestido de otras culturas, en particular el Tercer Mundo y los nativos americanos, representaba su conciencia de la comunidad mundial y su rechazo al imperialismo y el egoísmo de Estados Unidos. Los vestidos de algodón simples y otros tejidos naturales fueron un rechazo de los sintéticos, un retorno a las cosas naturales y tiempos más simples. Algunos hippies llevaban chaquetas viejas de la Segunda Guerra Mundial o de la Guerra Civil como forma de cooptar los símbolos de la guerra en su nueva filosofía de la no violencia.

Raza y tribu

Extendiendo los precedentes establecidos por Show Boat (1927) y Porgy and Bess (1935), Hair abrió el musical de Broadway a la integración racial; completamente un tercio del elenco era afroamericano. Excepto en las parodias satíricas, los roles de los miembros negros de la tribu los retrataban como iguales, rompiendo con los roles tradicionales de los negros en el entretenimiento como esclavos o sirvientes. Un artículo de la revista Ebony declaró que el programa fue la mayor salida para los actores negros en la historia de los escenarios estadounidenses.

Varias canciones y escenas del programa abordan cuestiones raciales. 'Colored Spade', que presenta al personaje Hud, un hombre negro militante, es una larga lista de insultos raciales ('jungle bunny... little black sambo') rematada con la declaración que Hud es el "presidente de los Estados Unidos del amor". Al final de su canción, le dice a la tribu que el "hombre del saco" los conseguirá, ya que la tribu finge estar asustada. 'Dead End', cantada por miembros de la tribu negra, es una lista de letreros de calles que simbolizan la frustración y la alienación de los negros. Uno de los cánticos de protesta de la tribu es "¿Qué creemos que es realmente bueno? ¡A bombardear, linchar y segregar!" "Niños negros/Chicos blancos" es un reconocimiento exuberante de la atracción sexual interracial; la Corte Suprema de Estados Unidos anuló las leyes que prohibían el matrimonio interracial en 1967. Otro de los cánticos de protesta de la tribu es 'Negro, blanco, amarillo, rojo'. Copular en una cama tamaño king."

"Bebé Abie" es parte del Acto 2 "viaje" Secuencia: cuatro brujos africanos, que acaban de matar a varios personajes históricos, culturales y ficticios estadounidenses, cantan las alabanzas de Abraham Lincoln, interpretado por una miembro de la tribu negra, a la que deciden no matar. La primera parte de la canción contiene un lenguaje estereotípico que los personajes negros usaban en películas antiguas, como "I's finish... pluckin' todos ustedes son gallinas y 'Soy libre ahora gracias a todos ustedes, Maestro Lincoln'. Luego, el personaje de Lincoln recita una versión modernizada del Discurso de Gettysburg, mientras que una miembro de la tribu blanca limpia los zapatos de Lincoln con su cabello rubio.

Las muchas referencias a los nativos americanos a lo largo del guión son parte del enfoque naturalista y anticonsumista del movimiento hippie y de Hair. Los personajes del programa se conocen como la "tribu", tomando prestado el término para las comunidades nativas americanas. El elenco de cada producción elige un nombre tribal: "La práctica no es solo cosmética... todo el elenco debe trabajar en conjunto, deben gustarse unos a otros y, a menudo, dentro del programa, deben trabajar como un solo organismo. Todo el sentido de familia, de pertenencia, de responsabilidad y lealtad inherente a la palabra 'tribu' tiene que ser sentido por el elenco." Para mejorar este sentimiento, O'Horgan sometió al elenco a ejercicios de sensibilidad basados en la confianza, tocar, escuchar y un examen intensivo que rompió las barreras entre el elenco y el equipo y fomentó la unión. Estos ejercicios se basaron en técnicas desarrolladas en el Instituto Esalen y el Teatro de laboratorio polaco. La idea de que Claude, Berger y Sheila vivan juntos es otra faceta del concepto de tribu de la década de 1960.

Desnudez, libertad sexual y consumo de drogas

La breve escena de desnudo al final del Acto I fue objeto de controversia y notoriedad. Miller escribe que la desnudez era una gran parte de la cultura hippie, tanto como un rechazo a la represión sexual de sus padres como una declaración sobre el naturalismo, la espiritualidad, la honestidad, la apertura y la libertad. El cuerpo desnudo era hermoso, algo para ser celebrado y apreciado, no despreciado y escondido. Vieron sus cuerpos y su sexualidad como regalos, no como 'sucios'. cosas."

Hair glorifica la libertad sexual en una variedad de formas. Además de la aceptación de la atracción interracial, los personajes' el estilo de vida actúa como una actualización sexual y políticamente cargada de La bohème; como explicó Rado, "El elemento de amor del movimiento por la paz era palpable." En la canción "Sodomy", Woof exhorta a todos a "unirse a la sagrada orgía Kama Sutra". Hacia el final del Acto 2, los miembros de la tribu revelan sus tendencias de amor libre cuando bromean sobre quién se acostará con quién esa noche. Woof está enamorado de Mick Jagger, y un abrazo a tres entre Claude, Berger y Sheila se convierte en un beso Claude-Berger.

Los personajes toman varias drogas ilegales durante el transcurso del programa, sobre todo un alucinógeno durante la secuencia del viaje. La canción "Walking in Space" comienza la secuencia, y la letra celebra la experiencia declarando "cómo se atreven a intentar acabar con esta belleza... en esta inmersión redescubrimos la sensación... nuestros ojos están abiertos, abiertos, abiertos, abiertos". De manera similar, en la canción 'Donna', Berger canta que 'estoy evolucionando a través de las drogas que dejaste'. En otro momento, Jeanie fuma marihuana y desestima las críticas a la 'marihuana'. En general, la tribu prefiere las bebidas alucinógenas o de "expansión de la mente" drogas, como el LSD y la marihuana, mientras que desaprueba otras drogas como la velocidad y los depresivos. Por ejemplo, Jeanie, después de revelar que está embarazada de un 'fanático de la velocidad', dice que 'la metadrina es una mala escena'. La canción "Hashish" proporciona una lista de productos farmacéuticos, tanto ilegales como legales, incluidos la cocaína, el alcohol, el LSD, el opio y la torazina, que se utiliza como antipsicótico.

Pacifismo y ambientalismo

El tema de la oposición a la guerra que impregna el programa está unificado por el hilo de la trama que avanza a lo largo del libro: el dilema moral de Claude sobre si quemar su tarjeta de reclutamiento. El pacifismo se explora a lo largo de la secuencia del viaje extendido en el Acto 2. La letra de 'Three-Five-Zero-Zero', que se canta durante esa secuencia, evoca los horrores de la guerra ('arrancada por explosión de metal"). La canción está basada en el poema de Allen Ginsberg de 1966, 'Wichita Vortex Sutra'. En el poema, el general Maxwell Taylor orgullosamente informa a la prensa el número de soldados enemigos asesinados en un mes, repitiéndolo dígito por dígito, para el efecto: 'Tres-Cinco-Cero-Cero'. La canción comienza con imágenes de muerte y moribundos y se convierte en un número de baile maníaco, haciéndose eco del júbilo de Maxwell al informar sobre las bajas enemigas, mientras la tribu canta "Tomen las armas y comiencen a matar". La canción también incluye la frase repetida 'Prisoners in niggertown/ It's a dirty little war'.

"No lo bajes" satiriza el patriotismo no examinado de las personas que están "locas por la bandera estadounidense". "Estar en (Hare Krishna)" elogia el movimiento por la paz y eventos como los Be-Ins de San Francisco y Central Park. A lo largo del espectáculo, la tribu corea consignas populares de protesta como '¿Qué queremos? ¡Paz! - ¿Cuándo lo queremos? ¡Ahora!" y "No ingrese al centro de inducción". La alegre canción, 'Let the Sun Shine In', es un llamado a la acción para rechazar la oscuridad de la guerra y cambiar el mundo para mejor.

Hair también apunta su sátira a la contaminación causada por la civilización. Jeanie aparece por una trampilla del escenario con una máscara antigás y luego canta la canción "Air": "Bienvenido, dióxido de azufre. Hola monóxido de carbono. El aire... está en todas partes". Ella sugiere que la contaminación eventualmente la matará, "vapor y humo en la piedra de mi tumba, respirando como un perfume hosco". En una vena cómica pro-verde, cuando Woof se presenta, explica que "cultiva cosas" como "remolachas, maíz... y guisantes dulces" y que "ama las flores y la pelusa y los árboles".

Religión y astrología

La religión, en particular el catolicismo, aparece tanto abierta como simbólicamente a lo largo de la pieza y, a menudo, se convierte en la peor parte de una broma. Berger canta sobre la búsqueda de 'mi Donna', dándole el doble significado de la mujer que está buscando y la Virgen. Durante "Sodomy", un himno como un himno a todo lo que es "sucio" sobre el sexo, el elenco incide en sugerentes posiciones religiosas: la Piedad y el Cristo en la cruz. Antes de la canción, Woof recita un rosario modificado. En el Acto II, cuando Berger da píldoras imaginarias a varias figuras famosas, ofrece 'una píldora para el Papa'. En 'Going Down', después de ser expulsado de la escuela, Berger se compara con Lucifer: 'Al igual que el ángel que cayó / Desterrado para siempre al infierno / Hoy he sido expulsado / Del cielo de la escuela secundaria." Claude se convierte en una figura clásica de Cristo en varios puntos del guión. En el Acto I, Claude entra y dice: "Yo soy el Hijo de Dios". Desapareceré y seré olvidado," luego da la bendición a la tribu y al público. Claude sufre de indecisión y, en su Getsemaní al final del Acto I, pregunta '¿Adónde voy?'. Hay alusiones textuales a que Claude está en una cruz y, al final, es elegido para dar su vida por los demás. Berger ha sido visto como una figura de Juan Bautista, preparando el camino para Claude.

Canciones como "Good Morning, Starshine" y "Acuario" reflejan el interés cultural de la década de 1960 en los conceptos astrológicos y cósmicos. 'Acuario' fue el resultado de la investigación de Rado sobre su propio signo astrológico. Se consultó a la astróloga de la compañía, Maria Crummere, sobre el reparto: Sheila solía ser interpretada por Libra o Capricornio y Berger por Leo, aunque Ragni, el Berger original, era Virgo. También se consultó a Crummere al decidir cuándo se estrenaría el espectáculo en Broadway y en otras ciudades. El Playbill de Broadway de 1971 informó que eligió el 29 de abril de 1968 para el estreno en Broadway. "El 29 fue auspicioso... porque la luna estaba alta, lo que indicaba que la gente asistiría en masa. La posición de los 'hacedores de historia' (Plutón, Urano, Júpiter) en la décima casa hicieron que el espectáculo fuera único, poderoso y lucrativo. Y el hecho de que Neptune estuviera en ascenso predijo que Hair desarrollaría una reputación relacionada con el sexo."

En México, donde Crummere no eligió la fecha de apertura, el gobierno cerró el espectáculo después de una noche. No estaba satisfecha con la fecha del estreno en Boston (donde los productores fueron demandados por el contenido del programa) y dijo: "Júpiter estará en oposición al travieso Saturno, y el programa comienza el mismo día del estreno". eclipse de sol. Terrible." Pero no había un momento astrológicamente seguro en el futuro cercano.

Temas literarios y simbolismo

Hair hace muchas referencias a las obras de Shakespeare, especialmente Romeo y Julieta y Hamlet, y, en ocasiones, toma lírica material directamente de Shakespeare. Por ejemplo, la letra de la canción "What a Piece of Work Is Man" son de Hamlet (II: escena 2) y partes de "Flesh Failures" ("el resto es silencio") son de las líneas finales de Hamlet. En "Flesh Failures/Let The Sun Shine In", la letra "Eyes, look your last!/ Arms, take your last hug! Y los labios, oh tú/ Las puertas del aliento, sellad con un beso justo" son de Romeo y Julieta (V: iii, 111–14). Según Miller, las imágenes del suicidio de Romeo señalan que, con nuestra complicidad en la guerra, nos estamos matando a nosotros mismos.

Simbólicamente, la trama continua de la indecisión de Claude, especialmente su resistencia a quemar su tarjeta de reclutamiento, lo que en última instancia provoca su desaparición, se ha visto como un paralelo a Hamlet: "el hippie melancólico". El simbolismo se traslada a la última escena, donde Claude aparece como un espíritu fantasmal entre sus amigos vistiendo un uniforme del ejército en un eco irónico de una escena anterior, donde dice: "Sé lo que quiero ser... invisibles. Según el director artístico de Public Theatre, Oskar Eustis, "Tanto [Hair como Hamlet] se centran en hombres idealistas y brillantes que luchan por encontrar su lugar en un mundo estropeado por la guerra, la violencia y la política venal. Ven tanto las posibilidades luminosas como las realidades más duras del ser humano. Al final, incapaces de combatir eficazmente el mal que los rodea, sucumben trágicamente."

Otras referencias literarias incluyen la canción "Three-Five-Zero-Zero", basada en el poema de Ginsberg "Wichita Vortex Sutra", y, en el viaje de drogas psicodélicas secuencia, el retrato de Scarlett O'Hara, de Lo que el viento se llevó, y el poeta activista afroamericano LeRoi Jones.

Drama

En su introducción al guión publicado de Viet Rock, Richard Schechner dice: "actuación, acción y evento son los términos clave de nuestro teatro, y estos términos no son literarios. " En la década de 1950, los teatros Off-off Broadway comenzaron a experimentar con papeles teatrales no tradicionales, desdibujando las líneas entre dramaturgo, director y actor. El trabajo del dramaturgo no era solo poner palabras en una página, sino crear una experiencia teatral basada en una idea central. Para 1967, teatros como The Living Theatre, La MaMa E.T.C. y The Open Theatre estaban ideando activamente obras de teatro a partir de escenas de improvisación elaboradas en el espacio de ensayo, en lugar de seguir un guión tradicional.

Rock vietnamita y cabello

El Viet Rock de Megan Terry se creó utilizando este proceso de improvisación. Las escenas en Viet Rock estaban conectadas de "maneras prelógicas": una escena podría construirse a partir de una tangente de la escena anterior, podría estar conectada psicológicamente o podría estar en contrapunto con la escena anterior. Se pidió a los actores que cambiaran de papel en medio de un espectáculo y, con frecuencia, en medio de la escena. En sus direcciones escénicas para una escena de una audiencia en el Senado en Viet Rock, Terry escribió: “Los actores deben turnarse para ser senadores y testigos; las transformaciones deben ser abruptas y totales. Cuando el actor termina con un personaje, se convierte en otro, o simplemente en actor."

Hair fue diseñado de la misma manera. Tom O'Horgan, el director del espectáculo en Broadway, estuvo íntimamente involucrado en el movimiento del teatro experimental. En la transición a Broadway, O'Horgan y los guionistas reorganizaron las escenas para aumentar los aspectos experimentales del espectáculo. Hair pide a sus actores que asuman varios personajes diferentes a lo largo de la obra y, como en el viaje psicodélico de Claude en el Acto 2, a veces durante la misma escena. Tanto Hair como Viet Rock incluyen música rock, tomada en gran medida de los medios de comunicación, y con frecuencia rompen la invisible "cuarta pared" para interactuar con la audiencia. Por ejemplo, en el número de apertura, la tribu se mezcla con los miembros de la audiencia y, al final del espectáculo, se invita a la audiencia al escenario.

Diseño de producción

En la producción original de Broadway, el escenario estaba completamente abierto, sin cortinas y el área de vuelo y la rejilla expuestas a la audiencia. El arco del proscenio se delineó con andamios listos para escalar. El set de repuesto de Wagner estaba pintado en tonos de gris con grafitis callejeros estampados en el escenario. El escenario estaba rastrillado y una torre de andamios abstractos en la parte trasera fusionaba un tótem de nativos americanos y una escultura moderna de un árbol en forma de crucifijo. Este andamio estaba decorado con objetos encontrados que el elenco había recogido de las calles de Nueva York. Estos incluían un conductor de autobús de papel maché de tamaño natural, la cabeza de Jesús y una marquesina de neón del cine Waverly en Greenwich Village. Potts' Los disfraces se basaron en la ropa de calle hippie, más teatral con colores y texturas mejorados. Algunos de estos incluyeron partes mixtas de uniformes militares, jeans acampanados con bordado ucraniano, camisetas teñidas con corbata y un abrigo con flecos rojo, blanco y azul. Las primeras producciones fueron principalmente reproducciones de este diseño básico.

Escena desnuda

"Se ha escrito mucho sobre esa escena... la mayor parte es tonta," escribió Gene Lees en Alta fidelidad. La escena se inspiró en dos hombres que se quitaron la ropa para enemistarse con la policía durante una reunión informal contra la guerra. Durante '¿Adónde voy?', el escenario estaba cubierto por una malla gigante, debajo de la cual se quitaban la ropa quienes elegían participar en la escena. En la señal musical, "ellos [estuvieron] desnudos e inmóviles, sus cuerpos bañados en la proyección de luz de patrones florales de Fisher". Cantan sobre 'cuentas, flores, libertad y felicidad.'" Duró sólo veinte segundos. De hecho, la escena sucedió tan rápido y estaba tan poco iluminada que incitó a Jack Benny, durante el intervalo en un preestreno en Londres, a bromear: "¿Te diste cuenta si alguno de ellos era judío?". Sin embargo, la escena provocó amenazas de censura e incluso reacciones violentas en algunos lugares. También se convirtió en pasto de las bromas de la cultura pop. Groucho Marx bromeó: "Iba a ir a verla, y luego llamé al teatro... Dijeron que las entradas costaban $11 cada una". Les dije que volvería a llamar, entré en mi baño, me quité toda la ropa y me miré en el espejo de cuerpo entero. Luego llamé al cine y dije: 'Olvídalo.'"

La desnudez era opcional para los artistas. El elenco francés fue "the nudest" de los grupos extranjeros, mientras que el elenco de Londres "encontró la desnudez como lo más difícil de lograr". El elenco sueco se mostró reacio a desvestirse, pero en Copenhague, la tribu pensó que la desnudez era demasiado mansa y decidió caminar desnuda de un lado a otro del pasillo durante el preludio del espectáculo. En algunas de las primeras representaciones, los alemanes representaban su escena detrás de una gran sábana con la etiqueta "CENSURADO". Natalie Mosco, miembro del elenco original de Broadway, dijo: "Al principio estaba completamente en contra de la escena del desnudo, pero recordé que mi maestro de actuación dijo que parte de la actuación es estar en privado en público". Así que lo hice." Según Melba Moore, "No significa nada excepto lo que tú quieres que signifique". Le damos mucho valor a la ropa... Es como muchas otras cosas por las que la gente se pone nerviosa." Donna Summer, que estaba en la producción alemana, dijo que "no pretendía ser sexual... Nos quedamos desnudas para comentar el hecho de que la sociedad hace más de la desnudez que de matar". Rado dijo que "al estar desnudo frente a una audiencia, estás desnudando tu alma". No solo el alma sino todo el cuerpo estaba siendo expuesto. Fue muy adecuado, muy honesto y casi necesario."

Música

En estas dos medidas de "Qué pedazo de trabajo es el hombre", las notas rojas indican una débil sílaba sobre un fuerte ritmo.

Después de estudiar la música de los bantúes en la Universidad de Ciudad del Cabo, MacDermot incorporó ritmos africanos en la partitura de Hair. Escuchó "lo que [los bantúes] llamaban quaylas... [que tienen un] ritmo muy característico, muy parecido al rock. Sin embargo, es mucho más profundo... Hair es muy africano: muchos [los] ritmos, no tanto las melodías." El acento de Quaylas late en sílabas inesperadas, y esta influencia se puede escuchar en canciones como "What a Piece of Work Is Man" y 'Ain't Got No Grass'. MacDermot dijo: "Mi idea era hacer un espectáculo de funk total". Dijeron que querían rock & roll, pero para mí eso se tradujo a 'funk.'" Ese funk es evidente en toda la partitura, especialmente en canciones como "Colored Spade" y 'Caminando en el espacio'.

MacDermot ha afirmado que las canciones "no pueden ser todas iguales". Tienes que conseguir diferentes estilos.... Me gusta pensar que todos son un poco diferentes." Como tal, la música de Hair abarca toda la gama del rock: desde la sensibilidad rockabilly de "Don't Put it Down" a los ritmos folk rock de "Frank Mills" y "Qué pedazo de trabajo es el hombre". "Fácil de ser duro" es puro ritmo y blues, y abundan los himnos del rock de protesta: "Ain't Got No" y 'Los fracasos de la carne'. El rock ácido de "Walking in Space" y "Acuario" se equilibran con el pop mainstream de "Good Morning Starshine". Scott Miller relaciona la música de Hair con los hippies' temas políticos: "Los hippies... estaban decididos a crear el arte de la gente y su forma de arte elegida, la música rock/folclórica era, por definición, populista.... [L]os hippies' la música a menudo estaba muy enfadada, su ira se dirigía a aquellos que prostituían la Constitución, que traicionaban a Estados Unidos, que traicionaban lo que representaba Estados Unidos; es decir, dirigida a sus padres y al gobierno." El historiador del teatro John Kenrick explica la aplicación de la música rock al medio del escenario:

El mismo sonido de rock duro que había conquistado el mundo de la música popular hizo su camino al escenario musical con dos éxitos simultáneos – Tu propio Thing [y] Cabello.... Esta explosión de proclamaciones revolucionarias, profanidad y roca dura sacudieron el teatro musical a sus raíces.... La mayoría de las personas en el negocio del teatro no estaban dispuestas a mirar Cabello como cualquier cosa más que un accidente ruidoso. Los votantes de Tony intentaron ignorar Pelo importancia, apagarlo de cualquier honor. Sin embargo, algunos insistían ahora en que era hora de un cambio. New York Times Clive Barnes criticó que Hair era "el primer musical de Broadway en algún tiempo para tener la voz auténtica de hoy en lugar del día anterior.

La música no resonó con todos. Leonard Bernstein comentó "las canciones son solo listas de lavandería" y salió de la producción. Richard Rodgers solo podía escuchar el ritmo y lo llamó "música de un tercio". John Fogerty dijo: "Hair es una versión tan diluida de lo que realmente está sucediendo que no puedo respaldarlo en absoluto." Gene Lees, escribiendo para High Fidelity, afirmó que John Lennon lo encontró "aburrido", y escribió: "No conozco a ningún músico que piense que es así". es bueno."

Canciones

La partitura tenía muchas más canciones de las típicas de los espectáculos de Broadway de la época. La mayoría de los espectáculos de Broadway tenían alrededor de seis a diez canciones por acto; El total de cabello está en los treinta. Esta lista refleja la alineación de Broadway más común.

El programa estuvo bajo reescritura casi perpetua. Se agregaron trece canciones entre la producción en el Public Theatre y Broadway, incluida 'I Believe in Love'. "El clímax" y "Callejón sin salida" fueron cortados entre las producciones, y "Exanaplanetooch" y 'Estás parado en mi cama' estuvieron presentes en avances pero cortados antes de Broadway. El discurso de Shakespeare "Qué obra de arte es un hombre" fue hablada originalmente por Claude y musicalizada por MacDermot para Broadway, y "Hashish" se formó a partir de un discurso temprano de Berger. Las producciones posteriores incluyen "Hello There", "Dead End" y "Hippie Life" – una canción escrita originalmente para la película que Rado incluyó en varias producciones en Europa en la década de 1990. El renacimiento de Broadway de 2009 incluyó la canción de diez segundos "Sheila Franklin" y 'O Great God of Power', dos canciones que fueron eliminadas de la producción original.

Grabaciones

La primera grabación de Hair se realizó en 1967 con el elenco fuera de Broadway. La grabación original del elenco de Broadway recibió un premio Grammy en 1969 a la mejor partitura de un álbum original de un programa de reparto y vendió casi 3 millones de copias en los EE. hacerlo (a partir de 2016). Permaneció en el número 1 durante 13 semanas en 1969. El álbum también alcanzó el puesto número 2 en Australia en 1970. The New York Times señaló en 2007 que "El álbum del elenco de El cabello era... imprescindible para las clases medias. Su exótica portada en naranja y verde se imprimió instantánea e indeleblemente en la psique.... [Se] convirtió en un clásico del pop-rock que, como todo buen pop, tiene un atractivo que trasciende los gustos particulares por género o período." En 2019, la Biblioteca del Congreso agregó el álbum original del elenco de Broadway al Registro Nacional de Grabaciones.

El álbum del elenco de London Revival de 1993 contiene música nueva que se incorporó a la versión de alquiler estándar. Un álbum de estudio de 1969, DisinHAIRited (RCA Victor LSO-1163), contiene las siguientes canciones que se escribieron para el programa pero que estuvieron en distintos escenarios. Algunas de las canciones se cortaron entre las producciones de Public y Broadway, algunas se quedaron fuera del álbum del elenco original debido al espacio y algunas nunca se interpretaron en el escenario.

Las canciones de Hair han sido grabadas por numerosos artistas, incluidas Shirley Bassey, Barbra Streisand y Diana Ross. "Buenos días Starshine" fue cantada en un episodio de 1969 de Sesame Street por el miembro del reparto Bob McGrath, y se han grabado versiones de artistas como Sarah Brightman, Petula Clark y Strawberry Alarm Clock. Artistas tan variados como Liza Minnelli y The Lemonheads han grabado 'Frank Mills', y Andrea McArdle, Jennifer Warnes y Sérgio Mendes han contribuido con versiones de 'Easy to Be Hard'. Hair también ayudó a lanzar las carreras discográficas de los artistas Meat Loaf, Dobie Gray, Jennifer Warnes, Jobriath, Bert Sommer, Ronnie Dyson, Donna Summer y Melba Moore, entre otros.

La puntuación de Hair también tuvo éxito en las listas. The 5th Dimension lanzó 'Aquarius/Let the Sunshine In' en 1969, que ganó Record of the Year en 1970 y encabezó las listas durante seis semanas. Los Cowsills' grabación de la canción principal "Hair" subió al número 2 en el Billboard Hot 100, mientras que la interpretación de Oliver de "Good Morning Starshine" alcanzó el número 3. La versión de Three Dog Night de "Easy to Be Hard" fue al No. 4. El popurrí de 1968 de Nina Simone de 'Ain't Got No / I Got Life' alcanzó el top 5 en las listas británicas. En 1970, ASCAP anunció que "Aquarius" se reprodujo con más frecuencia en la radio y la televisión de EE. UU. que cualquier otra canción ese año.

Producciones en Inglaterra, Alemania, Francia, Suecia, Japón, Israel, los Países Bajos, Australia y otros lugares lanzaron álbumes de reparto, y se han realizado más de 1000 interpretaciones vocales o instrumentales de canciones individuales de Hair. grabado. Se prestó tanta atención a las grabaciones de Hair que, después de una guerra de ofertas sin precedentes, ABC Records estuvo dispuesta a pagar una cantidad récord por la próxima adaptación de Broadway de MacDermot, Two Gentlemen of Verona . La grabación de revival de 2009, lanzada el 23 de junio, debutó en el número 1 en Billboard's "Top Cast Album" chart y en el puesto 63 en el Top 200, calificándolo como el álbum debut más alto en la historia de Ghostlight Records.

Recepción crítica

La recepción de Hair en su estreno en Broadway fue, con excepciones, abrumadoramente positiva. Clive Barnes escribió en el New York Times: "¿Qué tiene de agradable Hair... ? Creo que es simplemente que es tan agradable. Tan nuevo, tan fresco y tan sencillo, incluso en sus pretensiones." John J. O'Connor de The Wall Street Journal dijo que el espectáculo fue "exuberantemente desafiante y la producción explota en cada rincón y grieta del Teatro Biltmore". Richard Watts Jr. del New York Post escribió que "tiene un encanto sorprendente, aunque quizás involuntario, su buen humor es contagioso y su entusiasmo juvenil hace que sea difícil de resistir".;

Las críticas de televisión fueron aún más entusiastas. Allan Jeffreys de ABC dijo que los actores eran 'los hippies más talentosos que jamás hayas visto... dirigidos de una manera maravillosamente salvaje por Tom O'Horgan'. Leonard Probst de NBC dijo que "Hair es el único concepto nuevo en musicales de Broadway en años y es más divertido que cualquier otro esta temporada". John Wingate de WOR TV elogió la 'partitura dinámica' de MacDermot. que 'explota y se eleva', y Len Harris de CBS dijo 'Finalmente encontré el mejor musical de la temporada de Broadway... es así de descuidado, vulgar, fantástico tribal amor rock musical Hair."

Un crítico de Variety, por otro lado, llamó al programa "loco" y "sin historia, forma, música, baile, belleza o arte.... Es imposible saber si [el elenco tiene] talento. Tal vez el talento sea irrelevante en este nuevo tipo de espectáculo." Las reseñas en los semanarios de noticias fueron mixtas; Jack Kroll en Newsweek escribió: "No se puede negar el puro impulso cinético de este nuevo Hair... hay algo duro, atractivo, ligeramente corrupto en O& #39;El virtuosismo de Horgan, como si Busby Berkeley se volviera perra." Pero un crítico de Time escribió que, aunque el espectáculo "vibra con vitalidad [está] paralizado por ser un musical sin libros y, como un pez sin espinas, flota cuando debería nadar". 34;

Las reseñas fueron variadas cuando Hair abrió en Londres. Irving Wardle en The Times escribió: "Su honestidad y pasión le dan la calidad de una verdadera celebración teatral: el sonido alegre de un grupo de personas que le dice al mundo exactamente lo que siente". 34; En el Financial Times, B. A. Young estuvo de acuerdo en que Hair fue "no solo una velada tremendamente agradable, sino completamente moral." Sin embargo, en su revisión final antes de retirarse después de 48 años, W. A. Darlington, de 78 años, de The Daily Telegraph escribió que se había 'intentado mucho', pero encontró la noche " 34;un completo aburrimiento: ruidoso, feo y desesperadamente divertido".

En reconocimiento a los críticos del programa, Scott Miller escribió en 2001 que "algunas personas no pueden ver más allá de la apariencia de caos y aleatoriedad de la construcción brillante y las imágenes sofisticadas que hay debajo". Miller señala: "No solo muchas de las letras no rimaban, sino que muchas de las canciones realmente no tenían finales, solo disminuían la velocidad y se detenían, por lo que el público no sabía cuándo aplaudir"..... El espectáculo rechazó todas las convenciones de Broadway, del teatro tradicional en general y del musical estadounidense en particular. Y fue brillante."

Premios y nominaciones

Producción original de Broadway

Resurgimiento de Broadway en 2009

Cambio social

Pelo desafió muchas de las normas sostenidas por la sociedad occidental en 1968. El nombre en sí, inspirado en el nombre de una pintura de Jim Dine que representaba un peine y algunos mechones de cabello, fue una reacción a las restricciones de la civilización y el consumismo y una preferencia por el naturalismo. Rado recuerda que el cabello largo 'era una forma visible de conciencia en la expansión de la conciencia. Cuanto más largo se ponía el cabello, más expansiva era la mente. El cabello largo fue impactante, y fue un acto revolucionario dejar crecer el cabello largo. Era una especie de bandera, de verdad."

El musical causó controversia cuando se presentó por primera vez. El final del Acto I fue la primera vez que un espectáculo de Broadway vio actores y actrices totalmente desnudos, y el espectáculo fue acusado de la profanación de la bandera estadounidense y el uso de lenguaje obsceno. Estas controversias, además del tema contra la guerra de Vietnam, atrajeron amenazas ocasionales y actos de violencia durante los primeros años del programa y se convirtieron en la base de acciones legales tanto cuando el programa se estrenó en otras ciudades como durante la gira. Finalmente, dos casos llegaron a la Corte Suprema de los Estados Unidos.

Desafíos legales y reacciones violentas

La compañía de gira de Hair encontró resistencia en todo Estados Unidos. En South Bend, Indiana, el Auditorio Cívico de Morris rechazó la reserva, y en Evansville, Indiana, varios grupos religiosos protestaron contra la producción. En Indianápolis, Indiana, los productores tuvieron dificultades para asegurar un teatro y las autoridades de la ciudad sugirieron que el elenco usara medias corporales como compromiso con la ordenanza de la ciudad que prohíbe la desnudez pública. Las producciones se enfrentaron con frecuencia al cierre de los teatros por parte del jefe de bomberos, como en Gladewater, Texas. La negativa de Chattanooga en 1972 de permitir que la obra se mostrara en el Memorial Auditorium, propiedad de la ciudad, fue posteriormente declarada por la Corte Suprema de los Estados Unidos como una restricción previa ilegal.

Las impugnaciones legales contra la producción de Boston se apelaron ante la Corte Suprema de EE. UU. El Jefe de la Oficina de Licencias se opuso a la representación de la bandera estadounidense en el artículo y dijo: "Cualquiera que profane la bandera debe ser azotado en Boston Common". Aunque la escena se eliminó antes de la apertura, la oficina del fiscal del distrito comenzó planes para detener el espectáculo, alegando que "lascivo y lascivo" las acciones se desarrollaban en el escenario. El equipo legal de Hair obtuvo una orden judicial contra el enjuiciamiento penal del Tribunal Superior, y el D.A. apeló ante el Tribunal Judicial Supremo de Massachusetts. A pedido de ambas partes, varios de los jueces vieron la producción y dictaron un fallo de que "cada miembro del elenco [debe] estar vestido de manera razonable". El elenco interpretó desafiantemente la escena desnudo más tarde esa noche, afirmando que el fallo era vago en cuanto a cuándo entraría en vigencia. Al día siguiente, 10 de abril de 1970, cerró la producción y los cines, temiendo la regla sobre la desnudez, comenzaron a eliminar escenas de las películas en su exhibición. Después de que el tribunal federal de apelaciones revocara el fallo de la corte de Massachusetts, el D.A. apeló el caso ante la Corte Suprema de los Estados Unidos. En una decisión de 4 a 4, el tribunal confirmó la decisión del tribunal inferior y permitió que Hair reabriera el 22 de mayo.

En abril de 1971, se arrojó una bomba contra el exterior de un teatro en Cleveland, Ohio, que había albergado una producción, rebotó en la marquesina y rompió las ventanas del edificio y de las tiendas cercanas. Ese mismo mes, las familias del miembro del reparto Jonathon Johnson y el director de escena Rusty Carlson murieron en un incendio en el hotel de Cleveland donde se habían alojado 33 miembros de la compañía del espectáculo. La noche de estreno de la producción de Sydney, Australia, fue interrumpida por una amenaza de bomba en junio de 1969.

Reacciones en todo el mundo

Las reacciones locales al controvertido material variaron mucho. La gran población hippie de San Francisco consideró el espectáculo como una extensión de las actividades callejeras allí, a menudo desdibujando la barrera entre el arte y la vida meditando con el elenco y encontrándose con frecuencia en el escenario durante el espectáculo. Se vio a la princesa Ana de 18 años bailando en el escenario de Londres, y en Washington DC asistió Henry Kissinger. En St. Paul, Minnesota, un clérigo que protestaba lanzó 18 ratones blancos en el vestíbulo con la esperanza de asustar a la audiencia. El capitán Jim Lovell y Jack Swigert, después de llamar al módulo lunar del Apolo 13 'Acuario' después de la canción, abandonó la producción en el Biltmore en protesta por el antiamericanismo percibido y la falta de respeto a la bandera.

Una producción de Acapulco, México de Hair, dirigida por Castelli, se presentó en 1969 por una noche. Después de la función, el teatro, ubicado al otro lado de la calle de un popular burdel local, fue cerrado con candado por el gobierno, que dijo que la producción era "perjudicial para la moral de la juventud". El elenco fue arrestado poco después de la actuación y llevado a Inmigración, donde acordaron salir del país, pero debido a complicaciones legales se vieron obligados a esconderse. Fueron expulsados de México días después.

Hair marcó efectivamente el fin de la censura escénica en el Reino Unido. El censor escénico de Londres, Lord Chamberlain, originalmente se negó a otorgar la licencia para el musical, y la inauguración se retrasó hasta que el Parlamento aprobó un proyecto de ley que lo despojaba de su poder de otorgamiento de licencias. En Munich, las autoridades amenazaron con cerrar la producción si permanecía la escena del desnudo; sin embargo, después de que un portavoz local de Hair declarara que sus familiares habían sido llevados desnudos a Auschwitz, las autoridades cedieron. En Bergen, Noruega, los ciudadanos locales formaron una barricada humana para intentar impedir la actuación.

La producción parisina encontró poca controversia, y el elenco se desvistió para la escena de desnudos "casi religiosamente" según Castelli, la desnudez es común en el escenario de París. Sin embargo, incluso en París hubo oposición ocasional, como cuando un miembro del Ejército de Salvación local usó un altavoz portátil para exhortar a la audiencia a detener la presentación.

Producciones posteriores

Década de 1970

Un renacimiento de Broadway de Hair se inauguró en 1977 con una serie de 43 representaciones. Fue producido por Butler, dirigido por O'Horgan y presentado en el Teatro Biltmore, donde se había presentado la producción original de Broadway. El elenco incluía a Ellen Foley, Annie Golden, Loretta Devine, Cleavant Derricks y Kristen Vigard. El recién llegado Peter Gallagher dejó el conjunto durante los avances para asumir el papel de Danny Zuko en una gira de Grease. Las críticas fueron en general negativas y los críticos acusaron a la producción de "mostrar su gris". Pocos renacimientos importantes de Hair siguieron hasta principios de la década de 1990.

Décadas de 1980 y 1990

En mayo de 1988 se llevó a cabo un concierto del vigésimo aniversario en la Asamblea General de las Naciones Unidas en beneficio de los niños con sida. El evento fue patrocinado por la Primera Dama Nancy Reagan con Barbara Walters dando la introducción de apertura de la noche. Rado, Ragni y MacDermot se reunieron para escribir nueve canciones nuevas para el concierto. El elenco de 163 actores incluía a ex estrellas de varias producciones de todo el mundo: Moore, Vereen, Williams y Summer, así como a los artistas invitados Bea Arthur, Frank Stallone y la Dra. Ruth Westheimer. Los precios de las entradas oscilaron entre $ 250 y $ 5,000 y las ganancias se destinaron al Comité pro UNICEF de los Estados Unidos y al Fondo para niños con sida de Creo Society.

Una producción de 1985 de Hair montada en Montreal fue, según se informa, la producción profesional número 70 del musical. En noviembre de 1988, Michael Butler produjo Hair en el Teatro Vic de Chicago para celebrar los espectáculos. 20 aniversario. La producción fue bien recibida y funcionó hasta febrero de 1989. De 1990 a 1991, Pink Lace Productions realizó una gira nacional de Hair en los Estados Unidos que incluyó paradas en Carolina del Sur, Georgia, Tennessee y Kentucky. Después de la muerte de Ragni en 1991, MacDermot y Rado continuaron escribiendo nuevas canciones para los avivamientos durante la década de 1990. Hair Sarajevo, 1992 dC se representó durante el asedio de Sarajevo como un llamamiento a la paz. Rado dirigió una gira nacional de 11 ciudades de $ 1 millón en 1994 que contó con el actor Luther Creek. Con MacDermot regresando para supervisar la música, la gira de Rado celebró el 25 aniversario del espectáculo. Un pequeño "autobús y camión" de 1990 La producción de Hair estuvo de gira por Europa durante más de 3 años y Rado dirigió varias producciones europeas entre 1995 y 1999.

Se estrenó una producción en Australia en 1992 y una efímera reposición en Londres protagonizada por John Barrowman y Paul Hipp se estrenó en el Old Vic de Londres en 1993, dirigida por Michael Bogdanov. Si bien la producción de Londres fue fiel al original, un miembro del personal de producción dijo que la razón por la que "fracasó" fue porque la tribu estaba formada por 'los hijos de Thatcher que realmente no lo entendían'. Se montaron otras producciones en todo el mundo, incluida Sudáfrica, donde el espectáculo había estado prohibido hasta la erradicación del apartheid. En 1996, Butler trajo una producción de un mes a Chicago, empleando el Pacific Musical Theatre, una compañía profesional residente en la Universidad Estatal de California, Fullerton. Butler dirigió el espectáculo al mismo tiempo que la Convención Nacional Demócrata de 1996, haciéndose eco de la última vez que el DNC estuvo en Chicago: 1968. Se representó una producción Off-Off Broadway del 30 aniversario en Third Eye Repertory. Fue dirigida por Shawn Rozsa.

Años 2000 y 2010

En 2001, ¡Reprise! La compañía de teatro de Los Ángeles interpretó Hair en el Teatro Wadsworth, protagonizada por Steven Weber como Berger, Sam Harris como Claude y Jennifer Leigh Warren como Sheila. Ese mismo año, Encores! Great American Musicals in Concert finalizó su temporada 2001 en el City Center con una producción de Hair protagonizada por Luther Creek, Idina Menzel y Tom Plotkin, y con la participación del compositor de Hair Galt MacDermot. en el escenario tocando los teclados. Un Actors' La función benéfica del espectáculo se realizó durante una noche en el New Amsterdam Theatre de la ciudad de Nueva York en 2004. La tribu incluyó a Shoshana Bean, Raúl Esparza, Jim J. Bullock, Liz Callaway, Gavin Creel, Eden Espinosa, Harvey Fierstein, Ana Gasteyer, Annie Golden, Jennifer Hudson, Julia Murney, Jai Rodríguez, RuPaul, Michael McKean, Laura Benanti y Adam Pascal.

En 2005, se estrenó una producción londinense en el Gate Theatre, dirigida por Daniel Kramer. James Rado aprobó una actualización del guión del musical para ubicarlo en el contexto de la Guerra de Irak en lugar de la Guerra de Vietnam. La interpretación modernizada de Kramer incluía 'Aquarius' cantada con megáfono en Times Square, y desnudez que recordaba imágenes de Abu Ghraib. En marzo de 2006, Rado colaboró con el director Robert Prior para una producción de CanStage de Hair en Toronto, y una reposición producida por Pieter Toerien realizó una gira por Sudáfrica en 2007. Dirigida por Paul Warwick Griffin, con coreografía de Timothy Le Roux, el espectáculo se presentó en el Montecasino Theatre de Johannesburgo y en el Theatre on the Bay de Ciudad del Cabo. Una función de dos semanas presentada en el Teatro Tapia en el Viejo San Juan, Puerto Rico, en marzo de 2010, dirigida por Yinoelle Colón.

Michael Butler produjo Hair en el MET Theatre de Los Ángeles del 14 de septiembre al 30 de diciembre de 2007. El espectáculo fue dirigido y coreografiado por Bo Crowell, con la dirección musical de Christian Nesmith (hijo de Michael Nesmith). La producción de Butler de Hair ganó el Premio LA Weekly Theatre al Musical del Año.

Durante tres noches en septiembre de 2007, Joe's Pub and the Public Theatre presentó una producción del 40.° aniversario de Hair en el Teatro Delacorte en Central Park. Esta versión de concierto, dirigida por Diane Paulus, presentó a Jonathan Groff como Claude y Galt MacDermot en el escenario en los teclados. El elenco también incluyó a Karen Olivo como Sheila y Will Swenson como Berger. Los actores de la producción original de Broadway se unieron al elenco en el escenario durante el bis de 'Let the Sun Shine In'. La demanda del espectáculo fue abrumadora, ya que las largas filas y las esperas nocturnas para las entradas superaron con creces las de otras producciones de Delacorte, como Mother Courage and Her Children, protagonizada por Meryl Streep y Kevin Kline.

Nueve meses después, The Public Theatre presentó una producción completamente escenificada de Hair en el Delacorte en una edición limitada del 22 de julio de 2008 al 14 de septiembre de 2008. Paulus dirigió nuevamente, con coreografía de Carole Armitage. Groff y Swenson regresaron como Claude y Berger, junto con otros integrantes del elenco del concierto. Caren Lyn Manuel interpretó a Sheila, y Christopher J. Hanke reemplazó a Groff como Claude el 17 de agosto. Las críticas fueron en general positivas, con Ben Brantley de The New York Times escribiendo que "esta producción establece el espectáculo como algo más que una pieza de época vivaz. El cabello, parece, tiene raíces más profundas de lo que nadie recuerda". La revista Time escribió: "Hair... ha sido revigorizado y reclamado como uno de los grandes hitos en la historia del teatro musical... Hoy El cabello parece, si cabe, más atrevido que nunca."

Resurgimiento de Broadway en 2009 y gira nacional de EE. UU. en 2010

La producción de Public Theatre se transfirió a Broadway en el Al Hirschfeld Theatre, comenzando los avances el 6 de marzo de 2009, con una inauguración oficial el 31 de marzo de 2009. Paulus y Armitage nuevamente dirigieron y coreografiaron, y la mayoría del elenco regresó del producción en el parque. Todas las noches se llevó a cabo una lotería de boletos previa a la función por boletos de palco de $ 25. El elenco de apertura incluyó a Gavin Creel como Claude, Will Swenson como Berger, Caissie Levy como Sheila, Megan Lawrence como Madre y Sasha Allen como Dionne. Los diseñadores incluyeron a Scott Pask (escenografía), Michael McDonald (vestuario) y Kevin Adams (iluminación).

La respuesta crítica fue casi uniformemente positiva. El titular del New York Daily News proclamó "Hair Revival's High Fun". La reseña elogió la dirección atrevida, "coloridamente cinética" la coreografía y los logros técnicos del espectáculo, especialmente la iluminación, comentando que "como una celebración de la vida y la libertad que provoca una sonrisa, [Hair es] altamente comunicable"; pero advertencia: "Si estás sentado en el pasillo, cuenta con [el elenco] para estar en tu cara o en tu regazo o... trenzando tus trenzas". El New York Post escribió que la producción "ha salido triunfante... En estos días, la nación está menos obsesionada con la guerra y más con la economía. Como resultado, las escenas que más resuenan son aquellas en las que los niños rechazan con entusiasmo la carrera de ratas." Variedad entusiasmada, "la directora Diane Paulus y su prodigiosamente talentoso elenco se conectan con el material de maneras que llegan directamente al corazón del musical de rock de 1967, generando una tremenda energía que se irradia a las vigas.... Lo que podría haber sido mera nostalgia se convierte en un acontecimiento de inmersión total.... Si esta explosiva producción no despierta algo en ti, puede que sea el momento de tomarte el pulso." The Boston Globe disintió y dijo que la producción "se sintió enlatada" y "exagerado" y que el revival "se siente insoportablemente ingenuo e imperdonablemente simplista". Sin embargo, Ben Brantley, que escribe para The New York Times, reflejó la mayoría y entregó una crítica entusiasta:

Tras mudarse a Broadway desde el Teatro Delacorte... los jóvenes miembros del reparto... no muestran señales de ser domesticados. Al contrario, están derribando la casa... Este avivamiento emocionalmente rico... entrega lo que Broadway de otra manera no ha sentido esta temporada: la intensa y no adulterada alegría y angustia de ese estado bipolar llamado juventud.... La feliz coreografía hippie de Karole Armitage, con sus gropes de grupo y su armadura de masas, parece como si se estuviera inventando en el lugar. Pero hay forma inteligente dentro de la aparente falta de forma... [Paulus encuentra] profundidades de carácter y sentimiento en [el show de 1968 sobre niños] asustado de cómo el futuro va a cambiarlos y de no saber lo que viene después.... Cada miembro del conjunto aparece como un individuo... Después del espectáculo no pude dejar de pensar en lo que le pasaría a [los personajes]. La música del Sr. MacDermot, que siempre tenía más pop que ácido, se mantiene bellamente, dada la vida infecciosa de la banda en escena y las voces mezcladas con sabor del yeso.

El Teatro Público tuvo problemas para recaudar los 5,5 millones de dólares presupuestados para la transferencia de Broadway debido a la gravedad de la recesión económica de finales de 2008, pero logró su objetivo al incorporar nuevos socios productores. La directora Diane Paulus ayudó a mantener los costos bajos usando un decorado económico. El espectáculo recaudó $ 822,889 saludables en su segunda semana. El 30 de abril de 2009, en el Late Show with David Letterman, el elenco recreó una actuación en el mismo escenario del Teatro Ed Sullivan de la tribu original. La producción ganó el premio Tony a la mejor reposición de un musical, el premio Drama Desk a la reposición destacada de un musical y el premio Drama League a la reposición distinguida de un musical. Para agosto de 2009, el renacimiento había recuperado toda su inversión de $ 5,760,000, convirtiéndose en uno de los musicales de recuperación más rápida en la historia de Broadway. Su álbum de reparto fue nominado para el premio Grammy 2010 al Mejor Álbum de Espectáculo Musical.

Cuando el elenco de Broadway se trasladó a Londres para el renacimiento del West-End de 2010, una tribu en su mayoría nueva se hizo cargo de Broadway el 9 de marzo de 2010, incluidos los ex finalistas de American Idol Ace Young como Berger y Diana. DeGarmo como Sheila. Kyle Riabko asumió el papel de Claude, Annaleigh Ashford interpretó a Jeanie y Vanessa Ray fue Chrissie. Rachel Bay Jones luego interpretó a Mother y otros papeles. Las ventas disminuyeron después de que el elenco original se transfirió a Londres y el renacimiento cerró el 27 de junio de 2010, después de 29 avances y 519 funciones regulares.

El 21 de octubre de 2010 comenzó una gira nacional estadounidense de la producción. Los directores incluyeron a Steel Burkhardt como Berger, Paris Remillard como Claude y Caren Lyn Tackett como Sheila. La gira recibió críticas en su mayoría positivas. El espectáculo regresó a Broadway para un compromiso en el St. James Theatre del 5 de julio al 10 de septiembre de 2011. Después de esa parada, se reanudó la gira. La gira terminó el 29 de enero de 2012.

Renacimiento del West End 2010

La producción de Broadway de 2009 fue duplicada en el Teatro Gielgud en el West End de Londres. Las vistas previas comenzaron el 1 de abril de 2010, con una inauguración oficial el 14 de abril. Los productores fueron Public Theatre, junto con Cameron Mackintosh y Broadway Across America. Casi todo el elenco de Nueva York se mudó a Londres, pero Luther Creek interpretó a Woof. El renacimiento de Londres cerró el 4 de septiembre de 2010.

La producción recibió críticas en su mayoría entusiastas. Michael Billington de The Guardian lo describió como "una pieza de teatro viva alegre y vibrante", y escribió: "celebra un período en el que la alegría de vivir se enfrentaba a la fuerzas de intolerancia y el poder mortífero del complejo militar-industrial. Como dijo una vez Shakespeare: "Todavía no hay savia". Charles Spencer en The Daily Telegraph estuvo de acuerdo: "Esta es una reactivación oportuna e irresistiblemente vital del más grande de todos los musicales de rock... El entusiasmo y la energía de la compañía... es irresistible".." Michael Coveney de The Independent escribió que Hair es "uno de los grandes musicales de todos los tiempos y un fenómeno que, estoy aliviado de descubrir, se erige como una pieza de época". En The Times, Benedict Nightingale comentó que "es emocionante, así como extrañamente conmovedor, cuando un elenco multicolor vestido con todo, desde ondulantes caftanes hasta chaquetas del ejército ruritano, corre por el escenario mientras entrega ese melodioso saludo a una era de Acuario que todavía se niega a amanecer."

Boletín de Hollywood 2014

En agosto de 2014, la versión de Broadway de 2009 regresó para un compromiso de tres noches en el Hollywood Bowl. Dirigida por Adam Shankman, el elenco incluía a Kristen Bell como Sheila, Hunter Parrish como Claude, Benjamin Walker como Berger, Amber Riley como Dionne, Jenna Ushkowitz como Jeanie, Sarah Hyland como Crissy, Mario como Hud y Beverly D'Angelo y Kevin Chamberlin como los padres de Claude.

Producción del 50 aniversario del Reino Unido y gira nacional 2019

Una producción de 2016 en Manchester, Inglaterra, en el Teatro Hope Mill, dirigida por Jonathan O'Boyle y coreografiada por William Whelton, protagonizada por Robert Metson como Claude, Laura Johnson como Sheila y Ryan Anderson como Berger, obtuvo críticas positivas.. En 2017, el 50 aniversario del musical, la puesta en escena se repitió en el Off West-End en el teatro The Vaults de Londres, con Metson y Johnson repitiendo sus papeles y Andy Coxon como Berger. La producción ganó el premio WhatsOnStage a la mejor producción del Off-West End. En marzo de 2019 comenzó una gira nacional por el Reino Unido de la producción, protagonizada por Jake Quickenden como Berger, Daisy Wood-Davis como Sheila, Paul Wilkins como Claude y Marcus Collins como Hud.

Éxito internacional

Bill Öhrström y 1968 compañeros suecos cantan Cabello canciones (Stockholm 2015).

Hair se ha realizado en la mayoría de los países del mundo. Después de la caída del Muro de Berlín, el espectáculo viajó por primera vez a Polonia, Líbano, República Checa y Sarajevo (presentado en Nightline de ABC con Ted Koppel, cuando Phil Alden Robinson visitó esa ciudad en 1996 y descubrió una producción de Cabello allá en medio de la guerra). En 1999, Michael Butler y el director Bo Crowell ayudaron a producir Hair en Rusia en el Teatro Stas Namin ubicado en el Parque Gorky de Moscú. La producción de Moscú provocó una reacción similar a la original 30 años antes porque los soldados rusos estaban luchando en Chechenia en ese momento.

Rado escribió en 2003 que los únicos lugares donde no se había presentado el espectáculo eran "China, India, Vietnam, los continentes ártico y antártico, así como la mayoría de los países africanos". Desde entonces, se ha montado una producción india.

Adaptaciones

Película

En 1979 se estrenó una adaptación cinematográfica musical del mismo nombre. Dirigida por Miloš Forman con coreografía de Twyla Tharp y guión de Michael Weller, la película está protagonizada por John Savage, Treat Williams y Beverly D'Angelo, con Golden, Melba Moore, Dyson, Foley, Dorsey Wright, Don Dacus, Nell Carter y Cheryl Barnes. Fue nominada a dos Globos de Oro: Mejor Película - Musical o Comedia, y Nueva Estrella del Año en una Película (para Williams), y Forman fue nominada a un Premio César.

Se eliminaron varias canciones y la historia de la película se aparta significativamente del musical. El personaje de Claude se reescribe como un recluta inocente de Oklahoma, recién llegado a Nueva York para unirse al ejército, y Sheila es una debutante de la alta sociedad que llama su atención. Quizás en la mayor distracción, un error lleva a Berger a ir a Vietnam en lugar de Claude, donde es asesinado. Si bien la película recibió críticas generalmente positivas, Ragni y Rado dijeron que no logró capturar la esencia de Hair al retratar a los hippies como "chiflados" sin ninguna conexión con el movimiento por la paz.

Impacto cultural

Cultura popular

The New York Times señaló, en 2007, que "Hair fue uno de los últimos musicales de Broadway en saturar la cultura como espectáculos de la edad de oro una vez lo hacía regularmente." Las canciones del programa continúan siendo grabadas por artistas importantes. En la década de 1990, el grupo de Evan Dando, The Lemonheads, grabó "Frank Mills" para su álbum de 1992 It's a Shame About Ray, y Run DMC sampleó "Where Do I Go" por su sencillo de 1993 "Down With the King" que llegó al número 1 en las listas de rap Billboard y alcanzó el top 25 en la lista Hot 100 de Billboard. En 2004, 'Aquarius', de la versión cinematográfica de 1979, fue honrada con el puesto 33 en 100 Years... 100 Songs de AFI.

Butler (front) y Rado (después Butler, en camiseta negra y gorra) con un 2006 Cabello fundición en Red Bank, New Jersey

Las canciones del musical han aparecido en películas y episodios de televisión. Por ejemplo, en la película de 2005 Charlie and the Chocolate Factory, el personaje Willy Wonka dio la bienvenida a los niños con la letra de "Good Morning Starshine". 'Acuario' se interpretó en el episodio final de Laverne and Shirley en 1983, donde el personaje Carmine se muda a la ciudad de Nueva York para convertirse en actor y hace audiciones para Hair. "Acuario/Que entre el sol" también se interpretó en la escena final de la película The 40-Year-Old Virgin, y la grabación de Three Dog Night de "Easy to Be Hard" apareció en la primera parte de la película Zodiac de David Fincher. En el episodio de Simpsons "The Springfield Files", la gente del pueblo, Leonard Nimoy, Chewbacca, Dana Scully y Fox Mulder cantan "Good Morning Starshine". El episodio "Hairography" del programa Glee incluye una mezcla muy criticada de las canciones "Hair" y 'Locos de amor' de Beyoncé. Además, Head of the Class presentó un episodio de dos partes en 1990 en el que el director del departamento de inglés está decidido a interrumpir el desempeño de Hair en la escuela. La continua popularidad de Hair se ve en su puesto número diez en una encuesta de oyentes de BBC Radio 2 de 2006 sobre los musicales esenciales número uno de [Reino Unido].

Debido a la universalidad de su tema pacifista, Hair sigue siendo una opción popular para producciones universitarias y de escuelas secundarias. Las producciones amateur de Hair también son populares en todo el mundo. En 2002, Peter Jennings presentó una producción de la escuela secundaria de Boulder, Colorado, de Hair para su serie documental de ABC In Search of America. Una producción de teatro comunitario de septiembre de 2006 en el Teatro Count Basie de 2000 asientos en Red Bank, Nueva Jersey, fue elogiada por el productor original Michael Butler, quien dijo que era "uno de los mejores Hairs". He visto en mucho tiempo." Otro ejemplo de una producción amateur reciente a gran escala es la producción Mountain Play en el Anfiteatro Cushing Memorial de 4000 asientos en el Parque Estatal Mount Tamalpais en Mill Valley, California, en la primavera de 2007.

Legado

Hair fue el "primero totalmente realizado" de Broadway. concepto musical, una forma que dominó el teatro musical de los setenta, incluyendo espectáculos como Company, Follies, Pacific Overtures y A Chorus Línea. Si bien el desarrollo del concepto musical fue una consecuencia inesperada de la tenencia de Hair's en Broadway, la esperada revolución de la música rock en Broadway resultó ser menos que completa.

MacDermot siguió a Hair con tres partituras de rock sucesivas: Two Gentlemen of Verona (1971); Dude (1972), una segunda colaboración con Ragni; y Vía Galáctica (1972). Mientras que Two Gentlemen of Verona encontró audiencias receptivas y un Tony al mejor musical, Dude fracasó después de solo dieciséis funciones y Via Galactica fracasó después de un mes.. Según Horn, estos y otros "fracasos pueden haber sido el resultado de que los productores simplemente confiaron en la etiqueta 'rock musical' para atraer audiencias sin tener en cuenta la calidad del material presentado". Jesus Christ Superstar (1970) y Godspell (1971) fueron dos éxitos del género con temática religiosa. Grease (1971) volvió a los sonidos del rock de la década de 1950, y los musicales de temática negra como The Wiz (1975) estaban fuertemente influenciados por la música gospel, R&B y soul.. A fines de la década de 1970, el género se había agotado. Excepto por algunos puestos avanzados del rock, como Dreamgirls (1981) y Little Shop of Horrors (1982), los gustos del público en la década de 1980 se volcaron hacia los megamusicales con partituras pop, como < i>Los miserables (1985) y El fantasma de la ópera (1986). Algunos musicales de rock posteriores, como Rent (1996) y Spring Awakening (2006), así como musicales de máquina de discos con música rock, como We Will Rock You< /i> (2002) y Rock of Ages (2009), han tenido éxito. Pero el musical de rock no llegó rápidamente a dominar el escenario del teatro musical después de Hair. El crítico Clive Barnes comentó: "Realmente no había musicales de rock". Ningún gran músico de rock compuso jamás una partitura de rock para Broadway... Podrías pensar en el musical Tommy, pero nunca se concibió como un espectáculo de Broadway... Y uno puede ver por qué. Hay mucho más dinero en discos y conciertos de rock. Quiero decir, ¿por qué molestarse en pasar por el dolor de un musical que puede terminar en Filadelfia?

Por otro lado, Hair tuvo un profundo efecto no solo en lo que era aceptable en Broadway, sino como parte de los mismos movimientos sociales que celebraba. Por ejemplo, en 1970, Butler, Castelli y los diversos actores de Hair contribuyeron a recaudar fondos para la Asamblea Mundial de la Juventud, una organización patrocinada por las Naciones Unidas formada en relación con la celebración del 25.° aniversario de la Organización de las Naciones Unidas.. La Asamblea permitió que 750 jóvenes representantes de todo el mundo se reunieran en Nueva York en julio de 1970 para discutir temas sociales. Durante aproximadamente una semana, los miembros del elenco de todo el mundo recolectaron donaciones en cada espectáculo para el fondo. Hair recaudó alrededor de $250.000 y terminó siendo el principal financista de la Asamblea. Los miembros del elenco y el equipo también contribuyeron con la paga de un día, y Butler contribuyó con las ganancias de un día de estas producciones. Además, como señaló Ellen Stewart, fundadora de La MaMa:

Cabello vino con vaqueros azules, ropa cómoda, colores, hermosos colores, sonidos, movimiento.... Y puedes ir a ATENTT y ver a una secretaria hoy, y ella tiene pantalones azules... Puedes ir donde quieras, y lo que quieras. Cabello lo hizo, todavía está haciendo 20 años después... Una especie de emancipación, una emancipación espiritual que vino de la puesta en escena de [O'Horgan]... Cabello hasta que esta fecha haya influenciado cada cosa que usted ve en Broadway, fuera de la carretera, fuera de la carretera, en cualquier lugar del mundo, usted verá elementos de las técnicas experimentales que Cabello trajo no sólo a Broadway, sino al mundo entero.