Buster keaton

José Frank "Buster" Keaton (4 de octubre de 1895 - 1 de febrero de 1966) fue un actor, comediante y cineasta estadounidense. Es más conocido por su trabajo en el cine mudo, en el que su marca registrada era la comedia física acompañada de una expresión estoica e inexpresiva que le valió el apodo de 'El gran rostro de piedra'. El crítico Roger Ebert escribió sobre el 'período extraordinario de 1920 a 1929' de Keaton. cuando "trabajaba sin interrupción" por haberlo convertido en "el mejor actor y director en la historia del cine". En 1996, Entertainment Weekly reconoció a Keaton como el séptimo mejor director de cine y escribió que "más que Chaplin, Keaton entendía las películas: sabía que consistían en un marco de cuatro lados en el que residía un realidad maleable de la que su persona podría rebotar. Una estrella infantil de vodevil, Keaton creció para ser un manitas, un atleta, un matemático visual; sus películas ofrecen carcajadas de invención física alucinante y una determinación espacial que se acerca a la grandeza filosófica. En 1999, el American Film Institute lo clasificó como la 21.ª estrella masculina más grande del cine clásico de Hollywood.

Trabajando con el productor independiente Joseph M. Schenck y el cineasta Edward F. Cline, Keaton realizó una serie de exitosas comedias de dos carretes a principios de la década de 1920, incluidas One Week (1920), The Playhouse (1921), Cops (1922) y The Electric House (1922). Luego pasó a los largometrajes; varios de ellos, como Sherlock Jr. (1924), The General (1926), Steamboat Bill, Jr. (1928), y The Cameraman (1928), siguen siendo muy apreciados. El general se considera su obra maestra: Orson Welles la consideró "la mejor comedia jamás realizada... y quizás la mejor película jamás realizada". Welles dijo que Keaton "fue más allá de todo elogio... un gran artista y uno de los hombres más hermosos que he visto en la pantalla". También fue un gran director. En última instancia, nadie se acercó a él." En 2018, Peter Bogdanovich lanzó The Great Buster: A Celebration, un tributo a Keaton con Mel Brooks, Carl Reiner, Werner Herzog y Quentin Tarantino, entre otros. El arte de Keaton ha inspirado un estudio académico completo. El General se ha situado en un lugar destacado de Sight & La encuesta de Sound y Our Hospitality, Sherlock Jr. y The Navigator también recibieron múltiples votos.

Su carrera decayó cuando firmó con Metro-Goldwyn-Mayer y perdió su independencia artística. Su esposa se divorció de él y él descendió al alcoholismo. Se recuperó en la década de 1940, se volvió a casar y revivió su carrera como un actor cómico honrado por el resto de su vida, ganando un Premio Honorífico de la Academia en 1959. A menudo se describe a Keaton como un adelantado a su tiempo; Anthony Lane escribió: "Era demasiado bueno, en demasiados sentidos, demasiado pronto... Ningún thriller de acción de la última década sangrienta ha igualado la violencia cinética del final de Steamboat Bill, Jr".., en el que una tormenta arrastra a Keaton a través de una catástrofe aleatoria tras otra. Cualquiera que piense que la película dentro de una película es una presunción reciente, la provincia de The Purple Rose of Cairo y Last Action Hero, debería consultar Sherlock Jr., una película en la que Keaton sueña consigo mismo en otra película: camina por el pasillo del teatro, salta a la acción y lucha para mantenerse al día con los vertiginosos cambios de escena. En cuanto a El General, ¿por dónde empiezas? Es una película sobre un tren, pero también es un romance enérgico, salpicado de disputas y anhelos, y su evocación del período de la Guerra Civil nunca ha sido superada... Es el primer héroe de acción; para ser precisos, es un pequeño estadounidense de cara pálida que está sobresaltado, tropezado, empapado e inspirado para convertirse en un héroe."

Carrera

Keaton como niño en vaudeville (c. 1897)

Primeros años en el vodevil

Keaton nació en una familia de vodevil en Piqua, Kansas, el pequeño pueblo donde estaba su madre, Myra Keaton (de soltera Cutler), cuando se puso de parto. Fue nombrado Joseph para continuar una tradición por parte de su padre (era el sexto en una línea que lleva el nombre de Joseph Keaton) y Frank por su abuelo materno, quien desaprobaba a sus padres. Unión. Su padre fue Joseph Hallie "Joe" Keaton, que tenía un espectáculo itinerante llamado Mohawk Indian Medicine Company, que actuaba en el escenario y vendía medicamentos patentados al margen. Según una historia repetida con frecuencia, que puede ser apócrifa, Keaton adquirió el apodo de Buster a la edad de 18 meses. Después de que el niño cayera por un largo tramo de escaleras sin lesionarse, un amigo actor llamado George Pardey comentó: "¡Vaya, es un buster regular!" Luego de esto, el padre de Keaton comenzó a utilizar el apodo para referirse al joven. Keaton volvió a contar la anécdota a lo largo de los años, incluso en una entrevista de 1964 con el Telescopio de la CBC. En el relato de Keaton, tenía seis meses cuando ocurrió el incidente, y Harry Houdini le dio el apodo (aunque la familia no llegó a conocer a Houdini hasta más tarde).

A la edad de tres años, Keaton comenzó a actuar con sus padres en The Three Keatons. Apareció por primera vez en el escenario en 1899 en Wilmington, Delaware. El acto fue principalmente un sketch de comedia. Myra tocaba el saxofón a un lado, mientras que Joe y Keaton actuaban en el centro del escenario. El joven Keaton incitó a su padre al desobedecerlo, y el mayor Keaton respondió arrojándolo contra el escenario, al foso de la orquesta o incluso a la audiencia. Se cosió un asa de maleta en la ropa de Keaton para ayudar con el constante lanzamiento. El acto evolucionó a medida que Keaton aprendió a tomar caídas con truco de manera segura; rara vez resultó herido o magullado en el escenario. Este estilo de comedia extravagante condujo a acusaciones de abuso infantil y, en ocasiones, al arresto. Sin embargo, Keaton siempre pudo demostrar a las autoridades que no tenía moretones ni huesos rotos. Eventualmente, fue catalogado como 'El niño pequeño que no puede ser dañado', y el acto en general como 'El acto más rudo que jamás haya existido en la historia de los escenarios'. Décadas más tarde, Keaton dijo que su padre nunca lo lastimó y que las caídas y la comedia física eran una cuestión de ejecución técnica adecuada. En 1914, le dijo al Detroit News: "El secreto está en aterrizar sin fuerzas y amortiguar la caída con un pie o una mano. Es una habilidad. Empecé tan joven que aterrizar bien es una segunda naturaleza para mí. Varias veces me habrían matado si no hubiera podido aterrizar como un gato. Los imitadores de nuestro acto no duran mucho, porque no soportan el trato."

Keaton dijo que se divirtió tanto que a veces se echaba a reír cuando su padre lo lanzaba por el escenario. Al darse cuenta de que esto hacía que la audiencia se riera menos, adoptó su famosa expresión inexpresiva cuando actuaba.

Keaton de seis años y sus padres Myra y Joe Keaton, en una foto de publicidad para su acto vaudeville, Los Tres Keatons

La ley chocó contra las leyes que prohibían a los niños artistas en el vodevil. Según un biógrafo, Keaton fue obligado a ir a la escuela mientras actuaba en Nueva York, pero solo asistió parte del día. A pesar de los enredos con la ley, Keaton era una estrella en ascenso en el teatro. Dijo que aprendió a leer y escribir tarde, y fue enseñado por su madre. Cuando cumplió 21 años, el alcoholismo de su padre amenazó la reputación del acto familiar, por lo que Keaton y su madre, Myra, se fueron a Nueva York, donde la carrera de Keaton pasó rápidamente del vodevil al cine.

Keaton sirvió en las Fuerzas Expedicionarias Estadounidenses en Francia con la 40.ª División de Infantería del Ejército de los Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial. Su unidad permaneció intacta y no se dividió para proporcionar reemplazos, como sucedió con otras que llegaron tarde. divisiones Durante su tiempo en uniforme, sufrió una infección de oído que perjudicó permanentemente su audición.

Buster Keaton's draft card; "motion picture performer" empleado por Roscoe Arbuckle

Película

Era del cine mudo

Afiche de Teatro Condenado 13 (1920)

Keaton pasó los veranos de 1908 a 1916 "en la 'Actor's Colony' en el barrio de Bluffton de Muskegon, junto con otros vodevilianos famosos."

En febrero de 1917, conoció a Roscoe "Fatty" Arbuckle en Talmadge Studios en la ciudad de Nueva York, donde Arbuckle tenía un contrato con Joseph M. Schenck. Joe Keaton desaprobaba las películas y Keaton también tenía reservas sobre el medio. Durante su primer encuentro con Arbuckle, se le pidió que participara y comenzara a actuar. Keaton fue tan natural en su primera película, The Butcher Boy, que lo contrataron en el acto. Al final del día, pidió prestada una de las cámaras para tener una idea de cómo funcionaba. Llevó la cámara a su habitación de hotel donde la desarmó y volvió a armar por la mañana. Keaton dijo más tarde que pronto sería el segundo director de Arbuckle y todo su departamento de bromas. Apareció en un total de 14 cortos de Arbuckle, hasta 1920. Eran populares y, contrariamente a la reputación posterior de Keaton como 'El gran rostro de piedra', a menudo sonreía e incluso se reía con ellos. Keaton y Arbuckle se hicieron amigos cercanos, y Keaton fue una de las pocas personas, junto con Charlie Chaplin, que defendió el personaje de Arbuckle durante las acusaciones de que era responsable de la muerte de la actriz Virginia Rappe. (Arbuckle finalmente fue absuelto, con una disculpa del jurado por la terrible experiencia a la que se sometió).

En 1920, se estrenó The Saphead, en la que Keaton tuvo su primer papel protagónico en un largometraje. Se basó en una obra de éxito, The New Henrietta, que ya había sido filmada una vez, bajo el título The Lamb, con Douglas Fairbanks como protagonista. Fairbanks recomendó a Keaton que asumiera el papel en la nueva versión cinco años después, ya que la película iba a tener un sesgo cómico.

Después del exitoso trabajo de Keaton con Arbuckle, Schenck le dio su propia unidad de producción, Buster Keaton Productions. Hizo una serie de comedias de dos carretes, incluidas One Week (1920), The Playhouse (1921), Cops (1922) y La casa eléctrica (1922). Keaton luego pasó a los largometrajes.

Los escritores de Keaton incluyeron a Clyde Bruckman, Joseph Mitchell y Jean Havez, pero las bromas más ingeniosas generalmente fueron concebidas por el propio Keaton. El director de comedia Leo McCarey, recordando los días despreocupados de hacer comedias bufonescas, dijo: "Todos nosotros intentamos robarnos las bromas los unos a los otros". ¡Pero no tuvimos suerte con Keaton porque él mismo inventó sus mejores gags y no pudimos robarle!" Las ideas más aventureras requerían acrobacias peligrosas, realizadas por Keaton con un gran riesgo físico. Durante la escena del tanque de agua del ferrocarril en Sherlock Jr., Keaton se rompió el cuello cuando un torrente de agua cayó sobre él desde una torre de agua, pero no se dio cuenta hasta años después. Una escena de Steamboat Bill, Jr. requería que Keaton se quedara quieto en un lugar en particular. Luego, la fachada de un edificio de dos pisos se derrumbó sobre Keaton. El personaje de Keaton salió ileso debido a una sola ventana abierta. El truco requería precisión, porque la casa de utilería pesaba dos toneladas y la ventana solo ofrecía unos centímetros de espacio libre alrededor del cuerpo de Keaton. La secuencia proporcionó una de las imágenes más memorables de su carrera.

Keaton (centro) en 1923 con (de izquierda) escritores Joe Mitchell, Clyde Bruckman, Jean Havez, y Eddie Cline

Además de Steamboat Bill, Jr. (1928), los largometrajes más perdurables de Keaton incluyen Our Hospitality (1923), The Navegante (1924), Sherlock Jr. (1924), Siete oportunidades (1925), El camarógrafo (1928) y El General (1926). The General, ambientada durante la Guerra Civil Estadounidense, combinó la comedia física con el amor de Keaton por los trenes, incluida una épica persecución de locomotoras. Empleando lugares pintorescos, la historia de la película recreó un incidente real en tiempos de guerra. Aunque llegaría a ser considerado como el mayor logro de Keaton, la película recibió críticas mixtas en ese momento. Fue demasiado dramático para algunos cinéfilos que esperaban una comedia ligera, y los críticos cuestionaron el juicio de Keaton al hacer una película cómica sobre la Guerra Civil, aunque señalaron que tuvo algunas "risas".

Keaton (izquierda) con Roscoe Arbuckle (top) y Al St. John todavía de Fuera del oeste (1918)

Fue una falla costosa (la escena culminante de una locomotora cayendo en picado a través de un puente en llamas fue la toma individual más costosa en la historia del cine mudo), y Keaton nunca volvió a tener el control total de sus películas. Su distribuidor, United Artists, insistió en tener un gerente de producción que controlara los gastos e interfiriera con ciertos elementos de la historia. Keaton soportó este tratamiento durante dos largometrajes más y luego cambió su configuración independiente por un empleo en el estudio más grande de Hollywood, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). La pérdida de independencia de Keaton como cineasta coincidió con la llegada de las películas sonoras (aunque él estaba interesado en hacer la transición) y los crecientes problemas personales, y como resultado, su carrera en la era del sonido inicial se vio afectada.

Nuevo estudio, nuevos problemas

Las últimas tres películas de Keaton se produjeron y lanzaron de forma independiente, bajo el control de Keaton, y no cumplieron con las expectativas financieras en la taquilla. En 1928, el ejecutivo cinematográfico Nicholas Schenck llegó a un acuerdo con Metro-Goldwyn-Mayer por los servicios de Keaton. Keaton tuvo poco que decir sobre los detalles del contrato de MGM; ya no tendría ninguna responsabilidad financiera por sus películas, e incluso su salario había sido negociado previamente, sin su propia contribución. Charlie Chaplin y Harold Lloyd le aconsejaron que no se mudara, advirtiéndole que perdería su independencia. Pero, dado el deseo de Schenck de mantener las cosas 'en la familia' y Keaton tuvo que admitir que a sus películas independientes no les había ido bien, Keaton accedió a firmar con MGM. Más tarde citaría esto como la peor decisión comercial de su vida en su autobiografía.

Recibido en el estudio por Irving Thalberg, con quien inicialmente tenía una relación de admiración mutua, Keaton se dio cuenta demasiado tarde de que el sistema de estudio que representaba MGM limitaría gravemente su aportación creativa. El gigantesco estudio funcionaba siguiendo estrictos lineamientos de fábrica, con todo planeado y presupuestado de antemano. La primera de las películas de Keaton de MGM fue The Cameraman (1928), y Keaton sintió problemas de inmediato cuando vio el guión. "Fue tan largo como Guerra y paz," Keaton recordó. 'Saqué 40 personajes inútiles y un par de tramas secundarias. Estos tipos no se dieron cuenta, todavía no se dan cuenta, de que las mejores comedias son simples. Dije: 'Me gustaría hacer algo con un borracho, una señora gorda y un niño'. Consíguemelos.' En mi estudio tendrían los personajes que quería en 10 minutos. Pero no MGM. Tenías que requisar un palillo por triplicado. Solo me quedé allí, y todos estaban molestando." MGM solo quería a Keaton como estrella, Keaton, el creador, fue considerado una pérdida de tiempo y dinero porque "en el tiempo que le llevó desarrollar un proyecto, podría haber aparecido en dos o tres imágenes creadas por el estudio".;s personal de producción."

Cuando el estudio comenzó a hacer películas sonoras, Keaton estaba entusiasmado con la nueva tecnología y quería hacer su próxima película, Spite Marriage, con sonido. MGM se negó, porque la película era más valiosa en forma muda; podría mostrarse en todo el mundo en teatros que no se habían convertido al sonido. Además, los escenarios sonoros eran entonces escasos y MGM generalmente los reservaba para producciones dramáticas. MGM también obligó a Keaton a usar un doble de riesgo durante algunas de las escenas más peligrosas, algo que nunca había hecho en su apogeo, ya que MGM deseaba proteger su inversión. "...los especialistas no te hacen reír," Keaton había dicho.

En las primeras películas de Keaton con sonido, él y sus compañeros actores rodaban cada escena tres veces: una vez en inglés, una vez en español y una vez en francés o alemán. Los actores memorizarían fonéticamente los guiones en idiomas extranjeros unas pocas líneas a la vez y filmarían inmediatamente después. Esto se discute en el documental de TCM Buster Keaton: So Funny it Hurt, con Keaton quejándose de tener que filmar películas pésimas no solo una, sino tres veces.

Con Charlotte Greenwood en uno de sus primeros "talkies", Salón, Dormitorio y Baño (1931)

Keaton siguió tratando de persuadir a sus jefes para que lo dejaran hacer las cosas a su manera. El director de producción, Irving Thalberg, no permitió que Keaton creara un guión desde cero porque el estudio ya había comprado una propiedad para el escenario, Salón, dormitorio y baño, por sugerencia de Lawrence Weingarten, quien era Thalberg. Su cuñado y productor de Keaton. Sin embargo, Thalberg permitió que Keaton escenificara los gags, incluidos largos tramos de pantomima, y acordó enviar un equipo a la mansión de Keaton para las tomas exteriores. La versión cinematográfica se estrenó como "A Buster Keaton Production" en 1931.

El próximo proyecto confirmó los temores de Keaton sobre la interferencia del estudio. Le entregaron un guión titulado Aceras de Nueva York (1932), en el que interpretaba a un millonario que se involucraba con una chica de un barrio marginal y una pandilla de niños alborotadores. Keaton pensó que la premisa era totalmente inadecuada y se sintió incómodo con sus directores Jules White y Zion Myers, quienes enfatizaron las payasadas contundentes. “Pasé por encima de la cabeza (de Weingarten) y apelé a Irving Thalberg para que me ayudara a salir de la asignación. Irving solía estar de mi lado, pero esta vez dijo: 'A Larry le gusta. A todos los demás en el estudio les gusta la historia. Eres el único que no lo hace.' Al final, me rendí como un tonto y dije "¿qué diablos?" ¿Quién era yo para decir que yo tenía razón y todos estaban equivocados? Keaton hizo la película de todos modos y se sorprendió de que se convirtiera en su mayor éxito de taquilla.

MGM había presentado al músico cómico Cliff Edwards en las películas de Keaton. El estudio reemplazó a Edwards, que tenía problemas de abuso de sustancias, con el comediante de clubes nocturnos Jimmy Durante. El lacónico Keaton y el bullicioso Durante ofrecieron suficiente contraste para funcionar como un equipo, dando como resultado tres películas de gran éxito: Habla fácilmente (1932), El fontanero apasionado (1932), y ¡Qué! ¿Sin cerveza? (1933). Este último fue el último largometraje estelar de Keaton en su país de origen. (Treinta años después, tanto Keaton como Durante tuvieron cameos en It's a Mad Mad Mad Mad Mad World, aunque no en las mismas escenas).

Keaton, Thelma Todd y Jimmy Durante Habla con facilidad (1932)

Keaton estaba tan desmoralizado durante la producción de What! de 1933. No Beer? que MGM lo despidió después de que se completó la filmación, a pesar de que la película fue un éxito comercial. En otro relato, Keaton fue despedido después de que el jefe de estudio de MGM, Louis B. Mayer, 'atacara'. El camerino de Keaton durante una fiesta salvaje con los 'compinches y sus novias' de Keaton y Keaton 'ordenó enojado a Mayer que saliera'. Keaton luego se negó a aparecer en un evento publicitario y fue despedido 48 horas después. En 1934, Keaton aceptó una oferta para hacer una película independiente en París, Le Roi des Champs-Élysées. Durante este período, hizo otra película en Inglaterra, The Invader (estrenada en los Estados Unidos como An Old Spanish Custom en 1936).

Imágenes educativas

Después del regreso de Keaton a Hollywood en 1934, regresó a la pantalla en comedias de dos carretes para Educational Pictures. La mayoría de estas 16 películas son comedias visuales simples, con muchas de las bromas proporcionadas por el propio Keaton, a menudo reciclando ideas de su acto de vodevil familiar y sus películas anteriores. Keaton tenía las manos libres en la puesta en escena de las películas, dentro de los límites presupuestarios del estudio y utilizando a los guionistas de su plantilla. Los dos carretes educativos tienen mucha más pantomima que sus películas sonoras anteriores, y Keaton está en buena forma en todo momento. El punto culminante de la serie Educativa es Grand Slam Opera (1936), que presenta a Keaton en su propio guión como un concursante amateur.

Escritora mordaza

Cuando la serie Educativa finalizó en 1937, Keaton regresó a MGM como escritor de bromas, proporcionando material para las últimas tres películas de MGM de los hermanos Marx: At the Circus (1939), Go West (1940) y La gran tienda (1941); estos no tuvieron tanto éxito artístico como los de Marx. características anteriores de MGM. Keaton también dirigió tres cortos novedosos de un carrete para el estudio, pero estos no resultaron en más asignaciones de dirección.

Imágenes de Colombia

En 1939, Columbia Pictures contrató a Keaton para protagonizar 10 comedias de dos carretes; la serie duró dos años y comprende su última serie como comediante protagonista. El director solía ser Jules White, cuyo énfasis en el slapstick y la farsa hizo que la mayoría de estas películas se parecieran a los famosos cortos de White's Three Stooges. El favorito personal de Keaton fue el de la serie. debut, Pest from the West, una nueva versión más corta y ajustada de la función poco vista de Keaton de 1934 The Invader; no fue dirigida por White sino por Del Lord, un director veterano de Mack Sennett. Los cinéfilos y exhibidores dieron la bienvenida a las comedias de Columbia de Keaton.

1940 y largometrajes

La vida personal de Keaton se había estabilizado con su matrimonio en 1940 con la bailarina de MGM Eleanor Norris, y ahora se estaba tomando la vida un poco más fácil, abandonando Columbia por el campo menos extenuante de los largometrajes. Al reanudar su trabajo diario como escritor de bromas de MGM, proporcionó material para Red Skelton y brindó ayuda y consejos a Lucille Ball.

Keaton aceptó varios roles de personajes tanto en "A" y "B" características. Realizó su último largometraje protagónico, El Moderno Barba Azul (1946), en México; la película fue una producción de bajo presupuesto y es posible que no se haya visto en los Estados Unidos hasta su lanzamiento en VHS en la década de 1980, bajo el título Boom in the Moon. La película tiene una reputación en gran medida negativa, y el renombrado historiador de cine Kevin Brownlow la calificó como la peor película jamás realizada.

Los críticos redescubrieron a Keaton en 1949 y los productores ocasionalmente lo contrataron para obtener mayor "prestigio" fotos. Tuvo cameos en películas como In the Good Old Summertime (1949), Sunset Boulevard (1950) y La vuelta al mundo en 80 días. (1956). En In the Good Old Summertime, Keaton dirigió personalmente a las estrellas Judy Garland y Van Johnson en su primera escena juntos, donde se encuentran en la calle. Keaton inventó fragmentos de comedia en los que Johnson sigue tratando de disculparse con Garland, pero termina estropeando su peinado y rasgando su vestido.

Keaton también apareció en una rutina de comedia sobre dos músicos de teatro ineptos en Limelight de Charlie Chaplin (estrenada en 1952), que recuerda el vodevil de The Playhouse. Con la excepción de Seeing Stars, una película publicitaria menor producida en 1922, Limelight fue la única vez en la que los dos aparecerían juntos en una película.

Televisión y redescubrimiento

Keaton consiguiendo su pie atrapado en pistas de ferrocarril en la granja Berry de Knott en 1956

En 1949, el comediante Ed Wynn invitó a Keaton a aparecer en su programa de variedades y comedia de CBS Television, The Ed Wynn Show, que fue televisado en vivo en la costa oeste. Se fabricaron cinescopios para la distribución de los programas a otras partes del país, ya que no había cable coaxial transcontinental hasta septiembre de 1951. La reacción fue lo suficientemente fuerte como para que una estación local de Los Ángeles le ofreciera a Keaton su propio programa, también transmitido en vivo, en 1950.

Life with Buster Keaton (1951) fue un intento de recrear la primera serie en una película, lo que permitió que el programa se transmitiera a nivel nacional. La serie se benefició de una compañía de actores veteranos, incluida Marcia Mae Jones como la ingenua, Iris Adrian, Dick Wessel, Fuzzy Knight, Dub Taylor, Philip Van Zandt y sus contemporáneos de la era del cine mudo Harold Goodwin, Hank Mann y el doble de acción Harvey Parry.. La esposa de Keaton, Eleanor, también fue vista en la serie (sobre todo como Julieta para el Romeo de Keaton en una pequeña escena de teatro). El largometraje teatral Las desventuras de Buster Keaton se creó a partir de la serie. Keaton dijo que él mismo canceló la serie filmada porque no pudo crear suficiente material nuevo para producir un nuevo programa cada semana.

Las apariciones televisivas periódicas de Keaton durante las décadas de 1950 y 1960 ayudaron a revivir el interés por sus películas mudas. Apareció en la primera serie de televisión Faye Emerson's Wonderful Town. Cada vez que un programa de televisión quería simular una comedia de película muda, Keaton respondía a la llamada y participaba como invitado en series tan exitosas como The Ken Murray Show, You Asked for It y El show de Garry Moore y El show de Ed Sullivan. Bien entrado en la cincuentena, Keaton recreó con éxito sus viejas rutinas, incluida una acrobacia en la que apoyaba un pie sobre una mesa, luego balanceaba el segundo pie junto a él y mantenía la posición incómoda en el aire por un momento antes de estrellarse contra el suelo del escenario.. Garry Moore recordó: "Le pregunté (a Keaton) cómo había hecho todas esas caídas y me dijo: 'Te mostraré'". Se abrió la chaqueta y estaba todo magullado. Así es como lo hizo, dolio, pero te tenía que importar lo suficiente como para que no te importara."

Keaton como viajero en el 1961 Zona Twilight episodio "Una vez en un momento"

Revive el cine mudo

En 1954, Keaton y Eleanor conocieron al programador de cine Raymond Rohauer, con quien desarrollaron una sociedad comercial para relanzar sus películas. El actor James Mason había comprado los Keatons' casa y encontré numerosas latas de películas, entre las que se encontraba el clásico perdido de Keaton The Boat. Keaton tenía copias de las películas Three Ages, Sherlock Jr., Steamboat Bill, Jr. y College (falta un carrete), y los cortos "The Boat" y 'My Wife's Relations', que Keaton y Rohauer luego transfirieron a una película de acetato de celulosa a partir de una película de nitrato deteriorada.

Desde 1950 hasta 1964, Keaton hizo alrededor de 70 apariciones especiales en programas de variedades de televisión, incluidos los de Ed Sullivan y Garry Moore. Keaton también encontró un trabajo estable como actor en comerciales de televisión para Colgate, Alka-Seltzer, U.S. Steel, 7-Up, RCA Victor, Phillips 66, Milky Way, Ford Motors, Minute Rub y Budweiser, entre otros. En una serie de comerciales de televisión mudos para Simon Pure Beer realizados en 1962 por Jim Mohr en Buffalo, Nueva York, Keaton revisó algunos de los chistes de sus días en el cine mudo.

El 3 de abril de 1957, Keaton fue sorprendido por Ralph Edwards para el programa semanal de NBC This Is Your Life. El programa también promovió el estreno de la película biográfica The Buster Keaton Story con Donald O'Connor. En diciembre de 1958, Keaton fue una estrella invitada en el episodio 'A Very Merry Christmas'. de El Show de Donna Reed en ABC. Regresó al programa en 1965 en el episodio 'Ahora lo ves, ahora no'. En agosto de 1960, Keaton interpretó al rey mudo Sextimus the Silent en la gira nacional del musical de Broadway Once Upon A Mattress. En 1960, regresó a MGM por última vez, interpretando a un domador de leones en una adaptación de 1960 de Las aventuras de Huckleberry Finn de Mark Twain. Gran parte de la película se rodó en locaciones del río Sacramento, que se duplicó para el escenario del río Mississippi del libro de Twain. En 1961, protagonizó el episodio 'Once Upon a Time' de The Twilight Zone, que incluía tanto secuencias mudas como sonoras. Trabajó con el comediante Ernie Kovacs en un piloto de televisión tentativamente titulado "Medicine Man," filmando escenas para él el 12 de enero de 1962, el día antes de que Kovacs muriera en un accidente automovilístico. 'Medicina' se completó pero no se emitió.

En 1961, Keaton apareció en películas promocionales de Maryvale, una urbanización en la parte occidental de Phoenix.

Con Joe E. Brown en 1962 Ruta 66 episodio "Journey to Nineveh"

Mientras tanto, la carrera de Keaton en la pantalla grande continuó. Tuvo un cameo como Jimmy, apareciendo cerca del final de la película It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963). Jimmy ayuda al personaje de Spencer Tracy, el capitán C. G. Culpepper, a preparar el bote de Culpepper, que finalmente no se usó, para su escape fallido. (La versión restaurada de esa película, estrenada en 2013, contiene una escena en la que Jimmy y Culpeper hablan por teléfono. Perdido después de la exhibición 'roadshow' de la comedia épica, se descubrió el audio de esa escena. y combinado con imágenes fijas para recrear la escena.)

Keaton protagonizó cinco películas para American International Pictures: Pajama Party (1964), Beach Blanket Bingo, How to Stuff a Wild Bikini, y Sargento Deadhead (todas de 1965), y War Italian Style (1966, coprotagonizada por el equipo de comedia italiano de Franco y Ciccio). El director William Asher recordó:

Siempre quise a Buster Keaton... Me traería pedazos y rutinas. Diría: "¿Qué tal esto?" y sería una cosa maravillosa e inventiva.

En 1965, Keaton protagonizó el cortometraje The Railrodder para el National Film Board of Canada. Viajó de un extremo a otro de Canadá en un carro de mano motorizado, vistiendo su tradicional sombrero de pastel de cerdo y realizando gags similares a los de las películas que hizo 50 años antes. La película también se destaca por ser su última actuación en la pantalla muda. Interpretó el papel central en la película de Samuel Beckett (1965), dirigida por Alan Schneider.

Base de miembros

Base de miembros

Estilo y temas

Uso de la parodia

Buster Keaton El norte congelado (1922)

Gilbert Roland (izquierda) con Keaton en San Sebastián, España, agosto de 1930

Keaton comenzó a experimentar con la parodia durante sus años de vodevil, donde la mayoría de las veces sus actuaciones involucraban imitaciones y burlesques de otros artistas. hechos. La mayoría de estas parodias se dirigieron a actos con los que Keaton había compartido cartel. Cuando Keaton transpuso su experiencia en el vodevil al cine, en muchas obras parodió melodramas. Otros objetivos favoritos fueron tramas, estructuras y dispositivos cinematográficos.

Una de sus parodias más mordaces es The Frozen North (1922), una versión satírica de los melodramas occidentales de William S. Hart, como Hell's Hinges< /i> (1916) y El sendero angosto (1917). Keaton parodiaba la cansada fórmula de la transformación melodramática de chico malo a chico bueno, por la que pasaban los personajes de Hart, conocida como 'el buen malo'. Lleva una versión pequeña de la gorra de campaña de Hart de la Guerra Hispanoamericana y una pistola de seis tiros en cada muslo, y durante la escena en la que dispara a la vecina y al marido de esta, reacciona con gruesas lágrimas de glicerina, un marca comercial de Hart's. El público de la década de 1920 reconoció la parodia y pensó que la película era histéricamente divertida. Sin embargo, al propio Hart no le hicieron gracia las payasadas de Keaton, en particular la escena del llanto, y no habló con Keaton durante dos años después de haber visto la película. Los intertítulos iniciales de la película le dan un tono burlón y serio, y están tomados de 'The Shooting of Dan McGrew'. por Robert W. Servicio.

En The Playhouse (1921), parodiaba a su contemporáneo Thomas H. Ince, el productor de Hart, que se permitía sobrevalorarse a sí mismo en sus producciones cinematográficas. El corto también presentaba la impresión de un mono actuando que probablemente se derivó del acto de un co-facturador (llamado Pedro el Grande). Three Ages (1923), su primer largometraje, es una parodia de Intolerance (1916) de D. W. Griffith, de la que replica las tres inter- estructura de pantalones cortos. Three Ages también presentó parodias de historias bíblicas, como las de Sansón y Daniel. Keaton dirigió la película, junto con Edward F. Cline. En ese momento, Keaton había desarrollado aún más su estilo característico distintivo que consistía en lucidez y precisión junto con acrobacias de precisión balística y cinético. La crítica e historiadora de cine Imogen Sara Smith afirmó sobre el estilo de Keaton:

"la frialdad y sutileza de su estilo [es] muy cinematográfica en términos de reconocer que la cámara puede recoger efectos muy, muy pequeños".

Lenguaje corporal

El crítico de cine David Thomson describió más tarde el estilo de comedia de Keaton: "Buster es claramente un hombre inclinado a creer en las matemáticas y el absurdo... como un número que siempre ha estado buscando el ecuación correcta. Mire su rostro, tan hermoso pero tan inhumano como una mariposa, y verá esa completa incapacidad para identificar el sentimiento." Gilberto Pérez comentó sobre el genio de 'Keaton' como actor para mantener un rostro casi inexpresivo y aún así hacerlo, mediante sutiles inflexiones, tan vívidamente expresivo de la vida interior. Sus ojos grandes y profundos son el rasgo más elocuente; con solo una mirada, puede transmitir una amplia gama de emociones, desde el anhelo hasta la desconfianza, desde la perplejidad hasta la tristeza." El crítico Anthony Lane también notó el lenguaje corporal de Keaton:

La tradicional postura de Buster requiere que siga siendo resistente, lleno de espina dorsal, mirando adelante... [in] El General] él clambers en el techo de su locomotora y se inclina suavemente hacia adelante para escanear el terreno, con la brisa en su cabello y aventura girando hacia él alrededor de la siguiente curva. Es la ángulo que recuerdas: la figura perfectamente recta pero inclinada hacia adelante, como el Espíritu del Éxtasis en la capucha de un Rolls-Royce... [in] Las tres edades], conduce un automóvil de baja calidad sobre un golpe en la carretera, y el coche sólo derrumbes debajo de él. Recorrelo en video, y se puede ver Buster montando el colapso como un surfista, colgando sobre el volante, llegando hermosamente a descansar mientras la ola de naufragio rompe.

El historiador de cine Jeffrey Vance escribió:

La comedia de Buster Keaton no es sólo porque tenía una cara que pertenece al Monte Rushmore, a la vez inquietantemente inamovible y clásicamente americana, sino porque esa cara estaba atada a uno de los actores y directores más dotados que alguna vez agraciaron la pantalla. La comedia de Keaton es un torbellino de hilarantes, técnicamente precisos, ejecutados de forma adroga y sorprendentes gags, muy a menudo ubicados en un escenario de piezas y lugares visualmente impresionantes, todo esto enmascarado detrás de su deslumbrante veneador estérico.

Sombreros de pastel de cerdo

Buster Keaton caricatura de John Decker de Picture-Play revista, 1925

Keaton diseñó y modificó sus propios sombreros de pastel de cerdo durante su carrera. En 1964, le dijo a un entrevistador que al hacer 'este pastel de cerdo en particular', 'empezó con un buen Stetson y lo cortó', endureciendo el borde con agua azucarada. Los sombreros a menudo se destruyeron durante las travesuras cinematográficas salvajes de Keaton; algunos fueron regalados y otros fueron arrebatados por cazadores de recuerdos. Keaton dijo que tenía suerte si usaba solo seis sombreros para hacer una película. Calculó que él y su esposa Eleanor hicieron miles de sombreros durante su carrera. Keaton observó que durante su período de silencio, ese sombrero le costó alrededor de dos dólares (~ $ 27-33 en dólares de 2022); en el momento de su entrevista, dijo, costaban casi $13 (~$116 en dólares de 2022).

Vida privada

Keaton con Natalie Talmadge y Joseph en 1922

El 31 de mayo de 1921, Keaton se casó con Natalie Talmadge, su protagonista principal en Nuestra hospitalidad, y hermana de las actrices Norma Talmadge (casada con su socio comercial Joseph M. Schenck en ese momento) y Constance Talmadge, en la casa de Norma en Bayside, Queens. Tuvieron dos hijos: Joseph, llamado James (2 de junio de 1922 - 14 de febrero de 2007) y Robert (3 de febrero de 1924 - 19 de julio de 2009).

Después del nacimiento de Robert, el matrimonio comenzó a sufrir. Talmadge decidió no tener más hijos y desterró a Keaton a una habitación separada; salió con las actrices Dorothy Sebastian y Kathleen Key durante este período. La extravagancia de Natalie fue otro factor, gastando hasta un tercio de las ganancias de su marido.

Estaba claro que el Sr. Keaton y la Sra. Keaton tenían ideas y estilos de vida diferentes. Keaton había diseñado y construido una casa modesta pero cómoda, similar a una casa de campo, como regalo sorpresa de bodas para su novia. Cuando vio la casita, se enfureció: pensó que la casa era demasiado pequeña, sin lugar para los sirvientes. Al darse cuenta de que su novia quería un palacio, vendió la cabaña al ejecutivo de MGM, Eddie Mannix, y le encargó a Gene Verge Sr. en 1926 que construyera una finca de 930 m² (10 000 pies cuadrados) en Beverly Hills por $ 300,000, que luego fue propiedad de James Mason y Cary Grant. Después de varios intentos de reconciliación, ella se divorció de él en 1932 y cambió a los chicos. apellido a "Talmadge". El 1 de julio de 1942, Robert, de 18 años, y Joseph, de 20 años, hicieron que el cambio de nombre fuera permanente después de que su madre ganara una petición judicial.

Con el fracaso de su matrimonio y la pérdida de su independencia como cineasta, Keaton cayó en el alcoholismo. Fue institucionalizado brevemente, según el documental de Turner Classic Movies So Funny It Hurt. Escapó de una camisa de fuerza con trucos aprendidos de Harry Houdini. En 1933, se casó con su enfermera Mae Scriven durante una borrachera alcohólica de la que luego afirmó no recordar nada. Scriven afirmó que no supo el verdadero nombre de Keaton hasta después del matrimonio. Ella solicitó el divorcio en 1935 después de encontrarlo con Leah Clampitt Sewell, la esposa del millonario Barton Sewell, en un hotel en Santa Bárbara. Se divorciaron en 1936 con un gran costo financiero para Keaton. Después de someterse a una terapia de aversión, dejó de beber durante cinco años.

Keaton y la esposa Eleanor en 1965

El 29 de mayo de 1940, Keaton se casó con Eleanor Norris, 23 años menor que él. A ella se le atribuye haber salvado su vida y su carrera. El matrimonio duró hasta su muerte. Entre 1947 y 1954, la pareja se presentó regularmente en el Cirque Medrano de París como doble acto. Llegó a conocer tan bien sus rutinas que a menudo participaba en ellas en avivamientos televisivos.

La tumba de Keaton en Forest Lawn Memorial Park (Hollywood Hills)

Muerte

Keaton murió de cáncer de pulmón el 1 de febrero de 1966, a los 70 años, en Woodland Hills, Los Ángeles. A pesar de que le diagnosticaron cáncer en enero de 1966, nunca le dijeron que tenía una enfermedad terminal. Keaton pensó que se estaba recuperando de un caso severo de bronquitis. Confinado en un hospital durante sus últimos días, Keaton estaba inquieto y caminaba sin cesar por la habitación, deseando volver a casa. En un documental de la televisión británica sobre su carrera, su viuda Eleanor les dijo a los productores de Thames Television que Keaton se levantó de la cama y se movió, e incluso jugó a las cartas con amigos que vinieron a visitarlo el día antes de su muerte. Fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Hollywood Hills, California.

Influencia y legado

La estrella de Keaton en el Paseo de la Fama de Hollywood

Keaton recibió un Premio Honorífico de la Academia de 1959 en la 32.ª edición de los Premios de la Academia, celebrada en abril de 1960. Keaton tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood: 6619 Hollywood Boulevard (para películas); y 6225 Hollywood Boulevard (para televisión).

Seis de sus películas han sido incluidas en el Registro Nacional de Cine, lo que lo convierte en uno de los cineastas más laureados de esa lista: One Week (1920), Cops ( 1922), Sherlock Jr. (1924), El general (1926), Steamboat Bill, Jr. y El camarógrafo< /i> (ambos de 1928)

Se estrenó una película biográfica de 1957, La historia de Buster Keaton, protagonizada por Donald O'Connor como Keaton. El guión, de Sidney Sheldon, quien también dirigió la película, se basó libremente en la vida de Keaton, pero contenía muchos errores fácticos y fusionó a sus tres esposas en un solo personaje. Un documental de 1987, Buster Keaton: A Hard Act to Follow, dirigido por Kevin Brownlow y David Gill, ganó dos premios Emmy.

La Sociedad Internacional Buster Keaton se fundó el 4 de octubre de 1992: el cumpleaños de Keaton. Dedicada a atraer una mayor atención pública a la vida y obra de Keaton, la membresía incluye a muchas personas de la industria de la televisión y el cine: actores, productores, autores, artistas, novelistas gráficos, músicos y diseñadores, así como aquellos que simplemente Admira la magia de Buster Keaton. El apodo de la Sociedad, los "Damfinos," toma su nombre de un barco en la comedia de Keaton de 1921, The Boat.

Keaton disfrazado con su sombrero de pastel de cerdo firma, c. 1939

En 1994, el caricaturista Al Hirschfeld escribió una serie de estrellas del cine mudo para la oficina de correos de los Estados Unidos, incluidos Rudolph Valentino y Keaton. Hirschfeld dijo que las estrellas del cine moderno eran más difíciles de representar, que los comediantes del cine mudo como Laurel y Hardy y Keaton 'parecían sus caricaturas'.

En su ensayo Film-arte, film-antiartístico, el artista Salvador Dalí declaró que las obras de Keaton son los principales ejemplos de "antiartístico" cine, llamándolos "poesía pura". En 1925, Dalí produjo un collage titulado El matrimonio de Buster Keaton con una imagen del comediante en una pose sentada, mirando al frente con su característico sombrero canotier descansando en su regazo.

El crítico de cine Roger Ebert afirmó: "El más grande de los payasos silenciosos es Buster Keaton, no solo por lo que hizo, sino por cómo lo hizo". Harold Lloyd nos hizo reír tanto, Charlie Chaplin nos conmovió más profundamente, pero nadie tuvo más coraje que Buster."

En su presentación de The General, el cineasta Orson Welles elogió a Buster Keaton como "el más grande de todos los payasos en la historia del cine... un artista supremo, y creo una de las personas más bellas que jamás haya sido fotografiada".

El cineasta Mel Brooks ha acreditado a Keaton como una gran influencia, diciendo: "Le debo mucho a (Buster) en dos niveles: uno por ser un gran maestro para mí como cineasta, y el otro como un ser humano viendo a esta persona dotada haciendo estas cosas asombrosas. Me hizo creer en la fantasía." También admitió haber tomado prestada la idea de la escena del probador en The Cameraman para su propia película Silent Movie.

La Sherlock Jr de Keaton, en la que entra en la película que está proyectando, influyó en La rosa púrpura de El Cairo de Woody Allen. i> en el que un personaje sale de una película y entra en la vida real.

El actor y doble de riesgo Johnny Knoxville cita a Keaton como inspiración cuando se le ocurren ideas para los proyectos de Jackass. Recreó una famosa acrobacia de Keaton para el final de Jackass Number Two.

El comediante Richard Lewis afirmó que Keaton fue su principal inspiración y habló de tener una estrecha amistad con la viuda de Keaton, Eleanor. Lewis se sintió particularmente conmovido por el hecho de que Eleanor dijo que sus ojos se parecían a los de Keaton.

En 2012, Kino Lorber lanzó The Ultimate Buster Keaton Collection, una caja de Blu-ray de 14 discos del trabajo de Keaton, que incluye 11 de sus largometrajes.

En 2016, Tony Hale interpretó a Keaton en un episodio de Drunk History centrado en la supuesta rivalidad del comediante mudo con Charlie Chaplin, interpretado por el músico Billie Joe Armstrong.

El 16 de junio de 2018, la Sociedad Internacional Buster Keaton colocó una placa de cuatro pies en honor a Keaton y Charles Chaplin en la esquina de la cuadra compartida (1021 Lillian Ave) donde cada uno había realizado muchas de sus comedias mudas en Hollywood. En honor al evento, la Ciudad de Los Ángeles declaró la fecha 'Día de Buster Keaton'.

En 2018, el cineasta Peter Bogdanovich estrenó The Great Buster: A Celebration, un documental sobre la vida, la carrera y el legado de Keaton.

En 2022, aparecieron dos trabajos sobre Keaton con un mes de diferencia. La crítica Dana Stevens publicó una historia cultural de la vida y obra de Keaton, Camera Man: Buster Keaton, the Dawn of Cinema, and the Invention of the Twentieth Century. Fue seguido un mes después por James Curtis' biografía Buster Keaton: la vida de un cineasta.

En 2023, la vida y obra de Keaton se describieron en la biografía de la novela gráfica "Buster: A Life in Pictures", escrita por Ryan Barnett e ilustrada por Matthew Tavares.

Filmografía