Belleza americana (película de 1999)

American Beauty es una película estadounidense de comedia dramática negra de 1999escrita por Alan Ball y dirigida por Sam Mendes en su debut como director. Kevin Spacey interpreta a Lester Burnham, un ejecutivo de publicidad que tiene una crisis de la mediana edad cuando se enamora de la mejor amiga de su hija adolescente, interpretada por Mena Suvari. Annette Bening interpreta a la materialista esposa de Lester, Carolyn, y Thora Birch interpreta a su insegura hija, Jane. Coprotagonistas de Wes Bentley, Chris Cooper y Allison Janney. Los académicos han descrito la película como una sátira de cómo la clase media estadounidense percibe la belleza y la satisfacción personal; El análisis posterior se ha centrado en las exploraciones de la película sobre el amor romántico y paternal, la sexualidad, el materialismo, la autoliberación y la redención.

Después de filmarse en California entre diciembre de 1998 y febrero de 1999, American Beauty se estrenó en América del Norte el 17 de septiembre de 1999 y recibió elogios generalizados de la crítica y el público. Fue la segunda película estadounidense mejor reseñada del año detrás de Being John Malkovich y recaudó más de $350 millones en todo el mundo contra su presupuesto de $15 millones. Los críticos elogiaron la mayoría de los aspectos de la producción, con especial énfasis en Mendes, Spacey y Ball; la crítica tendía a centrarse en la familiaridad de los personajes y el escenario. Después de su controvertidos desaires a Mejor Película para Saving Private Ryan (1998) el año anterior.

En la 72.ª edición de los Premios de la Academia, la película ganó varios premios Oscar, incluido el de Mejor Película, además de Mejor Director para Mendes, Mejor Actor para Spacey, Mejor Guión Original para Ball y Mejor Fotografía para Hall. La película fue nominada y ganó muchos otros premios y distinciones, principalmente por dirección, guión y actuación. Las revisiones retrospectivas han sido más mixtas, con críticas al guión, comentarios sociales y paralelismos entre el protagonista de la película y las acusaciones de conducta sexual inapropiada contra Spacey.

Trama

El ejecutivo de mediana edad Lester Burnham odia su trabajo y está infelizmente casado con la neurótica y ambiciosa corredora de bienes raíces Carolyn. Su hija de 16 años, Jane, aborrece a sus padres y tiene baja autoestima. El coronel retirado de la Marina de los EE. UU. Frank Fitts, su casi catatónica esposa Barbara y su hijo adolescente Ricky se mudan a la casa de al lado. Ricky documenta el mundo que lo rodea con una videocámara, recopilando grabaciones en cinta de video en su habitación, mientras usa sus trabajos de catering a tiempo parcial como fachada para vender marihuana. El estricto disciplinario y abusivo Frank había hecho internar previamente a Ricky en un hospital psiquiátrico y enviarlo a una academia militar. La pareja gay Jim Olmeyer y Jim Berkley, también vecinos de los Burnham, dan la bienvenida a la familia Fitts. Frank luego revela su homofobia cuando discute enojado el encuentro con Ricky.

Durante una rutina de baile en un partido de baloncesto de la escuela, Lester se enamora de Angela, la amiga de Jane. Empieza a tener fantasías sexuales con ella, en las que los pétalos de rosas rojas son un motivo recurrente. Carolyn comienza una aventura con su rival comercial casado Buddy Kane. Su supervisor le informa a Lester que lo van a despedir; Lester lo chantajea para que le dé un paquete de indemnización indulgente y comienza a trabajar en un restaurante de autoservicio. Compra el auto de sus sueños, un Pontiac Firebird de 1970, y comienza a hacer ejercicio después de escuchar a Angela bromear con Jane diciéndole que tendría sexo con él si mejoraba su físico. Comienza a fumar marihuana suministrada por Ricky y coquetea con Angela. Las chicas' la amistad se desvanece cuando Jane comienza una relación con Ricky, de quien Angela se burla. Ricky y Jane se unen por lo que Ricky considera la cosa más hermosa que jamás haya filmado: una bolsa de plástico que se mueve con el viento.

Lester descubre la infidelidad de Carolyn cuando ella y Kane piden una comida en el restaurante de Lester. Reacciona con petulante satisfacción. Buddy teme un divorcio costoso y termina la aventura, mientras que Carolyn se siente humillada y al mismo tiempo frustrada por su falta de éxito profesional. Frank, que sospecha de la amistad de Lester y Ricky, encuentra imágenes que Ricky capturó por casualidad de Lester levantando pesas mientras estaba desnudo y concluye erróneamente que tienen una relación sexual. Acusa brutalmente a Ricky de prostitución, lo que Ricky admite falsamente e incita a su padre a que lo eche. Carolyn, sentada angustiada en su auto, saca una pistola de la guantera. En casa, Jane está discutiendo con Angela sobre su coqueteo con Lester cuando Ricky la interrumpe para pedirle a Jane que se vaya con él a la ciudad de Nueva York. Él llama a Angela fea, aburrida y ordinaria.

Frank se acerca tentativamente a Lester, luego se derrumba y lo abraza entre lágrimas. Lester comienza a consolar a Frank hasta que Frank intenta besarlo. Lester lo rechaza amablemente, diciendo que lo ha entendido mal, y Frank regresa a la lluvia. Lester encuentra a Angela sentada sola en la oscuridad. Él la consuela, diciendo que ella es hermosa y cualquier cosa menos ordinaria. Él le pregunta qué quiere y ella dice que no sabe. Ella le pregunta qué quiere y él dice que siempre la ha querido. Él la lleva al sofá y mientras comienza a desnudarla, Ángela admite su virginidad. Lester se sorprende al darse cuenta de que su aparente experiencia fue un velo para su inocencia, y no puede continuar. Él la consuela mientras comparten sus frustraciones. Angela va al baño mientras Lester sonríe ante una fotografía familiar, cuando una figura invisible le dispara a Lester en la nuca a quemarropa. Ricky y Jane encuentran el cuerpo de Lester. Carolyn está en su armario, tirando su arma y llorando histéricamente mientras abraza la ropa de Lester. Un Frank ensangrentado, con guantes quirúrgicos, regresa a casa: falta un arma en su colección.

La narración final de Lester describe experiencias significativas durante su vida. Dice que, a pesar de su muerte, está feliz de que todavía haya tanta belleza en el mundo.

Reparto

Temas y análisis

Múltiples interpretaciones

Eruditos y académicos han ofrecido muchas lecturas posibles de American Beauty; Los críticos de cine están divididos de manera similar, no tanto sobre la calidad de la película, sino sobre sus interpretaciones de la misma. Descrito por muchos como sobre "el significado de la vida" o 'la hueca existencia de los suburbios estadounidenses', la película ha desafiado la categorización incluso por parte de los cineastas. Mendes se muestra indeciso y dice que el guión parecía tratar de algo diferente cada vez que lo leía: “una historia de misterio, un viaje caleidoscópico a través de los suburbios estadounidenses, una serie de historias de amor;... se trataba de encarcelamiento,... soledad, [y] belleza. Fue divertido; estaba enojado, triste." El crítico literario y autor Wayne C. Booth concluye que la película se resiste a cualquier interpretación: "[American Beauty] no puede resumirse adecuadamente como 'aquí hay una sátira de lo que'está mal con la vida americana'; que resta importancia a la celebración de la belleza. Es más tentador resumirlo como 'un retrato de la belleza que subyace en las miserias y fechorías estadounidenses', pero eso minimiza las escenas de crueldad y horror, y el disgusto de Ball con las costumbres. No se puede resumir con las declaraciones filosóficas de Lester o Ricky sobre qué es la vida o cómo se debe vivir." Argumenta que el problema de interpretar la película está ligado al de encontrar su centro: una voz controladora que "[une] todas las opciones". Sostiene que en el caso de American Beauty', no se trata ni de Mendes ni de Ball. Mendes considera que la voz es la de Ball, pero aun cuando el escritor era 'fuertemente influyente' en el set, a menudo tuvo que aceptar desviaciones de su visión, particularmente aquellas que transformaban el tono cínico de su guión en algo más optimista. Con "innumerables voces entrometiéndose en el autor original's," Booth dice que aquellos que interpretan American Beauty "se han olvidado de buscar el escurridizo centro". Según Booth, el verdadero controlador de la película es la energía creativa 'que cientos de personas pusieron en su producción, coincidiendo y discrepando, insertando y cortando'.

Prisión y redención

El tema de la prisión se evoca en esta escena mostrando la reflexión de Lester en el monitor detrás de columnas de datos, que se asemeja a un preso en una celda de la cárcel.

Mendes llamó a American Beauty una película de rito de iniciación sobre el encarcelamiento y el escape del encarcelamiento. La monotonía de la existencia de Lester se establece a través de su lugar de trabajo gris y anodino y su ropa sin carácter. En estas escenas, a menudo se le enmarca como si estuviera atrapado, 'reiterando rituales que difícilmente le agradan'. Se masturba en los confines de su ducha; la cabina de la ducha evoca una celda de la cárcel y la toma es la primera de muchas en las que Lester está confinado tras las rejas o dentro de marcos, como cuando se refleja detrás de columnas de números en un monitor de computadora, "confinado [y] casi cruzado". fuera". La académica y autora Jody W. Pennington sostiene que el viaje de Lester es el centro de la historia. Su despertar sexual al conocer a Angela es el primero de varios puntos de inflexión cuando comienza a '[deshacerse] de las responsabilidades de la vida cómoda que ha llegado a despreciar'. Después de que Lester comparte un porro con Ricky, su espíritu se libera y comienza a rebelarse contra Carolyn. Cambiado por la 'atractiva y profunda confianza' de Ricky, está convencido de que Angela es alcanzable y ve que debe cuestionar su 'banal, entorpecedoramente materialista existencia suburbana'; toma un trabajo en una tienda de comida rápida, lo que le permite retroceder hasta un punto en el que podía 'ver toda su vida por delante'.

Cuando Carolyn sorprende a Lester masturbándose, su réplica airada sobre su falta de intimidad es la primera vez que dice en voz alta lo que piensa de ella. Al confrontar el problema y las 'inversiones superficiales en los demás' de Carolyn, está tratando de 'recuperar una voz en un hogar que [solo respeta] las voces de madre e hija'.. Su punto de inflexión final llega cuando él y Angela casi tienen sexo; después de que ella le confiesa su virginidad, ya no la considera un objeto sexual, sino una hija. Él la abraza y "la envuelve". Mendes lo llamó "el final más satisfactorio del viaje [de Lester] que podría haber existido". Con estas escenas finales, Mendes pretendía mostrarlo al final de una "búsqueda mítica". Después de que Lester saca una cerveza del refrigerador, la cámara empuja hacia él y luego se detiene frente a un pasillo por el que camina 'para encontrarse con su destino'. Habiendo comenzado a actuar de su edad nuevamente, Lester logra el cierre. Mientras sonríe ante una foto familiar, la cámara se mueve lentamente de Lester a la pared de la cocina, sobre la que salpica sangre cuando suena un disparo; la cacerola lenta refleja la paz de su muerte. Su cuerpo es descubierto por Jane y Ricky. Mendes dijo que la mirada fija de Ricky en los ojos muertos de Lester es 'la culminación del tema'. de la película: que la belleza se encuentra donde menos se espera.

Conformidad y belleza

Al igual que otras películas estadounidenses de 1999, como Fight Club, Bringing Out the Dead y Magnolia, American Beauty instruye a su audiencia a "[llevar] vidas más significativas". La película argumenta el caso contra la conformidad, pero no niega que la gente la necesite y la quiera; incluso los personajes homosexuales solo quieren encajar. Jim y Jim, los Burnhams' otros vecinos, son una sátira de la "pareja burguesa gay", que "[invierten] en la mismidad adormecedora" que la película critica en las parejas heterosexuales. La autora y académica feminista Sally R. Munt argumenta que American Beauty utiliza su "casa de arte" trampas para dirigir su mensaje de inconformismo principalmente a las clases medias, y que este enfoque es un "cliché de preocupación burguesa;... la premisa subyacente es que el lujo de encontrar un 'yo' individual a través de la negación y la renuncia siempre está abierta a aquellos lo suficientemente ricos como para elegir, y lo suficientemente astutos como para presentarse con simpatía como rebeldes."

El profesor Roy M. Anker argumenta que el centro temático de la película es su dirección a la audiencia para 'mirar más de cerca'. La apertura combina un punto de vista desconocido de los Burnhams' vecindario con la admisión narrada de Lester de que este es el último año de su vida, lo que obliga al público a considerar su propia mortalidad y la belleza que los rodea. También establece una serie de misterios; Anker pregunta, '¿desde qué lugar exactamente y desde qué estado del ser está contando esta historia? Si ya está muerto, ¿por qué molestarse con lo que quiera contar sobre su último año de vida? También está la cuestión de cómo ha muerto o morirá Lester. Anker cree que la escena anterior, la discusión de Jane con Ricky sobre la posibilidad de que matara a su padre, agrega más misterio. La profesora Ann C. Hall no está de acuerdo; dice que al presentar una resolución temprana del misterio, la película permite que el público lo deje de lado "para ver la película y sus cuestiones filosóficas". A través de este examen de la vida, el renacimiento y la muerte de Lester, American Beauty satiriza las nociones de significado, belleza y satisfacción de la clase media estadounidense. Incluso la transformación de Lester solo se produce por la posibilidad de tener sexo con Angela; por lo tanto, sigue siendo un "devoto voluntario de la exaltación de los medios de comunicación populares de la sexualidad masculina pubescente como una ruta sensata hacia la integridad personal". Carolyn está impulsada de manera similar por puntos de vista convencionales de la felicidad; de su creencia en "casa hermosa" felicidad doméstica a su auto y equipo de jardinería, el dominio de Carolyn es una 'atractiva visión estadounidense milenaria de Pleasantville, o Eden'. Los Burnham no saben que son "materialistas filosóficamente y devotos consumidores éticamente" que esperan los "rudimentos de la belleza estadounidense" para darles felicidad. Anker argumenta que "están indefensos frente a los estereotipos económicos y sexuales embellecidos... que ellos y su cultura han designado para su salvación".

La película presenta a Ricky como su "visionario,... centro espiritual y místico". Ve la belleza en las minucias de la vida cotidiana, filmando todo lo que puede por miedo a perdérselo. Le muestra a Jane lo que considera la cosa más hermosa que ha filmado: una bolsa de plástico, arrojada por el viento frente a una pared. Dice que capturar el momento fue cuando se dio cuenta de que había "una vida entera detrás de las cosas"; él siente que "a veces hay tanta belleza en el mundo que siento que no puedo soportarla... y mi corazón se va a derrumbar". Anker argumenta que Ricky, al mirar más allá de la 'escoria cultural', ha '[captado] el esplendor radiante del mundo creado'. para ver a Dios. A medida que avanza la película, los Burnham se acercan a la visión del mundo de Ricky. Lester solo renuncia a la satisfacción personal al final de la película. A punto de tener sexo con Angela, vuelve en sí mismo después de que ella admite su virginidad. De repente, confrontado con una niña, comienza a tratarla como a una hija; Al hacerlo, Lester se ve a sí mismo, a Angela y a su familia 'por las criaturas pobres y frágiles pero maravillosas que son'. Él mira una foto de su familia en tiempos más felices y muere después de haber tenido una epifanía que lo infunde con "maravilla, alegría y una gratitud conmovedora": finalmente ha visto el mundo tal como es.

Según Patti Bellantoni, los colores se usan simbólicamente a lo largo de la película, ninguno más que el rojo, que es una firma temática importante que impulsa la historia y "[define] el arco de Lester". Visto por primera vez en colores monótonos que reflejan su pasividad, Lester se rodea de rojo mientras recupera su individualidad. La rosa American Beauty se usa repetidamente como símbolo; cuando Lester fantasea con Angela, generalmente está desnuda y rodeada de pétalos de rosa. En estas escenas, la rosa simboliza el deseo de Lester por ella. Cuando se asocia con Carolyn, la rosa representa una "fachada de éxito suburbano". Las rosas se incluyen en casi todas las tomas dentro de los Burnhams' hogar, donde significan "una máscara que cubre una realidad sombría y poco hermosa". Carolyn siente que "mientras pueda haber rosas, todo estará bien". Ella corta las rosas y las pone en jarrones, donde adornan su "visión meritoria de lo que hace a la belleza" y empezar a morir. Las rosas en el jarrón en la escena de seducción de Angela-Lester simbolizan la vida anterior de Lester y Carolyn; la cámara avanza mientras Lester y Angela se acercan, y finalmente quita las rosas, y por lo tanto a Carolyn, de la toma. La epifanía de Lester al final de la película se expresa mediante la lluvia y el uso del rojo, creando un crescendo que contrasta deliberadamente con la liberación que siente Lester. El uso constante del rojo "arrulla [a la audiencia] subliminalmente" en acostumbrarse a ello; en consecuencia, deja a la audiencia desprevenida cuando le disparan a Lester y su sangre salpica en la pared.

Sexualidad y represión

Pennington argumenta que American Beauty define a sus personajes a través de su sexualidad. Los intentos de Lester por revivir su juventud son el resultado directo de su lujuria por Angela, y el estado de su relación con Carolyn se muestra en parte a través de su falta de contacto sexual. También frustrada sexualmente, Carolyn tiene una aventura que la aleja de ser una 'perfeccionista fría'. a más de un alma despreocupada que "[canta] felizmente junto con" la música en su coche. Jane y Angela constantemente hacen referencia al sexo, a través de las descripciones de Angela de sus supuestos encuentros sexuales y la forma en que las chicas se dirigen entre sí. Sus escenas de desnudos se utilizan para comunicar su vulnerabilidad. Al final de la película, el control de Angela sobre Jane se ha debilitado hasta que el único poder que tiene sobre su amiga es la atracción de Lester por ella. El coronel Fitts reacciona con disgusto al conocer a Jim y Jim; él pregunta: '¿Cómo es que estos maricones siempre tienen que restregártelo en la cara? ¿Cómo pueden ser tan desvergonzados? A lo que Ricky responde: "Eso es lo que pasa, papá: no sienten que sea algo de lo que avergonzarse". Pennington argumenta que el Coronel Fitts' La reacción no es homófoba, sino un "autointerrogatorio angustiado".

Con otras películas del cambio de milenio como Fight Club (1999), In the Company of Men (1997), American Psycho (2000) y Boys Don't Cry (1999), American Beauty "plantea el tema más amplio y ampliamente explorado de la masculinidad en crisis& #34;. El profesor Vincent Hausmann afirma que en su refuerzo de la masculinidad "contra las amenazas planteadas por la guerra, el consumismo y los desafíos feministas y queer", estas películas presentan la necesidad de "centrarse e incluso privilegiar& #34; aspectos de la masculinidad "considerados 'desviados'". La transformación de Lester transmite "que él, y no la mujer, ha soportado la peor parte de [la falta de ser]" y no tolerará que lo castren. Los intentos de Lester de "fortalecer la masculinidad tradicional" conflicto con sus responsabilidades como padre. Aunque la película retrata positivamente la forma en que Lester regresa a ese papel, no se convierte en "la figura hipermasculina implícitamente celebrada en películas como Fight Club". Hausmann concluye que el comportamiento de Lester hacia Angela es "un paso equivocado pero casi necesario para que vuelva a ser padre".

Hausmann dice que la película "afirma explícitamente la importancia de defender la prohibición contra el incesto"; un tema recurrente del trabajo de Ball es su comparación de los tabúes contra el incesto y la homosexualidad. En lugar de hacer una distinción abierta, American Beauty analiza cómo su represión puede conducir a la violencia. El coronel Fitts está tan avergonzado de su homosexualidad que lo lleva a asesinar a Lester. Ball dijo: "La película trata en parte sobre cómo la homofobia se basa en el miedo y la represión y sobre lo que [ellos] pueden hacer". La película implica dos deseos incestuosos insatisfechos: la búsqueda de Angela por parte de Lester es una manifestación de su lujuria por su propia hija, mientras que el coronel Fitts; la represión se exhibe a través de la disciplina casi sexualizada con la que controla a Ricky. En consecuencia, Ricky se da cuenta de que solo puede lastimar a su padre diciéndole falsamente que es homosexual, mientras que la vulnerabilidad y la sumisión de Angela a Lester le recuerdan sus responsabilidades y los límites de su fantasía. El coronel Fitts representa al padre de Ball, cuyos deseos homosexuales reprimidos lo llevaron a su propia infelicidad. Ball reescribió al Coronel Fitts para retrasar la revelación de su homosexualidad.

Temporalidad y música

American Beauty sigue una estructura narrativa tradicional, desviándose solo con la escena inicial desplazada de Jane y Ricky desde la mitad de la historia. Aunque la trama abarca un año, la película está narrada por Lester en el momento de su muerte. Jacqueline Furby dice que la trama "no ocupa... ningún tiempo [o] todo el tiempo", citando la afirmación de Lester de que la vida no pasó ante sus ojos, sino que "se extiende para siempre como un océano de tiempo". Furby argumenta que un "ritmo de repetición" forma el núcleo de la estructura de la película. Por ejemplo, dos escenas tienen a los Burnham sentados para cenar, filmadas desde el mismo ángulo. Cada imagen es muy similar, con pequeñas diferencias en la ubicación de los objetos y el lenguaje corporal que reflejan el cambio de dinámica provocado por la asertividad recién descubierta de Lester. Otro ejemplo es el par de escenas en las que Jane y Ricky se filman mutuamente. Ricky filma a Jane desde la ventana de su dormitorio mientras ella se quita el sostén, y la imagen se invierte más tarde para un 'voyeurista y exhibicionista' similar. escena en la que Jane filma a Ricky en un momento vulnerable.

Las fantasías de Lester se enfatizan con tomas en cámara lenta y repetitiva; Mendes usa cortes dobles y triples en varias secuencias, y la partitura se altera para que la audiencia se dé cuenta de que está entrando en una fantasía. Un ejemplo es la escena del gimnasio: el primer encuentro de Lester con Angela. Mientras las porristas realizan su rutina de medio tiempo para 'On Broadway', Lester se obsesiona cada vez más con Angela. El tiempo se ralentiza para representar su "hipnosis voyeurística" y Lester comienza a fantasear con que la actuación de Angela es solo para él. 'On Broadway', que proporciona un subrayado convencional a la acción en pantalla, se reemplaza por música de percusión discordante que carece de melodía o progresión. Esta partitura no diegética es importante para crear la estasis narrativa en la secuencia; transmite un momento para Lester que se estira a una longitud indeterminada. El efecto es uno que Stan Link compara con el 'tiempo vertical', descrito por el compositor y teórico de la música Jonathan Kramer como música que imparte 'un presente único que se extiende en una duración enorme, un espacio potencialmente infinito'. #39;ahora' que sin embargo se siente como un instante". La música se usa como una señal visual, de modo que Lester y la partitura miran a Angela. La secuencia termina con la repentina reintroducción de "On Broadway" y el tiempo teleológico.

Según Drew Miller de Stylus, la banda sonora "[da] voz inconsciente" a los personajes' psiques y complementa el subtexto. El uso más obvio de la música pop "acompaña y da contexto a" los intentos de Lester de recuperar su juventud; recordando cómo la contracultura de la década de 1960 combatió la represión estadounidense a través de la música y las drogas, Lester comienza a fumar cannabis y a escuchar música rock. Mendes' opciones de canciones "progreso a través de la historia de la música popular estadounidense". Miller argumenta que aunque algunos pueden resultar demasiado familiares, hay un elemento paródico en el trabajo, "cumpliendo con el estímulo [de la película] de que los espectadores miren más de cerca". Hacia el final de la película, la partitura de Thomas Newman ocupa un lugar más destacado, creando 'un ritmo inquietante'. que coincide con la tensión de las imágenes. La excepción es 'Don't Let It Bring You Down', que suena durante la seducción de Angela a Lester. Al principio apropiado, su tono choca cuando la seducción se detiene. La letra, que habla de 'castillos en llamas', puede verse como una metáfora de la visión que Lester tiene de Angela: 'el exterior rosado y fantasioso de la 'Americana'. Belleza'"—mientras se quema para revelar "la chica tímida y de senos pequeños que, como su esposa, ha desarrollado deliberadamente un falso yo público".

Producción

Desarrollo

Ball comenzó a escribir American Beauty como una obra de teatro a principios de la década de 1990, en parte inspirado por el circo mediático que acompañó al juicio de Amy Fisher en 1992. Dejó de lado la obra después de decidir que la historia no funcionaría. en el escenario. Después de pasar los siguientes años escribiendo para televisión, Ball revivió la idea en 1997 cuando intentaba entrar en la industria del cine después de varios años frustrantes escribiendo para las comedias televisivas Grace Under Fire y Cybill. Se unió a United Talent Agency, donde su representante, Andrew Cannava, le sugirió que escribiera un guión específico para "volver a presentarse en la ciudad como guionista". Ball le presentó tres ideas a Cannava: dos comedias románticas convencionales y American Beauty. A pesar de que la historia carecía de un concepto fácilmente comercializable, Cannava seleccionó American Beauty porque sentía era por el que Ball tenía más pasión. Mientras desarrollaba el guión, Ball creó otra comedia televisiva, Oh, Grow Up. Canalizó su ira y frustración por tener que acceder a las demandas de la red en ese programa, y durante sus mandatos en Grace Under Fire y Cybill, para escribir American Beauty.

Ball no esperaba vender el guión, creyendo que actuaría más como una tarjeta de presentación, pero American Beauty atrajo el interés de varios organismos de producción. Cannava pasó el guión a varios productores, incluidos Dan Jinks y Bruce Cohen, quienes lo llevaron a DreamWorks. Con la ayuda de los ejecutivos Glenn Williamson y Bob Cooper, y Steven Spielberg en su calidad de socio de estudio, se convenció a Ball de desarrollar el proyecto en DreamWorks; recibió garantías del estudio, conocido en ese momento por su tarifa más convencional, que no 'plancharía los [bordes]'. En un movimiento inusual, DreamWorks decidió no optar por el guión; en cambio, en abril de 1998, el estudio lo compró directamente por $ 250,000, superando a Fox Searchlight Pictures, October Films, Metro-Goldwyn-Mayer y Lakeshore Entertainment. DreamWorks planeó hacer la película por $ 6-8 millones.

Jinks y Cohen involucraron a Ball durante todo el desarrollo de la película, incluido el reparto y la selección del director. Los productores se reunieron con una veintena de directores interesados, varios de los cuales eran considerados de la lista A en ese momento. Ball no estaba interesado en los directores más conocidos porque creía que su participación aumentaría el presupuesto y llevaría a DreamWorks a ponerse 'nerviosa por el contenido'. Sin embargo, el estudio ofreció la película a Mike Nichols y Robert Zemeckis; tampoco aceptó. En el mismo año, Mendes (entonces director de teatro) revivió el musical Cabaret en Nueva York con el también director Rob Marshall. Beth Swofford, de Creative Artists Agency, organizó reuniones para Mendes con figuras del estudio en Los Ángeles para ver si la dirección cinematográfica era una posibilidad. Mendes se encontró con American Beauty en una pila de ocho guiones en la casa de Swofford, y supo de inmediato que era el que quería hacer; Al principio de su carrera, se había inspirado en cómo la película Paris, Texas (1984) presentaba la América contemporánea como un paisaje mítico y vio el mismo tema en American Beauty, así como paralelismos con su propia infancia. Mendes luego se reunió con Spielberg; impresionado por Mendes' producciones de Oliver! y Cabaret, Spielberg lo animó a considerar American Beauty.

Mendes descubrió que aún tenía que convencer a DreamWorks' ejecutivos de producción para dejarlo dirigir. Ya había discutido la película con Jinks y Cohen, y sintió que lo apoyaban. Ball también estaba entusiasmado; después de haber visto Cabaret, quedó impresionado con Mendes' "agudo sentido de la vista" y pensó que no había tomado decisiones obvias. Ball sintió que a Mendes le gustaba mirar debajo de la superficie de la historia, un talento que pensó que encajaría bien con los temas de American Beauty. Mendes' Los antecedentes también lo tranquilizaron, por el papel destacado que suele tener el dramaturgo en una obra de teatro. Durante dos reuniones, la primera con Cooper, Walter Parkes y Laurie MacDonald, la segunda solo con Cooper, Mendes se presentó en el estudio. El estudio pronto se acercó a Mendes con un trato para dirigir por el salario mínimo permitido según las reglas del Gremio de Directores de América: $150,000. Mendes aceptó y luego recordó que después de impuestos y la comisión de su agente, solo ganaba $38,000. En junio de 1998, DreamWorks confirmó que había contratado a Mendes para dirigir la película.

Escribir

Ball se inspiró en parte en dos encuentros que tuvo a principios de la década de 1990. Aproximadamente entre 1991 y 1992, Ball vio una bolsa de plástico que se movía con el viento fuera del World Trade Center. Observó la bolsa durante diez minutos y luego dijo que provocó una "respuesta emocional inesperada". En 1992, Ball se preocupó por el circo mediático que acompañó al juicio de Amy Fisher. Al descubrir un cómic que narraba el escándalo, le sorprendió lo rápido que se había comercializado. Dijo que "sentía que había una historia real debajo [que era] más fascinante y mucho más trágica". que la historia presentada al público, y trató de convertir la idea en una obra de teatro. Ball produjo alrededor de 40 páginas, pero se detuvo cuando se dio cuenta de que funcionaría mejor como película. Sintió que debido a los temas visuales y a que la historia de cada personaje era 'intensamente personal', no se podía hacer en un escenario. Todos los personajes principales aparecieron en esta versión, pero Carolyn no apareció con mucha fuerza; Jim y Jim, en cambio, tenían papeles mucho más importantes.

Ball basó la historia de Lester en aspectos de su propia vida. El reexamen de Lester de su vida es paralelo a los sentimientos que Ball tenía a mediados de los 30; Al igual que Lester, Ball dejó de lado sus pasiones para trabajar en trabajos que odiaba por personas a las que no respetaba. Las escenas en la casa de Ricky reflejan las propias experiencias de la infancia de Ball. Ball sospechaba que su padre era homosexual y utilizó la idea para crear al Coronel Fitts, un hombre que "renunció a su oportunidad de ser él mismo". Ball dijo que la mezcla de comedia y drama del guión no fue intencional, sino que surgió inconscientemente de su propia perspectiva de la vida. Dijo que la yuxtaposición produjo un contraste más marcado, dando a cada rasgo más impacto que si aparecieran solos.

En el guión que se envió a los posibles actores y directores, Lester y Angela tuvieron relaciones sexuales; en el momento del rodaje, Ball había reescrito la escena a la versión final. Ball inicialmente rechazó el consejo de otros de cambiar el guión, sintiendo que estaban siendo puritanos; el ímpetu final para alterar la escena provino de DreamWorks' el entonces presidente Walter Parkes. Convenció a Ball al indicar que en la mitología griega, el héroe "tiene un momento de epifanía antes de... que ocurra la tragedia". Ball dijo más tarde que su enojo al escribir el primer borrador lo había cegado a la idea de que Lester necesitaba negarse a tener relaciones sexuales con Angela para completar su viaje emocional, para lograr la redención. Jinks y Cohen le pidieron a Ball que no alterara la escena de inmediato, ya que sintieron que sería inapropiado hacer cambios en el guión antes de contratar a un director. Los primeros borradores también incluían un flashback del Coronel Fitts' servicio en la Infantería de Marina, una secuencia que estableció inequívocamente sus inclinaciones homosexuales. Enamorado de otro infante de marina, el coronel Fitts ve morir al hombre y llega a creer que está siendo castigado por el "pecado" de ser homosexual. Ball eliminó la secuencia porque no encajaba en la estructura del resto de la película—Col. Fitts fue el único personaje que tuvo un flashback, y debido a que eliminó el elemento sorpresa del Coronel Fitts' más tarde pase a Lester. Ball dijo que tenía que escribirlo para su propio beneficio para saber qué le sucedió al Coronel Fitts, aunque todo lo que quedó en los borradores posteriores fue el subtexto.

Ball permaneció involucrado durante toda la producción; había firmado un contrato de desarrollo de programas de televisión, por lo que tuvo que obtener el permiso de sus productores para tomarse un año sabático para estar cerca de American Beauty. Ball estuvo en el set para reescribir y ayudar a interpretar su guión durante todos menos dos días de filmación. Sus escenas de sujetalibros originales, en las que Ricky y Jane son procesados por el asesinato de Lester después de haber sido incriminados por el coronel Fitts, fueron eliminadas en la posproducción; Más tarde, el escritor sintió que las escenas eran innecesarias y dijo que eran un reflejo de su "ira y cinismo". en el momento de la redacción (ver "Edición"). Ball y Mendes revisaron el guión dos veces antes de enviarlo a los actores y dos veces más antes de la primera lectura completa. El guión fue escrito entre junio de 1997 y febrero de 1998.

El guión de rodaje presenta una escena en el auto de Angela en la que Ricky y Jane hablan sobre la muerte y la belleza; la escena difería de las versiones anteriores, que la configuraban como una "gran escena en una autopista" en el que los tres son testigos de un accidente automovilístico y ven un cadáver. El cambio fue una decisión práctica, ya que la producción estaba retrasada y necesitaban reducir costos. El cronograma requería que se pasaran dos días filmando el accidente, pero solo se disponía de medio día. Ball estuvo de acuerdo, pero solo si la escena pudiera retener una línea de Ricky en la que reflexiona sobre haber visto una vez a una vagabunda muerta: "Cuando ves algo así, es como si Dios estuviera mirando". directamente a ti, solo por un segundo. Y si tienes cuidado, puedes mirar hacia atrás." Jane pregunta: "¿Y qué ves?" Ricky: "Belleza." Ball dijo: "Querían cortar esa escena". Dijeron que no es importante. Le dije: 'Estás loco. ¡Es una de las escenas más importantes de la película!... Si alguna línea es el corazón y el alma de esta película, esa es la línea." Se reescribió otra escena para acomodar la pérdida de la secuencia de la autopista; ambientado en el patio de una escuela, presenta un "punto de inflexión" para Jane en el sentido de que elige caminar a casa con Ricky en lugar de ir con Angela. Al final de la filmación, el guión había pasado por diez borradores.

Reparto

Los principales actores y actrices
Primera fila: Wes Bentley, Chris Cooper, Mena Suvari, Kevin Spacey
Segunda fila: Annette Bening, Thora Birch, Allison Janney

Mendes tenía en mente a Spacey y Bening como protagonistas desde el principio, pero los ejecutivos de DreamWorks no estaban entusiasmados. El estudio sugirió varias alternativas, incluidos Bruce Willis, Kevin Costner y John Travolta para interpretar a Lester (el papel también se le ofreció a Chevy Chase, pero lo rechazó), mientras que Helen Hunt o Holly Hunter fueron propuestas para interpretar a Carolyn. Mendes no quería una gran estrella "aplastando la película"; sintió que Spacey era la elección correcta en base a sus actuaciones en las películas de 1995 The Usual Suspects y Seven, y Glengarry Glen Ross de 1992. >. Spacey se sorprendió; él dijo: 'Normalmente interpreto personajes que son muy rápidos, muy manipuladores e inteligentes... Normalmente me meto en aguas oscuras y traicioneras. Este es un hombre que vive paso a paso, jugando con sus instintos. En realidad, esto está mucho más cerca de mí, de lo que soy, que esas otras partes." Mendes le ofreció a Bening el papel de Carolyn sin el consentimiento del estudio; aunque los ejecutivos estaban molestos con Mendes, en septiembre de 1998, DreamWorks había iniciado negociaciones con Spacey y Bening.

Spacey se basó vagamente en los primeros "schlubby" comportamiento de Walter Matthau. Durante la película, el físico de Lester mejora de fofo a tonificado; Spacey hizo ejercicio durante la filmación para mejorar su cuerpo, pero debido a que Mendes filmó las escenas fuera del orden cronológico, Spacey varió las posturas para retratar los escenarios. Antes de filmar, Mendes y Spacey analizaron la actuación de Jack Lemmon en The Apartment (1960), porque Mendes quería que Spacey emulara "la forma en que [Lemmon] se movía, la forma en que se veía, la forma en que estaba en esa oficina y la forma en que era un hombre ordinario y, sin embargo, un hombre especial". La voz en off de Spacey es un retroceso a Sunset Boulevard (1950), que también está narrada en retrospectiva por un personaje muerto. Mendes sintió que evocaba la soledad de Lester y de la película. Bening recordó a las mujeres de su juventud para informar su actuación: "Solía cuidar niños constantemente". Irías a la iglesia y verías cómo la gente se presenta por fuera, y luego estarías dentro de su casa y verías la diferencia." Bening y un peluquero colaboraron para crear un "tocado de presidente de la PTA" peinado, y Mendes y la diseñadora de producción Naomi Shohan investigaron los catálogos de pedidos por correo para establecer mejor el entorno de Carolyn de una 'mansión suburbana impecable'. Para ayudar a Bening a entrar en la mentalidad de Carolyn, Mendes le dio la música que creía que le gustaría a Carolyn. Le prestó a Bening la versión de Bobby Darin de la canción 'Don't Rain on My Parade', que ella disfrutó y convenció al director para que la incluyera en una escena en la que Carolyn canta en su coche.

A Kirsten Dunst le ofrecieron el papel de Angela Hayes, pero lo rechazó.

Para los papeles de Jane, Ricky y Angela, DreamWorks le dio a Mendes carta blanca. En noviembre de 1998, Thora Birch, Wes Bentley y Mena Suvari habían sido elegidos para los papeles; en el caso de Birch, a pesar de que tenía 16 años y se la consideró menor de edad para una breve escena de desnudo, que sus padres habían hecho. aprobar. Los representantes del trabajo infantil acompañaron a los padres de Birch en el set durante la filmación de la escena del desnudo. Bentley superó la competencia de los mejores actores menores de 25 años para ser elegido. El documental de 2009 My Big Break siguió a Bentley y a varios otros jóvenes actores antes y después de que obtuviera el papel. Para prepararse, Mendes le proporcionó a Bentley una cámara de video y le dijo al actor que filmara lo que haría Ricky. Peter Gallagher y Allison Janney fueron elegidos (como Buddy Kane y Barbara Fitts) después de que comenzara la filmación en diciembre de 1998. Mendes le dio a Janney un libro de pinturas de Edvard Munch. Él le dijo: 'Tu personaje está ahí en alguna parte'. Mendes cortó gran parte del diálogo de Barbara, incluidas las conversaciones entre el coronel Frank Fitts y ella, ya que sintió que lo que debía decirse sobre la pareja, su humanidad y vulnerabilidad, se transmitió con éxito a través de sus momentos de silencio compartidos. Chris Cooper interpreta al coronel Frank Fitts, Scott Bakula interpreta a Jim Olmeyer y Sam Robards interpreta a Jim Berkley. Jim y Jim fueron representados deliberadamente como la pareja más normal, feliz y aburrida de la película. La inspiración de Ball para los personajes provino de un pensamiento que tuvo después de ver a una 'pareja heterosexual insípida, aburrida'. que usaba ropa a juego: 'No puedo esperar el momento en que una pareja gay pueda ser igual de aburrida'. Ball también incluyó aspectos de una pareja gay que conocía y que tenían el mismo nombre.

Mendes insistió en dos semanas de ensayos del elenco, aunque las sesiones no fueron tan formales como estaba acostumbrado en el teatro, y los actores no pudieron estar presentes en todas. Se incorporaron al guión varias improvisaciones y sugerencias de los actores. Una escena temprana que mostraba a los Burnham saliendo de casa para ir a trabajar se insertó más tarde para mostrar el punto más bajo al que había llegado la relación de Carolyn y Lester. Spacey y Bening trabajaron para crear un sentido del amor que Lester y Carolyn alguna vez tuvieron el uno por el otro; por ejemplo, la escena en la que Lester casi seduce a Carolyn después de que la pareja discute sobre la compra de un automóvil de Lester fue originalmente 'estrictamente polémica'.

Filmación

La fotografía principal duró unos 50 días, desde el 14 de diciembre de 1998 hasta febrero de 1999. American Beauty se filmó en estudios de sonido en el backlot de Warner Bros. en Burbank, California, y en Hancock Park y Brentwood en Los Angeles. Las tomas aéreas al principio y al final de la película se capturaron en Sacramento, California, y muchas de las escenas escolares se filmaron en South High School en Torrance, California; varios extras en la multitud del gimnasio eran estudiantes de South High. La película está ambientada en un barrio de clase media alta en un pueblo estadounidense no identificado. La diseñadora de producción Naomi Shohan comparó el escenario con Evanston, Illinois, pero dijo: "No se trata de un lugar, se trata de un arquetipo... suburbios móviles." La intención era que el escenario reflejara a los personajes, que también son arquetipos. Shohan dijo: "Todos ellos están muy tensos y sus vidas son construcciones". Los Burnhams' El hogar fue diseñado como el reverso de los Fitt: el primero era un ideal prístino, pero sin gracia y carente de "equilibrio interno", lo que llevó al deseo de Carolyn de al menos darle la apariencia de un "hogar estadounidense perfecto"; los ajustes' el hogar está representado en "oscuridad exagerada [y] simetría".

La película utilizó fotos aéreas de Sacramento, California, al principio y al final de la película para mostrar dónde viven los Burnhams.

La producción seleccionó dos propiedades adyacentes en el backlot de Warner "Blondie Street" para Burnham y Fitts' casas El equipo reconstruyó las casas para incorporar habitaciones falsas que establecieran líneas de visión: entre las ventanas de los dormitorios de Ricky y Jane, y entre el dormitorio de Ricky y el garaje de Lester. Las ventanas del garaje se diseñaron específicamente para obtener la toma crucial hacia el final de la película en la que el coronel Fitts, que observa desde la habitación de Ricky, asume erróneamente que Lester le paga a Ricky por sexo. Mendes se aseguró de establecer la línea de visión desde el principio de la película para que el público sintiera una sensación de familiaridad con la toma. Los interiores de las casas se filmaron en el backlot, en el lugar y en los estudios de sonido cuando se necesitaban tomas aéreas. El interior de los Burnhams' hogar fue baleado en una casa cerca de la Interestatal 405 y Sunset Boulevard en Los Ángeles; el interior de los Fitts' casa fue baleada en el barrio Hancock Park de la ciudad. El dormitorio de Ricky fue diseñado para parecerse a una celda para sugerir su estilo "monacal" personalidad, mientras que al mismo tiempo se mezcla con el equipo de alta tecnología para reflejar su lado voyeurista. La producción minimizó deliberadamente el uso del rojo, ya que era una firma temática importante en otros lugares. Los Burnhams' home usa cool blues, mientras que los Fitts' se mantiene en una "paleta militar deprimida".

Mendes' el estilo visual dominante era deliberado y sereno, con un diseño minimalista que proporcionaba "una sensación escasa, casi surrealista, una versión brillante, nítida, con bordes duros, casi al estilo de Magritte, de los suburbios estadounidenses"; Mendes constantemente dirigió a sus tocadores para vaciar el marco. Hizo que las escenas de fantasía de Lester fueran "más fluidas y elegantes", y Mendes hizo un uso mínimo de las cámaras fijas, sintiendo que las tomas estables generaban más tensión. Por ejemplo, cuando Mendes usó un empujón lento hacia el Burnhams' Durante la cena, sostuvo el plano porque su formación como director de teatro le enseñó la importancia de poner distancia entre los personajes. Quería mantener la tensión en la escena, así que solo cortó cuando Jane dejó la mesa. Mendes usó una cámara de mano para la escena en la que el Coronel Fitts golpea a Ricky. Mendes dijo que la cámara proporcionó a la escena una "energía cinética... desequilibrada". También fue de mano para los extractos de las imágenes de la videocámara de Ricky. Mendes tardó mucho tiempo en lograr que la calidad de las imágenes de Ricky alcanzara el nivel que deseaba. Para las imágenes de la bolsa de plástico, Mendes usó máquinas de viento para mover la bolsa en el aire. La escena tomó cuatro tomas; dos por la segunda unidad no satisfizo a Mendes, por lo que él mismo filmó la escena. Sintió que su primera toma carecía de gracia, pero para el último intento, cambió la ubicación al frente de una pared de ladrillos y agregó hojas en el suelo. Mendes quedó satisfecho por la forma en que la pared dio definición al contorno de la bolsa.

Mendes evitó usar primeros planos, creyendo que la técnica se usaba en exceso. También mencionó el consejo de Spielberg de imaginar una silueta de la audiencia en la parte inferior del monitor de la cámara, para tener en cuenta que se estaba filmando para mostrarla en una pantalla de 40 pies (10 m). Spielberg, que visitó el set varias veces, también aconsejó a Mendes que no se preocupara por los costos si tenía una 'gran idea'; hacia el final de un largo día de trabajo. Mendes dijo: "Eso sucedió tres o cuatro veces, y todas están en la película". A pesar del apoyo de Spielberg, DreamWorks y Mendes lucharon constantemente por el cronograma y el presupuesto, aunque el estudio interfirió poco con el contenido de la película. Spacey, Bening y Hall trabajaron por mucho menos que sus tarifas habituales. La producción de American Beauty le costó a DreamWorks 15 millones de dólares, ligeramente por encima de la suma proyectada. Mendes estaba tan insatisfecho con sus primeros tres días... filmando que obtuvo permiso de DreamWorks para volver a filmar las escenas. Él dijo: "Empecé con una escena equivocada, en realidad, una escena de comedia". Y los actores la hicieron demasiado grande:... estaba mal rodada, mi culpa, mal compuesta, mi culpa, mal vestuario, mi culpa...; y todo el mundo estaba haciendo lo que yo estaba pidiendo. Todo fue mi culpa." Consciente de que era un novato, Mendes se basó en la experiencia de Hall: "Tomé una decisión muy consciente desde el principio, si no entendía algo técnicamente, para decir, sin vergüenza, 'yo no entiendo de qué está hablando, explíquelo.'"

Mendes alentó algo de improvisación; por ejemplo, cuando Lester se masturba en la cama junto a Carolyn, el director le pidió a Spacey que improvisara varios eufemismos para el acto en cada toma. Mendes dijo: "Quería eso no solo porque fuera divertido... sino porque no quería que pareciera ensayado". Quería que pareciera que lo estaba soltando de su boca sin pensar. [Spacey] tiene tanto control que quería que se abriera paso." Spacey obedeció y finalmente se le ocurrieron 35 frases, pero Bening no siempre pudo mantener la cara seria, lo que significó que la escena tuvo que filmarse diez veces. La producción utilizó pequeñas cantidades de imágenes generadas por computadora. La mayoría de los pétalos de rosa en las fantasías de Lester se agregaron en la posproducción, aunque algunos eran reales y se les quitaron los cables que los sujetaban digitalmente. Cuando Lester fantasea con Angela en un baño de pétalos de rosa, el vapor era real, salvo en la toma cenital. Para colocar la cámara, había que hacer un agujero en el techo, por donde salía el vapor; en cambio, se agregó digitalmente.

Edición

American Beauty fue editado por Christopher Greenbury y Tariq Anwar; Greenbury comenzó en el puesto, pero tuvo que abandonar a la mitad de la postproducción debido a un conflicto de programación con Me, Myself and Irene (2000). Mendes y un asistente editaron la película durante diez días entre las citas. Mendes se dio cuenta durante la edición de que la película era diferente a la que había imaginado. Creía que había estado haciendo un "mucho más caprichoso,... caleidoscópico" película que lo que se reunió en la suite de edición. En cambio, Mendes se sintió atraído por la emoción y la oscuridad; comenzó a usar la partitura y las tomas que tenía la intención de descartar para diseñar la película de esta manera. En total, cortó unos 30 minutos de su edición original. La apertura incluía un sueño en el que Lester se imagina volando sobre la ciudad. Mendes pasó dos días filmando a Spacey contra una pantalla azul, pero eliminó la secuencia porque creía que era demasiado extravagante, "como una película de los hermanos Coen", y por lo tanto inapropiada para el tono que estaba tratando de establecer. La apertura en el corte final reutilizó una escena de la mitad de la película donde Jane le dice a Ricky que mate a su padre. Esta escena iba a ser la revelación para la audiencia de que la pareja no era responsable de la muerte de Lester, ya que la forma en que se compuso y actuó dejó en claro que la solicitud de Jane no era seria. Sin embargo, en la parte que usó en la apertura, y cuando la escena completa se desarrolla más tarde, Mendes usó la partitura y una toma de reacción de Ricky para dejar una ambigüedad persistente en cuanto a su culpa. La siguiente toma, una vista aérea del vecindario, se pensó originalmente como la toma principal de los efectos de pantalla azul en la secuencia del sueño.

Mendes pasó más tiempo recortando los primeros diez minutos que el resto de la película en su conjunto. Probó varias versiones de la apertura; la primera edición incluyó escenas de sujetalibros en las que Jane y Ricky son condenados por el asesinato de Lester, pero Mendes las eliminó en la última semana de edición porque sintió que hacían que la película perdiera su misterio y porque no encajaban con el tema de la redención que había surgido durante la producción. Mendes creía que el juicio desvió la atención de los personajes y convirtió la película "en un episodio de NYPD Blue". En cambio, quería que el final fuera 'una mezcla poética de sueño, memoria y resolución narrativa'. Cuando Ball vio por primera vez una edición completa, era una versión con versiones truncadas de estas escenas. Sintió que eran tan cortos que "realmente no se registraron". Mendes y él discutieron, pero Ball aceptó más después de que Mendes cortó las secuencias por completo; Ball sintió que sin las escenas, la película era más optimista y se había convertido en algo que "a pesar de toda su oscuridad tenía un corazón realmente romántico".

Cinematografía

Conrad Hall no fue la primera opción para director de fotografía; Mendes creía que era 'demasiado mayor y demasiado experimentado' quería el trabajo, y le habían dicho que era difícil trabajar con Hall. En cambio, Mendes le preguntó a Frederick Elmes, quien rechazó el trabajo porque no le gustaba el guión. Hall fue recomendado a Mendes por Tom Cruise, debido al trabajo de Hall en Without Limits (1998), de la que Cruise fue productor ejecutivo. Mendes estaba dirigiendo a la entonces esposa de Cruise, Nicole Kidman, en la obra de teatro The Blue Room durante la preproducción de American Beauty, y ya había creado el guión gráfico de toda la película. Hall estuvo involucrado durante un mes durante la preproducción; sus ideas para iluminar la película comenzaron con su primera lectura del guión, y los pases posteriores le permitieron refinar su enfoque antes de conocer a Mendes. A Hall inicialmente le preocupaba que al público no le gustaran los personajes; solo se sintió capaz de identificarse con ellos durante los ensayos del elenco, lo que le dio nuevas ideas sobre su enfoque de las imágenes.

El enfoque de Hall fue crear composiciones pacíficas que evocaran el clasicismo, para contrastar con los eventos turbulentos en pantalla y permitir que el público participara en la acción. Hall y Mendes primero discutieron el estado de ánimo previsto de una escena, pero se le permitió iluminar la toma de la forma que creyera necesaria. En la mayoría de los casos, Hall primero iluminó el tema de la escena "pintando en" los blancos y negros, antes de agregar luz de relleno, que reflejó desde un tablero de cuentas o una cartulina blanca en el techo. Este enfoque le dio a Hall más control sobre las sombras mientras mantenía la luz de relleno discreta y las áreas oscuras libres de derrames. Hall filmó American Beauty en una relación de aspecto de 2,39:1 en formato Super 35, principalmente con material de película Kodak Vision 500T 5279 de 35 mm. Usó Super 35 en parte porque su alcance más grande le permitió capturar elementos como las esquinas de la piscina llena de pétalos en su plano cenital, creando un marco alrededor de Angela en el interior. Rodó toda la película en el mismo T-stop (T1.9); Dada su preferencia por rodar tan amplio, Hall prefirió los stocks de alta velocidad para permitir efectos de iluminación más sutiles.

Hall usó cámaras Panavision Platinum con la serie Primo de lentes principales y zoom de la compañía. Hall empleó Kodak Vision 200T 5274 y EXR 100T 5248 para escenas con efectos de luz diurna. Tuvo dificultades para adaptarse al material de impresión de lanzamiento Vision recién presentado por Kodak, que, combinado con su estilo de iluminación con mucho contraste, creó una apariencia con demasiado contraste. Hall se puso en contacto con Kodak, quien le envió un lote de 5279 que, en contraste, era un cinco por ciento más bajo. Hall usó un filtro Tiffen Black ProMist de 1/8 de fuerza para casi todas las escenas, lo que, en retrospectiva, dijo, puede no haber sido la mejor opción, ya que los pasos ópticos necesarios para hacer estallar Super 35 para su impresión de lanzamiento anamórfico condujeron a una pequeña cantidad de degradación; por lo tanto, no se requirió la difusión desde el filtro. Cuando vio la película en un cine, Hall sintió que la imagen no era clara y que si no hubiera usado el filtro, la difusión de la conversión anamórfica Super 35 habría generado una imagen más cercana a lo que originalmente pretendía.

Una toma en la que Lester y Ricky comparten un porro de cannabis detrás de un edificio surgió de un malentendido entre Hall y Mendes. Mendes le pidió a Hall que preparara el tiro en su ausencia; Hall asumió que los personajes buscarían privacidad, por lo que los colocó en un pasaje angosto entre un camión y el edificio, con la intención de iluminar desde la parte superior del camión. Cuando Mendes regresó, explicó que a los personajes no les importaba si los veían. Retiró el camión y Hall tuvo que repensar la iluminación; lo encendió desde la izquierda, con una gran luz cruzando a los actores, y con una luz tenue detrás de la cámara. Hall sintió que el plano general resultante 'funcionó perfectamente para el tono de la escena'. Hall se aseguró de mantener la lluvia, o la sugerencia de ella, en cada toma cerca del final de la película. En una sola toma durante el encuentro de Lester con Angela en el Burnhams' casa, Hall creó efectos de lluvia en las luces cruzadas del primer plano; en otro, iluminó parcialmente a la pareja a través de ventanas francesas a las que había agregado material para que la lluvia corriera más lentamente, intensificando la luz (aunque la fuerza de la luz exterior no era realista para una escena nocturna, Hall sintió que estaba justificada debido a la fuerte contrastes que produjo). Para los primeros planos cuando Lester y Angela se trasladan al sofá, Hall trató de mantener la lluvia en el encuadre, iluminando a través de la ventana hacia el techo detrás de Lester. También usó cajas de lluvia para producir patrones de lluvia donde quería sin iluminar toda la habitación.

Música

La partitura de Thomas Newman se registró en Santa Mónica, California. Usó principalmente instrumentos de percusión para crear el estado de ánimo y el ritmo, cuya inspiración fue proporcionada por Mendes. Newman "prefirió el pulso, el ritmo y el color a la melodía", creando una partitura más minimalista que la que había creado anteriormente. Construyó cada señal en torno a 'frases pequeñas que se repiten sin cesar', a menudo, la única variedad a través de una 'reducción de la textura durante ocho compases'. Los instrumentos de percusión incluían tablas, bongos, platillos, piano, xilófonos y marimbas; también se presentaron guitarras, flautas e instrumentos de música del mundo. Newman también usó música electrónica y en "quirkier" las pistas emplearon métodos menos ortodoxos, como tocar tazones de metal para mezclar con un dedo y usar una mandolina desafinada. Newman creía que la partitura ayudó a hacer avanzar la película sin perturbar la "ambigüedad moral" del guión: "Fue un acto de equilibrio realmente delicado en términos de lo que la música funcionó para preservar [eso]"

La banda sonora incluye canciones de Newman, Bobby Darin, The Who, Free, Eels, The Guess Who, Bill Withers, Betty Carter, Peggy Lee, The Folk Implosion, Gomez y Bob Dylan, así como dos versiones: Los Beatles' 'Because', interpretada por Elliott Smith, y 'Don't Let It Bring You Down' de Neil Young, interpretada por Annie Lennox. Producido por el supervisor musical de la película, Chris Douridas, se lanzó un álbum de banda sonora abreviado el 5 de octubre de 1999 y fue nominado para un premio Grammy al Mejor Álbum de Banda Sonora. El 11 de enero de 2000 se lanzó un álbum con 19 pistas de la partitura de Newman y ganó el premio Grammy a la mejor banda sonora. El cineasta consideró que la banda sonora era una de las mejores de Newman y dijo que "[habilitó] las aspiraciones trascendentalistas de la película". En 2006, la revista eligió la partitura como una de las veinte bandas sonoras esenciales que creía que hablaban de las "relaciones complejas e innovadoras entre la música y la narración en pantalla".

Liberar

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DreamWorks contrató a Amazon.com para crear el sitio web oficial, lo que marca la primera vez que Amazon crea una sección especial dedicada a un largometraje. El sitio web incluía una descripción general, una galería de fotos, filmografías del elenco y el equipo, y entrevistas exclusivas con Spacey y Bening. El eslogan de la película, 'mirar más de cerca', originalmente provino de un recorte pegado en el cubículo del lugar de trabajo de Lester por el vestidor del set. DreamWorks realizó campañas de marketing y avances paralelos, uno dirigido a adultos y el otro a adolescentes. Ambos tráileres terminaron con la imagen del póster de una niña sosteniendo una rosa. Al revisar los carteles de varias películas del año, David Hochman de Entertainment Weekly calificó American Beauty's altamente, diciendo que evocó el eslogan; dijo: 'Regresas al cartel una y otra vez, pensando, esta vez vas a encontrar algo'. DreamWorks no quiso probar la pantalla de la película; según Mendes, el estudio estaba satisfecho con él, pero insistió en uno en el que luego pudiera interrogar a la audiencia. El estudio aceptó de mala gana y mostró la película a una audiencia joven en San José, California. Mendes afirmó que la proyección fue muy bien.

Carrera teatral

La película tuvo su estreno mundial el 8 de septiembre de 1999 en el Teatro Egipcio de Grauman en Los Ángeles. Tres días después, la película se presentó en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Con la asistencia de los cineastas y el elenco, se proyectó en varias universidades estadounidenses, incluida la Universidad de California en Berkeley, la Universidad de Nueva York, la Universidad de California en Los Ángeles, la Universidad de Texas en Austin, la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill y la Universidad del Noroeste.

Gráfico mostrando el número de teatros en los que Belleza americana jugado en América del Norte en 1999–2000. Después del éxito de la película en Golden Globe en enero de 2000, DreamWorks reexpandió su presencia en el mercado a 1.990 teatros.

El 15 de septiembre de 1999, American Beauty se abrió al público en versión limitada en tres teatros de Los Ángeles y tres de Nueva York. Se agregaron más cines durante la ejecución limitada, y el 1 de octubre, la película entró oficialmente en estreno general al proyectarse en 706 cines en América del Norte. La película recaudó $ 8,188,587 durante el fin de semana, ocupando el tercer lugar en taquilla. El público encuestado por la firma de investigación de mercado CinemaScore le dio a American Beauty una "B+" nota en promedio. El conteo de teatros alcanzó un máximo de 1.528 a fines de mes, antes de una disminución gradual. Tras las victorias de American Beauty' en la 57.ª edición de los Globos de Oro, DreamWorks volvió a expandirse la presencia en el teatro desde un mínimo de 7 a mediados de febrero, hasta un máximo de 1.990 en marzo. La película terminó su carrera teatral en América del Norte el 4 de junio de 2000, habiendo recaudado $ 130,1 millones.

American Beauty tuvo su estreno europeo en el Festival de Cine de Londres el 18 de noviembre de 1999; en enero de 2000, comenzó a proyectarse en varios territorios fuera de América del Norte. Debutó en Israel a 'potente' devoluciones y lanzamientos limitados en Alemania, Italia, Austria, Suiza, los Países Bajos y Finlandia el 21 de enero. Después de los fines de semana de apertura del 28 de enero en Australia, el Reino Unido, España y Noruega, American Beauty había ganado $7 millones en 12 países para un total de $12,1 millones fuera de América del Norte. El 4 de febrero, American Beauty debutó en Francia y Bélgica. Al expandirse a 303 cines en el Reino Unido, la película ocupó el primer lugar en la taquilla con $ 1,7 millones. El fin de semana del 18 de febrero, después de las ocho nominaciones de American Beauty' para la 72ª Premios de la Academia: la película recaudó $11,7 millones en 21 territorios, para un total de $65,4 millones fuera de Norteamérica. La película tuvo "deslumbrante" debuta en Hungría, Dinamarca, la República Checa, Eslovaquia y Nueva Zelanda.

Hasta el 18 de febrero, los territorios más exitosos fueron el Reino Unido (15,2 millones de dólares), Italia (10,8 millones de dólares), Alemania (10,5 millones de dólares), Australia (6 millones de dólares) y Francia (5,3 millones de dólares). Las nominaciones a los Premios de la Academia significaron que las sólidas actuaciones continuaron en todos los ámbitos; el siguiente fin de semana, American Beauty recaudó $10.9 millones en 27 países, con fuertes debuts en Brasil, México y Corea del Sur. Otros puntos altos incluyeron rendimientos sólidos en Argentina, Grecia y Turquía. El fin de semana del 3 de marzo de 2000, American Beauty debutó con fuerza en Hong Kong, Taiwán y Singapur, mercados que tradicionalmente "no son receptivos a este tipo de tarifas exclusivas". La impresionante actuación de Corea del Sur continuó, con un retorno de 1,2 millones de dólares después de nueve días. En total, American Beauty recaudó $130,1 millones en América del Norte y $226,2 millones a nivel internacional, para $356,3 millones en todo el mundo.

Medios domésticos

American Beauty se lanzó en VHS el 9 de mayo de 2000 y en DVD con formato DTS el 24 de octubre de 2000. Antes del lanzamiento de alquiler en América del Norte el 9 de mayo, Blockbuster Video quería comprar cientos de miles de copias extra por su "título garantizado" rango, por lo que cualquier persona que quisiera alquilar la película tendría garantizada una copia. Blockbuster y DreamWorks no pudieron ponerse de acuerdo sobre un acuerdo de participación en las ganancias, por lo que Blockbuster ordenó dos tercios de la cantidad de copias que pretendía originalmente. DreamWorks puso a disposición para alquiler alrededor de un millón de copias; La participación de Blockbuster generalmente habría sido de alrededor de 400,000 de estos. Algunas tiendas Blockbuster solo exhibieron 60 copias y otras no exhibieron la película en absoluto, lo que obligó a los clientes a solicitarla. La estrategia requería que el personal leyera una declaración a los clientes explicando la situación; Blockbuster afirmó que solo estaba "[supervisando] la demanda de los clientes" debido a la disponibilidad reducida. La estrategia de Blockbuster se filtró antes del 9 de mayo, lo que provocó un aumento del 30 por ciento en los pedidos de otros minoristas. En su primera semana de alquiler, American Beauty ganó 6,8 millones de dólares. Este retorno fue inferior al esperado si DreamWorks y Blockbuster hubieran llegado a un acuerdo. En el mismo año, The Sixth Sense ganó $ 22 millones, mientras que Fight Club ganó $ 8,1 millones, aunque la actuación teatral de este último en América del Norte fue solo el 29 por ciento de la de Belleza Americana. La estrategia de Blockbuster también afectó las tarifas de alquiler; American Beauty promedió $3,12, en comparación con los $3,40 de las películas que Blockbuster promocionó por completo. Solo el 53 por ciento de los alquileres de la película procedían de grandes puntos de venta durante la primera semana, en comparación con el 65 por ciento habitual.

El lanzamiento del DVD incluyó un reportaje detrás de escena, comentarios de audio de la película de Mendes y Ball, y una presentación del guión gráfico con una discusión de Mendes y Hall. En el comentario de la película, Mendes se refiere a escenas eliminadas que pretendía incluir en el lanzamiento. Sin embargo, estas escenas no están en el DVD, ya que cambió de opinión después de grabar el comentario; Mendes sintió que mostrar escenas que previamente decidió no usar restaría valor a la integridad de la película.

El 21 de septiembre de 2010, Paramount Home Entertainment lanzó American Beauty en Blu-ray, como parte de la serie Sapphire de Paramount. Todos los extras del lanzamiento del DVD estaban presentes, con los tráileres teatrales actualizados a HD.

Recepción crítica y legado

Inicial

American Beauty fue ampliamente considerada la mejor película de 1999 por la prensa estadounidense. Recibió elogios abrumadores, principalmente para Spacey, Mendes y Ball. Variety informó que "ninguna otra película de 1999 se ha beneficiado de tales elogios universales". Fue el título mejor recibido en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), donde ganó el premio People's Choice tras una votación del público del festival. El director de TIFF, Piers Handling, dijo: "American Beauty fue el zumbido del festival, la película de la que más se habló."

El agregador de reseñas Rotten Tomatoes informa que el 87 % de 190 críticos dieron a la película una reseña positiva, con una calificación promedio de 8.2/10. Los críticos del sitio web el consenso dice: "Elenco impecable y rebosante de ingenio oscuro y ácido, American Beauty es un punto culminante inteligente y provocador de la película convencional de Hollywood de finales de los 90". Según Metacritic, que asignó una puntuación media ponderada de 84 sobre 100 basada en 34 críticos, la película recibió "aclamación universal".

Escribiendo en Variety, Todd McCarthy dijo que el conjunto del elenco "no podría ser mejor"; elogió el 'manejo de las insinuaciones, el sarcasmo sutil y el discurso directo' de Spacey; y la forma en que imbuyó a Lester con 'sentimientos genuinos'. Janet Maslin en The New York Times dijo que Spacey estaba en su "más ingenioso y ágil" hasta la fecha,. Roger Ebert del Chicago Sun-Times, que le otorgó a la película cuatro de cuatro estrellas, destacó a Spacey por interpretar con éxito a un hombre que "hace cosas imprudentes y tontas [pero que] no". 39;no se engañe a sí mismo". Kevin Jackson de Sight & El sonido dijo que Spacey impresionó de maneras distintas a las de sus actuaciones anteriores, siendo el aspecto más satisfactorio su interpretación de 'tanto la savia como el héroe'.

En Film Quarterly, Gary Hentzi elogió a los actores, pero dijo que personajes como Carolyn y el Coronel Fitts eran estereotipos. Hentzi acusó a Mendes y Ball de identificarse demasiado fácilmente con Jane y Ricky, diciendo que este último era su 'figura de fantasía': un adolescente que es un artista absurdamente rico capaz de 'financiar [su ] proyectos propios". Hentzi dijo que Angela era la adolescente más creíble, en particular con su "dolorosamente familiar" intenta "estar a la altura de una imagen indigna de sí misma". Maslin estuvo de acuerdo en que algunos personajes no eran originales, pero dijo que sus caracterizaciones detalladas los hacían memorables.

Kenneth Turan del Los Angeles Times dijo que los actores se las arreglaron "sin fallas" con lo que fueron papeles difíciles; Llamó a la actuación de Spacey 'la energía que impulsa la película' y dijo que el actor logró la participación de la audiencia a pesar de que Lester no siempre fue comprensivo. "Contra todo pronóstico, nos gustan [estos personajes]," Turan concluyó. Afirmó que la película tenía capas, era subversiva, compleja y sorprendente, y concluyó que era "una película increíble".

Maslin sintió que Mendes dirigió con un "fabuloso estilo visual", diciendo que su estilo minimalista equilibraba "lo mordaz y brillante" y que evocó las "viñetas delicadas y erotizadas de juegos de poder" de su obra teatral. Jackson dijo Mendes' las raíces teatrales rara vez se mostraban, y que lo "más notable" aspecto fue que la actuación de Spacey no eclipsó la película. Dijo que Mendes trabajó las complejidades del guión sin problemas, aprovechando las fortalezas del conjunto, y escenificó los cambios tonales hábilmente. McCarthy creía que American Beauty era una "impresionante tarjeta de presentación" para los debutantes cinematográficos Mendes y Ball. Dijo Mendes' "mano segura" fue "tan preciso y controlado" como su obra de teatro. McCarthy describió la participación de Hall como afortunada para Mendes, ya que el director de fotografía fue 'insuperable'. en la transmisión de los temas de una obra. Turan estuvo de acuerdo en que Mendes' La elección de los colaboradores fue "astuta", nombrando a Hall y Newman en particular. Turan sugirió que American Beauty podría haberse beneficiado de Mendes' inexperiencia, como su atrevimiento de "todo es posible" le hizo probar ritmos que los directores más experimentados podrían haber evitado. Turan sintió que Mendes' logro fue "capturar y mejorar [la] dualidad" del guion de Ball: la película a la vez "caricatura... y dolorosamente real" caracteres. Hentzi, aunque crítico con muchas de las elecciones de Mendes y Ball, admitió que la película mostró sus 'talentos considerables'.

Turan sintió que la falta de restricciones de Ball al escribir la película era la razón de su singularidad, en particular los cambios sutiles en el tono del guión. McCarthy dijo que el guión era "tan fresco y distintivo" como cualquiera de sus contemporáneos cinematográficos estadounidenses, y elogió cómo analizó a los personajes sin comprometer el ritmo narrativo. Llamó al diálogo de Ball "tarta" y dijo que los personajes, con la excepción de Carolyn, estaban "profundamente dibujados". Otro defecto, dijo McCarthy, fue la revelación del Coronel Fitts' homosexualidad, que según él evocaba el "viejo freudianismo". Jackson dijo que la película trascendió su cliché para convertirse en una "comedia sombría y maravillosamente ingeniosa". Dijo que incluso cuando la película se reprodujo para reír, lo hizo con 'matices inesperados'. Hentzi criticó cómo la película hizo un misterio del asesinato de Lester, creyéndolo manipulador y simplemente una forma de generar suspenso. McCarthy elogió la producción y el diseño de vestuario, y dijo que la banda sonora era buena para crear "contrapuntos irónicos" a la historia Hentzi concluyó que American Beauty era "vital pero desigual"; sintió que el examen de la película de 'las formas en que los adolescentes y los adultos imaginan la vida de los demás' fue su mejor punto, y que aunque la dinámica de Lester y Angela era familiar, su ironía romántica estaba al lado de "los tratamientos literarios más perdurables" del tema, como Lolita. Sin embargo, Hentzi creía que los temas de materialismo y conformismo de la película en los suburbios estadounidenses estaban 'manidos'. McCarthy admitió que el escenario le resultaba familiar, pero dijo que simplemente proporcionaba a la película un 'punto de partida'. desde donde contar su "historia sutil y agudamente juzgada". Maslin estuvo de acuerdo; dijo que si bien 'apunta a objetivos que no son demasiado frescos', y que el tema de la inconformidad no sorprendió, la película tenía su propia 'novedad corrosiva'.

Retrospectiva

Pocos meses después del estreno de la película, aparecieron informes de una reacción violenta en la prensa estadounidense, y los años transcurridos desde entonces han visto disminuir su consideración crítica en la sociedad posterior al 11 de septiembre y después de la conducta sexual de Spacey. acusaciones de agresión en 2017. En 2005, Premiere nombró a American Beauty como una de las 20 "películas más sobrevaloradas de todos los tiempos". Mendes aceptó la inevitabilidad de la reevaluación crítica y dijo en 2008: "Pensé que parte de ella estaba completamente justificada, fue un poco sobrevalorada en ese momento".

En 2019, con motivo del vigésimo aniversario del estreno de la película, The Huffington Post's Matthew Jacobs escribió que "la reputación de la película ha caído precipitadamente," y agregó: "Muchos clásicos se someten a reevaluaciones culturales [...] pero pocos se han convertido en un chiste tan generalizado".

Sin embargo, otros críticos aún defienden el valor artístico de la película. En 2014, con motivo del decimoquinto aniversario de la película, Ashley Fetters de Entertainment Weekly declaró que American Beauty se erige como "un clásico, si no una obra maestra".

En la cultura popular

La película fue parodiada por la comedia de situación animada Family Guy, la película de Todd Solondz de 2001 Storytelling, la parodia de la película para adolescentes Not Another Teen Movie, y en la película animada de DreamWorks de 2005 Madagascar.

Reconocimientos

American Beauty no se consideraba un favorito inmediato para dominar la temporada de premios estadounidense. Varios otros contendientes abrieron a fines de 1999, y los críticos de EE. UU. esparcieron sus honores entre ellos al compilar sus listas de fin de año. La Asociación de Críticos de Cine de Chicago y la Asociación de Críticos de Cine Broadcast nombraron la película como la mejor de 1999, pero mientras que el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, la Sociedad Nacional de Críticos de Cine y la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles reconocieron a la Belleza Estadounidense, dieron sus máximos premios a otras películas. A finales de año, los informes de una reacción crítica sugirieron que American Beauty era la perdedora en la carrera por la Mejor Película; sin embargo, en los Globos de Oro de enero de 2000, American Beauty ganó como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión.

A medida que se acercaban las nominaciones para la 72.ª edición de los Premios de la Academia, aún no había surgido un favorito. DreamWorks había lanzado una gran campaña para American Beauty cinco semanas antes de que se enviaran las papeletas a los 5.600 votantes del Premio de la Academia. Su campaña combinó publicidad tradicional y publicidad con estrategias más enfocadas. Aunque se prohibió la campaña por correo directo, DreamWorks llegó a los votantes promocionando la película en "ambientes cómodos e informales" en votantes' comunidades La candidata del estudio a Mejor Película el año anterior, Salvando al soldado Ryan, perdió ante Shakespeare enamorado, por lo que el estudio adoptó un nuevo enfoque al contratar a personas externas para proporcionar entrada para la campaña. Contrató a tres consultores veteranos, quienes le dijeron al estudio que "pensara en pequeño". Nancy Willen animó a DreamWorks a producir un especial sobre la realización de American Beauty, para instalar exhibiciones de la película en las comunidades' librerías, y organizar una sesión de preguntas y respuestas con Mendes para la Academia Británica de Cine y Televisión. Dale Olson aconsejó al estudio que se anunciara en publicaciones gratuitas que circulaban en Beverly Hills, hogar de muchos votantes, además de en los principales periódicos. Olson se encargó de proyectar American Beauty a unos 1000 miembros del Actors Fund of America, ya que muchos de los actores participantes también eran votantes. Bruce Feldman llevó al escritor Alan Ball al Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara, donde Ball asistió a una cena privada en honor a Anthony Hopkins y se reunió con varios votantes que asistieron.

En febrero de 2000, American Beauty fue nominada a ocho Premios de la Academia; sus rivales más cercanos, The Cider House Rules y The Insider, recibieron siete nominaciones cada uno. En marzo de 2000, las principales organizaciones laborales de la industria otorgaron sus máximos honores a American Beauty; las percepciones habían cambiado: la película era ahora la favorita para dominar los Premios de la Academia. American Beauty'el rival más cercano a la Mejor Película seguía siendo The Cider House Reglas, de Miramax. Ambos estudios montaron campañas agresivas; DreamWorks compró un 38 por ciento más de espacio publicitario en Variety que en Miramax. El 26 de marzo de 2000, American Beauty ganó cinco Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Spacey), Mejor Guión Original y Mejor Fotografía. En la 53ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica, American Beauty ganó seis de los 14 premios a los que estaba nominada: Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Actriz (Bening), Mejor Fotografía, Mejor Música de Cine y Mejor Montaje.. En 2000, el Publicists Guild of America reconoció a DreamWorks por la mejor campaña publicitaria cinematográfica.

En 2006, el Writers Guild of America clasificó el guión en el puesto 38 de su lista de los 101 mejores guiones.