Barroco

El barroco es un estilo de arquitectura, música, danza, pintura, escultura y otras artes que floreció en Europa desde principios del siglo XVII hasta la década de 1740. En los territorios de los imperios español y portugués, incluida la Península Ibérica, continuó, junto con nuevos estilos, hasta la primera década del siglo XIX. Siguió al arte renacentista y al manierismo y precedió al rococó (en el pasado, a menudo denominado "barroco tardío") y al neoclásico. Fue alentado por la Iglesia Católica como un medio para contrarrestar la simplicidad y la austeridad de la arquitectura, el arte y la música protestantes, aunque el arte barroco luterano también se desarrolló en partes de Europa.

El estilo barroco utilizó contraste, movimiento, detalles exuberantes, colores profundos, grandeza y sorpresa para lograr una sensación de asombro. El estilo comenzó a principios del siglo XVII en Roma, luego se extendió rápidamente a Francia, el norte de Italia, España y Portugal, luego a Austria, el sur de Alemania y Rusia. Para la década de 1730, se había convertido en un estilo aún más extravagante, llamado rocalla o rococó , que apareció en Francia y Europa Central hasta mediados o finales del siglo XVIII.

En las artes decorativas, el estilo emplea una ornamentación abundante e intrincada. La salida del clasicismo renacentista tiene sus propias formas en cada país. Pero una característica general es que en todas partes el punto de partida son los elementos ornamentales introducidos por el Renacimiento. El repertorio clásico está abarrotado, denso, superpuesto, cargado, para provocar efectos de choque. Los nuevos motivos que introduce el barroco son: la cartela, los trofeos y armas, las cestas de frutas o flores, y otros, realizados en marquetería, estuco o tallados.

Origen de la palabra

La palabra inglesa barroco proviene directamente del francés (como podría sugerir la ortografía estándar moderna en inglés). Algunos estudiosos afirman que la palabra francesa se originó del término portugués barroco ("una perla defectuosa"), apuntando al latín verruca , ("verruga"), o a una palabra con el sufijo -ǒccu (común en la Iberia prerromana) . Otras fuentes sugieren un término latino medieval usado en lógica, baroco , como la fuente más probable.

En el siglo XVI, la palabra latina medieval baroco se movió más allá de la lógica escolástica y comenzó a usarse para caracterizar cualquier cosa que pareciera absurdamente compleja. El filósofo francés Michel de Montaigne (1533-1592) asoció el término baroco con "Bizarro e inútilmente complicado". Otras fuentes tempranas asocian el barroco con la magia, la complejidad, la confusión y el exceso.

La palabra barroco también se asoció con perlas irregulares antes del siglo XVIII. El barroco francés y el barroco portugués eran términos a menudo asociados con la joyería. Un ejemplo de 1531 usa el término para describir las perlas en un inventario de los tesoros de Carlos V de Francia. Más tarde, la palabra aparece en una edición de 1694 de Le Dictionnaire de l'Académie Française, que describe el barroco como "solo usado para perlas que son imperfectamente redondas". Un diccionario portugués de 1728 describe de manera similar que el barroco se relaciona con una "perla tosca y desigual".

Una derivación alternativa de la palabra barroco apunta al nombre del pintor italiano Federico Barocci (1528-1612).

En el siglo XVIII, el término comenzó a usarse para describir la música, y no de manera halagadora. En una reseña satírica anónima del estreno de Hippolyte et Aricie de Jean-Philippe Rameau en octubre de 1733, que se imprimió en el Mercure de France en mayo de 1734, el crítico escribió que la novedad de esta ópera era "du barocque", quejándose de que la la música carecía de una melodía coherente, no perdonaba las disonancias, cambiaba constantemente de tonalidad y métrica, y pasaba rápidamente por todos los dispositivos compositivos.

En 1762 , Le Dictionnaire de l'Académie Française registró que el término podría describir figurativamente algo "irregular, extraño o desigual".

Jean-Jacques Rousseau, que fue músico y compositor además de filósofo, escribió en 1768 en la Encyclopédie : "La música barroca es aquella en la que la armonía se confunde y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos".

En 1788, Quatremère de Quincy definió el término en la Encyclopédie Méthodique como "un estilo arquitectónico muy adornado y atormentado".

Los términos franceses estilo barroco y musique barroco aparecieron en Le Dictionnaire de l'Académie Française en 1835 . A mediados del siglo XIX, los críticos de arte y los historiadores habían adoptado el término "barroco" como una forma de ridiculizar el arte posrenacentista. Este era el sentido de la palabra tal como la usó en 1855 el destacado historiador del arte Jacob Burckhardt, quien escribió que los artistas barrocos "despreciaban y abusaban de los detalles" porque carecían de "respeto por la tradición".

En 1888, el historiador del arte Heinrich Wölfflin publicó el primer trabajo académico serio sobre el estilo, Renaissance und Barock , que describía las diferencias entre la pintura, la escultura y la arquitectura del Renacimiento y el Barroco.

Arquitectura: orígenes y características

El estilo arquitectónico barroco fue el resultado de las doctrinas adoptadas por la Iglesia Católica en el Concilio de Trento en 1545-1563, en respuesta a la Reforma protestante. La primera fase de la Contrarreforma había impuesto un estilo académico severo en la arquitectura religiosa, que había atraído a los intelectuales pero no a la masa de feligreses. El Concilio de Trento decidió en cambio apelar a una audiencia más popular y declaró que las artes deberían comunicar temas religiosos con una participación directa y emocional. De manera similar, el arte barroco luterano se desarrolló como un marcador de identidad confesional, en respuesta a la gran iconoclasia de los calvinistas.

Las iglesias barrocas se diseñaron con un gran espacio central, donde los fieles podían estar cerca del altar, con una cúpula o cúpula en lo alto, que permitía que la luz iluminara la iglesia de abajo. La cúpula era una de las características simbólicas centrales de la arquitectura barroca que ilustra la unión entre los cielos y la tierra. El interior de la cúpula estaba lujosamente decorado con pinturas de ángeles y santos, y con estatuillas de ángeles de estuco, dando la impresión a los de abajo. de mirar al cielo. Otra característica de las iglesias barrocas es la quadratura ; pinturas trampantojos en el techo en marcos de estuco, reales o pintados, llenos de pinturas de santos y ángeles y conectados por detalles arquitectónicos con las balaustradas y consolas. cuadraturapinturas de Atlantes debajo de las cornisas parecen sostener el techo de la iglesia. A diferencia de los techos pintados de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, que combinaban diferentes escenas, cada una con su propia perspectiva, para ser observadas una a la vez, las pinturas barrocas del techo se crearon cuidadosamente para que el espectador en el piso de la iglesia pudiera ver el todo el techo en la perspectiva correcta, como si las figuras fueran reales.

Los interiores de las iglesias barrocas se volvieron cada vez más ornamentados en el Alto Barroco y se concentraron alrededor del altar, generalmente colocado debajo de la cúpula. Las obras decorativas barrocas más célebres del Alto Barroco son la Silla de San Pedro (1647-1653) y el Baldaquino de San Pedro (1623-1634), ambos de Gian Lorenzo Bernini, en la Basílica de San Pedro en Roma. El Baldequín de San Pedro es un ejemplo del equilibrio de los opuestos en el arte barroco; las gigantescas proporciones de la pieza, con la aparente ligereza de la marquesina; y el contraste entre las sólidas columnas torcidas, bronce, oro y mármol de la pieza con los ropajes vaporosos de los ángeles en el dosel.La Dresden Frauenkirche sirve como un ejemplo destacado del arte barroco luterano, que se completó en 1743 después de ser encargado por el ayuntamiento luterano de Dresde y fue "comparado por observadores del siglo XVIII con San Pedro en Roma".

La columna torcida en el interior de las iglesias es una de las características distintivas del barroco. Da tanto una sensación de movimiento como una forma nueva y espectacular de reflejar la luz. La cartela fue otro rasgo característico de la decoración barroca. Se trataba de grandes placas talladas en mármol o piedra, generalmente ovaladas y con una superficie redondeada, que llevaban imágenes o texto en letras doradas, y se colocaban como decoración interior o encima de las puertas de los edificios, entregando mensajes a los de abajo. Mostraban una gran variedad de inventiva, y se encontraban en todo tipo de edificios, desde catedrales y palacios hasta pequeñas capillas.

Los arquitectos barrocos a veces usaban la perspectiva forzada para crear ilusiones. Para el Palazzo Spada en Roma, Borromini usó columnas de tamaño decreciente, un piso que se estrecha y una estatua en miniatura en el jardín más allá para crear la ilusión de que un pasillo tenía treinta metros de largo, cuando en realidad solo tenía siete metros de largo. Una estatua al final del pasaje parece ser de tamaño natural, aunque solo mide sesenta centímetros de alto. Borromini diseñó la ilusión con la ayuda de un matemático.

Barroco italiano

El primer edificio de Roma en tener una fachada barroca fue la Iglesia del Gesù en 1584; era sencillo para los estándares barrocos posteriores, pero marcó una ruptura con las tradicionales fachadas renacentistas que lo precedieron. El interior de esta iglesia se mantuvo muy austero hasta el alto barroco, cuando fue profusamente ornamentado.

En Roma en 1605, Pablo V se convirtió en el primero de una serie de papas que encargaron basílicas y edificios de iglesias diseñados para inspirar emoción y asombro a través de una proliferación de formas y una riqueza de colores y efectos dramáticos. Entre los monumentos más influyentes del barroco temprano se encuentran la fachada de la basílica de San Pedro (1606-1619) y la nueva nave y la logia que conectaban la fachada con la cúpula de Miguel Ángel en la iglesia anterior. El nuevo diseño creó un contraste dramático entre la cúpula altísima y la fachada desproporcionadamente ancha, y el contraste en la fachada misma entre las columnas dóricas y la gran masa del pórtico.

A mediados y finales del siglo XVII, el estilo alcanzó su apogeo, más tarde denominado Alto Barroco. Muchas obras monumentales fueron encargadas por los papas Urbano VIII y Alejandro VII. El escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini diseñó una nueva columnata cuádruple alrededor de la Plaza de San Pedro (1656 a 1667). Las tres galerías de columnas en una elipse gigante equilibran la cúpula de gran tamaño y dan a la Iglesia y la plaza una unidad y la sensación de un teatro gigante.

Otro gran innovador del Alto Barroco italiano fue Francesco Borromini, cuya obra principal fue la Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane o San Carlos de las Cuatro Fuentes (1634-1646). La sensación de movimiento no la da la decoración, sino los propios muros, que ondulan y los elementos cóncavos y convexos, entre ellos una torre ovalada y un balcón insertados en un travesaño cóncavo. El interior fue igualmente revolucionario; el espacio principal de la iglesia era ovalado, bajo una cúpula ovalada.

Los techos pintados, repletos de ángeles y santos y los efectos arquitectónicos trampantojos, fueron una característica importante del Alto Barroco italiano. Las principales obras incluyeron La entrada de San Ignacio en el Paraíso de Andrea Pozzo (1685–1695) en la Iglesia de San Ignacio en Roma, y El triunfo del nombre de Jesús de Giovanni Battista Gaulli en la Iglesia del Gesù en Roma (1669– 1683), que presentaba figuras que se derramaban fuera del marco de la imagen y una iluminación oblicua dramática y contrastes de luz y oscuridad. El estilo se extendió rápidamente desde Roma a otras regiones de Italia: apareció en Venecia en la iglesia de Santa Maria della Salute (1631-1687) de Baldassare Longhena, una forma octogonal muy original coronada por una enorme cúpula. Apareció también en Turín, en particular en la Capilla de la Sábana Santa (1668-1694) de Guarino Guarini. El estilo también comenzó a usarse en palacios; Guarini diseñó el Palacio Carignano en Turín, mientras que Longhena diseñó el Ca' Rezzonico en el Gran Canal (1657), terminado por Giorgio Massari y decorado con pinturas de Giovanni Battista Tiepolo. Una serie de terremotos masivos en Sicilia requirieron la reconstrucción de la mayoría de ellos y varios fueron construidos en el exuberante estilo barroco tardío o rococó.

• Fachada de la Iglesia del Gesù de Roma (1584)
• Techo de la Iglesia del Gesù (1674-1679)
• El Ca Rezzonico de Venecia (1649-1656)
• Cartuchos que decoran el patio del Palacio Spada de Roma, de Francesco Borromini (1632)
• Galería con perspectiva forzada, de Francesco Borromini, que crea la ilusión de que el pasillo es mucho más largo de lo que realmente es, en el Palazzo Spada (1632)
• La Cátedra de San Pedro de Gian Lorenzo Bernini, en la Basílica de San Pedro de Roma (1657-1666)

Barroco español

La Iglesia católica en España, y en particular los jesuitas, fueron los impulsores de la arquitectura barroca española. La primera gran obra de este estilo fue la Capilla de San Isidro en Madrid, iniciada en 1643 por Pedro de la Torre. Contrastaba una extrema riqueza ornamental en el exterior con la sencillez del interior, dividido en múltiples espacios y utilizando efectos de luz para crear una sensación de misterio. La Catedral de Santiago de Compostela se modernizó con una serie de adiciones barrocas que comenzaron a fines del siglo XVII, comenzando con un campanario muy ornamentado (1680), luego flanqueado por dos torres aún más altas y ornamentadas, llamadas el Obradorio ., añadido entre 1738 y 1750 por Fernando de Casas Novoa. Otro hito del barroco español es la torre de la capilla del Palacio de San Telmo de Sevilla de Leonardo de Figueroa.

Granada solo había sido conquistada a los moros en el siglo XV y tenía su propia variedad distintiva de barroco. El pintor, escultor y arquitecto Alonso Cano diseñó el interior barroco de la Catedral de Granada entre 1652 y su muerte en 1657. Presenta contrastes dramáticos de las enormes columnas blancas y la decoración dorada.

La arquitectura más ornamental y profusamente decorada del barroco español se llama estilo churrigueresco, llamado así por los hermanos Churriguera, que trabajaron principalmente en Salamanca y Madrid. Entre sus obras destacan los edificios de la plaza principal de la ciudad, la Plaza Mayor de Salamanca (1729). Este estilo barroco altamente ornamental fue muy influyente en muchas iglesias y catedrales construidas por los españoles en las Américas.

Otros arquitectos barrocos españoles notables del barroco tardío incluyen a Pedro de Ribera, alumno de Churriguera, quien diseñó el Real Hospicio de San Fernando en Madrid, y Narciso Tomé, quien diseñó el célebre retablo El Transparente en la Catedral de Toledo (1729-32) que da la ilusión, en cierta luz, de flotar hacia arriba.

Los arquitectos del barroco español tuvieron un efecto mucho más allá de España; su trabajo fue muy influyente en las iglesias construidas en las colonias españolas en América Latina y Filipinas. La Iglesia construida por los jesuitas para un colegio en Tepotzotlán, con su ornamentada fachada y torre barroca, es un buen ejemplo.

• La Catedral de Granada (1652-1657)
• Retablo del Convento de San Esteban, de Salamanca (1690)
• La Plaza Mayor de Salamanca (1729)
• Hospicio de San Fernando de Madrid (1750)

Europa central y rococó (décadas de 1740 a 1770)

Desde 1680 hasta 1750, se construyeron muchas catedrales, abadías e iglesias de peregrinación muy ornamentadas en Europa Central, en Baviera, Austria, Bohemia y el suroeste de Polonia. Algunos eran de estilo rococó, un estilo distinto, más extravagante y asimétrico que surgió del barroco, luego lo reemplazó en Europa Central en la primera mitad del siglo XVIII, hasta que fue reemplazado a su vez por el clasicismo.

Los príncipes de la multitud de estados de esa región también eligieron el barroco o el rococó para sus palacios y residencias, y a menudo utilizaron arquitectos formados en Italia para construirlos. Los arquitectos notables incluyeron a Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt y Dominikus Zimmermann en Baviera, Balthasar Neumann en Bruhl y Matthäus Daniel Pöppelmann en Dresde. En Prusia, Federico II de Prusia se inspiró en el Gran Trianón del Palacio de Versalles y lo utilizó como modelo para su residencia de verano, Sanssouci, en Potsdam, diseñada para él por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Otra obra de la arquitectura palaciega barroca es el Zwinger de Dresde, la antigua orangerie del palacio de los duques de Sajonia en el siglo XVIII.

Uno de los mejores ejemplos de una iglesia rococó es la Basilika Vierzehnheiligen, o Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores, una iglesia de peregrinación ubicada cerca de la ciudad de Bad Staffelstein, cerca de Bamberg, en Baviera, al sur de Alemania. La Basílica fue diseñada por Balthasar Neumann y fue construida entre 1743 y 1772, su plan es una serie de círculos entrelazados alrededor de un óvalo central con el altar colocado en el centro exacto de la iglesia. El interior de esta iglesia ilustra la cumbre de la decoración rococó. Otro ejemplo notable del estilo es la Iglesia de peregrinación de Wies (en alemán: Wieskirche). Fue diseñado por los hermanos JB y Dominikus Zimmermann. Se encuentra en las estribaciones de los Alpes, en el municipio de Steingaden en el distrito de Weilheim-Schongau, Baviera, Alemania. La construcción se llevó a cabo entre 1745 y 1754, y el interior fue decorado con frescos y estucos en la tradición de la Escuela Wessobrunner. Ahora es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Otro ejemplo notable es la Iglesia de San Nicolás (Malá Strana) en Praga (1704-1755), construida por Christoph Dientzenhofer y su hijo Kilian Ignaz Dientzenhofer. La decoración cubre todas las paredes del interior de la iglesia. El altar está colocado en la nave debajo de la cúpula central, y rodeado de capillas, la luz desciende de la cúpula superior y de las capillas circundantes. El altar está completamente rodeado de arcos, columnas, balaustradas curvas y pilastras de piedra de colores, que están ricamente decoradas con estatuas, creando una confusión deliberada entre la arquitectura real y la decoración. La arquitectura se transforma en un teatro de luz, color y movimiento.

En Polonia, el barroco polaco de inspiración italiana duró desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII y enfatizó la riqueza de detalles y colores. El primer edificio barroco en la Polonia actual y probablemente uno de los más reconocibles es la Iglesia de San Pedro y San Pablo en Cracovia, diseñada por Giovanni Battista Trevano. La Columna de Segismundo en Varsovia, erigida en 1644, fue el primer monumento barroco secular del mundo construido en forma de columna. El estilo de residencia palaciega fue ejemplificado por el Palacio de Wilanów, construido entre 1677 y 1696. El arquitecto barroco activo más renombrado en Polonia fue el holandés Tylman van Gameren y sus obras notables incluyen la Iglesia de San Kazimierz y el Palacio de Krasiński en Varsovia, Santa Ana en Cracovia y Palacio Branicki en Bialystok. Sin embargo, la obra más célebre del barroco polaco es la Iglesia de Fara en Poznań, con detalles de Pompeo Ferrari.

• La iglesia Fara de Poznań (Polonia) (1651-1701)
• Restos del Palacio Zwinger en Dresde (1710-1728)
• Techo de la abadía de Ottobeuren, en Baviera (1711-1725)
• Biblioteca del Clementinum, la universidad jesuita de Praga (1722)
• Karlskirche (Viena), de Fischer von Erlach (consagrada en 1737)
• La basílica de Vierzehnheigen de Baviera, de Balthasar Neumann (1743-1772)
• Sanssouci, en Potsdam, por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747)
• La fachada este de la Residencia de Würzburg de Würzburg (Alemania)
• Eszterháza, hoy en Fertőd, Hungría, construida por Nikolaus I, Prince Esterházy (1720-1784)

Barroco francés o Clasicismo

Francia resistió en gran medida el estilo barroco ornamentado de Italia, España, Viena y el resto de Europa. El estilo barroco francés (a menudo denominado Gran Clasicismo o simplemente Clasicismo en Francia) está estrechamente asociado con las obras construidas para Luis XIV y Luis XV; presenta un orden y una medida más geométricos que el barroco, y una decoración menos elaborada en las fachadas y en los interiores. Luis XIV invitó al maestro del barroco, Bernini, a presentar un diseño para la nueva ala del Louvre, pero lo rechazó en favor de un diseño más clásico de Claude Perrault y Louis Le Vau.

Los principales arquitectos del estilo incluyeron a François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Pierre Le Muet (Iglesia de Val-de-Grace, 1645–1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661) y especialmente Jules Hardouin Mansart y Robert de Cotte, cuyo trabajo incluyó la Galerie des Glaces y el Grand Trianon en Versalles (1687-1688). Mansart también fue responsable del clasicismo barroco de la Place Vendôme (1686-1699).

El principal proyecto real de la época fue la ampliación del Palacio de Versalles, iniciada en 1661 por Le Vau con decoración del pintor Charles Le Brun. Los jardines fueron diseñados por André Le Nôtre específicamente para complementar y amplificar la arquitectura. La Galerie des Glaces (Salón de los Espejos), la pieza central del castillo, con pinturas de Le Brun, se construyó entre 1678 y 1686. Mansart completó el Grand Trianon en 1687. La capilla, diseñada por de Cotte, se terminó en 1710. Tras la muerte de Luis XIV, Luis XV añadió el Petit Trianon más íntimo y el teatro muy ornamentado. Las fuentes en los jardines fueron diseñadas para ser vistas desde el interior y para agregar al efecto dramático. El palacio fue admirado y copiado por otros monarcas de Europa, en particular Pedro el Grande de Rusia,

• La iglesia de Saint-Paul-Saint-Louis, la primera iglesia de París con una fachada de estilo barroco nuevo (1616-1620)
• El castillo de Vaux-le-Vicomte de Maincy (1657-1661)
• Fachada este del Louvre, de Claude Perrault y Louis Le Vau (1668-1680)
• Salón de los espejos en el Palacio de Versalles (1678-1686)
• El Dôme des Invalides, parte de Les Invalides (París)
• Place des Victoires (1684-1697), de Jules Hardouin-Mansart

Barroco portugués

La arquitectura barroca en Portugal duró cerca de dos siglos (finales del siglo XVII y siglo XVIII). Los reinados de Juan V y José I aumentaron las importaciones de oro y diamantes, en un período llamado absolutismo real, que permitió que floreciera el barroco portugués.

La arquitectura barroca en Portugal disfruta de una situación especial y una cronología diferente al resto de Europa.

Está condicionado por varios factores políticos, artísticos y económicos, que originan varias fases y diferentes tipos de influencias externas, lo que da como resultado una mezcla única, a menudo incomprendida por quienes buscan el arte italiano, pero encuentran formas y carácter específicos que le dan un Variedad exclusivamente portuguesa. Otro factor clave es la existencia de la arquitectura jesuítica, también llamada "estilo llano" (Estilo Chão o Estilo Plano) que, como su nombre evoca, es más sencilla y aparece algo austera.

Los edificios son basílicas de una sola habitación, capilla mayor profunda, capillas laterales (con pequeñas puertas de comunicación), sin decoración interior y exterior, portada y ventanas muy sencillas. Es un edificio muy práctico, que permite construirlo en todo el imperio con pequeños ajustes, y prepararlo para ser decorado más tarde o cuando se disponga de recursos económicos.

De hecho, el primer barroco portugués no carece de edificación porque el "estilo sencillo" es fácil de transformar, por medio de la decoración (pintura, azulejos, etc.), convirtiendo los espacios vacíos en escenarios barrocos pomposos y elaborados. Lo mismo podría aplicarse al exterior. Posteriormente, es fácil adaptar el edificio al gusto de la época y el lugar y agregar nuevas características y detalles. Práctico y económico.

Con más habitantes y mejores recursos económicos, el norte, particularmente las áreas de Oporto y Braga, fueron testigos de una renovación arquitectónica, visible en la gran lista de iglesias, conventos y palacios construidos por la aristocracia.

Oporto es la ciudad del barroco en Portugal. Su centro histórico forma parte de la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Muchas de las obras barrocas en el área histórica de la ciudad y más allá, pertenecen a Nicolau Nasoni, un arquitecto italiano residente en Portugal, dibujando edificios originales con ubicación escenográfica como la iglesia y la torre de los Clérigos, la logia de la Catedral de Oporto, la iglesia de la Misericordia, el Palacio de São João Novo, el Palacio de Freixo, el Palacio Episcopal (en portugués: Paço Episcopal do Porto ) entre muchos otros.

Barroco ruso

El debut del barroco ruso, o barroco petrino, siguió a una larga visita de Pedro el Grande a Europa occidental en 1697-1698, donde visitó los castillos de Fontainebleau y Versalles, así como otros monumentos arquitectónicos. Decidió, a su regreso a Rusia, construir monumentos similares en San Petersburgo, que se convirtió en la nueva capital de Rusia en 1712. Los primeros monumentos importantes del barroco petrino incluyen la Catedral de Pedro y Pablo y el Palacio Menshikov.

Durante el reinado de la emperatriz Anna y Elizaveta Petrovna, la arquitectura rusa estuvo dominada por el lujoso estilo barroco del italiano Bartolomeo Rastrelli, que se convirtió en el barroco isabelino. Los edificios característicos de Rastrelli incluyen el Palacio de Invierno, el Palacio de Catalina y la Catedral Smolny. Otros monumentos distintivos del barroco isabelino son el campanario de la Troitse-Sergiyeva Lavra y la Puerta Roja.

En Moscú, el barroco Naryshkin se generalizó, especialmente en la arquitectura de las iglesias ortodoxas orientales a fines del siglo XVII. Era una combinación del barroco de Europa occidental con los estilos populares rusos tradicionales.

Barroco en las Américas coloniales española y portuguesa

Debido a la colonización de América por parte de los países europeos, el barroco se trasladó naturalmente al Nuevo Mundo, encontrando un terreno especialmente favorable en las regiones dominadas por España y Portugal, siendo ambos países centralizados e irreductiblemente católicos, por extensión sujetos a Roma y adherentes de el barroco contrarreformista más típico. Los artistas europeos emigraron a América e hicieron escuela, y junto con la penetración generalizada de los misioneros católicos, muchos de los cuales eran hábiles artistas, crearon un barroco multiforme a menudo influido por el gusto popular. Los artesanos criollos e indígenas hicieron mucho para darle a este barroco características únicas. Los principales centros de cultivo del barroco americano, que aún se mantienen en pie, son (en este orden) México, Brasil, Perú, Ecuador, Cuba, Colombia, Bolivia, Guatemala y Puerto Rico.

De particular interés es el llamado "Barroco Misionero", desarrollado en el marco de las reducciones españolas en áreas que se extienden desde México y partes del suroeste de los actuales Estados Unidos hasta el sur de Argentina y Chile, asentamientos indígenas organizados por católicos españoles. misioneros para convertirlos a la fe cristiana y aculturarlos en la vida occidental, formando un barroco híbrido influenciado por la cultura indígena, donde florecieron criollos y muchos indios artesanos y músicos, incluso letrados, algunos de gran capacidad y talento propios. Los relatos de los misioneros a menudo repiten que el arte occidental, especialmente la música, tenía un impacto hipnótico en los guardabosques, y se consideraba que las imágenes de los santos tenían grandes poderes. Muchos indios se convirtieron y se creó una nueva forma de devoción, de intensidad apasionada,

La arquitectura barroca colonial en Hispanoamérica se caracteriza por una profusa decoración (portal de la Iglesia de la Profesa, Ciudad de México; fachadas cubiertas con azulejos poblanos, como en la Iglesia de San Francisco Acatepec en San Andrés Cholula e Iglesia del Convento de San Francisco de Puebla), que se agudizará en el llamado estilo churrigueresco (Fachada del Sagrario de la Catedral de la Ciudad de México, de Lorenzo Rodríguez; Iglesia de San Francisco Javier, Tepotzotlán; Iglesia de Santa Prisca de Taxco). En el Perú, las construcciones desarrolladas mayoritariamente en las ciudades de Lima, Cusco, Arequipa y Trujillo a partir de 1650 muestran características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y columnas salomónicas (Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco; Basílica y Convento de San Francisco, Lima).Otros países incluyen: la Catedral Metropolitana de Sucre en Bolivia; Catedral Basílica de Esquipulas en Guatemala; Catedral de Tegucigalpa en Honduras; Catedral de León en Nicaragua; la Iglesia de la Compañía de Jesús en Quito, Ecuador; la Iglesia de San Ignacio en Bogotá, Colombia; la Catedral de Caracas en Venezuela; el Cabildo de Buenos Aires en Argentina; la Iglesia de Santo Domingo en Santiago, Chile; y la Catedral de La Habana en Cuba. También cabe recordar la calidad de las iglesias de las Misiones Jesuíticas Españolas en Bolivia, las Misiones Jesuíticas Españolas en Paraguay, las Misiones Españolas en México y las Misiones Franciscanas Españolas en California.

En Brasil, como en la metrópolis, Portugal, la arquitectura tiene cierta influencia italiana, generalmente de tipo borrominesco, como se puede ver en la Concatedral de Recife (1784) y la Iglesia de Nossa Senhora da Glória do Outeiro en Rio de Janeiro (1739). En la región de Minas Gerais, destacó la obra de Aleijadinho, autor de un conjunto de iglesias que se destacan por su planimetría curva, fachadas con efectos dinámicos cóncavo-convexos y un tratamiento plástico de todos los elementos arquitectónicos (Iglesia de São Francisco de Assis en Oro Preto, 1765-1788).

• La Iglesia de San Francisco Acatepec de México
• La Catedral de Chihuahua de México (1725-1792 )
• La Catedral de León de Nicaragua (1747–1814), Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO
• La Basílica Menor de San Francisco de Asís de La Habana (Cuba) (1548-1738 )
• La Iglesia de Rosário dos Pretos de Ouro Preto (Brasil) (1762-1799 )
• La Iglesia de San Agustín de Quito (Ecuador) (1606-1617 )
• El Palacio de Torre Tagle de Lima (Perú) (1715–1735 ), Balcones de Lima
• La Iglesia de Santo Domingo de Santiago (Chile) (1747–1808 )

El barroco en el Asia colonial española y portuguesa

En las colonias portuguesas de la India (Goa, Daman y Diu) floreció un estilo arquitectónico de formas barrocas mezcladas con elementos hindúes, como la Catedral de Goa y la Basílica de Bom Jesus de Goa, que alberga la tumba de San Francisco Javier. El conjunto de iglesias y conventos de Goa fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1986.

En Filipinas, que formó parte del imperio español durante mucho tiempo, se conservan un gran número de construcciones barrocas, entre ellas las Iglesias barrocas de Filipinas que cuatro de estas, y la ciudad barroca y neoclásica de Vigan, son ambas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Sitios del Patrimonio. También fue muy destacable la Ciudad Amurallada de Manila (Intramuros). Otra ciudad con notable barroco conservado de la época española es Tayabas.

Cuadro

Los pintores barrocos trabajaron deliberadamente para diferenciarse de los pintores del Renacimiento y del período manierista posterior. En su paleta utilizaron colores intensos y cálidos, y en particular hicieron uso de los colores primarios rojo, azul y amarillo, acercándolos frecuentemente a los tres.Evitaron la iluminación uniforme de la pintura renacentista y utilizaron fuertes contrastes de luz y oscuridad en ciertas partes del cuadro para dirigir la atención a las acciones o figuras centrales. En su composición evitaron las escenas tranquilas de la pintura renacentista y eligieron los momentos de mayor movimiento y dramatismo. A diferencia de los rostros tranquilos de las pinturas renacentistas, los rostros de las pinturas barrocas expresaban claramente sus emociones. A menudo usaban la asimetría, con la acción ocurriendo lejos del centro de la imagen, y creaban ejes que no eran ni verticales ni horizontales, sino inclinados hacia la izquierda o hacia la derecha, dando una sensación de inestabilidad y movimiento. Mejoraron esta impresión de movimiento haciendo que los trajes de los personajes fueran llevados por el viento o movidos por sus propios gestos. Las impresiones generales fueron movimiento,Otro elemento esencial de la pintura barroca fue la alegoría; cada pintura contaba una historia y tenía un mensaje, a menudo encriptado en símbolos y caracteres alegóricos, que se esperaba que un espectador educado supiera y leyera.

Las primeras pruebas de las ideas barrocas italianas en la pintura se produjeron en Bolonia, donde Annibale Carracci, Agostino Carracci y Ludovico Carracci intentaron devolver las artes visuales al clasicismo ordenado del Renacimiento. Su arte, sin embargo, también incorporó ideas centrales de la Contrarreforma; estos incluían emociones intensas e imágenes religiosas que atraían más al corazón que al intelecto.

Otro pintor influyente de la era barroca fue Michelangelo Merisi da Caravaggio. Su acercamiento realista a la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente sobre un fondo oscuro, conmocionó a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. Otros pintores importantes asociados estrechamente con el estilo barroco incluyen a Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo y Paolo de Matteis en Italia; Francisco de Zurbarán y Diego Velázquez en España; Adam Elsheimer en Alemania; y Nicolas Poussin y Georges de La Tour en Francia (aunque Poussin pasó la mayor parte de su vida laboral en Italia). Poussin y La Tour adoptaron un estilo barroco "clásico" con menos énfasis en la emoción y mayor atención a la línea de las figuras en la pintura que al color.

Peter Paul Rubens fue el pintor más importante del estilo barroco flamenco. Las composiciones altamente cargadas de Rubens hacen referencia a aspectos eruditos de la historia clásica y cristiana. Su estilo barroco único e inmensamente popular enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad, que seguían el estilo artístico dramático e inmediato promovido en la Contrarreforma. Rubens se especializó en la realización de retablos, retratos, paisajes y cuadros de historia de temas mitológicos y alegóricos.

Un dominio importante de la pintura barroca fue Quadratura , o pinturas en trampantojo , que literalmente "engañaban al ojo". Estos generalmente estaban pintados en el estuco de los techos o paredes superiores y balaustradas, y daban la impresión a los que estaban en el suelo mirando hacia arriba que estaban viendo los cielos poblados con multitudes de ángeles, santos y otras figuras celestiales, en contraste con cielos pintados y arquitectura imaginaria.

En Italia, los artistas colaboraban a menudo con los arquitectos en la decoración de interiores; Pietro da Cortona fue uno de los pintores del siglo XVII que empleó esta forma ilusionista de pintar. Entre sus encargos más importantes se encuentran los frescos que pintó para el Palacio de la familia Barberini (1633-1639), para glorificar el reinado del Papa Urbano VIII. Las composiciones de Pietro da Cortona fueron los frescos decorativos más grandes ejecutados en Roma desde la obra de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

François Boucher fue una figura importante en el estilo rococó francés más delicado, que apareció durante el período barroco tardío. Diseñó tapices, alfombras y decoración teatral además de pintura. Su trabajo fue extremadamente popular entre Madame Pompadour, la amante del rey Luis XV. Sus pinturas presentaban temas románticos mitológicos y levemente eróticos.

• Triunfo de Baco y Adriane (parte de Los amores de los dioses ); de Annibale Carracci; alrededor de 1597-1600; fresco; longitud (galería): 20,2 m; Palacio Farnese (Roma)
• La Vocación de San Mateo ; de Caravaggio; 1599–1600; óleo sobre lienzo; 3,2 x 3,4 m; Iglesia de San Luis de los Franceses (Roma)
• Los Cuatro Continentes ; de Peter Paul Rubens; alrededor de 1615; óleo sobre lienzo; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)
• El rapto de las sabinas ; de Nicolás Poussin; 1634–1635; óleo sobre lienzo; 154,6 x 209,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Carlos I a la caza ; por Anthony van Dyck; alrededor de 1635; óleo sobre lienzo; 2,66 x 2,07 m; Lumbrera
• la ronda de noche ; por Rembrandt; 1642; óleo sobre lienzo; 363 × 437 cm; Rijksmuseum (Ámsterdam, Países Bajos)
• el arte de pintar ; de Johannes Vermeer; 1666–1668; óleo sobre lienzo; 1,3 x 1,1 m; Museo Kunsthistorisches
• El Retrato de Luis XIV ; de Hyacinthe Rigaud; 1701; óleo sobre lienzo; 277 × 194 cm; Lumbrera

Hispanoamérica

En Hispanoamérica, las primeras influencias fueron del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán —algunas de cuyas obras aún se conservan en México y Perú—, como puede verse en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. La Escuela de pintura cusqueña surge tras la llegada del pintor italiano Bernardo Bitti en 1583, quien introdujo el manierismo en América. Destacó la obra de Luis de Riaño, discípulo del italiano Angelino Medoro, autor de los murales de la Iglesia de San Pedro de Andahuaylillas. También se destacaron los pintores indios (quechuas) Diego Quispe Tito y Basilio Santa Cruz Pumacallao, así como Marcos Zapata, autor de los cincuenta grandes lienzos que cubren los altos arcos de la Catedral del Cusco. En Ecuador se formó la Escuela de Quito,

En el siglo XVIII los retablos escultóricos comienzan a ser sustituidos por pinturas, desarrollándose notablemente la pintura barroca en América. Asimismo, creció la demanda de obras civiles, principalmente retratos de las clases aristocráticas y la jerarquía eclesiástica. La principal influencia fue la murillesca, y en algunos casos -como en el criollo Cristóbal de Villalpando- la de Valdés Leal. La pintura de esta época tiene un tono más sentimental, con formas dulces y más suaves. Destacan Gregorio Vásquez de Arce en Colombia, y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.

Escultura

La figura dominante en la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini. Bajo el patrocinio del Papa Urbano VIII, realizó una notable serie de estatuas monumentales de santos y personajes cuyos rostros y gestos expresaban vívidamente sus emociones, así como bustos retratos de un realismo excepcional, y obras altamente decorativas para el Vaticano como la imponente Cátedra de San Pedro bajo la cúpula de la Basílica de San Pedro. Además, diseñó fuentes con grupos monumentales de escultura para decorar las principales plazas de Roma.

La escultura barroca se inspiró en la antigua estatuaria romana, particularmente en la famosa estatua de Laocoonte del siglo I d.C., que fue desenterrada en 1506 y expuesta en la galería del Vaticano. Cuando visitó París en 1665, Bernini se dirigió a los estudiantes de la academia de pintura y escultura. Aconsejó a los estudiantes que trabajaran a partir de modelos clásicos, en lugar de la naturaleza. Les dijo a los estudiantes: "Cuando tuve problemas con mi primera estatua, consulté a Antinous como un oráculo". Esa estatua de Antínoo se conoce hoy como el Hermes del Museo Pio-Clementino.

Los escultores barrocos franceses tardíos notables incluyeron a Étienne Maurice Falconet y Jean Baptiste Pigalle. Pigalle recibió el encargo de Federico el Grande de hacer estatuas para la propia versión de Versalles de Federico en Sanssouci en Potsdam, Alemania. Falconet también recibió un importante encargo extranjero, creando la famosa estatua de Pedro el Grande a caballo encontrada en San Petersburgo.

En España, el escultor Francisco Salzillo trabajó exclusivamente en temas religiosos, utilizando madera policromada. Algunas de las mejores artesanías escultóricas barrocas se encontraron en los altares de estuco dorado de las iglesias de las colonias españolas del Nuevo Mundo, hechos por artesanos locales; los ejemplos incluyen la Capilla del Rosario de la Iglesia de Santo Domingo en Oaxaca (México), 1724–1731.

• Apolo y Dafne ; de Gian Lorenzo Bernini; 1622-1625; mármol; altura: 2,43 m; Galería Borghese
• Cariátides en el Pavillon de l'Horloge (Palacio del Louvre), de Jacques Sarazin, 1639-1640
• Santa Verónica ; de Francesco Mochi; 1629-1639; mármol de carrara; altura: 5m; Basílica de San Pedro (Ciudad del Vaticano)
• Busto de Andries de Graeff ; por Artus Quellinus el Viejo; 1661; mármol; alto: 76 cm, ancho: 76 cm, espesor: 36 cm; Rijksmuseum (Ámsterdam, Países Bajos)
• La Fuente de Saturno ; de François Girardon; 1672-1677; plomo dorado; Palacio de Versalles (Francia)
• La fama del rey montando a Pegaso ; de Antoine Coysevox; 1701-1702; mármol de carrara; alto: 3,15 m, ancho: 2,91 m, profundidad: 1,28 m; Lumbrera
• La muerte de Adonis ; de Giuseppe Mazzuoli; década de 1710; mármol; altura: 193 cm; Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia)
• Mercurio calzándose las zapatillas de correr ; de Jean-Baptiste Pigalle; 1753; dirigir; 187 × 108 × 106 cm; Lumbrera

Muebles

Los principales motivos utilizados son: cuernos de la abundancia, festones, angelitos, cabezas de león con un anillo de metal en la boca, rostros femeninos rodeados de guirnaldas, cartelas ovaladas, hojas de acanto, columnas clásicas, cariátides, frontones y otros elementos de la arquitectura clásica. esculpidas en algunas partes de muebles, cestas con frutas o flores, conchas, armaduras y trofeos, cabezas de Apolo o Baco, y volutas en forma de C.

Durante el primer período del reinado de Luis XIV, los muebles seguían el estilo anterior de Luis XIII, eran macizos y estaban profusamente decorados con esculturas y dorados. Después de 1680, gracias en gran parte al diseñador de muebles André Charles Boulle, apareció un estilo más original y delicado, a veces conocido como trabajo de Boulle. Se basaba en la incrustación de ébano y otras maderas raras, una técnica utilizada por primera vez en Florencia en el siglo XV, que fue refinada y desarrollada por Boulle y otros que trabajaban para Luis XIV. Los muebles estaban incrustados con placas de ébano, cobre y maderas exóticas de diferentes colores.

Aparecieron tipos de muebles nuevos y, a menudo, duraderos; la cómoda, con dos a cuatro cajones, reemplazó al viejo coffre o cómoda. Apareció el canapé , o sofá, en forma de combinación de dos o tres sillones. Aparecieron nuevos tipos de sillones, incluido el fauteuil en confessionale o "sillón confesional", que tenía cojines acolchados a ambos lados del respaldo de la silla. La mesa consola también hizo su primera aparición; fue diseñado para ser colocado contra una pared. Otro nuevo tipo de mobiliario fue la table à gibier , una mesa con tablero de mármol para sostener platos. Aparecieron las primeras variedades del escritorio; el escritorio Mazarin tenía una parte central retranqueada, colocada entre dos columnas de cajones, con cuatro pies en cada columna.

• Armario con escenas de la vida de Cristo; 1620-1640; chapa, madera de roble y nogal, peral y ébano, acero y latón; Museo Nacional de Varsovia (Polonia)
• Armario con escenas de caza; 1620-1640; chapa, madera de roble y nogal, abedul, palo de rosa y muchos otros tipos de madera y acero; 174 × 148 × 63 cm; Museo Nacional de Varsovia
• vestuario holandés; 1625-1650; roble con chapas de ébano y palisandro; total: 244,5 x 224,3 x 85,2 cm; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• Pequeño escritorio con tapa plegable (bureau brisé); alrededor de 1685; roble, pino, nogal enchapado en ébano, palisandro, y marquetería de carey y latón grabado, bronce dorado y acero; 77 x 106 x 59,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• mesa de muelle francés; 1685–1690; madera tallada, yesada y dorada, con tapa de mármol; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Instituto de Arte de Chicago (Estados Unidos)
• Consola que representa a Chronos, o el padre del tiempo; 1695; madera pintada y dorada, con mármol en su parte superior; total: 95,3 x 107,3 ​​x 62,9 cm; Museo de Arte de Cleveland
• Cómoda; de André Charles Boulle; alrededor de 1710-1720; ébano, monturas de bronce dorado y otros materiales; 87,6 × 128,3 × 62,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Recepción inclinada alemana; por Heinrich Ludwig Rohde o Ferdinand Plitzner; alrededor de 1715-1725; marquetería con arce, amaranto, caoba y nogal sobre abeto y roble; 90 × 84 × 44,5 cm; de Maguncia (Alemania); Instituto de Arte de Chicago

Música

El término barroco también se usa para designar el estilo de música compuesto durante un período que se superpone con el del arte barroco. Los primeros usos del término 'barroco' para música fueron críticas. En una reseña anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impresa en el Mercure de France en mayo de 1734, el crítico insinuó que la novedad de esta ópera era "du barocque", quejándose de que la música carecía de una melodía coherente. , estaba lleno de incesantes disonancias, cambiaba constantemente de tonalidad y métrica, y recorría rápidamente todos los recursos compositivos. Jean-Jacques Rousseau, músico y destacado compositor además de filósofo, hizo una observación muy similar en 1768 en la famosa Encyclopédie de Denis Diderot: "La música barroca es aquella en la que la armonía se confunde, y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' usado por los lógicos".

El uso común del término para la música de la época comenzó recién en 1919, por Curt Sachs, y no fue hasta 1940 que se utilizó por primera vez en inglés en un artículo publicado por Manfred Bukofzer.

El barroco fue un período de experimentación e innovación musical. Se inventaron nuevas formas, incluyendo el concierto y la sinfonía. La ópera nació en Italia a finales del siglo XVI (con Dafne , casi perdida, de Jacopo Peri, producida en Florencia en 1598) y pronto se extendió por el resto de Europa: Luis XIV creó la primera Real Academia de Música, en 1669, el poeta Pierre Perrin abrió una academia de ópera en París, el primer teatro de ópera en Francia abierto al público, y estrenó Pomone , la primera gran ópera en francés, con música de Robert Cambert, con cinco actos, maquinaria escénica elaborada y un ballet. Heinrich Schütz en Alemania, Jean-Baptiste Lully en Francia y Henry Purcell en Inglaterra ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII.

Durante este período se introdujeron varios instrumentos nuevos, incluido el piano. La invención del piano se atribuye a Bartolomeo Cristofori (1655–1731) de Padua, Italia, quien fue empleado por Ferdinando de' Medici, Gran Príncipe de Toscana, como Guardián de los Instrumentos. Cristofori nombró al instrumento un cimbalo di cipresso di piano e forte ("un teclado de ciprés con suave y fuerte"), abreviado con el tiempo como pianoforte , fortepiano y más tarde, simplemente, piano.

Compositores y ejemplos

• Giovanni Gabrieli (c. 1554/1557–1612) Sonata pian' e forte (1597), In Ecclesiis (de Symphoniae sacrae libro 2, 1615)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580-1651) Libro primo di villanelle, 20 (1610)
• Claudio Monteverdi (1567-1643), L'Orfeo, favola in musica (1610)
• Heinrich Schütz (1585–1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
• Francesco Cavalli (1602-1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662), Scipione affricano (1664)
• Jean-Baptiste Lully (1632-1687), Armide (1686)
• Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), Te Deum (1688-1698)
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704), Mystery Sonatas (1681)
• John Blow (1649–1708), Venus y Adonis (1680–1687)
• Johann Pachelbel (1653-1706), canon en re (1680)
• Arcangelo Corelli (1653-1713), 12 concerti grossi, op. 6 (1714)
• Marin Marais (1656-1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
• Henry Purcell (1659–1695), Dido y Eneas (1688)
• Alessandro Scarlatti (1660-1725), L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridate Eupatore (1707)
• François Couperin (1668-1733), Las barricadas misteriosas (1717)
• Tomaso Albinoni (1671-1751), Didone abbandonata (1724)
• Antonio Vivaldi (1678-1741), Las cuatro estaciones (1725)
• Jan Dismas Zelenka (1679-1745), Il Serpente di Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
• Georg Philipp Telemann (1681-1767), Der Tag des Gerichts (1762)
• Juan David Heinichen (1683-1729)
• Jean-Philippe Rameau (1683-1764), Dárdano (1739)
• George Frideric Handel (1685-1759), Música acuática (1717), Mesías (1741)
• Domenico Scarlatti (1685-1757), Sonatas para clavecín
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Tocata y fuga en re menor (1703–1707), Conciertos de Brandenburgo (1721), Pasión según San Mateo (1727)
• Nicola Porpora (1686-1768), Semiramide riconosciuta (1729)
• Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), Stabat Mater (1736)

Danza

El ballet clásico también se originó en la época barroca. El estilo de danza de la corte fue traído a Francia por Marie de Medici, y al principio los propios miembros de la corte eran los bailarines. El propio Luis XIV actuó en público en varios ballets. En marzo de 1662, el rey fundó la Académie Royale de Danse. Fue la primera escuela y compañía de danza profesional y estableció los estándares y el vocabulario del ballet en toda Europa durante el período.

Teatro

El período barroco fue una época dorada para el teatro en Francia y España; los dramaturgos incluyeron a Corneille, Racine y Molière en Francia; y Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca en España.

Durante el período barroco, el arte y el estilo del teatro evolucionaron rápidamente, junto con el desarrollo de la ópera y el ballet. El diseño de teatros más nuevos y más grandes, la invención del uso de maquinaria más elaborada, el uso más amplio del arco del proscenio, que enmarcaba el escenario y ocultaba la maquinaria de la audiencia, fomentó más efectos escénicos y espectáculo.

El barroco tuvo un carácter católico y conservador en España, siguiendo un modelo literario italiano durante el Renacimiento. El teatro barroco hispano pretendía un contenido público con una realidad ideal que manifestaba tres sentimientos fundamentales: la religión católica, el orgullo monárquico y nacional y el honor proveniente del mundo caballeresco y caballeresco.

En el teatro barroco español se conocen dos periodos, produciéndose la división en 1630. El primer periodo está representado principalmente por Lope de Vega, pero también por Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente o Juan Pérez de Montalbán. El segundo período está representado por Pedro Calderón de la Barca y sus compañeros dramaturgos Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto y Francisco Bances Candamo .Estas clasificaciones son flojas porque cada autor tenía su manera y en ocasiones podía adherirse a la fórmula establecida por Lope. Incluso puede ser que el "modo" de Lope fuera más liberal y estructurado que el de Calderón.

Lope de Vega introdujo a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la comedia nueva . Estableció una nueva fórmula dramática que rompió las tres unidades de Aristóteles de la escuela de poesía italiana (acción, tiempo y lugar) y una cuarta unidad de Aristóteles que trata sobre el estilo, mezclando elementos trágicos y cómicos mostrando diferentes tipos de versos y estrofas. sobre lo representado. Aunque Lope tiene un gran conocimiento de las artes plásticas, no las utilizó durante la mayor parte de su carrera ni en el teatro ni en la escenografía. La comedia de Lope otorgó un segundo protagonismo a los aspectos visuales de la representación teatral.

Tirso de Molina, Lope de Vega y Calderón fueron los dramaturgos más importantes de la España del Siglo de Oro. Sus obras, conocidas por su sutil inteligencia y profunda comprensión de la humanidad de una persona, podrían considerarse un puente entre la comedia primitiva de Lope y la comedia más elaborada de Calderón. Tirso de Molina es más conocido por dos obras, Las sospechas condenadas y El embaucador de Sevilla , una de las primeras versiones del mito de Don Juan.

A su llegada a Madrid, Cosimo Lotti trajo a la corte española las técnicas teatrales más avanzadas de Europa. Sus técnicas y conocimientos mecánicos fueron aplicados en exposiciones palaciegas denominadas "Fiestas" y en fastuosas exhibiciones de ríos o fuentes artificiales denominadas "Naumaquias". Se encargó del estilismo de los Jardines del Buen Retiro, de la Zarzuela y de Aranjuez y de la construcción del edificio teatral del Coliseo del Buen Retiro.Las fórmulas de Lope comienzan con un verso que desmerece la fundación del teatro palaciego y el nacimiento de nuevos conceptos que iniciaron la carrera de algunos dramaturgos como Calderón de la Barca. Marcando las principales novedades de la Nueva Comedia Lopesiana, el estilo de Calderón marcó muchas diferencias, con mucho cuidado constructivo y atención a su estructura interna. La obra de Calderón está en la perfección formal y un lenguaje muy lírico y simbólico. La libertad, vitalidad y apertura de Lope dieron un paso a la reflexión intelectual y precisión formal de Calderón. En su comedia reflejó sus intenciones ideológicas y doctrinales por encima de la pasión y la acción, la obra de Autos sacramentales alcanzó altos rangos.El género de Comedia es político, multiartístico y en cierto sentido híbrido. El texto poético entrelazado con Medias y recursos provenientes de la arquitectura, la música y la pintura liberando el engaño que hay en la comedia lopesiana se compuso de la falta de escenografía y entablando el diálogo de la acción.

El dramaturgo alemán más conocido fue Andreas Gryphius, quien utilizó el modelo jesuita de los holandeses Joost van den Vondel y Pierre Corneille. También estuvo Johannes Velten, quien combinó las tradiciones de los comediantes ingleses y la commedia dell'arte con el teatro clásico de Corneille y Molière. Su compañía itinerante fue quizás la más significativa e importante del siglo XVII.

América colonial española

Siguiendo la evolución marcada desde España, a finales del siglo XVI, las compañías de humoristas, esencialmente trashumantes, comenzaron a profesionalizarse. Con la profesionalización vino la regulación y la censura: como en Europa, el teatro osciló entre la tolerancia e incluso la protección del gobierno y el rechazo (salvo excepciones) o la persecución por parte de la Iglesia. El teatro sirvió a las autoridades como instrumento para difundir las conductas y modelos deseados, el respeto al orden social ya la monarquía, escuela del dogma religioso.

Los corrales se administraban en beneficio de los hospitales que compartían los beneficios de las representaciones. Las compañías ambulantes (o "de la liga"), que llevaban el teatro en escenarios al aire libre improvisados ​​por las regiones que no tenían locales fijos, requerían una licencia virreinal para trabajar, cuyo precio o pinción se destinaba a limosnas y obras piadosas . .Para las empresas que trabajaban de manera estable en las capitales y ciudades importantes, una de sus principales fuentes de ingresos era la participación en las festividades del Corpus Christi, lo que les reportaba no solo beneficios económicos, sino también reconocimiento y prestigio social. Las representaciones en el palacio virreinal y las casonas de la aristocracia, donde representaban tanto las comedias de su repertorio como montajes especiales con grandes efectos de luces, escenografía y escenografía, fueron también fuente importante de trabajo bien remunerado y de prestigio.

Nacido en el Virreinato de la Nueva España pero luego radicado en España, Juan Ruiz de Alarcón es la figura más destacada del teatro barroco novohispano. A pesar de su acomodación a la nueva comedia de Lope de Vega, se ha señalado su "marcado laicismo", su discreción y mesura, y una aguda capacidad de "penetración psicológica" como rasgos distintivos de Alarcón frente a sus contemporáneos españoles. Destaca entre sus obras La verdad sospechosa , una comedia de personajes que reflejaba su constante propósito moralizador. La producción dramática de Sor Juana Inés de la Cruz la sitúa como la segunda figura del teatro barroco hispanoamericano..

Jardines

El jardín barroco, también conocido como jardin à la française o jardín formal francés, apareció por primera vez en Roma en el siglo XVI, y luego fue más famoso en Francia en el siglo XVII en los jardines de Vaux le Vicomte y el Palacio de Versalles. Los jardines barrocos fueron construidos por reyes y príncipes en Alemania, los Países Bajos, Austria, España, Polonia, Italia y Rusia hasta mediados del siglo XVIII, cuando comenzaron a transformarse en jardines paisajistas ingleses más naturales.

El propósito del jardín barroco era ilustrar el poder del hombre sobre la naturaleza y la gloria de su constructor. Los jardines barrocos se dispusieron en patrones geométricos, como las habitaciones de una casa. Por lo general, se los veía mejor desde el exterior y mirando hacia abajo, ya sea desde un castillo o una terraza. Los elementos de un jardín barroco incluían parterres de macizos de flores o setos bajos adornados con diseños barrocos ornamentados, y callejones rectos y callejones de grava que dividían y entrecruzaban el jardín. Se colocaron terrazas, rampas, escaleras y cascadas donde había diferencias de altura, y proporcionaron puntos de observación. Estanques circulares o rectangulares o cuencas de agua fueron escenarios de fuentes y estatuas. Bosquets o arboledas cuidadosamente recortadas o líneas de árboles idénticos, daban la apariencia de muros de vegetación y eran fondos para estatuas.

Los jardines barrocos requerían una enorme cantidad de jardineros, recortes continuos y abundante agua. En la última parte del período barroco, los elementos formales comenzaron a ser reemplazados por características más naturales, incluidos caminos sinuosos, arboledas de árboles variados que se dejaban crecer sin podar; arquitectura rústica y estructuras pintorescas, como templos romanos o pagodas chinas, así como "jardines secretos" en los bordes del jardín principal, llenos de vegetación, donde los visitantes podían leer o tener conversaciones tranquilas. A mediados del siglo XVIII, la mayoría de los jardines barrocos se transformaron parcial o totalmente en variaciones del jardín paisajista inglés.

Además de Versalles y Vaux-le-Vicomte, los célebres jardines barrocos que aún conservan gran parte de su apariencia original incluyen el Palacio Real de Caserta, cerca de Nápoles; Palacio de Nymphenburg y Palacios de Augustusburg y Falkenlust, Brühl en Alemania; el Palacio Het Loo en los Países Bajos; el Palacio Belvedere en Viena; el Palacio Real de La Granja de San Ildefonso en España; y el Palacio Peterhof en San Petersburgo, Rusia.

• Jardín de Vaux-le-Vicomte (Francia) visto desde el castillo (1656-1661)
• Vista de la fachada del jardín del Palacio de Versalles en la década de 1680
• Plano del Jardín de las Tullerías (Francia), diseñado por André Le Nôtre (alrededor de 1671)
• Parterres restaurados del Palacio de Belvedere (Viena, Austria) en la actualidad

Diferencias entre rococó y barroco

Las siguientes son características que tiene el rococó y que no tiene el barroco:

• El abandono parcial de la simetría, estando todo compuesto de graciosas líneas y curvas, similares a las del Art Nouveau.
• La gran cantidad de curvas asimétricas y volutas en forma de C
• El uso muy amplio de flores en la ornamentación, un ejemplo son los festones hechos de flores.
• Motivos chinos y japoneses
• Colores pastel cálidos (amarillo blanquecino, crema, grises perla, azules muy claros)

Fin del estilo, condena y redescubrimiento académico

Madame de Pompadour, la amante de Luis XV, contribuyó al declive del estilo barroco y rococó. En 1750 envió a su sobrino, Abel-François Poisson de Vandières, en una misión de dos años para estudiar los desarrollos artísticos y arqueológicos en Italia. Lo acompañaron varios artistas, entre ellos el grabador Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot. Regresaron a París apasionados por el arte clásico. Vandiéres se convirtió en marqués de Marigny y fue nombrado director real de edificios en 1754. Orientó la arquitectura oficial francesa hacia el neoclásico. Cochin se convirtió en un importante crítico de arte; denunció el petit style de Boucher y pidió un gran estilo con un nuevo énfasis en la antigüedad y la nobleza en las academias de pintura de arquitectura.

El pionero historiador del arte y arqueólogo alemán Johann Joachim Winckelmann también condenó el estilo barroco y elogió los valores superiores del arte y la arquitectura clásicos. En el siglo XIX, el barroco era blanco de burlas y críticas. El crítico neoclásico Francesco Milizia escribió: "Borrominini en arquitectura, Bernini en escultura, Pietro da Cortona en pintura... son una plaga del buen gusto, que infectó a un gran número de artistas". En el siglo XIX, la crítica fue aún más lejos; el crítico británico John Ruskin declaró que la escultura barroca no solo era mala, sino también moralmente corrupta.

El historiador de arte de origen suizo Heinrich Wölfflin (1864-1945) inició la rehabilitación de la palabra barroco en su Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identificó el barroco como "movimiento importado en masa", un arte antitético al arte renacentista. No hizo las distinciones entre manierismo y barroco que hacen los escritores modernos, e ignoró la fase posterior, el barroco académico que duró hasta el siglo XVIII. El arte y la arquitectura barrocos se pusieron de moda en el período de entreguerras y en gran medida se han mantenido en el favor de la crítica. El término "barroco" todavía se puede usar, generalmente de manera peyorativa, para describir obras de arte, artesanía o diseño que se cree que tienen una ornamentación excesiva o una complejidad de línea.

Arte del renacimiento barroco

El final del siglo XIX fue una época dorada para los estilos de renacimiento, incluido el renacimiento barroco o el neobarroco.

Además de su función práctica (protectora), el rostro también tiene fines estéticos y arquitectónicos. Refleja los estilos predominantes de una determinada época. Los adornos son los "adornos" más comunes de los edificios. Los ornamentos utilizados en la arquitectura de los siglos XVII y XVIII se reutilizan en los edificios del Renacimiento barroco, que incluyen: cuernos de la abundancia, festones, angelitos, mascarons femeninos o masculinos, cartuchos ovalados, hojas de acanto, columnas clásicas, cariátides, frontones y otros elementos de Greco- arquitectura romana. La mayoría de los edificios del renacimiento barroco tienen techos abuhardillados, generalmente azules o, a veces, negros, con ventanas ovaladas o abuhardilladas. Algunas de las casas de este estilo tienen ventanas de óculo en forma de cartucho, generalmente con un mascarón en la parte superior o inferior. En Francia y Rumania, muchas de las entradas tienen toldos (francés: Marquesa; Rumano: marchiză ), hecho de vidrio y metal, generalmente en forma de concha marina. En estos dos condados, especialmente en Rumania, el neobarroco a veces se combinaba con el art nouveau. Los edificios Beaux-Arts de finales de la década de 1890 y principios de la de 1900 son muy buenos ejemplos de la arquitectura del renacimiento barroco. Los edificios neobarrocos más famosos de París son: el Pavillon de Flore (parte del Palais du Louvre), el Palais Garnier, el Petit Palais y el Grand Palais. Los arquitectos importantes de este estilo incluyen a Charles Garnier (1825–1898), Ferdinand Fellner (1847–1917), Hermann Helmer (1849–1919) e Ion D. Berindey (1871–1928).

En las artes decorativas, el renacimiento barroco suele conocerse como estilo Napoleón III o estilo Segundo Imperio. Los objetos de este estilo fueron muy apreciados a finales de la década de 1890 y principios de la de 1900 en Rumanía, muchos de ellos traídos de Francia o Austria. Una de las principales influencias fue el estilo Luis XVI, o neoclasicismo francés, que fue el preferido por la emperatriz Eugenia. Sus habitaciones en el Palacio de las Tullerías y otros lugares estaban decoradas con este estilo. Otras influencias incluyen el Renacimiento francés y el estilo Enrique II, que fueron influencias populares en cofres y gabinetes, buffets y credencias, que eran enormes y estaban construidas como pequeñas catedrales, decoradas con columnas, frontones, cartuchos, mascarones y ángeles y quimeras tallados. Por lo general, se construían de nogal o roble, oa veces de poirier teñido para parecerse al ébano.