Arte posmoderno

El arte posmoderno es un cuerpo de movimientos artísticos que buscaba contradecir algunos aspectos del modernismo o algunos aspectos que surgieron o se desarrollaron después. En general, los movimientos como la intermedia, el arte de instalación, el arte conceptual y los multimedia, particularmente los relacionados con el video, se describen como posmodernos.

Hay varias características que hacen que el arte sea posmoderno; estos incluyen el bricolaje, el uso prominente del texto como elemento artístico central, el collage, la simplificación, la apropiación, el arte escénico, el reciclaje de estilos y temas del pasado en un contexto moderno, así como la ruptura de la barrera entre las bellas y las artes superiores y el arte inferior y la cultura popular.

Uso del término

El término predominante para el arte producido desde la década de 1950 es "arte contemporáneo". No todo el arte etiquetado como arte contemporáneo es posmoderno, y el término más amplio abarca tanto a los artistas que continúan trabajando en las tradiciones modernistas y modernistas tardías, como a los artistas que rechazan el posmodernismo por otras razones. Arthur Danto argumenta que "contemporáneo" es el término más amplio, y los objetos posmodernos representan un "subsector" del movimiento contemporáneo. Algunos artistas posmodernos han hecho rupturas más distintivas con las ideas del arte moderno y no hay consenso sobre qué es "moderno tardío" y qué es "posmoderno". Se han restablecido ideas rechazadas por la estética moderna. En la pintura, el posmodernismo reintrodujo la representación.Algunos críticos argumentan que gran parte del arte "posmoderno" actual, el último vanguardismo, aún debería clasificarse como arte moderno.

Además de describir ciertas tendencias del arte contemporáneo, posmoderno también se ha utilizado para denotar una fase del arte moderno. Los defensores del modernismo, como Clement Greenberg, así como los opositores radicales del modernismo, como Félix Guattari, quien lo llama el "último suspiro" del modernismo, han adoptado esta posición. El neoconservador Hilton Kramer describe el posmodernismo como "una creación del modernismo al final de sus fuerzas". Jean-François Lyotard, en el análisis de Fredric Jameson, no sostiene que haya una etapa posmoderna radicalmente diferente del período de la alta modernidad; en cambio, el descontento posmoderno con este o aquel alto estilo modernista es parte de la experimentación del alto modernismo, dando nacimiento a nuevos modernismos.En el contexto de la estética y el arte, Jean-François Lyotard es un gran filósofo del posmodernismo.

Muchos críticos sostienen que el arte posmoderno surge del arte moderno. Las fechas sugeridas para el cambio de lo moderno a lo posmoderno incluyen 1914 en Europa y 1962 o 1968 en Estados Unidos. James Elkins, al comentar las discusiones sobre la fecha exacta de la transición del modernismo al posmodernismo, la compara con la discusión de la década de 1960 sobre el período exacto del manierismo y si debería comenzar directamente después del Alto Renacimiento o más adelante en el siglo. Señala que estos debates continúan todo el tiempo con respecto a los movimientos y períodos artísticos, lo que no quiere decir que no sean importantes.El cierre del período del arte posmoderno se ha fechado a fines de la década de 1980, cuando la palabra posmodernismo perdió gran parte de su resonancia crítica y las prácticas artísticas comenzaron a abordar el impacto de la globalización y los nuevos medios.

Jean Baudrillard ha tenido una influencia significativa en el arte de inspiración posmoderna y enfatizó las posibilidades de nuevas formas de creatividad. El artista Peter Halley describe sus colores diurnos como "hiperrealización del color real" y reconoce a Baudrillard como una influencia. El mismo Baudrillard, desde 1984, fue bastante consistente en su visión del arte contemporáneo, y el arte posmoderno en particular, era inferior al arte modernista del período posterior a la Segunda Guerra Mundial, mientras que Jean-François Lyotard elogió la pintura contemporánea y comentó sobre su evolución desde Modern Arte.Las principales mujeres artistas del siglo XX están asociadas con el arte posmoderno ya que gran parte de la articulación teórica de su trabajo surgió del psicoanálisis francés y la teoría feminista que está fuertemente relacionada con la filosofía posmoderna.

El filósofo marxista estadounidense Fredric Jameson argumenta que la condición de vida y producción se reflejará en todas las actividades, incluida la creación de arte.

Como ocurre con todos los usos del término posmoderno, existen críticos de su aplicación. Kirk Varnedoe, por ejemplo, afirmó que no existe el posmodernismo y que las posibilidades del modernismo aún no se han agotado. Aunque el uso del término como una especie de abreviatura para designar el trabajo de ciertas "escuelas" de la posguerra que emplean material relativamente específico y técnicas genéricas se ha vuelto convencional desde mediados de la década de 1980, los fundamentos teóricos del posmodernismo como una división epocal o epistémica todavía están muy en controversia.

Definición del arte posmoderno

El posmodernismo describe movimientos que surgen de las tendencias del modernismo y reaccionan contra ellas o las rechazan. Las citas generales para tendencias específicas del modernismo son la pureza formal, la especificidad del medio, el arte por el arte, la autenticidad, la universalidad, la originalidad y la tendencia revolucionaria o reaccionaria, es decir, la vanguardia. Sin embargo, la paradoja es probablemente la idea modernista más importante contra la que reacciona el posmodernismo. La paradoja fue fundamental para la empresa modernista, que introdujo Manet. Las diversas violaciones del arte representativo por parte de Manet destacaron la supuesta exclusividad mutua de la realidad y la representación, el diseño y la representación, la abstracción y la realidad, etc. La incorporación de la paradoja fue muy estimulante desde Manet a los conceptualistas.

El estatus de la vanguardia es controvertido: muchas instituciones argumentan que ser visionario, vanguardista, vanguardista y progresista son cruciales para la misión del arte en el presente y, por lo tanto, el arte posmoderno contradice el valor del "arte de nuestro tiempo". ". El posmodernismo rechaza la noción de avance o progreso en el arte per se y, por lo tanto, pretende derrocar el "mito de la vanguardia". Rosalind Krauss fue una de las enunciadoras importantes de la visión de que el vanguardismo había terminado y la nueva era artística es posliberal y posprogresista. Griselda Pollock estudió y confrontó el arte vanguardista y moderno en una serie de libros innovadores, revisando el arte moderno al mismo tiempo que redefine el arte posmoderno.

Una característica del arte posmoderno es su fusión de alta y baja cultura mediante el uso de materiales industriales e imágenes de la cultura pop. El uso de formas de arte bajas también formó parte de la experimentación modernista, como se documenta en la exposición High and Low: Popular Culture and Modern Art de Kirk Varnedoe y Adam Gopnik de 1990-1991 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, una exposición que fue universalmente criticado en ese momento como el único evento que podría unir a Douglas Crimp y Hilton Kramer en un coro de desprecio. El arte posmoderno se destaca por la forma en que difumina las distinciones entre lo que se percibe como arte fino o elevado y lo que generalmente se considera arte vulgar o kitsch.Si bien este concepto de "difuminar" o "fusionar" el arte elevado con el arte bajo se experimentó durante el modernismo, solo se aprobó por completo después del advenimiento de la era posmoderna. El posmodernismo introdujo elementos de comercialismo, kitsch y una estética camp general dentro de su contexto artístico; el posmodernismo toma estilos de épocas pasadas, como el gótico, el renacimiento y el barroco, y los mezcla hasta ignorar su uso original en su correspondiente movimiento artístico. Tales elementos son características comunes de lo que define al arte posmoderno.

Fredric Jameson sugiere que las obras posmodernas renuncien a cualquier pretensión de espontaneidad y franqueza de expresión, haciendo uso en lugar de pastiche y discontinuidad. En contra de esta definición, Charles Harrison y Paul Wood de Art and Language sostuvieron que el pastiche y la discontinuidad son endémicos del arte modernista y los artistas modernos como Manet y Picasso los implementan de manera efectiva.

Una definición compacta es que el posmodernismo rechaza las grandes narrativas de la dirección artística del modernismo, erradicando los límites entre las formas de arte altas y bajas, y alterando las convenciones del género con la colisión, el collage y la fragmentación. El arte posmoderno sostiene que todas las posturas son inestables y poco sinceras y, por lo tanto, la ironía, la parodia y el humor son las únicas posiciones que la crítica o la revisión no pueden derrocar. "Pluralismo y diversidad" son otras características definitorias.

Precursores de vanguardia

Los movimientos y tendencias radicales considerados influyentes y potencialmente precursores del posmodernismo surgieron alrededor de la Primera Guerra Mundial y, en particular, después. Con la introducción del uso de artefactos industriales en el arte y técnicas como el collage, movimientos de vanguardia como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo cuestionaron la naturaleza y el valor del arte. Nuevas formas de arte, como el cine y el auge de la reproducción, influyeron en estos movimientos como medio para crear obras de arte. El punto de ignición para la definición de modernismo, el ensayo de Clement Greenberg, Avant-Garde and Kitsch, publicado por primera vez en Partisan Review en 1939, defiende la vanguardia frente a la cultura popular.Más tarde, Peter Bürger haría una distinción entre vanguardia histórica y modernismo, y críticos como Krauss, Huyssen y Douglas Crimp, siguiendo a Bürger, identificaron la vanguardia histórica como precursora del posmodernismo. Krauss, por ejemplo, describe el uso del collage por parte de Pablo Picasso como una práctica vanguardista que anticipa el arte posmoderno con su énfasis en el lenguaje a expensas de la autobiografía. Otro punto de vista es que los artistas vanguardistas y modernistas utilizaron estrategias similares y el posmodernismo repudia ambas.

Dadá

A principios del siglo XX, Marcel Duchamp expuso un urinario a modo de escultura. Su objetivo era que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte solo porque él dijo que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como "Readymades". The Fountain fue un urinario firmado con el seudónimo de R. Mutt, que conmocionó al mundo del arte en 1917. Esta y otras obras de Duchamp generalmente se etiquetan como Dada. Duchamp puede ser visto como un precursor del arte conceptual. Algunos críticos cuestionan llamar posmoderno a Duchamp, cuya obsesión por la paradoja es bien conocida, porque evita cualquier medio específico, ya que la paradoja no es un medio específico, aunque surgió por primera vez en las pinturas de Manet.

El dadaísmo puede verse como parte de la propensión modernista a desafiar estilos y formas establecidos, junto con el surrealismo, el futurismo y el expresionismo abstracto. Desde un punto de vista cronológico, Dada se ubica sólidamente dentro del modernismo, sin embargo, varios críticos sostienen que anticipa el posmodernismo, mientras que otros, como Ihab Hassan y Steven Connor, lo consideran un posible punto de transición entre el modernismo y el posmodernismo.Por ejemplo, según McEvilly, el posmodernismo comienza con darse cuenta de que uno ya no cree en el mito del progreso, y Duchamp lo intuyó en 1914 cuando cambió de una práctica modernista a una posmodernista, "renunciando al deleite estético, la ambición trascendente y el tour de fuerza demostraciones de agilidad formal a favor de la indiferencia estética, el reconocimiento del mundo ordinario, y del objeto encontrado o readymade”.

Movimientos radicales en el arte moderno

En general, el arte pop y el minimalismo comenzaron como movimientos modernistas: un cambio de paradigma y una división filosófica entre el formalismo y el antiformalismo a principios de la década de 1970 hizo que algunos consideraran esos movimientos como precursores del arte posmoderno de transición. Otros movimientos modernos citados como influyentes en el arte posmoderno son el arte conceptual y el uso de técnicas como el ensamblaje, el montaje, el bricolaje y la apropiación.

Jackson Pollock y el expresionismo abstracto

A fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, el enfoque radical de la pintura de Pollock revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte misma. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso cerca del cambio de siglo a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la creación artística a mediados de siglo. El movimiento de Pollock de la pintura de caballete y la convencionalidad liberó a sus artistas contemporáneos y artistas posteriores. Se dieron cuenta del proceso de Pollock: trabajar en el suelo, lienzo en bruto sin estirar, desde los cuatro lados, utilizando materiales artísticos, materiales industriales, imágenes, no imágenes, lanzando madejas lineales de pintura, goteando, dibujando, tiñendo, cepillando: creación artística más allá de lo anterior. límites. El expresionismo abstracto amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que tenían los artistas para la creación de nuevas obras de arte. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt y otros, abrieron las puertas a la diversidad y el alcance de las siguientes obras de arte.

Después del expresionismo abstracto

En la pintura abstracta durante las décadas de 1950 y 1960 surgieron varias direcciones nuevas como la pintura de borde duro y otras formas de abstracción geométrica como el trabajo de Frank Stella, como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto que comenzó a aparecer en los estudios de los artistas y en la vanguardia radical. -círculos de guardia. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica; curando una influyente exhibición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte en los Estados Unidos en 1964. La pintura de campo de color, la pintura de borde duro y la abstracción lírica surgieron como nuevas direcciones radicales.

A fines de la década de 1960, el posminimalismo, el arte procesual y el arte povera también surgieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaban la pintura y la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento posminimalista, y en los inicios del arte conceptual.El arte de proceso inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo y espacio plástico y real. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato, Lee Lozano, fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que generó el apogeo del arte de fines de la década de 1960.

Arte de performance y acontecimientos

A fines de la década de 1950 y durante la de 1960, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a traspasar los límites del arte contemporáneo. Yves Klein en Francia y Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York fueron pioneros de las obras de arte basadas en la interpretación. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando ambientes; cambiando radicalmente la relación entre el público y el intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now.El Judson Dance Theatre ubicado en la Judson Memorial Church, Nueva York, y los bailarines de Judson, en particular Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton y otros, colaboraron con los artistas Robert Morris., Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver. Estas actuaciones a menudo se diseñaron para ser la creación de una nueva forma de arte, combinando escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Las filosofías reduccionistas del minimalismo, la improvisación espontánea y la expresividad del expresionismo abstracto caracterizaron las obras.

Durante el mismo período, desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la de 1960, varios artistas de vanguardia crearon Happenings. Los acontecimientos eran reuniones misteriosas y, a menudo, espontáneas y sin guión de artistas y sus amigos y familiares en varios lugares específicos. A menudo incorpora ejercicios en el absurdo, ejercicio físico, disfraces, desnudez espontánea y varios actos aleatorios y aparentemente desconectados. Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman, entre otros, fueron notables creadores de Happenings.

Arte de ensamblaje

Relacionado con el expresionismo abstracto estuvo el surgimiento de artículos manufacturados combinados con materiales de artistas, alejándose de las convenciones anteriores de pintura y escultura. El trabajo de Robert Rauschenberg, cuyas "combinaciones" en la década de 1950 fueron precursores del arte pop y el arte de la instalación, e hizo uso del ensamblaje de grandes objetos físicos, incluidos animales disecados, pájaros y fotografías comerciales, ejemplifica esta tendencia artística.

Leo Steinberg utiliza el término posmodernismo en 1969 para describir el plano pictórico de "superficie plana" de Rauschenberg, que contiene una gama de imágenes y artefactos culturales que no habían sido compatibles con el campo pictórico de la pintura premodernista y modernista. Craig Owens va más allá, identificando el significado de la obra de Rauschenberg no como una representación de, en opinión de Steinberg, "el paso de la naturaleza a la cultura", sino como una demostración de la imposibilidad de aceptar su oposición.

Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Marcel Duchamp, entre el modernismo y el posmodernismo. Estos artistas utilizaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su trabajo, conservando la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo.

Anselm Kiefer también utiliza elementos de ensamblaje en sus obras y, en una ocasión, presentó la proa de un barco de pesca en una pintura.

Arte pop

Lawrence Alloway usó el término "arte pop" para describir pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, a favor del arte que representaba, y a menudo celebraba, la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Los primeros trabajos de David Hockney y los trabajos de Richard Hamilton, John McHale y Eduardo Paolozzi se consideraron ejemplos fundamentales del movimiento. Mientras que los ejemplos estadounidenses posteriores incluyen la mayor parte de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de los puntos de Benday, una técnica utilizada en la reproducción comercial. Hay una clara conexión entre las obras radicales de Duchamp, el dadaísta rebelde —con sentido del humor—; y artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol,

Thomas McEvilly, de acuerdo con Dave Hickey, dice que el posmodernismo estadounidense en las artes visuales comenzó con las primeras exposiciones de arte pop en 1962, "aunque pasaron unos veinte años antes de que el posmodernismo se convirtiera en una actitud dominante en las artes visuales". Fredric Jameson también considera que el arte pop es posmoderno.

Una forma en que el arte pop es posmoderno es que rompe lo que Andreas Huyssen llama la "Gran Brecha" entre el arte elevado y la cultura popular. El posmodernismo surge de un "rechazo generacional de las certezas categóricas del alto modernismo".

Flujo

Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-1978), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus remonta sus inicios a las clases de composición experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la New School for Social Research en la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia musical. Los estudiantes de Cage incluyeron a los miembros fundadores de Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht y Dick Higgins. En 1962 en Alemania, Fluxus comenzó con: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik en Wiesbaden con George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y otros. Y en 1963 con el: Festum Fluxorum Fluxus en Düsseldorf con George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson, Emmett Williams y otros.

Fluxus alentó una estética de hágalo usted mismo y valoró la simplicidad sobre la complejidad. Al igual que antes Dada, Fluxus incluía una fuerte corriente de anticomercialismo y una sensibilidad antiarte, menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.

Fluxus puede verse como parte de la primera fase del posmodernismo, junto con Rauschenberg, Johns, Warhol y la Internacional Situacionista. Andreas Huyssen critica los intentos de reclamar a Fluxus para el posmodernismo como "el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico en última instancia irrepresentable, por así decirlo, lo sublime del posmodernismo". En cambio, ve a Fluxus como un importante fenómeno neodadaísta dentro de la tradición de vanguardia. No representó un gran avance en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra "la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió de puntal ideológico a la Guerra Fría".

Minimalismo

A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica a través de Malevich, la Bauhaus y Mondrian) que rechazó la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el zeitgeist emocional y la polémica. presente en el ámbito de la pintura de acción. El minimalismo argumentó que la extrema simplicidad podría capturar la representación sublime que requiere el arte. Asociado con pintores como Frank Stella, el minimalismo en la pintura, a diferencia de otras áreas, es un movimiento modernista y, según el contexto, puede interpretarse como un precursor del movimiento posmoderno.

Hal Foster, en su ensayo The Crux of Minimalism, examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas de minimalismo. Argumenta que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan elaborándose en la actualidad".

Posminimalismo

Robert Pincus-Witten acuñó el término posminimalismo en 1977 para describir el arte derivado del minimalismo cuyo contenido y matices contextuales eran rechazados por el minimalismo. Su uso del término abarcó el período 1966-1976 y se aplicó al trabajo de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra y al nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt y Barry Le Va, entre otros. Arte procesual y arte antiforma son otros términos que describen esta obra, que determina el espacio que ocupa y el proceso por el cual se realiza.

Rosalind Krauss argumenta que en 1968 artistas como Morris, LeWitt, Smithson y Serra habían "entrado en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas". La expansión de la categoría de escultura para incluir land art y arquitectura "provocó el cambio hacia el posmodernismo".

Minimalistas como Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken y otros continuaron produciendo sus pinturas y esculturas modernistas tardías durante el resto de sus carreras.

Movimientos en el arte posmoderno

Arte conceptual

El arte conceptual a veces se etiqueta como posmoderno porque está expresamente involucrado en la deconstrucción de lo que hace que una obra de arte sea "arte". El arte conceptual, debido a que a menudo está diseñado para confrontar, ofender o atacar las nociones que tienen muchas de las personas que lo ven, es considerado con particular controversia.

Los precursores del arte conceptual incluyen la obra de Duchamp, 4' 33" de John Cage, en la que se dice que la música son "los sonidos del entorno que los oyentes escuchan mientras se interpreta" y Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg. Muchos las obras conceptuales adoptan la posición de que el arte es creado por el espectador que ve un objeto o actúa como arte, no a partir de las cualidades intrínsecas de la obra en sí misma. Por lo tanto, debido a que se exhibió Fountain, era una escultura.

Arte de instalación

Una serie importante de movimientos en el arte que se han descrito consistentemente como posmodernos involucraron el arte de instalación y la creación de artefactos que son de naturaleza conceptual. Un ejemplo son los letreros de Jenny Holzer que utilizan los dispositivos del arte para transmitir mensajes específicos, como "Protégeme de lo que quiero". El arte de la instalación ha sido importante en la determinación de los espacios seleccionados por los museos de arte contemporáneo para poder albergar las grandes obras que se componen de vastos collages de objetos manufacturados y encontrados. Estas instalaciones y collages suelen estar electrificados, con partes móviles y luces.

A menudo están diseñados para crear efectos ambientales, como Iron Curtain, Wall of 240 Oil Barrels, Blocking Rue Visconti, París, junio de 1962, de Christo y Jeanne-Claude, que fue una respuesta poética al Muro de Berlín construido en 1961.

Arte vulgar

Lowbrow es un movimiento de arte populista generalizado con orígenes en el mundo del cómic clandestino, la música punk, la cultura callejera hot rod y otras subculturas de California. También se le conoce a menudo con el nombre de surrealismo pop. El arte lowbrow destaca un tema central en el posmodernismo en el sentido de que ya no se reconoce la distinción entre arte "alto" y "bajo".

Arte de performance

Arte digital

El arte digital es un término general para una variedad de trabajos y prácticas artísticas que utilizan la tecnología digital como parte esencial del proceso creativo y/o de presentación. El impacto de la tecnología digital ha transformado actividades como la pintura, el dibujo, la escultura y el arte musical/sonoro, mientras que nuevas formas, como el net art, las instalaciones digitales y la realidad virtual, se han convertido en prácticas artísticas reconocidas.

Los principales teóricos e historiadores del arte en este campo incluyen a Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest y Edward A. Shanken.

Intermedia y multimedia

Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia, un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte en la línea de Fluxus, Concrete Poetry, Found objects, Performance art y Computer art. Higgins fue el editor de Something Else Press, un poeta concreto, casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp. Ihab Hassan incluye, "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos", en su lista de las características del arte posmoderno.Una de las formas más comunes de "arte multimedia" es el uso de cintas de video y monitores CRT, denominado videoarte. Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el arte escénico, donde se elimina el subtexto dramático y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en cuestión o el enunciado conceptual de su acción. La concepción de Intermedia de Higgin está conectada con el crecimiento de la práctica digital multimedia, como la realidad virtual inmersiva, el arte digital y el arte por computadora.

Arte telemático

El arte telemático es una descripción de los proyectos de arte que utilizan redes de telecomunicaciones mediadas por computadora como su medio. El arte telemático desafía la relación tradicional entre los sujetos de visualización activos y los objetos de arte pasivos mediante la creación de contextos de comportamiento interactivos para encuentros estéticos remotos. Roy Ascott ve la forma de arte telemática como la transformación del espectador en un participante activo de la creación de la obra de arte que permanece en proceso a lo largo de su duración. Ascott ha estado a la vanguardia de la teoría y la práctica del arte telemático desde 1978 cuando se conectó a Internet por primera vez, organizando diferentes proyectos colaborativos en línea.

Arte de apropiación y arte neoconceptual

En su ensayo de 1980 El impulso alegórico: hacia una teoría del posmodernismo, Craig Owens identifica el resurgimiento de un impulso alegórico como característico del arte posmoderno. Este impulso se puede ver en el arte de la apropiación de artistas como Sherrie Levine y Robert Longo porque "las imágenes alegóricas son imágenes apropiadas". El arte de apropiación desacredita las nociones modernistas de genialidad artística y originalidad y es más ambivalente y contradictorio que el arte moderno, instalando y subvirtiendo simultáneamente ideologías, "siendo a la vez crítico y cómplice".

Neoexpresionismo y pintura

El regreso a las formas de arte tradicionales de la escultura y la pintura a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, visto en el trabajo de artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel, ha sido descrito como una tendencia posmoderna y uno de los primeros movimientos coherentes en surgen en la era posmoderna. Sin embargo, sus fuertes vínculos con el mercado del arte comercial han planteado dudas tanto sobre su estatus como movimiento posmoderno como sobre la definición del posmodernismo en sí. Hal Foster afirma que el neoexpresionismo fue cómplice de la política cultural conservadora de la era Reagan-Bush en EE.UU.Félix Guattari descarta las "grandes operaciones de promoción denominadas 'neoexpresionismo' en Alemania" (un ejemplo de "moda que se mantiene a través de la publicidad") como una manera demasiado fácil para él "de demostrar que la posmodernidad no es más que la último suspiro del modernismo". Estas críticas al neoexpresionismo revelan que el dinero y las relaciones públicas realmente sostuvieron la credibilidad del mundo del arte contemporáneo en Estados Unidos durante el mismo período en que los artistas conceptuales y las prácticas de las mujeres artistas, incluidas pintoras y teóricas feministas como Griselda Pollock, reevaluaban sistemáticamente el arte moderno. Brian Massumi afirma que Deleuze y Guattari abren el horizonte de nuevas definiciones de Belleza en el arte posmoderno.Para Jean-François Lyotard, fue la pintura de los artistas Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger y Barnett Newman la que, tras la época de las vanguardias y la pintura de Paul Cézanne y Wassily Kandinsky, fue el vehículo de nuevas ideas de lo sublime en el arte contemporáneo.

Crítica institucional

Las críticas a las instituciones de arte (principalmente museos y galerías) se realizan en el trabajo de Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren y Hans Haacke.