Arte militar
Arte militar es arte con un tema militar, independientemente de su estilo o medio. La escena de la batalla es uno de los tipos de arte más antiguos de las civilizaciones desarrolladas, ya que los gobernantes siempre han estado interesados en celebrar sus victorias e intimidar a sus oponentes potenciales. La descripción de otros aspectos de la guerra, especialmente el sufrimiento de las víctimas y de los civiles, ha tardado mucho más en desarrollarse. Además de los retratos de figuras militares, han sido muy comunes las representaciones de soldados anónimos en el campo de batalla; Desde la introducción de los uniformes militares, estas obras suelen centrarse en mostrar la variedad de estos.
Las escenas navales son muy comunes, y las escenas de batalla y los "retratos de barcos" son considerados principalmente como una rama del arte marino; El desarrollo de otros grandes tipos de equipos militares, como aviones de guerra y tanques, ha dado lugar a nuevos tipos de trabajos que los retratan, ya sea en acción o en reposo. En las guerras del siglo XX, se contrató a artistas de guerra oficiales para representar a los militares en acción; A pesar de que los artistas ahora están muy cerca de la acción, la escena de la batalla se deja en gran medida a los medios gráficos populares y al cine. El término arte de guerra se utiliza a veces, principalmente en relación con el arte militar del siglo XX realizado durante tiempos de guerra.
Historia
Mundo antiguo
El arte que representa temas militares ha existido a lo largo de la historia. La paleta del campo de batalla, una paleta cosmética del período protodinástico de Egipto (alrededor del 3500 al 3000 a. C.) está incompleta, pero muestra prisioneros siendo llevados y animales salvajes dándose un festín con los muertos. La Paleta Narmer de la misma época muestra una victoria militar en un estilo más simbólico. La Estela de los Buitres, de alrededor del 2500 a. C., es una de las numerosas "estelas de la victoria" mesopotámicas. También alrededor del 2500 a. C., la representación más antigua conocida de una ciudad asediada se encuentra en la tumba de Inti, un funcionario del nomo 21 del Alto Egipto, que vivió a finales de la Quinta Dinastía. La escena muestra a soldados egipcios escalando por escaleras los muros de una fortaleza del Cercano Oriente. Aunque la batalla de Kadesh en 1274 a. C. parece no haber sido concluyente, los relieves erigidos por Ramsés II lo muestran dispersando a sus oponentes hititas con su carro.
El arte asirio superviviente consiste principalmente en grandes relieves de piedra que muestran escenas detalladas de campañas militares o de caza; los relieves de Laquis son un ejemplo de lo primero. Los antiguos mármoles del Partenón griego muestran largos desfiles de la fuerza de caballería voluntaria de la ciudad, y muchos jarrones griegos muestran escenas de combate. En la China de la dinastía Han, un famoso relieve en piedra de c. 150-170 d.C. de los santuarios de la familia Wu muestra una batalla entre fuerzas de caballería en la campaña contra Dong Zhuo.
En el arte romano antiguo, las columnas triunfales romanas más elaboradas mostraban relieves muy largos de campañas militares enrollados alrededor del cuerpo de enormes columnas; entre los más impresionantes se encuentran los de Trajano y Marco Aurelio en Roma. El Mosaico de Alejandro es una escena de batalla grande y dramática que muestra a Alejandro Magno derrotando a Darío III de Persia; Se trata de un mosaico de suelo excavado en Pompeya, probablemente copiando una pintura perdida. Muchos sarcófagos helenísticos y romanos mostraban escenas de combate abarrotadas, a veces mitológicas (una amazonomaquia es un término para una escena de batalla entre amazonas y griegos) y, por lo general, no relacionadas con una batalla en particular; estos no necesariamente se usaban para enterrar a personas con experiencia militar. Estas escenas tuvieron una gran influencia en las escenas de batalla del Renacimiento. En el Imperio Romano Tardío, el reverso de las monedas a menudo mostraba soldados y llevaba una inscripción alabando a "nuestros muchachos", sin duda con la esperanza de retrasar la próxima revuelta militar.
Medieval
El arte cristiano producido para la iglesia generalmente evitaba las escenas de batalla, aunque un raro motivo de la Antigüedad tardía muestra a Cristo vestido como un emperador victorioso con la vestimenta de general, después de haber conquistado al diablo, en Cristo pisando a las bestias y otras iconografías. Los gustos violentos de la élite anglosajona lograron añadir El Desgarrador del Infierno, concebido como un ataque a la fortaleza de Satanás, liderado por Cristo, al grupo de escenas habitual de un ciclo sobre la Vida de Cristo. . Los santos soldados, mostrados con vestimenta militar, eran extremadamente populares, al igual que las imágenes del Arcángel Miguel apuñalando a Satanás como un dragón con una cruz con una punta de lanza en su base. Algunos manuscritos iluminados ilustraron las numerosas batallas del Antiguo Testamento.
Las obras seculares producidas para patrocinadores seculares a menudo muestran temas militares, por ejemplo, en copias manuscritas iluminadas de historias como el Froissart de Luis de Gruuthuse (BnF Fr 2643-6), del siglo XV, donde la mayoría de las 112 miniaturas muestran escenas militares. El Asedio del Castillo del Amor, que suele encontrarse en las vitrinas góticas de marfil, mostraba a caballeros atacando un castillo defendido por damas, una metáfora de la literatura del amor cortés. El tapiz de Bayeux del siglo XI es una narración panorámica lineal de los acontecimientos que rodearon la conquista normanda y la batalla de Hastings en 1066, el único ejemplo sobreviviente de un tipo de tapiz bordado con el que los ricos anglosajones solían decorar sus hogares. En el arte islámico, la escena de la batalla, a menudo procedente de una obra ficticia de poesía épica, era un tema frecuente en las miniaturas persas, y el elevado punto de vista que adoptaban hacía que las escenas fueran más fácilmente comprensibles que muchas imágenes occidentales.
Renacimiento a las guerras napoleónicas
La pintura del Renacimiento italiano experimentó un gran aumento en el arte militar de los principales artistas, pinturas de batalla que a menudo presentaban escenas casi contemporáneas, como el enorme conjunto de tres lienzos de La Batalla de San Romano. (c. 1445) de Paolo Uccello, y la abortada Batalla de Cascina (1504-1506) de Miguel Ángel y la Batalla de Anghiari de Leonardo da Vinci (1503). –1506), que estaban destinados a ser colocados uno frente al otro en el Palazzo Vecchio de Florencia, pero ninguno de los cuales se completó. A los artistas del Renacimiento con sus nuevas habilidades para representar la figura humana, las escenas de batalla les permitieron demostrar todas sus habilidades para representar posturas complicadas; Miguel Ángel elige un momento en el que un grupo de soldados es sorprendido bañándose, y casi todas las figuras están desnudas. La batalla de Leonardo fue una batalla de caballería, cuya sección central fue ampliamente vista antes de ser destruida, y enormemente influyente: ejerció un cambio fundamental en toda la idea de la pintura de batalla, una influencia que duró toda la vida. desde el Renacimiento tardío y el Barroco hasta las heroicas máquinas de los pintores napoleónicos e incluso las composiciones de batalla de Delacroix", según el historiador del arte Frederick Hartt.
Todos estos representaban acciones francamente menores en las que Florencia había derrotado a ciudades vecinas, pero batallas importantes de una historia lejana fueron igualmente populares. Triunfos de César de Andrea Mantegna muestra el desfile triunfal romano de Julio César, aunque concentrándose en el botín más que en el ejército que lo sigue; la serie impresa Triunfos de Maximiliano muestra ambos, conduciendo a Maximiliano II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, montado en un enorme carruaje. La batalla del Puente Milvio de Giulio Romano produjo un enorme y "seminal" escena de batalla en las Salas de Rafael en el Palacio del Vaticano. La inusual La batalla de Alejandro en Issus (1528-29) de Albrecht Altdorfer logró realizar una de las escenas de batalla renacentistas más apreciadas, a pesar de, o quizás debido a, tener un formato vertical, que era dictado por el entorno planificado; Fue encargado como parte de un conjunto de ocho pinturas de batalla de varios artistas. "Era la imagen de batalla más detallada y panorámica de su época", y su punto de vista aéreo sería ampliamente seguido durante los siglos siguientes, aunque rara vez con un efecto tan dramático.
Especialmente en el norte de Europa, los pequeños grupos de soldados se convirtieron en un tema popular para las pinturas y especialmente los grabados de muchos artistas, incluido Urs Graf, que se caracteriza por ser un mercenario suizo profesional durante muchos años. Estas obras comenzaron a presentar una visión menos heroica de los soldados, que a menudo representaban una amenaza considerable para las poblaciones civiles incluso en tiempos de paz, aunque los trajes extravagantes del Landsknecht a menudo se tratan como glamorosos. Para Peter Paret, a partir del Renacimiento "la glorificación del líder temporal y de su sistema político -que por supuesto también había estado presente en el arte medieval- reemplaza a la fe cristiana como fuerza interpretativa determinante" por la fe cristiana. en el arte militar.
La pintura naval se convencionalizó en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII y, a partir de entonces, los artistas tendieron a especializarse en ella o no intentarla; Aparte de cualquier otra cosa, "los artistas marinos siempre han tratado con una clase de mecenas particularmente exigente", como descubrió J. M. W. Turner cuando el "Sailor King" Guillermo IV del Reino Unido rechazó su versión de La batalla de Trafalgar por inexactitud. Hendrick Vroom fue el primer especialista real, seguido por el equipo de padre e hijo de Willem van de Velde, quien emigró a Londres en 1673 y fundó efectivamente la tradición inglesa de la pintura naval, "produciendo un impresionante registro visual de la pintura naval anglosajona". -Las guerras navales holandesas, que marcaron las convenciones de la pintura de batallas marítimas durante los próximos 150 años". Vroom también había trabajado para mecenas ingleses, diseñando un gran conjunto de tapices de la derrota de la Armada Española que fue destruida cuando se incendiaron las Casas del Parlamento en 1834.
Los siglos XVII y XVIII vieron representaciones de batallas en su mayoría adoptadas a vista de pájaro, como desde una colina cercana; esto los hizo menos interesantes de pintar, y los artistas más importantes ahora tendían a evitarlos. Una visión muy diferente de la guerra se ve en Les Grandes Misères de la guerre ("Las desgracias de la guerra"), un conjunto de doce grabados realizados por Jacques Callot durante la Guerra de los Treinta Años. que sigue a un grupo de soldados que asolan el campo antes de ser finalmente detenidos por su propio bando y ejecutados. También en la primera mitad del siglo XVII, una rama de la pintura de género en la pintura holandesa del Siglo de Oro se especializó en escenas de salas de guardia de soldados bastante desordenados, no a menudo en batalla, sino saqueando granjas o sentados en la sala de guardia de un campo. Las pinturas de Salvator Rosa, esencialmente paisajes, a menudo mostraban grupos descritos como bandidos o soldados que acechaban en el campo del sur de Italia. La rendición de Breda de Velázquez (1634-1635) muestra una escena abarrotada mientras los dos bandos se reúnen pacíficamente para entregar la ciudad; un tema que se copia más a menudo en la pintura naval que en el arte militar terrestre.
Al menos desde finales del siglo XV, los conjuntos de tapices se convirtieron en el medio más grandioso para el "arte militar oficial"; los tapices portugueses de Pastrana (década de 1470) fueron un ejemplo temprano. Un decorado producido para el duque de Marlborough que mostraba sus victorias fue variado para diferentes clientes e incluso se vendió a uno de sus oponentes, Maximiliano II Emanuel, elector de Baviera, después de reelaborar los rostros del general y otros detalles.
A mediados del siglo XVIII, varios artistas, especialmente en Gran Bretaña, intentaron revivir el arte militar con grandes obras centradas en un incidente heroico que volvería a poner el género en primer plano en la pintura histórica, como lo había sido. en el Renacimiento. La escena de batalla contemporánea estándar tendía a agruparse en la humilde categoría de pintura topográfica, que abarcaba mapas y vistas de casas de campo. La muerte del general Wolfe (1771) de Benjamin West, La muerte del capitán James Cook (1779) de Johann Zoffany, La derrota de las baterías flotantes en Gibraltar, septiembre de 1782 y La muerte del mayor Pierson (1784) de John Singleton Copley son ejemplos destacados del nuevo tipo, que ignoraba las quejas sobre la inadecuación de la vestimenta moderna para sujetos heroicos. Sin embargo, estas obras tuvieron una influencia más inmediata en Francia que en Gran Bretaña.
En la era napoleónica, Francia añadió el romanticismo a su estilo y comenzó a retratar a soldados individuales con más carácter. Las pinturas de batallas se produjeron cada vez más para grandes edificios públicos y crecieron más que nunca. El barón Gros pintó principalmente glorificaciones de Napoleón y sus victorias, pero su pintura de 1808 de la Batalla de Eylau no descuida el sufrimiento de los muertos y heridos en el helado campo de batalla. Por el contrario, los grandes cuadros de Goya El dos de mayo de 1808 y El tres de mayo de 1808, tal vez concebidos conscientemente como una respuesta a Gros, y su serie relacionada de 82 grabados, Los Desastres de la Guerra (español: Los Desastres de la Guerra), enfatizaron la brutalidad de las fuerzas francesas durante la Guerra Peninsular en España. Las representaciones británicas de las guerras napoleónicas continuaron los patrones de finales del siglo XVIII, a menudo a mayor escala, y la muerte del almirante Horatio Nelson produjo rápidamente grandes obras de Arthur William Devis (La muerte de Nelson, 21 de octubre de 1805) y West (La muerte de Nelson). J. M. W. Turner estuvo entre los artistas que produjeron escenas de las victorias de Nelson, con La batalla de Trafalgar. La Institución Británica organizó concursos de bocetos de arte que conmemoraban las victorias británicas, y luego se encargaron los trabajos ganadores.
En este período, el estampado de uniformes, que se concentra en una representación detallada del uniforme de una o más figuras de pie, generalmente coloreado a mano, también se hizo muy popular en toda Europa. Al igual que otras impresiones, estas normalmente se publicaban en forma de libro, pero también se vendían individualmente. En Gran Bretaña, las 87 copias de Los voluntarios leales de Londres (1797-98) de Thomas Rowlandson, publicadas por Rudolph Ackermann, marcan el inicio del período clásico. Aunque Rowlandson solía satirizar a sus súbditos hasta cierto punto, aquí los soldados estaban "representados como ellos, y en particular sus coroneles que pagaban por sus uniformes, preferían verse a sí mismos", que seguía siendo la representación habitual en este tipo de grabados. Una serie de grabados de Carle Vernet de los espléndidos uniformes de La Grande Armée de 1812 mostraba a la mayoría de los soldados de infantería en parejas en el campamento, en una variedad de poses relajadas que mostraban a uno de frente y al otro de frente. detrás. Una rara pintura al óleo de un artista destacado que trata a los soldados con el espíritu del estampado del uniforme es Soldados del décimo dragón ligero (el "Príncipe de Gales"), pintado en 1793 por George Stubbs por su coronel en jefe, el futuro Jorge IV del Reino Unido. Otras pinturas de soldados solteros eran más dramáticas, como El cazador a la carga de Théodore Géricault (c. 1812).
Siglo XIX
Eugène Delacroix, que también pintó muchas escenas de combate más pequeñas, terminó su La masacre de Quíos en 1824, mostrando un entonces notorio ataque contra civiles griegos por parte de las fuerzas otomanas durante la Guerra de Independencia griega, que son mostrado bajo una luz totalmente negativa. Tuvo un impacto más inmediato en el arte europeo que el Tres de Mayo de Goya de unos años antes, que aparentemente ni siquiera fue expuesta en el Museo del Prado hasta algunos años después. En contraste, La libertad guiando al pueblo de Delacroix de 1830 mostró la lucha desde una perspectiva positiva, pero no la actitud "militar" como muestra a los revolucionarios civiles armados de la Revolución de Julio, avanzando contra las fuerzas uniformadas invisibles del gobierno. Las atrocidades turcas seguirían siendo un tema recurrente en la pintura del siglo XIX, especialmente en los antiguos territorios otomanos que escaparon del imperio en decadencia (a menudo, escenas previas a la violación tratadas de manera bastante lasciva), y los sentimientos antimilitares generales, que anteriormente se encontraban principalmente en grabados, también fueron emerger regularmente en grandes pinturas al óleo.
El arte militar siguió siendo popular durante el resto del siglo XIX en la mayor parte de Europa. Artistas franceses como Ernest Meissonier, Edouard Detaille y Alphonse de Neuville establecieron la pintura de género militar en el Salón de París. Las nuevas formas de arte militar que se desarrollaron en la década de 1850 encontraron una considerable oposición por parte de la Real Academia del Reino Unido.
Artistas europeos de estilo generalmente académico que eran bien conocidos como pintores de escenas de batalla, a menudo con temas de las guerras napoleónicas o conflictos más antiguos, incluyeron a Albrecht Adam, Nicaise de Keyser, Piotr Michałowski, Antoine Charles Horace Vernet, Emile Jean Horace. Vernet, Wilhelm Camphausen y Emil Hünten. El auge del nacionalismo impulsó la pintura de batalla en países como Hungría (se prestó gran atención a los uniformes), Polonia (enormes fuerzas) y las tierras checas. La enorme Batalla de Grunwald (1878) de Jan Matejko refleja el sentimiento paneslavo y muestra a varias fuerzas eslavas uniéndose para aplastar el poder de los Caballeros Teutónicos.
El uso del término "arte militar" Ha evolucionado desde mediados del siglo XIX. En Francia, Charles Baudelaire analizó el arte militar y el impacto de la fotografía en él en el Salón de París de 1859. Un crítico británico de la exposición de la Royal Academy de 1861 observó que
Los pintores británicos nunca se han enfrentado totalmente arte militar, sólo han saltado alrededor de los bordes, tocando y recortando. – William Michael Rossetti
Por el contrario, la artista británica Elizabeth Thompson (Lady Butler) explicó que "nunca pintó para la gloria de la guerra, sino para retratar su patetismo y heroísmo". Las secuelas de la batalla se representaron en pinturas como Pasar lista después de un compromiso, Crimea, que se exhibió en la Real Academia en 1874. Esta perspectiva también se ve en Restos de un ejército que mostraba a William Brydon luchando por llegar a Jalalabad sobre un caballo moribundo. El Dr. Brydon fue el único superviviente de la retirada de Kabul en 1842, en la que 16.000 personas fueron masacradas por miembros de tribus afganas.
El mercado británico comenzó a desarrollarse a mediados del siglo XIX. Las relaciones entre el Estado y sus militares, y las ideologías que están implícitas en esa relación afectaron las obras de arte, los artistas y las percepciones públicas tanto de las obras de arte como de los artistas.
En la época de la Guerra Civil estadounidense y la Guerra de Crimea, los fotógrafos comenzaron a competir fuertemente con los artistas en la cobertura de escenas en el campo y después de la batalla, pero los tiempos de exposición eran generalmente demasiado largos para permitirles tomar fotografías de las batallas. muy efectivamente. La fotografía de guerra no se trata en este artículo. Las ilustraciones para periódicos y revistas continuaron con un estilo heroico con quizás más confianza que los pintores, y Melton Prior siguió a las fuerzas británicas en los puntos conflictivos imperiales durante décadas, trabajando para el Illustrated London News; sus escenas "ayudaron a establecer un estilo de dibujo de acción que ha dejado una huella indeleble en el arte del cómic". Prior y otros "corresponsales especiales" como Frederic Villiers eran conocidos como "especiales". Richard Caton Woodville Jr. y Charles Edwin Fripp fueron "especiales" y también pintores que expusieron en la Royal Academy y otros lugares.
Siglo XX
La Primera Guerra Mundial confirmó en gran medida el fin de la glorificación de la guerra en el arte, que había estado en declive desde finales del siglo anterior. En general, y a pesar del establecimiento de grandes proyectos que emplean a artistas de guerra oficiales, el arte más llamativo que representa la guerra es el que enfatiza su horror. Los gobiernos designaban artistas de guerra oficiales con fines informativos o propagandísticos y para registrar los acontecimientos en el campo de batalla; pero muchos artistas lucharon como soldados normales y registraron sus experiencias en ese momento y después, incluidos los alemanes George Grosz y Otto Dix, quienes habían luchado en el frente occidental y continuaron representando el tema durante el resto de sus carreras. La trinchera (1923), de Dix, que muestra los cuerpos desmembrados de los muertos tras un asalto, provocó un escándalo y se exhibió por primera vez detrás de una cortina, antes de provocar el despido del director del museo, que había planeado comprarlo. Más tarde, después de exhibirlo en su exposición itinerante de "Arte degenerado", el gobierno nazi lo quemó. En 1924 produjo una serie de cincuenta grabados sobre Der Krieg ("La guerra"). El artista inglés Paul Nash comenzó a realizar dibujos de la guerra mientras luchaba en el frente occidental con los Artists Rifles. Después de recuperarse de una herida, fue reclutado como artista de guerra oficial y produjo muchas de las imágenes más memorables del lado británico de ambas Guerras Mundiales. Después de la guerra, la enorme demanda de monumentos conmemorativos de guerra provocó un auge de los escultores, los cubiertos de abajo y los fabricantes de vidrieras.
Los carteles se habían vuelto universales en 1914 y estaban dirigidos tanto al ejército como al "frente interno" para diversos fines, incluido el reclutamiento, donde el británico Lord Kitchener te quiere (en realidad no es el eslogan) se repitió en los Estados Unidos con el Tío Sam, y en otros lugares con figuras totémicas similares. La Unión Soviética comenzó con carteles muy modernistas como Vence a los blancos con la cuña roja de Lazar Markovich Lissitzky, pero pronto giró hacia el realismo socialista, utilizado para la mayoría de los carteles de la Unión Soviética de la Segunda Guerra Mundial, que a veces son similar a sus equivalentes nazis. En la Segunda Guerra Mundial se utilizaron aún más. Ilustradores y dibujantes como Norman Rockwell también siguieron la tendencia de alejarse de las fotografías de temática militar tras la Segunda Guerra Mundial y con el auge de las portadas fotográficas en general.
El impacto de la Guerra Civil Española en una población no combatiente fue representado en la obra maestra de Picasso de 1937, Guernica, que muestra el bombardeo de Guernica en 1937; Un tratamiento muy diferente de un tema similar se ve en los dibujos de Henry Moore de civiles dormidos que se refugian del bombardeo Blitz en los andenes de las estaciones del metro de Londres. Entre los artistas bélicos oficiales de la Segunda Guerra Mundial, Totes Meer de Paul Nash es una poderosa imagen de un depósito de chatarra de aviones alemanes derribados, y el paisajista Eric Ravilious realizó algunas pinturas muy hermosas antes de ser fotografiado. caído y asesinado en 1942. Las fotografías de Edward Ardizzone se concentraban enteramente en soldados relajándose o realizando tareas rutinarias, y fueron elogiadas por muchos soldados: "Él es la única persona que ha captado la atmósfera de esta guerra" en su vida. Se sintió Douglas Cooper, el crítico e historiador de arte, amigo de Picasso, y entonces en una unidad médica militar. La fotografía y el cine ahora eran capaces de capturar acciones en rápido movimiento, y se puede decir con justicia que produjeron la mayoría de las imágenes memorables que registraron el combate en la guerra y, ciertamente, los conflictos posteriores como la guerra de Vietnam, que se destacó más por las protestas específicamente contra la guerra. arte, en carteles y en el trabajo de artistas como Nancy Spero. El arte militar contemporáneo forma parte del subcampo "cultura militar y popular".
Formas de arte
Retrato
Los gobernantes han sido mostrados con vestimenta específicamente militar desde la antigüedad; la diferencia es especialmente fácil de ver en la escultura romana antigua, donde los generales y cada vez más a menudo los emperadores son representados con armaduras y túnicas militares cortas. Las efigies de las tumbas medievales suelen representar a caballeros, nobles y reyes con armadura, hayan prestado o no servicio activo. En el período moderno temprano, cuando los comandantes de alto rango tendían a usar su vestimenta de montar normal incluso en el campo de batalla, la distinción entre un retrato militar y uno normal se transmite principalmente por el fondo, o por una coraza o el jubón de cuero ante que se usa debajo de la armadura., pero una vez que incluso los generales comenzaron a usar uniforme militar, a mediados del siglo XVIII, vuelve a quedar claro, aunque inicialmente los uniformes de los oficiales se acercaban a los elegantes trajes civiles.
Los retratos ecuestres y de cuerpo entero de gobernantes y generales a menudo los mostraban en el campo de batalla, pero con la acción en un fondo distante; un rasgo que probablemente se remonta al magistral Retrato ecuestre de Carlos V de Tiziano, que muestra al emperador después de su victoria en la batalla de Mühlberg, pero sin otros soldados presentes. Los monarcas no solían ser pintados con uniforme militar hasta el período napoleónico, pero en el siglo XIX esto se volvió típico de los retratos formales, tal vez porque el uniforme era más atractivo visualmente. Un tipo de pintura distintivamente holandés son los enormes retratos de grupo encargados por los ricos oficiales a tiempo parcial de las compañías de la milicia de la ciudad, de los cuales La ronda de noche de Rembrandt (1642) es el más famoso, aunque su narrativa La ambientación es atípica del género. La mayoría de los ejemplos simplemente muestran a los oficiales alineados como si estuvieran a punto de cenar, y algunos los muestran realmente comiéndola. Por lo demás, los retratos de grupo de oficiales son sorprendentemente raros hasta el siglo XIX.
Escultura
La mayoría de las esculturas de escenas de batallas de la antigüedad que se conservan se encuentran en relieves de piedra, cubiertos en la parte superior. Los artistas y mecenas del Renacimiento deseaban revivir esta forma, lo que hicieron principalmente en escenas mucho más pequeñas en piedra o bronce. La tumba en Milán del brillante general francés Gastón de Foix, duque de Nemours, incluía numerosos relieves de mármol alrededor de la base del sarcófago (que nunca se completó). Las estatuas y los monumentos funerarios de los comandantes continuaron siendo el sitio más común hasta que comenzó a surgir el monumento de guerra más general que conmemora a todos los muertos en el período de las Guerras Napoleónicas. La Columna de Nelson en Londres todavía conmemora a un solo comandante; Tiene relieves muy grandes alrededor de la base de diferentes artistas, aunque generalmente se consideran menos memorables que otros aspectos del monumento. La Columna de Wellington en Liverpool también se conoce como el "Monumento a Waterloo", pasando a un concepto más moderno en el que "los muertos eran recordados esencialmente como soldados que luchaban en nombre de colectivos nacionales". 34;.
Las enormes pérdidas de la Guerra Civil estadounidense provocaron el primer grupo realmente grande de monumentos escultóricos de guerra, así como muchos monumentos para individuos. Entre los más destacados artísticamente se encuentra el Memorial a Robert Gould Shaw y el 54.º Regimiento totalmente negro de Augustus Saint-Gaudens en Boston, con un segundo elenco en la Galería Nacional de Arte de Washington. Las pérdidas aún mayores de la Primera Guerra Mundial llevaron a comunidades pequeñas en la mayoría de las naciones involucradas a levantar algún tipo de monumento conmemorativo, introduciendo el uso generalizado de la forma en Australia, Canadá y Nueva Zelanda; el repentino aumento de la demanda condujo a un auge para los escultores de arte publico. Incluso más que en la pintura, la guerra trajo una crisis de estilo, ya que gran parte de la opinión pública consideró inapropiados los estilos heroicos tradicionales. Uno de los monumentos británicos de mayor éxito es el Royal Artillery Memorial de Londres, marcadamente realista, la obra maestra de Charles Sargeant Jagger, que había sido herido tres veces en la guerra y pasó la mayor parte de la década siguiente conmemorándolo. En las naciones derrotadas de Alemania y Austria, la controversia, que tenía un aspecto político, fue especialmente feroz, y los nazis eliminaron una serie de monumentos conmemorativos considerados excesivamente modernos, cuyos propios monumentos, como el Memorial Tannenberg, fueron eliminados después de la Segunda Guerra Mundial. Otras soluciones fueron hacer que los monumentos conmemorativos fueran más neutrales, como en el reutilizado Neue Wache de Berlín, que desde entonces ha sido dedicado varias veces a diferentes grupos, y las formas arquitectónicas dignas del Cenotafio de Londres (ampliamente imitado) y el Memorial Naval alemán de Laboe; las tumbas del Guerrero Desconocido y las llamas eternas eran otras formas de evitar la controversia. Algunos, como el Memorial Nacional de Guerra de Canadá y la mayoría de los monumentos franceses, se contentaron con actualizar los estilos tradicionales.
Un gran número de monumentos conmemorativos de la Primera Guerra Mundial simplemente se ampliaron en su alcance para cubrir a los muertos de la Segunda Guerra Mundial y, a menudo, de los conflictos posteriores. El papel ahora dominante de la fotografía a la hora de representar la guerra se refleja en el Memorial Nacional de Iwo Jima, que recrea la icónica fotografía de 1945 Alzando la bandera en Iwo Jima. El Memorial Nacional del Día D, un proyecto de los años 1990, incluye esculturas fuertemente realistas, en contraste con el Memorial de los Veteranos de Vietnam en Washington. A menudo se han erigido monumentos más innovadores para las víctimas civiles de la guerra, sobre todo las del Holocausto.
Alcance
Tiempos de paz
El arte militar abarca acciones de fuerzas militares en tiempos de paz. Por ejemplo, el sargento del USMC. Kristopher Battles, el único artista de guerra estadounidense oficial que quedaba en 2010, se desplegó con las fuerzas estadounidenses en Haití para brindar ayuda humanitaria como parte de la Operación Respuesta Unificada después del desastroso terremoto de 2010.
Tiempos de guerra
Propósito
El arte bélico crea un relato visual del conflicto militar al mostrar su impacto cuando se muestra a hombres y mujeres esperando, preparándose, luchando, sufriendo y celebrando. Los temas abarcan muchos aspectos de la guerra y la experiencia individual de la guerra. guerra, ya sea aliada o enemiga, de servicio o civil, militar o política, social o cultural. La gama temática abarca las causas, el curso y las consecuencias del conflicto.
El arte de guerra, una expresión significativa de cualquier cultura y sus importantes legados, combina funciones artísticas y documentales para proporcionar un retrato pictórico de escenas de guerra y mostrar "cómo la guerra da forma a las vidas". Representa un intento de llegar a un acuerdo con la naturaleza y la realidad de la violencia. El arte de guerra suele ser realista y captura detalles fácticos y de testigos presenciales, así como la impresión emocional y el impacto de los acontecimientos. El arte y la guerra se convierten en "una lucha entre el mundo de la imaginación y el mundo de la acción" - una tensión constante entre la representación fáctica de los acontecimientos y la interpretación que hace un artista de esos acontecimientos.
Parte de la lucha incluye determinar cuál es la mejor manera de ilustrar escenas de guerra complejas. CED El Libro Anzac de Bean, por ejemplo, influyó en los artistas australianos que crecieron entre las dos guerras mundiales. Cuando se les pidió que representaran una segunda guerra multinacional después de 1939, había un precedente y un formato a seguir.
El arte de guerra se ha utilizado como instrumento de propaganda, como una función de construcción de una nación u otros fines persuasivos. El arte de guerra también se plasma en caricaturas, lo que ofrece ideas contemporáneas. La civilización occidental y la tradición estética estuvieron claramente marcadas por conflictos militares a lo largo de la historia. La guerra impulsó la cultura y la cultura impulsó la guerra. El legado de las obras de arte inspiradas en la guerra se lee como una serie de hitos que documentan el curso serpenteante del mapa evolutivo de la civilización.
Artistas de guerra
Los artistas de guerra pueden participar como espectadores de las escenas, personal militar que responde a poderosos impulsos internos de representar la experiencia directa de la guerra, o individuos que reciben el encargo oficial de estar presentes y registrar la actividad militar.
Como ejemplo de los esfuerzos de la nación por documentar los acontecimientos bélicos, se encargó a artistas oficiales de guerra japoneses que crearan obras de arte en el contexto de una guerra específica para el gobierno japonés, incluido sensō sakusen kirokuga. ("pintura documental de campaña de guerra"). Entre 1937 y 1945 se crearon aproximadamente 200 fotografías que representan las campañas militares de Japón. Estas fotografías se presentaron en exposiciones a gran escala durante los años de la guerra; Después del final de la Segunda Guerra Mundial, los estadounidenses se apoderaron de las obras de arte japonesas.
Hay quienes pueden optar por no crear arte de guerra. Durante el transcurso de la Segunda Guerra Mundial, los italianos prácticamente no crearon arte que documentara el conflicto. Los franceses comenzaron a pintar la guerra sólo después de que terminó en 1945.
Ejemplos clásicos
Ejemplos de arte de guerra clásico incluyen los frisos de guerreros en el Templo de Afaya en Grecia o el Tapiz de Bayeux, es una narración panorámica lineal de los acontecimientos que rodearon la conquista normanda y la batalla de Hastings en 1066.
Galería
Caballería
Caballero, Muerte y el Diablo por Albrecht Dürer, siglo XVI.
Los Hussars de Bercheny, caballería francesa de luz, 1776.
Retrato de una Sowar montada de la 6a Caballería de Luz Madras, cerca de 1845.
Caballería en la Batalla de Kooshab durante la Guerra Anglo-Persa, alrededor de 1850.
¡Escocia para siempre!, representando el comienzo de la carga por los Royal Scots Greys en la Batalla de Waterloo, por Elizabeth Thompson, 1881.
Vuelvan Caras en la Batalla de Las Queseras del Medio, por Arturo Michelena, 1890. Esta fue una batalla crucial en la Guerra de Independencia de Venezuela.
El 4o Hussar francés en la batalla de Friedland, por Edouard Detaille, 1891.
Cuirassiers saludando a Napoleón en la batalla de Friedland (1807), por Ernest Meissonier, 1875.
Ofreciendo un vaso de agua a un soldado caído
Alivio después de la batalla por Jean-Louis-Ernest Meissonier, siglo XIX
Sketch mostrando prisioneros americanos en un campo de prisioneros japonés en Filipinas, 1945
Cruces de ríos
Washington cruzando el Delaware en la noche del 25 al 26 de diciembre de 1776, pintado por Emanuel Leutze en Düsseldorf en 1850.
Napoleón Bonaparte cruzando el puente de Arcole en 1796, pintado por Horace Vernet (1826)
El cruce ruso de Danubio cerca de Zimnitsa el 15 de junio de 1877, pintado por Nikolai Dmitriev-Orenburgsky en París en 1883
Propaganda
Trumpet llama por Norman Lindsay, Australia, 1914-1918
Ejército de Tierra de la Mujer de América, Estados Unidos, 1918
Nuestros chicos necesitan sox - tejer tu pedacito, Estados Unidos, 1917-1918
Afiche jardín de la victoria, EE.UU., 1945
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