Arte helenístico

El arte helenístico es el arte del período helenístico que generalmente comienza con la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C. y termina con la conquista del mundo griego por parte de los romanos, un proceso que ya estaba en marcha en el 146 a. C., cuando se tomó el continente griego., y esencialmente terminando en el 30 a. C. con la conquista del Egipto ptolemaico después de la batalla de Actium. Varias de las obras más conocidas de la escultura griega pertenecen a este período, como Laocoonte y sus hijos, Venus de Milo y La victoria alada de Samotracia. Sigue el período del arte griego clásico, mientras que el arte grecorromano posterior fue en gran medida una continuación de las tendencias helenísticas.

El término helenístico se refiere a la expansión de la influencia griega y la difusión de sus ideas tras la muerte de Alejandro: la "helenización" del mundo, con el griego koiné como lengua común. El término es una invención moderna; el mundo helenístico no solo incluía un área enorme que cubría todo el mar Egeo, en lugar de la Grecia clásica centrada en las poleis de Atenas y Esparta, sino también un rango de tiempo enorme. En términos artísticos, esto significa que hay una gran variedad que a menudo se pone bajo el título de "Arte helenístico" por conveniencia.

Una de las características definitorias del período helenístico fue la división del imperio de Alejandro en imperios dinásticos más pequeños fundados por los diádocos (generales de Alejandro que se convirtieron en regentes de diferentes regiones): los Ptolomeos en Egipto, los seléucidas en Mesopotamia, Persia y Siria, los Atálidas en Pérgamo, etc. Cada una de estas dinastías practicó un patrocinio real que difería del de las ciudades-estado. En el séquito de Alejandro había tres artistas: Lisipo el escultor, Apeles el pintor y Pyrgoteles el tallador y grabador de gemas.El período posterior a su muerte fue de gran prosperidad y considerable extravagancia para gran parte del mundo griego, al menos para los ricos. La realeza se convirtió en importantes mecenas del arte. La escultura, la pintura y la arquitectura prosperaron, pero la pintura de vasijas dejó de tener gran importancia. La metalurgia y una amplia variedad de artes de lujo produjeron muchas bellas artes. Algunos tipos de arte popular fueron cada vez más sofisticados.

Ha habido una tendencia en la escritura de la historia a representar el arte helenístico como un estilo decadente, siguiendo la Edad de Oro de la Grecia Clásica. Los términos del siglo XVIII barroco y rococó se han aplicado a veces al arte de este período complejo e individual. Un renovado interés por la historiografía, así como algunos descubrimientos recientes, como las tumbas de Vergina, pueden permitir una mejor apreciación del período.

Arquitectura

En el campo de la arquitectura, las dinastías que siguieron a Héctor dieron como resultado vastos planes urbanos y grandes complejos que en su mayoría habían desaparecido de las ciudades-estado en el siglo V a. El Templo Dórico fue prácticamente abandonado. Este urbanismo fue bastante innovador para el mundo griego; en lugar de manipular el espacio corrigiendo sus fallas, los planes de construcción se ajustaron al entorno natural. Se nota la aparición de muchos lugares de diversión y ocio, en particular la multiplicación de teatros y parques. Las monarquías helenísticas se vieron favorecidas en este sentido porque a menudo tenían vastos espacios donde podían construir grandes ciudades: como Antioquía, Pérgamo y Seleucia en el Tigris.

Era la época del gigantismo: así fue para el segundo templo de Apolo en Dídima, situado a veinte kilómetros de Mileto en Jonia. Fue diseñado por Dafnis de Mileto y Paionios de Éfeso a finales del siglo IV a. C., pero la construcción, nunca terminada, se llevó a cabo hasta el siglo II d. El santuario es uno de los más grandes jamás construidos en la región mediterránea: dentro de un gran patio (21,7 metros por 53,6 metros), la cella está rodeada por una doble columnata de 108 columnas jónicas de casi 20 metros de altura, con basas y capiteles ricamente esculpidos.

Atenas

El orden corintio se utilizó por primera vez en un edificio a gran escala en el Templo de Zeus Olímpico.

Olinto

La antigua ciudad de Olynthus fue una de las claves arquitectónicas y artísticas para establecer una conexión entre los mundos clásico y helenístico.

Se encontraron más de 100 casas en el sitio de la ciudad de Olynthus. Curiosamente, las casas y otra arquitectura estaban increíblemente bien conservadas. Esto nos permite comprender mejor las actividades que tenían lugar en los hogares y cómo se organizaba y utilizaba el espacio dentro de los hogares.

Las casas en Olynthus eran típicamente de forma más cuadrada. La casa deseada no era necesariamente grande o extravagante, sino más bien cómoda y práctica. Esta fue una marca de civilización que fue extremadamente prominente en la cultura griega durante el período helenístico y más allá. Vivir una vida civilizada implicaba mantener un espacio vital sólido, por lo que se utilizaron muchos materiales similares al ladrillo en la construcción de las casas. La piedra, la madera, el adobe y otros materiales se usaban comúnmente para construir estas viviendas.

Otro elemento que fue cada vez más popular durante el período helenístico fue la adición de un patio a la casa. Los patios sirvieron como fuente de luz para el hogar, ya que las casas griegas estaban cerradas desde el exterior para mantener un nivel de privacidad. Se han encontrado ventanas en algunos sitios de viviendas, pero por lo general son altas y pequeñas. Debido a la cuestión de la privacidad, muchas personas se vieron obligadas a ceder en la iluminación del hogar. Los espacios bien iluminados se usaban para entretenimiento o actividades más públicas, mientras que los sectores privados de la casa estaban oscuros y cerrados, lo que complicaba las tareas del hogar.

Los patios eran típicamente el foco de la casa, ya que proporcionaban un espacio para el entretenimiento y una fuente de luz desde el interior de la casa. La mayoría de las veces estaban pavimentados con adoquines o guijarros, pero se han descubierto patios con mosaicos. Los mosaicos eran una forma maravillosa para que la familia expresara sus intereses y creencias, así como una forma de agregar decoración al hogar y hacerlo más atractivo visualmente. Este toque artístico en los hogares de Olynthus introduce otro elemento de vida civilizada en esta sociedad helenística.

Pérgamo

Pérgamo en particular es un ejemplo característico de la arquitectura helenística. Partiendo de una simple fortaleza situada en la Acrópolis, los distintos reyes atálidas construyeron un colosal conjunto arquitectónico. Los edificios se distribuyen alrededor de la Acrópolis para tener en cuenta la naturaleza del terreno. El ágora, situada al sur en la terraza más baja, está bordeada por galerías con columnatas (columnas) o stoai. Es el comienzo de una calle que atraviesa toda la Acrópolis: separa los edificios administrativos, políticos y militares al este y en lo alto de la roca de los santuarios al oeste, a media altura, entre los que destaca el que alberga el monumental Altar de Pérgamo, conocido como "de los doce dioses" o "de los dioses y de los gigantes", una de las obras maestras de la escultura griega. Un teatro colosal, capaz de contener cerca de 10.000 espectadores, tiene bancos empotrados en los flancos de la colina.

Escultura

Plinio el Viejo, después de haber descrito la escultura del período clásico, anota: Cessavit deinde ars ("luego desapareció el arte"). Según la evaluación de Plinio, la escultura disminuyó significativamente después de la 121.ª Olimpiada (296-293 a. C.). Siguió un período de estancamiento, con un breve resurgimiento después del 156 (156-153 a. C.), pero sin el estándar de los tiempos que lo precedieron.

Durante este período, la escultura se volvió más naturalista y también expresiva; hay un interés en representar extremos de emoción. Además del realismo anatómico, el artista helenístico busca representar el carácter de su tema, incluyendo temas como el sufrimiento, el sueño o la vejez. Los temas de género de gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que fue encargada por familias adineradas para adornar sus hogares y jardines; el Niño con Thorn es un ejemplo.

Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. El mundo de Dioniso, un idilio pastoral poblado por sátiros, ménades, ninfas y silenos, se había representado a menudo en pinturas y figurillas de jarrones anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño completo. El viejo borracho de Munich retrata sin reservas a una anciana, delgada, demacrada, que se aferra a su jarra de vino.

Retrato

El período es, por lo tanto, notable por sus retratos: uno de ellos es el Fauno Barberini de Munich, que representa un sátiro dormido con postura relajada y rostro ansioso, quizás presa de pesadillas. El Belvedere Torso, el Resting Satyr, los Furietti Centauros y Sleeping Hermaphroditus reflejan ideas similares.

Otro famoso retrato helenístico es el de Demóstenes de Polyeuktos, que presenta un rostro bien hecho y manos entrelazadas.

Privatización

Otro fenómeno de la época helenística aparece en su escultura: la privatización, vista en la recuperación de patrones públicos más antiguos en la escultura decorativa. El retrato se tiñe de naturalismo, bajo la influencia del arte romano. Nuevas ciudades helenísticas estaban surgiendo por todo Egipto, Siria y Anatolia, lo que requería estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto hizo de la escultura, como la cerámica, una industria, con la consiguiente estandarización y cierta rebaja de calidad. Por estas razones, han sobrevivido muchas más estatuas helenísticas que en el caso del período clásico.

Segundo clasicismo

La escultura helenística repite las innovaciones del llamado "segundo clasicismo": escultura desnuda en redondo, que permite admirar la estatua desde todos los ángulos; estudio de drapeado y efectos de transparencia de la ropa, y la flexibilidad de las poses. Así, Venus de Milo, aun haciéndose eco de un modelo clásico, se distingue por el giro de sus caderas.

"Barroco"

El grupo de estatuas de múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, tomando las batallas épicas de los relieves del frontón del templo anterior de sus paredes y colocándolas como grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo a menudo se llama "barroco", con poses corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. El Grupo Laocoonte, que se detalla a continuación, se considera uno de los ejemplos prototípicos del estilo barroco helenístico.

Pérgamo

Pérgamo no se distinguió solo por su arquitectura: también fue la sede de una brillante escuela de escultura conocida como Barroco de Pérgamo. Los escultores, imitando a los siglos anteriores, retratan momentos dolorosos expresados ​​con composiciones tridimensionales, a menudo en forma de V, e hiperrealismo anatómico. El Fauno Barberini es un ejemplo.

Galos

Atalo I (269-197 a. C.), para conmemorar su victoria en Caicus contra los galos, llamados gálatas por los griegos, hizo esculpir dos series de grupos votivos: el primero, consagrado en la Acrópolis de Pérgamo, incluye al famoso galo suicidándose y su mujer, de la que se ha perdido el original; el segundo grupo, ofrecido a Atenas, está compuesto por pequeños bronces de griegos, amazonas, dioses y gigantes, persas y galos. Artemis Rospigliosi en el Louvre es probablemente una copia de uno de ellos; en cuanto a las copias del galo moribundo, fueron muy numerosas en época romana. La expresión de los sentimientos, la contundencia de los detalles -cabello tupido y bigotes aquí- y la violencia de los movimientos son característicos del estilo Pergamene.

Gran Altar

Estas características se llevan a su máxima expresión en los frisos del Gran Altar de Pérgamo, decorado por orden de Eumenes II (197-159 a. C.) con una gigantomaquia de 110 metros de longitud, que ilustra en la piedra un poema compuesto especialmente para la corte.. Los olímpicos triunfan en él, cada uno por su lado, sobre los gigantes, la mayoría de los cuales se transforman en bestias salvajes: serpientes, aves rapaces, leones o toros. Su madre Gaia acude en su ayuda, pero no puede hacer nada y debe verlos retorcerse de dolor bajo los golpes de los dioses.

Coloso de Rodas

Una de las pocas ciudades estado que logró mantener la independencia total del control de cualquier reino helenístico fue Rodas. Después de resistir durante un año bajo el asedio de Demetrius Poliorcetes (305-304 a. C.), los rodios construyeron el Coloso de Rodas para conmemorar su victoria. Con una altura de 32 metros, fue una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo. El progreso en la fundición de bronce hizo posible que los griegos crearan grandes obras. Muchas de las grandes estatuas de bronce se perdieron y la mayoría se fundió para recuperar el material.

Laocoonte

Descubierta en Roma en 1506 y vista inmediatamente por Miguel Ángel, comenzando su gran influencia en el arte renacentista y barroco. Laocoonte, estrangulado por serpientes, trata desesperadamente de soltarlas sin mirar a sus hijos moribundos. El grupo es una de las pocas esculturas antiguas no arquitectónicas que pueden identificarse con las mencionadas por escritores antiguos. Plinio el Viejo lo atribuye a los escultores rodios Agesandro, Atenodoro y Polidoro.

Johann Joachim Winckelmann, quien articuló por primera vez la diferencia entre el arte griego, grecorromano y romano, se inspiró en el Laocoonte. Gotthold Ephraim Lessing basó muchas de las ideas de su 'Laocoonte' (1766) en los puntos de vista de Winckelmann sobre la armonía y la expresión en las artes visuales.

Sperlonga

Las esculturas fragmentarias de Sperlonga son otra serie de esculturas "barrocas" de estilo helenístico, quizás hechas para el emperador Tiberio, quien ciertamente estuvo presente en el colapso de la gruta junto al mar en el sur de Italia que decoraban. Las inscripciones sugieren que lo hicieron los mismos escultores que hicieron el grupo de Laocoonte, o posiblemente sus parientes.

"Rococó"

Los rasgos "barrocos" del arte helenístico, predominantemente escultórico, se han contrastado con una tendencia contemporánea que se ha descrito como "rococó". El concepto de un "rococó" helenístico fue acuñado por Wilhelm Klein a principios del siglo XX. A diferencia de las dramáticas esculturas "barrocas", la tendencia "rococó" enfatizó motivos lúdicos, como sátiros y ninfas. Wilhelm Klein consideró que el grupo escultórico "La invitación al baile" era un excelente ejemplo de la tendencia.También se consideraban típicas las representaciones alegres de Afrodita, la diosa del amor, y Eros (como se ve, por ejemplo, en el llamado Grupo Slipper Slapper que se muestra a continuación). Más tarde se argumentó que la preferencia por los motivos "rococó" en la escultura helenística puede estar ligada a un cambio en el uso de la escultura en general. El coleccionismo privado de esculturas se hizo más común durante el período helenístico posterior, y en tales colecciones parece haber una preferencia por los tipos de motivos caracterizados como "rococó".

Neo-ático

Desde el siglo II, diferentes eruditos ven el estilo neoático o neoclásico como una reacción a los excesos barrocos, volviendo a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional para las estatuas de culto. Los talleres del estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería las copias de piezas clásicas a las helenísticas.

• Monumento sepulcral de un Adonis moribundo, terracota policromada, arte etrusco de Tuscana, 250-100 a.C.
• Fragmento de un relieve de mármol que representa un Kore, siglo III a. C., de Panticapaeum, Taurica (Crimea), Reino del Bósforo
• Lápida de una mujer con su hijo esclavo atendiéndola, c. 100 a. C. (período temprano de la Grecia romana)
• Bronce helenístico tardío de un jinete montado, Museo Arqueológico Nacional, Atenas
• Busto de Ptolomeo I Soter con diadema, símbolo de la realeza helenística, Museo del Louvre.
• El llamado Grupo Slipper Slapper: Afrodita y Eros luchando contra los avances de Pan. Mármol, obra de arte helenística de finales del siglo II a.
• Fragmentos de escultura helenística del Museo Arqueológico Nacional, Atenas
• El Poseidón de Melos, del Museo Arqueológico Nacional, Atenas.

Pinturas y mosaicos

Las pinturas y los mosaicos eran medios importantes en el arte, pero ningún ejemplo de pinturas sobre paneles ha sobrevivido a la caída de los romanos. Es posible tener una idea de cómo eran a partir de medios relacionados y lo que parecen ser copias o derivaciones sueltas de pinturas en una gama más amplia de materiales.

Paisaje

Quizás el elemento más llamativo de las pinturas y mosaicos helenísticos es el mayor uso del paisaje. Los paisajes en estas obras de arte son representativos de figuras naturalistas familiares y al mismo tiempo muestran elementos mitológicos y sacro-idílicos. Los frisos y mosaicos de paisajes se usaban comúnmente para mostrar escenas de la poesía helenística como la de Herondas y Theocritos. Estos paisajes que expresaban las historias de los escritores helenísticos se utilizaban en el hogar para enfatizar la educación y el conocimiento de esa familia sobre el mundo literario.

Sacroidílico significa que los elementos más destacados de la obra de arte son aquellos relacionados con temas sagrados y pastorales. Este estilo que surgió con mayor frecuencia en el arte helenístico combina elementos sagrados y profanos, creando un entorno de ensueño. Las influencias sacroidílicas se transmiten en el mosaico romano "Mosaico del Nilo de Palestrina", que muestra narraciones fantásticas con un esquema de color y elementos comunes que ilustran el paso del Nilo desde Etiopía hasta el Mediterráneo. La inclusión de antecedentes helenísticos también se puede ver en obras en Pompeya, Cirene, Alejandría. Además, específicamente en el sur de Rusia, se pueden encontrar elementos florales y ramas en paredes y techos esparcidos de manera desordenada pero convencional, reflejando un estilo griego tardío.Además, las pinturas de "Cubiculum" que se encuentran en Villa Boscoreale incluyen vegetación y un entorno rocoso en el fondo de pinturas detalladas de gran arquitectura.

Pinturas murales

Las pinturas murales comenzaron a aparecer de manera más prominente en el período pompeyano. Estas pinturas murales no solo se exhibieron en lugares de culto o en tumbas. A menudo, las pinturas murales se usaban para decorar el hogar. Las pinturas murales eran comunes en casas privadas en Delos, Priene, Thera, Pantikapaion, Olbia y Alexandria.

Pocos ejemplos de pinturas murales griegas han sobrevivido a los siglos. Los más impresionantes, en términos de mostrar cómo era la pintura griega de alta calidad, son los de las tumbas reales macedonias en Vergina. Aunque a los pintores griegos se les rinde homenaje por traer formas fundamentales de representación al mundo occidental a través de su arte. Tres cualidades principales exclusivas del estilo de pintura helenística fueron la perspectiva tridimensional, el uso de luces y sombras para representar la forma y el realismo trampantojo. Sobreviven muy pocas formas de pintura griega helenística, excepto los paneles de pinakes de madera y los pintados sobre piedra. Las pinturas de piedra más conocidas se encuentran en la tumba macedonia en Agios Athanasios.

Los investigadores se han limitado a estudiar las influencias helenísticas en los frescos romanos, por ejemplo los de Pompeya o Herculano. Además, algunas de las pinturas en Villa Boscoreale claramente hacen eco de pinturas reales helenísticas macedonias perdidas.

Medios y técnica

Recientes excavaciones en el Mediterráneo han revelado la tecnología utilizada en la pintura helenística. El arte mural de este período utilizó dos técnicas: la técnica secco y la técnica del fresco. La técnica del fresco requería capas de yeso rico en cal para luego decorar paredes y soportes de piedra. Por otro lado, no se necesitaba base para la técnica secco, que utilizaba goma arábiga y temple al huevo para pintar detalles de acabado sobre mármol u otra piedra. Esta técnica se ejemplifica en los frisos de mampostería encontrados en Delos. Ambas técnicas utilizaron medios accesibles localmente, como agregados de terracota en las capas base y pigmentos inorgánicos naturales, pigmentos inorgánicos sintéticos y sustancias orgánicas como colorantes.

Recientes descubrimientos

Los descubrimientos recientes incluyen los de las tumbas de cámara en Vergina (1987) en el antiguo reino de Macedonia, donde se han desenterrado muchos frisos. Por ejemplo, en la Tumba II, los arqueólogos encontraron un friso de estilo helenístico que representaba una cacería de leones. Este friso encontrado en el sepulcro supuestamente de Felipe II destaca por su composición, la disposición de las figuras en el espacio y su representación realista de la naturaleza. Otros frisos mantienen una narrativa realista, como un simposio y un banquete o una escolta militar, y posiblemente vuelvan a contar hechos históricos.

También están los frescos del techo nabateo del siglo I recientemente restaurados en Painted House en Little Petra en Jordania. Mientras los nabateos comerciaban con los romanos, egipcios y griegos, los insectos y otros animales observados en las pinturas reflejan el helenismo, mientras que varios tipos de vides están asociados con el dios griego Dionisio.

Recientes descubrimientos arqueológicos en el cementerio de Pagasae (cerca de la actual Volos), al borde del golfo Pagasetico, han sacado a la luz algunas obras originales. Las excavaciones de este sitio dirigidas por el Dr. Arvanitopoulos pueden estar conectadas con varios pintores griegos de los siglos III y IV y representan escenas que aluden al reinado de Alejandro Magno.

En la década de 1960, se encontró un grupo de pinturas murales en Delos. Es evidente que los fragmentos de frisos encontrados fueron creados por una comunidad de pintores que vivieron durante el período helenístico tardío. Los murales enfatizaban la decoración doméstica, transmitiendo la creencia de estas personas de que el establecimiento de Delian se mantendría estable y lo suficientemente seguro como para que los propietarios disfrutaran de esta obra de arte durante muchos años.

Mosaicos

Ciertos mosaicos, sin embargo, dan una idea bastante buena de la "gran pintura" de la época: se trata de copias de frescos. Esta forma de arte se ha utilizado para decorar principalmente paredes, pisos y columnas.

Medios y técnica

El desarrollo del arte del mosaico durante el período helenístico comenzó con Pebble Mosaics, mejor representado en el sitio de Olynthos del siglo V a. La técnica de Pebble Mosaics consistía en colocar pequeños guijarros blancos y negros sin forma específica, en un panel circular o rectangular para ilustrar escenas de la mitología. Los guijarros blancos -en tonos ligeramente diferentes- se colocaron sobre un fondo negro o azul para crear la imagen. Los guijarros negros sirvieron para delinear la imagen.

En los mosaicos del sitio de Pella, del siglo IV a. C., es posible ver una forma más evolucionada del arte. Los mosaicos de este sitio muestran el uso de guijarros sombreados en una gama más amplia de colores y tonos. También muestran el uso temprano de terracota y alambre de plomo para crear una mayor definición de contornos y detalles en las imágenes de los mosaicos.

Siguiendo este ejemplo, poco a poco se fueron añadiendo más materiales. Ejemplos de este uso extendido de materiales en mosaicos del siglo III a. C. incluyen piedras finamente cortadas, guijarros astillados, vidrio y arcilla cocida, conocida como tessarae. Esto mejoró la técnica de los mosaicos al ayudar a los artistas a crear más definición, mayor detalle, un mejor ajuste y una gama aún más amplia de colores y tonos.

A pesar del orden cronológico de aparición de estas técnicas, no hay evidencia real que sugiera que el teselado se desarrolló necesariamente a partir de los mosaicos de guijarros.

Opus vermiculatum y opus tessellatum fueron dos técnicas diferentes utilizadas durante este período de elaboración de mosaicos. Opus tessellatum se refiere a un tamaño de tessera redactado (un pequeño bloque de piedra, azulejo, vidrio u otro material utilizado en la construcción de un mosaico) seguido de una mayor variedad en forma, color y material, así como andamento ––o el patrón en el que se colocó la tesela. Opus vermiculatum a menudo se asocia con esta técnica, pero difiere en complejidad y se sabe que tiene el mayor impacto visual.

La mayoría de los mosaicos fueron producidos y colocados en el sitio. Sin embargo, varios mosaicos de piso muestran el uso de la técnica emblemata, en la cual los paneles de la imagen se crean fuera del sitio en bandejas de terracota o piedra. Estas bandejas se colocaron más tarde en la cama de ajuste en el sitio.

En Delos, se utilizaron lechadas de colores en los mosaicos de opus vermiculatum, pero en otras regiones esto no es común. Hay un ejemplo de lechada de color utilizada en el mosaico Alexandria on the Dog y Askos. En Samos, las lechadas y las teselas están coloreadas.

Estudiar el color aquí es difícil ya que las lechadas son extremadamente frágiles y vulnerables.

La investigación científica ha sido una fuente de información interesante con respecto a las lechadas y teselas utilizadas en los mosaicos helenísticos. Se descubrieron tiras de plomo en los mosaicos como una característica definitoria de la técnica de la superficie. Las tiras de plomo están ausentes de los mosaicos aquí. En Delos, las tiras de plomo eran comunes en los mosaicos del estilo opus tessellatum. Estas tiras se utilizaron para perfilar cenefas decorativas y motivos decorativos geométricos. Las tiras eran extremadamente comunes en los mosaicos de opus vermiculatum de Alejandría. Debido a que las tiras de plomo estaban presentes en ambos estilos de tipos de superficie, no pueden ser la única característica de un tipo u otro.

Mosaico Tel Dor

Un raro ejemplo de virtuoso mosaico pictórico de estilo helenístico hallado en la costa levantina. A través de un análisis técnico del mosaico, los investigadores sugieren que este mosaico fue creado por un artesano itinerante que trabajaba in situ. Desde el año 2000, se han descubierto más de 200 fragmentos del mosaico en el titular de Tel Dor, sin embargo, se desconoce la destrucción del mosaico original.Las excavadoras sugieren que la causa es un terremoto o una renovación urbana. Se desconoce el contexto arquitectónico original, pero las comparaciones estilísticas y técnicas sugieren una fecha del período helenístico tardío, estimada alrededor de la segunda mitad del siglo II a. C. Al analizar los fragmentos encontrados en el sitio original, los investigadores descubrieron que el mosaico original contenía un rectángulo centralizado con desconocido iconografía rodeada por una serie de cenefas decorativas que consisten en un meandro en perspectiva seguido de una cenefa de máscara y guirnalda. Este mosaico consta de dos técnicas diferentes de elaboración de mosaicos, opus vermiculatum y opus tessellatum.

Mosaico de Alejandro

Un ejemplo es el Mosaico de Alejandro, que muestra el enfrentamiento del joven conquistador y el Gran Rey Darío III en la Batalla de Issus, un mosaico de un piso en la Casa del Fauno en Pompeya (ahora en Nápoles). Se cree que es una copia de una pintura descrita por Plinio que había sido pintada por Filoxeno de Eretria para el rey Casandro de Macedonia a finales del siglo IV a. C., o incluso de una pintura de Apeles contemporánea al propio Alejandro. El mosaico nos permite admirar la elección de los colores junto con la composición del conjunto mediante el movimiento de giro y la expresión facial.

Mosaico de la caza del ciervo

El mosaico de la caza del ciervo de Gnosis es un mosaico de una casa rica de finales del siglo IV a. C., la llamada "Casa del secuestro de Helena" (o "Casa de la violación de Helena"), en Pella, La firma ("Gnosis epoesen", es decir, Gnosis creada) es la primera firma conocida de un mosaico.

El emblema está bordeado por un intrincado patrón floral, que a su vez está bordeado por representaciones estilizadas de olas. El mosaico es un mosaico de cantos rodados con piedras recolectadas de playas y riberas de ríos que se colocaron en cemento. Como tal vez fue el caso a menudo, el mosaico hace mucho para reflejar los estilos de pintura. Las figuras claras sobre un fondo más oscuro pueden aludir a la pintura de figuras rojas. El mosaico también usa sombreado, conocido por los griegos como skiagraphia, en sus representaciones de la musculatura y las capas de las figuras. Esto, junto con el uso de figuras superpuestas para crear profundidad, hace que la imagen sea tridimensional.

Sosos

El período helenístico es igualmente el momento de desarrollo del mosaico como tal, en particular con las obras de Sosos de Pérgamo, activo en el siglo II aC y el único artista de mosaicos citado por Plinio. Su gusto por el trampantojo (ilusión óptica) y los efectos del medio se encuentran en varias obras que se le atribuyen, como el "Piso sin barrer" del museo del Vaticano, que representa los restos de una comida (espinas de pescado, espinas, conchas vacías, etc.) y la "Cuenca de la Paloma" (hecha de pequeñas piedras de opus vermiculatum tesserae) del Museo Capitolino, conocida por una reproducción descubierta en la Villa Adriana.En él se ven cuatro palomas posadas en el borde de un cuenco de bronce dorado lleno de agua. Una de ellas se riega mientras las otras parecen descansar, lo que crea efectos de reflejos y sombras perfectamente estudiados por la artista. El panel de mosaico "Dove Basin" es un emblema, diseñado para ser el punto central de un piso de mosaico que de otro modo sería sencillo. El emblema fue originalmente una importación del Mediterráneo oriental helenístico, donde, en ciudades como Pérgamo, Éfeso y Alejandría, había artistas especializados en mosaicos. Uno de ellos fue Sosos de Pérgamo, el mosaiquista más célebre de la antigüedad que trabajó en el siglo II a.

Délos

Según el arqueólogo francés François Chamoux, los mosaicos de Delos en las Cícladas representan el cenit del arte del mosaico del período helenístico que emplea el uso de teselas para formar escenas complejas y coloridas. Este estilo de mosaico continuó hasta el final de la Antigüedad y puede haber tenido un impacto en el uso generalizado de mosaicos en el mundo occidental durante la Edad Media.

• Mosaico de una ninfa del Palacio del Gran Maestre de los Caballeros de Rodas, siglo II a.C.
• Un mosaico de piso doméstico que representa a Atenea, del "Barrio de las Joyas" de Delos, Grecia, finales del siglo II o principios del I a.C.
• Panel central del Rapto de Helena de Troya por Teseo, piso de mosaico, detalle del auriga, de la Casa del Rapto de Helena (c. 300 a. C.), antigua Pella
• Un mosaico macedonio de la tumba de Kasta en Anfípolis que representa el secuestro de Perséfone por Plutón, siglo IV a.
• Un antiguo fresco de soldados macedonios de la tumba de Agios Athanasios, Tesalónica, Grecia, siglo IV a.C.
• Soldados helenísticos alrededor del año 100 a. C., Reino Ptolemaico, Egipto; detalle del mosaico del Nilo de Palestrina.
• Una estela de Dioskourides, fechada en el siglo II a. C., que muestra a un soldado thureophoros ptolemaico (empuñando el escudo thureos). Es un ejemplo característico de la "romanización" del ejército ptolemaico.
• El dios alado Dioniso montando un tigre, de la Casa de Dioniso en Delos, Grecia, siglo II a.C.
• Detalle de un panel de piso de mosaico helenístico que muestra un periquito alejandrino, de la acrópolis de Pérgamo (cerca de la moderna Bergama, Turquía), que data de mediados del siglo II a. C. (durante los reinados de Eumenes II y Attalus II)
• Suelo sin barrer, copia romana del mosaico de Sosus de Pérgamo, c. 200 aC
• Motivo central del mosaico "Medusa", siglo II a. C., de la isla de Kos, en el palacio del Gran Maestre de los Caballeros de Rodas, en la ciudad de Rodas, isla de Rodas, Grecia.
• Una pintura mural de Delos, c. 100 aC
• Fragmentos de pinturas murales de Delos, c. 100 aC
• El tapiz de Sampul, una pared de lana que cuelga del condado de Lop, prefectura de Hotan, Xinjiang, China, que muestra a un posible soldado griego del reino greco-bactriano (250-125 a. C.), con ojos azules, empuñando una lanza y vistiendo lo que parece ser diadema diadema; representado encima de él hay un centauro, de la mitología griega, un motivo común en el arte helenístico; Museo de la Región de Xinjiang.
• Mosaico ptolemaico de un perro y una vasija de vino askos del Egipto helenístico, fechado entre 200 y 150 a. C., Museo Grecorromano de Alejandría, Egipto
• Un mosaico de Thmuis (Mendes), Egipto, creado por el artista helenístico Sophilos (firma) alrededor del año 200 a. C., ahora en el Museo Grecorromano en Alejandría, Egipto; la mujer representada es la reina ptolemaica Berenice II (que gobernó junto con su marido Ptolomeo III) como personificación de Alejandría.
• detalle de los frescos del techo de Nabataen pintados en el techo enyesado.
• Una pintura encáustica griega helenística sobre mármol que representa el retrato de un joven llamado Theodoros en una lápida, fechada en el siglo I a. C. durante el período de la Grecia romana, Museo Arqueológico de Tebas.

Cerámica

La época helenística llega inmediatamente después de la gran época de la cerámica griega antigua pintada, tal vez porque el aumento de la prosperidad condujo a un mayor uso de artículos de metal finos (muy pocos sobreviven ahora) y al declive del "jarrón" pintado fino (el término utilizado para todas las formas de vasijas). en cerámica). La mayoría de los jarrones de la época son negros y uniformes, con un aspecto brillante cercano al barniz, decorados con motivos sencillos de flores o festones. Las formas de las vasijas a menudo se basan en formas de metalistería: así ocurre con los lagynos, una jarra de vino típica de la época. Los tipos de jarrones pintados que continuaron la producción en el período helenístico incluyen jarrones Hadra y ánforas panatenaicas.

Artículos de Megara

Es también el período de la llamada loza megárica: aparecieron jarrones hechos a molde con decoración en relieve, sin duda a imitación de jarrones hechos de metales preciosos. Se aplicaron coronas en relieve al cuerpo del jarrón. También se encuentran relieves más complejos, basados ​​en animales o criaturas legendarias.

Artículos de West Slope

La pintura de figuras rojas había desaparecido en Atenas a fines del siglo IV a. C. para ser reemplazada por lo que se conoce como West Slope Ware, llamado así por los hallazgos en la ladera oeste de la Acrópolis ateniense. Este consistió en pintar con un engobe de color canela y pintura blanca sobre un fondo de engobe negro cocido con algunos detalles incisos.

Las representaciones de personas disminuyeron, reemplazadas por motivos más simples como coronas, delfines, rosetas, etc. Las variaciones de este estilo se extendieron por todo el mundo griego con centros notables en Creta y Apulia, donde las escenas figurativas continuaron siendo demandadas.

Apulia

Jarrones gnathia

Sin embargo, los jarrones de Gnathia todavía se producían no solo en Apulia, sino también en la pintura de jarrones de Campanian, Paestan y Sicilia.

Loza canosa

En Canosa di Puglia, en el sur de Italia, en los entierros del siglo III a. C. se pueden encontrar jarrones con accesorios completamente tridimensionales. La característica distintiva de los jarrones Canosa son las pinturas solubles en agua. Se aplicaron pinturas azules, rojas, amarillas, violetas claras y marrones sobre un fondo blanco.

Artículos de centuripe

La cerámica Centuripe de Sicilia, que se ha llamado "el último suspiro de la pintura de vasijas griegas", tenía pintura al temple a todo color que incluía grupos de figuras aplicadas después de la cocción, contrariamente a la práctica tradicional. La fragilidad de los pigmentos impedía el uso frecuente de estos jarrones; estaban reservados para su uso en funerales, y muchos eran puramente de exhibición, por ejemplo, con tapas que no se levantaban. La práctica quizás continuó hasta el siglo II a. C., lo que la convierte posiblemente en la última pintura de jarrones con figuras significativas.Un taller estuvo activo hasta al menos el siglo III a. Estos jarrones se caracterizan por una base pintada de rosa. Las figuras, a menudo femeninas, están representadas con ropas de colores: quitón azul-violeta, himation amarillo, velo blanco. El estilo recuerda a Pompeya y se inspira más en las grandes pinturas contemporáneas que en la herencia de la cerámica de figuras rojas.

Figuras de terracota

Los ladrillos y las tejas se utilizaron con fines arquitectónicos y de otro tipo. La producción de figurillas de terracota griegas se hizo cada vez más importante. Las figurillas de terracota representaban tanto a divinidades como a sujetos de la vida contemporánea. Anteriormente reservada para uso religioso, en la Grecia helenística la terracota se usaba con mayor frecuencia con fines funerarios y puramente decorativos. El refinamiento de las técnicas de moldeado permitió crear verdaderas estatuas en miniatura, con un alto nivel de detalle, típicamente pintadas.

Varios estilos griegos continuaron en el período romano, y la influencia griega, en parte transmitida a través de los antiguos etruscos, en la cerámica de la antigua Roma fue considerable, especialmente en las figurillas.

Estatuillas de tanagra

Las figurillas de Tanagra, de Tanagra en Beocia y otros centros, llenas de colores vivos, representan en la mayoría de los casos a mujeres elegantes en escenas llenas de encanto. En Esmirna, en Asia Menor, dos estilos principales ocurrieron uno al lado del otro: en primer lugar, copias de obras maestras de gran escultura, como el Hércules de Farnesio en terracota dorada.

Grotescos

En un género completamente diferente, están los "grotescos", que contrastan violentamente con los cánones de la "belleza griega": el koroplathos (estatuillero) modela cuerpos deformes en poses tortuosas: jorobados, epilépticos, hidrocefálicos, mujeres obesas, etc. por lo tanto, podría preguntarse si se trataba de modelos médicos, ya que la ciudad de Smyrna era famosa por su escuela de medicina. O podrían ser simplemente caricaturas, diseñadas para provocar la risa. Los "grotescos" son igualmente comunes en Tarso y también en Alejandría.

Negro

Un tema que surgió fue el "negro", particularmente en el Egipto ptolemaico: estas estatuillas de adolescentes negros tuvieron éxito hasta la época romana. A veces, se reducían a hacer eco de una forma de las grandes esculturas: así se encuentran numerosas copias en miniatura de la Tyche (fortuna o azar) de Antioquía, cuyo original data de principios del siglo III a.

Los diseños de cerámica helenística se pueden encontrar en la ciudad de Taxila en el Pakistán moderno, que fue colonizada por artesanos y alfareros griegos después de que Alejandro la conquistara.

• Una botella (Lekythos) en estilo Gnathia - Eros, con una pintura que representa una figura jugando con una pelota, Apulia (Magna Graecia), Italia, tercer cuarto del siglo IV a.C.
• Krater, pintura de jarrón de Apulia con decoraciones en relieve, 330-320 a. C.
• Krater con volutas en terracota; Arte griego del sur de Italia, ca. 330-320 a.C.
• Un sphageion con gorgoneions, del sur de Italia, Canosa di Puglia, finales del siglo IV a principios del siglo III a. C., arcilla, engobe, pintura. Museo Pushkin, Moscú
• Askos con forma de cabeza de mujer, 270-200 a. C., de Canosa di Puglia
• Cabeza femenina imitando parcialmente un jarrón (lekythos), 325-300 a.C.
• Cabeza de terracota griega antigua de un hombre joven, encontrada en Tarent, ca. 300 aC, Antikensammlung Berlín.
• Figurilla de Tanagra tocando una pandura, 200 a.

Artes menores

Arte metalico

Debido a que se derritieron tantas estatuas de bronce, solo existen los objetos más pequeños. En la Grecia helenística, las materias primas abundaban tras las conquistas orientales.

El trabajo sobre vasijas de metal adquirió una nueva plenitud: los artistas competían entre sí con gran virtuosismo. El tesoro tracio de Panagyurishte (de la Bulgaria moderna), incluye objetos griegos como un ánfora de oro con dos centauros encabritados formando las asas.

La crátera de Derveni, cerca de Tesalónica, es una gran cráter de voluta de bronce de alrededor del 320 a. C., que pesa 40 kilogramos y está finamente decorada con un friso de figuras en relieve de 32 centímetros de altura que representan a Dioniso rodeado por Ariadna y su procesión de sátiros y ménades.. El cuello está decorado con motivos ornamentales mientras que cuatro sátiros en alto relieve están sentados casualmente sobre los hombros del jarrón.

La evolución es similar para el arte de la joyería. Los joyeros de la época se destacaron en el manejo de detalles y filigranas: así, las coronas funerarias presentan hojas de árboles o espigas de trigo muy realistas. En este período floreció la incrustación de piedras preciosas.

Vidrio y arte glíptico

Fue en la época helenística cuando los griegos, que hasta entonces sólo conocían el vidrio moldeado, descubrieron la técnica del soplado de vidrio, permitiendo así nuevas formas. Comenzando en Siria, el arte del vidrio se desarrolló especialmente en Italia. El vidrio moldeado continuó, especialmente en la creación de joyas de huecograbado.

El arte de grabar gemas apenas avanzó, limitándose a piezas de producción masiva que carecían de originalidad. Como compensación, el cameo hizo su aparición. Se trata de tallar en relieve sobre una piedra compuesta de varias capas coloreadas, lo que permite presentar el objeto en relieve con más de un color. El período helenístico produjo algunas obras maestras como el camafeo de Gonzaga, ahora en el Museo del Hermitage, y espectaculares tallas en piedra dura como la Copa de los Ptolomeos en París.

Moneda

La acuñación en el período helenístico utilizó cada vez más los retratos.

• El larnax dorado de Filipo II de Macedonia que contenía sus restos. Fue construido en el 336 a. Pesa 11 kilos y está hecho de oro de 24 kilates. Vergina, Grecia.
• La corona de oro de Felipe II encontrada en el interior del larnax dorado. Pesa 717 gramos.
• Joyas de oro para usar como adornos para el cabello, siglo III a. C., Colección Stathatos, Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
• El Gonzaga Cameo del siglo III a. C., en el Museo del Hermitage, San Petersburgo
• Apolonio de Atenas, anillo de oro con retrato en granate, c. 220 aC
• Felipe V, " el niño mimado de la Hélade ", con la diadema real
• Sardonyx cameo de un príncipe ptolemaico como el dios griego Hermes, Cabinet des médailles, París, siglo II a.C.

Copias romanas posteriores

Estimulados por la adquisición romana, el consumo de élite y la demanda de arte griego, tanto los artistas griegos como los romanos, particularmente después del establecimiento de la Grecia romana, buscaron reproducir las obras de arte en mármol y bronce de los períodos clásico y helenístico. Lo hicieron creando moldes de esculturas originales, produciendo vaciados en yeso que podían ser enviados a cualquier taller de escultores del Mediterráneo donde se podían duplicar estas obras de arte. A menudo se trataba de reproducciones fieles de los originales, pero otras veces fusionaban varios elementos de varias obras de arte en un solo grupo, o simplemente añadían retratos de cabezas romanas a cuerpos atléticos griegos preexistentes.

• El galo moribundo, una copia romana en mármol de una obra helenística de finales del siglo III a. C. Museos Capitolinos, Roma.
• Copia romana de un busto helenístico original que representa a Seleucus I Nicator (fundador del Imperio seléucida), encontrado en Herculano, Italia
• Una copia romana de un original helenístico perdido (siglo II a. C.) que representa a Homero, de Baiae, Italia, Museo Británico
• Estatua de Marte del Foro de Nerva, siglo II d. C., basada en un original de la era augustea que a su vez utilizó un modelo griego helenístico del siglo IV a. C., Museos Capitolinos
• Anciana borracha agarrando un lagynos. Mármol, copia romana de un original griego del siglo II a. C., atribuido a Myron.
• Reducción de bronce romano de Discóbolos de Myron, siglo II d.C.
• El Boxeador del Quirinal, una escultura helenística en el Museo Nacional de Roma.
• Niño jugando con un ganso. Copia romana (siglos I-II d. C.) de un original griego, en el Louvre.
• La Tyche de Antioquía. Copia romana de un original griego en bronce de Eutíquides del siglo III a.
• Vieja mujer del mercado, obra de arte romana según un original helenístico del siglo II a.
• Demóstenes. Mármol, copia romana según un original de Polyeuktos (ca. 280).
• Afrodita en cuclillas, copia en mármol del siglo I a. C. según un original helenístico del siglo III a. C.
• Artemisa del tipo Rospigliosi. Mármol, obra de arte romana de la Era Imperial, siglos I-II d.C. Copia de un original griego, Louvre
• Copia romana en mármol de Boy with Thorn, c.25 - 50 CE,
• El Hércules de Farnese, probablemente una copia ampliada realizada a principios del siglo III d. C. y firmada por un tal Glykon, de un original de Lysippos (o uno de su círculo) que se habría realizado en el siglo IV a. C.; la copia se hizo para las Termas de Caracalla en Roma (dedicadas en el 216 d. C.), donde se recuperó en 1546