Arte gótico

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Arcos góticos
Arcos góticos

El arte gótico fue un estilo de arte medieval que se desarrolló en el norte de Francia a partir del arte románico en el siglo XII dC, liderado por el desarrollo simultáneo de la arquitectura gótica. Se extendió a toda Europa occidental y gran parte del norte, sur y centro de Europa, y nunca borró por completo los estilos más clásicos en Italia. A finales del siglo XIV se desarrolló el sofisticado estilo cortesano del gótico internacional, que siguió evolucionando hasta finales del siglo XV. En muchas áreas, especialmente en Alemania, el arte gótico tardío continuó hasta bien entrado el siglo XVI, antes de ser subsumido en el arte renacentista. Los medios primarios en el período gótico incluyeron escultura, pintura de paneles, vidrieras, frescos y manuscritos iluminados. Los cambios fácilmente reconocibles en la arquitectura del románico al gótico y del gótico al renacimiento,

El primer arte gótico fue la escultura monumental, en las paredes de catedrales y abadías. El arte cristiano a menudo era de naturaleza tipológica (ver alegoría medieval), mostrando las historias del Nuevo Testamento y el Antiguo Testamento una al lado de la otra. A menudo se representaban las vidas de los santos. Las imágenes de la Virgen María cambiaron de la forma icónica bizantina a una madre más humana y afectuosa, abrazando a su bebé, balanceándose desde su cadera y mostrando los modales refinados de una dama cortesana aristocrática de buena cuna.

El arte secular se hizo realidad durante este período con el auge de las ciudades, la fundación de universidades, el aumento del comercio, el establecimiento de una economía basada en el dinero y la creación de una clase burguesa que podía permitirse el lujo de patrocinar las artes y encargar obras, dando como resultado en una proliferación de pinturas y manuscritos iluminados. El aumento de la alfabetización y un creciente cuerpo de literatura vernácula secular alentaron la representación de temas seculares en el arte. Con el crecimiento de las ciudades, se formaron gremios comerciales y, a menudo, se requería que los artistas fueran miembros de un gremio de pintores. Como resultado, debido a un mejor mantenimiento de registros, conocemos más artistas por su nombre en este período que en cualquier otro anterior; algunos artistas incluso fueron tan atrevidos como para firmar sus nombres.

Orígenes

Catedral de Notre Dame
Catedral de Notre Dame

El arte gótico surgió en Île-de-France, Francia, a principios del siglo XII en la iglesia de la abadía de St Denis construida por el abad Suger. El estilo se extendió rápidamente más allá de sus orígenes en la arquitectura a la escultura, tanto de tamaño monumental como personal, el arte textil y la pintura, que adoptó una variedad de formas, incluidos los frescos, las vidrieras, el manuscrito iluminado y la pintura sobre paneles. Las órdenes monásticas, especialmente los cistercienses y los cartujos, fueron constructores importantes que difundieron el estilo y desarrollaron variantes distintivas del mismo en toda Europa. Las variaciones regionales de la arquitectura siguieron siendo importantes, incluso cuando, a fines del siglo XIV, había evolucionado un estilo universal coherente conocido como gótico internacional, que continuó hasta fines del siglo XV y más allá en muchas áreas.

Aunque había mucho más arte gótico secular de lo que a menudo se piensa hoy en día, dado que, en general, la tasa de supervivencia del arte religioso ha sido mejor que la de sus equivalentes seculares, una gran proporción del arte producido en el período fue religioso, ya sea por encargo de la iglesia o por encargo. los laicos El arte gótico a menudo era de naturaleza tipológica, lo que reflejaba la creencia de que los eventos del Antiguo Testamento prefiguraban los del Nuevo, y que este era de hecho su principal significado. Las escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento se muestran una al lado de la otra en obras como el Speculum Humanae Salvationis.y la decoración de iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana, en el que las artes visuales jugaron un papel importante. Las imágenes de la Virgen María evolucionaron desde los tipos hieráticos bizantinos, pasando por la Coronación de la Virgen, hasta tipos más humanos e íntimos, y los ciclos de la Vida de la Virgen fueron muy populares. Artistas como Giotto, Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura holandesa temprana, aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales y sus mecenas se volvieron mucho más confiados en la iconografía innovadora, y se ve mucha más originalidad, aunque la mayoría de los artistas todavía usaban fórmulas copiadas.

La iconografía se vio afectada por cambios en la teología, con representaciones de la Asunción de María ganando terreno a la antigua Muerte de la Virgen, y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna, que produjo nuevos tratamientos de Cristo en temas como el Varón de Dolores, Cristo pensativo y Piedad, que enfatizan su sufrimiento y vulnerabilidad humana, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Incluso en los Juicios FinalesA Cristo se le mostraba ahora habitualmente exponiendo su pecho para mostrar las heridas de su Pasión. Los santos se mostraban con más frecuencia y los retablos mostraban santos relevantes para la iglesia en particular o el donante que asistían a una Crucifixión o a la Virgen y el Niño entronizados, o que ocupaban el espacio central ellos mismos (esto generalmente para obras diseñadas para capillas laterales). Durante el período, muchas características iconográficas antiguas que se originaron en los apócrifos del Nuevo Testamento fueron eliminadas gradualmente bajo la presión del clero, como las parteras en la Natividad, aunque otras estaban demasiado bien establecidas y se consideraban inofensivas.

Etimología

La palabra "gótico" para arte se usó inicialmente como sinónimo de "bárbaro" y, por lo tanto, se usó de forma peyorativa. Sus críticos vieron este tipo de arte medieval como poco refinado y demasiado alejado de las proporciones y formas estéticas del arte clásico. Los autores del Renacimiento creían que el saqueo de Roma por parte de las tribus góticas en 410 había provocado la desaparición del mundo clásico y todos los valores que apreciaban. En el siglo XV, varios arquitectos y escritores italianos se quejaron de que los nuevos estilos "bárbaros" que se filtraban desde el norte de los Alpes representaban una amenaza similar para el renacimiento clásico promovido por el Renacimiento temprano. El calificativo "gótico" para este arte se utilizó por primera vez en la carta de Rafael al Papa León X c.quien lo usó ya en 1530, llamando al arte gótico un "desorden" "monstruoso y bárbaro". Rafael afirmó que los arcos ojivales de la arquitectura del norte eran un eco de las chozas primitivas que los habitantes de los bosques germánicos formaban doblando árboles, un mito que resurgiría mucho más tarde en un sentido más positivo en los escritos del movimiento romántico alemán. El "arte gótico" fue fuertemente criticado por autores franceses como Boileau, La Bruyère, Rousseau, antes de convertirse en una forma de arte reconocida y la redacción fijada. Molière haría un famoso comentario sobre el gótico:

El gusto embrutecido de los monumentos góticos,Estos odiosos monstruos de siglos ignorantes,Que los torrentes de la barbarie vomitaron.

En sus inicios, el arte gótico se denominó inicialmente "obra francesa" (Opus Francigenum), lo que atestigua la prioridad de Francia en la creación de este estilo.

Escultura

Catedral de Barcelona
Catedral de Barcelona

Escultura monumental

El período gótico está esencialmente definido por la arquitectura gótica y no encaja del todo con el desarrollo del estilo en la escultura, ni en su comienzo ni en su final. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, continuaron teniendo grandes tímpanos, pero también hileras de figuras esculpidas esparcidas a su alrededor.

Las estatuas del portal occidental (real) de la catedral de Chartres (c. 1145) muestran un alargamiento columnar elegante pero exagerado, pero las del portal del crucero sur, de 1215 a 1220, muestran un estilo más naturalista y un desprendimiento cada vez mayor del muro de atrás., y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal oeste de la catedral de Reims de unos años más tarde, donde las figuras son casi redondas, como se hizo habitual en el gótico extendido por Europa. La catedral de Bamberg tiene quizás el conjunto más grande de esculturas del siglo XIII, que culminó en 1240 con el Bamberg Rider, la primera estatua ecuestre de tamaño natural en el arte occidental desde el siglo VI.

En Italia, Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se denomina protorrenacentista, con una influencia inconfundible de los sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y llenas de gente, incluido un manejo simpático de la desnudez, en paneles en relieve en su púlpito de Catedral de Siena (1265-1268), la Fontana Maggiore en Perugia y el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301.

Otro renacimiento del estilo clásico se ve en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. La escultura gótica tardía continuó en el norte, con una moda de retablos esculpidos en madera muy grandes con tallas cada vez más virtuosas y grandes números agitados figuras expresivas; la mayoría de los ejemplos sobrevivientes están en Alemania, después de mucha iconoclasia en otros lugares. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss y otros continuaron el estilo hasta bien entrado el siglo XVI, absorbiendo gradualmente las influencias del Renacimiento italiano.

Las efigies de tumbas de tamaño natural en piedra o alabastro se hicieron populares entre los ricos, y evolucionaron grandes tumbas de varios niveles, con las Tumbas Scaliger de Verona tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV había una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles en gran parte de Europa para parroquias económicas que no podían pagar retablos de piedra.

Escultura portátil

Las pequeñas tallas, para un mercado principalmente laico y, a menudo, femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y algunos otros centros. Los tipos de marfiles incluían pequeños polípticos devocionales, figuras únicas, especialmente de la Virgen, cajas de espejos, peines y cofres elaborados con escenas de romances, utilizados como regalos de compromiso. Los muy ricos coleccionaban trabajos en metal extravagantemente elaborados, enjoyados y esmaltados, tanto seculares como religiosos, como el Relicario de la Espina Sagrada del duque de Berry, hasta que se quedaron sin dinero, cuando se fundieron nuevamente para obtener dinero en efectivo.

Las esculturas góticas independientes del ornamento arquitectónico se crearon principalmente como objetos de devoción para el hogar o como donaciones para las iglesias locales, aunque los pequeños relieves en marfil, hueso y madera cubren temas tanto religiosos como seculares, y eran para iglesia y uso doméstico. Tales esculturas fueron obra de artesanos urbanos, y el tema más típico de las pequeñas estatuas tridimensionales es la Virgen María sola o con el niño. París era el principal centro de talleres de marfil y exportaba a la mayor parte del norte de Europa, aunque Italia también tenía una producción considerable. Un ejemplar de estas esculturas independientes se encuentra entre las colecciones de la iglesia de la abadía de St Denis; la Virgen y el Niño de plata doradadata de 1339 y presenta a María envuelta en un manto que fluye sosteniendo una figura infantil de Cristo. Tanto la sencillez del manto como la juventud del niño presagian otras esculturas encontradas en el norte de Europa que datan del siglo XIV y principios del XV. Tal escultura muestra una evolución de un estilo rígido y alargado anterior, todavía en parte románico, a una sensación espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del XIII. Otros temas escultóricos góticos franceses incluyeron figuras y escenas de la literatura popular de la época. Las imágenes de la poesía de los trovadores fueron particularmente populares entre los artesanos de estuches de espejos y cajas pequeñas, presumiblemente para uso de mujeres.El ataúd con escenas de romances (Walters 71264) de 1330-1350 es un ejemplo inusualmente grande con espacio para varias escenas de diferentes fuentes literarias.

Los recuerdos de peregrinaciones a los santuarios, como insignias de arcilla o plomo, medallas y ampollas estampadas con imágenes, también eran populares y baratos. Su equivalente secular, la insignia de librea, mostraba signos de lealtad o alianza feudal y política que llegó a ser considerada como una amenaza social en Inglaterra bajo el feudalismo bastardo. Las formas más baratas a veces se regalaban, como con las 13.000 insignias encargadas en 1483 por el rey Ricardo III de Inglaterra en tela de fustán con su emblema de un jabalí blanco para la investidura de su hijo Eduardo como Príncipe de Gales, una gran cantidad dado el población en ese momento. La joya del cisne de Dunstable, modelada completamente en redondo en oro esmaltado, es una versión mucho más exclusiva, que habría sido entregada a alguien muy cercano o importante para el donante.

Cuadro

La dama y el unicornio, tapiz gótico en el museo de Cluny
La dama y el unicornio, tapiz gótico en el museo de Cluny

La pintura en un estilo que puede llamarse gótico no apareció hasta alrededor de 1200, casi 50 años después de los orígenes de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no es en absoluto una ruptura clara, y los detalles ornamentales góticos a menudo se introducen antes de que se vean muchos cambios en el estilo de las figuras o las composiciones. Entonces las figuras se vuelven más animadas en pose y expresión facial, tienden a ser más pequeñas en relación con el fondo de las escenas y se disponen más libremente en el espacio pictórico, donde hay lugar. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania alrededor de 1220 e Italia alrededor de 1300. La pintura durante el período gótico se practicaba en cuatro medios principales: frescos, pinturas sobre paneles, iluminación de manuscritos y vidrieras.

Frescos

Los frescos continuaron utilizándose como el principal arte narrativo pictórico en las paredes de las iglesias en el sur de Europa como una continuación de las tradiciones cristianas y románicas primitivas. Un accidente de supervivencia ha dado a Dinamarca y Suecia los grupos más grandes de pinturas murales de iglesias sobrevivientes en el estilo Biblia pauperum, que generalmente se extienden hasta bóvedas de crucería construidas recientemente. Tanto en Dinamarca como en Suecia, casi todos fueron cubiertos con cal después de la Reforma que los ha conservado, pero algunos también han permanecido intactos desde su creación. Entre los mejores ejemplos de Dinamarca están los del Maestro Elmelunde de la isla danesa de Møn, quien decoró las iglesias de Fanefjord, Keldby y Elmelunde.Albertus Pictor es posiblemente el artista de frescos más conocido del período que trabaja en Suecia. Ejemplos de iglesias suecas con frescos bien conservados incluyen las iglesias de Tensta, Gökhem y Anga.

Vitral

En el norte de Europa, las vidrieras fueron una forma de pintura importante y prestigiosa hasta el siglo XV, cuando fue suplantada por la pintura sobre tablas. La arquitectura gótica aumentó considerablemente la cantidad de vidrio en los grandes edificios, en parte para permitir amplias extensiones de vidrio, como en los rosetones. En la primera parte del período se usaba principalmente pintura negra y vidrio transparente o de colores brillantes, pero a principios del siglo XIV el uso de compuestos de plata, pintados sobre vidrio que luego se cocía, permitió una serie de variaciones de color, centradas en amarillos, para usar con vidrio transparente en una sola pieza. Al final del período, los diseños usaban cada vez más grandes piezas de vidrio que estaban pintadas, con amarillos como colores dominantes, y relativamente pocas piezas de vidrio más pequeñas en otros colores.

Manuscritos y grabados

Los manuscritos iluminados representan el registro más completo de la pintura gótica, proporcionando un registro de estilos en lugares donde no han sobrevivido obras monumentales. Los primeros manuscritos completos con ilustraciones góticas francesas datan de mediados del siglo XIII. Muchos de estos manuscritos iluminados eran biblias reales, aunque los salterios también incluían ilustraciones; el Salterio parisino de San Luis, que data de 1253 a 1270, presenta 78 iluminaciones de página completa en pintura al temple y pan de oro.

A fines del siglo XIII, los escribas comenzaron a crear libros de oración para los laicos, a menudo conocidos como libros de horas debido a su uso en momentos prescritos del día. Entre los primeros se encuentra un ejemplo de William de Brailes que parece haber sido escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240. La nobleza compraba con frecuencia tales textos, pagando generosamente por ilustraciones decorativas; entre los creadores más conocidos de estos se encuentra Jean Pucelle, cuyas Horas de Jeanne d'Evreux fueron encargadas por el rey Carlos IV como regalo para su reina, Jeanne d'Évreux. Elementos del gótico francés presentes en tales obras incluyen el uso de encuadres decorativos que recuerdan a la arquitectura de la época con figuras alargadas y detalladas.El uso de indicadores espaciales como elementos de construcción y características naturales como árboles y nubes también denotan el estilo de iluminación gótico francés.

Desde mediados del siglo XIV, los párrocos de los Países Bajos, donde eran más populares, parecían estar al alcance de los párrocos de los Países Bajos, donde eran más populares. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía en su mayoría sobre temas religiosos, se estaban volviendo rápidamente accesibles para la clase media próspera, al igual que los grabados de bastante alta calidad de grabadores como Israhel van Meckenem y Master ES. En el siglo XV, el la introducción de grabados baratos, en su mayoría grabados en madera, hizo posible que incluso los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas en la parte inferior del mercado, a menudo toscamente coloreadas, se vendieron por miles, pero ahora son extremadamente raras, la mayoría se pegaron en las paredes.

Claus Sluter, David y un profeta del Pozo de Moisés.
Claus Sluter, David y un profeta del Pozo de Moisés.

Pintura de retablo y tabla

La pintura al óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue un sello distintivo del arte renacentista. En el norte de Europa, la importante e innovadora escuela de la pintura holandesa temprana tiene un estilo esencialmente gótico, pero también puede considerarse parte del Renacimiento del norte, ya que hubo un largo retraso antes de que el resurgimiento italiano del interés por el clasicismo tuviera un gran impacto en el norte. Pintores como Robert Campin y Jan van Eyck hicieron uso de la técnica de la pintura al óleo para crear obras minuciosamente detalladas, correctas en perspectiva, donde el realismo aparente se combinaba con un simbolismo ricamente complejo que surgía precisamente del detalle realista que ahora podían incluir, incluso en obras pequeñas.. En la pintura holandesa temprana, de las ciudades más ricas del norte de Europa, un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo se combinó con alusiones teológicas sutiles y complejas, expresadas precisamente a través de los escenarios muy detallados de las escenas religiosas. El Retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación de Washington Van Eyck o la Virgen del canciller Rolin (ambas de la década de 1430, de Jan van Eyck) son ejemplos.Para los ricos, las pinturas de paneles pequeños, incluso los polípticos en pintura al óleo se estaban volviendo cada vez más populares, a menudo mostrando retratos de donantes al lado, aunque a menudo mucho más pequeños que la Virgen o los santos representados. Estos generalmente se exhibían en el hogar.