Animación moderna en los Estados Unidos

La animación moderna en los Estados Unidos desde finales de los 80 hasta finales de los 90 se conoce como la era del renacimiento de la animación estadounidense (o Edad de Plata de la animación estadounidense). animación). Durante este período, muchas grandes compañías de entretenimiento estadounidenses reformaron y revitalizaron sus departamentos de animación, luego de una era oscura entre la década de 1960 y mediados de la de 1980. Durante este tiempo, Estados Unidos tuvo un profundo efecto en la animación en todo el mundo.

Muchas empresas que se originaron en la era dorada de la animación estadounidense experimentaron un nuevo éxito comercial y de crítica. Durante el Renacimiento de Disney, The Walt Disney Company volvió a producir películas animadas de éxito comercial y crítico basadas en historias conocidas, tal como lo había hecho Walt Disney durante su vida. Disney también comenzó a producir exitosos programas de televisión animados, una novedad para la compañía, lo que condujo a la creación y lanzamiento de Disney Channel. Warner Bros. produjo series de televisión animadas de gran éxito inspiradas en sus dibujos animados clásicos de Looney Tunes, al mismo tiempo que lanzó el Universo Animado de DC. Hanna-Barbera dejó de producir series de televisión de bajo presupuesto y lanzó Cartoon Network. Nickelodeon, la red de televisión propiedad de Viacom y ahora propiedad de Paramount Global, saltó a la fama al crear la marca Nicktoons en 1991, lo que llevó a más programas de televisión en las décadas de 1990 y 2000.

Además, nuevos estudios de animación cobraron prominencia durante este renacimiento de la animación. En particular, Pixar debutó con el extremadamente exitoso Toy Story, el primer largometraje en usar animación por computadora. DreamWorks Animation debutó tarde en la era, pero se convertiría en un importante competidor de Disney en la década siguiente.

Durante la era del renacimiento de la animación estadounidense, la tecnología de la animación también experimentó cambios revolucionarios. La animación tradicional dibujada a mano declinó a favor de la tinta digital generada por computadora a partir de fines de la década de 1980. A su vez, la animación digital en 2D declinó a favor de la animación por computadora en 3D a partir de fines de la década de 1990.

Tendencias

Disney

A principios de la década de 1980, The Walt Disney Company había estado luchando desde la muerte de Walt Disney en 1966, y la salida de Don Bluth y otros once asociados del departamento de animación en 1979 supuso un duro golpe para Disney. Bluth formó un nuevo estudio, en competencia directa con Disney.

'Nine Old Men' de Disney, los animadores responsables de las obras anteriores más famosas de Disney y sus asociados comenzaron a transmitir sus tradiciones a una nueva generación de animadores de Disney. Caras nuevas como Glen Keane, Ron Clements, John Musker, Andreas Deja y otros llegaron al estudio a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, un período que produjo películas como The Rescuers, Pete's Dragon (un híbrido de acción real/animación) y The Fox and the Hound, así como los largometrajes The Small One (el único crédito dirigido por Disney de Bluth) y Cuento de Navidad de Mickey (la primera aparición en pantalla de Mickey Mouse desde 1953).

Al mismo tiempo, el animador Steven Lisberger trajo al estudio un concepto sobre un programador de computadoras que se lanza a un mundo computarizado. La película mezclaría secuencias de acción en vivo con animación por computadora, que aún no se había utilizado hasta tal punto. El estudio quedó impresionado con la idea; el resultado fue una ambiciosa película de 17 millones de dólares (47,7 millones de dólares actuales) titulada Tron. Si bien las acciones de Disney cayeron un cuatro por ciento después de una evaluación de analistas de inversiones poco entusiastas, y a pesar de solo ingresos brutos moderados en la taquilla, Tron recibió elogios entusiastas del crítico de cine Roger Ebert, se convirtió en un favorito de culto y resultó, muchos años después, tener una mayor influencia en la animación (en Disney y en otros lugares) de lo esperado.

En 1984, Disney se convirtió en el objetivo de una redada corporativa por parte de Saul Steinberg, que pretendía dividir la empresa pieza por pieza. Al mismo tiempo, Roy E. Disney, que ya había dimitido como presidente en 1977, renunció a su puesto en la junta directiva para utilizar su influencia para cambiar el statu quo y mejorar la fortuna decreciente de la empresa. Disney escapó del intento de Steinberg pagándole greenmail, pero después, el CEO Ron W. Miller renunció, para ser reemplazado por Michael Eisner. Roy Disney, ahora de regreso en la Junta como su vicepresidente, convenció a Eisner para que lo dejara supervisar el departamento de animación, cuyo futuro estaba en duda después del decepcionante desempeño de taquilla de su largometraje de gran presupuesto clasificado PG, The Black Caldero. Al siguiente lanzamiento del estudio, The Great Mouse Detective, le fue mejor en relación con su presupuesto significativamente menor, pero fue eclipsado por An American Tail de Don Bluth. i>, otra película protagonizada por ratones que competía directamente con Mouse Detective en los cines.

En 1988, el estudio colaboró con Steven Spielberg y Robert Zemeckis, produciendo Quién engañó a Roger Rabbit, una comedia de detectives que mezclaba acción en vivo y animación mientras rendía homenaje a la Edad de Oro de los dibujos animados. Los personajes de Disney aparecieron con personajes de Warner Bros., Metro-Goldwyn-Mayer, Universal Pictures y otros estudios rivales por primera vez en la historia de la animación. La película fue un gran éxito de taquilla, ganó cuatro premios de la Academia, revivió el interés por la animación hecha para teatros y popularizó el estudio en profundidad de la historia y las técnicas de animación. Varias leyendas del envejecimiento en el negocio, como Chuck Jones y Friz Freleng, de repente se encontraron en el centro de atención, recibiendo elogios y elogios después de décadas de ser virtualmente ignorados tanto por el público como por los profesionales de la industria. Además, el lanzamiento de muchas funciones antiguas de Disney y dibujos animados cortos en videos caseros, y el lanzamiento de Disney Channel en 1983, renovó el interés en el estudio.

Disney siguió a Quién engañó a Roger Rabbit con Oliver & Company en 1988 y La Sirenita, adaptación del cuento de hadas de Hans Christian Andersen, en 1989 con canciones de los compositores de Broadway Alan Menken y Howard Ashman. La Sirenita fue un gran éxito comercial y de crítica, ganó dos Premios de la Academia por la partitura de su canción y se convirtió en la primera de una serie de nuevas películas animadas de Disney de gran éxito.

El estudio invirtió mucho en nueva tecnología y creó el sistema de producción de animación por computadora para usar junto con las técnicas de animación tradicionales. La primera película en usar esta tecnología, The Rescuers Down Under, solo recaudó $27,931,461 ($57.9 millones en dólares actuales), ni siquiera igualando la recaudación de la película original de 1977.

Sin embargo, las películas que le siguieron, La Bella y la Bestia y Aladdin, obtuvieron excelentes críticas, recibieron múltiples premios Oscar y encabezaron las listas de taquilla. La Bella y la Bestia eventualmente se convertiría en el primer largometraje animado en ganar el Globo de Oro a la Mejor Película - Musical o Comedia y el primer largometraje animado en ser nominado para el Premio de la Academia a la Mejor Película, seguido de Arriba de 2009.

En 1993, Disney estrenó Pesadilla antes de Navidad, el primer largometraje de animación stop-motion. El éxito de Disney alcanzó su punto máximo en 1994, cuando El Rey León recaudó $328,541,776 ($601 millones en dólares actuales). A partir de 2010, El Rey León se clasificó como la película número 22 con mayor recaudación de todos los tiempos en los Estados Unidos. Películas posteriores de Disney de 1995 a 2000, incluidas Pocahontas, El jorobado de Notre Dame, Hércules, Mulan, Tarzán y Fantasía 2000 también fueron éxitos de taquilla y de crítica, aunque modestamente en comparación con los estrenos de Disney de principios de la década de 1990.

En 1994, la muerte del presidente y director de operaciones de Disney, Frank Wells, y la partida del presidente del estudio, Jeffrey Katzenberg, para cofundar DreamWorks, dejaron a Michael Eisner con el control total de la empresa. En el cambio de siglo, películas como Dinosaur (la primera película de animación CG de Disney), Atlantis: The Lost Empire, Treasure Planet y Home on the Range no cumplieron con las expectativas críticas y comerciales establecidas por los fenómenos de la década de 1990, a pesar de excepciones como The Emperor's New Groove y Lilo & Puntada. Al mismo tiempo, el alto nivel de reconocimiento popular otorgado a Toy Story, la primera película animada completamente con imágenes generadas por computadora (CGI), provocó una tendencia en la industria. Basado en el éxito comercial de las películas animadas generadas por computadora de Pixar y otra tarifa CGI (especialmente Shrek de DreamWorks, que contenía numerosos comentarios sobre el antiguo lugar de trabajo y jefe de Katzenberg), Disney llegó a creer que CGI era lo que el público quería, por lo que dejó de producir animación bidimensional tradicional después de Home on the Range y cambió exclusivamente a CGI a partir de de 2005. Pollito.

Aumentaron las desavenencias públicas entre el personal de animación y la dirección, así como entre Michael Eisner y Roy E. Disney. Roy renunció a la junta directiva en 2003 con una carta mordaz en la que calificó a la compañía de "rapaz y desalmada", y agregó que consideraba que "siempre busca dinero fácil". Luego lanzó el sitio de Internet SaveDisney.com en un intento por preservar la integridad de la empresa y expulsar a Eisner, quien renunció en 2005 después de que la opinión pública se volviera contra él.

Robert Iger sucedió a Eisner; uno de sus primeros actos como director ejecutivo fue recuperar los derechos de la primera estrella de Walt Disney, Oswald the Lucky Rabbit, de NBCUniversal (Iger lo hizo al ofrecer a NBC los servicios de Al Michaels, un presentador de jugada por jugada entonces bajo contrato a la subsidiaria de Disney, ABC Sports, como intercambio). Después de la adquisición de Pixar por parte de Disney en 2006, el productor ejecutivo de Pixar, John Lasseter, se convirtió en director creativo tanto de Pixar como de Disney, con un plan para reintroducir la animación bidimensional, comenzando con La princesa y el sapo en 2009, pero se detuvo abruptamente después de que Winnie the Pooh fracasara comercialmente en 2011.

Animación de televisión

Después de 30 años de resistir ofertas para producir animación para televisión, Disney finalmente cedió una vez que Michael Eisner, que tenía experiencia en televisión, se hizo cargo. Los primeros dibujos animados de televisión en llevar el nombre de Disney, CBS' The Wuzzles y Disney's Adventures of the Gummi Bears de NBC, ambos se estrenaron en el otoño de 1985. Rompiendo con la práctica estándar en el medio, el Las producciones disfrutaron de presupuestos de producción sustancialmente más grandes que el promedio, lo que permitió una escritura y animación de mayor calidad, en previsión de recuperarse de manera rentable en la sindicación de reposiciones. Mientras que The Wuzzles solo duró una temporada, The Gummi Bears fue un éxito sostenido con una carrera de seis temporadas.

En 1987, la división de animación televisiva adaptó Carl Barks' Libros de historietas de Scrooge McDuck para la pantalla chica con el éxito sindicado DuckTales. Su éxito generó una película teatral de 1990 titulada DuckTales the Movie: Treasure of the Lost Lamp y una mayor inversión en dibujos animados sindicados. El resultado de esta inversión fue The Disney Afternoon en 1990, un bloque de programación de televisión sindicado de dos horas de programas animados como: Las nuevas aventuras de Winnie the Pooh (1988- 1991), Chip 'n Dale Rescue Rangers (1989–1991), TaleSpin (1990–1991), Darkwing Duck (1991 –1993, también al aire en ABC), Goof Troop (1992–1994, también al aire en ABC), Bonkers (1993–1994), Marsupilami (1993-1995), Gargoyles (1994-1997), aclamada por la crítica y todavía popular, y Pepper Ann (1997-2000). La animación televisiva también trajo algunos personajes de películas animadas al sábado por la mañana, incluidos La Sirenita (1992–1994), Aladdin (1994–1995), Timon & Pumba (1995-1999), Hércules (1998-1999) (los tres primeros en CBS) y, más tarde, La leyenda de Tarzán (2001-2003) y La casa del ratón (2001–2003).

Secuelas directas a video

DisneyToon Studios se fundó en París a fines de la década de 1980 para producir La película DuckTales: Treasure of the Lost Lamp, que el estudio no considera parte de la película animada de Disney " canon". La práctica de hacer secuelas no canónicas directas a video de películas canónicas comenzó en 1994 con The Return of Jafar, una secuela de Aladdin. Esta fue una inversión de la política de estudio de larga data contra las secuelas de películas animadas (que no se aplicaba a las películas de acción real); Se ha citado a menudo a Walt Disney sobre el tema diciendo "no se puede superar cerdos con cerdos", una referencia a cómo el corto Los tres cerditos logró obtener más de tres secuelas. Debido a las fuertes ventas de videos, el estudio continuó haciendo estas películas a pesar de la reacción negativa de la crítica; Cinderella II: Dreams Come True de 2002 recibió una inusual calificación del 11% del sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes.

Bajo John Lasseter, el estudio ha puesto fin a esta práctica.

DisneyToon también produjo varias entradas no canónicas que sí recibieron estrenos teatrales, como A Goofy Movie y The Tigger Movie. Este último trajo a los hermanos Sherman de regreso al estudio para su primera banda sonora de largometraje de Disney desde Bedknobs and Broomsticks en 1971.

Don Bluth

La compañía de Don Bluth había sido llevada a la bancarrota dos veces: una, como Don Bluth Productions, después de que la decepcionante toma de taquilla de El secreto de NIMH coincidiera con la de un animador. huelga; y nuevamente, como el Grupo Bluth, después de la crisis de los videojuegos de 1983, cuando Cinematronics, en un intento por reducir sus pérdidas, cobró tarifas y regalías de más de $ 3 millones ($ 7.82 millones ajustados por inflación) a la compañía de Bluth mientras estaba trabajando en una secuela del videojuego arcade animado basado en laserdisc Dragon's Lair.

Bluth formó Sullivan Bluth Studios con el respaldo del empresario Morris Sullivan, mientras que el director de cine Steven Spielberg, un fanático de la animación desde hace mucho tiempo que estaba interesado en producir animación teatral, ayudó a Bluth a producir An American Tail de 1986 . La película fue un éxito, recaudando $47,483,002 ($117 millones en dólares de hoy). Durante su producción, el estudio se mudó a Irlanda, aprovechando las exenciones fiscales del gobierno para la producción cinematográfica. El seguimiento de Bluth de 1988 The Land Before Time fue un éxito un poco mayor, recaudando $48,092,846 ($110 millones en dólares de hoy) y generó 12 secuelas y una serie de televisión. Ni Bluth ni Spielberg participaron en ninguna de las secuelas de Land Before Time; Spielberg produjo la secuela de 1991 An American Tail: Fievel Goes West sin Bluth.

Para obtener más control creativo, Bluth se separó de Spielberg en su siguiente película, el lanzamiento de 1989 All Dogs Go to Heaven. Si bien la película tuvo la desgracia de estrenarse el mismo día que La Sirenita de Disney, le fue mucho mejor en video casero.

Los primeros años de la década de 1990 fueron difíciles para el estudio; lanzó varios fracasos de taquilla. En 1992, Rock-a-Doodle fue criticado por los críticos e ignorado por el público; su deprimente desempeño de taquilla de $11,657,385 ($22.5 millones en dólares de hoy) contribuyó a la bancarrota de Sullivan Bluth. Al siguiente largometraje de Bluth, Thumbelina de 1994, le fue un poco mejor críticamente pero incluso peor comercialmente, mientras que A Troll in Central Park, también estrenada en 1994, apenas se estrenó en cines, recaudando $ 71,368 contra un presupuesto de $ 23,000,000 (o $ 130,478 contra $ 42 millones en términos actuales).

Sullivan Bluth Studios cerró en 1995. Bluth y Goldman regresaron a los Estados Unidos un año antes para discutir la creación de una división de animación en 20th Century Fox; las tres películas animadas anteriores del estudio (FernGully: The Last Rainforest, Once Upon a Forest y la combinación de animación y acción en vivo The Pagemaster) todo había fallado. A Anastasia, una nueva versión musical de la película de 1956 con Ingrid Bergman, le fue mucho mejor que a cualquier película de Bluth desde All Dogs Go To Heaven, pero el estreno en 2000 de Titan A.E., una película muy diferente a las que Bluth había estado haciendo hasta entonces, fue un fracaso. Fox Animation Studios cerró poco después; Casi toda la animación de Fox fue producida por su unidad Blue Sky Studios hasta que se revivió el sello de Fox Animation Studios, sin Bluth ni Goldman, en 2009.

Animación de Warner Bros.

Después de separarse de Bluth, Spielberg se dedicó a la animación televisiva y trabajó con Warner Bros. Entertainment Co. para recuperar su departamento de animación, que había abandonado en la década de 1960. Un equipo de ex empleados de Hanna-Barbera dirigido por Tom Ruegger formó un nuevo estudio, Warner Bros. Animation, para producir Tiny Toon Adventures, una serie animada que rindió homenaje a los dibujos animados de Warner Bros. de Termite Terrace.. La popularidad de Tiny Toon Adventures entre los jóvenes televidentes convirtió al estudio en un competidor una vez más en el campo de los dibujos animados. A Tiny Toon Adventures le siguió Steven Spielberg Presents Animaniacs y su spin-off Pinky and the Brain. Estas caricaturas no solo atrajeron nuevos espectadores a Warner Bros., sino que también captaron la atención de los espectadores mayores. Warner Bros., menos Spielberg, continuó con trabajos como Batman: The Animated Series. Batman recibió rápidamente un gran reconocimiento por su animación y escritura madura, y también inspiró una película. Combinadas, estas cuatro series de Warner Bros. ganaron un total de 17 premios Daytime Emmy.

Cuando los largometrajes de animación de Disney surgieron en la década de 1990, Warner Bros. trató de capitalizar el éxito de su rival con sus propios largometrajes de animación, sin la ayuda de Spielberg. Sus películas, Cats Don't Dance, Quest for Camelot y The Iron Giant, no lograron acercarse a las de Disney. éxito, aunque Cats Don't Dance y The Iron Giant recibieron elogios de la crítica y desarrollaron seguidores de culto. El híbrido de acción en vivo/animación de 2001 Osmosis Jones, protagonizado por Bill Murray, fue un costoso fracaso comercial, aunque su rendimiento de video casero resultó lo suficientemente exitoso como para que el departamento de animación de televisión del estudio produjera un cortometraje. Serie derivada en vivo llamada Ozzy and Drix.

Los siempre populares personajes Looney Tunes regresaron. Mientras que los cortos más antiguos continuaron disfrutando de innumerables reposiciones y compilaciones especiales (y algunas películas recopilatorias), en la década de 1990 se realizaron nuevos cortometrajes de Looney Tunes. Inspirado por el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? de Disney y una serie de comerciales de Nike y McDonald's que unen a los personajes con la superestrella del baloncesto Michael Jordan, el estudio produjo el live-action/ combo de animación Space Jam en 1996. La película recibió críticas mixtas, pero fue un gran éxito comercial. Sin embargo, otra función de 2003, Looney Tunes: Back in Action, fue un fracaso de taquilla, recaudando alrededor de las tres cuartas partes de su presupuesto de $80 millones en todo el mundo ($118 millones en términos actuales), pero recibió resultados más positivos. críticas críticas. Otros proyectos modernos de Looney Tunes estaban en una vena diferente. A diferencia de los cortos originales, Taz-Mania (1991-1995) y Baby Looney Tunes (2001-2006) estaban dirigidos principalmente a niños pequeños, mientras que Loonatics Unleashed (2005-2007) fue una controvertida renovación de los personajes en un futuro lejano. The Sylvester and Tweety Mysteries (1995-2000) y Duck Dodgers (2003-2005) fueron espectáculos muy bien recibidos y relativamente más fieles a los cortos originales. The Looney Tunes Show (2011-2014) fue una comedia de situación moderna más orientada a los adultos y Wabbit: A Looney Tunes Production (2015-2020) fue una serie modernizada de Bugs Bunny cortometrajes en la tradición de Looney Tunes, pero ambos programas obtuvieron una recepción ligeramente mejor por parte del público que Baby Looney Tunes o Loonatics Unleashed.

Ralph Bakshi

Ralph Bakshi, director de películas animadas innovadoras como Fritz the Cat y la película original Lord of the Rings, volvió a la animación después de tomarse un breve descanso en la mediados de la década de 1980. En 1985, se asoció con el joven animador nacido y criado en Canadá, John Kricfalusi, para hacer un video musical híbrido de acción real y animación para The Rolling Stones. 'The Harlem Shuffle', que se estrenó a principios de 1986.

El video musical reunió a un equipo de producción en Bakshi Animation cuyo próximo proyecto fue la serie de televisión de corta duración Mighty Mouse: The New Adventures. Bakshi y compañía trabajaron en varios otros proyectos a fines de la década de 1980, pero su proyecto más grande, Cool World de 1992, fue una decepción comercial criticada por la crítica. En 2005, Bakshi anunció que comenzaría a trabajar en otro largometraje, Los últimos días de Coney Island, que está financiando él mismo y produciendo de forma independiente. Bakshi suspendió la producción de la película en 2008, pero la reanudó en 2013 después de una exitosa campaña de Kickstarter.

Externalización de animación

La razón principal del aumento en la cantidad de animación estadounidense fue la capacidad de subcontratar el trabajo de animación física real a casas de animación más baratas en países del sur y sureste de Asia. La escritura, el diseño de personajes y el guión gráfico se realizarían en oficinas estadounidenses. Luego, los guiones gráficos, las hojas de modelos y las guías de color se enviarían por correo al extranjero. Esto a veces causaba problemas, ya que no se veía nada del producto final hasta que las celdas completas se enviaban por correo a los Estados Unidos.

Si bien el presupuesto dejó de ser un problema, las productoras extranjeras se elegían por episodio, o incluso por escena, según la cantidad de dinero disponible en ese momento. Esto resultó en niveles obviamente diferentes de calidad de un episodio a otro. Esto fue particularmente notable en programas como Gargoyles y Batman: The Animated Series, donde a veces los personajes aparecían fuera de modelo, lo que requería que las escenas se rehicieran para consternación de sus directores

Animación sindicada de primera ejecución

Los viejos dibujos animados de Bugs Bunny y Popeye dieron paso a dibujos animados sindicados de estreno como He-Man and the Masters of the Universe, Rambo: The Force of Freedom, ThunderCats, Dennis the Menace, My Little Pony, The Transformers, G.I. Joe, Voltron y reposiciones de Scooby-Doo, Garfield and Friends y The Pink Panther, Entre muchos otros.

En 1987, The Walt Disney Company probó suerte en la sindicación; DuckTales salió al aire en septiembre y duró 100 episodios. El éxito de DuckTales allanó el camino para una segunda serie dos años después, Chip 'n Dale Rescue Rangers. Al año siguiente, los dos programas se emitieron juntos bajo el título general The Disney Afternoon. En 1991, Disney agregó otra hora; el bloque se emitió en sindicación hasta 1999.

Estas caricaturas inicialmente competían con las de transmisión nacional. En la década de 1980, la televisión nacional solo se transmitía los sábados por la mañana, sin competir con los bloques de sindicación de lunes a viernes y los domingos transmitidos por estaciones locales independientes, pero; sin embargo, en la década de 1990, Fox y luego WB comenzaron a transmitir bloques por la tarde entre semana. A fines de la década de 1990, tanto la televisión sindicada como la nacional terminaron perdiendo la mayor parte de su mercado infantil ante el surgimiento de canales de televisión por cable como Nickelodeon, Disney Channel y Cartoon Network, que brindaban entretenimiento infantil atractivo en todo el mundo. semana a casi todas las horas.

La caída del sábado por la mañana

De Hanna-Barbera a Cartoon Network

A fines de la década de 1980 y 1990 se produjeron grandes cambios en el panorama de los sábados por la mañana. Por ahora, la otrora próspera Hanna-Barbera Productions estaba asediada por varios factores. En primer lugar, su dominio sobre las redes' los horarios fueron rotos por otros estudios' espectáculos En segundo lugar, cuando NBC canceló The Smurfs en 1990, Hanna-Barbera no tuvo más éxitos en el aire. Finalmente, su capacidad para explotar con éxito personajes más antiguos como Los Picapiedra y Scooby-Doo con nuevos espectáculos estaba llegando a su fin; Scooby-Doo terminaría una primera carrera casi continua de 22 años después de que su versión junior más reciente, A Pup Named Scooby-Doo, terminara su carrera en 1991. El estreno en cines de 1990 de Los Supersónicos: La película fue un éxito para el estudio que se desvanecía y ganó 20 millones de dólares (41,5 millones de dólares en dólares actuales). En 1987, el propietario de Great American Insurance Company, Carl Lindner Jr., se convirtió en el accionista mayoritario de la empresa matriz de Hanna-Barbera, Taft Broadcasting, y la rebautizó como Great American Communications.

Great American quería salir del negocio del entretenimiento, y Hanna-Barbera fue vendida a Turner Broadcasting System en 1991. Ted Turner había expresado que principalmente quería la propiedad del catálogo anterior del estudio; su lanzamiento de Cartoon Network el 1 de octubre de 1992 proporcionó una nueva audiencia para los dibujos animados de Hanna-Barbera y Warner Brothers, tanto antiguos como nuevos.

En 1989, el productor Tom Ruegger había liderado un éxodo de empleados de Hanna-Barbera para reiniciar Warner Bros. Animation. Al principio, el estudio estaba constantemente bajo amenaza de cierre. Sin embargo, bajo la dirección de Fred Seibert, el nuevo personal de Hanna-Barbera (entre quienes se encontraban Seth MacFarlane, Butch Hartman y Genndy Tartakovsky) creó una nueva generación de dibujos animados de Hanna-Barbera en la década de 1990, como 2 perros estúpidos, El laboratorio de Dexter, Johnny Bravo, Vaca y pollo, Soy comadreja y Las Chicas Superpoderosas. Junto a estos dibujos animados de Hanna-Barbera, también se estrenaron en el canal programas de otras compañías como Space Ghost Coast to Coast, Ed, Edd n Eddy y Courage the Cowardly Perro. Estos programas fueron diseñados para atraer tanto a adultos como a niños y, por lo tanto, incorporaron mucho "humor adulto", como referencias a la cultura pop e insinuaciones sexuales veladas. Cartoon Network continuó realizando programas icónicos populares y aclamados ganadores de premios en la década de 2000, como Samurai Jack, The Grim Adventures of Billy & Mandy, Codename: Kids Next Door, Foster's Home for Imaginary Friends, Camp Lazlo, Ben 10, Chowder y muchos otros. En la década de 2010, Cartoon Network comenzó a crear dibujos animados icónicos e innovadores que cambiaron la industria, como Adventure Time, Regular Show, The Amazing World of Gumball, Steven Universe, We Bare Bears, Craig of the Creek, Infinity Train y muchos otros. Sin embargo, sus horarios en la segunda mitad de la década de 2010 estaban y siguen estando dominados por el popular Teen Titans Go, lo que provocó muchos programas favoritos de los fanáticos, como OK K.O.! Let's Be Heroes y Mao Mao: Heroes of Pure Heart se verán eclipsados durante su presentación principal en el canal.

Time Warner adquirió Turner en 1996 y, por lo tanto, heredó los derechos de todas las propiedades creativas de Hanna-Barbera. Esto permitió que Cartoon Network comenzara a transmitir todos los cortos clásicos de Looney Tunes también (anteriormente, Turner había tenido solo los cortos de Looney Tunes producidos antes de agosto de 1948, que se habían convertido en parte de la biblioteca MGM/UA). El éxito de Cartoon Network con la programación original los llevó a trasladar las reposiciones de los viejos dibujos animados de Hanna-Barbera y Looney Tunes a su canal derivado Boomerang.

En 1997, Fred Seibert dejó Hanna-Barbera para fundar su estudio. En 1998, Hanna-Barbera se mudó al mismo edificio que Warner Bros. Animation; el uso del nombre Hanna-Barbera para nuevas producciones terminó con la muerte de William Hanna en 2001. Hanna y Barbera continuaron trabajando como empleados y consultores de Time Warner hasta sus respectivas muertes en 2001 y 2006; el nombre todavía se usa para producciones basadas en propiedades creadas durante la era Hanna-Barbera. Cartoon Network Studios ahora maneja la animación más original para la red.

Nickelodeon

En 1991, Nickelodeon presentó The Ren & Espectáculo Stimpy. Ren &amperio; Stimpy fue una serie salvaje y poco convencional que violó todas las restricciones de los dibujos animados de los sábados por la mañana, favoreciendo en cambio el estilo escandaloso de los cortos del período de la Edad de Oro. La serie' El creador, John Kricfalusi, un protegido de Ralph Bakshi, fue influenciado en gran medida por las obras clásicas de Bob Clampett. A pesar de la popularidad del programa, estuvo plagado de retrasos en la producción y batallas de censura con Nickelodeon, que despidió a Kricfalusi en 1992. El programa continuó bajo la producción de la compañía Games Animation, propiedad de la cadena, hasta 1996, aunque muchos animadores partieron con Kricfalusi. TNN revivió el programa de una forma más atrevida en 2003, con Kricfalusi recibiendo más libertad creativa, pero solo duró diez episodios.

Nickelodeon también dio a luz a programas exitosos como Doug, Rugrats, La vida moderna de Rocko, Hey Arnold !, The Wild Thornberrys, SpongeBob SquarePants, Avatar: The Last Airbender y The Loud House. Muchos de estos programas también generaron películas teatrales exitosas, sobre todo Rugrats (que obtuvo 3 películas), SpongeBob SquarePants (que obtuvo 2 películas teatrales y varias películas para televisión) y Avatar: The Last Airbender (que obtuvo una serie de secuelas y una película de acción en vivo).

Otras redes de cable

El canal Disney cambió del cable de pago al cable básico a fines de la década de 1990 y antes había tenido éxito en dibujos animados a fines de los 80 y principios de los 90, como Adventures of the Gummi Bears, DuckTales (1987), Darkwing Duck y Recess de los dibujos animados de Disney Afternoon y lanzaron varios programas animados exitosos en la década de 2000, como The Proud Family y Kim Possible. Casi al mismo tiempo, lanzó Toon Disney, un canal destinado específicamente a la animación (que desde entonces ha sido reemplazado por Disney XD) antes de que los dibujos animados volvieran a transmitirse en Disney Channel o se estrenaran en la plataforma de transmisión de Disney, Disney+. Las series actuales más exitosas de Disney son Phineas y Ferb, Gravity Falls, Star vs. the Forces of Evil, DuckTales (2017) que fue su primer reinicio, Big City Greens, Amphibia, The Owl House y The Ghost and Molly McGee. En la televisión por cable, Cartoon Network, Nickelodeon y Disney Channel crecieron hasta un punto en el que eran y siguen siendo competitivos con las cadenas de televisión de todo el mundo.

Premium cable también experimentó con series animadas originales, como Spawn.

Redes de transmisión

Cuando comenzó la década de 1990, los "Big Three" Las cadenas (ABC, NBC y CBS) ya no eran un oligopolio de tres vías. La incipiente cadena Fox lanzó su bloque de programación Fox Kids los días de semana y los sábados en 1990, mientras que The WB se unió a la competencia con un bloque de programación para niños poco después del lanzamiento de la cadena en 1995.

Cuando NBC comparó el éxito de la comedia de situación juvenil de acción en vivo Salvados por la campana con la escasez de sus éxitos animados, abandonaron los dibujos animados en 1992 y se concentraron en programas de adolescentes de acción en vivo. con su bloque TNBC de los sábados por la mañana. ABC fue comprada por Disney en 1996, y Disney transformó el horario de los sábados de ABC en una serie de dibujos animados producidos por Disney llamados colectivamente One Saturday Morning. CBS simplemente nunca fue capaz de presentar nuevos éxitos una vez que los programas anclaron su programación de sábado por la mañana de finales de los 80 y principios de los 90: Muppet Babies, Teenage Mutant Ninja Turtles, Garfield and Friends, etc.—realizaron sus respectivos cursos. Cuando Viacom, que también era propietaria de Nickelodeon, compró CBS, Viacom simplemente reutilizó gran parte de la programación de Nick Jr., además de agregar una edición sabatina del programa de noticias matutino de CBS The Early Show.

Como resultado de años de activismo de Action for Children's Television y otros contra programas que creían que desdibujaban la línea entre entretenimiento y publicidad, en 1990 se aprobó la Ley de Televisión Infantil. Comenzó a ser se hizo cumplir estrictamente en 1996. La Comisión Federal de Comunicaciones comenzó a exigir tres horas a la semana de programas educativos e informativos destinados explícitamente a los niños, en momentos en que los niños estaban despiertos. Dado que esto requería tres horas para estar "fuera de los límites" a los programas dirigidos al público en general, las cadenas optaron naturalmente por transmitirlos los sábados por la mañana, cuando los niños ya los estaban viendo. Como resultado, casi todos los programas de la red de los sábados por la mañana deben incluir algún contenido educativo. Fox y The WB solucionaron este problema transmitiendo bloques cortos de una hora para niños entre semana en lugar de programas de noticias matutinos, pero esos bloques entre semana ya no existen (con la notable excepción de PBS, que sigue teniendo grandes programas para niños entre semana). 39;s bloques de programación a partir de 2010). No obstante, todavía había algunos programas infantiles basados en juguetes en la década de 1990, en particular Power Rangers y Pokémon.

Las cadenas de televisión por cable no estaban sujetas a estos, ni a la mayoría de los demás requisitos de la FCC, lo que permitía que sus series tuvieran más libertad de acción con el contenido que los programas de la cadena. El impacto de las nuevas regulaciones fue casi instantáneo: en 1997, Nickelodeon había superado a sus competidores de transmisión para convertirse en la cadena más vista los sábados por la mañana.

Animación para adultos

La década de 1990 vio el comienzo de una nueva ola de series animadas dirigidas principalmente a adultos y, en ocasiones, a adolescentes, después de una falta de ese enfoque durante más de una década.

Los Simpson y Fox

En 1987, se estrenó "Los Simpson", un segmento de dibujos animados cortos de El show de Tracey Ullman. La creación de Matt Groening obtuvo su propia serie de media hora en 1989, la primera serie animada en horario de máxima audiencia desde Los Picapiedra. Aunque el 70 por ciento de la animación del primer episodio tuvo que rehacerse, lo que retrasó el estreno de la serie tres meses, se convirtió en una de las primeras series de gran éxito para la incipiente cadena Fox. Los Simpson causaron sensación, ingresando a la cultura popular y ganando gran reconocimiento por su manejo satírico de la cultura estadounidense, las familias, la sociedad en su conjunto y la condición humana.

El programa ha ganado docenas de premios, incluidos 24 premios Emmy, 26 premios Annie y un premio Peabody. El número del 31 de diciembre de 1999 de la revista Time la nombró la mejor serie de televisión del siglo XX. Una versión cinematográfica recaudó más de medio billón de dólares en todo el mundo. El 26 de febrero de 2009, Fox renovó Los Simpson por dos años más, "... lo que asegurará su lugar como la serie televisiva de mayor audiencia en horario estelar&. #34; Su temporada 21 comenzó el 27 de septiembre de 2009, rompiendo el récord de 20 temporadas que alguna vez compartió con Gunsmoke.

El éxito de Los Simpson llevó a Fox a desarrollar otras series animadas dirigidas a adultos, como Bob's Burgers, King of the Hill (creado por Mike Judge), Futurama (también por Groening), Family Guy, American Dad! y The Cleveland Show (todo creado por Seth MacFarlane). King of the Hill fue un éxito instantáneo, con 13 temporadas. Tanto Futurama como Family Guy fueron cancelados por la cadena; después de sólidas ventas de DVD y índices de audiencia en reposiciones, ambos regresaron al aire: Family Guy en Fox y Futurama en Comedy Central.

Pico y Mike

En 1989, un festival de cortos de animación, organizado por Craig "Spike" Decker y Mike Gribble (conocidos como 'Spike & Mike') y originalmente radicados en San Diego, comenzaron a exhibir una colección de cortometrajes de animación. Conocido como el Festival Clásico de Animación, se representó en lugares teatrales y no teatrales de todo el país.

Las colecciones se componían principalmente de cortometrajes nominados al Oscar, trabajos de estudiantes del Instituto de las Artes de California y trabajos experimentales financiados por la Junta Nacional de Cine de Canadá. Los primeros festivales incluyeron trabajos de John Lasseter, Nick Park, Mike Judge y Craig McCracken. El artículo de Judge, Frog Baseball, marcó la primera aparición de sus tontos personajes característicos Beavis y Butt-head, mientras que el cortometraje de McCracken The Whoopass Girls in A Sticky Situation contó con la presentación del trío de niñas superhéroes que más tarde ganarían popularidad bajo su nuevo apodo Las Chicas Superpoderosas.

El festival se convirtió gradualmente en un programa de películas llamado Spike and Mike's Sick and Twisted Festival of Animation, un movimiento clandestino de humor y temas para adultos.

Cartoon Network y Adult Swim

En 1994, la cadena de televisión por cable estadounidense Cartoon Network aprobó una nueva serie titulada Space Ghost: Coast to Coast. En un giro particularmente posmoderno, este programa presentó entrevistas de celebridades en vivo mezcladas con animación de la caricatura original de Space Ghost. Fue el comienzo de la práctica ahora común de usar viejos personajes de dibujos animados de Hanna-Barbera para nuevas producciones más atrevidas, como el surrealista Sealab 2021, basado en los dibujos animados de corta duración de principios de la década de 1970 con temas ambientales Sealab 2020. Harvey Birdman, abogado trata sobre un superhéroe mediocre, Birdman, originalmente la estrella de Birdman and the Galaxy Trio, que se ha convertido en abogado. Su clientela, así como la mayoría de los otros personajes del programa, están compuestos en su totalidad por viejos personajes de Hanna-Barbera.

Adult Swim, un bloque de programación de dibujos animados orientados a adultos que aparecen en Cartoon Network después del horario estelar, se estrenó en 2001. Originalmente limitado a los domingos por la noche, a partir de 2018, Adult Swim ahora permanece en el aire todas las noches hasta las 6:00 a. m. Hora del este. Las series animadas producidas exclusivamente para Adult Swim incluyen The Brak Show, Aqua Teen Hunger Force, Sealab 2021, Harvey Birdman: Abogado , Squidbillies, The Venture Bros., Perfect Hair Forever, Stroker and Hoop, Tom va al alcalde, Pollo robot, Rick y Morty, Metalocalypse y Sonriendo amigos. Además de la animación occidental, Adult Swim también presenta series de anime populares como Cowboy Bebop, Ghost in the Shell, Eureka Seven, the Fullmetal Alchemist, Bleach, InuYasha y My Hero Academia.

Otros dibujos animados para adultos

Otras cadenas de televisión también experimentaron con animación para adultos. MTV produjo varias series animadas exitosas especialmente para su público adolescente y adulto joven, incluidas Liquid Television, The Brothers Grunt, Æon Flux, Beavis and Butt-head (y su spin-off Daria), The Maxx y Celebrity Deathmatch. Continuarían experimentando con series animadas a principios de la década de 2000 con programas como Clone High, Spy Groove y 3 South. Su programación animada original se detuvo a finales de la década. Duckman de USA Network, protagonizada por la voz de Jason Alexander, encontró seguidores de culto.

Otra exitosa serie animada para adultos fue South Park de Trey Parker y Matt Stone, que vio sus inicios en 1995 con el cortometraje The Spirit of Christmas. Al igual que Los Simpson, Beavis and Butt-head y South Park recibieron el tratamiento de la pantalla grande como Beavis and Butt-head Do America y South Park: Bigger, Longer and Uncut, ambas con éxito de taquilla.

El dibujante Bill Plympton pasó de la impresión a la animación a fines de la década de 1980 y ha seguido haciendo cortos para adultos. Don Hertzfeldt comenzó en la animación en la década de 1990 y ganó un Premio de la Academia en 2001 por Rejected.

Los largometrajes como Cool World y Bébé's Kids ayudaron a establecer un mercado para las películas de animación para adultos.

El auge de la animación por ordenador

La década de 1990 vio un gran crecimiento en el uso de imágenes generadas por computadora para mejorar tanto las secuencias animadas como los efectos especiales de acción en vivo, lo que permitió que las elaboradas secuencias animadas por computadora dominaran ambos. Esta nueva forma de animación pronto dominó los efectos especiales de Hollywood; las películas Terminator 2: Judgment Day y Jurassic Park incluyeron secuencias de efectos especiales ganadoras de un Oscar que hicieron un amplio uso de CGI. Después de décadas de existir como industrias relacionadas pero separadas, la barrera entre "animación" y "efectos especiales" fue destrozado por la popularización de los efectos especiales computarizados, hasta el punto en que la mejora por computadora de los largometrajes de Hollywood se convirtió en una segunda naturaleza y, a menudo, pasó desapercibida. El Forrest Gump (1994), ganador del Premio de la Academia, dependía en gran medida de los efectos especiales computarizados para crear la ilusión de Tom Hanks estrechando la mano de los presidentes John F. Kennedy y Lyndon B. Johnson, y para hacer que Gary Sinise resultara convincente. parece ser un doble amputado, ganando un Oscar de efectos especiales. La película Titanic usó efectos de computadora en casi todas las escenas de sus tres horas de duración; uno de los 11 premios Oscar de la película fue para efectos especiales.

Mientras que Disney hizo la película Tron, que mezcló ampliamente acción en vivo, animación tradicional y CGI, en 1982, e introdujo el sistema CAPS para mejorar la animación tradicional en la década de 1990 The Rescuers Down Under, aún no se había realizado un largometraje completamente animado por computadora. En 1995, Disney se asoció con Pixar para producir Toy Story, el primer largometraje realizado completamente con CGI. El éxito de la película fue tan grande que otros estudios consideraron producir sus propias películas CGI. Las películas animadas por computadora resultaron ser muy populares y las películas animadas generaron los márgenes brutos más altos (alrededor del 52 %) de todos los géneros cinematográficos en el período 2004-2013.

La animación por computadora también incursionó en la televisión. La serie animada de los sábados por la mañana ReBoot ganó un gran culto entre los adultos; fue la primera de varias series animadas generadas por CGI, incluidas Beast Wars, War Planets y Roughnecks. La calidad de la animación por computadora mejoró considerablemente con cada serie sucesiva. Muchas series de televisión de acción en vivo (especialmente las series de televisión de ciencia ficción como Babylon 5) invirtieron mucho en la producción de CGI, creando un nivel de efectos especiales hasta ahora no disponible a un precio relativamente bajo.

Pixar

El competidor más popular y exitoso en la carrera CGI resultó ser Pixar. Se originó en 1979 cuando George Lucas' Lucasfilm pudo contratar a Edwin Catmull del Instituto de Tecnología de Nueva York para iniciar el Grupo de gráficos de su división de efectos especiales. A fines de 1983, Catmull pudo contratar como contratista independiente independiente a un animador de Disney, John Lasseter, poco después de que Lasseter (entonces sin que Catmull lo supiera) fuera despedido por Walt Disney Company por su vigorosa defensa de la animación por computadora; Lasseter fue contratado como empleado de tiempo completo aproximadamente un año después.

Lucas experimentó problemas de flujo de efectivo después de su divorcio de 1983, y en 1986 Pixar se escindió de Lucasfilm como una corporación separada con $10 millones en capital del cofundador de Apple Computer, Steve Jobs. En ese momento, Pixar desarrollaba principalmente hardware de animación por computadora, pero Lasseter ayudó a la compañía a hacerse un nombre al crear aclamados cortometrajes CGI como Las aventuras de André y Wally B. (1984). Después del spin-off, produciría Tin Toy (1988), que ganó un Oscar. La compañía hizo la transición a la producción de comerciales de televisión y proyectos como el Sistema de producción de animación por computadora para Disney. Tras el éxito de Tin Toy, Pixar hizo un trato con Disney para producir largometrajes. La primera de estas películas, Toy Story de 1995, fue un gran éxito, lo que a su vez condujo a otras películas exitosas como A Bug's Life. y Toy Story 2. Para entonces, Jobs se había convertido en el propietario de Pixar al mantenerla viva con inversiones adicionales a lo largo de los años; a menudo había considerado venderlo, pero cambió de opinión después de Toy Story.

La serie de éxitos de crítica y taquilla de Pixar continuó con Monsters, Inc., Buscando a Nemo, Los Increíbles, Cars, Ratatouille, WALL-E, Up y Toy Story 3 todos recibiendo críticas entusiastas, obteniendo enormes ganancias, ganando premios y eclipsando las ofertas internas de Disney hasta que Cars 2 en 2011 terminó con la racha cuando resultó ser una decepción para la crítica, aunque siguió siendo un éxito comercial. Disney produjo su propia película CGI/acción en vivo sin Pixar (Dinosaur), pero la película recibió una reacción mixta, a pesar de que fue un éxito financiero. Durante los últimos años de la gestión de Michael Eisner, la fricción entre Disney y Pixar creció hasta el punto de que Pixar consideró buscar otro socio cuando no pudieron llegar a un acuerdo sobre el reparto de ganancias. Cuando Eisner renunció en 2005, su reemplazo, Robert Iger, arregló que Disney comprara Pixar en un acuerdo de acciones de $ 7.4 mil millones ($ 10.3 mil millones en dólares de hoy) que convirtió a Steve Jobs en el individuo más grande de Disney. accionista. El acuerdo se estructuró de modo que Disney Animation y Pixar Animation continuaran operando como estudios completamente separados bajo el paraguas corporativo de Disney; Lasseter fue puesto a cargo de dar luz verde a películas animadas completamente nuevas para ambos estudios en su nuevo cargo como director creativo.

Animación de DreamWorks

Cuando Jeffrey Katzenberg dejó Disney para convertirse en socio de Steven Spielberg y David Geffen en el nuevo estudio DreamWorks Pictures, el estudio naturalmente se interesó en la animación. Su primera película, Antz, no funcionó tan bien como los estrenos de Disney-Pixar, pero fue un éxito de crítica. Sin embargo, DreamWorks tuvo éxito en su asociación con el estudio británico de animación stop motion Aardman Animations con Chicken Run en 2000, y más tarde la ganadora del Oscar Wallace and Gromit: The Curse of the Were-Rabbit en 2006.

Además, DreamWorks finalmente tuvo su propio éxito en 2001 con la película animada por computadora Shrek, un gran éxito de taquilla que superó al estreno de verano de Disney de ese año, Atlántida. Shrek estableció a DreamWorks como el primer gran competidor de Disney en películas de animación. DreamWorks' el éxito comercial continuó con tres secuelas de Shrek, Shark Tale, Madagascar, Bee Movie, Kung Fu Panda , Monsters vs. Aliens, Cómo entrenar a tu dragón y Los Croods. DreamWorks Animation finalmente se convirtió en una empresa separada de su matriz; ahora es propiedad de Universal Studios a través de su empresa matriz NBCUniversal / Comcast a partir de 2016.

Estudios de animación de Walt Disney

En 2003, al observar el creciente éxito de los estudios que dependían de la animación por computadora, el ejecutivo Bob Lambert anunció que Walt Disney Feature Animation se convertiría en un estudio CGI.

Dos años más tarde, Chicken Little, la primera película animada por computadora del estudio, se estrenó con un éxito moderado en la taquilla y una recepción crítica mixta. El 24 de enero de 2006, Disney anunció que adquiriría Pixar (el acuerdo se cerró con éxito en mayo) y, como parte de la adquisición, los ejecutivos Edwin Catmull y John Lasseter asumieron el control de Walt Disney Feature Animation como presidente y director creativo. respectivamente. Lasseter reconoció más tarde que hubo discusiones en 2006 sobre el cierre de Feature Animation como redundante ya que Disney ahora era dueño de Pixar, que él y Catmull rechazaron rotundamente ("No bajo nuestro control. Nunca permitiremos que eso suceda".;); decidieron tratar de salvar el legado creativo de Walt Disney haciendo que su estudio de animación "volviera al nivel creativo que tenía que ser".

Para mantener la separación de Disney y Pixar (a pesar de que comparten la propiedad y la alta gerencia en común), se indicó que cada estudio debe seguir siendo el único responsable de sus propios proyectos y no se le permite tomar prestado personal ni prestar tareas. al otro.

En 2007, el estudio lanzó Meet the Robinsons, que experimentó una mala respuesta en la taquilla a pesar de la tibia recepción de la crítica y del público. La siguiente película, Bolt de 2008, tuvo la mejor recepción crítica de cualquier película animada de Disney desde Lilo & Stitch, y se convirtió en un éxito moderado. Una adaptación de 'Rapunzel' de los hermanos Grimm. El cuento titulado Tangled se estrenó en 2010, recaudó 591 millones de dólares en ingresos de taquilla en todo el mundo y significó el regreso del estudio a las características basadas en cuentos de hadas comunes en la era de la animación tradicional. Esta tendencia se siguió en el éxito de taquilla mundial de 2013 Frozen, una película inspirada en el cuento The Snow Queen de Hans Christian Andersen, que se estrenó con gran éxito. y fue la primera película animada de Disney en ganar más de mil millones de dólares en ingresos de taquilla en todo el mundo y actualmente es la película animada más taquillera de todos los tiempos, superando a Toy Story 3 de Pixar. Frozen también se convirtió en la primera película de Walt Disney Animation Studios en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. También tuvieron éxito comercial y de crítica con la ganadora del Oscar Big Hero 6, Zootopia y Moana junto con (siguiendo los pasos de Pixar) su cortos de animación propios Feast y Paperman; este último se muestra antes de Wreck-It Ralph.

Independientes y otros

Otros estudios intentaron entrar en el juego CGI. Después de terminar su relación con Don Bluth, 20th Century Fox lanzó una película animada CGI de gran éxito a principios de 2002 titulada Ice Age, como el primer largometraje de Blue Sky Studios. En 2001, Paramount ofreció Jimmy Neutron: Boy Genius, TWC ofreció Hoodwinked! en 2005 y Columbia produjo Open Season en 2006. Warner Brothers había un gran éxito en 2006 con el largometraje ganador del Oscar, Happy Feet, mientras que Sony produjo películas con Sony Pictures Animation, incluida Open Season en 2006, Surf's Up en 2007, y las exitosas franquicias cinematográficas Lluvia de albóndigas y Hotel Transylvania que comenzaron en 2009 y 2012, respectivamente. Universal Studios intentó varias veces convertirse en un participante viable en el mercado, y finalmente logró la meta en 2010 con Despicable Me, el primer largometraje de Illumination que les proporcionó más éxitos en la década siguiente. STX Entertainment ofreció UglyDolls en 2019.

A pesar de todo su éxito, la animación por computadora todavía se basa en dibujos animados y personajes estilizados. 2001 vio el primer intento de crear un mundo completamente animado utilizando actores humanos fotorrealistas en Final Fantasy: The Spirits Within, que tuvo un éxito crítico moderado pero no le fue bien en la taquilla.

En 2004, se estrenó la película de imagen real Sky Captain and the World of Tomorrow. Se destacó por haber sido filmado completamente frente a una pantalla azul, con el fondo completamente generado por computadora; solo los actores y algunos accesorios eran reales. Robert Zemeckis' La película The Polar Express, protagonizada por Tom Hanks en cinco papeles, fue completamente animación CGI pero usó tecnología de captura de movimiento para animar a los personajes. Zemeckis siguió a The Polar Express con otras dos películas de captura de movimiento: Beowulf y A Christmas Carol de Disney.

El uso de efectos especiales CGI en películas de acción real aumentó hasta el punto en que George Lucas consideró que su película de 2002 Star Wars: Episodio II: El ataque de los clones era principalmente una película animada que usaba actores de la vida real. Un número creciente de películas orientadas a la familia comenzaron a utilizar personajes totalmente generados por computadora que interactuaban en la pantalla con sus contrapartes de acción real, como Jar-Jar Binks en Star Wars: Episodio I: La amenaza fantasma., Gollum en El Señor de los Anillos: Las Dos Torres y el personaje principal de Hulk. Si bien los personajes generados por computadora se han vuelto aceptables para los cinéfilos, aún no se han realizado películas completamente animadas con actores humanos virtuales o 'synthespians'.

Auge de Internet y animación Flash

A fines de la década de 1990, se produjo el surgimiento de la animación Flash (películas animadas creadas con el software de animación Adobe Flash), producidas en los EE. UU. y en otros lugares, y distribuidas a través de Internet.

Algunos dibujos animados animados Flash populares incluyen Joe Cartoons, Weebl and Bob, Happy Tree Friends, Homestar Runner, la serie Brackenwood, Making Fiends y Salad Fingers.

El declive de la animación tradicional

A principios de la década de 2000, los largometrajes tradicionalmente animados comenzaban a perder el favor del público como resultado del creciente éxito de las películas animadas por computadora. En 2000, Fox Animation Studios cerró debido al fracaso de taquilla de Titan A.E., que costó entre $75 y $90 millones, pero solo ganó $38,8 millones en todo el mundo. Como resultado, Fox cortó lazos con Don Bluth y Gary Goldman y trasladó los servicios de animación a Blue Sky Studios, donde trabajaron en su primer largometraje, Ice Age en 2002.

Alrededor de 2001, los notables éxitos de las películas animadas por computadora de Pixar y DreamWorks como Monsters, Inc. y Shrek, respectivamente, contra las de Disney Los rendimientos menores de The Emperor's New Groove y Atlantis: The Lost Empire llevaron a una percepción creciente de que la animación dibujada a mano se estaba volviendo obsoleta y pasando de moda. En 2002, incluso con el éxito de taquilla de Lilo & Stitch, el fracaso de su muy publicitado Treasure Planet parecía asegurar que habría importantes recortes en el estudio de animación de Disney. En marzo de ese año, Disney despidió a la mayoría de los empleados del estudio Feature Animation en Burbank, cerró el estudio Disney Animation France en 2003 y luego Walt Disney Feature Animation Florida en 2004, después del lanzamiento de Brother Bear en el último año; reduciéndolo a una unidad y comenzando planes para pasar a películas completamente animadas por computadora. En 2004, Disney estrenó lo que anunció sería su última película de animación tradicional, Home on the Range. La película recibió críticas mixtas y no tuvo éxito en la taquilla. Después del fracaso de la película, Disney abandonó oficialmente la animación tradicional por completo y pasó a trabajar en películas animadas por computadora, comenzando con Chicken Little en 2005.

En 2003, DreamWorks Animation también dejó de trabajar en funciones animadas tradicionales después del fracaso nacional de Simbad: la leyenda de los siete mares, y el estudio pasó a trabajar únicamente en funciones CGI desde entonces. Sin embargo, el lanzamiento posterior de La princesa y el sapo y El secreto de Kells en 2009, ambos nominados a un Premio de la Academia, marcó un renovado interés en la animación tradicional. En el mismo año, Coraline y Fantastic Mr. Fox de Wes Anderson (también nominado al Premio de la Academia) renovaron su interés en la animación stop motion.

Sin embargo, en 2011, Winnie the Pooh de Disney, aunque fue aclamada por la crítica, solo tuvo un éxito moderado en la taquilla y, desde entonces, no ha habido más películas animadas tradicionales. planeado para Walt Disney Animation Studios, excepto con fines experimentales y de cortometrajes. Sin embargo, en 2019, la ejecutiva de animación Jennifer Lee confirmó que el estudio está abierto para futuros proyectos animados dibujados a mano.

Hoy en día, las películas animadas tradicionales son raras en Estados Unidos, pero aún están muy extendidas en todo el mundo, especialmente en Japón. En los últimos años, se lanzaron algunas películas tradicionalmente animadas más tarde en la década de 2010, con The SpongeBob Movie: Sponge Out of Water (aunque híbrido con live-action y CGI) en 2015, la primera producción de la Paramount Animation, fundada recientemente, tras el éxito de Rango en 2011. Le siguió My Little Pony: The Movie en 2017, y Teen Titans Go! To the Movies siguió en 2018. Coincidentemente, todos se basan en programas de televisión animados.

Reconocimientos de animación

Reconocimiento de los Oscar

Históricamente, a pesar de la continuación de la categoría de Mejor Cortometraje de Animación, los largometrajes de animación rara vez recibieron mucho reconocimiento de los Premios de la Academia por algo más que partituras musicales. La nominación sin precedentes de La Bella y la Bestia de Disney a la Mejor Película y otros cinco premios cambiaron las cosas, a pesar de que solo ganó dos premios Oscar por la partitura de su canción. La animación se había vuelto tan ampliamente aceptada a principios del siglo XXI que, en 2001, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas presentó un nuevo Premio de la Academia a la Mejor Película Animada.

Los tres candidatos para el primer homenajeado en este premio fueron todos largometrajes CGI: Shrek, de DreamWorks, Monsters, Inc., de Disney y Pixar, y Jimmy Neutron: Niño Genio, de Nickelodeon y Paramount. El premio de ese año fue para Shrek. Las películas de ese año que se pasaron por alto incluyeron la aclamada película para adultos Waking Life y la película fotorrealista CGI Final Fantasy: The Spirits Within.

El viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki, aclamada por la crítica, ganó el Oscar en 2002. Buscando a Nemo, de Disney/Pixar, recibió el premio en 2003, derrotando a los nominados Las Trillizas de Belleville y Brother Bear. Desde entonces, Pixar ha ganado la mayor cantidad de premios en esta categoría con las excepciones actuales de Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit en 2005, Happy Feet en 2006, Rango en 2011, Frozen en 2013, Big Hero 6 en 2014, Zootopia en 2016, Spider-Man: Into the Spider-Verse en 2018 y Encanto en 2021.

En 2013, la edición del 7 de marzo de la revista The Hollywood Reporter publicó las boletas de ocho votantes diferentes de los Oscar en la Academia. De esos ocho, cuatro votantes se abstuvieron en la categoría de Mejor Película Animada por conocimiento inadecuado del tema. Admitieron no haber visto todas las nominaciones, una persona dijo "eso terminó cuando yo tenía 6 años". Este desprecio por las películas animadas por parte de los propios votantes a menudo es criticado por los animadores estadounidenses, quienes afirman que "a Hollywood no le importa ni sabe nada sobre las películas animadas".

Premios Annie

Los premios Annie son presentados cada febrero por la rama de Hollywood de la Asociación Internacional de Cine de Animación por los logros en los campos de la animación cinematográfica y televisiva en los Estados Unidos. Formados en 1972 para celebrar las contribuciones de por vida a los diversos campos dentro de la animación, los premios comenzaron a honrar la animación en su conjunto, incluidas las ofertas actuales.

Legado

Cinco largometrajes animados, La Bella y la Bestia (1991), El Rey León (1994), Toy Story (1995), Shrek (2001), Wall-E (2008) y La Sirenita (1989) más dos cortos animados de Pixar Luxo Jr. (1986) y Tin Toy (1988), fueron incluidas en el Registro Nacional de Cine.

El viaje de Chihiro de Studio Ghibli (2001) y cuatro películas de Pixar (Buscando a Nemo de 2003, Ratatouille de 2007 , Wall-E de 2008 y Inside Out de 2015) se incluyeron en la lista de las 100 mejores películas del siglo XXI de la BBC. Encuesta del siglo.