Animación limitada

Un ejemplo basado en GIF de animación limitada en el estilo japonés: la boca, los ojos, los brazos y la sombra se mueven de una manera fugaz.

Animación limitada es un proceso en la técnica general de animación tradicional que reutiliza cuadros de animación de personajes.

Historia temprana

El uso de medidas de animación que reducen el presupuesto y ahorran tiempo en la animación se remonta a la animación comercial más antigua, incluidas las animaciones cíclicas, los dibujos simétricos y de imagen especular, los personajes fijos y otros métodos que ahorran trabajo. En general, la progresión fue desde las primeras producciones en las que cada cuadro se dibujaba a mano, independientemente del dibujo del otro, hacia una animación más limitada que usaba los mismos dibujos de diferentes maneras.

Winsor McCay, un hombre que puso una cantidad de detalles sin precedentes en sus animaciones, se jactó de que en su película de 1914, Gertie the Dinosaur, todo se movía, incluidas las rocas y las briznas de hierba del fondo.. En contraste, su película de 1918 The Sinking of the Lusitania progresó al uso de celdas sobre fondos fijos, manteniendo un nivel de detalle comparable al de Gertie.

La caricatura de 1942 Merrie Melodies The Dover Boys, dirigida por Chuck Jones, es una de las primeras caricaturas de Warner Bros. en emplear ampliamente algunos de los procesos de lo que sería se conocerá como "animación limitada" particularmente su uso de personajes que se quedan quietos o se mueven tan rápido que el movimiento real parece ser borroso.

Televisión americana

Hanna-Barbera Productions utilizó animación limitada a lo largo de su existencia. Cuando los homónimos de la compañía, William Hanna y Joseph Barbera, se separaron del estudio MGM en 1957, optaron por adoptar un enfoque de animación drásticamente diferente al que tenían para sus cortometrajes completamente animados; Como las pantallas de televisión eran mucho más pequeñas que las pantallas de cine en ese momento, la animación limitada, con su énfasis en los primeros planos de los personajes y el humor basado en diálogos, se adaptaba mejor a la experiencia más íntima del espectador doméstico. En ese momento, la mayoría de los largometrajes (junto con los cortometrajes animados, incluido el propio trabajo de Hanna y Barbera en Tom y Jerry) estaban en transición al proceso CinemaScope de pantalla ancha, lo que dificultaba la reproducción. intimidad; The Walt Disney Company, aunque continuaron usando animación completa, también había usado primeros planos de personajes y humor impulsado por la personalidad en sus primeras películas. Cuando Disney produjo La dama y el vagabundo en CinemaScope, el proceso dificultó la replicación de ese estilo, un problema que Hanna-Barbera no tuvo con las pantallas de televisión más pequeñas y cuadradas.

Los beneficios financieros de la animación limitada llevaron a las empresas de animación televisiva a confiar mucho en el proceso en la era de la televisión. Jay Ward Productions se basó en animación limitada por esas razones, compensando con su fuerte sátira de la Guerra Fría y un estilo de comedia inexpresiva que se convertiría en una marca registrada del estilo del estudio. Uno de los usuarios frecuentes de animación limitada era Filmation, el rival de los sábados por la mañana de HB (creadores de He-Man and the Masters of the Universe y BraveStarr), que daba su trabajo una mirada distinta. Bill Melendez usó una forma de animación limitada para adaptar la franquicia Peanuts a la televisión y luego al cine; Además de las preocupaciones de costo y tiempo (especialmente para su primer especial A Charlie Brown Christmas, que recibió solo un presupuesto de $ 76,000 y cuatro meses para producir 30 minutos de animación), Meléndez también señaló que Peanuts, Charles M. Schulz, había diseñado los personajes con un estilo plano muy adecuado para la animación limitada. Cambria Studios, de corta duración, produjo tres series (incluida Clutch Cargo) utilizando uno de los enfoques de animación más económicos posibles: conocido como Syncro-Vox, implicaba la superposición de una película del actor de voz. s moviendo los labios sobre un cuadro fijo del personaje. Los propios Disney recurrieron a algunos trucos de animación limitados en un esfuerzo por reducir su presupuesto durante la década de 1960, particularmente con el uso de la xerografía en Cien y un dálmatas, que dio como resultado obras de arte con contornos más pesados y toscos que los que se habían visto antes. visto anteriormente en las películas de Disney hasta ese momento.

En la década de 1970, el uso de animación limitada en los dibujos animados de los sábados por la mañana se había convertido en una epidemia; Walter Williams, creador de The Mr. Bill Show, señaló que los dibujos animados de la década de 1970 eran tan estáticos que esperaba que las manos del artista entraran en la pantalla en cualquier momento y comenzaran a mover físicamente los dibujos. alrededor. Esto lo inspiró a crear el "Mr. Manos" personaje en The Mr. Bill Show, que literalmente hizo exactamente eso.

Televisión japonesa

La animación limitada demostró ser particularmente popular en Japón, de modo que la palabra japonesa para animación, anime, entró en el léxico inglés como un préstamo para el estilo distintivo de animación japonesa que se arraigó allí. El anime presenta escenas de la boca moviéndose con parpadeos ocasionales, tomas largas renderizadas de fondos detallados, una velocidad de fotogramas baja (especialmente en producciones anteriores) y un uso poco común de la fluidez 2D en acción llena de desenfoque de movimiento junto con dibujos reutilizados, usando convenciones de estilo del cómic japonés. libros (mangas). También tiene el beneficio de producciones de bajo costo y contenido estilizado en lugar de animación realista. Como fue el caso en los Estados Unidos, la televisión fue un gran impulso para el crecimiento del anime en Japón; la recuperación del país de la Segunda Guerra Mundial condujo a la prosperidad económica y un auge en la propiedad de la televisión japonesa, y el desarrollo del anime permitió a Japón competir en un campo de la animación en el que anteriormente se habían quedado muy rezagados con respecto a Occidente.