Alfarería en la Antigua Grecia

La cerámica griega antigua, debido a su relativa durabilidad, comprende una gran parte del registro arqueológico de la antigua Grecia, y dado que hay tanto (más de 100.000 jarrones pintados están registrados en el Corpus vasorum antiquorum), ha ejercido un papel desproporcionadamente grande. influencia en nuestra comprensión de la sociedad griega. Los fragmentos de vasijas desechados o enterrados en el primer milenio antes de Cristo siguen siendo la mejor guía disponible para comprender la vida y la mente consuetudinarias de los antiguos griegos. Había varias vasijas producidas localmente para uso diario y en la cocina, pero otras civilizaciones del Mediterráneo, como los etruscos en Italia, importaron cerámica más fina de regiones como Ática.Había una multitud de variedades regionales específicas, como la cerámica griega antigua del sur de Italia.

A lo largo de estos lugares, se utilizaron varios tipos y formas de jarrones. No todos eran puramente utilitarios; grandes ánforas geométricas se usaron como marcadores de tumbas, las cráteras en Apulia sirvieron como ofrendas de tumbas y las ánforas panatenaicas parecen haber sido consideradas en parte como objetos de arte, al igual que las figurillas de terracota posteriores. Algunos eran muy decorativos y estaban destinados al consumo de élite y al embellecimiento doméstico tanto como para servir como almacenamiento u otra función, como la cráter con su uso habitual para diluir el vino.

Los primeros estilos griegos de cerámica, llamados "Egeo" en lugar de "Griego antiguo", incluyen la cerámica minoica, muy sofisticada en sus etapas finales, la cerámica de las Cícladas, la cerámica de Minyan y luego la cerámica micénica en la Edad del Bronce, seguida de la interrupción cultural de la cultura griega. Edad Oscura. A medida que la cultura se recuperó, la cerámica submicénica finalmente se mezcló con el estilo protogeométrico, que comienza con la cerámica griega antigua propiamente dicha.

El auge de la pintura de jarrones vio una decoración cada vez mayor. El arte geométrico en la cerámica griega fue contiguo a finales de la Edad Oscura y principios de la Grecia arcaica, que vio el surgimiento del período orientalizante. La cerámica producida en la Grecia arcaica y clásica incluía al principio la cerámica de figuras negras, pero surgieron otros estilos, como la cerámica de figuras rojas y la técnica de fondo blanco. Estilos como West Slope Ware fueron característicos del período helenístico posterior, que vio el declive de la pintura de jarrones.

Redescubrimiento y beca

El interés por el arte griego quedó a la zaga del resurgimiento de la erudición clásica durante el Renacimiento y revivió en el círculo académico en torno a Nicolas Poussin en Roma en la década de 1630. Aunque en los siglos XV y XVI se realizaron modestas colecciones de jarrones recuperados de tumbas antiguas en Italia, estos se consideraron etruscos. Es posible que Lorenzo de Medici comprara varios jarrones áticos directamente de Grecia; sin embargo, la conexión entre ellos y los ejemplos excavados en el centro de Italia no se estableció hasta mucho más tarde. Geschichte der Kunst des Alterthums de Winckelmann de 1764 primero refutó el origen etrusco de lo que ahora sabemos que es cerámica griega.sin embargo, las dos colecciones de Sir William Hamilton, una perdida en el mar y la otra ahora en el Museo Británico, todavía se publicaban como "jarrones etruscos"; tomaría hasta 1837 con Gräber der Hellenen de Stackelberg para poner fin de manera concluyente a la controversia.

Gran parte del estudio temprano de los vasos griegos tomó la forma de producción de álbumes de las imágenes que representan, sin embargo, ni los folios de D'Hancarville ni los de Tischbein registran las formas ni intentan proporcionar una fecha y, por lo tanto, no son confiables como registro arqueológico. Serios intentos de estudios académicos lograron un progreso constante durante el siglo XIX, comenzando con la fundación del Instituto di Corrispondenza en Roma en 1828 (más tarde el Instituto Arqueológico Alemán), seguido por el estudio pionero de Eduard Gerhard Auserlesene Griechische Vasenbilder (1840 a 1858), el establecimiento de la revista Archaeologische Zeitung en 1843 y la Ecole d'Athens1846. Fue Gerhard quien primero esbozó la cronología que ahora usamos, a saber: Orientalizante (Geométrica, Arcaica), Figura negra, Figura roja, Policromática (helenística).

Finalmente fue el catálogo Vasensammlung de Otto Jahn de 1854de la Pinakothek de Munich, que estableció el estándar para la descripción científica de la cerámica griega, registrando las formas e inscripciones con una minuciosidad nunca antes vista. El estudio de Jahn fue el libro de texto estándar sobre la historia y la cronología de la cerámica griega durante muchos años, pero, al igual que Gerhard, fechó la introducción de la técnica de la figura roja un siglo después de lo que era en realidad. Este error se corrigió cuando la Sociedad Arqueológica de Atenas emprendió la excavación de la Acrópolis en 1885 y descubrió los llamados "residuos persas" de vasijas de figuras rojas destruidas por los invasores persas en el 480 a. Con una cronología más sólidamente establecida, Adolf Furtwängler y sus estudiantes en las décadas de 1880 y 1890 pudieron fechar los estratos de sus excavaciones arqueológicas por la naturaleza de la cerámica encontrada dentro de ellos.

Mientras que el siglo XIX fue un período de descubrimiento griego y el establecimiento de los primeros principios, el siglo XX ha sido uno de consolidación e industria intelectual. Los esfuerzos para registrar y publicar la totalidad de las colecciones públicas de jarrones comenzaron con la creación del Corpus vasorum antiquorum bajo Edmond Pottier y el archivo Beazley de John Beazley.

Beazley y otros que lo siguieron también han estudiado fragmentos de cerámica griega en colecciones institucionales y han atribuido muchas piezas pintadas a artistas individuales. Los eruditos han llamado a estos fragmentos disjecta membra (en latín, "partes dispersas") y en varios casos han podido identificar fragmentos ahora en diferentes colecciones que pertenecen al mismo jarrón.

Usos y tipos

Los nombres que usamos para las formas de los vasos griegos son a menudo una cuestión de convención más que un hecho histórico, algunos ilustran su propio uso o están etiquetados con sus nombres originales, otros son el resultado del intento de los primeros arqueólogos de reconciliar el objeto físico con un conocido. nombre de la literatura griega – no siempre con éxito. Para comprender la relación entre forma y función, la cerámica griega se puede dividir en cuatro categorías amplias, que se dan aquí con tipos comunes:

• recipientes de almacenamiento y transporte, incluidos el ánfora, pithos, pelike, hydria, pyxis,
• recipientes para mezclar, principalmente para simposios o fiestas masculinas para beber, incluida la crátera y los dinosaurios,
• jarras y copas, varios tipos de kylix también llamados copas, kantharos, phiale, skyphos, oinochoe y loutrophoros,
• jarrones para aceites, perfumes y cosméticos, incluidos los grandes lekythos, y los pequeños aryballos y alabastron.

Además de estas funciones utilitarias, ciertas formas de vasijas estaban especialmente asociadas a los rituales, otras al atletismo y al gimnasio. No se conocen todos sus usos, pero cuando hay incertidumbre, los estudiosos hacen buenas conjeturas aproximadas de qué uso habría tenido una pieza. Algunos tienen una función puramente ritual, por ejemplo

Algunas vasijas fueron diseñadas como marcadores de tumbas. Los cráteres marcaban los lugares de los machos y las ánforas marcaban los de las hembras. Esto les ayudó a sobrevivir, y es por eso que algunos representan procesiones fúnebres. Los lekythoi de fondo blanco contenían el aceite utilizado como ofrendas funerarias y parecen haber sido hechos únicamente con ese objeto en mente. Muchos ejemplos tienen una segunda copa oculta en su interior para dar la impresión de estar llenos de aceite, por lo que no habrían servido para ningún otro beneficio útil.

Hubo un mercado internacional para la cerámica griega desde el siglo VIII a. C., que Atenas y Corinto dominaron hasta finales del siglo IV a. Se puede obtener una idea del alcance de este comercio al trazar los mapas de hallazgo de estos jarrones fuera de Grecia, aunque esto no podría explicar los obsequios o la inmigración. Solo la existencia de un mercado de segunda mano podría explicar el número de panatenaicos encontrados en las tumbas etruscas. Las mercancías del sur de Italia llegaron a dominar el comercio de exportación en el Mediterráneo occidental cuando Atenas perdió importancia política durante el período helenístico.

Arcilla

Las pocas formas en que la cerámica de arcilla puede dañarse es al romperse, desgastarse o entrar en contacto con el fuego. El proceso de hacer una olla y cocerla es bastante simple. Lo primero que necesita un alfarero es arcilla. La arcilla con alto contenido de hierro de Attica dio a sus vasijas un color naranja.

Fabricar

Levitación

Cuando la arcilla se extrae del suelo por primera vez, está llena de rocas, conchas y otros elementos inútiles que deben eliminarse. Para hacer esto, el alfarero mezcla la arcilla con agua y deja que todas las impurezas se hundan hasta el fondo. Esto se llama levigación o elutriación. Este proceso se puede hacer muchas veces. Cuantas más veces se haga esto, más suave se vuelve la arcilla.

Rueda

Luego, el alfarero amasa la arcilla y la coloca en una rueda. Una vez que la arcilla está en la rueda, el alfarero puede moldearla en cualquiera de las muchas formas que se muestran a continuación, o en cualquier otra cosa que desee. La cerámica hecha con ruedas se remonta aproximadamente al 2500 a. C., donde antes se empleaba el método de la bobina para construir las paredes de la olla. La mayoría de los jarrones griegos estaban hechos con ruedas, aunque al igual que con los Rhyton, también se encuentran piezas hechas con moldes (las llamadas piezas de "plástico") y se agregaron elementos decorativos hechos a mano o con moldes a las ollas arrojadas. Las piezas más complejas se hacían por partes y luego se ensamblaban cuando estaba duro el cuero mediante la unión con un engobe, donde el alfarero volvía al torno para darle la forma o torneado final. A veces, un joven ayudaba a girar la rueda.

Deslizamiento de arcilla

Después de hacer la vasija, el alfarero la pinta con una barbotina de arcilla de grano ultrafino; la pintura se aplicó sobre las zonas que se iban a ennegrecer después de la cocción, según los dos estilos diferentes, es decir, la figura negra y la figura roja. Para la decoración, los pintores de vasos usaban pinceles de diferentes grosores, herramientas de punta para las incisiones y probablemente herramientas de un solo cabello para las líneas en relieve.

Una serie de estudios analíticos han demostrado que el llamativo brillo negro con un brillo metálico, tan característico de la cerámica griega, surgió de la fracción coloidal de una arcilla ilítica con un contenido muy bajo de óxido de calcio. Esta barbotina era rica en óxidos e hidróxidos de hierro, diferenciándose de la utilizada para el cuerpo de la vasija en cuanto al contenido de calcio, la composición mineral exacta y el tamaño de las partículas. La suspensión de arcilla fina utilizada para la pintura se produjo utilizando varios aditivos defloculantes para la arcilla (potasa, urea, posos de vino, cenizas de hueso, cenizas de algas, etc.) o recogiéndola in situ de lechos de arcilla ilítica después de períodos de lluvia. Estudios recientes han demostrado que algunos elementos traza en el vidriado negro (p. ej. Zn en particular) pueden ser característicos de los lechos de arcilla utilizados en la antigüedad. En general,

Disparo

La cerámica griega, a diferencia de la cerámica actual, solo se cocía una vez, con un proceso muy sofisticado. El efecto de color negro se logró cambiando la cantidad de oxígeno presente durante la cocción. Esto se hizo en un proceso conocido como cocción trifásica que involucra condiciones de oxidación-reducción alternas. Primero, el horno se calentó a alrededor de 920–950 °C, con todas las ventilaciones abiertas, lo que llevó oxígeno a la cámara de cocción y convirtió tanto la olla como la barbotina en un color marrón rojizo (condiciones oxidantes) debido a la formación de hematita (Fe ₂ O ₃). tanto en la pintura como en la carrocería de arcilla. Luego se cerró el respiradero y se introdujo madera verde, creando monóxido de carbono que convierte la hematita roja en magnetita negra (Fe ₃ O ₄); en esta etapa la temperatura disminuye debido a la combustión incompleta. En una fase final de reoxidación (alrededor de 800–850 °C), se abrió el horno y se reintrodujo oxígeno, lo que provocó que la arcilla reservada sin engobe volviera a tener un color rojo anaranjado, mientras que el área con engobe del jarrón que había sido sinterizado/vitrificado en la fase anterior, ya no podía oxidarse y permanecía negro.

Si bien la descripción de una sola cocción con tres etapas puede parecer económica y eficiente, algunos estudiosos afirman que es igualmente posible que cada una de estas etapas se limitara a cocciones separadas en las que la cerámica se somete a múltiples cocciones, de diferentes atmósferas. En cualquier caso, la fiel reproducción del proceso de extenso trabajo experimental que condujo a la creación de una moderna unidad de producción en Atenas desde el año 2000, ha puesto de manifiesto que los antiguos jarrones pueden haber sido sometidos a múltiples cocciones en tres tiempos tras su repintado o como intento de corregir fallas de color La técnica que se conoce principalmente como la "técnica de reducción de hierro" fue decodificada con la contribución de eruditos, ceramistas y científicos desde mediados del siglo XVIII en adelante hasta finales del siglo XX, es decir, Comte de Caylus (1752), Durand-Greville (1891), Binns y Fraser (1925), Schumann (1942), Winter (1959), Bimson (1956), Noble (1960, 1965), Hofmann (1962), Oberlies (1968), Pavicevic (1974), Aloupi (1993)). Estudios más recientes de Walton et al. (2009), Walton et al. (2014), Lühl et al. (2014) y Chaviara & Aloupi-Siotis (2016) mediante el uso de técnicas analíticas avanzadas brindan información detallada sobre el proceso y las materias primas utilizadas.

Pintura florero

El aspecto más familiar de la cerámica griega antigua son las vasijas pintadas de buena calidad. Esta no era la cerámica que usaba la mayoría de la gente todos los días, pero era lo suficientemente barata como para ser accesible a una amplia gama de la población.

Han sobrevivido pocos ejemplos de pintura griega antigua, por lo que los estudiosos modernos tienen que rastrear el desarrollo del arte griego antiguo en parte a través de la pintura de vasijas griegas antiguas, que sobrevive en grandes cantidades y es también, con la literatura griega antigua, la mejor guía que tenemos para la costumbre. la vida y la mente de los antiguos griegos.

Desarrollo de la pintura de cerámica.

Edad de Piedra

La cerámica griega se remonta a la Edad de Piedra, como las encontradas en Sesklo y Dimini.

Edad de Bronce

La pintura más elaborada sobre la cerámica griega se remonta a la cerámica minoica y la cerámica micénica de la Edad del Bronce, algunos ejemplos posteriores muestran la ambiciosa pintura figurativa que llegaría a ser muy desarrollada y típica.

Edad de Hierro

Después de muchos siglos dominados por estilos de decoración geométrica, cada vez más complejos, los elementos figurativos volvieron con fuerza en el siglo VIII. Desde finales del siglo VII hasta aproximadamente el 300 a. C., los estilos en evolución de la pintura dirigida por figuras alcanzaron su punto máximo de producción y calidad y se exportaron ampliamente.

Durante la Edad Oscura griega, que abarca los siglos XI al VIII a. C., el estilo temprano prevaleciente fue el del arte protogeométrico, que utiliza predominantemente patrones decorativos circulares y ondulados. Esto fue sucedido en la Grecia continental, el Egeo, Anatolia e Italia por el estilo de cerámica conocido como arte geométrico, que empleaba ordenadas filas de formas geométricas.

El período de la Grecia arcaica, que comenzó en el siglo VIII a. C. y duró hasta finales del siglo V a. C., vio el nacimiento del período orientalizante, liderado en gran parte por la antigua Corinto, donde las figuras de palos anteriores de la cerámica geométrica se desarrollan en medio de motivos que reemplazó los patrones geométricos.

La decoración cerámica clásica está dominada principalmente por la pintura de jarrones áticos. La producción ática fue la primera en reanudarse después de la Edad Oscura griega e influyó en el resto de Grecia, especialmente en Beocia, Corinto, las Cícladas (en particular, Naxos) y las colonias jónicas en el Egeo oriental.La producción de jarrones era en gran parte prerrogativa de Atenas; está bien atestiguado que en Corinto, Beocia, Argos, Creta y Cícladas, los pintores y alfareros se contentaron con seguir el estilo ático. Al final del período arcaico, los estilos de cerámica de figuras negras, cerámica de figuras rojas y la técnica de fondo blanco se habían establecido por completo y continuarían en uso durante la era de la Grecia clásica, desde principios del siglo V hasta finales del siglo IV a.C. Corinto fue eclipsado por las tendencias atenienses, ya que Atenas fue la progenitora de los estilos de figuras rojas y fondo blanco.

Estilos protogeométricos

Los jarrones del período protogeométrico (c. 1050-900 a. C.) representan el regreso de la producción artesanal después del colapso de la cultura del palacio micénico y la subsiguiente edad oscura griega. Es uno de los pocos modos de expresión artística además de la joyería en este período ya que la escultura, la arquitectura monumental y la pintura mural de esta época nos son desconocidas. Hacia el 1050 a. C., la vida en la península griega parece haberse asentado lo suficiente como para permitir una notable mejora en la producción de loza. El estilo se limita a la representación de círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos, pero colocados con evidente consideración y notable destreza, probablemente ayudados por compás y múltiples pinceles. El sitio de Lefkandi es una de nuestras fuentes más importantes de cerámica de este período, donde se ha encontrado un alijo de objetos funerarios que dan evidencia de un estilo protogeométrico eubeo distintivo que perduró hasta principios del siglo VIII.

Estilo geométrico

El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a. Se caracterizó por nuevos motivos, rompiendo con la representación de los períodos minoico y micénico: meandros, triángulos y otras decoraciones geométricas (de ahí el nombre del estilo) a diferencia de las figuras predominantemente circulares del estilo anterior. Sin embargo, nuestra cronología para esta nueva forma de arte proviene de productos exportados que se encuentran en contextos datables en el extranjero.

Con el estilo geométrico temprano (aproximadamente 900-850 a. C.) solo se encuentran motivos abstractos, en lo que se llama el estilo "Black Dipylon", que se caracteriza por el uso extensivo de barniz negro, con el estilo geométrico medio (aproximadamente 850-770 a. C.), aparece la decoración figurativa: inicialmente son bandas idénticas de animales como caballos, ciervos, cabras, ocas, etc. que se alternan con las bandas geométricas. Paralelamente, la decoración se complica y se vuelve cada vez más recargada; el pintor se resiste a dejar espacios vacíos y los llena de meandros o esvásticas. Esta fase se denomina horror vacui (miedo al vacío) y no cesará hasta el final del período geométrico.

A mediados de siglo comienzan a aparecer figuras humanas, cuyas representaciones más conocidas son las de los vasos encontrados en Dipylon, uno de los cementerios de Atenas. Los fragmentos de estos grandes vasos funerarios muestran principalmente procesiones de carros o guerreros o de las escenas funerarias: πρόθεσις / prothesis (exposición y lamentación de los muertos) o ἐκφορά / ekphora(transporte del féretro al cementerio). Los cuerpos están representados de forma geométrica a excepción de las pantorrillas, que son bastante protuberantes. En el caso de los soldados, un escudo en forma de diábolo, llamado “escudo dipilónico” por su característico dibujo, cubre la parte central del cuerpo. Las patas y los cuellos de los caballos, las ruedas de los carros están representados uno al lado del otro sin perspectiva. La mano de este pintor, llamado así a falta de firma, es el Maestro Dipylon, podría identificarse en varias piezas, en particular ánforas monumentales.

Al final del período aparecen representaciones de la mitología, probablemente en el momento en que Homero codifica las tradiciones del ciclo troyano en la Ilíada y la Odisea. Aquí sin embargo la interpretación constituye un riesgo para el observador moderno: un enfrentamiento entre dos guerreros puede ser un duelo homérico o un simple combate; un barco fallido puede representar el naufragio de Odiseo o de cualquier marinero desafortunado.

Por último, están las escuelas locales que aparecen en Grecia. La producción de jarrones era en gran medida prerrogativa de Atenas; está bien atestiguado que, como en el período protogeométrico, en Corinto, Beocia, Argos, Creta y Cícladas, los pintores y alfareros se contentaron con seguir el estilo ático. Aproximadamente a partir del siglo VIII a. C., crearon sus propios estilos, especializándose Argos en las escenas figurativas, permaneciendo Creta apegada a una abstracción más estricta.

Estilo orientalizante

El estilo orientalizante fue producto del fermento cultural en el Egeo y el Mediterráneo oriental de los siglos VIII y VII a. Fomentados por los vínculos comerciales con las ciudades-estado de Asia Menor, los artefactos de Oriente influyeron en un arte representativo muy estilizado pero reconocible. Los marfiles, la cerámica y la orfebrería de los principados neohititas del norte de Siria y Fenicia llegaron a Grecia, al igual que los bienes de Anatolia Urartu y Frigia, pero hubo poco contacto con los centros culturales de Egipto o Asiria. El nuevo idioma se desarrolló inicialmente en Corinto (como protocorintio) y luego en Atenas entre el 725 a. C. y el 625 a. C. (como protoático).

Se caracterizó por un vocabulario ampliado de motivos: esfinges, grifos, leones, etc., así como un repertorio de animales no mitológicos dispuestos en frisos en el vientre del jarrón. En estos frisos, los pintores también comenzaron a aplicar lotos o palmetas. Las representaciones de humanos eran relativamente raras. Las que se han encontrado son figuras en silueta con algún detalle inciso, quizás el origen de las figuras de silueta incisa del período de figuras negras. Hay suficientes detalles sobre estas figuras para permitir a los estudiosos discernir varias manos de diferentes artistas. Los rasgos geométricos se mantuvieron en el estilo llamado protocorintio que abrazaba estos experimentos orientalizantes, pero que coexistían con un estilo subgeométrico conservador.

La cerámica de Corinto se exportó a toda Grecia, y su técnica llegó a Atenas, lo que provocó el desarrollo de un idioma menos marcadamente oriental allí. Durante este tiempo descrito como Protoático, aparecen los motivos orientalizantes pero las características siguen siendo poco realistas. Los pintores muestran preferencia por las escenas típicas del Período Geométrico, como procesiones de carros. Sin embargo, adoptan el principio del dibujo lineal para reemplazar la silueta. A mediados del siglo VII a. C. aparece el estilo blanco y negro: figuras negras sobre una zona blanca, acompañadas de policromía para dar el color de la carne o la ropa. La arcilla utilizada en Atenas era mucho más anaranjada que la de Corinto, por lo que no se prestaba tan fácilmente a la representación de la carne. Los pintores orientalizantes del ático incluyen el pintor Analatos,

Creta, y especialmente las islas de las Cícladas, se caracterizan por su atracción por los vasos conocidos como “plásticos”, es decir, aquellos cuya panza o cuello está moldeado en forma de cabeza de animal o de hombre. En Egina, la forma más popular del jarrón de plástico es la cabeza del grifo. Las ánforas melanesias, fabricadas en Paros, exhiben poco conocimiento de los desarrollos corintios. Presentan un marcado gusto por la composición épica y un horror vacui, que se expresa en abundancia de esvásticas y meandros.

Finalmente, se puede identificar el último gran estilo de la época, el estilo de cabra salvaje, asignado tradicionalmente a Rodas debido a un importante descubrimiento dentro de la necrópolis de Kameiros. De hecho, está muy extendido por toda Asia Menor, con centros de producción en Mileto y Quíos. Predominan dos formas, los enocos, que copian modelos de bronce, y los platos, con o sin pies. La decoración se organiza en registros superpuestos en los que animales estilizados, en particular cabras salvajes (de ahí el nombre) se persiguen en frisos. Numerosos motivos decorativos (triángulos florales, esvásticas, etc.) llenan los espacios vacíos.

Técnica de figuras negras

La figura negra es la más comúnmente imaginada cuando uno piensa en la cerámica griega. Fue un estilo popular en la antigua Grecia durante muchos años. El período de figuras negras coincide aproximadamente con la era designada por Winckelmann como arcaico medio a tardío, desde c. 620 a 480 a.C. La técnica de incisión de siluetas de figuras con detalles vivificantes, que ahora llamamos método de figuras negras, fue una invención corintia del siglo VII y se extendió desde allí a otras ciudades-estado y regiones, como Esparta, Beocia, Eubea, las islas del este de Grecia y Atenas.

El tejido corintio, ampliamente estudiado por Humfry Payne y Darrell Amyx, se puede rastrear a través del tratamiento paralelo de figuras animales y humanas. Los motivos animales tienen mayor protagonismo en el vaso y muestran la mayor experimentación en la primera fase de la figura negra corintia. A medida que los artistas corintios ganaron confianza en su interpretación de la figura humana, el friso de animales disminuyó en tamaño en relación con la escena humana durante la fase media a tardía. A mediados del siglo VI a. C., la calidad de la cerámica corintia había disminuido significativamente hasta el punto de que algunos alfareros corintios disfrazaban sus vasijas con un engobe rojo para imitar la cerámica ateniense superior.

En Atenas, los investigadores han encontrado los primeros ejemplos conocidos de pintores de jarrones que firman su trabajo, el primero de los cuales es un dinos de Sophilos (ilust. a continuación, BM c. 580), esto quizás sea un indicativo de su creciente ambición como artistas en la producción del trabajo monumental exigido como lápidas, como por ejemplo con el jarrón François de Kleitias. Muchos eruditos consideran que la mejor obra del estilo pertenece a Exekias y al pintor Amasis, quienes se destacan por su sentido de la composición y la narrativa.

Alrededor del año 520 a. C. se desarrolló la técnica de figuras rojas y fue introducida gradualmente en forma de jarrón bilingüe por el pintor Andokides, Oltos y Psiax. La figura roja eclipsó rápidamente a la figura negra, pero en la forma única del Ánfora Panathanaica, la figura negra continuó utilizándose hasta bien entrado el siglo IV a.

Técnica de figuras rojas

La innovación de la técnica de la figura roja fue un invento ateniense de finales del siglo VI. Era todo lo contrario de la figura negra que tenía un fondo rojo. La capacidad de representar detalles mediante pintura directa en lugar de incisión ofreció nuevas posibilidades expresivas a los artistas, como perfiles de tres cuartos, mayor detalle anatómico y la representación de la perspectiva.

La primera generación de pintores de figuras rojas trabajó tanto con figuras rojas como negras, así como con otros métodos, incluida la técnica de Six y el fondo blanco; este último se desarrolló al mismo tiempo que la figura roja. Sin embargo, dentro de veinte años, la experimentación había dado paso a la especialización, como se ve en los jarrones del Pioneer Group, cuyo trabajo figurativo era exclusivamente de figuras rojas, aunque conservaron el uso de figuras negras para algunas ornamentaciones florales tempranas. Los valores y objetivos compartidos de los pioneros, como Euphronios y Euthymides, indican que se acercaban a un movimiento autoconsciente, aunque no dejaron más testamento que su propio trabajo. John Boardman dijo de la investigación sobre su trabajo que "la reconstrucción de sus carreras, propósito común, incluso rivalidades, puede tomarse como un triunfo arqueológico".

La próxima generación de pintores de vasijas arcaicas tardías (c. 500 a 480 a. C.) aportó un naturalismo cada vez mayor al estilo, como se ve en el cambio gradual del ojo de perfil. Esta fase también ve la especialización de los pintores en pintores de vasijas y tazas, con los Pintores de Berlín y Kleophrades notables en la primera categoría y Douris y Onesimos en la segunda.

Desde la era clásica temprana hasta la alta de la pintura de figuras rojas (c. 480–425 a. C.), se habían desarrollado varias escuelas distintas. Los manieristas asociados con el taller de Myson y ejemplificados por Pan Painter mantienen las características arcaicas de ropajes rígidos y poses incómodas y las combinan con gestos exagerados. Por el contrario, la escuela del Pintor de Berlín en la forma del Pintor de Aquiles y sus compañeros (que pueden haber sido alumnos del Pintor de Berlín) favorecía una pose naturalista generalmente de una sola figura sobre un fondo negro sólido o de lekythoi sobrio de fondo blanco.. Polygnotos y el Kleophon Painter pueden incluirse en la escuela del Niobid Painter, ya que su trabajo indica algo de la influencia de las esculturas del Partenón tanto en el tema (por ejemplo, la centauromaquia de Polygnotos, Bruselas, Musées Royaux A. & Hist.,

Hacia finales de siglo, el estilo "rico" de la escultura ática, como se ve en la balaustrada de Nike, se refleja en la pintura de jarrones contemporáneos con una atención cada vez mayor a los detalles incidentales, como el cabello y las joyas. El Pintor de Meidias suele ser el más identificado con este estilo.

La producción de jarrones en Atenas se detuvo alrededor del 330-320 a. C. posiblemente debido al control de la ciudad por parte de Alejandro Magno, y había estado en lento declive durante el siglo IV junto con la fortuna política de la propia Atenas. Sin embargo, la producción de jarrones continuó en los siglos IV y III en las colonias griegas del sur de Italia, donde se pueden distinguir cinco estilos regionales. Estos son los de Apulia, Lucanian, Sicilia, Campanian y Paestan. El trabajo de figuras rojas floreció allí con la adición distintiva de pintura policromada y, en el caso de la colonia de Panticapeum en el Mar Negro, el trabajo dorado del estilo Kerch. El trabajo de varios artistas notables nos llega, incluido Darius Painter y Underworld Painter, ambos activos a fines del siglo IV. cuyas abarrotadas escenas policromáticas a menudo ensayan una complejidad de emoción no intentada por pintores anteriores. Su trabajo representa una fase manierista tardía para el logro de la pintura de vasijas griegas.

Técnica de fondo blanco

La técnica de fondo blanco se desarrolló a finales del siglo VI a. A diferencia de las técnicas más conocidas de figuras negras y figuras rojas, su coloración no se conseguía mediante la aplicación y cocción de engobes sino mediante el uso de pinturas y dorados sobre una superficie de arcilla blanca. Permitía un mayor nivel de policromía que las otras técnicas, aunque los jarrones terminan siendo menos llamativos visualmente. La técnica adquirió gran importancia durante los siglos V y IV, especialmente en forma de pequeños lekythoi que se convirtieron en típicas ofrendas funerarias. Representantes importantes incluyen a su inventor, el Pintor de Aquiles, así como a Psiax, el Pintor de Pistoxenos y el Pintor de Thanatos.

Relieves y jarrones de plástico

Los jarrones en relieve y de plástico se hicieron particularmente populares en el siglo IV a. C. y continuaron fabricándose en el período helenístico. Se inspiraron en el llamado "estilo rico" desarrollado principalmente en Ática después del 420 a. Las características principales fueron las composiciones de múltiples figuras con el uso de colores añadidos (rosa/rojizo, azul, verde, dorado) y un énfasis en las figuras mitológicas femeninas. El teatro y la interpretación constituyeron una fuente más de inspiración.

El Museo Arqueológico de Delfos tiene algunos ejemplos particularmente buenos de este estilo, incluido un jarrón con Afrodita y Eros. La base es redonda, cilíndrica, y su asa vertical, con bandas, recubierta de color negro. La figura femenina (Afrodita) se representa sentada, ataviada con un himatión. Junto a ella se encuentra una figura masculina, desnuda y alada. Ambas figuras llevan coronas de hojas y su cabello conserva restos de pintura dorada. Los rasgos de sus rostros son estilizados. El jarrón tiene un fondo blanco y mantiene en varias partes los rastros de pintura azulada, verdosa y rojiza. Data del siglo IV a.

En la misma sala se conserva un pequeño lécito con decoración plástica, que representa a una bailarina alada. La figura lleva un tocado persa y un vestido oriental, lo que indica que ya en esa época se habían puesto de moda las bailarinas orientales, posiblemente esclavas. La figura también está cubierta con un color blanco. La altura total del jarrón es de 18 centímetros y data del siglo IV a.

Período helenístico

El período helenístico, iniciado por las conquistas de Alejandro Magno, vio la virtual desaparición de la cerámica de figuras negras y rojas, pero también el surgimiento de nuevos estilos como West Slope Ware en el este, Centuripe Ware en Sicilia y Gnathia. jarrones al oeste. Fuera de la Grecia continental, se desarrollaron otras tradiciones griegas regionales, como las de Magna Graecia con los diversos estilos en el sur de Italia, incluidos Apulia, Lucanian, Paestan, Campanian y Sicilian.

Inscripciones

Las inscripciones en la cerámica griega son de dos tipos; los incisos (los primeros de los cuales son contemporáneos de los comienzos del alfabeto griego en el siglo VIII a. C.), y los pintados, que solo comienzan a aparecer un siglo después. Ambas formas son relativamente comunes en vasijas pintadas hasta el período helenístico cuando la práctica de inscribir vasijas parece desaparecer. Se encuentran, con mucho, con mayor frecuencia en la cerámica ática.

Se pueden distinguir varias subclases de inscripción. Ceramistas y pintores ocasionalmente firmaron sus obras con epoiesen y egraphsenrespectivamente. Las marcas registradas se encuentran desde principios del siglo VI en piezas corintias; estos pueden haber pertenecido a un comerciante exportador en lugar del campo de trabajo de la cerámica y esto sigue siendo una cuestión de conjeturas). Los nombres de los clientes también se registran a veces, al igual que los nombres de los personajes y objetos representados. A veces podemos encontrar un fragmento de diálogo para acompañar una escena, como en 'El caballo de Dysniketos ha ganado', anuncia un heraldo en un ánfora panatenaica (BM, B 144). Más desconcertantes, sin embargo, son las inscripciones kalos y kalee, que podrían haber formado parte del ritual de cortejo en la alta sociedad ateniense, pero que se encuentran en una amplia variedad de vasijas no necesariamente asociadas con un entorno social. Finalmente, hay inscripciones abecedarias y sin sentido, aunque éstas se limitan en gran medida a las vasijas de figuras negras.

Figuritas

Las figurillas griegas de terracota fueron otro tipo importante de cerámica, inicialmente en su mayoría religiosas, pero cada vez más representaban temas puramente decorativos. Las llamadas figurillas de Tanagra, que de hecho también se fabrican en otros lugares, son uno de los tipos más importantes. Las figurillas anteriores solían ser ofrendas votivas en los templos.

Relación con la metalurgia y otros materiales.

Varias vasijas de barro se inspiraron en formas de orfebrería en bronce, plata y, a veces, oro. La élite los usaba cada vez más cuando cenaba, pero no se colocaban en tumbas, donde habrían sido robados, y a menudo se trataban como una reserva de valor para intercambiar como lingotes cuando era necesario. Muy pocas vasijas de metal han sobrevivido ya que en algún momento se fundieron y el metal se reutilizó.

En las últimas décadas, muchos estudiosos han cuestionado la relación convencional entre los dos materiales, y han observado una producción mucho mayor de jarrones pintados de lo que se pensaba anteriormente para colocarlos en las tumbas, como un sustituto más barato de la metalurgia tanto en Grecia como en Etruria. La pintura en sí también puede copiar eso en recipientes de metal más fielmente de lo que se pensaba.

La crátera de Derveni, cerca de Tesalónica, es una gran cráter de voluta de bronce de alrededor del 320 a. C., que pesa 40 kilogramos y está finamente decorada con un friso de figuras en relieve de 32 centímetros de altura que representan a Dioniso rodeado por Ariadna y su procesión de sátiros y ménades..

El nombre del alabastron sugiere alabastro, piedra. También se usó vidrio, principalmente para frascos de perfume pequeños y elegantes, aunque algunos vidrios helenísticos rivalizaban con la metalurgia en calidad y probablemente en precio.