Teoria formalista do cinema

Teoria formalista do cinema é uma abordagem da teoria do cinema focada nos elementos formais ou técnicos de um filme: ou seja, iluminação, trilha sonora, som e cenografia, uso de cores, composição da tomada, e edição. Essa abordagem foi proposta por Hugo Münsterberg, Rudolf Arnheim, Sergei Eisenstein e Béla Balázs. Hoje, é uma abordagem importante nos estudos de cinema.

Visão geral

O formalismo, em sua forma mais geral, considera a síntese (ou falta de síntese) dos múltiplos elementos da produção cinematográfica e os efeitos, emocionais e intelectuais, dessa síntese e dos elementos individuais. Por exemplo, pegue o único elemento de edição. Um formalista pode estudar como a "edição de continuidade" cria um efeito mais reconfortante e a não continuidade ou a edição de jump cut pode se tornar mais desconcertante ou volátil.

Ou pode-se considerar a síntese de vários elementos, como edição, composição de tomada e música. O tiroteio que encerra a trilogia Spaghetti Western Dollars de Sergio Leone é um exemplo notável de como esses elementos trabalham juntos para produzir um efeito: a seleção de tomadas vai de muito ampla a muito próxima e tensa; a duração dos planos diminui à medida que a sequência avança para o final; a música constrói. Todos esses elementos, combinados e não individualmente, criam tensão.

O formalismo é único na medida em que abrange os ramos ideológico e autoral da crítica. Em ambos os casos, o denominador comum da crítica formalista é o estilo. Os ideólogos se concentram em como as pressões socioeconômicas criam um estilo particular, e os autores em como os autores colocam sua própria marca no material. O formalismo se preocupa principalmente com o estilo e como ele comunica ideias, emoções e temas (em vez de, como apontam os críticos do formalismo, concentrar-se nos temas de uma obra em si).

Formalismo ideológico

Dois exemplos de interpretações ideológicas relacionadas ao formalismo:

O cinema clássico de Hollywood tem um estilo muito distinto, às vezes chamado de modo institucional de representação: montagem contínua, cobertura massiva, iluminação de três pontos, "humor" música, dissolve, tudo pensado para tornar a experiência o mais agradável possível. A explicação ideológica socioeconômica para isso é, grosseiramente, que Hollywood quer ganhar tanto dinheiro e atrair o maior número possível de compradores de ingressos.

O filme noir, que recebeu o nome de Nino Frank, é marcado por valores de produção mais baixos, imagens mais escuras, sob iluminação, filmagem em locações e niilismo geral: isso porque, dizem, durante a guerra e o pós-guerra Nos últimos anos, os cineastas (assim como os espectadores) eram geralmente mais pessimistas. Além disso, os expressionistas alemães (incluindo Fritz Lang, que não era tecnicamente um expressionista como se acreditava popularmente) emigraram para a América e trouxeram seus efeitos de iluminação estilizados (e desilusões devido à guerra) para o solo americano.

Pode-se argumentar que, por essa abordagem, o estilo ou 'linguagem' desses filmes é diretamente afetado não pelos indivíduos responsáveis, mas por pressões sociais, econômicas e políticas, das quais os próprios cineastas podem estar cientes ou não. É esse ramo da crítica que nos dá categorias como o cinema clássico de Hollywood, o movimento independente americano, o novo cinema queer e as novas ondas francesa, alemã e tcheca.

Formalismo na teoria do autor

Se a abordagem ideológica está preocupada com movimentos amplos e os efeitos do mundo em torno do cineasta, então a teoria do autor é diametralmente oposta a ela, celebrando o indivíduo, geralmente na pessoa do cineasta, e como sua personalidade decisões, pensamentos e estilo se manifestam no material.

Este ramo da crítica, iniciado por François Truffaut e outros jovens críticos de cinema que escrevem para Cahiers du cinéma, foi criado por duas razões.

Primeiro, foi criado para resgatar a própria arte do cinema. Ao argumentar que os filmes tinham auteurs, ou autores, Truffaut procurou fazer filmes (e seus diretores) pelo menos tão importantes quanto as formas de arte mais amplamente aceitas, como literatura, música e pintura. Cada uma dessas formas de arte, e sua crítica, preocupa-se principalmente com uma única força criativa: o autor de um romance (não, por exemplo, seu editor ou tipógrafo), o compositor de uma peça musical (embora às vezes o os artistas recebem crédito, semelhante aos atores do cinema hoje), ou o pintor de um afresco (não seus assistentes que misturam as cores ou muitas vezes fazem eles mesmos algumas das pinturas). Ao elevar o diretor, e não o roteirista, à mesma importância que os romancistas, compositores ou pintores, buscava libertar o cinema de sua concepção popular de arte bastarda, algo entre o teatro e a literatura.

Em segundo lugar, procurou redimir muitos cineastas que foram menosprezados pelos críticos de cinema convencionais. Argumentou que os cineastas de gênero e os filmes B de baixo orçamento eram tão importantes, senão mais, do que os filmes de prestígio que geralmente recebiam mais imprensa e legitimidade na França e nos Estados Unidos. De acordo com a teoria de Truffaut, os autores pegaram o material que estava abaixo de seus talentos - um thriller, um filme de ação polpudo, um romance - e, por meio de seu estilo, colocaram sua marca pessoal nele.