Teatro musical

O Preto Crook foi um hit musical na Broadway em 1866.

Teatro musical é uma forma de representação teatral que combina canções, diálogos falados, atuação e dança. A história e o conteúdo emocional de um musical - humor, pathos, amor, raiva - são comunicados por meio de palavras, música, movimento e aspectos técnicos do entretenimento como um todo integrado. Embora o teatro musical se sobreponha a outras formas teatrais como a ópera e a dança, pode ser distinguido pela igual importância dada à música em comparação com o diálogo, o movimento e outros elementos. Desde o início do século 20, as obras de palco do teatro musical geralmente são chamadas simplesmente de musicais.

Embora a música tenha feito parte das apresentações dramáticas desde os tempos antigos, o teatro musical ocidental moderno surgiu durante o século XIX, com muitos elementos estruturais estabelecidos pelas obras de Gilbert e Sullivan na Grã-Bretanha e as de Harrigan e Hart na América. Seguiram-se as comédias musicais eduardianas, que surgiram na Grã-Bretanha, e as obras de teatro musical de criadores americanos como George M. Cohan na virada do século XX. Os musicais do Princess Theatre (1915–1918) foram passos artísticos além das revistas e outros entretenimentos espumosos do início do século 20 e levaram a obras inovadoras como Show Boat (1927), Of Thee Eu canto (1931) e Oklahoma! (1943). Alguns dos musicais mais famosos nas décadas seguintes incluem My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Os Miseráveis (1985), O Fantasma da Ópera (1986), Rent (1996), Wicked (2003) e Hamilton (2015).

Os musicais são apresentados em todo o mundo. Eles podem ser apresentados em grandes locais, como produções de grande orçamento da Broadway ou do West End na cidade de Nova York ou Londres. Como alternativa, os musicais podem ser encenados em locais menores, como off-Broadway, off-off-Broadway, teatro regional, teatro marginal ou produções de teatro comunitário ou em turnê. Os musicais são frequentemente apresentados por grupos amadores e escolares em igrejas, escolas e outros espaços de atuação. Além dos Estados Unidos e da Grã-Bretanha, há vibrantes cenas de teatro musical na Europa continental, Ásia, Australásia, Canadá e América Latina.

Definições e escopo

Livro de musicais

Uma menina gaiety (1893) foi um dos primeiros musicais de sucesso

Desde o século 20, o "livro musical" foi definida como uma peça musical onde as canções e danças são totalmente integradas em uma história bem feita com objetivos dramáticos sérios e que é capaz de evocar emoções genuínas além do riso. Os três principais componentes de um livro musical são sua música, letras e livro. O livro ou roteiro de um musical refere-se à história, desenvolvimento do personagem e estrutura dramática, incluindo o diálogo falado e as direções do palco, mas também pode se referir ao diálogo e à letra juntos, que às vezes são chamados de libreto (italiano para "pequeno livro"). A música e as letras juntas formam a partitura de um musical e incluem canções, música incidental e cenas musicais, que são "sequências teatrais definidas para música, muitas vezes combinando música com diálogos falados". " A interpretação de um musical é da responsabilidade da sua equipa criativa, que inclui um realizador, um diretor musical, normalmente um coreógrafo e por vezes um orquestrador. A produção de um musical também é caracterizada criativamente por aspectos técnicos, como cenografia, figurinos, propriedades cênicas (adereços), iluminação e som. A equipe criativa, os designs e as interpretações geralmente mudam da produção original para as produções sucessivas. Alguns elementos da produção, no entanto, podem ser retidos da produção original, por exemplo, a coreografia de Bob Fosse em Chicago.

Não há duração fixa para um musical. Embora possa variar de um entretenimento curto de um ato a vários atos e várias horas de duração (ou mesmo uma apresentação de várias noites), a maioria dos musicais varia de uma hora e meia a três horas. Os musicais são geralmente apresentados em dois atos, com um curto intervalo, e o primeiro ato é freqüentemente mais longo que o segundo. O primeiro ato geralmente apresenta quase todos os personagens e a maior parte da música e geralmente termina com a introdução de um conflito dramático ou complicação na trama, enquanto o segundo ato pode apresentar algumas novas canções, mas geralmente contém reprises de temas musicais importantes e resolve o conflito. ou complicação. Um livro musical é geralmente construído em torno de quatro a seis temas principais que são reprisados posteriormente no show, embora às vezes consista em uma série de canções não diretamente relacionadas musicalmente. O diálogo falado é geralmente intercalado entre números musicais, embora o "diálogo cantado" ou recitativo pode ser usado, especialmente nos chamados "sung-through" musicais como Jesus Christ Superstar, Falsettos, Os Miseráveis, Evita e Hamilton. Vários musicais mais curtos na Broadway e no West End no século 21 foram apresentados em um ato.

Os momentos de maior intensidade dramática em um livro musical são muitas vezes executados em forma de canção. Proverbialmente, "quando a emoção se torna forte demais para ser falada, você canta; quando fica forte demais para a música, você dança." Em um livro musical, uma música é idealmente elaborada para se adequar ao personagem (ou personagens) e sua situação dentro da história; embora tenha havido momentos na história do musical (por exemplo, das décadas de 1890 a 1920) em que essa integração entre música e história foi tênue. Como o crítico do The New York Times, Ben Brantley, descreveu o ideal da música no teatro ao revisar o renascimento de Gypsy em 2008: "Não há nenhuma separação entre música e personagem, que é o que acontece naqueles momentos incomuns em que os musicais se elevam para alcançar suas razões ideais de ser." Normalmente, muito menos palavras são cantadas em uma música de cinco minutos do que faladas em um bloco de diálogo de cinco minutos. Portanto, há menos tempo para desenvolver o drama em um musical do que em uma peça direta de duração equivalente, já que um musical costuma dedicar mais tempo à música do que ao diálogo. Dentro da natureza comprimida de um musical, os escritores devem desenvolver os personagens e o enredo.

O material apresentado em um musical pode ser original, ou pode ser adaptado de romances (Wicked e Man of La Mancha), peças de teatro (Olá, Dolly! e Carrossel), lendas clássicas (Camelot), eventos históricos (Evita) ou filmes (Os Produtores e Billy Elliot). Por outro lado, muitas obras musicais de sucesso foram adaptadas para filmes musicais, como West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music i>, Oliver! e Chicago.

Comparações com a ópera

George Gershwin

O teatro musical está intimamente relacionado com a forma teatral da ópera, mas os dois são normalmente distinguidos pela ponderação de vários fatores. Primeiro, os musicais geralmente têm um foco maior no diálogo falado. Alguns musicais, no entanto, são inteiramente acompanhados e cantados, enquanto algumas óperas, como Die Zauberflöte, e a maioria das operetas, têm alguns diálogos desacompanhados. Em segundo lugar, os musicais geralmente incluem mais dança como parte essencial da narrativa, principalmente pelos atores principais e também pelo coro. Em terceiro lugar, os musicais costumam usar vários gêneros de música popular ou, pelo menos, canto popular e estilos musicais.

Finalmente, os musicais geralmente evitam certas convenções operísticas. Em particular, um musical é quase sempre executado na língua de seu público. Os musicais produzidos na Broadway ou no West End, por exemplo, são invariavelmente cantados em inglês, mesmo que tenham sido originalmente escritos em outro idioma. Enquanto um cantor de ópera é principalmente um cantor e apenas secundariamente um ator (e raramente precisa dançar), um artista de teatro musical geralmente é primeiro ator, mas também deve ser cantor e dançarino. Alguém que é igualmente realizado em todos os três é referido como uma "ameaça tripla". Compositores de música para musicais geralmente consideram as demandas vocais de papéis com artistas de teatro musical em mente. Hoje, os grandes teatros que encenam musicais geralmente usam microfones e amplificação do som dos atores. cantando vozes de uma forma que geralmente seria desaprovada em um contexto operístico.

Algumas obras (por exemplo, de George Gershwin, Leonard Bernstein e Stephen Sondheim) foram transformadas em "teatro musical" e "operático" produções. Da mesma forma, algumas operetas mais antigas ou óperas leves (como Os Piratas de Penzance de Gilbert e Sullivan) foram produzidas em adaptações modernas que as tratam como musicais. Para algumas obras, os estilos de produção são quase tão importantes quanto o conteúdo musical ou dramático da obra na definição de qual forma de arte a peça se enquadra. Sondheim disse: "Eu realmente acho que quando algo toca na Broadway é um musical, e quando toca em uma casa de ópera é uma ópera". É isso. É o terreno, o campo, as expectativas do público que fazem disso uma coisa ou outra." Permanece uma sobreposição na forma entre formas operísticas mais leves e musicais musicalmente mais complexos ou ambiciosos. Na prática, muitas vezes é difícil distinguir entre os vários tipos de teatro musical, incluindo "peça musical", "comédia musical", "opereta" e "ópera leve".

Assim como a ópera, o canto no teatro musical é geralmente acompanhado por um conjunto instrumental chamado de fosso orquestra, localizado em uma área rebaixada em frente ao palco. Enquanto a ópera normalmente usa uma orquestra sinfônica convencional, os musicais geralmente são orquestrados para conjuntos que variam de 27 músicos a apenas alguns músicos. Os musicais de rock geralmente empregam um pequeno grupo de instrumentos principalmente de rock, e alguns musicais podem exigir apenas um piano ou dois instrumentos. A música em musicais usa uma variedade de "estilos e influências, incluindo opereta, técnicas clássicas, música folclórica, jazz [e] estilos locais ou históricos [que] são apropriados para o cenário". Os musicais podem começar com uma abertura tocada pela orquestra que "entrelaça trechos das famosas melodias da partitura".

Tradições orientais e outras formas

Artistas de ópera chinesa

Existem várias tradições orientais de teatro que incluem música, como ópera chinesa, ópera taiwanesa, Noh japonês e teatro musical indiano, incluindo drama sânscrito, dança clássica indiana, teatro parsi e Yakshagana. A Índia produziu, desde o século 20, vários filmes musicais, conhecidos como "Bollywood" musicais e, no Japão, uma série de musicais 2.5D baseados em animes e mangás populares se desenvolveu nas últimas décadas.

Mais curto ou simplificado "júnior" versões de muitos musicais estão disponíveis para escolas e grupos de jovens, e obras muito curtas criadas ou adaptadas para apresentação por crianças são às vezes chamadas de minimusicais.

História

Antecedentes iniciais

Os antecedentes do teatro musical na Europa remontam ao teatro da Grécia antiga, onde a música e a dança foram incluídas em comédias e tragédias teatrais durante o século V aC. A música das formas antigas se perdeu, entretanto, e elas tiveram pouca influência no desenvolvimento posterior do teatro musical. Nos séculos XII e XIII, os dramas religiosos ensinavam a liturgia. Grupos de atores usariam vagões de desfile ao ar livre (palcos sobre rodas) para contar cada parte da história. As formas poéticas às vezes se alternavam com os diálogos em prosa, e os cantos litúrgicos davam lugar a novas melodias.

Uma vista de Rodes de John Webb, para ser pintado em um backshutter para o primeiro desempenho de O Cerco de Rodes (1656)

O Renascimento europeu viu as formas mais antigas evoluirem para dois antecedentes do teatro musical: a commedia dell'arte, onde palhaços estridentes improvisavam histórias familiares e, mais tarde, a ópera buffa. Na Inglaterra, as peças elisabetanas e jacobinas frequentemente incluíam música, e peças musicais curtas começaram a ser incluídas nas apresentações noturnas. divertimentos dramáticos. As máscaras da corte se desenvolveram durante o período Tudor que envolvia música, dança, canto e atuação, muitas vezes com trajes caros e um design de palco complexo. Estes desenvolveram-se em peças cantadas que são reconhecíveis como óperas inglesas, sendo a primeira geralmente considerada como O Cerco de Rodes (1656). Enquanto isso, na França, Molière transformou várias de suas comédias farsescas em entretenimento musical com canções (música fornecida por Jean-Baptiste Lully) e dança no final do século XVII. Isso influenciou um breve período da ópera inglesa de compositores como John Blow e Henry Purcell.

A partir do século 18, as formas mais populares de teatro musical na Grã-Bretanha eram as óperas baladas, como a The Beggar's Opera de John Gay, que incluía letras escritas para as melodias de canções populares da época (muitas vezes falsificando a ópera) e, mais tarde, a pantomima, que se desenvolveu a partir da commedia dell'arte, e a ópera cômica com enredos principalmente românticos, como The Bohemian Girl de Michael Balfe i> (1845). Enquanto isso, no continente, surgiam singspiel, comédie en vaudeville, opéra comique, zarzuela e outras formas de entretenimento musical leve. The Beggar's Opera foi a primeira peça de longa duração registrada de qualquer tipo, tendo 62 apresentações consecutivas em 1728. Levaria quase um século depois para que qualquer peça quebrasse 100 apresentações, mas o recorde logo atingiu 150 no final da década de 1820. Outras formas de teatro musical se desenvolveram na Inglaterra no século XIX, como music hall, melodrama e burletta, que se popularizaram em parte porque a maioria dos teatros de Londres era licenciada apenas como music halls e não era permitida a apresentação de peças sem música.

A América colonial não teve uma presença teatral significativa até 1752, quando o empresário londrino William Hallam enviou uma companhia de atores para as colônias administradas por seu irmão Lewis. Em Nova York, no verão de 1753, eles apresentaram óperas-baladas, como The Beggar's Opera, e farsas-baladas. Na década de 1840, P. T. Barnum operava um complexo de entretenimento na parte baixa de Manhattan. Outro teatro musical antigo na América consistia em formas britânicas, como burletta e pantomima, mas o nome de uma peça não definia necessariamente o que era. A extravagância da Broadway de 1852 The Magic Deer se anunciava como "A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment". O teatro em Nova York mudou gradualmente do centro para o centro por volta de 1850 e não chegou à área da Times Square até as décadas de 1920 e 1930. As corridas de Nova York ficaram muito atrás das de Londres, mas a "burletta musical" de Laura Keene foi um sucesso. Seven Sisters (1860) quebrou o recorde anterior do teatro musical de Nova York, com 253 apresentações.

1850 a 1880

Poster, c. 1879

Por volta de 1850, o compositor francês Hervé estava experimentando uma forma de teatro musical cômico que chamou de opérette. Os compositores de opereta mais conhecidos foram Jacques Offenbach de 1850 a 1870 e Johann Strauss II nas décadas de 1870 e 1880. As férteis melodias de Offenbach, combinadas com a criatividade de seus libretistas. sátira espirituosa, formou um modelo para o teatro musical que se seguiu. Adaptações das operetas francesas (tocadas em traduções ruins e ousadas), burlescos musicais, music hall, pantomima e burletta dominaram o palco musical de Londres na década de 1870.

Na América, os entretenimentos do teatro musical de meados do século 19 incluíam revistas de variedades cruas, que eventualmente se transformaram em vaudeville, shows de menestréis, que logo cruzaram o Atlântico para a Grã-Bretanha, e o burlesco vitoriano, popularizado pela primeira vez nos EUA por grupos britânicos. Um musical de enorme sucesso que estreou em Nova York em 1866, The Black Crook, foi uma peça de teatro musical original que se conformava com muitas das definições modernas de um musical, incluindo dança e música original que ajudaram a contar a história. A produção espetacular, famosa por seus figurinos minúsculos, teve um recorde de 474 apresentações. No mesmo ano, The Black Domino/Between You, Me and the Post foi o primeiro programa a se autodenominar uma "comédia musical" Os comediantes Edward Harrigan e Tony Hart produziram e estrelaram musicais na Broadway entre 1878 (The Mulligan Guard Picnic) e 1885. Essas comédias musicais apresentavam personagens e situações tiradas da vida cotidiana dos nova-iorquinos. classes mais baixas e representou um passo significativo em direção a uma forma teatral mais legítima. Eles estrelaram cantores de alta qualidade (Lillian Russell, Vivienne Segal e Fay Templeton) em vez das senhoras de reputação questionável que haviam estrelado formas musicais anteriores.

À medida que o transporte melhorou, a pobreza em Londres e Nova York diminuiu e a iluminação pública tornou as viagens noturnas mais seguras, o número de clientes para o crescente número de teatros aumentou enormemente. As peças duravam mais, levando a melhores lucros e melhores valores de produção, e os homens começaram a trazer suas famílias para o teatro. A primeira peça de teatro musical a ultrapassar 500 apresentações consecutivas foi a opereta francesa The Chimes of Normandy em 1878 (705 apresentações). A ópera cômica inglesa adotou muitas das idéias bem-sucedidas da opereta européia, nenhuma com mais sucesso do que a série de mais de uma dúzia de óperas cômicas de longa duração de Gilbert e Sullivan, incluindo H.M.S. Pinafore (1878) e O Mikado (1885). Foram sensações dos dois lados do Atlântico e na Austrália e ajudaram a elevar o padrão do que era considerado um show de sucesso. Esses shows foram projetados para o público familiar, um contraste marcante com os burlescos picantes, shows obscenos de music hall e operetas francesas que às vezes atraíam uma multidão em busca de entretenimento menos saudável. Apenas algumas peças musicais do século XIX ultrapassaram a série de O Mikado, como Dorothy, que estreou em 1886 e estabeleceu um novo recorde com uma série de 931 apresentações. A influência de Gilbert e Sullivan no teatro musical posterior foi profunda, criando exemplos de como "integrar" musicais para que as letras e os diálogos apresentassem uma história coerente. Suas obras foram admiradas e copiadas pelos primeiros autores e compositores de musicais na Grã-Bretanha e na América.

1890 para o novo século

Capa da Pontuação Vocal de Sidney Jones ' A Geisha

A Trip to Chinatown (1891) foi o campeão de longa duração da Broadway (até Irene em 1919), concorrendo a 657 apresentações, mas Nova York concorre continuou a ser relativamente curto, com algumas exceções, em comparação com as corridas de Londres, até a década de 1920. Gilbert e Sullivan foram amplamente pirateados e também imitados em Nova York por produções como Robin Hood (1891) de Reginald De Koven e El Capitan (1896). A Trip to Coontown (1898) foi a primeira comédia musical inteiramente produzida e interpretada por afro-americanos na Broadway (em grande parte inspirada nas rotinas dos shows de menestréis), seguida por shows com toques de ragtime. Centenas de comédias musicais foram encenadas na Broadway na década de 1890 e no início do século 20, compostas de canções escritas no Tin Pan Alley de Nova York, incluindo aquelas de George M. Cohan, que trabalhou para criar um estilo americano distinto do Gilbert e Sullivan trabalha. Os shows de maior sucesso em Nova York eram frequentemente seguidos por extensas turnês nacionais.

Enquanto isso, os musicais tomaram conta dos palcos londrinos nos anos noventa, liderados pelo produtor George Edwardes, que percebeu que o público queria uma nova alternativa às óperas cômicas estilo Savoy e sua sátira intelectual, política e absurda. Ele experimentou um estilo de teatro musical familiar e moderno, com canções populares e alegres, brincadeiras românticas e rápidas e espetáculos elegantes no Gaiety e em seus outros teatros. Estes se inspiraram nas tradições da ópera cômica e usaram elementos do burlesco e das peças de Harrigan e Hart. Ele substituiu as mulheres obscenas do burlesco por sua "respeitável" corpo de Gaiety Girls para completar a diversão musical e visual. O sucesso do primeiro deles, In Town (1892) e A Gaiety Girl (1893) definiu o estilo para as três décadas seguintes. Os enredos eram geralmente leves, românticos "pobre donzela ama aristocrata e o vence contra todas as probabilidades" shows, com música de Ivan Caryll, Sidney Jones e Lionel Monckton. Esses shows foram imediatamente amplamente copiados na América, e a comédia musical eduardiana varreu as formas musicais anteriores de ópera cômica e opereta. The Geisha (1896) foi um dos mais bem sucedidos na década de 1890, funcionando por mais de dois anos e alcançando grande sucesso internacional.

The Belle of New York (1898) tornou-se o primeiro musical americano a passar mais de um ano em Londres. A comédia musical britânica Florodora (1899) foi um sucesso popular em ambos os lados do Atlântico, assim como A Chinese Honeymoon (1901), que alcançou o recorde de 1.074 apresentações em Londres e 376 em Nova York. Após a virada do século 20, Seymour Hicks uniu forças com Edwardes e o produtor americano Charles Frohman para criar outra década de shows populares. Outros sucessos duradouros da comédia musical eduardiana incluem The Arcadians (1909) e The Quaker Girl (1910).

Início do século 20

Victor Herbert

Virtualmente eliminadas do palco de língua inglesa pela competição das onipresentes comédias musicais eduardianas, as operetas retornaram a Londres e à Broadway em 1907 com The Merry Widow, e as adaptações de operetas continentais tornaram-se concorrentes diretas dos musicais. Franz Lehár e Oscar Straus compuseram novas operetas que foram populares em inglês até a Primeira Guerra Mundial. Na América, Victor Herbert produziu uma série de operetas duradouras, incluindo The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) e Naughty Marietta (1910).

Na década de 1910, a equipe de P. G. Wodehouse, Guy Bolton e Jerome Kern, seguindo os passos de Gilbert e Sullivan, criou os "espetáculos do Princess Theatre" e abriu caminho para o trabalho posterior de Kern, mostrando que um musical poderia combinar entretenimento leve e popular com continuidade entre sua história e canções. O historiador Gerald Bordman escreveu:

Estes shows construíram e poliram o molde do qual quase todas as principais comédias musicais mais tarde evoluíram.... Os personagens e situações foram, dentro das limitações da licença de comédia musical, crível e o humor veio das situações ou da natureza dos personagens. As melodias extremamente fluentes de Kern foram empregadas para promover a ação ou desenvolver a caracterização.... [Edwardian] comédia musical foi muitas vezes culpado de inserir músicas de forma hit-or-miss. Os musicais do Princess Theatre trouxeram uma mudança de abordagem. P. G. Wodehouse, o mais observador, literato e letrista espirituoso de seu dia, e a equipe de Bolton, Wodehouse e Kern teve uma influência sentida até hoje.

O público que frequentava o teatro precisava de entretenimento escapista durante os tempos sombrios da Primeira Guerra Mundial, e eles se aglomeraram no teatro. O musical de sucesso de 1919 Irene teve 670 apresentações, um recorde da Broadway que se manteve até 1938. O público teatral britânico apoiou apresentações muito mais longas como a de The Maid of the Mountains (1.352 performances) e especialmente Chu Chin Chow. Sua série de 2.238 apresentações foi mais do que o dobro de qualquer musical anterior, estabelecendo um recorde que durou quase quarenta anos. Mesmo uma remontagem da The Beggar's Opera ocupou o palco para 1.463 apresentações. Revistas como The Bing Boys Are Here na Grã-Bretanha, e as de Florenz Ziegfeld e seus imitadores na América, também foram extraordinariamente populares.

Partitura de música Sally., 1920

Os musicais dos loucos anos 20, emprestados do vaudeville, music hall e outros entretenimentos leves, tendiam a enfatizar grandes rotinas de dança e canções populares em detrimento do enredo. Típico da década foram produções alegres como Sally; Senhora, Seja Boa; Não, não, Nanette; Ah, Kay!; e Cara Engraçada. Apesar das histórias esquecíveis, esses musicais apresentavam estrelas como Marilyn Miller e Fred Astaire e produziram dezenas de canções populares duradouras de Kern, George e Ira Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter e Rodgers e Hart. A música popular era dominada pelos padrões do teatro musical, como "Fascinating Rhythm", "Tea for Two" e "Alguém para cuidar de mim". Muitos shows eram revistas, séries de esquetes e canções com pouca ou nenhuma conexão entre si. Os mais conhecidos deles eram os Ziegfeld Follies anuais, espetáculos espetaculares de música e dança na Broadway com cenários extravagantes, fantasias elaboradas e lindas coristas. Esses espetáculos também aumentavam os valores de produção e a montagem de um musical geralmente se tornava mais cara. Shuffle Along (1921), um show totalmente afro-americano foi um sucesso na Broadway. Uma nova geração de compositores de operetas também surgiu na década de 1920, como Rudolf Friml e Sigmund Romberg, para criar uma série de sucessos populares da Broadway.

Em Londres, escritores-estrelas como Ivor Novello e Noël Coward se tornaram populares, mas a primazia do teatro musical britânico do século 19 até 1920 foi gradualmente substituída pela inovação americana, especialmente após a Primeira Guerra Mundial, como Kern e outros Tin Os compositores do Pan Alley começaram a trazer novos estilos musicais, como ragtime e jazz, para os teatros, e os Shubert Brothers assumiram o controle dos teatros da Broadway. O escritor de teatro musical Andrew Lamb observa: “Os estilos operístico e teatral das estruturas sociais do século XIX foram substituídos por um estilo musical mais adequado à sociedade do século XX e seu idioma vernáculo”. Foi na América que o estilo mais direto emergiu, e na América que ele foi capaz de florescer em uma sociedade em desenvolvimento menos obcecada pela tradição do século XIX”. Na França, a comédie musicale foi escrita nas primeiras décadas do século para estrelas como Yvonne Printemps.

Show Boat e a Grande Depressão

Progredindo muito além dos comparativamente frívolos musicais e operetas sentimentais da década, Show Boat da Broadway (1927) representou uma integração ainda mais completa de livro e partitura do que os musicais do Princess Theatre, com temas dramáticos contados através da música, diálogo, cenário e movimento. Isso foi conseguido combinando o lirismo da música de Kern com o habilidoso libreto de Oscar Hammerstein II. Um historiador escreveu: “Aqui chegamos a um gênero completamente novo – a peça musical distinta da comédia musical”. Agora... todo o resto era subserviente àquela peça. Agora... veio a integração completa de música, humor e números de produção em uma única e inextricável entidade artística."

Rodgers e Hart

Com o início da Grande Depressão durante a turnê nacional pós-Broadway de Show Boat, o público voltou-se para o entretenimento leve e escapista de música e dança. O público de ambos os lados do Atlântico tinha pouco dinheiro para gastar em entretenimento, e apenas alguns shows em qualquer lugar ultrapassaram uma série de 500 apresentações durante a década. A revista The Band Wagon (1931) estrelou os parceiros de dança Fred Astaire e sua irmã Adele, enquanto Anything Goes (1934) de Porter confirmou a de Ethel Merman posição como a primeira-dama do teatro musical, título que manteve por muitos anos. Coward e Novello continuaram a apresentar musicais antiquados e sentimentais, como The Dancing Years, enquanto Rodgers e Hart voltaram de Hollywood para criar uma série de shows de sucesso na Broadway, incluindo On Your Toes i> (1936, com Ray Bolger, o primeiro musical da Broadway a fazer uso dramático da dança clássica), Babes in Arms (1937) e The Boys from Syracuse (1938). Porter adicionou Du Barry Was a Lady (1939). A peça de teatro musical mais antiga da década de 1930 nos Estados Unidos foi Hellzapoppin (1938), uma revista com a participação do público, que teve 1.404 apresentações, estabelecendo um novo recorde da Broadway. Na Grã-Bretanha, Me and My Girl teve 1.646 apresentações.

Ainda assim, algumas equipes criativas começaram a construir no Show Boat's inovações. Of Thee I Sing (1931), uma sátira política dos Gershwins, foi o primeiro musical a receber o Prêmio Pulitzer. As Thousand Cheer (1933), uma revista de Irving Berlin e Moss Hart em que cada música ou esquete era baseada em uma manchete de jornal, marcou o primeiro show da Broadway em que uma afro-americana, Ethel Waters, estrelou ao lado de atores brancos. Águas' os números incluíam "Hora da Ceia", o lamento de uma mulher pelo marido que foi linchado. Os Gershwins' Porgy and Bess (1935) apresentou um elenco totalmente afro-americano e uma mistura de idiomas operísticos, folk e jazz. The Cradle Will Rock (1937), dirigido por Orson Welles, foi uma peça altamente política pró-sindicato que, apesar da polêmica em torno dela, teve 108 apresentações. Rodgers e Hart's I'd Rather Be Right (1937) foi uma sátira política com George M. Cohan como presidente Franklin D. Roosevelt, e Kurt Weill's Knickerbocker Holiday retratou o início da história da cidade de Nova York enquanto satirizava com bom humor as boas intenções de Roosevelt.

O filme lançou um desafio para o palco. Os filmes mudos apresentavam apenas uma competição limitada, mas no final da década de 1920, filmes como The Jazz Singer podiam ser apresentados com som sincronizado. "Talkie" filmes a preços baixos acabaram com o vaudeville no início dos anos 1930. Apesar dos problemas econômicos da década de 1930 e da competição do cinema, o musical sobreviveu. Na verdade, continuou a evoluir tematicamente além dos musicais gags e showgirls dos Gay Nineties e Roaring Twenties e o romance sentimental da opereta, adicionando conhecimento técnico e o ritmo acelerado estilo de encenação e diálogo naturalista liderado pelo diretor George Abbott.

A Era de Ouro (décadas de 1940 a 1960)

Rodgers e Hammerstein (à esquerda e à direita) e Irving Berlin (centro) no St. James Theatre em 1948

Década de 1940

A década de 1940 começaria com mais sucessos de Porter, Irving Berlin, Rodgers e Hart, Weill e Gershwin, alguns com mais de 500 apresentações enquanto a economia se recuperava, mas a mudança artística estava no ar.

Rodgers e Hammerstein Oklahoma! (1943) completou a revolução iniciada por Show Boat, integrando fortemente todos os aspectos do teatro musical, com um coeso enredo, canções que promoviam a ação da história e apresentavam balés de sonho e outras danças que avançavam o enredo e desenvolviam os personagens, em vez de usar a dança como desculpa para desfilar mulheres seminuas pelo palco. Rodgers e Hammerstein contrataram a coreógrafa de balé Agnes de Mille, que usava movimentos cotidianos para ajudar os personagens a expressar suas ideias. Ele desafiou as convenções musicais ao levantar a cortina do primeiro ato não para um bando de coristas, mas sim para uma mulher batendo manteiga, com uma voz fora do palco cantando as linhas de abertura de Oh, What a Beautiful Mornin' desacompanhado. Ele atraiu ótimas críticas, desencadeou um frenesi de bilheteria e recebeu um Prêmio Pulitzer. Brooks Atkinson escreveu no The New York Times que o número de abertura do show mudou a história do teatro musical: "Depois de um verso como esse, cantado com uma melodia alegre, as banalidades de o antigo palco musical tornou-se intolerável." Foi o primeiro "blockbuster" Show da Broadway, com um total de 2.212 apresentações, e foi transformado em um filme de sucesso. Continua sendo um dos projetos da equipe produzidos com mais frequência. William A. Everett e Paul R. Laird escreveram que este foi um "show, que, como Show Boat, tornou-se um marco, de modo que historiadores posteriores escreveram sobre momentos importantes do teatro do século XX. começaria a identificar eras de acordo com sua relação com Oklahoma!".

Mary Martin estrelou em vários sucessos da Broadway desta época

"Depois de Oklahoma!, Rodgers e Hammerstein foram os contribuidores mais importantes para a forma de jogo musical... Os exemplos que deram na criação de peças vitais, muitas vezes ricas em pensamento social, forneceu o incentivo necessário para outros escritores talentosos criarem suas próprias peças musicais'. Os dois colaboradores criaram uma coleção extraordinária de alguns dos clássicos mais amados e duradouros do teatro musical, incluindo Carrossel (1945), South Pacific (1949), O Rei e Eu (1951) e A Noviça Rebelde (1959). Alguns desses musicais tratam de assuntos mais sérios do que a maioria dos shows anteriores: o vilão em Oklahoma! é um suspeito de assassinato e psicopata com uma predileção por cartões postais obscenos; Carousel lida com abuso conjugal, roubo, suicídio e vida após a morte; South Pacific explora a miscigenação ainda mais profundamente do que Show Boat; e o herói de O Rei e Eu morre no palco.

A criatividade do programa estimulou os contemporâneos de Rodgers e Hammerstein e deu início à "Era de Ouro" do teatro musical americano. Americana foi exibida na Broadway durante a "Era de Ouro", quando o ciclo de shows da guerra começou a chegar. Um exemplo disso é On the Town (1944), escrito por Betty Comden e Adolph Green, composto por Leonard Bernstein e coreografado por Jerome Robbins. A história se passa durante a guerra e diz respeito a três marinheiros que estão em uma licença de 24 horas na cidade de Nova York, durante a qual cada um se apaixona. O espetáculo também dá a impressão de um país com futuro incerto, como também os marinheiros e suas mulheres. Irving Berlin usou a carreira da atiradora de elite Annie Oakley como base para seu Annie Get Your Gun (1946, 1.147 apresentações); Burton Lane, E. Y. Harburg e Fred Saidy combinaram a sátira política com o capricho irlandês para sua fantasia Finian's Rainbow (1947, 725 apresentações); e Cole Porter encontrou inspiração em A Megera Domada de William Shakespeare para Kiss Me, Kate (1948, 1.077 apresentações). Os musicais americanos superaram os shows antiquados do estilo britânico Coward / Novello, um dos últimos grandes sucessos dos quais foi Perchance to Dream de Novello (1945, 1.021 apresentações). A fórmula para os musicais da Era de Ouro refletia uma ou mais das quatro percepções amplamente difundidas do "sonho americano": que a estabilidade e o valor derivam de um relacionamento amoroso sancionado e restrito pelos ideais protestantes de casamento; que um casal deve fazer um lar moral com filhos longe da cidade em um subúrbio ou cidade pequena; que a função da mulher era de dona de casa e mãe; e que os americanos incorporam um espírito independente e pioneiro ou que seu sucesso é self-made.

Década de 1950

Julie Andrews com Richard Burton em Camelot (1960)

A década de 1950 foi crucial para o desenvolvimento do musical americano. Os personagens ecléticos de Damon Runyon estavam no centro das histórias de Frank Loesser e Abe Burrows. Guys and Dolls, (1950, 1.200 apresentações); e a corrida do ouro foi o cenário para Paint Your Wagon de Alan Jay Lerner e Frederick Loewe (1951). A duração relativamente breve de sete meses desse show não desencorajou Lerner e Loewe de colaborarem novamente, desta vez em My Fair Lady (1956), uma adaptação de George Bernard Shaw's Pygmalion estrelado por Rex Harrison e Julie Andrews, que em 2.717 apresentações manteve o recorde de longa duração por muitos anos. Filmes populares de Hollywood foram feitos de todos esses musicais. Dois sucessos de criadores britânicos nesta década foram The Boy Friend (1954), que teve 2.078 apresentações em Londres e marcou o sucesso de Andrews. Estreia americana e Salad Days (1954), que quebrou o recorde britânico de longa duração com 2.283 apresentações.

Outro recorde foi estabelecido por The Threepenny Opera, que teve 2.707 apresentações, tornando-se o musical off-Broadway mais antigo até The Fantasticks. A produção também inovou ao mostrar que os musicais poderiam ser lucrativos fora da Broadway em um formato de pequena orquestra em pequena escala. Isso foi confirmado em 1959, quando um renascimento de Leave It to Jane de Jerome Kern e P. G. Wodehouse durou mais de dois anos. A temporada off-Broadway de 1959–1960 incluiu uma dúzia de musicais e revistas, incluindo Little Mary Sunshine, The Fantasticks e Ernest in Love, uma adaptação musical do sucesso de Oscar Wilde de 1895 A importância de ser sincero.

Leonard Bernstein, 1971

West Side Story (1957) transportou Romeu e Julieta para a moderna cidade de Nova York e converteu as rivais famílias Montague e Capulet em gangues étnicas opostas, os Jets e os Tubarões. O livro foi adaptado por Arthur Laurents, com música de Leonard Bernstein e letras do recém-chegado Stephen Sondheim. Foi abraçado pela crítica, mas falhou em ser uma escolha popular para as "damas da matinê de cabelos azuis", que preferiram a pequena cidade de River City, Iowa, de Meredith Willson's The Music Man (1957) para os becos do Upper West Side de Manhattan. Aparentemente, os eleitores do Tony Award pensavam da mesma forma, já que preferiam o primeiro em detrimento do segundo. West Side Story teve uma sequência respeitável de 732 apresentações (1.040 no West End), enquanto The Music Man teve quase o dobro do tempo, com 1.375 apresentações. No entanto, o filme de 1961 de West Side Story foi extremamente bem-sucedido. Laurents e Sondheim se uniram novamente para Gypsy (1959, 702 apresentações), com Jule Styne fornecendo a música para uma história de bastidores sobre a mãe de palco mais motivada de todos os tempos, a stripper Gypsy Rose Lee'. s mãe Rose. A produção original teve 702 apresentações e recebeu quatro reavivamentos subsequentes, com Angela Lansbury, Tyne Daly, Bernadette Peters e Patti LuPone posteriormente assumindo o papel que ficou famoso por Ethel Merman.

Embora diretores e coreógrafos tenham tido uma grande influência no estilo de teatro musical desde pelo menos o século 19, George Abbott e seus colaboradores e sucessores tiveram um papel central na integração total do movimento e da dança nas produções de teatro musical na Era de Ouro. Abbott introduziu o balé como um dispositivo de contar histórias em On Your Toes em 1936, que foi seguido pelo balé e coreografia de Agnes de Mille em Oklahoma!. Depois que Abbott colaborou com Jerome Robbins em On the Town e outros shows, Robbins combinou os papéis de diretor e coreógrafo, enfatizando o poder de contar histórias da dança em West Side Story, Aconteceu uma Coisa Engraçada no Caminho do Fórum (1962) e Um Violinista no Telhado (1964). Bob Fosse coreografou para Abbott em The Pajama Game (1956) e Damn Yankees (1957), injetando sexualidade lúdica nesses sucessos. Mais tarde, ele foi o diretor-coreógrafo de Sweet Charity (1968), Pippin (1972) e Chicago (1975). Outros diretores-coreógrafos notáveis incluem Gower Champion, Tommy Tune, Michael Bennett, Gillian Lynne e Susan Stroman. Diretores proeminentes incluíram Hal Prince, que também começou na Abbott, e Trevor Nunn.

Durante a Era de Ouro, as empresas automotivas e outras grandes corporações começaram a contratar talentos da Broadway para escrever musicais corporativos, shows privados vistos apenas por seus funcionários ou clientes. A década de 1950 terminou com o último sucesso de Rodgers e Hammerstein, The Sound of Music, que também se tornou outro sucesso de Mary Martin. Teve 1.443 apresentações e dividiu o prêmio Tony de Melhor Musical. Juntamente com sua versão cinematográfica de 1965, extremamente bem-sucedida, tornou-se um dos musicais mais populares da história.

Década de 1960

Em 1960, The Fantasticks foi produzido pela primeira vez fora da Broadway. Este show alegórico íntimo seria silenciosamente executado por mais de 40 anos no Sullivan Street Theatre em Greenwich Village, tornando-se de longe o musical mais antigo da história. Seus autores produziram outras obras inovadoras na década de 1960, como Celebration e I Do! I Do!, o primeiro musical da Broadway com dois personagens. A década de 1960 veria vários sucessos de bilheteria, como Fiddler on the Roof (1964; 3.242 apresentações), Hello, Dolly! (1964; 2.844 apresentações), Funny Girl (1964; 1.348 apresentações) e Man of La Mancha (1965; 2.328 apresentações), e algumas peças mais picantes como Cabaret, antes de terminar com o surgimento da música rock. Na Grã-Bretanha, Oliver! (1960) teve 2.618 apresentações, mas o campeão da década foi The Black and White Minstrel Show (1962), que tocou por 4.344 apresentações. Dois homens tiveram um impacto considerável na história do teatro musical a partir desta década: Stephen Sondheim e Jerry Herman.

Bernadette Peters (mostrado em 2008) estrelou em cinco musicais de Sondheim

O primeiro projeto para o qual Sondheim escreveu música e letras foi A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 apresentações), com um livro baseado nas obras de Plauto de Burt Shevelove e Larry Gelbart, estrelando Zero Mostel. Sondheim levou o musical além de sua concentração nas tramas românticas típicas de épocas anteriores; seu trabalho tendia a ser mais sombrio, explorando os lados mais sombrios da vida, tanto do presente quanto do passado. Outros trabalhos iniciais de Sondheim incluem Anyone Can Whistle (1964, que teve apenas nove apresentações, apesar de ter as estrelas Lee Remick e Angela Lansbury) e o bem-sucedido Company (1970), Follies (1971) e A Little Night Music (1973). Mais tarde, Sondheim encontrou inspiração em fontes improváveis: a abertura do Japão ao comércio ocidental para Pacific Overtures (1976), um lendário barbeiro assassino em busca de vingança na Era Industrial de Londres para Sweeney Todd i> (1979), as pinturas de Georges Seurat para Sunday in the Park with George (1984), contos de fadas para Into the Woods (1987) e uma coleção de assassinos presidenciais em Assassinos (1990).

Enquanto alguns críticos argumentaram que alguns dos musicais de Sondheim carecem de apelo comercial, outros elogiaram sua sofisticação lírica e complexidade musical, bem como a interação de letras e música em seus shows. Algumas das notáveis inovações de Sondheim incluem um show apresentado ao contrário (Merrily We Roll Along) e o já mencionado Anyone Can Whistle, no qual o primeiro ato termina com o elenco informando ao público que eles estão loucos.

Jerry Herman desempenhou um papel significativo no teatro musical americano, começando com sua primeira produção da Broadway, Milk and Honey (1961, 563 apresentações), sobre a fundação do estado de Israel, e continuando com o sucesso de bilheteria Hello, Dolly! (1964, 2.844 apresentações), Mame (1966, 1.508 apresentações) e La Cage aux Folles (1983, 1.761 apresentações). Mesmo seus programas menos bem-sucedidos, como Dear World (1969) e Mack and Mabel (1974), tiveram pontuações memoráveis (Mack and Mabel foi posteriormente retrabalhado em um sucesso de Londres). Escrevendo letras e música, muitas das músicas de Herman se tornaram padrões populares, incluindo "Hello, Dolly!", "We Need a Little Christmas", "Eu sou o que sou", "Mame", "O melhor dos tempos", "Antes que o desfile passe", "Coloque Suas roupas de domingo, "Leva apenas um momento", "Bosom Buddies" e "I Won't Send Roses", gravada por artistas como Louis Armstrong, Eydie Gormé, Barbra Streisand, Petula Clark e Bernadette Peters. O livro de canções de Herman foi tema de duas revistas musicais populares, Jerry's Girls (Broadway, 1985) e Showtune (off-Broadway, 2003)..

O musical começou a divergir dos limites relativamente estreitos da década de 1950. A música rock seria usada em vários musicais da Broadway, começando com Hair, que apresentava não apenas música rock, mas também nudez e opiniões controversas sobre a Guerra do Vietnã, relações raciais e outras questões sociais.

Temas sociais

Depois de Show Boat e Porgy and Bess, e como a luta na América e em outros lugares pelas minorias' os direitos civis progrediram, Hammerstein, Harold Arlen, Yip Harburg e outros foram encorajados a escrever mais musicais e óperas que visavam normalizar a tolerância social das minorias e promover a harmonia racial. Os primeiros trabalhos da Era de Ouro que se concentravam na tolerância racial incluíam Finian's Rainbow e South Pacific. No final da Era de Ouro, vários shows abordaram assuntos e questões judaicas, como Violinista no Telhado, Milk and Honey, Blitz! e mais tarde Rags. O conceito original que se tornou West Side Story foi ambientado no Lower East Side durante as celebrações da Páscoa; as gangues rivais seriam judeus e católicos italianos. Mais tarde, a equipe criativa decidiu que o conflito entre poloneses (brancos) e porto-riquenhos era mais recente.

A tolerância como um tema importante nos musicais continuou nas últimas décadas. A expressão final de West Side Story deixou uma mensagem de tolerância racial. No final da década de 1960, os musicais tornaram-se racialmente integrados, com membros negros e brancos do elenco cobrindo os papéis uns dos outros, como fizeram em Hair. A homossexualidade também foi explorada em musicais, começando com Hair, e ainda mais abertamente em La Cage aux Folles, Falsettos, Rent, Hedwig and the Angry Inch e outros shows nas últimas décadas. Parade é uma exploração sensível do anti-semitismo e do racismo histórico americano, e Ragtime explora de forma semelhante a experiência de imigrantes e minorias na América.

1970 até o presente

Década de 1970

Após o sucesso de Hair, os musicais de rock floresceram na década de 1970, com Jesus Christ Superstar, Godspell, The Rocky Horror Espetáculo, Evita e Dois Senhores de Verona. Alguns deles começaram como "álbuns conceituais" que foram então adaptados para o palco, com destaque para Jesus Christ Superstar e Evita. Outros não tinham diálogos ou lembravam ópera, com temas dramáticos e emocionais; estes às vezes começaram como álbuns conceituais e foram referidos como óperas rock. Shows como Raisin, Dreamgirls, Purlie e The Wiz trouxeram uma significativa influência afro-americana para a Broadway. Gêneros e estilos musicais mais variados foram incorporados aos musicais dentro e especialmente fora da Broadway. Ao mesmo tempo, Stephen Sondheim obteve sucesso com alguns de seus musicais, conforme mencionado acima.

Uma linha de Chorus foi uma das 55 produções que Joseph Papp's Public Theatre trouxe para a Broadway

Em 1975, o musical de dança A Chorus Line surgiu de sessões gravadas em estilo de terapia de grupo que Michael Bennett conduziu com "ciganos" – aqueles que cantam e dançam em apoio aos principais atores – da comunidade da Broadway. A partir de centenas de horas de fitas, James Kirkwood Jr. e Nick Dante criaram um livro sobre uma audição para um musical, incorporando muitas histórias da vida real das sessões; alguns que compareceram às sessões eventualmente tocaram variações de si mesmos ou uns dos outros no show. Com música de Marvin Hamlisch e letra de Edward Kleban, A Chorus Line estreou no Public Theatre de Joseph Papp, em Manhattan. O que inicialmente havia sido planejado como um noivado limitado acabou sendo transferido para o Shubert Theatre na Broadway para uma série de 6.137 apresentações, tornando-se a produção mais antiga da história da Broadway até aquele momento. O show arrebatou o Tony Awards e ganhou o Prêmio Pulitzer, e sua música de sucesso, What I Did for Love, tornou-se um padrão.

O público da Broadway deu as boas-vindas a musicais que variavam do estilo e conteúdo da era de ouro. John Kander e Fred Ebb exploraram a ascensão do nazismo na Alemanha em Cabaret, e o assassinato e a mídia na era da Lei Seca Chicago, que se baseava em velhas técnicas de vaudeville. Pippin, de Stephen Schwartz, foi ambientado na época de Carlos Magno. O filme autobiográfico de Federico Fellini 8½ tornou-se Nine de Maury Yeston. No final da década, Evita e Sweeney Todd foram os precursores dos musicais mais sombrios e de grande orçamento da década de 1980, que dependiam de histórias dramáticas, trilhas sonoras arrebatadoras e efeitos espetaculares. Ao mesmo tempo, valores antiquados ainda eram adotados em sucessos como Annie, 42nd Street, My One and Only e revivals populares de Não, Não, Nanette e Irene. Embora muitas versões cinematográficas de musicais tenham sido feitas na década de 1970, poucas foram sucesso de crítica ou bilheteria, com as notáveis exceções de Fiddler on the Roof, Cabaret e Grease .

Década de 1980

Cameron Mackintosh

A década de 1980 viu a influência dos "megamusicais" na Broadway, no West End e em outros lugares. Estes normalmente apresentam uma trilha sonora de influência pop, grandes elencos e cenários espetaculares e efeitos especiais – um candelabro caindo (em O Fantasma da Ópera); um pouso de helicóptero no palco (em Miss Saigon) – e grandes orçamentos. Alguns foram baseados em romances ou outras obras de literatura. A equipe britânica do compositor Andrew Lloyd Webber e do produtor Cameron Mackintosh iniciou o fenômeno megamusical com seu musical de 1981 Cats, baseado nos poemas de T. S. Eliot, que ultrapassou A Chorus Line para tornou-se o espetáculo mais antigo da Broadway. Lloyd Webber seguiu com Starlight Express (1984), realizado em patins; O Fantasma da Ópera (1986; também com Mackintosh), derivado do romance de mesmo nome; e Sunset Boulevard (1993), do filme homônimo de 1950. Phantom ultrapassaria Cats para se tornar o show mais antigo da história da Broadway, um recorde que ainda mantém. A dupla francesa de Claude-Michel Schönberg e Alain Boublil escreveu Les Misérables, baseado no romance homônimo, cuja produção londrina de 1985 foi produzida por Mackintosh e se tornou, e ainda é, o mais antigo musical na história do West End e da Broadway. A equipe produziu outro sucesso com Miss Saigon (1989), inspirado na ópera de Puccini Madama Butterfly.

Os megamusicais' enormes orçamentos redefiniram as expectativas de sucesso financeiro na Broadway e no West End. Nos anos anteriores, era possível que um show fosse considerado um sucesso após várias centenas de apresentações, mas com custos de produção multimilionários, um show deve durar anos simplesmente para gerar lucro. Os megamusicais também foram reproduzidos em produções ao redor do mundo, multiplicando seu potencial de lucro e expandindo a audiência global do teatro musical.

1990

Audra McDonald

Na década de 1990, surgiu uma nova geração de compositores teatrais, incluindo Jason Robert Brown e Michael John LaChiusa, que começaram com produções off-Broadway. O sucesso mais conspícuo desses artistas foi o show de Jonathan Larson Rent (1996), um musical de rock (baseado na ópera La bohème) sobre uma comunidade em dificuldades de artistas em Manhattan. Embora o custo dos ingressos para os musicais da Broadway e do West End aumentasse além do orçamento de muitos espectadores, o Rent foi comercializado para aumentar a popularidade dos musicais entre o público mais jovem. Apresentava um elenco jovem e uma trilha sonora fortemente influenciada pelo rock; o musical se tornou um sucesso. Seus jovens fãs, muitos deles estudantes, que se autodenominam RENTheads], acamparam no Nederlander Theatre na esperança de ganhar na loteria os ingressos de $ 20 da primeira fila, e alguns assistiram ao show dezenas de vezes. Outros shows na Broadway seguiram o exemplo do Rent', oferecendo ingressos com grandes descontos para o dia da apresentação ou para a sala em pé, embora muitas vezes os descontos sejam oferecidos apenas para estudantes.

A década de 1990 também foi marcada pela influência de grandes corporações na produção de musicais. A mais importante foi a Disney Theatrical Productions, que começou a adaptar alguns dos musicais de animação da Disney para o palco, começando com A Bela e a Fera (1994), O Rei Leão (1997) e Aida (2000), os dois últimos com música de Elton John. O Rei Leão é o musical de maior bilheteria da história da Broadway. The Who's Tommy (1993), uma adaptação teatral da ópera rock Tommy, alcançou uma saudável sequência de 899 apresentações, mas foi criticado por higienizar a história e & #34;teatralização musical" a música rock.

Apesar do crescente número de musicais de grande escala nas décadas de 1980 e 1990, uma série de musicais de menor escala e baixo orçamento conseguiram obter sucesso crítico e financeiro, como Falsettoland, Little Shop of Horrors, Bat Boy: The Musical e Blood Brothers, que teve 10.013 apresentações. Os tópicos dessas peças variam muito e a música varia do rock ao pop, mas muitas vezes são produzidas fora da Broadway ou para teatros menores de Londres, e algumas dessas encenações foram consideradas imaginativas e inovadoras.

Anos 2000–presente

Tendências

No novo século, a familiaridade foi abraçada por produtores e investidores ansiosos para garantir o retorno de seus investimentos consideráveis. Alguns arriscaram (geralmente com orçamento modesto) em material novo e criativo, como Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Next to Normal (2009), American Idiot (2010) e O Livro de Mórmon (2011). Hamilton (2015), transformou a "história americana pouco dramatizada" em um hit incomum de hip-hop. Em 2011, Sondheim argumentou que, de todas as formas de "música pop contemporânea", o rap era "o mais próximo do teatro musical tradicional". e foi "um caminho para o futuro."

No entanto, a maioria das produções do século 21 do grande mercado seguiram um caminho seguro, com revivals de pratos familiares, como Fiddler on the Roof, A Chorus Line, South Pacific, Gypsy, Hair, West Side Story e Grease, ou com adaptações de outros materiais comprovados, como literatura (The Scarlet Pimpernel, Wicked e Fun Home), esperando que os programas tivessem um na audiência como resultado. Essa tendência é especialmente persistente com adaptações para o cinema, incluindo (The Producers, Spamalot, Hairspray, Legally Blonde, A Cor Púrpura, Xanadu, Billy Elliot, Shrek, Garçonete e Dia da Marmota). Alguns críticos argumentaram que a reutilização de enredos de filmes, especialmente os da Disney (como Mary Poppins e A Pequena Sereia), igualam o musical da Broadway e do West End a um turista atração, ao invés de uma saída criativa.

O elenco de Hamilton se reúne presidente Obama em 2015

Hoje, é menos provável que um único produtor, como David Merrick ou Cameron Mackintosh, apoie uma produção. Patrocinadores corporativos dominam a Broadway e muitas vezes alianças são formadas para encenar musicais, que exigem um investimento de US$ 10 milhões ou mais. Em 2002, os créditos de Thoroughly Modern Millie listavam dez produtores, e entre esses nomes estavam entidades compostas por várias pessoas físicas. Normalmente, os teatros off-Broadway e regionais tendem a produzir musicais menores e, portanto, menos caros, e o desenvolvimento de novos musicais tem ocorrido cada vez mais fora de Nova York e Londres ou em locais menores. Por exemplo, Spring Awakening, Fun Home e Hamilton foram desenvolvidos fora da Broadway antes de serem lançados na Broadway.

Vários musicais regressaram ao formato de espectáculo que tanto fez sucesso na década de 80, relembrando extravagâncias que foram apresentadas por vezes, ao longo da história do teatro, desde que os antigos romanos encenavam batalhas navais simuladas. Exemplos incluem as adaptações musicais de O Senhor dos Anéis (2007), E o Vento Levou (2008) e Homem-Aranha: Desligue o Escuro (2011). Esses musicais envolviam compositores com pouca experiência teatral, e as produções caras geralmente perdiam dinheiro. Por outro lado, The Drowsy Chaperone, Avenue Q, The 25th Annual Putnam County Spelling Bee, Xanadu e Fun Home, entre outros, foram apresentados em produções de menor escala, na maioria ininterruptas por um intervalo, com tempos de execução curtos e tiveram sucesso financeiro. Em 2013, a revista Time informou que uma tendência off-Broadway tem sido "imersiva" teatro, citando espetáculos como Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) e Here Lies Love (2013) em que a encenação decorre à volta e dentro do público. Os shows estabeleceram um recorde conjunto, cada um recebendo 11 indicações para o Lucille Lortel Awards, e apresentam trilhas sonoras contemporâneas.

Em 2013, Cyndi Lauper foi a "primeira compositora a ganhar o prêmio de Melhor Trilha Sonora sem um colaborador masculino" por escrever a música e a letra de Kinky Boots. Em 2015, pela primeira vez, uma equipe feminina de roteiristas, Lisa Kron e Jeanine Tesori, ganhou o Prêmio Tony de Melhor Trilha Sonora Original (e Melhor Livro para Kron) por Fun Home, embora o trabalho de compositores masculinos continuam a ser produzidos com mais frequência.

Jukebox musicais

Outra tendência tem sido criar um enredo mínimo para caber em uma coleção de músicas que já foram sucessos. Após o sucesso anterior de Buddy – The Buddy Holly Story, eles incluíram Movin' Out (2002, baseado nas músicas de Billy Joel), Jersey Boys (2006, The Four Seasons), Rock of Ages (2009, apresentando rock clássico dos anos 1980), Thriller – Live (2009, Michael Jackson), e muitos outros. Esse estilo costuma ser chamado de "jukebox musical". Musicais semelhantes, mas com mais enredo, foram construídos em torno do cânone de um determinado grupo pop, incluindo Mamma Mia! (1999, baseado nas canções do ABBA), Our House (2002, baseado nas canções do Madness) e We Will Rock You (2002, baseado nas canções do Queen).

Filmes e musicais de TV

Zac Efron e Zendaya (foto), juntamente com Hugh Jackman, trouxe energia estrela para O maior Showman

Os filmes musicais de ação ao vivo estavam quase mortos nos anos 1980 e início dos anos 1990, com exceções de Victor/Victoria, Little Shop of Horrors e o filme de 1996 de Evita. No novo século, Baz Luhrmann iniciou um renascimento do filme musical com Moulin Rouge! (2001). Isso foi seguido por Chicago (2002); Fantasma da Ópera (2004); Aluguel (2005); Dreamgirls (2006); Hairspray, Enchanted e Sweeney Todd (todos em 2007); Mamma Mia! (2008); Nove (2009); Os Miseráveis e A Escolha Perfeita (ambos em 2012), Caminhos da Floresta, Os Últimos Cinco Anos (2014), La La Land (2016), O Rei do Show (2017), Nasce Uma Estrela e O Retorno de Mary Poppins (ambos de 2018), Rocketman (2019) e In the Heights e a versão de Steven Spielberg de West Side Story (ambos em 2021), entre outros. Dr. Seuss's How the Grinch Stole Christmas! (2000) e The Cat in the Hat (2003), transformaram os livros infantis em histórias vivas. filmes musicais de ação. Depois do imenso sucesso da Disney e de outras empresas com musicais de animação começando com A Pequena Sereia em 1989 e rodando ao longo da década de 1990 (incluindo alguns filmes com temas mais adultos, como South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), menos filmes musicais de animação foram lançados na primeira década do século XXI. O gênero voltou em 2010 com Enrolados (2010), Rio (2011) e Frozen (2013). Na Ásia, a Índia continua a produzir inúmeros filmes de "Bollywood" filmes musicais, e o Japão produz "Anime" e "Mangá" filmes musicais.

Filmes musicais feitos para a TV foram populares na década de 1990, como Gypsy (1993), Cinderela (1997) e Annie (1999). Vários musicais feitos para a TV na primeira década do século 21 foram adaptações da versão teatral, como South Pacific (2001), The Music Man (2003) e Once Upon a Mattress (2005), e uma versão televisionada do musical Legally Blonde em 2007. Além disso, vários musicais foram filmados no palco e transmitidos na Televisão Pública, por exemplo Contact em 2002 e Kiss Me, Kate e Oklahoma! em 2003. O musical feito para a TV High School Musical (2006), e suas várias sequências, tiveram um sucesso particular e foram adaptados para musicais de palco e outras mídias.

Dove Cameron estrelou em tais musicais de TV como Descendentes, Hairspray Live! e Schmigadoon!

Em 2013, a NBC iniciou uma série de transmissões ao vivo de musicais para a televisão com The Sound of Music Live! Embora a produção tenha recebido críticas mistas, foi um sucesso de audiência. Outras transmissões incluíram Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), uma transmissão no Reino Unido, The Sound of Music Live (ITV 2015) Grease: Live (Fox 2016), Hairspray Live! (NBC, 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017) e Rent: Live (Fox 2019).

Alguns programas de televisão têm episódios definidos como um musical. Exemplos incluem episódios de Ally McBeal, Xena: Warrior Princess ("The Bitter Suite" e "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych ("Psych: The Musical"), Buffy the Vampire Slayer ("Once More, with Feeling& #34;), Isso é tão Raven, Daria, Laboratório de Dexter, As Meninas Superpoderosas, The Flash, Once Upon a Time, Oz, Scrubs (um episódio foi escrito pelo criadores de Avenue Q), Batman: The Brave and the Bold ("Mayhem of the Music Meister") e That ' 70s Show (o 100º episódio, "That '70s Musical"). Outros incluíram cenas em que os personagens de repente começaram a cantar e dançar em um estilo de teatro musical durante um episódio, como em vários episódios de Os Simpsons, 30 Rock, Hannah Montana, South Park, Bob's Burgers e Family Guy. As séries de televisão que usaram extensivamente o formato musical incluem Cop Rock, Flight of the Conchords, Glee, Smash e Ex-namorada maluca.

Também houve musicais feitos para a internet, incluindo Dr. Horrible's Sing-Along Blog, sobre um supervilão barato interpretado por Neil Patrick Harris. Foi escrito durante a greve dos roteiristas do WGA. Desde 2006, os reality shows da TV têm sido usados para ajudar no mercado de revivals musicais, realizando uma competição de talentos para escalar protagonistas (geralmente femininos). Exemplos disso são Como você resolve um problema como Maria?, Grease: você é quem eu quero!, Qualquer sonho serve, Legally Blonde: The Musical – The Search for Elle Woods, I'd Do Anything e Over the Rainbow. Em 2021, Schmigadoon! foi uma paródia e uma homenagem aos musicais da Era de Ouro das décadas de 1940 e 1950.

Fechamento do teatro de 2020–2021

Marquês do No Coração do Teatro da Besta em Minneapolis, Minnesota, durante a pandemia de COVID-19

A pandemia do COVID-19 causou o fechamento de teatros e festivais de teatro em todo o mundo no início de 2020, incluindo todos os teatros da Broadway e do West End. Muitas instituições de artes cênicas tentaram se adaptar ou reduzir suas perdas, oferecendo novos (ou ampliados) serviços digitais. Em particular, isso resultou na transmissão on-line de performances gravadas anteriormente de muitas empresas, bem como projetos de crowdsourcing sob medida. Por exemplo, a The Sydney Theatre Company contratou atores para se filmarem em casa, discutindo e, em seguida, apresentando um monólogo de um dos personagens que já haviam interpretado no palco. Os elencos de musicais, como Hamilton e Mamma Mia! se uniram em chamadas de Zoom para entreter indivíduos e o público. Algumas apresentações foram transmitidas ao vivo ou apresentadas ao ar livre ou em outras áreas "socialmente distantes" maneiras, às vezes permitindo que os membros do público interajam com o elenco. Festivais de radioteatro foram transmitidos. Foram criados musicais virtuais e até de crowdsourcing, como Ratatouille the Musical. Versões filmadas de grandes musicais, como Hamilton, foram lançadas em plataformas de streaming. Andrew Lloyd Webber lançou gravações de seus musicais no YouTube.

Devido ao fechamento e perda de vendas de ingressos, muitas companhias de teatro foram colocadas em perigo financeiro. Alguns governos ofereceram auxílio emergencial às artes. Alguns mercados de teatros musicais começaram a reabrir aos trancos e barrancos no início de 2021, com os teatros do West End adiando sua reabertura de junho para julho, e a Broadway começando em setembro. Ao longo de 2021, no entanto, picos da pandemia causaram alguns fechamentos mesmo após a reabertura dos mercados.

Musicais internacionais

Os Estados Unidos e a Grã-Bretanha foram as fontes mais ativas de livros musicais do século 19 até grande parte do século 20 (embora a Europa tenha produzido várias formas de óperas populares e operetas, por exemplo, a zarzuela espanhola, durante esse período e até antes). No entanto, o palco musical leve em outros países tornou-se mais ativo nas últimas décadas.

Musicais de outros países de língua inglesa (principalmente Austrália e Canadá) geralmente se saem bem localmente e ocasionalmente chegam à Broadway ou ao West End (por exemplo, The Boy from Oz e The Drowsy Chaperone ). A África do Sul tem uma cena de teatro musical ativa, com revistas como African Footprint e Umoja e livros musicais, como Kat and the Kings e Sarafina! em turnê internacional. Localmente, musicais como Vere, Love and Green Onions, Over the Rainbow: the all-new all-gay... extravaganza e Bangbroek Mountain e In Briefs – a queer little Musical foram produzidos com sucesso.

Takarazuka todo feminino do Japão Revue em uma performance de 1930 de "Parisette"

Os musicais de sucesso da Europa continental incluem shows da (entre outros países) Alemanha (Elixier e Ludwig II), Áustria (Tanz der Vampire, Elisabeth, Mozart! e Rebecca), República Tcheca (Drácula), França (Starmania, Notre-Dame de Paris, Les Misérables, Roméo et Juliette e Mozart, l'opéra rock) e Espanha (Hoy no me puedo levantar e O Musical Sancho Pança).

O Japão viu recentemente o crescimento de uma forma indígena de teatro musical, tanto animado quanto live-action, principalmente baseado em anime e mangá, como Kiki's Delivery Service e Tenimyu. A popular meta-série Sailor Moon teve vinte e nove musicais de Sailor Moon, ao longo de treze anos. A partir de 1914, uma série de revistas populares foi realizada pela Takarazuka Revue, exclusivamente feminina, que atualmente conta com cinco trupes performáticas. Em outras partes da Ásia, o musical indiano de Bollywood, principalmente na forma de filmes, é um tremendo sucesso.

Começando com uma turnê de Les Misérables em 2002, vários musicais ocidentais foram importados para a China continental e encenados em inglês. As tentativas de localizar produções ocidentais na China começaram em 2008, quando Fame foi produzido em mandarim com um elenco chinês completo na Academia Central de Drama em Pequim. Desde então, outras produções ocidentais foram encenadas na China em mandarim com elenco chinês. A primeira produção chinesa no estilo do teatro musical ocidental foi The Gold Sand em 2005. Além disso, Li Dun, um conhecido produtor chinês, produziu Butterflies, baseado em uma clássica tragédia amorosa chinesa, em 2007, assim como Love U Teresa em 2011.

Produções amadoras e escolares

Os jogadores de Nápoles Moinho completamente moderno, 2009

Os musicais são frequentemente apresentados por grupos amadores e escolares em igrejas, escolas e outros espaços de atuação. Embora o teatro amador exista há séculos, mesmo no Novo Mundo, François Cellier e Cunningham Bridgeman escreveram, em 1914, que antes do final do século XIX, os atores amadores eram tratados com desprezo pelos profissionais. Após a formação das companhias amadoras Gilbert e Sullivan licenciadas para executar as óperas de Savoy, os profissionais reconheceram que as sociedades amadoras "apoiam a cultura da música e do drama. Eles agora são aceitos como escolas de treinamento úteis para o estágio legítimo, e das fileiras de voluntários surgiram muitos favoritos atuais." A National Operatic and Dramatic Association foi fundada no Reino Unido em 1899. Ela relatou, em 1914, que cerca de 200 sociedades dramáticas amadoras estavam produzindo obras de Gilbert e Sullivan na Grã-Bretanha naquele ano. Da mesma forma, mais de 100 teatros comunitários foram fundados nos Estados Unidos no início do século XX. Esse número cresceu para cerca de 18.000 nos EUA. A Educational Theatre Association nos EUA tem quase 5.000 escolas membros.

Relevância

O Rei Leão na Broadway

A Broadway League anunciou que na temporada 2007-08, 12,27 milhões de ingressos foram comprados para shows da Broadway por um valor bruto de venda de quase um bilhão de dólares. A Liga informou ainda que durante a temporada de 2006-07, aproximadamente 65% dos ingressos da Broadway foram comprados por turistas, e que os turistas estrangeiros foram 16% dos participantes. O Society of London Theatre relatou que 2007 estabeleceu um recorde de público em Londres. O total de participantes nos principais teatros comerciais e subsidiados no centro de Londres foi de 13,6 milhões e a receita total de ingressos foi de £ 469,7 milhões. A cena musical internacional tem estado cada vez mais ativa nas últimas décadas. No entanto, Stephen Sondheim comentou no ano 2000:

Você tem dois tipos de shows na Broadway – avivamentos e o mesmo tipo de musicais repetidamente, todos os espetáculos. Você recebe seus ingressos para O Rei Leão um ano de antecedência, e essencialmente uma família... passar para seus filhos a ideia de que é isso que o teatro é – um musical espetacular que você vê uma vez por ano, uma versão de palco de um filme. Não tem nada a ver com teatro. Tem a ver com ver o que é familiar.... Acho que o teatro não vai morrer. por si, mas nunca vai ser o que foi.... É uma atração turística."

No entanto, observando o sucesso nas últimas décadas de material original e reimaginações criativas de filmes, peças e literatura, o historiador do teatro John Kenrick rebateu:

O Musical está morto?... Absolutamente não! Mudar? Sempre! O musical está mudando desde que Offenbach fez sua primeira reescrita na década de 1850. E a mudança é o sinal mais claro de que o musical ainda é um gênero vivo e crescente. Voltaremos à chamada "idade dourada", com musicais no centro da cultura popular? Provavelmente não. O gosto público sofreu mudanças fundamentais, e as artes comerciais só podem fluir onde o público pagante permite.

Notas e referências