Revolução artística

Ao longo da história, as formas de arte passaram por mudanças abruptas periódicas chamadas revoluções artísticas. Os movimentos chegaram ao fim para serem substituídos por um novo movimento marcadamente diferente em formas marcantes.

Científico e tecnológico

Nem todas as revoluções artísticas foram políticas. Às vezes, as inovações científicas e tecnológicas provocam transformações imprevistas nas obras dos artistas. A revolução estilística conhecida como Impressionismo, por pintores ansiosos para capturar com mais precisão as cores mutáveis de luz e sombra, é inseparável das descobertas e invenções em meados do século XIX, quando o estilo nasceu.

Michel Eugène Chevreul, um químico francês contratado como diretor de tinturas em uma tapeçaria francesa, começou a investigar a natureza ótica da cor para melhorar a cor dos tecidos. Chevreul percebeu que era o olho, e não o corante, que tinha a maior influência na cor e, a partir disso, ele revolucionou a teoria das cores ao compreender o que veio a ser chamado de lei do contraste simultâneo: as cores se influenciam mutuamente quando justapostas, cada um impondo sua própria cor complementar ao outro. O pintor francês Eugène Delacroix, que fazia experiências com o que chamava de tons quebrados, adotou o livro de Chevreul, A Lei do Contraste da Cor (1839), com suas explicações de como as cores justapostas podem melhorar ou diminuir um ao outro, e sua exploração de todas as cores visíveis do espectro. Inspirado pelo tratado de Chevreul de 1839, Delacroix transmitiu seu entusiasmo aos jovens artistas que se inspiraram nele. Foi Chevreul quem levou os impressionistas a entender que deveriam aplicar pinceladas separadas de cor pura a uma tela e permitir que o olho do observador as combinasse opticamente.

Eles foram muito auxiliados nisso pelas inovações na própria tinta a óleo. Desde o Renascimento, os pintores tiveram que moer pigmento, adicionar óleo e assim criar suas próprias tintas; essas tintas demoradas também secaram rapidamente, tornando a pintura em estúdio uma necessidade para grandes obras e limitando os pintores a misturar uma ou duas cores por vez e preencher uma área inteira usando apenas aquela cor antes de secar. Em 1841, um pintor americano pouco conhecido chamado John G. Rand inventou uma melhoria simples sem a qual o movimento impressionista não poderia ter ocorrido: o pequeno tubo de estanho flexível com tampa removível no qual as tintas a óleo poderiam ser armazenadas. As tintas a óleo mantidas nesses tubos permaneceram úmidas, utilizáveis e portáteis. Pela primeira vez desde o Renascimento, os pintores não ficaram presos ao prazo de secagem da tinta a óleo.

As tintas em tubos podem ser facilmente carregadas e transportadas para o mundo real, para observar diretamente o jogo de cores e luz natural, na sombra e no movimento, para pintar no momento. A venda da tinta a óleo em tubos também trouxe a chegada de novos e deslumbrantes pigmentos - amarelo cromo, azul de cádmio - inventados por químicos industriais do século XIX. Os tubos liberaram os impressionistas para pintar rapidamente e em uma tela inteira, em vez de seções de uma cor cuidadosamente delineadas de cada vez; em suma, para esboçar diretamente em óleo - correndo pela tela em todas as cores que estavam à mão e, assim, inspirando seu nome de "impressionistas" - uma vez que tais pinceladas rápidas e ousadas e pinceladas de cores separadas fizeram os críticos contemporâneos pensarem que suas pinturas eram meras impressões, não pinturas acabadas, que não deveriam ter nenhuma marca de pincel visível, sem costura sob camadas de verniz.

Pierre-Auguste Renoir disse: “Sem cores em tubos, não haveria Cézanne, Monet, Pissarro e Impressionismo”.

Finalmente, as técnicas cuidadosas e hiper-realistas do neoclassicismo francês foram vistas como rígidas e sem vida quando comparadas com a notável nova visão do mundo vista através da nova invenção da fotografia em meados da década de 1850. Não foi apenas que a capacidade crescente dessa nova invenção, particularmente do inventor francês Daguerre, tornou redundante o realismo da imagem pintada, pois ele competiu deliberadamente no diorama de Paris com pinturas históricas em grande escala. O assunto neoclássico, limitado pela tradição acadêmica a lendas gregas e romanas, batalhas históricas e histórias bíblicas, parecia opressivamente clichê e limitado a artistas ansiosos por explorar o mundo real diante de seus próprios olhos revelados pela câmera - vida cotidiana, agrupamentos sinceros de pessoas comuns fazendo coisas simples, a própria Paris, paisagens rurais e, mais particularmente, o jogo de luz capturada - não a celebração imaginária de eventos passados invisíveis. As primeiras fotografias influenciaram o estilo impressionista pelo uso de assimetria, cortes e, mais obviamente, o desfoque do movimento, capturado inadvertidamente nas velocidades muito lentas das primeiras fotografias.

Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir - em seu enquadramento, uso de cor, luz e sombra, assunto - colocam essas inovações para trabalhar para criar uma nova linguagem de beleza e significado visual.

Fingindo a revolução: a CIA e o expressionismo abstrato

Sua ruptura inicial com o realismo em uma exploração da luz, da cor e da natureza da pintura foi levada a uma conclusão final pelos expressionistas abstratos que romperam com o conteúdo reconhecível de qualquer tipo em obras de pura forma, cor e pintura que surgiram no final da Segunda Guerra Mundial. A princípio consideradas obras primitivas e ineptas - como em "meu filho de quatro anos poderia fazer isso - essas obras foram mal compreendidas e negligenciadas até receber críticas e apoio do surgimento de jornalistas e críticos de arte que defenderam seu trabalho na década de 1940 e 50, expressando o poder desse trabalho em termos estéticos que os próprios artistas raramente usavam, ou mesmo compreendiam. Jackson Pollock, que foi o pioneiro da pintura respingada, dispensando completamente o pincel, logo se tornou celebrado como o jovem raivoso em uma grande página da revista Life.

Na verdade, em um esforço deliberado, secreto e bem-sucedido para separar as revoluções artísticas das políticas, expressionistas abstratos como Pollock, Robert Motherwell, Willem de Kooning e Mark Rothko, embora artistas aparentemente difíceis e pioneiros, foram de fato secretamente apoiados por vinte anos pela Agência Central de Inteligência (CIA) em uma política de Guerra Fria iniciada em 1947 para provar que os Estados Unidos poderiam promover mais liberdade artística do que o bloco soviético. “Foi reconhecido que o Expressionismo Abstrato era o tipo de arte que fazia o Realismo Socialista parecer ainda mais estilizado, rígido e confinado do que era”, disse. disse o ex-funcionário da CIA Donald Jameson, que finalmente quebrou o silêncio sobre esse programa em 1995. Ironicamente, o apoio secreto da CIA para essas obras radicais foi necessário porque uma tentativa de usar fundos do governo para uma turnê europeia dessas obras durante o governo Truman levou a um alvoroço público na era conservadora dos Estados Unidos da era McCarthy, com a famosa observação de Truman: "Se isso é arte, sou um hotentote". Assim, o programa foi escondido sob o disfarce de fundações forjadas e o apoio de patronos ricos que na verdade estavam usando fundos da CIA, não deles próprios, para patrocinar exposições itinerantes de expressionistas abstratos americanos em todo o mundo, publicar livros e artigos elogiando-os e para compre e exiba obras expressionistas abstratas nos principais museus americanos e britânicos. Thomas Braden, responsável por esses programas culturais para a CIA, nos primeiros anos da Guerra Fria, havia sido secretário executivo do Museu de Arte Moderna, a principal instituição americana de arte do século 20 e as acusações de conluio entre os dois ecoou por muitos anos depois que este programa foi revelado, embora a maioria dos artistas envolvidos não tivesse ideia de que estavam sendo usados dessa forma e ficaram furiosos quando descobriram.