Pulp Fiction

Pulp Fiction é um filme policial americano de 1994 escrito e dirigido por Quentin Tarantino a partir de uma história que ele concebeu com Roger Avary. Conta quatro histórias entrelaçadas de crime e violência em Los Angeles, Califórnia. O filme é estrelado por John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Tim Roth, Ving Rhames e Uma Thurman. O título refere-se às revistas populares e aos romances policiais populares em meados do século 20, conhecidos por sua violência gráfica e diálogos contundentes.

Tarantino escreveu Pulp Fiction em 1992 e 1993, incorporando cenas que Avary escreveu originalmente para True Romance (1993). Seu enredo ocorre fora de ordem cronológica. O filme também é autorreferencial desde os momentos iniciais, começando com um cartão de título que fornece duas definições de dicionário para 'polp'. Um tempo considerável na tela é dedicado a monólogos e conversas casuais com diálogos ecléticos que revelam as perspectivas de cada personagem sobre diversos assuntos, e o filme apresenta uma combinação irônica de humor e forte violência. A TriStar Pictures recusou o roteiro por considerá-lo “muito demente”. O co-presidente da Miramax, Harvey Weinstein, ficou encantado, no entanto, e o filme se tornou o primeiro que a Miramax financiou totalmente.

Pulp Fiction ganhou a Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes de 1994 e foi um grande sucesso comercial e de crítica. Foi indicado a sete prêmios no 67º Oscar, incluindo Melhor Filme, e ganhou Melhor Roteiro Original; rendeu indicações a Travolta, Jackson e Thurman ao Oscar e impulsionou suas carreiras. Seu desenvolvimento, marketing, distribuição e lucratividade tiveram um efeito abrangente no cinema independente.

Pulp Fiction é amplamente considerado a magnum opus de Tarantino, com elogios especiais por seu roteiro. A autorreflexividade, a estrutura não convencional e a extensa homenagem e pastiche levaram os críticos a descrevê-lo como uma pedra de toque do cinema pós-moderno. Muitas vezes é considerado um divisor de águas cultural, influenciando filmes e outras mídias que adotaram elementos de seu estilo. O elenco também foi amplamente elogiado, com Travolta, Thurman e Jackson recebendo elogios especiais. Em 2008, a Entertainment Weekly nomeou-o o melhor filme desde 1983 e apareceu nas listas de muitos críticos. listas dos melhores filmes já feitos. Em 2013, Pulp Fiction foi selecionado para preservação no Registro Nacional de Filmes dos Estados Unidos pela Biblioteca do Congresso como “culturalmente, historicamente ou esteticamente significativo”.

Plano

Estrutura narrativa

Pulp Fiction'é contada fora de ordem cronológica e segue três principais histórias inter-relacionadas, cada uma com um protagonista diferente: Vincent Vega, um assassino; Butch Coolidge, um lutador profissional; e Jules Winnfield, parceiro de negócios de Vincent.

O filme começa com um assalto à lanchonete encenado por um casal, depois começa a mudar de uma história para outra antes de retornar à lanchonete para a conclusão. Existem sete sequências narrativas; as três histórias principais são precedidas por intertítulos:

1. "Prologue – The Diner" (i)
2. Prelúdio de "Vincent Vega e Marsellus Wallace's Wife"
3. "Vincent Vega e Marsellus Wallace's Wife"
4. Prelúdio para "O relógio de ouro" (a – flashback, b – presente)
5. "O relógio de ouro"
6. "A situação de Bonnie"
7. "Epilogue – The Diner" (ii)

Se as sete sequências fossem ordenadas cronologicamente, elas seriam executadas: 4a, 2, 6, 1, 7, 3, 4b, 5. As sequências 1 e 7 se sobrepõem parcialmente e são apresentadas de diferentes pontos de vista, assim como as sequências 2 e 6. Segundo Philip Parker, a forma estrutural é “uma narrativa episódica com eventos circulares adicionando um começo e um fim e permitindo que referências a elementos de cada episódio separado sejam feitas ao longo da narrativa”. Outros analistas descrevem a estrutura como uma “narrativa circular”.

Resumo

Os assassinos Jules Winnfield e Vincent Vega chegam a um apartamento para recuperar uma pasta para seu chefe, o gangster Marsellus Wallace, de um parceiro de negócios, Brett. Depois que Vincent verifica o conteúdo da pasta, Jules atira em um dos associados de Brett. Ele declama uma passagem da Bíblia e ele e Vincent matam Brett por tentar trair Marsellus.

"Vincent Vega e a esposa de Marsellus Wallace"

Jules e Vincent chegam a um bar para entregar a maleta a Marsellus e esperam enquanto ele suborna o boxeador Butch Coolidge para dar um mergulho em sua próxima luta.

No dia seguinte, Vincent compra heroína de seu traficante, Lance. Ele dispara e dirige para encontrar a esposa troféu de Marsellus, Mia, tendo concordado em acompanhá-la enquanto Marsellus estiver fora da cidade. Eles comem no Jack Rabbit Slim's, um restaurante com temática dos anos 1950, participam de um concurso de twist e depois voltam para casa. Enquanto Vincent está no banheiro, Mia encontra sua heroína, confunde-a com cocaína e cheira, resultando em uma overdose. Vincent a leva às pressas para a casa de Lance, onde eles a revivem com uma injeção de adrenalina em seu coração. Vincent deixa Mia em sua casa, e os dois concordam que nunca contarão a Marsellus sobre o incidente.

"O Relógio de Ouro"

Butch aposta o dinheiro do suborno em si mesmo e trai Marsellus, vencendo a luta, mas também matando acidentalmente seu oponente. Ele se prepara para fugir com a namorada, Fabienne, mas descobre que ela se esqueceu de levar na mala um relógio de ouro que lhe foi passado pela família. Voltando ao seu apartamento para recuperá-lo, ele percebe uma arma no balcão da cozinha e ouve a descarga do vaso sanitário. Quando Vincent sai do banheiro, Butch atira nele e vai embora.

Quando Marsellus vê Butch parado em um semáforo, Butch bate com seu carro nele e é atropelado por um veículo que se aproxima, deixando os dois feridos e atordoados. Assim que Marsellus recupera a consciência, ele atira em Butch, perseguindo-o até uma casa de penhores. Butch ganha vantagem e está prestes a atirar em Marsellus, mas o dono da loja, Maynard, os captura sob a mira de uma arma e os amarra e amordaça no porão. Maynard e seu cúmplice Zed levam Marsellus para outra sala e começam a estuprá-lo, deixando o 'gimp' sozinho. – uma figura silenciosa em um traje de bondage – para vigiar Butch. Butch se solta e deixa o gimp inconsciente. Em vez de fugir, ele decide salvar Marsellus e se arma com uma katana da casa de penhores. Ele mata Maynard e liberta Marsellus, que atira em Zed com a espingarda de Maynard. Marsellus informa Butch que eles estão quites, e para não contar a ninguém sobre o estupro e para partir de Los Angeles para sempre. Butch pega Fabienne na motocicleta de Zed e eles vão embora.

"A situação Bonnie"

A cena retorna ao apartamento após o assassinato de Brett. Outro homem sai do banheiro e atira em Jules e Vincent, mas todos os tiros erram; em troca, eles o matam a tiros. Enquanto dirigia com Marvin, associado de Brett, Jules afirma que sua sobrevivência foi um milagre, o que Vincent contesta. Por acidente, Vincent atira fatalmente no rosto de Marvin, cobrindo Vincent, Jules e o interior do carro de sangue. Eles escondem o carro na casa do amigo de Jules, Jimmie, que exige que resolvam o problema antes que sua esposa volte para casa. Marsellus envia um faxineiro, Winston Wolfe, que orienta Jules e Vincent a limparem o carro, esconderem o corpo no porta-malas, descartarem suas roupas ensanguentadas e levarem o carro para um ferro-velho.

Em um restaurante, Jules diz a Vincent que planeja se aposentar de sua vida de crime, convencido de que sua vida "milagrosa" a sobrevivência no apartamento era um sinal de intervenção divina. Enquanto Vincent está no banheiro, "Pumpkin" e "Honey Bunny', uma dupla de ladrões vistos no início do filme, assaltam o restaurante e exigem a pasta de Marsellus. Jules domina Pumpkin e o mantém sob a mira de uma arma; Honey Bunny fica histérica e aponta a arma para Jules. Vincent retorna com sua arma apontada para ela, mas Jules neutraliza a situação. Ele recita a passagem bíblica, expressa ambivalência sobre sua vida de crime e permite que os ladrões peguem seu dinheiro e vão embora. Jules e Vincent saem da lanchonete com a pasta nas mãos.

Transmitir

• John Travolta como Vincent Vega:

O sócio-crime do Jules, a trabalhar para Marsellus Wallace. Tarantino elenco Travolta em Ficção de polpa porque Michael Madsen, que tinha jogado Vic Vega em Cães de reservatório, optou por aparecer no Kevin Costner's Wyatt Earp Em vez disso. Madsen já expressou pesar por sua decisão. Harvey Weinstein empurrou para Daniel Day-Lewis na parte. Travolta aceitou uma taxa reduzida; fontes dizem US$ 100.000 ou US$ 140.000. O sucesso do filme e sua nomeação ao Oscar de Melhor Ator revitalizou sua carreira. Vincent é o irmão de Vic Vega, também conhecido como Mr. Blonde em Cães de reservatório (1992), e em 2004, Tarantino discutiu uma ideia para um filme estrelado por Travolta e Madsen como os "Vega Brothers"; o conceito permanece irrealizado.

• Samuel L. Jackson como Jules Winnfield:

O parceiro do Vincent no crime, a trabalhar para o Marsellus Wallace. A primeira audição de Jackson foi ofuscada por Paul Calderón; Jackson tinha assumido que a audição era apenas uma leitura. Weinstein convenceu-o a auditar uma segunda vez e sua performance da cena de jantar final ganhou sobre Tarantino. Jules foi originalmente escrito com um afro gigante, mas o PA de Tarantino erroneamente comprou uma peruca enrolada de Jheri. Tarantino ficou furioso, mas Jackson o convenceu a mantê-lo desde que o penteado ganhou popularidade através do grupo de rap N.W.A. O crítico de cinema Owen Gleiberman considerou como uma "declaração em quadrinhos sobre a guetotização de [pessoas negras] nos filmes". Jackson recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Calderón aparece no filme como Paul, um barman no clube social de Marsellus, bem como o assistente de Marsellus. Tarantino escreveu o papel de Laurence Fishburne, que recusou. De acordo com Tarantino, Fishburne recusou-o porque sua equipe não o viu como um papel principal; Fishburne mais tarde disse que ele recusou porque ele sentiu o filme glamorizado heroína.

• Uma Thurman como Mia Wallace:

A mulher do Wallace e uma actriz aspirante. Miramax favoreceu Holly Hunter ou Meg Ryan pelo papel de Mia. Alfre Woodard e Meg Tilly também foram considerados, mas Tarantino queria Thurman após sua primeira reunião. Dominou o material promocional do filme, aparecendo em uma cama com cigarro na mão. Ela foi nomeada para um Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante. Apesar de ser lançado na lista A celebridade, Thurman optou por não fazer filmes de grande orçamento até Batman & Robin (1997) três anos depois.

• Harvey Keitel como Winston Wolfe:

Um "limpador" que ajuda Jules e Vincent. Tarantino escreveu a parte de Wolfe para Keitel, que havia estreado em Cães de reservatório e foi fundamental em sua produção. Nas palavras de Tarantino, "Harvey tinha sido meu ator favorito desde os 16 anos de idade." Keitel tinha jogado um personagem similarmente empregado Ponto de Não Retorno (1993).

• Tim Roth como Ringo / "Pumpkin":

Um ladrão e namorado da Yolanda. Roth tinha estrelado em Cães de reservatório ao lado de Keitel. Ele tinha usado um sotaque americano em Cães de reservatório mas usou seu natural, sotaque de Londres em Ficção de polpa. Embora Tarantino tivesse escrito a parte com Roth em mente, a cabeça de TriStar Mike Medavoy preferiu Johnny Depp ou Christian Slater. No início do desenvolvimento, Tarantino tinha contemplado o elenco de Roth como Vincent e Gary Oldman como Jules, reescrevendo os personagens como "dois tipos ingleses".

• Amanda Plummer como Yolanda/"Honey Bunny":

A namorada e parceira do Ringo no crime. Tarantino escreveu o papel de Yolanda para Plummer em parceria com Roth. Roth tinha apresentado Tarantino a ela, dizendo: "Eu quero trabalhar com Amanda em um de seus filmes, mas ela tem que ter uma arma muito grande."

• Maria de Medeiros como Fabienne:

A namorada do Butch. Tarantino conheceu de Medeiros, atriz portuguesa, enquanto viajava com Cães de reservatório em torno do circuito europeu do festival de cinema.

• Ving Rhames como Marsellus Wallace:

Um chefe do crime e empregador de Jules e Vincent. Antes de Rhames ser escalado, a parte de Wallace foi inicialmente oferecida a Max Julien e Sid Haig, mas ambos recusaram o papel. De acordo com Bender, Rhames deu "uma das melhores audições que já vi". Seu desempenho aclamado levou-o a ser lançado em recursos de grande orçamento, como Missão Impossível (1996) Ar condicionado (1997) e Fora da vista (1998).

• Eric Stoltz como Lance:

O traficante do Vincent. Gary Oldman foi a escolha preferida entre os executivos da TriStar, com base em seu retrato de Drexl Spivey do chulo que se dedica a drogas em Romance verdadeiro (1993).

• Rosanna Arquette como Jody:

A mulher do Lance. Pam. Grier leu para o papel, mas Tarantino não acreditava que o público iria achar plausível para Lance gritar com ela. Tarantino mais tarde lançou Grier como o papel principal para Jackie Brown. Ellen DeGeneres também leu para a parte de Jody. A irmã de Rosanna Alexis (então conhecida como Robert Arquette) também aparece no filme, como um homem que emerge de uma casa de banho para atirar e perder Vincent e Jules que então o matam.

• Christopher Walken como Capitão Koons:

Um veterano da USAF da Guerra do Vietnã que entrega um jovem Butch relógio de ouro cobiçado de seu pai. Durante o monólogo de Koons, que é intercalado com descrições coloridas do Viet Cong, ele menciona um soldado chamado "Winocki". Joe Winocki (John Garfield) é um personagem no filme de 1943 Força aérea dirigido por Howard Hawks, um dos diretores favoritos de Tarantino. Tarantino interpretou um personagem chamado Desmond Winocki em uma aparição em um episódio de All American Girl título Síntese de polpa.

• Bruce Willis como Butch Coolidge:

Um pugilista envelhecido a fugir de Marsellus a traí-lo. Willis já era uma estrela, mas a maioria dos seus filmes recentes foram decepções críticas e bilheteiras. Como relacionado por Peter Bart, participando do filme modestamente orçamentado "meente reduzir seu salário e arriscar seu status de estrela, mas a estratégia... pagou realmente: Ficção de polpa não só trazido Willis novo respeito como ator, mas também lhe valeu vários milhões de dólares". A aparência de Willis e presença física foram cruciais para Tarantino, "Bruce tem o olhar de um ator de 50 anos. Não consigo pensar em nenhuma outra estrela que tenha esse olhar". O olhar de Butch foi modelado em Aldo Ray em Noite e seu comportamento baseado no retrato de Ralph Meeker de Mike Hammer em Robert Aldrich Beija-me mortalmente. Chandler Lindauer interpreta um jovem Butch.

Bronagh Gallagher interpreta a amiga de Jody, Trudi, que faz pouco além de fumar um cachimbo durante a cena em que Vincent revive Mia. De acordo com o autor Jason Bailey, “Quentin achou que seria engraçado ter esse observador casual que por acaso estava lá. Tudo isso nasceu da experiência de que quando você vai na casa de alguém comprar droga, sempre tem gente que está ali simplesmente. Phil LaMarr interpreta Marvin, um associado de Jules e Vincent. LaMarr fez o teste para Tarantino depois que ambos fizeram um show para um grupo de improvisação alguns meses antes. Ele leu para os papéis de Jules Winnfield e Brett antes de ser escalado como Marvin. Tarantino aparece como Jules. amigo Jimmie, em cuja casa eles limpam um assassinato. Tarantino não tinha certeza se interpretaria Jimmie ou Lance, escolhendo Jimmie porque queria estar por trás das câmeras durante a cena de overdose de Mia.

Frank Whaley interpreta Brett, que tem uma pasta solicitada por Marcellus. Whaley conheceu Tarantino enquanto ele filmava Reservoir Dogs em um laboratório no Sundance Institute. Ele lembra: “acabamos nos conhecendo e passando um tempo juntos, e eu gostei dele, então fiquei muito feliz quando ele me convidou para participar deste filme”. Burr Steers aparece como Roger, um amigo de Brett apelidado de 'Bando de Gaivotas'. por Júlio. A cena do confronto entre Brett e Jules passou por diversas tomadas devido aos erros de Steers. Steers lembrou em uma entrevista que achou difícil atuar devido ao volume dos tiros.

Angela Jones interpreta Esmarelda Villalobos, uma motorista de táxi que ajuda Butch a escapar. Seu elenco e personagem foram inspirados por sua atuação no curta-metragem Curdled, de 1991, mais tarde refeito como um longa-metragem de 1996 com financiamento de Tarantino e novamente estrelado por Jones. Duane Whitaker, Peter Greene e Stephen Hibbert interpretam Maynard, Zed e o gimp. De acordo com o The Daily Beast, esses 'três caipiras psicopatas' que estuprou Marsellus no porão da loja de Maynard faz alusão ao filme Deliverance. Steve Buscemi faz uma aparição como garçom no Jack Rabbit Slim's, vestido como Buddy Holly. Buscemi, que apareceu em Reservoir Dogs, foi originalmente considerado para o papel de Jimmie, mas não conseguiu se comprometer. Kathy Griffin aparece como ela mesma. Michael Gilden e Joseph Pilato também aparecem no Jack Rabbit Slim's como o garçom Phillip Morris Page e um imitador de Dean Martin, respectivamente. Emil Sitka fez uma participação especial por meio de imagens de arquivo póstumas, Karen Maruyama aparece como "Gawker #1" após o acidente de carro de Butch, e Julia Sweeney interpreta Raquel, filha do dono do ferro-velho onde o corpo de Marvin é descartado. O produtor Lawrence Bender faz uma participação especial como vítima do assalto à lanchonete, creditado como “Long Hair Yuppie-Scum”. Jerome Patrick Hoban aparece no segmento de Jack Rabbit Slim como um imitador de Ed Sullivan. Susan Griffiths aparece ao lado de Hoban como uma imitadora de Marilyn Monroe.

Produção

Escrita

Roger Avary escreveu o primeiro elemento do que se tornaria o roteiro de Pulp Fiction no outono de 1990:

Tarantino e Avary decidiram escrever um curto, na teoria de que seria mais fácil ser feito do que uma característica. Mas eles rapidamente perceberam que ninguém produz calções, então o filme se tornou uma trilogia, com uma seção de Tarantino, uma por Avary, e uma por um terceiro diretor que nunca se materializou. Cada um eventualmente expandiu sua seção em um script de longa duração.

A inspiração inicial foi a antologia de terror em três partes Black Sabbath (1963), do cineasta italiano Mario Bava. O projeto Tarantino-Avary foi provisoriamente intitulado “Máscara Negra”, em homenagem à revista seminal de ficção policial hardboiled. O roteiro de Tarantino foi produzido como Reservoir Dogs, sua estreia na direção; Avary criou a base para o "Gold Watch" enredo de Pulp Fiction.

Com o trabalho em Reservoir Dogs concluído, Tarantino voltou à noção de uma trilogia: “Tive a ideia de fazer algo que os romancistas tenham a chance de fazer, mas os cineastas não”.;t: contar três histórias separadas, com personagens entrando e saindo com pesos diferentes dependendo da história. Tarantino explica que a ideia "era basicamente pegar as castanhas mais antigas que você já viu quando se trata de histórias de crime - as histórias mais antigas do livro... Você sabe, 'Vincent Vega e a esposa de Marsellus Wallace' – a história mais antiga sobre... o cara tem que sair com a mulher do grandalhão e não tocar nela. Você sabe, você já viu a história um zilhão de vezes. “Estou usando formas antigas de contar histórias e, em seguida, fazendo com que elas deem errado de propósito”, diz ele. “Parte do truque é pegar esses personagens de filmes, esses personagens de gênero e essas situações de gênero e realmente aplicá-los a algumas regras da vida real e ver como elas se desenrolam”. Em pelo menos um caso, o do boxeador Butch Coolidge, Tarantino tinha em mente um personagem específico de uma clássica história policial de Hollywood: “Eu queria que ele fosse basicamente como Ralph Meeker como Mike Hammer em O Beijo de Aldrich”. Eu mortal [1955]. Eu queria que ele fosse um valentão e um idiota.

Tarantino começou a trabalhar no roteiro de Pulp Fiction em Amsterdã, em março de 1992, possivelmente no Winston Hotel, no Red Light District. Ele foi acompanhado por Avary, que contribuiu com "Pandemonium Reigns" ao projeto e participou de sua reescrita, bem como do desenvolvimento das novas histórias que se vinculariam a ele. Duas cenas originalmente escritas por Avary para o roteiro de True Romance, creditadas exclusivamente a Tarantino, foram incorporadas na abertura de "The Bonnie Situation": a cena "milagrosa" tiros errados do atirador escondido e morte do automóvel no banco traseiro. A noção de “limpador” do mundo do crime; que se tornou o coração do episódio foi inspirado em um curta, Curdled, que Tarantino viu em um festival de cinema. Ele escalou a atriz principal, Angela Jones, para Pulp Fiction e mais tarde apoiou o filme dos cineastas. produção de uma versão longa-metragem de Curdled. O roteiro incluía algumas marcas comerciais inventadas que frequentemente apareciam em filmes posteriores de Tarantino: hambúrgueres Big Kahuna (um copo de refrigerante Big Kahuna aparece em Reservoir Dogs) e cigarros Red Apple. Enquanto trabalhava no roteiro, Tarantino também acompanhou Reservoir Dogs nos festivais de cinema europeus. Lançado nos Estados Unidos em outubro de 1992, o filme foi um sucesso comercial e de crítica. Em janeiro de 1993, o roteiro de Pulp Fiction estava completo.

Financiamento

Tarantino e seu produtor, Lawrence Bender, trouxeram o roteiro para a Jersey Films. Antes mesmo de ver Reservoir Dogs, Jersey tentou contratar Tarantino para seu próximo projeto. No final das contas, um acordo de desenvolvimento no valor de cerca de US$ 1 milhão foi fechado: o acordo deu à A Band Apart, a recém-formada produtora de Bender e Tarantino, financiamento inicial e instalações de escritório; Jersey ficou com uma parte do projeto e o direito de comprar o roteiro para um estúdio. Jersey teve uma distribuição e "primeira olhada" negociar com a Columbia TriStar, que pagou a Tarantino pelo direito de considerar o exercício de sua opção. Em fevereiro, Pulp Fiction apareceu na lista da Variety de filmes em pré-produção na TriStar. Em junho, porém, o estúdio deu uma reviravolta no roteiro. De acordo com um executivo do estúdio, o chefe da TriStar, Mike Medavoy, achou o filme “muito demente”. Houve sugestões de que a TriStar resistia em apoiar um filme apresentando um usuário de heroína; também houve indícios de que o estúdio simplesmente considerou o projeto de orçamento muito baixo para a imagem desejada de estrela. Avary – que estava prestes a começar a filmar sua estreia como diretor, Killing Zoe – disse que as objeções de TriStar eram abrangentes, abrangendo a estrutura fundamental do roteiro. Ele caracteriza a posição do estúdio: "'Esta é a pior coisa já escrita. Isso não faz sentido. Alguém está morto e então está vivo. É muito longo, violento e impossível de ser filmado.'... Então pensei: 'É isso!& #39;"

Bender levou o roteiro para a Miramax, o estúdio anteriormente independente que havia sido recentemente adquirido pela Disney. Harvey Weinstein – copresidente da Miramax, junto com seu irmão Bob – ficou instantaneamente encantado com o roteiro e a empresa o aceitou. Pulp Fiction, o primeiro projeto da Miramax a receber luz verde após a aquisição da Disney, foi orçado em US$ 8,5 milhões. Foi o primeiro filme totalmente financiado pela Miramax. Ajudando a manter os custos baixos foi o plano que Bender executou para pagar a todos os principais atores o mesmo valor por semana, independentemente de seu status no setor. O The New York Times relatou: “A maioria dos atores recebia salários relativamente pequenos junto com uma porcentagem dos lucros”. A maior estrela a assinar o projeto foi Bruce Willis. Embora ele tivesse aparecido recentemente em vários fracassos de grande orçamento, ele ainda era uma grande atração no exterior. Com a força de seu nome, a Miramax arrecadou US$ 11 milhões pelos direitos mundiais do filme, praticamente garantindo sua lucratividade.

Filmagem

A fotografia principal começou em 20 de setembro de 1993. Todos os principais talentos fora das telas trabalharam com Tarantino em Reservoir Dogs – o diretor de fotografia Andrzej Sekuła, a editora de cinema Sally Menke, o designer de produção David Wasco e a figurinista Betsy Heimann. De acordo com Tarantino, “[nós] tínhamos US$ 8 milhões. Eu queria que parecesse um filme de US$ 20 a 25 milhões. Eu queria que parecesse um épico. É um épico em tudo - na invenção, na ambição, na extensão, no escopo, em tudo, exceto no preço. O filme, diz ele, foi rodado em 50 filmes ASA, que é o filme mais lento que eles produzem. A razão pela qual o usamos é que ele cria uma imagem quase sem granulação, é brilhante. É a coisa mais próxima que temos do Technicolor dos anos 50.” A maior parte do orçamento - US$ 150.000 - foi destinada à criação do conjunto Jack Rabbit Slim. Foi construído em um armazém de Culver City, onde se juntaram vários outros sets, bem como os escritórios de produção do filme. A sequência do jantar foi filmada em Hawthorne, no Hawthorne Grill, conhecido por sua arquitetura Googie. Para os figurinos, Tarantino se inspirou no diretor francês Jean-Pierre Melville, que acreditava que as roupas que seus personagens usavam eram suas armaduras simbólicas. Tarantino se colocou em um papel de tamanho modesto, como fez em Reservoir Dogs. Um de seus totens pop, Fruit Brute, um cereal da General Mills há muito descontinuado, também retornou do filme anterior. As filmagens terminaram em 30 de novembro. Antes da estreia de Pulp Fiction, Tarantino convenceu Avary perder o crédito de co-autoria acordado e aceitar uma 'história de' crédito, então a linha "Escrito e dirigido por Quentin Tarantino" pode ser usado em publicidade e na tela.

Música

Nenhuma trilha sonora foi composta para Pulp Fiction; Em vez disso, Quentin Tarantino usou uma variedade eclética de surf music, rock and roll, soul e pop. A versão de Dick Dale de 'Misirlou' toca durante os créditos de abertura. Tarantino escolheu a surf music como estilo musical básico do filme, mas não, ele insiste, por causa de sua associação com a cultura do surf: “Para mim soa apenas como rock and roll, até mesmo música de Morricone. Parece rock and roll espaguete ocidental. Tarantino planejou usar uma música pop poderosa, "My Sharona" por The Knack, durante a cena de estupro do filme, mas acabou desconsiderando-o.

Algumas das músicas foram sugeridas a Tarantino por seus amigos Chuck Kelley e Laura Lovelace, que foram creditados como consultores musicais. Lovelace também apareceu no filme como Laura, uma garçonete; ela repete o papel em Jackie Brown. O álbum da trilha sonora foi lançado junto com o filme em 1994. O álbum alcançou o pico na parada Billboard 200 no número 21. O single, cover de Urge Overkill da música de Neil Diamond, "Girl, You'll Seja Mulher Logo', alcançou a posição 59.

Estella Tincknell descreve como a combinação específica de gravações conhecidas e obscuras ajuda a estabelecer o filme como um filme "conscientemente 'legal'. texto. [O] uso do estilo mono-tracked e com batidas pesadas do 'underground' americano do início dos anos 1960. pop misturado com 'clássico' baladas como 'Son of a Preacher Man' de Dusty Springfield; é crucial para o conhecimento pós-moderno do filme. Ela compara a trilha sonora com a de Forrest Gump, o filme de maior bilheteria de 1994, que também conta com gravações pop de época: “[A] versão dos ‘anos sessenta’”. 39; oferecido por Pulp Fiction... certamente não é o da contracultura publicamente reconhecida apresentada em Forrest Gump, mas é, antes, uma forma mais genuinamente marginal de sub- cultura baseada em um estilo de vida - surfar, 'passear' – isso é resolutamente apolítico. A trilha sonora é fundamental, diz ela, para o envolvimento do filme com o “espectador mais jovem e conhecedor do cinema”. ele solicita.

Liberação e recepção

Lançamento e bilheteria

Pulp Fiction estreou em maio de 1994 no Festival de Cinema de Cannes. Os Weinsteins “chegaram à praia como comandos”, trazendo todo o elenco do filme. O filme foi apresentado à meia-noite e causou sensação. Ganhou a Palma de Ouro, principal prêmio do festival, gerando mais uma onda de publicidade.

A primeira resenha do filme nos EUA foi publicada em 23 de maio na revista especializada Variety. Todd McCarthy chamou Pulp Fiction de uma “peça espetacularmente divertida da cultura pop... um sucesso enorme e surpreendente”. De Cannes em diante, Tarantino esteve na estrada continuamente, promovendo o filme. Nos meses seguintes tocou em festivais menores por toda a Europa, criando buzz: Nottingham, Munique, Taormina, Locarno, Noruega e San Sebastián. Tarantino disse mais tarde: “Uma coisa legal é que, ao quebrar a estrutura linear, quando assisto ao filme com o público, isso quebra o estado alfa [do público]. É como se, de repente, 'Tenho que assistir isso... preciso prestar atenção'. Você quase pode sentir todos se movendo em seus assentos. Na verdade, é divertido assistir o público, de certa forma, perseguir um filme. No final de setembro, abriu o Festival de Cinema de Nova York. O The New York Times publicou sua resenha no dia da inauguração. Janet Maslin chamou o filme de uma “jornada triunfante e inteligentemente desorientadora através de um semimundo que brota inteiramente da imaginação madura do Sr. Tarantino, uma paisagem de perigo, choque, hilaridade e cores locais vibrantes... [Ele] criou um trabalho de tamanha profundidade, sagacidade e originalidade que o coloca na primeira linha dos cineastas americanos.

Em 14 de outubro de 1994, Pulp Fiction foi lançado nos Estados Unidos. Como descreve Peter Biskind: “Não foi plataforma, isto é, não estreou em alguns cinemas e foi lançado lentamente à medida que o boca a boca crescia, a forma tradicional de lançar um filme independente; foi lançado imediatamente, em 1.100 cinemas. Aos olhos de alguns críticos culturais, Reservoir Dogs deu a Tarantino a reputação de glamorizar a violência. A Miramax brincou com a questão em sua campanha de marketing: “Você não conhecerá os fatos até que tenha visto a ficção”, dizia um slogan. Pulp Fiction foi o filme de maior bilheteria nos EUA em seu primeiro fim de semana, com um faturamento bruto de US$ 9.311.882, superando um veículo de Sylvester Stallone, The Specialist, que estava em sua segunda semana e tocando em mais que o dobro de cinemas. O valor bruto reivindicado pela Miramax foi contestado por outros. inicialmente relatou um faturamento bruto estimado de US$ 8,9 milhões para The Specialist, com Bob Weinstein relatando um faturamento bruto para Pulp Fiction de US$ 9,1 milhões, alegando que o filme estava em mais 100 telas que antes eram esquecidas. A Warner então atualizou seu valor bruto para US$ 9,3 milhões, alegando que havia cometido um erro de cálculo. Na manhã de segunda-feira, a Miramax reportou um faturamento bruto de US$ 9,3 milhões, com a Warner reportando US$ 8,9 milhões para The Specialist, colocando Pulp Fiction em primeiro lugar, mas outras fontes da indústria não acreditaram no lucro da Miramax. números. A Variety estimou que Pulp Fiction arrecadou de US$ 8,6 a US$ 9 milhões no fim de semana.

Contra seu orçamento de US$ 8,5 milhões e cerca de US$ 10 milhões em custos de marketing, Pulp Fiction arrecadou US$ 107,93 milhões nas bilheterias dos EUA, tornando-se o primeiro filme da Miramax a ultrapassar US$ 100 milhões nos Estados Unidos e Canadá. Em todo o mundo, arrecadou quase US$ 213 milhões. Em termos de receita doméstica, foi o décimo maior filme de 1994, embora tenha sido exibido em substancialmente menos telas do que qualquer outro filme entre os 20 primeiros. O envolvimento popular com o filme, como especulações sobre o conteúdo da preciosa maleta, & #34;indica o tipo de status de culto que Pulp Fiction alcançou quase imediatamente." Como diz o MovieMaker: “O filme foi nada menos que um fenômeno cultural nacional”. No exterior também: na Grã-Bretanha, onde estreou uma semana após seu lançamento nos EUA, o filme não só foi um grande sucesso, mas em forma de livro seu roteiro se tornou o de maior sucesso na história editorial do Reino Unido, um best-seller entre os dez mais vendidos.

Resposta crítica

No agregador de críticas Rotten Tomatoes, o filme tem um índice de aprovação de 92% com base em 116 críticas, com uma classificação média de 9,20/10. O consenso crítico do site diz: “Um dos filmes mais influentes da década de 1990, Pulp Fiction é uma mistura pós-moderna delirante de emoções neo-noir e humor negro como breu”. e marcos da cultura pop. No Metacritic, o filme tem uma pontuação média ponderada de 95 em 100, com base em 25 críticos, indicando “aclamação universal”. O público pesquisado pelo CinemaScore deu ao filme uma nota média de "B+" em uma escala de A+ a F.

A resposta dos principais críticos de cinema americanos foi amplamente favorável. Roger Ebert chamou de “uma comédia sobre sangue, entranhas, violência, sexo estranho, drogas, brigas fixas, eliminação de cadáveres, malucos por couro e um relógio de pulso que faz uma jornada sombria através das gerações… O roteiro de Tarantino e Roger Avary tão bem escrito de um jeito desleixado e fanzine que dá vontade de esfregar o nariz nele - os narizes daqueles escritores zumbis que aceitam 'roteiros' aulas que ensinam as fórmulas para 'filmes de sucesso'". Richard Corliss, da TIME, escreveu: “Ele se eleva sobre os outros filmes do ano de forma tão majestosa e ameaçadora quanto um chefe de gangue em uma pré-escola. Os filmes de Hollywood desafiam a ser tão inteligentes em ir tão longe. Se bons diretores aceitarem o desafio implícito de Tarantino, o cinema poderá voltar a ser um ótimo lugar para se viver.” Na Newsweek, David Ansen escreveu: “O milagre de Pulp Fiction de Quentin Tarantino é como, sendo composto de partes degradadas e de segunda mão, ele consegue brilhando como algo novo. "Você fica intoxicado com isso," escreveu Owen Gleiberman da Entertainment Weekly', "no auge da redescoberta de quão prazeroso um filme pode ser. Não tenho certeza se já encontrei um cineasta que combinasse disciplina e controle com pura alegria selvagem, como Tarantino faz. “Há um toque especial em assistir algo tão emocionante e vivo”, escreveu Peter Travers da Rolling Stone. "Pulp Fiction é indiscutivelmente ótimo."

O Los Angeles Times foi um dos poucos grandes meios de comunicação a publicar uma crítica negativa no fim de semana de estreia do filme. Kenneth Turan escreveu: “O diretor-roteirista parece estar se esforçando para conseguir seus efeitos. Algumas sequências, especialmente uma envolvendo arreios de escravidão e estupro homossexual, têm a sensação desconfortável de desespero criativo, de alguém que tem medo de perder sua reputação lutando por qualquer forma de ofender as sensibilidades. Alguns que o revisaram nas semanas seguintes criticaram mais a reação crítica predominante do que Pulp Fiction em si. Embora não tenha criticado o filme, Stanley Kauffmann, do The New Republic, sentiu que “a maneira como [ele] foi tão amplamente devorado e babado beira o nojento”. Pulp Fiction nutre, estimula a degradação cultural." Respondendo às comparações entre o filme de Tarantino e o trabalho do diretor francês da New Wave Jean-Luc Godard, especialmente seu primeiro e mais famoso longa-metragem, Jonathan Rosenbaum do Chicago Reader escreveu: " O fato de Pulp Fiction estar recebendo elogios mais extravagantes do que Breathless já lhe diz muito sobre que tipo de referências culturais são consideradas mais frutíferas - ou seja, aquelas que já temos e não deseja expandir. Observando na National Review que “nenhum filme chega com mais hype antecipado”, John Simon não se deixou abalar: “a excitação não cura nem o vazio nem a superficialidade”.

O debate sobre o filme se espalhou para além das páginas de crítica, sendo a violência frequentemente o tema. No The Washington Post, Donna Britt descreveu como ficou feliz por não ter visto Pulp Fiction em um fim de semana recente e, assim, evitou “discutir a cena emocionante em que um tiro espalha o cérebro de alguém no interior de um carro. Alguns comentaristas criticaram o uso frequente da palavra “negro” no filme. (mencionado 18 vezes). No Chicago Tribune, Todd Boyd argumentou que a recorrência da palavra “tem a capacidade de significar o nível máximo de modernidade para homens brancos que historicamente usaram sua percepção da masculinidade negra como a personificação do legal". Na Grã-Bretanha, James Wood, escrevendo no The Guardian, deu o tom para muitas críticas subsequentes: “Tarantino representa o triunfo final do pós-modernismo, que consiste em esvaziar a obra de arte de todo o conteúdo, evitando assim sua capacidade de fazer qualquer coisa, exceto representar impotentemente nossas agonias... Somente nesta época um escritor tão talentoso como Tarantino poderia produzir obras de arte tão vazias, tão totalmente desprovidas de qualquer política, metafísica ou interesse moral.

Temporada de premiações

Na virada do ano, Pulp Fiction foi nomeado Melhor Filme pela National Society of Film Critics, National Board of Review, Los Angeles Film Critics Association, Boston Society of Film Critics, Society of Críticos de Cinema do Texas, Associação de Críticos de Cinema do Sudeste e Círculo de Críticos de Cinema de Kansas City. Tarantino foi nomeado Melhor Diretor por todas essas sete organizações, bem como pelo New York Film Critics Circle e pela Chicago Film Critics Association. O roteiro ganhou diversos prêmios, com diversas entidades adjudicantes atribuindo créditos de forma diferenciada. No 52º Globo de Ouro, Tarantino, eleito o único ganhador do prêmio de Melhor Roteiro, não mencionou Avary em seu discurso de agradecimento. Em fevereiro de 1995, o filme recebeu sete indicações ao Oscar: Melhor Filme, Diretor, Ator (Travolta), Ator Coadjuvante (Jackson), Atriz Coadjuvante (Thurman), Roteiro Original e Edição de Filme. Travolta, Jackson e Thurman também foram indicados para o 1st Screen Actors Guild Awards, apresentado em 25 de fevereiro, mas nenhum levou para casa a homenagem. Na cerimônia do Oscar no mês seguinte, Tarantino e Avary foram anunciados como co-vencedores do Oscar de Melhor Roteiro Original. O furor em torno do filme ainda era forte: grande parte da edição de março da Artforum foi dedicada à sua dissecação crítica. Pulp Fiction recebeu quatro prêmios no Independent Spirit Awards, realizado no final do mês: Melhor Longa-Metragem, Melhor Diretor, Protagonista Masculino (Jackson) e Melhor Roteiro (Tarantino). No British Academy Film Awards (BAFTA), Tarantino e Avary dividiram o prêmio BAFTA de Melhor Roteiro Original, e Jackson ganhou o de Melhor Ator Coadjuvante. O filme foi indicado ao Grande Prêmio da Associação Belga de Críticos de Cinema.

A edição de fevereiro de 2020 da New York Magazine lista Pulp Fiction ao lado de Cidadão Kane, Sunset Boulevard, < eu>Dr. Strangelove, Butch Cassidy e o Sundance Kid, The Conversation, Nashville, Taxi Driver, < i>O Homem Elefante, No Quarto, Haverá Sangue e Roma como " Os melhores filmes que perderam o melhor filme no Oscar".

Legado e influência

Pulp Fiction rapidamente passou a ser considerado um dos filmes mais significativos de sua época. Em 1995, numa edição especial da Siskel & Ebert dedicado a Tarantino, Gene Siskel argumentou que a obra representava um grande desafio à “ossificação dos filmes americanos com suas fórmulas brutais”. Na opinião de Siskel,

a intensidade violenta de Ficção de polpa Chama a mente outros filmes aguados violentos que foram considerados clássicos em seu tempo e ainda são. Hitchcock's Psicólogo [1960], Arthur Penn's Bonnie e Clyde [1967], e Stanley Kubrick's Um relógio de laranja [1971]. Cada filme abalou uma indústria de filmes cansados e inchaços e usou um mundo de vida baixa para refletir o quão sombrio os outros filmes se tornaram. E isso, eu prevejo, será a honra final para Ficção de polpa. Como todos os grandes filmes, critica outros filmes.

Ken Dancyger escreve que seu "estilo imitativo e inovador" – como o de seu antecessor, Reservoir Dogs – representa

um novo fenômeno, o filme cujo estilo é criado a partir do contexto da vida do filme em vez da vida real. A consequência é dupla – a presunção de profundo conhecimento por parte do público dessas formas, como os filmes de gangster ou westerns, filmes de terror ou filmes de aventura. E que a paródia ou alteração desse filme cria uma nova forma, uma experiência diferente para o público.

Em um discurso amplamente coberto em 31 de maio de 1995, o candidato presidencial republicano Bob Dole atacou a indústria do entretenimento americana por vender “pesadelos de depravação”. Pulp Fiction logo foi associado às suas acusações de violência gratuita. Dole não mencionou o filme; ele citou dois filmes menos famosos baseados em roteiros de Tarantino, Natural Born Killers e True Romance. Em setembro de 1996, Dole acusou Pulp Fiction – que ele não tinha visto – de promover “o romance da heroína”.

Paula Rabinowitz expressa a opinião geral da indústria cinematográfica de que Pulp Fiction "ressuscitou simultaneamente John Travolta e o filme noir". Na descrição de Peter Biskind, isso criou um “frenesi de caras com armas”. O filme também foi rotulado como uma comédia negra e 'neo-noir'. O crítico Geoffrey O’Brien, no entanto, argumentou contra a classificação de Pulp Fiction no gênero neo-noir: “As antigas paixões noir, a melancolia taciturna e as cenas de morte operísticas, estaria totalmente deslocado no país das maravilhas nítido e bem iluminado que Tarantino evoca. [Não é] nem neo-noir nem uma paródia do noir. Da mesma forma, Nicholas Christopher chama isso de “mais acampamento de gangues do que neo-noir”, e Foster Hirsch sugere que sua “paisagem de fantasia alucinante” é uma realidade. caracteriza-o de forma mais definitiva do que qualquer rótulo de gênero. Independentemente disso, a influência estilística de Pulp Fiction logo se tornou aparente. Menos de um ano após o lançamento do filme, o crítico britânico Jon Ronson compareceu às exibições de final de semestre da National Film School e avaliou o impacto: “Dos cinco filmes de estudantes que assisti, quatro incorporaram tiroteios violentos ao longo de uma trilha sonora de sucessos pop iconoclastas dos anos 70, dois culminaram com todos os personagens principais atirando uns nos outros ao mesmo tempo, e um tinha dois assassinos discutindo as idiossincrasias de The Brady Bunch antes de se matarem. vítima. Desde Cidadão Kane, nenhum homem apareceu da relativa obscuridade para redefinir a arte do cinema. Entre os primeiros filmes de Hollywood citados como seus imitadores estavam O destino liga o rádio (1995), em que Tarantino atuou, Coisas para fazer em Denver quando você estiver morto (1995) e 2 Dias no Vale (1996). Isso “desencadeou uma miríade de clones”, escreve Fiona Villella. Internacionalmente, de acordo com David Desser, “não apenas influenciou uma marca britânica de noir, mas estendeu a visão noir virtualmente ao redor do mundo”. O efeito de Pulp Fiction'na forma cinematográfica ainda reverberava em 2007, quando David Denby da The New Yorker creditou-lhe o início do ciclo contínuo de narrativas cinematográficas desordenadas.

De acordo com a Variety, a trajetória de Pulp Fiction, desde o lançamento em Cannes até o sucesso comercial, “alterou o jogo para sempre”; do chamado cinema independente. Isso “consolidou o lugar da Miramax como a superpotência indie reinante”, escreve Biskind. "Pulp se tornou o Star Wars dos independentes, explodindo as expectativas sobre o que um filme independente poderia fazer nas bilheterias." O grande retorno financeiro do filme com seu pequeno orçamento

Transformar [ed] a atitude da indústria em relação às baixas Índias... gerando um bando de divisões de me-too clássicos... [S] Os executivos de estúdio inteligentes de repente acordaram para o fato de que o bruto e a quota de mercado, que tem toda a imprensa, não eram os mesmos que lucros... Uma vez que os estúdios perceberam que eles poderiam explorar as economias de escala (pequena), eles mais ou menos desistiram de comprar ou refazer os filmes em si, e ou compraram os distribuidores, como a Disney tinha Miramax, ou começaram a sua própria cópia... Estratégias de marketing e distribuição da Miramax.

Em 2001, a Variety, observando o número crescente de atores alternando entre filmes de estúdio caros e projetos independentes ou de estilo indie de baixo orçamento, sugeriu que o “momento divisor de águas para estrelas de cinema" veio com a decisão de Willis – um dos artistas mais bem pagos de Hollywood – de aparecer em Pulp Fiction.

Foi descrito como um "grande evento cultural", um "fenômeno internacional" que influenciou a televisão, a música, a literatura e a publicidade. Não muito depois do seu lançamento, foi identificado como um foco significativo de atenção dentro da crescente comunidade de utilizadores da Internet. Adicionando Pulp Fiction à sua lista de The Great Movies em 2001, Roger Ebert chamou-o de “o filme mais influente da década”. Quatro anos depois, Corliss da Time'escreveu praticamente a mesma coisa: " (inquestionavelmente) o filme americano mais influente dos anos 90".

Várias cenas e imagens do filme alcançaram status de ícone; em 2008, a Entertainment Weekly declarou: “Seria difícil, agora, citar um momento do filme de Quentin Tarantino que não seja icônico”.." "Royale com Queijo' de Jules e Vincent o diálogo ficou famoso. Foi referenciado mais de uma década e meia depois no veículo Travolta From Paris with Love. A dose de adrenalina no coração de Mia Wallace está na lista de Premiere' dos "100 melhores momentos do cinema". A cena dos personagens de Travolta e Thurman dançando tem sido frequentemente homenageada, de forma mais inequívoca no filme Be Cool de 2005, estrelado pelos mesmos dois atores. A imagem dos personagens de Travolta e Jackson lado a lado, de terno e gravata, apontando suas armas, também se tornou amplamente familiar. Em 2007, a BBC News informou que “trabalhadores dos transportes de Londres pintaram um mural icônico de um “artista guerrilheiro”; Banksy... A imagem mostrava uma cena de Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, com Samuel L. Jackson e John Travolta segurando bananas em vez de armas. Certas falas foram adotadas popularmente como bordões, em particular a ameaça de Marsellus, “Eu vou ficar medieval na sua bunda”. O 'Ezequiel' de Jules a recitação foi eleita o quarto maior discurso cinematográfico de todos os tempos em uma pesquisa de 2004. Uma das homenagens mais notáveis a Jules "Bíblico" citação foi uma em que o próprio Jackson desempenhou um papel, perto do final de Capitão América: O Soldado Invernal de 2014, o personagem de Jackson, coronel Nick Fury, presumivelmente morto, visita seu próprio lápide, na qual, abaixo do nome de Fury está inscrito "O caminho do homem justo..." Ezequiel 25:17. Em 2019, foi relatado que Dominic Cummings, conselheiro político especial do primeiro-ministro britânico Boris Johnson, citou Jules dizendo aos parlamentares conservadores para “serem legais como os Fonzies”; à medida que a pressão política aumentava para solicitar uma prorrogação da data da saída do Reino Unido da União Europeia.

Pulp Fiction agora aparece em diversas avaliações críticas de grandes filmes de todos os tempos. Em 2008, a Entertainment Weekly considerou-o o melhor filme do último quarto de século. Nesse mesmo ano, o prêmio "Ten Top Ten" a enquete classificou-o em 7º lugar de todos os tempos no gênero de filme de gangster. Em 2007, foi eleito o 94º lugar geral na lista 100 Anos... 100 Filmes da AFI. Em 2005, foi nomeado um dos “100 filmes de todos os tempos da Time”. Em setembro de 2018, era o número 54 na lista do Metacritic das maiores pontuações de todos os tempos. O filme tem uma classificação muito elevada em pesquisas populares. Uma pesquisa da Empire de 2008, combinando as opiniões de leitores, profissionais da indústria cinematográfica e críticos, nomeou Pulp Fiction o nono melhor filme de todos os tempos. Em um livro dos leitores de 2006; pesquisa da revista britânica Total Film, foi classificado como o terceiro filme da história. Foi eleito o quarto melhor filme de todos os tempos em uma pesquisa nacional do Channel 4 da Grã-Bretanha em 2001. Em 2015, Pulp Fiction ficou em 28º lugar no ranking da BBC.;100 maiores filmes americanos" lista, votada por críticos de cinema de todo o mundo.

Análise crítica

Tarantino afirmou que originalmente planejava “fazer um filme de Máscara Negra”, referindo-se à revista responsável pela popularização da ficção policial hardboiled. '[Eu] meio que fui para outro lugar'. Geoffrey O'Brien vê o resultado como conectado "de forma bastante poderosa a uma tradição paralela da polpa: os contos de terror e o estranho praticados por escritores como Cornell Woolrich [e] Fredric Brown... Ambos trataram fortemente do reino de coincidências improváveis e piadas cósmicas cruéis, um reino que Pulp Fiction torna seu." Em particular, O'Brien encontra uma forte afinidade entre a intrincada mecânica do enredo e as reviravoltas dos romances de Brown e a estrutura recursiva e entrelaçada de Pulp Fiction. Philip French descreve a narrativa do filme como um “movimento circular ou tira de Möbius de um tipo que Resnais e Robbe-Grillet admirariam”. James Mottram considera o romancista policial Elmore Leonard, cuja influência Tarantino reconheceu, como o principal antecedente literário do filme. Ele sugere que o “diálogo rico” de Leonard é uma referência. se reflete na “jive repleta de cultura popular” de Tarantino; ele também aponta para o senso de humor agudo e extremamente sombrio que Leonard aplica ao domínio da violência como fonte de inspiração.

O estudioso/historiador de cinema Robert Kolker vê os “florescimentos”, a aparente banalidade espirituosa do diálogo, a fratura estúpida da temporalidade [como] uma pátina sobre um pastiche. O pastiche... é essencialmente de dois filmes que Tarantino parece não conseguir tirar da cabeça: Mean Streets [1973; dirigido por Martin Scorsese, que adorou Pulp Fiction e a forma como o filme foi contado] e The Killing [1956; dirigido por Stanley Kubrick]. Ele contrasta Pulp Fiction com os antecessores pós-modernos de Hollywood, Hudson Hawk (1991; estrelado por Willis) e Last Action Hero (1993; estrelado por Arnold Schwarzenegger). #34;levou a piada longe demais... simplesmente zombou ou sugeriu que eles eram mais espertos que o público" e fracassou. Todd McCarthy escreve que as “impressionantes composições widescreen do filme geralmente contêm objetos em close-up extremo, bem como contrastes vívidos, às vezes trazendo à mente as estratégias visuais de Sergio Leone”, um herói reconhecido de Tarantino. #39;s. Para Martin Rubin, os “visuais widescreen expansivos e coloridos” são muito importantes. evocam diretores de comédia como Frank Tashlin e Blake Edwards.

O filme apresenta alusões à cultura pop, que vão desde a famosa imagem da saia de Marilyn Monroe voando sobre a grade do metrô até Jules se dirigindo a uma futura vítima como “Flock”. de Gaivotas" por causa de seu corte de cabelo levaram muitos críticos a discuti-lo no âmbito do pós-modernismo. Descrevendo o filme em 2005 como a "obra-prima pós-moderna" de Tarantino... até hoje", David Walker escreve que ele "é marcado por sua reverência lúdica pela década de 1950... e sua constante provocações e muitas vezes referências respeitosas a outros filmes. Ele caracteriza sua complicada técnica narrativa como “malandragem pós-moderna”. Chamando o filme de uma “colagem pós-moderna terminalmente moderna”, Foster Hirsch acha que Pulp Fiction está longe de ser uma obra-prima: “autoritário, influente e sem sentido”. Situado “em um mundo que só poderia existir nos filmes”, é “um suculento prazer culposo, junk food lindamente feito para cineastas”. O'Brien, rejeitando tentativas de associar o filme ao filme noir, argumenta que 'Pulp Fiction' é mais uma visita guiada a um parque temático infernal decorado com detritos culturais, Buddy Holly e Mamie Van Doren, fragmentos de blaxploitation e Roger Corman e Shogun Assassin, música de uma estação de músicas antigas 24 horas por dia para a qual todas as décadas desde os anos 50 existem simultaneamente. Catherine Constable considera exemplar o momento em que uma agulha cheia de adrenalina é mergulhada no coração de Mia em coma. Ela propõe que isso “pode ser visto como algo que efetua sua ressurreição dos mortos, simultaneamente lembrando e minando a convenção gótica da estaca do vampiro”. Neste modelo, a referência a formas e estilos estéticos anteriores vai além do... pastiche vazio, sustentando uma expressão 'inventiva e afirmativa' modo do pós-modernismo.

Mark T. Conard pergunta: "[Sobre]que é o filme sobre?" e responde: “Niilismo americano”. Hirsch sugere: “Se o filme é realmente sobre algo além de sua própria inteligência, ele parece dedicado à tese duvidosa de que os assassinos fazem parte da família humana”. Richard Alleva argumenta que "Pulp Fiction tem tanto a ver com a criminalidade ou a violência reais quanto Cyrano de Bergerac com as realidades da França do século XVII ou >O Prisioneiro de Zenda com a política dos Balcãs." Ele lê o filme como uma forma de romance cujo fascínio está centrado na aparência dos personagens. discurso não naturalista, “espertinho, alfabetizado, inteligente em relação à mídia, obscenamente epigramático”. Na visão de Alan Stone, o “diálogo absurdo”, como aquele entre Vincent e Jules na cena em que o primeiro mata Marvin acidentalmente, “transforma inesperadamente o significado do clichê da violência”.. Pulp Fiction desmascara o mito machista, tornando-o ridículo e deseroicizando a viagem de poder glorificada pela violência padrão de Hollywood. Stone lê o filme como “politicamente correto”. Não há nudez nem violência dirigida contra as mulheres... [Isso] celebra a amizade inter-racial e a diversidade cultural; há mulheres fortes e homens negros fortes, e o diretor nada contra a corrente do estereótipo de classe.

Onde Stone vê uma celebração, Kolker encontra um vácuo: “A despreocupação pós-moderna, a violência, a homofobia e o racismo de Pulp Fiction eram perfeitamente aceitáveis porque o filme não fingia seriedade e, portanto, não zombou disso. Chamando-o de “acme do cinema pós-moderno dos anos noventa”, ele explica, “o pós-moderno é sobre superfícies; é uma espacialidade achatada na qual o evento e o personagem estão em um estado estável para nos lembrar que são figuras da cultura pop. De acordo com Kolker:

É por isso. Ficção de polpa era tão popular. Não porque todas as audiências obtiveram todas ou qualquer uma de suas referências a Scorsese e Kubrick, mas porque a estrutura narrativa e espacial do filme nunca ameaçou ir além de si mesmos em significação. O ciclo do filme de piadas racistas e homofóbicas pode ameaçar quebrar para fora em uma visão bastante desagradável do mundo, mas esta maldade continua sendo risada – pela intensidade da zomba da ação, a prowling, confrontando, perverso, confinado e sem ar nastiness do mundo que Tarantino cria.

Henry A. Giroux argumenta que Tarantino “esvazia a violência de quaisquer consequências sociais críticas, oferecendo aos espectadores apenas o imediatismo do choque, do humor e da ironia sem insight como elementos de mediação”. Nenhum desses elementos vai além da sedução do olhar voyeurístico... [o] consumo fácil de imagens chocantes e deleite alucinatório."

Com relação à violência e ao niilismo no filme, Pamela Demory sugeriu que Pulp Fiction deveria ser visto à luz dos contos de Flannery O'Connor, que também apresentam " elementos religiosos, banalidade e violência com humor grotesco. Discutindo “a conexão entre violência e redenção”, Demory conclui que, embora o propósito de O’Connor seja convencer os leitores “da poderosa força do mal no mundo e de nossa necessidade de graça”, ele conclui. Tarantino "procura demonstrar que apesar de tudo o que vimos no filme - toda a violência, degradação, morte, crime, comportamento amoral - a graça ainda é possível; ainda pode haver um Deus que não nos julgue pelos méritos.

Homenagem como essência

Cinema

Pulp Fiction está repleto de homenagens a outros filmes. “Os personagens de Tarantino”, escreve Gary Groth, “habitam um mundo onde toda a paisagem é composta por produtos de Hollywood”. Tarantino é um cleptomaníaco cinematográfico - ele literalmente não consegue se conter. Duas cenas em particular suscitaram a discussão sobre o estilo altamente intertextual do filme. Muitos presumiram que a sequência de dança no Jack Rabbit Slim's pretendia ser uma referência à atuação estrelada de Travolta como Tony Manero no épico Saturday Night Fever (1977); Tarantino, no entanto, credita a inspiração a uma cena do filme de Jean-Luc Godard Bande à part (1964). Segundo o cineasta;

Toda a gente pensa que escrevi esta cena só para ter o John Travolta a dançar. Mas a cena existia antes de John Travolta ser lançado. Mas uma vez que ele foi lançado, foi tipo, "Óptimo. Podemos ver o John dançar. Tudo melhor."... Minhas sequências musicais favoritas sempre estiveram em Godard, porque eles simplesmente saem do nada. É tão infeccioso, tão simpático. E o facto de não ser um musical, mas está a impedir o filme de ter uma sequência musical, torna tudo mais doce.

Jerome Charyn argumenta que, além de “melhor ainda”, a presença de Travolta é essencial para o poder da cena e do filme:

Toda a carreira de Travolta se torna "backstory", o mito de uma estrela de cinema que caiu fora de favor, mas ainda reside em nossa memória como o rei da discoteca. Nós continuamos esperando por ele para lançar seu paunch, colocar um terno de poliéster branco, e entrar no clube de 2001 Odyssey em Bay Ridge, Brooklyn, onde ele vai dançar para nós e nunca, nunca parar. O Daniel Day-Lewis não podia ter acordado um desejo tão poderoso em nós. Ele não faz parte da própria cosmologia louca da América... Tony Manero [é] um anjo sentado no ombro de Vince... [Vince and Mia] dança real pode estar mais perto da coreografia do shuffle de Anna Karina com seus dois namorados de gangsters em bumbling Bande à parte, mas mesmo que A referência está perdida para nós, e estamos com o Tony outra vez...

Estella Tincknell observa que, embora o ambiente da "lanchonete pareça ser um simulacro de um ambiente dos anos 50' restaurante... o twist contest é uma sequência musical que evoca os 'anos sessenta,' enquanto a apresentação de dança de Travolta inevitavelmente faz referência aos anos setenta. e sua aparição em Os Embalos de Sábado à Noite.... O 'passado' torna-se assim um 'passado' em que os significantes estilísticos de várias décadas são carregados num único momento. Ela também argumenta que nesta passagem o filme “passa brevemente de seu discurso habitualmente irônico para um discurso que faz referência às convenções do clássico musical do cinema e, ao fazê-lo, torna possível que o filme habite um espaço afetivo que vai além do estilo estilístico”. alusão.

O momento crucial em que Marsellus atravessa a rua em frente ao carro de Butch e o percebe evoca a cena em que o chefe de Marion Crane a vê em circunstâncias semelhantes em Psicose (1960). Marsellus e Butch logo são mantidos em cativeiro por Maynard e Zed, “dois honkies sádicos saídos diretamente de Deliverance”. (1972), dirigido por John Boorman. Zed compartilha o mesmo nome com o personagem de Sean Connery na continuação de Boorman, o filme de ficção científica Zardoz (1974). Quando Butch decide resgatar Marsellus, nas palavras de Glyn White, “ele encontra um tesouro de itens com ressonâncias de heróis de cinema”. Os críticos identificaram essas armas com uma série de possíveis alusões:

• Martelo – A caixa de ferramentas Murders (1978)
• Bato de beisebol – Walking Tall (1973); Os intocáveis (1987)
• Motosserra – O Massacre da Serra da Cadeia do Texas (1974); Morto do Mal II (1987)
• Katana (espada Samurai) – muitos, incluindo Sete Samurai (1954); O Yakuza (1975); Assassino de Shogun (1980)

Na conclusão da cena, uma linha portentosa de Marsellus ecoa uma do drama policial Charley Varrick (1973), dirigido por outro dos heróis de Tarantino, Don Siegel; o nome do personagem que fala ali é Maynard.

David Bell argumenta que longe de ir contra a "corrente do estereótipo de classe", esta cena, como Deliverance, "mobiliza[s] uma certa construção de pobreza camponeses brancos - e particularmente sua sexualização... 'a expressão sexual rústica muitas vezes assume a forma de estupro homossexual' em filmes americanos. Stephen Paul Miller acredita que a cena de Pulp Fiction se desenrola muito mais facilmente do que aquela que ela ecoa: “A sodomia perpetrada não é tão chocante quanto foi em Deliverance”.... O filme dos anos noventa reduz a competição, o terror e o tabu dos anos setenta em uma peça divertida e sutil de adrenalina - uma ficção, uma ficção popular. Giroux lê a homenagem à cena de estupro de forma semelhante: “no final, o uso da paródia por Tarantino é sobre repetição, transgressão e suavização da face da violência, reduzindo-a à propriedade da história do cinema”. Na opinião de Groth, a diferença crucial é que em “Deliverance” o estupro criou o dilema moral central do filme, enquanto em “Pulp Fiction” ele foi apenas “o dia mais estranho da vida de [Butch]”. ('American Me também fez isso', observou Tarantino. 'Há tipo três cenas de foda de bunda em American Me. Esse é definitivamente aquele a ser batido nessa categoria específica!")

Neil Fulwood se concentra na seleção de armas de Butch, escrevendo: “Aqui, o amor de Tarantino pelos filmes é mais aberto e imparcial, acenando com a cabeça para o nobre e o notório, como além de divulgar sua própria reputação de enfant terrível da violência cinematográfica. Além disso, a cena faz um comentário astuto sobre a prontidão do cinema em aproveitar tudo o que estiver à mão para seus momentos de caos e assassinato. White afirma que “a katana que ele finalmente, e significativamente, seleciona o identifica com … heróis honrados”. Conard argumenta que os três primeiros itens simbolizam um niilismo que Butch está rejeitando. A espada tradicional japonesa, em contraste, representa uma cultura com um código moral bem definido e, portanto, conecta Butch com uma abordagem mais significativa da vida.

O filme sobre motociclistas Os Anjos de Nam também é exibido, com Fabienne caracterizando-o como “Um filme sobre motocicletas, não tenho certeza do nome”.

Televisão

Robert Miklitsch argumenta que a "telefilia de Tarantino" pode ser mais central para a sensibilidade orientadora de Pulp Fiction do que o amor do cineasta pelo rock 'n' rolo e até cinema:

Falando sobre sua geração, uma que veio da idade nos anos 70, Tarantino comentou que o "número uma coisa que todos compartilhamos não era música, era uma coisa dos anos sessenta. Nossa cultura era a televisão." Uma lista aleatória dos programas de TV referenciados em Ficção de polpa confirma sua observação: Speed Racer, Clutch Cargo, The Brady Bunch, The Partridge Family, The Avengers, The Three Stooges, The Flintstones, I Spy, Green Acres, Kung Fu, Happy Dayse por último, mas não menos importante, o piloto fictício da Mia, Força Fox Cinco.

"A lista acima, com a possível exceção de Os Vingadores," escreve Miklitsch, “sugere que Pulp Fiction tem menos afinidade eletiva com a vanguarda cinematográfica de Godard do que com a programação da rede convencional”. Jonathan Rosenbaum incluiu a TV em sua análise da comparação Tarantino/Godard, reconhecendo que os diretores eram semelhantes em querer colocar tudo o que gostam na tela: “Mas as diferenças entre o que Godard gosta e o que Tarantino gosta e por que são astronômicas; é como comparar uma combinação de museu, biblioteca, arquivo de filmes, loja de discos e loja de departamentos com uma jukebox, uma locadora de vídeos e uma edição do TV Guide."

Sharon Willis se concentra na forma como um programa de televisão (Clutch Cargo) marca o início e continua a cena entre o jovem Butch e o companheiro de armas de seu pai.. O veterano da Guerra do Vietnã é interpretado por Christopher Walken, cuja presença no papel evoca sua atuação como um G.I. no filme da Guerra do Vietnã The Deer Hunter (1978). Willis escreve que “quando o capitão Koons entra na sala de estar, vemos Walken em sua função de imagem recuperada de um repertório de versões televisivas e cinematográficas dos anos 1970 da masculinidade arruinada em busca de reabilitação”. da televisão que preside a cena parece inscrever o olhar paternal fantasmagórico. Miklitsch afirma que, para alguns críticos, o filme é um “excelente exemplo da influência perniciosa da cultura de massa, exemplificada por sua bête noire: a TV”. Kolker pode não discordar, argumentando que “Pulp Fiction” é um simulacro de nossa exposição diária à televisão; seus homofóbicos, bandidos e pervertidos, boxeadores sentimentais e promotores de cafetões passam por uma série de longos quadros: assistimos, rimos e permanecemos sem nada para compreender.

Motivos notáveis

A misteriosa maleta 666

Vincent "estrela... transfixado" no caso brilhante, como especificado no roteiro de Tarantino.

O comportamento de Vincent reforça a alusão à cena em Beija-me mortalmente (1955) em que Lily Carver, a.k.a. Gabrielle (Gaby Rodgers), olha para o caso brilhante.

A combinação da misteriosa fechadura da mala é 666, o “Número da Besta”. Tarantino disse que não há explicação para seu conteúdo - é simplesmente um MacGuffin, um puro artifício de trama. Originalmente, a caixa deveria conter diamantes, mas isso foi considerado muito mundano. Para fins de filmagem, continha uma lâmpada laranja escondida que produzia um brilho sobrenatural quando a caixa era aberta. Em uma entrevista em vídeo de 2007 com o colega diretor e amigo Robert Rodriguez, Tarantino supostamente “revela” o que aconteceu. o conteúdo secreto da pasta, mas o filme corta e pula a cena no estilo empregado em Grindhouse (2007) de Tarantino e Rodriguez, com um intertítulo que diz “Desaparecido”. Carretel". A entrevista continua com Rodriguez discutindo quão radicalmente o "conhecimento" do conteúdo da pasta altera a compreensão do filme.

Apesar das declarações de Tarantino, muitas soluções para o que um estudioso chama de “quebra-cabeça pós-moderno inexplicável” ainda existem. foram propostas. Uma forte semelhança tem sido frequentemente observada com o filme noir de 1955 de Robert Aldrich, Kiss Me Deadly. Esse filme apresenta uma pasta brilhante contendo um explosivo atômico. Em sua resenha do filme Repo Man de Alex Cox, de 1984, no The Daily Telegraph, Nick Cowen e Hari Patience sugerem que Pulp Fiction pode também tenho “uma dívida de inspiração”; ao porta-malas brilhante do carro naquele filme. Na opinião do estudioso Paul Gormley, esta conexão com Kiss Me Deadly, e uma semelhante com Raiders of the Lost Ark (1981), torna possível ler o brilho misterioso como um símbolo da própria violência. A ideia de que a pasta contém a alma de Marsellus ganhou popularidade em meados da década de 1990. Analisando a noção, Roger Ebert descartou-a como “nada mais do que uma lenda urbana amplamente distribuída, que recebeu falsa credibilidade pela mística da Internet”.

Júlio' Passagem bíblica

Jules recita ritualmente o que ele descreve como uma passagem bíblica, Ezequiel 25:17, antes de executar alguém. A passagem é ouvida três vezes - na sequência introdutória em que Jules e Vincent recuperam a pasta de Marsellus do condenado Brett; a mesma recitação uma segunda vez, no início de "The Bonnie Situation", que se sobrepõe ao final da sequência anterior; e no epílogo no restaurante. A primeira versão da passagem é a seguinte:

O caminho do homem justo é abençoado de todos os lados pelas iniquidades do egoísta e da tirania dos homens maus. Bem-aventurado aquele que em nome da caridade e da boa vontade pastores os fracos através do vale das trevas, porque ele é verdadeiramente o guardião do seu irmão e o descobridor dos filhos perdidos. E eu te atacarei com grande vingança e raiva furiosa aqueles que tentam envenenar e destruir Meus irmãos. E sabereis que o Meu nome é o Senhor quando eu te puser a minha vingança.

A segunda versão, da cena do restaurante, é idêntica, exceto pela frase final: "E você saberá que eu sou o Senhor quando eu colocar minha vingança sobre você."

"E eu vou atacar..."

Conclusão do monólogo "Ezequiel 25:17" e assassinato de Brett

---

Problemas com o arquivo? Veja ajuda na mídia.

Embora as duas frases finais do discurso de Jules sejam semelhantes à passagem citada, as duas primeiras são fabricadas a partir de várias frases bíblicas. O texto de Ezequiel 25 anterior ao versículo 17 indica que a ira de Deus é uma retribuição pela hostilidade dos filisteus. Na versão King James, da qual o discurso de Júlio foi adaptado, Ezequiel 25:17 diz na íntegra:

E executarei grande vingança contra eles com graves repreendementos; e saberão que eu am o Senhor, quando eu deitar A minha vingança contra eles.

A principal inspiração de Tarantino para o discurso foi o trabalho do astro japonês das artes marciais Sonny Chiba. Seu texto e sua identificação como Ezequiel 25:17 derivam de um credo quase idêntico que aparece no início do filme de Chiba Karate Kiba (The Bodyguard; 1976), onde é mostrado como um texto de rolagem e lido por um narrador fora da tela.

A versão vista no início de The Bodyguard (1976) é a seguinte:

O caminho do homem justo e defensor é abençoado de todos os lados pela inequidade do egoísta e da tirania dos homens maus. Bem-aventurado aquele que, em nome da caridade e da boa vontade, pastoreia os fracos pelo vale das trevas, porque é verdadeiramente o guardião do seu irmão, e o pai dos filhos perdidos. E executarei grande vingança contra eles com raiva furiosa, que envenenam e destroem os meus irmãos; e saberão que sou Chiba, o guarda-costas, quando lhes der a minha vingança!

Na série de televisão dos anos 1980 Kage no Gundan (Shadow Warriors), o personagem de Chiba dava um sermão ao vilão da semana sobre como o mundo deve se livrar do mal antes de matá-lo. Um assassino faz um discurso bíblico semelhante em Modesty Blaise, o romance de capa dura, mas estilo popular, com o qual Vincent é mostrado em duas cenas.

Dois críticos que analisaram o papel do discurso encontram diferentes vínculos entre a transformação de Jules e a questão da pós-modernidade. Gormley argumenta que, ao contrário dos outros personagens principais do filme - Marsellus à parte - Jules é:

ligado a uma "coisa" além da simulação pós-moderna... [T] ela é talvez mais marcada quando ele se move de ser uma simulação de um pregador Batista, spouting Ezekiel porque era "apenas uma coisa legal para dizer..." Em sua conversão, Jules é mostrado ser cognizant de um lugar além desta simulação, que, neste caso, o filme constrói como Deus.

Adele Reinhartz escreve que a "profundidade da transformação de Jules" é indicado pela diferença em suas duas entregas da passagem: "Na primeira, ele é uma figura majestosa e inspiradora, proclamando a profecia com fúria e justiça própria... Na segunda... ele parece ser um tipo de homem completamente diferente... [N] no verdadeiro estilo pós-moderno, [ele] reflete sobre o significado de seu discurso e fornece várias maneiras diferentes de como ele pode se relacionar com sua situação atual. Semelhante a Gormley, Conard argumenta que, à medida que Jules reflete sobre a passagem, ele percebe “que se refere a uma estrutura objetiva de valor e significado que está ausente em sua vida”; para Conard, isso contrasta com a representação predominante no filme de uma cultura niilista. Rosenbaum encontra muito menos na revelação de Jules: “[O] despertar espiritual no final de Pulp Fiction, que Jackson interpreta lindamente, é uma peça de jive declaradamente inspirada no kung. -fu filmes. Pode fazer você se sentir bem, mas certamente não o deixa mais sábio.

O banheiro

Grande parte da ação de Pulp Fiction' gira em torno de personagens que estão em banheiro ou necessidade de usar o banheiro. Em menor grau, os outros filmes de Tarantino também apresentam esse elemento narrativo. No Jack Rabbit Slim's, Mia vai 'passar pó no nariz'; - literalmente; ela cheira cocaína no banheiro, cercada por um bando de mulheres se arrumando em vão. Butch e Fabienne fazem uma longa cena no banheiro do motel, ele no chuveiro, ela escovando os dentes; na manhã seguinte, mas apenas alguns segundos depois no tempo de tela, ela está escovando os dentes novamente. Enquanto Jules e Vincent confrontam Brett e dois de seus amigos, um quarto homem está escondido no banheiro – suas ações levarão à morte de Jules. transformador 'momento de clareza'. Após a morte absurda de Marvin, Vincent e Jules lavam-se no banheiro de Jimmie, onde se envolvem em um contratempo por causa de uma toalha de mão ensanguentada. Quando o assalto ao restaurante se transforma em um impasse, "Honey Bunny" choraminga: “Tenho que fazer xixi!”

Conforme descrito por Peter e Will Brooker, “Em três momentos significativos, Vincent vai ao banheiro [e] retorna a um mundo totalmente mudado, onde a morte está ameaçada”. A ameaça aumenta de magnitude à medida que a narrativa avança cronologicamente, e se concretiza na terceira instância:

1. O pequeno-almoço e a conversa filosófica de Vincent e Jules são abortados pela pausa do banheiro de Vincent; um assalto à mão armada entra enquanto Vincent lê na sanita.
2. Enquanto Vincent está na casa de banho preocupando-se com a possibilidade de ir longe demais com a esposa de Marsellus, Mia engana sua heroína por cocaína, ronca-a e overdoses.
3. Durante uma participação no apartamento de Butch, Vincent emerge do banheiro com seu livro e é morto por Butch.

No Brookers' análise, "Através de Vince... vemos o mundo contemporâneo como totalmente contingente, transformado, desastrosamente, no instante em que você não está olhando." Fraiman acha particularmente significativo que Vincent esteja lendo Modesty Blaise em dois desses casos. Ela relaciona esse fato com a tradicional visão irônica das mulheres como “consumidoras arquetípicas de celulose”:

Localizando ficção popular no banheiro, Tarantino reforça sua associação com merda, já sugerida pelos significados do dicionário de "pulp" que prefácio o filme: úmida, matéria sem forma; também, histórias lúdicas sobre papel barato. O que temos então é uma série de associações prejudiciais – polpa, mulheres, merda – que mancham não só os produtores masculinos de ficção de mercado mas também os consumidores masculinos. Empoleirado na sanita com seu livro, Vincent é feminizado por sentar-se em vez de estar, bem como por seus gostos sujos; preocupado pelo anal, ele é implicitamente infantilizado e homossexualizado; e o resultado aparentemente inevitável está sendo pulverizado por Butch com uma submetralhadora checa M61. Que este destino tem a ver com os hábitos de leitura de Vincent é fortemente sugerido por uma inclinação lenta do livro no chão diretamente até o corpo derramado na banheira.

Willis lê Pulp Fiction quase exatamente na direção oposta, descobrindo que “seu projeto abrangente é um impulso para transformar merda em ouro”. Esta é uma forma de descrever o projeto de resgate e reciclagem da cultura popular, especialmente a cultura popular da infância, como é o hábito de Tarantino e também o seu objetivo declarado. Apesar disso, argumenta Fraiman, "Pulp Fiction demonstra... que mesmo um pulpófilo declarado como Tarantino pode continuar a se sentir ansioso e emasculado por suas preferências."

Elogios

Pulp Fiction ganhou oito prêmios importantes de um total de vinte e seis indicações, incluindo o prêmio de Melhor Roteiro Original no 67º Oscar. Além disso, na votação da Sociedade Nacional de Críticos de Cinema, Samuel L. Jackson foi o vice-campeão nas categorias Melhor Ator e Melhor Ator Coadjuvante.

Listas do American Film Institute

• AFI's 100 Years... 100 Movies – No. 95
• 100 anos... 100 heróis e vilões:
  • Vincent Vega e Jules Winnfield – Villains nomeados
• 100 anos da AFI... 100 citações de filmes:
  • "Trazer o Gimp" – Citação indicada
  • "Eles chamam de Royale com queijo" – Citação indicada
• AFI's 100 Years... 100 Laughs – Nomeado
• AFI's 100 Years... 100 Movies (10th Anniversary Edition) – No. 94
• AFI's 100 Years... 100 Thrills – No 53

Disputa NFT

Em novembro de 2021, a Miramax entrou com uma ação judicial contra Tarantino, que lançou sete NFTs baseados em cenas não cortadas e inéditas de Pulp Fiction e incluindo o roteiro original manuscrito “revelando segredos sobre o filme e seus criador." A Miramax afirmou ser proprietária dos direitos do filme. No entanto, Tarantino contestou o processo e alegou que tinha direitos sobre o roteiro do filme por escrito. A questão foi posteriormente resolvida com os advogados da Miramax apresentando uma breve declaração no tribunal: “As partes concordaram em deixar este assunto para trás e esperam colaborar entre si em projetos futuros, incluindo possíveis NFTs”. #34;