Musica renascentista
Música renascentista é tradicionalmente entendida como abrangendo a música européia dos séculos XV e XVI, depois da era renascentista, como é entendida em outras disciplinas. Em vez de começar com os ars nova do início do século XIV, a música do Trecento foi tratada pela musicologia como uma coda da música medieval e a nova era datada do surgimento da harmonia triádica e da disseminação do estilo angloise de conteúdo da Grã-Bretanha para a Escola da Borgonha. Um divisor de águas conveniente para o seu fim é a adoção do baixo contínuo no início do período barroco.
O período pode ser subdividido grosseiramente, com um período inicial correspondente à carreira de Guillaume Du Fay (c. 1397–1474) e ao cultivo do estilo cantilena, um meio dominado pela Escola Franco-Flamenga e as texturas de quatro partes favorecido por Johannes Ockeghem (década de 1410 ou '20-1497) e Josquin des Prez (final da década de 1450-1521), e culminando durante a Contra-Reforma no contraponto florido de Palestrina (c. 1525-1594) e a Escola Romana.
A música foi cada vez mais libertada das restrições medievais, e mais variedade foi permitida no alcance, ritmo, harmonia, forma e notação. Por outro lado, as regras do contraponto tornaram-se mais restritas, principalmente no que diz respeito ao tratamento das dissonâncias. No Renascimento, a música tornou-se um veículo de expressão pessoal. Os compositores encontraram maneiras de tornar a música vocal mais expressiva dos textos que estavam criando. A música secular absorveu técnicas da música sacra e vice-versa. Formas seculares populares, como a chanson e o madrigal, espalharam-se por toda a Europa. Os tribunais empregavam artistas virtuosos, tanto cantores quanto instrumentistas. A música também se tornou mais autossuficiente com sua disponibilidade na forma impressa, existindo por si só.
Versões precursoras de muitos instrumentos modernos familiares (incluindo violino, violão, alaúde e instrumentos de teclado) desenvolveram-se em novas formas durante o Renascimento. Esses instrumentos foram modificados para responder à evolução das ideias musicais e apresentaram novas possibilidades para compositores e músicos explorarem. Formas iniciais de instrumentos modernos de sopro e metais, como o fagote e o trombone, também apareceram, ampliando a gama de cores sonoras e aumentando o som de conjuntos instrumentais. Durante o século XV, o som de tríades completas tornou-se comum e, no final do século XVI, o sistema de modos de igreja começou a se desintegrar totalmente, dando lugar à tonalidade funcional (o sistema no qual as canções e peças são baseadas em #34;keys"), que dominariam a música de arte ocidental pelos próximos três séculos.
Desde o Renascimento, a música notada secular e sacra sobrevive em quantidade, incluindo obras vocais e instrumentais e obras vocais/instrumentais mistas. Uma ampla gama de estilos e gêneros musicais floresceu durante o Renascimento, incluindo missas, motetos, madrigais, canções, canções acompanhadas, danças instrumentais e muitos outros. A partir do final do século 20, numerosos conjuntos de música antiga foram formados. Ensembles especializados em música da era renascentista fazem turnês de concertos e fazem gravações, usando reproduções modernas de instrumentos históricos e usando estilos de canto e execução que os musicólogos acreditam ter sido usados durante a época.
Visão geral
Uma das características mais marcantes da música artística européia do início do Renascimento era a crescente confiança no intervalo de terça e sua inversão, a sexta (na Idade Média, terças e sextas eram consideradas dissonâncias, e apenas intervalos perfeitos eram tratadas como consonâncias: a quarta justa, a quinta justa, a oitava e o uníssono). A polifonia - o uso de múltiplas linhas melódicas independentes, executadas simultaneamente - tornou-se cada vez mais elaborada ao longo do século XIV, com vozes altamente independentes (tanto na música vocal quanto na música instrumental). O início do século 15 mostrou simplificação, com os compositores frequentemente buscando suavidade nas partes melódicas. Isso foi possível por causa de um alcance vocal muito aumentado na música - na Idade Média, o alcance estreito tornava necessário o cruzamento frequente das partes, exigindo assim um maior contraste entre elas para distinguir as diferentes partes. As características modais (em oposição ao tonal, também conhecido como "chave musical", uma abordagem desenvolvida na era da música barroca subsequente, c. 1600–1750) da música renascentista começaram a se desintegrar no final do século período com o aumento do uso de movimentos fundamentais de quintas ou quartas (consulte o "círculo de quintas" para obter detalhes). Um exemplo de progressão de acordes em que as tônicas se movem no intervalo de uma quarta seria a progressão de acordes, no tom de Dó Maior: "Ré menor/Sol Maior/Dó Maior" (são todas tríades; acordes de três notas). O movimento do acorde de ré menor para o acorde de sol maior é um intervalo de quarta perfeita. O movimento do acorde G Maior para o acorde Dó Maior também é um intervalo de uma quarta perfeita. Mais tarde, isso se tornou uma das características definidoras da tonalidade durante a era barroca.
As principais características da música renascentista são:
- Música baseada em modos.
- Textura mais rica, com quatro ou mais partes melódicas independentes sendo executadas simultaneamente. Estas linhas melódicas entrelaçantes, um estilo chamado polifonia, é uma das características de definição da música renascentista.
- Misturar, em vez de contrastar, linhas melódicas na textura musical.
- Harmonia que colocou uma maior preocupação no fluxo suave da música e sua progressão de acordes.
O desenvolvimento da polifonia produziu as mudanças notáveis nos instrumentos musicais que marcam musicalmente o Renascimento desde a Idade Média. Seu uso incentivou o uso de conjuntos maiores e exigiu conjuntos de instrumentos que se misturassem em toda a extensão vocal.
Fundo
Tal como nas outras artes, a música do período foi significativamente influenciada pelos desenvolvimentos que definem o período da Idade Moderna: a ascensão do pensamento humanista; a recuperação do património literário e artístico da Grécia e Roma Antigas; maior inovação e descoberta; o crescimento das empresas comerciais; a ascensão de uma classe burguesa; e a Reforma Protestante. Desta sociedade em mudança emergiu uma linguagem musical comum e unificadora, em particular, o estilo polifônico da escola franco-flamenga.
A invenção da imprensa em 1439 tornou mais barato e fácil distribuir textos de música e teoria musical em uma escala geográfica mais ampla e para mais pessoas. Antes da invenção da impressão, os textos escritos de música e teoria musical tinham que ser copiados à mão, um processo demorado e caro. A demanda por música como entretenimento e como atividade de lazer para amadores educados aumentou com o surgimento de uma classe burguesa. A difusão de canções, motetos e missas por toda a Europa coincidiu com a unificação da prática polifônica no estilo fluido que culminou na segunda metade do século XVI na obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd e Tomás Luis de Victoria. A relativa estabilidade política e prosperidade nos Países Baixos, juntamente com um florescente sistema de educação musical nas muitas igrejas e catedrais da região, permitiram o treinamento de um grande número de cantores, instrumentistas e compositores. Esses músicos eram muito procurados em toda a Europa, principalmente na Itália, onde igrejas e cortes aristocráticas os contratavam como compositores, intérpretes e professores. Como a imprensa facilitou a divulgação da música impressa, no final do século XVI, a Itália absorveu as influências musicais do norte, com Veneza, Roma e outras cidades tornando-se centros de atividade musical. Isso reverteu a situação de cem anos antes. A ópera, gênero dramático encenado no qual os cantores são acompanhados por instrumentos, surgiu nessa época em Florença. A ópera foi desenvolvida como uma tentativa deliberada de ressuscitar a música da Grécia antiga.
Gêneros
As principais formas musicais litúrgicas (baseadas na igreja), que permaneceram em uso durante o período renascentista, foram missas e motetos, com alguns outros desenvolvimentos no final da época, especialmente quando os compositores de música sacra começaram a adotar música secular (não -religioso) formas musicais (como o madrigal) para uso religioso. As missas dos séculos XV e XVI tinham dois tipos de fontes utilizadas: monofônicas (uma única linha melódica) e polifônicas (múltiplas linhas melódicas independentes), com duas formas principais de elaboração, baseadas no cantus firmus prática ou, começando por volta de 1500, o novo estilo de "imitação generalizada", no qual os compositores escreviam música em que as diferentes vozes ou partes imitavam os motivos melódicos e/ou rítmicos executados por outras vozes ou peças. Vários tipos principais de massas foram usados:
- Massa cíclica (massa tenor)
- Massa parafraseia
- Massa de imitação
As missas eram normalmente intituladas pela fonte da qual foram emprestadas. A massa Cantus firmus usa a mesma melodia monofônica, geralmente extraída do canto e geralmente no tenor e, na maioria das vezes, em notas mais longas do que as outras vozes. Outros gêneros sagrados eram o madrigale spirituale e o laude.
Durante o período, a música secular (não religiosa) teve uma distribuição crescente, com uma grande variedade de formas, mas é preciso ser cauteloso ao assumir uma explosão de variedade: desde que a impressão tornou a música mais amplamente disponível, muito mais sobreviveu desta época do que da era medieval anterior, e provavelmente um rico estoque de música popular do final da Idade Média foi perdido. A música secular era uma música independente das igrejas. Os principais tipos eram o lied alemão, a frottola italiana, a chanson francesa, o madrigal italiano e o villancico espanhol. Outros gêneros vocais seculares incluíam caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta e a canção de alaúde. Formas mistas como o motet-chanson e o motet secular também apareceram.
Música puramente instrumental incluía música consorte para flauta doce ou violas e outros instrumentos, e danças para vários conjuntos. Os gêneros instrumentais comuns eram a tocata, o prelúdio, o ricercar e a canzona. As danças tocadas por conjuntos instrumentais (ou às vezes cantadas) incluíam basse danse (It. bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva e lavolta. Música de muitos gêneros pode ser arranjada para um instrumento solo, como alaúde, vihuela, harpa ou teclado. Tais arranjos eram chamados de intabulações (It. intavolatura, Ger. Intabulierung).
No final do período, ouvem-se os primeiros precursores dramáticos da ópera, como a monodia, a comédia madrigal e o intermedio.
Teoria e notação
De acordo com Margaret Bent: "A notação renascentista é pouco prescritiva para nossos padrões [modernos]; quando traduzido para a forma moderna, adquire um peso prescritivo que superespecifica e distorce sua abertura original'. As composições renascentistas foram anotadas apenas em partes individuais; as pontuações eram extremamente raras e as barras de compasso não eram usadas. Os valores das notas eram geralmente maiores do que os usados hoje; a unidade primária de tempo era a semibreve, ou nota inteira. Como acontecia desde a Ars Nova (ver música medieval), pode haver dois ou três destes para cada breve (uma nota inteira dupla), que pode ser considerada equivalente à moderna "medida," embora fosse em si um valor de nota e uma medida não. A situação pode ser considerada da seguinte maneira: é a mesma que a regra pela qual na música moderna uma semínima pode ser igual a duas colcheias ou três, que seriam escritas como um "trigêmeo." Pelo mesmo cálculo, pode haver dois ou três da próxima nota menor, o "mínimo" (equivalente à "meia nota" moderna) a cada semibreve.
Essas diferentes permutações foram chamadas de "tempus perfeito/imperfeito" ao nível da relação breve–semibreve, "prolação perfeita/imperfeita" no nível da semibreve-mínima, e existiam em todas as combinações possíveis entre si. Três para um foi chamado de "perfeito" e dois para um "imperfeito." Também existiam regras pelas quais notas únicas podiam ser reduzidas pela metade ou duplicadas em valor ("imperfeitas" ou "alteradas", respectivamente) quando precedidas ou seguidas por outras notas específicas. Notas com notas pretas (como semínimas) ocorreram com menos frequência. Esse desenvolvimento da notação mensural branca pode ser resultado do aumento do uso de papel (em vez de pergaminho), já que o papel mais fraco era menos capaz de resistir aos arranhões necessários para preencher cabeças de notas sólidas; a notação de épocas anteriores, escrita em pergaminho, era preta. Outras cores e, posteriormente, notas preenchidas também foram usadas rotineiramente, principalmente para reforçar as imperfeições ou alterações mencionadas e para solicitar outras mudanças rítmicas temporárias.
Acidentes (por exemplo, sustenidos, bemóis e naturais adicionados que alteram as notas) nem sempre eram especificados, como em certas notações de dedilhado para instrumentos da família de violões (tablaturas) hoje. No entanto, os músicos da Renascença teriam sido altamente treinados em contraponto diádico e, portanto, possuíam esta e outras informações necessárias para ler uma partitura corretamente, mesmo que os acidentes não estivessem escritos. então foram perfeitamente aparentes sem notação para um cantor versado em contraponto." (Veja musica ficta.) Um cantor interpretaria sua parte imaginando fórmulas cadenciais com outras partes em mente e, ao cantar juntos, os músicos evitariam oitavas paralelas e quintas paralelas ou alterariam suas partes cadenciais à luz das decisões de outros músicos. É por meio de tablaturas contemporâneas para vários instrumentos dedilhados que obtivemos muitas informações sobre quais acidentes foram executados pelos praticantes originais.
Para obter informações sobre teóricos específicos, consulte Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius e Pietro Cerone.
Compositores – linha do tempo
Período inicial (1400–1470)
Os principais compositores do início da era renascentista também escreveram em estilo medieval tardio e, como tal, são figuras de transição. Leonel Power (c. 1370 ou 1380-1445) foi um compositor inglês das eras musicais do final da Idade Média e do início do Renascimento. Junto com John Dunstaple, ele foi uma das principais figuras da música inglesa no início do século XV. Power é o compositor melhor representado no Old Hall Manuscript, uma das únicas fontes intactas de música inglesa do início do século XV. Ele foi um dos primeiros compositores a definir movimentos separados do ordinário da massa que foram unificados tematicamente e destinados a execução contígua. O Manuscrito de Old Hall contém sua missa baseada na antífona mariana, Alma Redemptoris Mater, na qual a antífona é enunciada literalmente na voz de tenor em cada movimento, sem ornamentos melódicos. Esta é a única configuração cíclica da massa ordinária que pode ser atribuída a ele. Ele escreveu ciclos de massa, fragmentos e movimentos únicos e uma variedade de outras obras sagradas.
John Dunstaple (c. 1390–1453) foi um compositor inglês de música polifônica do final da era medieval e do início do Renascimento. Ele foi um dos mais famosos compositores ativos no início do século 15, um quase contemporâneo de Power, e foi amplamente influente, não apenas na Inglaterra, mas no continente, especialmente no desenvolvimento do estilo da Escola da Borgonha. A influência de Dunstaple no vocabulário musical do continente foi enorme, particularmente considerando a relativa escassez de suas (atribuíveis) obras. Ele foi reconhecido por possuir algo nunca ouvido antes na música da Escola da Borgonha: la contenance angloise ("o semblante inglês"), termo usado pelo poeta Martin le Franc em seu Le Champion des Dames. Le Franc acrescentou que o estilo influenciou Dufay e Binchois. Escrevendo algumas décadas depois, por volta de 1476, o compositor flamengo e teórico da música Tinctoris reafirmou a poderosa influência que Dunstaple teve, enfatizando a "nova arte" que Dunstaple havia inspirado. Tinctoris saudou Dunstaple como o fons et origo do estilo, sua "fonte e origem"
O contenance angloise, embora não definido por Martin le Franc, foi provavelmente uma referência ao traço estilístico de Dunstaple de usar harmonia triádica completa (acordes de três notas), junto com um gosto por intervalo de terça. Supondo que ele tenha estado no continente com o duque de Bedford, Dunstaple teria sido apresentado ao fauxbourdon francês; emprestando algumas das sonoridades, ele criou harmonias elegantes em sua própria música usando terças e sextas (um exemplo de um terceiro intervalo são as notas C e E; um exemplo de um sexto intervalo são as notas C e A). Tomados em conjunto, estes são vistos como características definidoras da música do início do Renascimento. Muitas dessas características podem ter se originado na Inglaterra, enraizando-se na Escola da Borgonha em meados do século.
Como inúmeras cópias das obras de Dunstaple foram encontradas em manuscritos italianos e alemães, sua fama em toda a Europa deve ter se espalhado. Das obras a ele atribuídas apenas cerca de cinquenta sobrevivem, entre as quais duas missas completas, três seções de missas conectadas, quatorze seções de missas individuais, doze motetos isorrítmicos completos e sete configurações de antífonas marianas, como Alma redemptoris Mater e Salve Regina, Mater misericordiae. Dunstaple foi um dos primeiros a compor missas usando uma única melodia como cantus firmus. Um bom exemplo dessa técnica é a sua Missa Rex seculorum. Acredita-se que ele tenha escrito música secular (não religiosa), mas nenhuma música no vernáculo pode ser atribuída a ele com qualquer grau de certeza.
Oswald von Wolkenstein (c. 1376–1445) é um dos mais importantes compositores do início do Renascimento alemão. Ele é mais conhecido por suas melodias bem escritas e pelo uso de três temas: viagens, Deus e sexo.
Gilles Binchois (c. 1400–1460) foi um compositor holandês, um dos primeiros membros da escola da Borgonha e um dos três compositores mais famosos do início do século XV. Embora frequentemente classificado atrás de seus contemporâneos Guillaume Dufay e John Dunstaple por estudiosos contemporâneos, suas obras ainda eram citadas, emprestadas e usadas como fonte de material após sua morte. Binchois é considerado um excelente melodista, escrevendo linhas cuidadosamente moldadas que são fáceis de cantar e memoráveis. Suas músicas apareceram em cópias décadas após sua morte e foram frequentemente usadas como fontes para composições em massa por compositores posteriores. A maior parte de sua música, mesmo sua música sacra, é simples e clara no esboço, às vezes até ascética (como a de um monge). Um contraste maior entre Binchois e a extrema complexidade dos ars subtilior do século anterior (XIV) seria difícil de imaginar. A maioria de suas canções seculares são rondeaux, que se tornaram a forma de canção mais comum durante o século. Ele raramente escreveu em forma estrófica, e suas melodias são geralmente independentes do esquema de rimas dos versos em que são definidas. Binchois escreveu música para a corte, canções seculares de amor e cavalheirismo que atenderam às expectativas e satisfizeram o gosto dos duques da Borgonha que o empregaram e, evidentemente, amaram sua música de acordo. Cerca de metade de sua música secular existente é encontrada na Oxford Bodleian Library.
Guillaume Du Fay (c. 1397–1474) foi um compositor franco-flamengo do início do Renascimento. Figura central da Escola da Borgonha, foi considerado por seus contemporâneos como o principal compositor da Europa em meados do século XV. Du Fay compôs na maioria das formas comuns da época, incluindo missas, motetos, Magnificats, hinos, configurações de canto simples em fauxbourdon e antífonas dentro da área de música sacra, e rondeaux, baladas, virelais e alguns outros tipos de chanson dentro o reino da música secular. Nenhuma de suas músicas sobreviventes é especificamente instrumental, embora instrumentos certamente tenham sido usados para algumas de suas músicas seculares, especialmente para as partes baixas; toda a sua música sacra é vocal. Instrumentos podem ter sido usados para reforçar as vozes na performance real de quase todas as suas obras. Sete missas completas, 28 andamentos individuais da missa, 15 arranjos de canto usados em missas próprias, três Magnificats, dois arranjos Benedicamus Domino, 15 arranjos de antífonas (seis deles antífonas marianas), 27 hinos, 22 motetos (13 destes isorrítmicos nos mais estilo angular e austero do século 14 que deu lugar a uma parte de escrita mais melódica e sensual dominada por agudos com frases terminando na cadência "abaixo do terço" na juventude de Du Fay) e 87 chansons definitivamente por ele sobreviveram.
Jogar(help·info)Muitas das composições de Du Fay eram simples configurações de canto, obviamente projetadas para uso litúrgico, provavelmente como substitutos do canto sem adornos, e podem ser vistas como harmonizações de canto. Freqüentemente, a harmonização usava uma técnica de escrita paralela conhecida como fauxbourdon, como no exemplo a seguir, uma composição da antífona mariana Ave maris stella. Du Fay pode ter sido o primeiro compositor a usar o termo "fauxbourdon" para este estilo de composição mais simples, proeminente na música litúrgica do século XV em geral e na escola da Borgonha em particular. A maioria das canções seculares (não religiosas) de Du Fay seguem as formas fixas (rondeau, ballade e virelai), que dominaram a música secular europeia dos séculos XIV e XV. Ele também escreveu um punhado de ballate italiano, quase certamente enquanto estava na Itália. Como é o caso de seus motetos, muitas das canções foram escritas para ocasiões específicas, e muitas são datáveis, fornecendo assim informações biográficas úteis. A maioria de suas canções são para três vozes, usando uma textura dominada pela voz mais aguda; as outras duas vozes, sem texto, provavelmente eram tocadas por instrumentos.
Du Fay foi um dos últimos compositores a fazer uso de técnicas estruturais polifônicas do final da Idade Média, como o isorritmo, e um dos primeiros a empregar harmonias, fraseados e melodias mais suaves, características do início da Renascença. Suas composições dentro dos gêneros maiores (missas, motetos e canções) são em sua maioria semelhantes entre si; sua fama se deve em grande parte ao que foi percebido como seu perfeito controle das formas com que trabalhava, bem como seu dom para melodias memoráveis e cantáveis. Durante o século 15, ele foi universalmente considerado o maior compositor de seu tempo, uma opinião que sobreviveu até os dias atuais.
Período intermediário (1470–1530)
Durante o século XVI, Josquin des Prez (c. 1450/1455 – 27 de agosto de 1521) gradualmente adquiriu a reputação de maior compositor da época, seu domínio da técnica e da expressão universalmente imitados e admirados. Escritores tão diversos quanto Baldassare Castiglione e Martin Luther escreveram sobre sua reputação e fama.
Período tardio (1530–1600)
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Em Veneza, de cerca de 1530 até cerca de 1600, desenvolveu-se um estilo policoral impressionante, que deu à Europa algumas das músicas mais grandiosas e sonoras compostas até então, com múltiplos coros de cantores, metais e cordas em diferentes localizações espaciais em a Basílica San Marco di Venezia (ver Escola Veneziana). Essas múltiplas revoluções se espalharam pela Europa nas décadas seguintes, começando na Alemanha e depois se movendo para a Espanha, França e Inglaterra um pouco mais tarde, demarcando o início do que hoje conhecemos como a era musical barroca.
A Escola Romana era um grupo de compositores de música predominantemente sacra em Roma, abrangendo o final do Renascimento e o início do Barroco. Muitos dos compositores tiveram ligação direta com o Vaticano e a capela papal, embora tenham trabalhado em várias igrejas; estilisticamente, eles são freqüentemente contrastados com a Escola Veneziana de compositores, um movimento concorrente que era muito mais progressivo. De longe, o mais famoso compositor da Escola Romana é Giovanni Pierluigi da Palestrina. Embora mais conhecido como um prolífico compositor de missas e motetos, ele também foi um importante madrigalista. Sua capacidade de reunir as necessidades funcionais da Igreja Católica com os estilos musicais predominantes durante o período da Contra-Reforma deu-lhe uma fama duradoura.
O breve mas intenso florescimento do madrigal musical na Inglaterra, principalmente de 1588 a 1627, junto com os compositores que os produziram, é conhecido como Escola Madrigal Inglesa. Os madrigais ingleses eram a cappella, de estilo predominantemente leve, e geralmente começavam como cópias ou traduções diretas de modelos italianos. A maioria era para três a seis vozes.
Musica reservata é um estilo ou uma prática de performance em música vocal a cappella da segunda metade do século XVI, principalmente na Itália e no sul da Alemanha, envolvendo refinamento, exclusividade e intensa expressão emocional de texto cantado.
O cultivo da música européia nas Américas começou no século 16, logo após a chegada dos espanhóis e a conquista do México. Embora moldadas em estilo europeu, obras híbridas exclusivamente mexicanas baseadas na língua mexicana nativa e na prática musical européia apareceram muito cedo. As práticas musicais na Nova Espanha coincidiram continuamente com as tendências européias ao longo dos períodos subsequentes da música barroca e clássica. Entre esses compositores do Novo Mundo estavam Hernando Franco, Antonio de Salazar e Manuel de Zumaya.
Além disso, escritores desde 1932 observaram o que chamam de seconda prattica (uma prática inovadora envolvendo estilo monódico e liberdade no tratamento de dissonâncias, ambos justificados pela configuração expressiva de textos) durante o final XVI e início do século XVII.
Maneirismo
No final do século XVI, com o fim da era renascentista, desenvolveu-se um estilo extremamente maneirista. Na música secular, especialmente no madrigal, houve uma tendência à complexidade e mesmo ao cromatismo extremo (como exemplificado nos madrigais de Luzzaschi, Marenzio e Gesualdo). O termo maneirismo deriva da história da arte.
Transição para o Barroco
A partir de Florença, tentou-se reviver as formas dramáticas e musicais da Grécia Antiga, através da monodia, uma forma de música declamada sobre um simples acompanhamento; um contraste mais extremo com o estilo polifônico anterior seria difícil de encontrar; isso também foi, pelo menos no início, uma tendência secular. Esses músicos eram conhecidos como a Camerata florentina.
Já observamos alguns dos desenvolvimentos musicais que ajudaram a introduzir o Barroco, mas para uma explicação mais detalhada dessa transição, veja antífona, concertato, monodia, madrigal e ópera, bem como as obras fornecidas em "Fontes e leitura adicional."
Instrumentos
Muitos instrumentos surgiram durante o Renascimento; outros eram variações ou aperfeiçoamentos de instrumentos que existiam anteriormente. Alguns sobreviveram até os dias atuais; outros desapareceram, apenas para serem recriados para executar música da época em instrumentos autênticos. Como nos dias modernos, os instrumentos podem ser classificados como metais, cordas, percussão e sopros.
Os instrumentos medievais na Europa costumavam ser usados sozinhos, muitas vezes acompanhados de um drone, ou ocasionalmente em partes. Pelo menos desde o século 13 até o século 15, houve uma divisão de instrumentos em haut (instrumentos altos, estridentes, ao ar livre) e bas (mais silenciosos, mais íntimos instrumentos). Apenas dois grupos de instrumentos podiam tocar livremente em ambos os tipos de conjuntos: a corneta e a sacabutina, e o tabor e o pandeiro.
No início do século XVI, os instrumentos eram considerados menos importantes do que as vozes. Eles foram usados para danças e para acompanhar a música vocal. A música instrumental permaneceu subordinada à música vocal, e muito de seu repertório era derivado ou dependente de modelos vocais.
Órgãos
Vários tipos de órgãos eram comumente usados no Renascimento, desde grandes órgãos de igreja até pequenos portativos e órgãos de palheta chamados reais.
Latão
Os instrumentos de sopro no Renascimento eram tradicionalmente tocados por profissionais. Alguns dos instrumentos de sopro mais comuns que foram tocados:
- Trompete de deslizamento: Semelhante ao trombone de hoje, exceto que em vez de uma seção do corpo deslizando, apenas uma pequena parte do corpo perto do bocal e o próprio bocal é estacionário. Além disso, o corpo era um S-shape então era bastante desconcertante, mas era adequado para a música de dança lenta que era mais comumente usado para.
- Cornett: Feito de madeira e tocou como o gravador (soprando em uma extremidade e movendo os dedos para cima e para baixo do lado de fora) mas usando um bocal copo como uma trombeta.
- Trompete: As trombetas iniciais não tinham válvulas, e estavam limitadas aos tons presentes na série overtone. Eles também foram feitos em tamanhos diferentes.
- Sackbut (às vezes sackbutt ou sagbutt): Um nome diferente para o trombone, que substituiu a trombeta de slides no meio do século XV.
Sequências de caracteres
Como família, as cordas eram usadas em muitas circunstâncias, tanto sagradas quanto seculares. Alguns membros desta família incluem:
- Viol: Este instrumento, desenvolvido no século XV, geralmente tem seis cordas. Era geralmente jogado com um arco. Tem qualidades estruturais semelhantes à vihuela lapidada espanhola (chamada viola da mano na Itália); seu principal traço de separação é seu tamanho maior. Isso mudou a postura do músico para repousá-la contra o chão ou entre as pernas de uma forma semelhante ao violoncelo. Suas semelhanças com o vihuela eram cortes de cintura afiados, trastes semelhantes, uma costas plana, costelas finas e afinação idêntica. Quando tocado desta forma, foi por vezes referido como "viola da gamba", a fim de distingui-lo de viols tocou "no braço": viole da braccio, que evoluiu para a família de violino.
- Lyre: Sua construção é semelhante a uma pequena harpa, embora em vez de ser arrancada, é estrangulada com um plectrum. Suas cordas variaram em quantidade de quatro, sete e dez, dependendo da era. Foi jogado com a mão direita, enquanto a mão esquerda silenciou as notas que não foram desejadas. As liras mais novas foram modificadas para serem tocadas com um arco.
- Harp irlandês: Também chamado de Clàrsach em gaélico escocês, ou o Cláirseach em irlandês, durante a Idade Média foi o instrumento mais popular da Irlanda e da Escócia. Devido ao seu significado na história irlandesa, é visto mesmo no rótulo Guinness e é o símbolo nacional da Irlanda até hoje. Para ser jogado normalmente é arrancado. Seu tamanho pode variar muito de uma harpa que pode ser jogado em um colo para uma harpa de tamanho completo que é colocado no chão
- Hurdy-gurdy: (também conhecido como o violino da roda), em que as cordas são soadas por uma roda que as cordas passam. Sua funcionalidade pode ser comparada com a de um violino mecânico, em que seu arco (roda) é virado por uma manivela. Seu som distintivo é principalmente por causa de suas "cordas de drone" que fornecem um pitch constante semelhante em seu som para o de bagpipes.
- Gittern e mandore: estes instrumentos foram utilizados em toda a Europa. Forerunners de instrumentos modernos, incluindo o mandolin e guitarra.
- Lira da braccio
- Bannings
- Cisterna
- Lute!
- Orpharion
- Vihuela
- Clavicho
- Córsega
- Virginal
Percussão
Alguns instrumentos de percussão renascentistas incluem o triângulo, a harpa judaica, o pandeiro, os sinos, os pratos, o rumblepot e vários tipos de tambores.
- Tambourine: O pandeiro é um tambor de quadro. A pele que rodeia o quadro chama-se o vellum e produz a batida marcando a superfície com as juntas, pontas dos dedos, ou mão. Ele também pode ser jogado sacudindo o instrumento, permitindo que os jingles do pandeiro ou sinos da pelota (se tiver) para "clank" e "jingle".
- Jew's harp: Um instrumento que produz som usando formas da boca e tentando pronunciar vogais diferentes com a boca. O loop na extremidade dobrada da língua do instrumento é arrancado em diferentes escalas de vibração criando diferentes tons.
Sopros de madeira (aerofones)
Instrumentos de sopro (aerofones) produzem som por meio de uma coluna de ar vibrante dentro do tubo. Os orifícios ao longo do tubo permitem ao jogador controlar o comprimento da coluna de ar e, portanto, o tom. Existem várias maneiras de fazer a coluna de ar vibrar, e essas formas definem as subcategorias de instrumentos de sopro. Um jogador pode soprar através de um buraco na boca, como em uma flauta; em um bocal com uma única palheta, como em um clarinete ou saxofone moderno; ou uma palheta dupla, como em um oboé ou fagote. Todos esses três métodos de produção de tons podem ser encontrados em instrumentos renascentistas.
- Shawm: Um xame oriental típico é sem chave e é cerca de um pé longo com sete buracos de dedo e um buraco de polegar. Os tubos também eram mais comumente feitos de madeira e muitos deles tinham esculturas e decorações sobre eles. Era o instrumento de junco duplo mais popular do período renascentista; era comumente usado nas ruas com tambores e trombetas por causa de seu som brilhante, piercing e muitas vezes defensivo. Para tocar o xaque uma pessoa coloca toda a cana em sua boca, bate suas bochechas, e sopra no tubo enquanto respira através de seu nariz.
- Tubo de Reed: Feito de um único comprimento curto de cana com um bocal, quatro ou cinco buracos de dedo, e reed da forma dele. A cana é feita cortando uma língua pequena, mas deixando a base anexada. É o antecessor do saxofone e do clarinete.
- Hornpipe: O mesmo que o cano de junco, mas com um sino no fim.
- Bagpipe/Bladderpipe: Acreditado pelos fiéis ter sido inventado por pastores que pensavam usar um saco feito de pele de ovelha ou cabra forneceria pressão de ar para que quando o seu jogador respirasse, o jogador só precisa apertar o saco enfiado por baixo do braço para continuar o tom. O tubo da boca tem uma peça redonda simples de couro articulada na extremidade do saco do tubo e age como uma válvula de não-retorno. A cana está localizada dentro do bocal longo, que teria sido conhecido como um bocal, se fosse feito de metal e tinha a cana sido no exterior em vez do interior.
- Panpipe: emprega um número de tubos de madeira com uma rolha em uma extremidade e abrir no outro. Cada tubo é um tamanho diferente (produzindo um tom diferente), dando-lhe uma gama de um oitava e meio. O jogador pode então colocar seus lábios contra o tubo desejado e soprar através dele.
- Flute transversal: A flauta transversal é semelhante à flauta moderna com um orifício de boca perto da extremidade interrompida e buracos de dedo ao longo do corpo. O jogador sopra através do buraco da boca e segura a flauta para o lado direito ou esquerdo.
- Gravador: O gravador foi um instrumento comum durante o período renascentista. Em vez de uma cana, ele usa um bocal de apito como sua principal fonte de produção sonora. Geralmente é feito com sete buracos de dedo e um buraco de polegar.