Música folclórica

Música folclórica é um gênero musical que inclui a música folclórica tradicional e o gênero contemporâneo que evoluiu do primeiro durante o renascimento do folclore do século XX. Alguns tipos de música folclórica podem ser chamados de world music. A música folclórica tradicional tem sido definida de várias maneiras: como música transmitida oralmente, música com compositores desconhecidos, música tocada em instrumentos tradicionais, música sobre identidade cultural ou nacional, música que muda entre gerações (folk process), música associada a um povo& #39;s folclore, ou música executada por costume durante um longo período de tempo. Foi contrastado com estilos comerciais e clássicos. O termo se originou no século 19, mas a música folk se estende além disso.

A partir de meados do século 20, uma nova forma de música folclórica popular evoluiu da música folclórica tradicional. Esse processo e período é chamado de (segundo) renascimento popular e atingiu o apogeu na década de 1960. Essa forma de música às vezes é chamada de música folclórica contemporânea ou música de renascimento folclórico para distingui-la das formas folclóricas anteriores. Avivamentos menores e semelhantes ocorreram em outras partes do mundo em outras épocas, mas o termo música folclórica normalmente não foi aplicado à nova música criada durante esses avivamentos. Esse tipo de música folk também inclui gêneros de fusão, como folk rock, folk metal e outros. Embora a música folclórica contemporânea seja um gênero geralmente distinto da música folclórica tradicional, em inglês dos EUA ela compartilha o mesmo nome e geralmente compartilha os mesmos artistas e locais da música folclórica tradicional.

Música folclórica tradicional

Definição

Os termos música folclórica, canção folclórica e dança folclórica são expressões relativamente recentes. Eles são extensões do termo folclore, que foi cunhado em 1846 pelo antiquário inglês William Thoms para descrever "as tradições, costumes e superstições das classes incultas". O termo deriva ainda da expressão alemã volk, no sentido de "o povo como um todo" aplicado à música popular e nacional por Johann Gottfried Herder e os românticos alemães mais de meio século antes. Embora se entenda que a música folclórica é a música do povo, os observadores consideram uma definição mais precisa indescritível. Alguns nem mesmo concordam que o termo música folclórica deva ser usado. A música folclórica pode ter certas características, mas não pode ser claramente diferenciada em termos puramente musicais. Um significado frequentemente dado é o de "músicas antigas, sem compositores conhecidos" outro é o da música que foi submetida a um "processo evolutivo de transmissão oral... a modelagem e remodelação da música pela comunidade que lhe dá seu caráter folclórico."

Tais definições dependem de "processos (culturais) ao invés de tipos musicais abstratos...", de "continuidade e transmissão oral... visto como caracterizando um lado de uma dicotomia cultural, o outro lado da qual é encontrado não apenas nas camadas inferiores das sociedades feudais, capitalistas e algumas orientais, mas também nas sociedades 'primitivas' sociedades e em partes de 'culturas populares'". Uma definição amplamente usada é simplesmente "música folclórica é o que as pessoas cantam".

Para Scholes, assim como para Cecil Sharp e Béla Bartók, havia uma percepção da música do campo distinta da da cidade. A música folclórica já era, "...vista como a expressão autêntica de um modo de vida agora passado ou prestes a desaparecer (ou em alguns casos, a ser preservado ou de alguma forma revivido)," particularmente em "uma comunidade não influenciada pela música artística" e por música comercial e impressa. Lloyd rejeitou isso em favor de uma simples distinção de classe econômica, mas para ele, a verdadeira música folk era, nas palavras de Charles Seeger, "associada a uma classe inferior" em sociedades cultural e socialmente estratificadas. Nesses termos, a música folclórica pode ser vista como parte de um "esquema composto por quatro tipos musicais: 'primitivo' ou 'tribal'; 'elite' ou 'arte'; 'povo'; e 'popular'."

A música neste gênero também é frequentemente chamada de música tradicional. Embora o termo geralmente seja apenas descritivo, em alguns casos as pessoas o usam como o nome de um gênero. Por exemplo, o Grammy Award usava anteriormente os termos "música tradicional" e "povo tradicional" para música folclórica que não seja música folclórica contemporânea. A música folclórica pode incluir a maioria das músicas indígenas.

Características

Viljandi Folk Music Festival realizada anualmente dentro das ruínas do castelo em Viljandi, Estónia.

Do ponto de vista histórico, a música folclórica tradicional tinha as seguintes características:

• Foi transmitida através de uma tradição oral. Antes do século XX, as pessoas comuns eram geralmente analfabetas; adquiriram canções memorizando-as. Principalmente, isso não foi mediado por livros ou mídia gravada ou transmitida. Os cantores podem estender seu repertório usando folhas largas ou livros de música, mas esses aprimoramentos secundários são do mesmo caráter que as canções primárias experimentadas na carne.
• A música era frequentemente relacionada à cultura nacional. Foi culturalmente particular; de uma determinada região ou cultura. No contexto de um grupo de imigrantes, a música popular adquire uma dimensão extra para a coesão social. É particularmente visível nas sociedades imigrantes, onde os australianos gregos, os americanos somali, os canadenses punjabi, e outros se esforçam para enfatizar suas diferenças do mainstream. Eles aprendem canções e danças que se originam nos países de que seus avós vieram.
• Eles comemoram eventos históricos e pessoais. Em certos dias do ano, incluindo tais feriados como o Natal, a Páscoa e o Dia de Maio, canções particulares celebram o ciclo anual. Aniversários, casamentos e funerais também podem ser notados com músicas, danças e trajes especiais. Os festivais religiosos muitas vezes têm um componente de música popular. A música coral nestes eventos traz crianças e cantores não profissionais para participar de uma arena pública, dando uma ligação emocional que não está relacionada com as qualidades estéticas da música.
• As músicas foram executadas, por costume, ao longo de um longo período de tempo, geralmente várias gerações.

Como efeito colateral, às vezes estão presentes as seguintes características:

• Não há direitos autorais sobre as músicas. Centenas de canções folclóricas do século XIX conheceram autores, mas continuaram na tradição oral ao ponto de serem consideradas tradicionais para fins de publicação musical. Isso se tornou muito menos frequente desde a década de 1940. Hoje, quase todas as canções populares que são gravadas são creditadas com um arranjador.
• Fusão de culturas: Como as culturas interagem e mudança ao longo do tempo, as canções tradicionais que evoluem ao longo do tempo podem incorporar e refletir influências de culturas diferentes. Os fatores relevantes podem incluir instrumentação, tunings, voicings, phrasing, assunto e até métodos de produção.

Melodia

Na música folclórica, uma melodia é uma peça instrumental curta, uma melodia, geralmente com seções repetidas e geralmente tocada várias vezes. Uma coleção de melodias com semelhanças estruturais é conhecida como família de melodias. A Paisagem Musical da América diz que "a forma mais comum para melodias na música folclórica é AABB, também conhecida como forma binária."

Em algumas tradições, as melodias podem ser combinadas em medleys ou "sets."

Origens

Os índios sempre se distinguiam entre a música clássica e popular, embora no passado até a música clássica indiana costumava confiar na transmissão não escrita do repertório.

músico popular indiano nepalês Navneet Aditya Waiba

Durante a maior parte da pré-história e da história humana, não era possível ouvir música gravada. A música era feita por pessoas comuns tanto no trabalho quanto no lazer, bem como durante as atividades religiosas. O trabalho da produção econômica era muitas vezes manual e comunitário. O trabalho manual frequentemente incluía o canto dos trabalhadores, o que servia a vários propósitos práticos. Reduziu o tédio das tarefas repetitivas, manteve o ritmo durante os empurrões e puxões sincronizados e definiu o ritmo de muitas atividades, como plantar, capinar, colher, debulhar, tecer e moer. Nos momentos de lazer, cantar e tocar instrumentos musicais eram formas comuns de entretenimento e contar histórias – ainda mais comuns do que hoje, quando as tecnologias eletricamente habilitadas e a alfabetização generalizada tornam competitivas outras formas de entretenimento e compartilhamento de informações.

Alguns acreditam que a música folclórica se originou como música artística que foi alterada e provavelmente degradada pela transmissão oral enquanto refletia o caráter da sociedade que a produziu. Em muitas sociedades, especialmente nas pré-letradas, a transmissão cultural da música folclórica requer o aprendizado de ouvido, embora a notação tenha evoluído em algumas culturas. Culturas diferentes podem ter noções diferentes sobre a divisão entre "povo" música por um lado e de "arte" e "tribunal" música do outro. Na proliferação de gêneros musicais populares, algumas músicas folclóricas tradicionais também foram chamadas de "música do mundo" ou "Música de raiz".

O termo inglês "folklore", para descrever a música e a dança folclórica tradicional, entrou no vocabulário de muitas nações da Europa continental, cada uma das quais tinha seus colecionadores de canções folclóricas e revivalistas. A distinção entre "autêntico" música folk e nacional e popular em geral sempre foi livre, particularmente na América e na Alemanha - por exemplo, compositores populares como Stephen Foster poderiam ser chamados de "folk" na América. A definição do International Folk Music Council permite que o termo também se aplique à música que, "... se originou com um compositor individual e foi posteriormente absorvida pela tradição viva não escrita de uma comunidade. Mas o termo não abrange uma música, dança ou melodia que foi assumida pronta e permanece inalterada."

O renascimento do folk pós-Segunda Guerra Mundial na América e na Grã-Bretanha deu início a um novo gênero, a Música Folclórica Contemporânea, e trouxe um significado adicional ao termo "música folclórica": canções recém-compostas, fixadas na forma e de autores conhecidos, que imitavam alguma forma de música tradicional. A popularidade do "povo contemporâneo" gravações provocaram o surgimento da categoria "Folk" no Grammy Awards de 1959; em 1970, o termo foi abandonado em favor de "Melhor Gravação Étnica ou Tradicional (incluindo Blues Tradicional)", enquanto 1987 trouxe uma distinção entre "Melhor Gravação Folclórica Tradicional" e "Melhor Gravação Folclórica Contemporânea". Depois disso, eles tiveram uma "música tradicional" categoria que posteriormente evoluiu para outras. O termo "folk", no início do século 21, poderia abranger cantores e compositores, como Donovan da Escócia e o americano Bob Dylan, que surgiu na década de 1960 e muito mais. Isso completou um processo para onde a "música folclórica" já não significava apenas música folclórica tradicional.

Assunto

Músicos tradicionais armênios

Assyrians jogando - Sim. e Davul, os instrumentos tipicamente usados para sua música popular e dança.

A música folclórica tradicional geralmente inclui palavras cantadas, embora a música instrumental folclórica ocorra geralmente nas tradições da dance music. O verso narrativo aparece grande na música folclórica tradicional de muitas culturas. Isso abrange formas como a poesia épica tradicional, grande parte do que se destina originalmente ao desempenho oral, às vezes acompanhado por instrumentos. Muitos poemas épicos de várias culturas foram reunidos a partir de peças mais curtas do verso narrativo tradicional, que explica sua estrutura episódica, elementos repetitivos e seus frequentes desenvolvimentos de plotagem em mídias. Outras formas de versículo narrativo tradicional relacionam os resultados de batalhas ou tragédias lamentadas ou desastres naturais.

Às vezes, como no Triunphant Song of Deborah encontrado no livro bíblico dos juízes , essas músicas celebram a vitória. Lamentações para batalhas e guerras perdidas, e as vidas perdidas nelas são igualmente proeminentes em muitas tradições; Esses lamentos mantêm vivos a causa pela qual a batalha foi travada. As narrativas das músicas tradicionais geralmente também se lembram de heróis folclóricos como John Henry ou Robin Hood. Algumas narrativas tradicionais de música lembram eventos sobrenaturais ou mortes misteriosas.

hinos e outras formas de música religiosa são frequentemente de origem tradicional e desconhecida. A notação musical ocidental foi criada originalmente para preservar as linhas do canto gregoriano, que antes de sua invenção era ensinado como uma tradição oral em comunidades monásticas. Músicas tradicionais como Green Grow the Rushes, apresentam a tradição religiosa de uma forma mnemônica, assim como canções de Natal ocidentais e canções tradicionais semelhantes.

As músicas de trabalho frequentemente apresentam estruturas de chamadas e respostas e são projetadas para permitir aos trabalhadores que os cantam coordenando seus esforços de acordo com os ritmos das músicas. Eles são frequentemente, mas não invariavelmente, compostos. Nas forças armadas americanas, uma tradição oral animada preserva Jody chama (" Duckworth Chants ") que são cantados enquanto os soldados estão na marcha. Os marinheiros profissionais fizeram uso semelhante de um grande corpo de barracas do mar. Ame a poesia, muitas vezes de natureza trágica ou lamentável, figura proeminentemente em muitas tradições populares. As rimas de berçário e o versículo absurdo costumavam divertir ou se divertir, também são assuntos frequentes de músicas tradicionais.

Transformações e variações de canções folclóricas

músicos tradicionais coreanos

A música transmitida boca a boca através de uma comunidade, com o tempo, desenvolve muitas variantes, uma vez que essa transmissão não pode produzir precisão palavra por palavra e nota por nota. Além disso, os cantores folk podem optar por modificar as músicas que ouvem.

Por exemplo, as palavras de "I'm a Man You Don't Meet Every Day" (Roud 975) foram escritos em um broadside no século 18 e parecem ter origem irlandesa. Em 1958 a música foi gravada no Canadá (My Name is Pat and I'm Proud of That). A viajante escocesa Jeannie Robertson, de Aberdeen, fez a próxima versão gravada em 1961. Ela a mudou para fazer referência a "Jock Stewart", um de seus parentes, e não há referências irlandesas. Em 1976, o artista escocês Archie Fisher alterou deliberadamente a música para remover a referência a um cachorro sendo baleado. Em 1985, The Pogues deu uma volta completa ao restaurar as referências irlandesas.

Como as variantes se proliferam naturalmente, geralmente não há nenhuma autoridade "autoritária" versão da música. Pesquisadores de canções tradicionais encontraram inúmeras versões da balada de Barbara Allen em todo o mundo de língua inglesa, e essas versões geralmente diferem muito umas das outras. O original não é conhecido; muitas versões podem reivindicar a mesma autenticidade.

O influente folclorista Cecil Sharp sentiu que essas variantes concorrentes de uma música tradicional passariam por um processo de melhoria semelhante à seleção natural biológica: apenas as novas variantes que eram mais atraentes para os cantores comuns seriam captadas por outros e transmitidas posteriormente em tempo. Assim, com o tempo, esperaríamos que cada música tradicional se tornasse mais atraente esteticamente, devido à melhoria incremental da comunidade.

O interesse literário na forma de balada popular remonta pelo menos a Thomas Percy e William Wordsworth. Os compositores ingleses elizabetanos e Stuart muitas vezes desenvolveram sua música a partir de temas folclóricos, a suíte clássica foi baseada em danças folclóricas estilizadas e o uso de melodias folclóricas por Joseph Haydn é notado. Mas o surgimento do termo "povo" coincidiu com uma "explosão de sentimento nacional em toda a Europa" que foi particularmente forte nas periferias da Europa, onde a identidade nacional foi mais afirmada. Compositores nacionalistas surgiram na Europa Central, Rússia, Escandinávia, Espanha e Grã-Bretanha: a música de Dvořák, Smetana, Grieg, Rimsky-Korsakov, Brahms, Liszt, de Falla, Wagner, Sibelius, Vaughan Williams, Bartók e muitos outros inspirou-se no folk melodias.

Formulários regionais

Naxi músicos tradicionais

Os irmãos Steinegger, fifers tradicionais de Grundlsee, Styria, 1880

Embora a perda da música folclórica tradicional em face da ascensão da música popular seja um fenômeno mundial, não ocorre de maneira uniforme em todo o mundo. O processo é mais avançado "onde a industrialização e a comercialização da cultura são mais avançadas" mas também ocorre de forma mais gradual mesmo em ambientes de menor avanço tecnológico. No entanto, a perda da música tradicional é retardada em nações ou regiões onde a música folclórica tradicional é um símbolo de identidade cultural ou nacional.

Música folclórica antiga, trabalho de campo e bolsa de estudos

Muito do que se sabe sobre a música folclórica antes do desenvolvimento da tecnologia de gravação de áudio no século 19 vem de trabalhos de campo e escritos de estudiosos, colecionadores e proponentes.

Europa do século XIX

A partir do século 19, acadêmicos e estudiosos amadores, percebendo a perda das tradições musicais, iniciaram vários esforços para preservar a música do povo. Um desses esforços foi a coleção de Francis James Child, no final do século XIX, dos textos de mais de trezentas baladas nas tradições inglesa e escocesa (chamadas de Child Ballads), algumas das quais anteriores ao século XVI.

Contemporaneamente com Child, o reverendo Sabine Baring-Gould e mais tarde Cecil Sharp trabalharam para preservar um grande corpo de canções, música e dança tradicionais rurais inglesas, sob a égide do que se tornou e continua sendo a English Folk Dance and Song Society (EFDSS). Sharp fez campanha com algum sucesso para ter canções tradicionais inglesas (em suas próprias versões fortemente editadas e expurgadas) para serem ensinadas a crianças em idade escolar na esperança de reviver e prolongar a popularidade dessas canções. Ao longo da década de 1960 e início e meados da década de 1970, o estudioso americano Bertrand Harris Bronson publicou uma coleção exaustiva de quatro volumes das variações então conhecidas de ambos os textos e melodias associadas ao que veio a ser conhecido como o Child Canon. Ele também apresentou algumas teorias significativas sobre o funcionamento da tradição oral-aural.

Atividade semelhante também ocorreu em outros países. Um dos mais extensos foi talvez o trabalho realizado em Riga por Krisjanis Barons, que entre os anos de 1894 e 1915 publicou seis volumes que incluíam os textos de 217.996 canções folclóricas letãs, as Latvju dainas. Na Noruega, o trabalho de colecionadores como Ludvig Mathias Lindeman foi amplamente utilizado por Edvard Grieg em suas Lyric Pieces para piano e em outras obras, que se tornaram imensamente populares.

Por volta dessa época, os compositores de música clássica desenvolveram um forte interesse em colecionar canções tradicionais, e vários compositores realizaram seu próprio trabalho de campo sobre música tradicional. Estes incluíram Percy Grainger e Ralph Vaughan Williams na Inglaterra e Béla Bartók na Hungria. Esses compositores, como muitos de seus predecessores, fizeram arranjos de canções folclóricas e incorporaram material tradicional em composições clássicas originais.

América do Norte

Locais na Appalachia Sul e Central visitados pelo folclorista britânico Cecil Sharp em 1916 (azul), 1917 (verde) e 1918 (vermelho). Sharp procurou "velho mundo" baladas inglesas e escocesas passaram para os habitantes da região de seus antepassados britânicos. Coletou centenas de baladas, sendo as áreas mais produtivas as Montanhas Blue Ridge da Carolina do Norte e as Montanhas Cumberland de Kentucky.

O advento da tecnologia de gravação de áudio forneceu aos folcloristas uma ferramenta revolucionária para preservar formas musicais em extinção. Os primeiros estudiosos da música folk americana estavam com a American Folklore Society (AFS), que surgiu no final do século XIX. Seus estudos se expandiram para incluir a música nativa americana, mas ainda trataram a música folclórica como um item histórico preservado também em sociedades isoladas. Na América do Norte, durante as décadas de 1930 e 1940, a Biblioteca do Congresso trabalhou por meio dos escritórios dos colecionadores de música tradicional Robert Winslow Gordon, Alan Lomax e outros para capturar o máximo possível de material de campo norte-americano. John Lomax (o pai de Alan Lomax) foi o primeiro estudioso proeminente a estudar distintamente a música folclórica americana, como a dos cowboys e dos negros do sul. Seu primeiro grande trabalho publicado foi em 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads. e foi indiscutivelmente o mais proeminente estudioso da música folk dos Estados Unidos de sua época, principalmente durante o início do renascimento da música folk nos anos 1930 e início dos anos 1940. Cecil Sharp também trabalhou na América, gravando as canções tradicionais das Montanhas Apalaches em 1916–1918 em colaboração com Maud Karpeles e Olive Dame Campbell e é considerado o primeiro grande estudioso da música folclórica americana. Campbell e Sharp são representados sob outros nomes por atores no filme moderno Songcatcher.

Um tema forte entre os estudiosos do folk nas primeiras décadas do século 20 foi o regionalismo, a análise da diversidade da música folk (e culturas relacionadas) com base em regiões dos EUA, e não em uma determinada música raízes históricas. Mais tarde, uma dinâmica de classe e circunstâncias foi adicionada a isso. Os regionalistas mais proeminentes eram figuras literárias com um interesse particular no folclore. Carl Sandburg costumava viajar pelos Estados Unidos como escritor e poeta. Ele também colecionou canções em suas viagens e, em 1927, as publicou no livro The American Songbag. Rachel Donaldson, uma historiadora que trabalhou para Vanderbilt, afirmou mais tarde isso sobre The American Songbird em sua análise do renascimento da música folk. “Em suas coleções de canções folclóricas, Sandburg acrescentou uma dinâmica de classe ao entendimento popular da música folclórica americana. Este foi o elemento final da fundação sobre a qual os primeiros revivalistas da música folk construíram sua própria visão do americanismo. Os americanos da classe trabalhadora de Sandburg juntaram-se aos cidadãos etnicamente, racialmente e regionalmente diversos que outros estudiosos, intelectuais públicos e folcloristas celebraram suas próprias definições do folk americano, definições que os revivalistas do folk usaram na construção de sua própria compreensão de Música folclórica americana e uma identidade americana abrangente.

Antes da década de 1930, o estudo da música folclórica era principalmente domínio de estudiosos e colecionadores. A década de 1930 viu o início de temas de maior escala, semelhanças e vínculos na música folclórica se desenvolvendo na população e também nos praticantes, muitas vezes relacionados à Grande Depressão. O regionalismo e o pluralismo cultural cresceram como influências e temas. Durante esse tempo, a música folclórica começou a se envolver com temas e movimentos de ativismo político e social. Dois desenvolvimentos relacionados foram o interesse do Partido Comunista dos EUA na música folclórica como uma forma de alcançar e influenciar os americanos, e músicos folclóricos proeminentes politicamente ativos e estudiosos que viam o comunismo como um possível sistema melhor, através das lentes da Grande Depressão. Woody Guthrie exemplifica compositores e artistas com essa perspectiva.

Os festivais de música folclórica proliferaram durante a década de 1930. O presidente Franklin Roosevelt era fã de música folclórica, apresentava concertos folclóricos na Casa Branca e frequentemente patrocinava festivais folclóricos. Um festival proeminente foi o National Folk Festival de Sarah Gertrude Knott, estabelecido em St. Louis, Missouri, em 1934. Sob o patrocínio do Washington Post, o festival foi realizado em Washington, DC no Constitution Hall de 1937 a 1942. o movimento da música folclórica, os festivais e o esforço de guerra eram vistos como forças para bens sociais como a democracia, o pluralismo cultural e a remoção da cultura e das barreiras raciais.

Barbara Allen

Barbara Allen, uma balada folclórica tradicional da língua inglesa, cantada por Hule "Queen" Hines da Flórida para John Lomax em 1939

---

Problemas com o arquivo? Veja ajuda na mídia.

Os revivalistas da música folk americana da década de 1930 abordaram a música folk de maneiras diferentes. Três escolas primárias de pensamento surgiram: "Tradicionalistas" (por exemplo, Sarah Gertrude Knott e John Lomax) enfatizou a preservação de canções como artefatos de culturas mortas. "Funcional" folcloristas (por exemplo, Botkin e Alan Lomax) afirmaram que as canções só retêm relevância quando usadas por aquelas culturas que retêm as tradições que deram origem a essas canções. "Esquerda" os revivalistas do folk (por exemplo, Charles Seeger e Lawrence Gellert) enfatizaram o papel da música "na vida do 'povo' lutas por direitos sociais e políticos'. No final da década de 1930, esses e outros transformaram a música folk americana em um movimento social.

Às vezes, os músicos folclóricos tornaram-se estudiosos e advogados. Por exemplo, Jean Ritchie (1922–2015) era o filho mais novo de uma grande família de Viper, Kentucky, que preservou muitas das antigas canções tradicionais dos Apalaches. Ritchie, vivendo em uma época em que os Apalaches se abriram à influência externa, estudou na universidade e acabou se mudando para a cidade de Nova York, onde fez várias gravações clássicas do repertório da família e publicou uma importante compilação dessas canções.

Em janeiro de 2012, o American Folklife Center na Biblioteca do Congresso, com a Association for Cultural Equity, anunciou que lançaria o vasto arquivo de Lomax de 1946 e posterior gravação em formato digital. Lomax passou os últimos 20 anos de sua vida trabalhando em um projeto de computador educacional multimídia interativo que chamou de Global Jukebox, que incluía 5.000 horas de gravações de som, 400.000 pés de filme, 3.000 fitas de vídeo e 5.000 fotografias. Em março de 2012, isso foi realizado. Aproximadamente 17.400 das gravações de Lomax de 1946 e posteriores foram disponibilizadas gratuitamente online. Este material do arquivo independente de Alan Lomax, iniciado em 1946, que foi digitalizado e oferecido pela Association for Cultural Equity, é "diferente das milhares de gravações anteriores em discos de acetato e alumínio que ele fez em 1933". a 1942 sob os auspícios da Biblioteca do Congresso. Esta coleção anterior - que inclui as famosas sessões de Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly e Muddy Waters, bem como as prodigiosas coleções de Lomax feitas no Haiti e no leste de Kentucky (1937) - é a proveniência do Folklife americano Centro" na biblioteca do Congresso.

Formulários nacionais e regionais

África

Lamellophone Africano, piano de polegar ou mbira

África é um vasto continente e suas regiões e nações têm tradições musicais distintas. A música do norte da África, na maioria das vezes, tem uma história diferente das tradições musicais da África Subsaariana.

As formas de música e dança da diáspora africana, incluindo música afro -americana e muitos gêneros do Caribe como SOCA, Calypso e Zouk; e gêneros musicais latino -americanos como o samba, rumba cubana, salsa; e outros gêneros baseados em clave (ritmo), foram fundados em graus variados na música dos escravos africanos, que por sua vez influenciaram a música popular africana.

Ásia

Paban Das Baul, cantor baul no concerto Nine Lives, 2009

Muitas civilizações asiáticas distinguem entre estilos de arte/cortesia/clássicos e estilos "folclóricos" música. Por exemplo, o falecido Alam Lohar é um exemplo de cantor do sul da Ásia classificado como cantor folk.

Khunung Eshei/Khuland Eshei é uma antiga canção folclórica da Índia, um país da Ásia, dos Meiteis de Manipur, que é um exemplo da música folclórica asiática, e como eles a colocaram em seu próprio gênero.

Música folclórica da China

Descobertas arqueológicas remontam a música folclórica chinesa há 7.000 anos; é amplamente baseada na escala pentatônica.

Os casamentos e funerais tradicionais Han geralmente incluem uma forma de oboé chamada suona e conjuntos de percussão chamados chuigushou. Conjuntos que consistem em órgãos de boca (sheng), shawms (suona), flautas (dizi) e instrumentos de percussão (especialmente gongos yunluo) são populares nas aldeias do norte; sua música é descendente da música do templo imperial de Pequim, Xi'an, Wutai shan e Tianjin. A música de percussão de Xi'an, composta por instrumentos de sopro e percussão, é popular em Xi'an e recebeu alguma popularidade comercial fora da China. Outro instrumento importante é o sheng, um tipo de flauta chinesa, um instrumento antigo que é ancestral de todos os instrumentos de palhetas livres ocidentais, como o acordeão. Desfiles liderados por bandas de metais do tipo ocidental são comuns, muitas vezes competindo em volume com uma banda shawm/chuigushou.

No sul de Fujian e Taiwan, Nanyin ou Nanguan é um gênero de baladas tradicionais. São cantadas por uma mulher acompanhada por um xiao e uma pipa, entre outros instrumentos tradicionais. A música é geralmente triste e geralmente lida com pessoas apaixonadas. Mais ao sul, em Shantou, Hakka e Chaozhou, os conjuntos zheng são populares. Os conjuntos de Sizhu usam flautas e instrumentos de cordas de arco ou dedilhado para fazer música harmoniosa e melodiosa que se tornou popular no Ocidente entre alguns ouvintes. Estes são populares em Nanjing e Hangzhou, bem como em outros lugares ao longo da área sul de Yangtze. Jiangnan Sizhu (música de seda e bambu de Jiangnan) é um estilo de música instrumental, muitas vezes tocada por músicos amadores em casas de chá em Xangai. A música de Guangdong ou música cantonesa é música instrumental de Guangzhou e arredores. A música desta região influenciou a música Yueju (ópera cantonesa), que mais tarde se tornaria popular durante a autodescrita "Era de Ouro" da China sob a RPC.

As canções folclóricas foram gravadas desde os tempos antigos na China. O termo Yuefu foi usado para uma ampla gama de canções, como baladas, lamentos, canções folclóricas, canções de amor e canções executadas na corte. A China é um país vasto, com uma multiplicidade de regiões linguísticas e geográficas. As canções folclóricas são categorizadas por região geográfica, tipo de linguagem, etnia, função social (por exemplo, canção de trabalho, canção ritual, canção de namoro) e tipo musical. Antologias modernas coletadas por folcloristas chineses distinguem entre canções tradicionais, canções revolucionárias e canções recém-inventadas. As canções do noroeste da China são conhecidas como “canções de flores” (hua’er), uma referência a mulheres bonitas, enquanto no passado eram notórias por seu conteúdo erótico. As “canções da montanha” (shan'ge) da aldeia da província de Jiangsu também eram conhecidas por seus temas amorosos. Outras tradições musicais regionais incluem as “letras dedilhadas” (tanci) do delta do Yangtze inferior, a tradição cantonesa do peixe de madeira (muyu ou muk-yu) e as Canções de Bateria (guci) do norte da China.

No século XXI, muitas canções folclóricas chinesas queridas foram inscritas na Lista Representativa da UNESCO do Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade. No processo, canções antes vistas como vulgares agora estão sendo reconstruídas como canções românticas de namoro. Concursos regionais de música, populares em muitas comunidades, promoveram o canto folclórico profissional como uma carreira, com alguns cantores folclóricos ganhando destaque nacional.

Música folclórica tradicional do Sri Lanka

A arte, a música e a dança do Sri Lanka derivam dos elementos da natureza e foram apreciadas e desenvolvidas no ambiente budista. A música é de vários tipos e usa apenas alguns tipos de instrumentos. As canções folclóricas e poemas foram usados em reuniões sociais para trabalhar em conjunto. A música clássica influenciada pela Índia tornou-se única. O drama, a música e as canções tradicionais da Sinhala Light Music são tipicamente do Sri Lanka. As pinturas e esculturas do templo apresentam pássaros, elefantes, animais selvagens, flores e árvores, e as 18 Danças Tradicionais exibem a dança de pássaros e animais. Por exemplo:

• Mayura Wannama – A dança do pavão
• Hanuma Wannama – A dança do macaco
• Gajaga Wannama – A dança do elefante

Os tipos musicais incluem:

• Música de drama local inclui tipos de Kolam e Nadagam. A música de Kolam é baseada em músicas de baixo país principalmente para acompanhar a dança de máscara em rituais de exorcismo. É considerado menos desenvolvido/evoluído, verdadeiro para a tradição popular e uma preservação de uma forma de arte mais antiga. É limitado a aproximadamente 3-4 notas e é usado pelas pessoas comuns para prazer e entretenimento.
• A música Nadagam é uma forma mais desenvolvida de drama influenciado pelo drama de rua do sul da Índia, que foi introduzida por alguns artistas do sul da Índia. Phillippu Singho de Negombo em 1824 realizou "Harishchandra Nadagama" em Hnguranketha, que foi originalmente escrito na língua Telingu. Mais tarde "Maname", "Sanda kinduru" e outros foram introduzidos. Don Bastian de Dehiwala introduziu Noorthy em primeiro lugar, olhando para os dramas indianos e, em seguida, John de Silva o desenvolveu como Ramayanaya em 1886.
• Sinhala light music é atualmente o tipo mais popular de música no Sri Lanka enriquecido com a influência da música folk, música kolam, música nadagam, música noorthy, música cinematográfica, música clássica, música ocidental e outros. Alguns artistas visitaram a Índia para aprender música e mais tarde começaram a introduzir música leve. Ananda Samarakone foi o pioneiro deste e também compôs o hino nacional.

A orquestra clássica cingalesa é composta por cinco categorias de instrumentos, mas entre os instrumentos de percussão, o tambor é essencial para a dança. A batida vibrante do ritmo dos tambores forma a base da dança. Os dançarinos' os pés saltam do chão e saltam e giram em padrões que refletem os ritmos complexos da batida do tambor. Essa batida de bateria pode parecer simples na primeira audição, mas leva muito tempo para dominar os intrincados ritmos e variações, que o baterista às vezes pode levar a um crescendo de intensidade. Existem seis tipos comuns de bateria que se enquadram em 3 estilos (uma face, duas faces e face plana):

• A dança típica de Sinhala é identificada como a dança Kandyan e o tambor de Gatabera é indispensável para esta dança.
• Yak-bera é o tambor demoníaco ou o tambor usado na dança de baixo país em que os dançarinos usam máscaras e executam dança do diabo, que se tornou uma forma altamente desenvolvida de arte.
• O Daula é um tambor em forma de barril, e foi usado como um tambor companheiro com um Thammattama no passado, para manter o tempo rigoroso com a batida.
• O Thammattama é um tambor de duas faces. O baterista atinge o tambor nas duas superfícies em cima com varas, ao contrário dos outros onde você tambor nos lados. Este é um tambor companheiro para a Dawula acima mencionado.
• Um pequeno tambor de mão de cabeça dupla é usado para acompanhar músicas. É principalmente ouvido nas danças de poesia como vannam.
• O Rabana é um tambor circular de cara plana e vem em vários tamanhos. O grande Rabana - chamado de Banku Rabana - tem de ser colocado no chão como uma mesa circular de pernas curtas e várias pessoas (tradicionalmente mulheres) podem sentar-se ao seu redor e bater nele com ambas as mãos. Isso é usado em festivais como o Ano Novo Sinhalese e cerimônias como casamentos. A batida ressoante do Rabana simboliza os humores alegres da ocasião. O pequeno Rabana é uma forma de batida de tambor móvel desde que o jogador carrega-lo onde quer que a pessoa vá.

Outros instrumentos incluem:

• O Thalampata – 2 pequenos pratos unidos por uma corda.
• A seção do vento, é dominada por um instrumento semelhante ao clarinete. Isso não é normalmente usado para danças. Isso é importante para notar porque a dança Sinhalese não está definida para a música como o mundo ocidental o conhece; ritmo é rei.
• As flautas de metal como prata e bronze produzem música shrill para acompanhar Kandyan Danças, enquanto as estirpes de música da flauta de junco podem perfurar o ar no diabólico. O conch-shell (Hakgediya) é outra forma de um instrumento natural, e o jogador sopra-o para anunciar a abertura de cerimônias de grandeza.
• O Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron ou ravana hasta veena) é um violino curvado que já foi popular na Índia Ocidental. Acredita-se que tenha se originado entre a civilização Hela do Sri Lanka no tempo do rei Ravana. A tigela é feita de casca de coco cortado, cuja boca é coberta com pele de cabra. Um dandi, feito de bambu, está ligado a esta concha. As cordas principais são duas: uma de aço e outra de um conjunto de cavalo. O arco longo tem sinos jingle

Austrália

As tradições da música folclórica foram levadas para a Austrália pelos primeiros colonos da Inglaterra, Escócia e Irlanda e ganharam uma posição especial no outback rural. As canções rimadas, poemas e contos escritos na forma de baladas do mato geralmente se relacionam com o espírito itinerante e rebelde da Austrália em The Bush, e os autores e artistas são frequentemente chamados de bardos do mato. O século 19 foi a idade de ouro das baladas do mato. Vários colecionadores catalogaram as canções, incluindo John Meredith, cuja gravação na década de 1950 se tornou a base da coleção da Biblioteca Nacional da Austrália.

As canções contam histórias pessoais da vida no vasto campo aberto da Austrália. Assuntos típicos incluem mineração, criação e condução de gado, tosquia de ovelhas, peregrinações, histórias de guerra, os tosquiadores australianos de 1891; greve, conflitos de classe entre a classe trabalhadora sem-terra e os invasores (proprietários de terras) e bandidos como Ned Kelly, bem como interesses amorosos e tarifas mais modernas, como caminhões. A balada mais famosa do mato é "Waltzing Matilda", que foi chamada de "o hino nacional não oficial da Austrália".

A música indígena australiana inclui a música dos aborígenes australianos e dos ilhéus do Estreito de Torres, que são coletivamente chamados de indígenas australianos; incorpora uma variedade de estilos musicais tradicionais distintos praticados pelos povos indígenas australianos, bem como uma variedade de estilos musicais contemporâneos e uma fusão com as tradições européias interpretadas e executadas por artistas indígenas australianos. A música formou parte integrante das observâncias sociais, culturais e cerimoniais desses povos, ao longo dos milênios de suas histórias individuais e coletivas até os dias atuais. As formas tradicionais incluem muitos aspectos de desempenho e instrumentos musicais exclusivos de determinadas regiões ou grupos indígenas australianos. Elementos iguais de tradição musical são comuns em grande parte do continente australiano e até além. A cultura dos ilhéus do Estreito de Torres está relacionada com a das partes adjacentes da Nova Guiné e, portanto, sua música também está relacionada. A música é uma parte vital da vida dos indígenas australianos. manutenção cultural.

Europa

Battlefield Band performando em Freiburg em 2012

Música tradicional celta

Música celta é um termo usado por artistas, gravadoras, lojas de música e revistas de música para descrever um amplo agrupamento de gêneros musicais que evoluíram a partir das tradições musicais folclóricas dos povos celtas. Essas tradições incluem tradições irlandesas, escocesas, manx, córnicas, galesas e bretãs. A música asturiana e galega é frequentemente incluída, embora não haja pesquisas significativas que mostrem que isso tenha uma relação musical próxima. O renascimento do Brittany's Folk começou na década de 1950 com o "bagadoù" e o "kan-ha-diskan" antes de crescer para a fama mundial através do trabalho de Alan Stivell desde meados dos anos 1960.

Na Irlanda, The Clancy Brothers e Tommy Makem (embora seus membros fossem todos nascidos na Irlanda, o grupo ficou famoso quando baseado em Greenwich Village, em Nova York), The Dubliners, Clannad, Planxty, The Chieftains, The Pogues, The Corrs, The Irish Rovers e uma variedade de outras bandas folk fizeram muito nas últimas décadas para revitalizar e repopularizar a música tradicional irlandesa. Essas bandas estavam enraizadas, em maior ou menor grau, na tradição da música irlandesa e se beneficiaram dos esforços de artistas como Seamus Ennis e Peter Kennedy.

Na Escócia, The Corries, Silly Wizard, Capercaillie, Runrig, Jackie Leven, Julie Fowlis, Karine Polwart, Alasdair Roberts, Dick Gaughan, Wolfstone, Boys of the Lough e The Silencers mantiveram o folk escocês vibrante e fresco ao misturar canções folclóricas tradicionais escocesas e gaélicas com gêneros mais contemporâneos. Esses artistas também tiveram sucesso comercial na Europa continental e na América do Norte. Há uma riqueza emergente de talentos na cena musical tradicional escocesa, com bandas como Mànran, Skipinnish, Barluath e Breabach e artistas solo como Patsy Reid, Robyn Stapleton e Mischa MacPherson obtendo muito sucesso nos últimos anos.

Europa Central e Oriental

Durante a era do Bloco de Leste, a dança folclórica nacional foi ativamente promovida pelo estado. Grupos de dança da Rússia e da Polônia viajaram pela Europa não comunista de 1937 a 1990. O Red Army Choir gravou muitos álbuns, tornando-se a banda militar mais popular. A Europa Oriental é também a origem da tradição judaica Klezmer.

A polca é uma dança da Europa Central e também um gênero de dance music familiar em toda a Europa e nas Américas. Originou-se em meados do século XIX na Boêmia. A polca ainda é um gênero popular de música folclórica em muitos países europeus e é executada por artistas folclóricos na Polônia, Letônia, Lituânia, República Tcheca, Holanda, Croácia, Eslovênia, Alemanha, Hungria, Áustria, Suíça, Itália, Ucrânia, Bielorrússia, Rússia e Eslováquia. Variedades locais desta dança também são encontradas nos países nórdicos, Reino Unido, República da Irlanda, América Latina (especialmente México) e nos Estados Unidos.

O Volkslieder alemão perpetuado por manuscritos Liederhandschriften como Carmina Burana remonta às tradições medievais de Minnesang e Meistersinger. Essas canções folclóricas revividas no final do século 18 do período do romantismo alemão, primeiro promovidas por Johann Gottfried Herder e outros defensores do Iluminismo, posteriormente compiladas por Achim von Arnim e Clemens Brentano (Des Knaben Wunderhorn) também como por Ludwig Uhland.

O gênero Volksmusik e as danças folclóricas, especialmente nas regiões alpinas da Baviera, Áustria, Suíça (Kuhreihen) e sul do Tirol, até hoje perduram em comunidades rústicas no contexto da industrialização—Baixo As favelas alemãs ou o Wienerlied (Schrammelmusik) são exceções notáveis. A música folclórica eslovena na Alta Carniola e na Estíria também se originou das tradições alpinas, como o prolífico Lojze Slak Ensemble. A Volksmusik tradicional não deve ser confundida com a Volkstümliche Musik comercial, que é uma derivação disso.

O grupo húngaro Muzsikás fez inúmeras turnês americanas e participou do filme hollywoodiano The English Patient enquanto a cantora Márta Sebestyén trabalhou com a banda Deep Forest. O movimento húngaro táncház, iniciado na década de 1970, envolve uma forte cooperação entre especialistas em musicologia e amadores entusiastas. No entanto, a música folclórica tradicional húngara e a cultura folclórica mal sobreviveram em algumas áreas rurais da Hungria e também começaram a desaparecer entre os húngaros étnicos na Transilvânia. O movimento táncház reviveu tradições folclóricas mais amplas de música, dança e fantasias e criou um novo tipo de clube de música. O movimento se espalhou para comunidades étnicas húngaras em outras partes do mundo.

Música balcânica

O Mistério das Vozes Búlgaras

A música folclórica balcânica foi influenciada pela mistura de grupos étnicos balcânicos no período do Império Otomano. Compreende a música da Bósnia e Herzegovina, Bulgária, Croácia, Grécia, Montenegro, Sérvia, Romênia, Macedônia do Norte, Albânia, alguns dos estados históricos da Iugoslávia ou Sérvia e Montenegro e regiões geográficas como a Trácia. Algumas músicas são caracterizadas por um ritmo complexo.

Um ato notável é o Mistério das Vozes Búlgaras, que ganhou o Prêmio Grammy de Melhor Gravação Folclórica Tradicional na 32ª cerimônia anual.

Uma parte importante de toda a música folclórica dos Balcãs é a música da minoria étnica cigana local, que é chamada de talava e música para bandas de sopro.

Música folclórica nórdica

O grupo popular letão Vilki, atuando no festival de artesanato báltico e guerra Apuolė 854 em Apuolė, agosto de 2009

A música folclórica nórdica inclui várias tradições nos países do norte da Europa, especialmente escandinavos. Os países nórdicos são geralmente considerados como Islândia, Noruega, Finlândia, Suécia, Dinamarca e Groenlândia. Às vezes, inclui os países bálticos da Estônia, Letônia e Lituânia.

Maria Gasolina atua no Festival de Faces de 2008 em Raseborg, Finlândia

As muitas regiões dos países nórdicos compartilham certas tradições, muitas das quais divergiram significativamente, como o Psalmodicon da Dinamarca, Suécia e Noruega. É possível agrupar os estados bálticos (ou, às vezes, apenas a Estônia) e partes do noroeste da Rússia compartilhando semelhanças culturais, embora o relacionamento tenha esfriado nos últimos anos. Compare com a Noruega, Suécia, Dinamarca e as ilhas atlânticas da Islândia e as Ilhas Faroe, que praticamente não compartilham semelhanças desse tipo. A cultura Inuit da Groenlândia tem suas próprias tradições musicais únicas. A Finlândia compartilha muitas semelhanças culturais com as nações bálticas e escandinavas. Os Sami da Suécia, Noruega, Finlândia e Rússia têm sua própria cultura única, com laços com as culturas vizinhas.

A música folclórica sueca é um gênero de música baseado em grande parte no trabalho de coleção folclórica que começou no início do século XIX na Suécia. O principal instrumento da música folclórica sueca é o violino. Outro instrumento comum, exclusivo das tradições suecas, é a nyckelharpa. A maior parte da música folclórica instrumental sueca é música de dança; a música característica e a forma de dança dentro da música folclórica sueca é a polska. Tradições vocais e instrumentais na Suécia tendem a compartilhar melodias historicamente, embora tenham sido executadas separadamente. Começando com o renascimento da música folk na década de 1970, vocalistas e instrumentistas também começaram a se apresentar juntos em conjuntos de música folk.

América Latina

A música folclórica das Américas consiste no encontro e união de três principais gêneros musicais: a música tradicional européia, a música tradicional dos nativos americanos e a música tribal africana que chegou com os escravos daquele continente.

O caso particular da música latina e sul-americana aponta para a música andina entre outros estilos musicais nativos (como caribenho e pampeano), música ibérica de Espanha e Portugal e música tribal africana em geral, os três dos quais se fundiram evoluindo em formas musicais diferenciadas na América Central e do Sul.

A música andina vem da região dos Quechuas, Aymaras e outros povos que habitavam a área geral do Império Inca antes do contato europeu. Inclui música folclórica de partes da Bolívia, Equador, Chile, Colômbia, Peru e Venezuela. A música andina é popular em diferentes graus na América Latina, tendo seu público principal nas áreas rurais e entre as populações indígenas. O movimento Nueva Canción da década de 1970 reviveu o gênero em toda a América Latina e o levou a lugares onde era desconhecido ou esquecido.

Nueva canción (espanhol para 'nova canção') é um movimento e gênero dentro da música folclórica latino-americana e ibérica, música de inspiração folclórica e música socialmente comprometida. Em alguns aspectos, seu desenvolvimento e papel são semelhantes ao segundo renascimento da música folk na América do Norte. Isso inclui a evolução desse novo gênero da música folclórica tradicional, essencialmente música folclórica contemporânea, exceto que o termo inglês de gênero não é comumente aplicado a ela. Nueva cancion é reconhecida por ter desempenhado um papel poderoso nas convulsões sociais em Portugal, Espanha e América Latina durante os anos 1970 e 1980.

Nueva cancion surgiu pela primeira vez durante a década de 1960 como "A Nova Canção Chilena" No Chile. O estilo musical surgiu pouco depois na Espanha e áreas da América Latina, onde passou a ser conhecido por nomes semelhantes. Nueva canción renovou a música folclórica tradicional latino-americana e, com suas letras políticas, logo foi associada a movimentos revolucionários, à Nova Esquerda latino-americana, à Teologia da Libertação, aos movimentos hippie e de direitos humanos. Ganharia grande popularidade em toda a América Latina e é considerado um precursor do Rock en español.

Cueca é uma família de estilos musicais e danças associadas do Chile, Bolívia e Peru.

Trova e Son são estilos de música tradicional cubana originários da província de Oriente que incluem influências da música e dança espanhola, como o bolero e a contradanza, bem como elementos de ritmo e percussão afro-cubanos.

Moda de viola é o nome dado à música folclórica brasileira. Muitas vezes é executada com um violão de náilon de 6 cordas, mas o instrumento mais tradicional é a viola caipira. As músicas detalhavam basicamente as dificuldades da vida de quem trabalha no campo. Os temas são geralmente associados à terra, animais, folclore, amor impossível e separação. Embora existam algumas canções animadas, a maioria delas é nostálgica e melancólica.

América do Norte

Canadá

Lenhadores franceses-canadianos jogando o violino, com paus para percussão, em um acampamento de madeira em 1943.