Música
Música é geralmente definida como a arte de organizar o som para criar alguma combinação de forma, harmonia, melodia, ritmo ou outro conteúdo expressivo. As definições de música variam dependendo da cultura, embora seja um aspecto de todas as sociedades humanas, um universal cultural. Embora os estudiosos concordem que a música é definida por alguns elementos específicos, não há consenso sobre suas definições precisas. A criação de música é comumente dividida em composição musical, improvisação musical e performance musical, embora o tópico em si se estenda a disciplinas acadêmicas, crítica, filosofia e psicologia. A música pode ser executada ou improvisada usando uma vasta gama de instrumentos, incluindo a voz humana.
Em alguns contextos musicais, uma performance ou composição pode ser até certo ponto improvisada. Por exemplo, na música clássica hindustani, o intérprete toca espontaneamente enquanto segue uma estrutura parcialmente definida e usa motivos característicos. No jazz modal, os intérpretes podem se revezar na liderança e na resposta, enquanto compartilham um conjunto de notas variável. Em um contexto de free jazz, pode não haver estrutura alguma, com cada intérprete atuando a seu critério. A música pode ser composta deliberadamente para ser inexequível, ou aglomerada eletronicamente de muitas apresentações. A música é tocada em áreas públicas e privadas, destacada em eventos como festivais, shows de rock e apresentações de orquestras, e ouvida incidentalmente como parte de uma partitura ou trilha sonora de um filme, programa de TV, ópera ou videogame. A reprodução musical é a principal função de um MP3 player ou CD player e um recurso universal de rádios e smartphones.
Muitas vezes, a música desempenha um papel fundamental em atividades sociais, rituais religiosos, cerimônias de ritos de passagem, celebrações e atividades culturais. A indústria da música inclui compositores, artistas, engenheiros de som, produtores, organizadores de turnês, distribuidores de instrumentos, acessórios e partituras. Composições, performances e gravações são avaliadas e avaliadas por críticos musicais, jornalistas musicais e estudiosos da música, bem como amadores.
Etimologia e terminologia
A palavra inglesa moderna 'música' entrou em uso na década de 1630. É derivado de uma longa linhagem de precursores sucessivos: o inglês antigo 'musike ' de meados do século XIII; o francês antigo musique do século XII; e o latim mūsica. A própria palavra latina deriva do grego antigo mousiké (technē)—μουσική (τέχνη)—que significa literalmente "(arte) das Musas". As Musas eram nove divindades da mitologia grega antiga que presidiam as artes e as ciências. Eles foram incluídos nos contos dos primeiros autores ocidentais, Homero e Hesíodo, e acabaram sendo associados especificamente à música. Com o tempo, Polyhymnia residiria sobre a música com mais destaque do que as outras musas. A palavra latina musica também foi a origem do espanhol música e francês musique por meio de ajuste ortográfico e linguístico, embora outros termos europeus provavelmente fossem empréstimos, incluindo o italiano musica, Alemão Música, Holandês muziek, norueguês musikk, polonês muzyka e russo muzïka.
O mundo ocidental moderno geralmente define a música como um termo abrangente, usado para descrever diversos gêneros, estilos e tradições. Este não é o caso em todo o mundo, e idiomas como o indonésio moderno (musikcódigo: ind promovido a código: id ) e Shona (musakazo) recentemente adotaram palavras para refletir essa concepção universal, como fizeram não tem palavras que se encaixem exatamente no escopo ocidental. No leste da Ásia, nem o Japão nem a China têm uma única palavra que englobe a música em um sentido amplo, mas culturalmente muitas vezes consideram a música dessa maneira. A palavra mais próxima do significado de música em chinês, yue, compartilha um caractere com le, que significa alegria, e originalmente se referia a todas as artes antes de seu significado ser reduzido. A África é muito diversa para fazer generalizações firmes, mas o musicólogo J. H. Kwabena Nketia enfatizou a conexão muitas vezes inseparável da música africana com a dança e a fala em geral. Algumas culturas africanas, como o povo Songye da República Democrática do Congo e o povo Tiv da Nigéria, têm uma concepção forte e ampla de 'música' mas nenhuma palavra correspondente em suas línguas nativas. Outras palavras comumente traduzidas como 'música' muitas vezes têm significados mais específicos em suas respectivas culturas: a palavra Hindi para música, sangitacódigo: hin promovido a código: oi , refere-se apropriadamente à música artística, enquanto as muitas línguas indígenas das Américas têm palavras para música que se referem especificamente à música, mas descrevem a música instrumental independentemente. Embora o árabe musiqicódigo: ara promovido a código: ar pode se referir a todas as músicas, geralmente é usado para instrumental e música métrica, enquanto khandancódigo: ara promovido a código: ar identifica música vocal e improvisada.
História
Origens e pré-história
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Muitas vezes é debatido até que ponto as origens da música serão compreendidas, e há muitas teorias concorrentes que visam explicá-la. Muitos estudiosos destacam uma relação entre a origem da música e a origem da linguagem, e há discordância sobre se a música se desenvolveu antes, depois ou simultaneamente com a linguagem. Uma fonte semelhante de discórdia envolve se a música foi o resultado intencional da seleção natural ou um subproduto da evolução. A primeira teoria influente foi proposta por Charles Darwin em 1871, que afirmou que a música surgiu como uma forma de seleção sexual, talvez por meio de chamadas de acasalamento. A perspectiva original de Darwin foi duramente criticada por suas inconsistências com outros métodos de seleção sexual, embora muitos estudiosos do século 21 tenham desenvolvido e promovido a teoria. Outras teorias incluem que a música surgiu para ajudar na organização do trabalho, melhorando a comunicação de longa distância, beneficiando a comunicação com o divino, auxiliando na coesão da comunidade ou como defesa para espantar predadores.
A música pré-histórica só pode ser teorizada com base em achados de sítios arqueológicos paleolíticos. As flautas são frequentemente descobertas, esculpidas em ossos nos quais foram perfurados orifícios laterais; acredita-se que estes tenham sido soprados em uma das extremidades, como o japonês shakuhachi. Acredita-se que a flauta Divje Babe, esculpida no fêmur de um urso das cavernas, tenha pelo menos 40.000 anos, embora haja um debate considerável sobre se é realmente um instrumento musical ou um objeto formado por animais. Instrumentos como a flauta de sete buracos e vários tipos de instrumentos de cordas, como o Ravanahatha, foram recuperados dos sítios arqueológicos da civilização do Vale do Indo.
A Índia tem uma das tradições musicais mais antigas do mundo—referências à música clássica indiana (marga) são encontradas nos Vedas, antigas escrituras da tradição hindu.
A coleção mais antiga e maior de instrumentos musicais pré-históricos foi encontrada na China e remonta entre 7000 e 6600 aC.
Antiguidade
As evidências materiais e representativas mais antigas de instrumentos musicais egípcios datam do período pré-dinástico, mas as evidências são atestadas com mais segurança no Império Antigo, quando harpas, flautas e clarinetes duplos eram tocados. Instrumentos de percussão, liras e alaúdes foram adicionados às orquestras pelo Reino do Meio. Os címbalos frequentemente acompanhavam a música e a dança, como ainda hoje fazem no Egito. A música folclórica egípcia, incluindo os tradicionais rituais Sufi dhikr, é o gênero musical contemporâneo mais próximo da música egípcia antiga, tendo preservado muitas de suas características, ritmos e instrumentos.
O "Hurrian Hymn to Nikkal", encontrado em tabuletas de argila que datam de aproximadamente 1400 AEC, é a mais antiga obra musical com notação sobrevivente.
A música era uma parte importante da vida social e cultural na Grécia antiga, na verdade era uma das principais disciplinas ensinadas às crianças. A educação musical era considerada importante para o desenvolvimento da alma do indivíduo. Músicos e cantores desempenhavam papel de destaque no teatro grego, e aqueles que recebiam uma educação musical eram vistos como nobres e em perfeita harmonia (como se lê na República, de Platão). Coros mistos de gênero realizados para entretenimento, celebração e cerimônias espirituais. Os instrumentos incluíam o <span title="Romanização da língua grega antiga (até 1453)" de palheta dupla aulos e um instrumento de cordas dedilhadas, o lira, principalmente um tipo especial chamado kithara. A música era uma parte importante da educação, e os meninos aprendiam música a partir dos seis anos. A alfabetização musical grega criou um desenvolvimento musical significativo. A teoria da música grega incluía os modos musicais gregos, que eventualmente se tornaram a base para a música religiosa e clássica ocidental. Mais tarde, as influências do Império Romano, da Europa Oriental e do Império Bizantino mudaram a música grega. O epitáfio Seikilos é o mais antigo exemplo sobrevivente de uma composição musical completa, incluindo notação musical, de qualquer lugar do mundo. A mais antiga obra sobrevivente escrita sobre o tema da teoria musical é Harmonika Stoicheia de Aristoxeno.
Culturas asiáticas
A música asiática abrange uma vasta gama de culturas musicais pesquisadas nos artigos sobre a Arábia, Ásia Central, Leste Asiático, Sul e Sudeste Asiático. Vários têm tradições que chegam à antiguidade.
A música clássica indiana é uma das tradições musicais mais antigas do mundo. Esculturas da civilização do Vale do Indo mostram dança e instrumentos musicais antigos, como a flauta de sete furos. Vários tipos de instrumentos de cordas e tambores foram recuperados de Harappa e Mohenjo Daro por escavações realizadas por Sir Mortimer Wheeler. O Rigveda, um antigo texto hindu, contém elementos da música indiana atual, com notação musical para denotar a métrica e o modo de cantar. A música clássica indiana (marga) é monofônica e baseada em uma única linha melódica ou raga ritmicamente organizada por meio de talas. Silappadhikaram de Ilango Adigal fornece informações sobre como novas escalas podem ser formadas pela mudança modal da tônica de uma escala existente. A música hindi atual foi influenciada pela música tradicional persa e pelos mongóis afegãos. A música carnática, popular nos estados do sul, é amplamente devocional; a maioria das canções é dirigida às divindades hindus. Há também muitas canções que enfatizam o amor e outras questões sociais.
A música indonésia foi formada desde que a cultura da Idade do Bronze migrou para o arquipélago indonésio nos séculos 2 a 3 aC. A música tradicional indonésia costuma usar instrumentos de percussão, especialmente kendang e gongos. Alguns deles desenvolveram instrumentos musicais elaborados e distintos, como o instrumento de cordas sasando na ilha de Rote, o sundanês angklung e as complexas e sofisticadas orquestras javanesas e balinesas de gamelão. A Indonésia é o lar do carrilhão de gongo, um termo geral para um conjunto de gongos pequenos e agudos. Os gongos são geralmente colocados em ordem de nota, com o ressalto para cima em uma corda presa a uma moldura baixa de madeira. A forma mais popular e famosa de música indonésia é provavelmente o gamelan, um conjunto de instrumentos de percussão afinados que incluem metalofones, tambores, gongos e rabecas de ponta junto com suling de bambu.
A música clássica chinesa, a arte tradicional ou música da corte da China, tem uma história que se estende por cerca de três mil anos. Tem seus próprios sistemas únicos de notação musical, bem como afinação e tom musical, instrumentos musicais e estilos ou gêneros musicais. A música chinesa é pentatônica-diatônica, com uma escala de doze notas a uma oitava (5 + 7 = 12), assim como a música de influência européia.
Clássica ocidental
Música antiga
A era da música medieval (476 a 1400), que ocorreu durante a Idade Média, começou com a introdução do canto monofônico (única linha melódica) nos serviços da Igreja Católica Romana. A notação musical foi usada desde os tempos antigos na cultura grega, mas na Idade Média, a notação foi introduzida pela primeira vez pela igreja católica para que as melodias dos cantos pudessem ser escritas, para facilitar o uso das mesmas melodias para música religiosa em todo o país católico. Império. O único repertório medieval europeu que foi encontrado em forma escrita antes de 800 é o cantochão litúrgico monofônico da Igreja Católica Romana, cuja tradição central era chamada de canto gregoriano. Ao lado dessas tradições de música sacra e sacra, existia uma tradição vibrante de música secular (canções não religiosas). Exemplos de compositores desse período são Léonin, Pérotin, Guillaume de Machaut e Walther von der Vogelweide.
A música renascentista (c. 1400 a 1600) era mais focada em temas seculares (não religiosos), como o amor cortês. Por volta de 1450, a imprensa foi inventada, o que tornou as partituras impressas muito mais baratas e fáceis de produzir em massa (antes da invenção da imprensa, todas as notas musicais eram copiadas à mão). A maior disponibilidade de partituras ajudou a espalhar estilos musicais mais rapidamente e em uma área maior. Músicos e cantores frequentemente trabalhavam para a igreja, tribunais e cidades. Os coros da igreja cresceram e a igreja continuou sendo um importante patrono da música. Em meados do século XV, os compositores escreveram música sacra ricamente polifônica, na qual diferentes linhas melódicas se entrelaçavam simultaneamente. Compositores proeminentes desta época incluem Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley e Orlande de Lassus. Como a atividade musical mudou da igreja para as cortes aristocráticas, reis, rainhas e príncipes competiam pelos melhores compositores. Muitos dos principais compositores importantes vieram da Holanda, Bélgica e norte da França. Eles são chamados de compositores franco-flamengos. Eles ocuparam cargos importantes em toda a Europa, especialmente na Itália. Outros países com atividade musical vibrante incluem Alemanha, Inglaterra e Espanha.
Período de prática comum
Barroco
A era barroca da música ocorreu de 1600 a 1750, quando o estilo artístico barroco floresceu em toda a Europa; e durante esse tempo, a música se expandiu em seu alcance e complexidade. A música barroca começou quando as primeiras óperas (música vocal solo dramática acompanhada por orquestra) foram escritas. Durante a era barroca, a música contrapontística polifônica, na qual múltiplas linhas melódicas independentes simultâneas eram usadas, permaneceu importante (o contraponto era importante na música vocal da era medieval). Os compositores barrocos alemães escreveram para pequenos conjuntos, incluindo cordas, metais e sopros, bem como para coros e instrumentos de teclado, como órgão de tubos, cravo e clavicórdio. Durante esse período, foram definidas várias formas musicais importantes que perduraram em períodos posteriores, quando foram expandidas e evoluídas ainda mais, incluindo a fuga, a invenção, a sonata e o concerto. O estilo barroco tardio era polifonicamente complexo e ricamente ornamentado. Compositores importantes da era barroca incluem Johann Sebastian Bach (Suítes para violoncelo), George Frideric Handel (Messias), Georg Philipp Telemann e Antonio Lucio Vivaldi (As Quatro Estações ).
Classicismo
A música do período Clássico (1730 a 1820) procurava imitar aquilo que se considerava os elementos-chave da arte e filosofia da Grécia e Roma Antigas: os ideais de equilíbrio, proporção e expressão disciplinada. (Nota: a música do período Clássico não deve ser confundida com a música Clássica em geral, termo que se refere à música de arte ocidental do século V aos anos 2000, que inclui o período Clássico como um dos vários períodos). A música do período clássico tem uma textura mais leve, clara e consideravelmente mais simples do que a música barroca que a precedeu. O estilo principal era a homofonia, onde uma melodia proeminente e uma parte subordinada de acompanhamento de acordes são claramente distintas. As melodias instrumentais clássicas tendiam a ser quase vocais e cantáveis. Novos gêneros foram desenvolvidos, e o fortepiano, o precursor do piano moderno, substituiu o cravo e o órgão de tubos da era barroca como o principal instrumento de teclado (embora o órgão de tubos continuasse a ser usado na música sacra, como as missas).
Foi dada importância à música instrumental. Foi dominado por um maior desenvolvimento de formas musicais inicialmente definidas no período barroco: a sonata, o concerto e a sinfonia. Outras modalidades principais foram o trio, o quarteto de cordas, a serenata e o divertimento. A sonata era a forma mais importante e desenvolvida. Embora os compositores barrocos também tenham escrito sonatas, o estilo clássico da sonata é completamente distinto. Todas as principais formas instrumentais da era clássica, de quartetos de cordas a sinfonias e concertos, baseavam-se na estrutura da sonata. Os instrumentos utilizados música de câmara e orquestra tornaram-se mais padronizados. No lugar do grupo de baixo contínuo da era barroca, que consistia em cravo, órgão ou alaúde, juntamente com uma série de instrumentos de baixo selecionados a critério do líder do grupo (por exemplo, viola, violoncelo, teorba, serpente), grupos clássicos de câmara usou instrumentos padronizados especificados (por exemplo, um quarteto de cordas seria executado por dois violinos, uma viola e um violoncelo). A improvisação de acordes da era barroca do tecladista contínuo ou do alaúde foi gradualmente eliminada entre 1750 e 1800.
Uma das mudanças mais importantes feitas no período Clássico foi o desenvolvimento de concertos públicos. A aristocracia ainda desempenhava um papel significativo no patrocínio de concertos e composições, mas agora era possível para os compositores sobreviverem sem serem empregados permanentes de rainhas ou príncipes. A crescente popularidade da música clássica levou a um crescimento no número e tipos de orquestras. A expansão dos concertos orquestrais exigiu a construção de grandes espaços públicos para apresentações. A música sinfônica, incluindo sinfonias, acompanhamento musical para balé e gêneros vocais/instrumentais mistos, como ópera e oratório, tornou-se mais popular.
Os compositores mais conhecidos do Classicismo são Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven e Franz Schubert. Beethoven e Schubert também são considerados compositores na parte posterior da era clássica, quando começou a se mover em direção ao romantismo.
Romantismo
A música romântica (c. 1810 a 1900) do século XIX tinha muitos elementos em comum com os estilos românticos na literatura e na pintura da época. O romantismo foi um movimento artístico, literário e intelectual caracterizado por sua ênfase na emoção e no individualismo, bem como na glorificação de todo o passado e da natureza. A música romântica expandiu-se para além dos estilos rígidos e formas da era clássica em peças e canções expressivas mais apaixonadas e dramáticas. Compositores românticos como Wagner e Brahms tentaram aumentar a expressão emocional e o poder em sua música para descrever verdades mais profundas ou sentimentos humanos. Com poemas de tom sinfônico, os compositores tentaram contar histórias e evocar imagens ou paisagens usando música instrumental. Alguns compositores promoveram o orgulho nacionalista com música orquestral patriótica inspirada na música folclórica. As qualidades emocionais e expressivas da música passaram a ter precedência sobre a tradição.
Os compositores românticos cresceram na idiossincrasia, e foram mais longe no sincretismo de explorar diferentes formas de arte num contexto musical, (como a literatura), história (figuras históricas e lendas), ou a própria natureza. O amor romântico ou saudade foi um tema predominante em muitas obras compostas durante este período. Em alguns casos, as estruturas formais do período clássico continuaram a ser usadas (por exemplo, a forma sonata usada em quartetos de cordas e sinfonias), mas essas formas foram expandidas e alteradas. Em muitos casos, novas abordagens foram exploradas para gêneros, formas e funções existentes. Além disso, foram criadas novas formas consideradas mais adequadas ao novo assunto. Os compositores continuaram a desenvolver ópera e balé, explorando novos estilos e temas.
Nos anos posteriores a 1800, a música desenvolvida por Ludwig van Beethoven e Franz Schubert introduziu um estilo mais dramático e expressivo. No caso de Beethoven, motivos curtos, desenvolvidos organicamente, vieram substituir a melodia como a unidade composicional mais significativa (um exemplo é a distinta figura de quatro notas usada em sua Quinta Sinfonia). Compositores românticos posteriores, como Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Antonín Dvořák e Gustav Mahler, usaram acordes mais incomuns e mais dissonância para criar tensão dramática. Eles geraram trabalhos musicais complexos e muitas vezes muito mais longos. Durante o final do período romântico, os compositores exploraram alterações cromáticas dramáticas de tonalidade, como acordes estendidos e acordes alterados, que criaram novas "cores" sonoras. O final do século 19 viu uma expansão dramática no tamanho da orquestra, e a revolução industrial ajudou a criar melhores instrumentos, criando um som mais poderoso. Concertos públicos tornaram-se uma parte importante da sociedade urbana próspera. Também viu uma nova diversidade na música teatral, incluindo opereta, comédia musical e outras formas de teatro musical.
Séculos 20 e 21
No século XIX, uma das principais formas de novas composições se tornarem conhecidas do público era a venda de partituras, que os amantes da música amadora de classe média executavam em casa em seu piano ou outros instrumentos comuns, como violino. Com a música do século 20, a invenção de novas tecnologias elétricas, como a transmissão de rádio e a disponibilidade de discos de gramofone no mercado de massa, fez com que as gravações de músicas e peças ouvidas pelos ouvintes (seja no rádio ou em seu toca-discos) se tornassem o principal meio de comunicação. para aprender sobre novas canções e peças. Houve um grande aumento na audição de música à medida que o rádio ganhou popularidade e os fonógrafos foram usados para reproduzir e distribuir música, qualquer pessoa com rádio ou toca-discos podia ouvir óperas, sinfonias e big bands diretamente em sua própria sala de estar, enquanto durante o século XIX, o foco em partituras restringia o acesso a novas músicas às classes média e alta que sabiam ler partituras e possuíam pianos e instrumentos. Isso permitiu que pessoas de baixa renda, que não podiam pagar uma ópera ou ingresso para um concerto sinfônico, ouvissem essa música. Isso também significava que as pessoas podiam ouvir música de diferentes partes do país, ou mesmo de diferentes partes do mundo, mesmo que não tivessem dinheiro para viajar para esses locais. Isso ajudou a difundir estilos musicais.
O foco da música artística no século 20 foi caracterizado pela exploração de novos ritmos, estilos e sons. Os horrores da Primeira Guerra Mundial influenciaram muitas das artes, incluindo a música, e alguns compositores começaram a explorar sons mais sombrios e ásperos. Estilos musicais tradicionais, como jazz e música folclórica, foram usados por compositores como fonte de ideias para a música clássica. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg e John Cage foram todos compositores influentes na música artística do século XX. A invenção da gravação de som e a capacidade de editar música deram origem a um novo subgênero da música clássica, incluindo as escolas acusmática e concreta de composição eletrônica. A gravação de som também foi uma grande influência no desenvolvimento dos gêneros musicais populares, porque permitiu que as gravações de músicas e bandas fossem amplamente distribuídas. A introdução do sistema de gravação multipista teve uma grande influência no rock, pois podia fazer muito mais do que gravar a performance de uma banda. Usando um sistema multipista, uma banda e seu produtor musical podem fazer overdub de várias camadas de faixas de instrumentos e vocais, criando novos sons que não seriam possíveis em uma apresentação ao vivo.
O jazz evoluiu e se tornou um gênero musical importante ao longo do século 20 e, durante a segunda metade desse século, o rock fez o mesmo. Jazz é uma forma de arte musical americana que se originou no início do século 20 em comunidades afro-americanas no sul dos Estados Unidos a partir de uma confluência de tradições musicais africanas e européias. O pedigree do estilo da África Ocidental é evidente em seu uso de notas azuis, improvisação, polirritmia, síncope e nota suingada.
A música rock é um gênero de música popular que se desenvolveu na década de 1950 a partir do rock and roll, rockabilly, blues e country dos anos 1960. O som do rock geralmente gira em torno da guitarra elétrica ou do violão, e usa uma forte batida de fundo estabelecida por uma seção rítmica. Junto com a guitarra ou os teclados, o saxofone e a gaita estilo blues são usados como instrumentos de solo. Em sua "forma mais pura", ela "tem três acordes, uma batida forte e insistente e uma melodia cativante". A seção rítmica tradicional da música popular é a guitarra rítmica, o baixo elétrico e a bateria. Algumas bandas também possuem instrumentos de teclado como órgão, piano ou, desde a década de 1970, sintetizadores analógicos. Na década de 1980, os músicos pop começaram a usar sintetizadores digitais, como o sintetizador DX-7, baterias eletrônicas como o TR-808 e dispositivos de baixo de sintetizador (como o TB-303) ou teclados de baixo de sintetizador. Na década de 1990, uma gama cada vez maior de dispositivos e instrumentos musicais de hardware computadorizado e software (por exemplo, estações de trabalho de áudio digital) foram usadas. Na década de 2020, os sintetizadores suaves e os aplicativos de música para computador permitem que os produtores de quarto criem e gravem alguns tipos de música, como a dance music eletrônica, em sua própria casa, adicionando instrumentos digitais e sampleados e editando a gravação digitalmente. Na década de 1990, algumas bandas de gêneros como o nu metal começaram a incluir DJs em suas bandas. Os DJs criam música manipulando a música gravada em toca-discos ou CD players, usando um mixer de DJ.
A inovação na tecnologia musical continuou no século 21, incluindo o desenvolvimento de teclados isomórficos e tonalidade dinâmica.
Criação
Composição
"Composição" é o ato ou prática de criar uma música, uma peça de música instrumental, um trabalho com canto e instrumentos, ou outro tipo de música. Em muitas culturas, incluindo a música clássica ocidental, o ato de compor também inclui a criação de notação musical, como uma partitura "partitura", que é executada pelo compositor ou por outros cantores ou músicos. Na música popular e na música tradicional, o ato de compor, que normalmente é chamado de composição, pode envolver a criação de um esboço básico da música, chamado de folha principal, que define a melodia, a letra e a progressão de acordes. Na música clássica, o compositor normalmente orquestra suas próprias composições, mas no teatro musical e na música pop, os compositores podem contratar um arranjador para fazer a orquestração. Em alguns casos, um compositor pode não usar nenhuma notação e, em vez disso, compor a música em sua mente e depois tocá-la ou gravá-la de memória. No jazz e na música popular, gravações notáveis de artistas influentes recebem o peso que as partituras escritas desempenham na música clássica.
Mesmo quando a música é notada com relativa precisão, como na música clássica, há muitas decisões que um intérprete deve tomar, porque a notação não especifica todos os elementos da música com precisão. O processo de decidir como executar a música que foi previamente composta e anotada é denominado "interpretação". Diferentes artistas' as interpretações de uma mesma obra musical podem variar amplamente, em termos dos andamentos escolhidos e do estilo de execução ou canto ou fraseado das melodias. Compositores e compositores que apresentam sua própria música estão interpretando suas canções, tanto quanto aqueles que executam a música de outros. O corpo padrão de escolhas e técnicas presentes em um determinado momento e um determinado local é referido como prática de performance, enquanto a interpretação é geralmente usada para significar as escolhas individuais de um performer.
Embora uma composição musical geralmente use notação musical e tenha um único autor, nem sempre é esse o caso. Uma obra musical pode ter múltiplos compositores, o que geralmente ocorre na música popular quando uma banda colabora para escrever uma música, ou no teatro musical, quando uma pessoa escreve as melodias, uma segunda pessoa escreve as letras e uma terceira pessoa orquestra as canções. Em alguns estilos de música, como o blues, um compositor/compositor pode criar, executar e gravar novas canções ou peças sem nunca escrevê-las em notação musical. Uma peça musical também pode ser composta com palavras, imagens ou programas de computador que explicam ou notam como o cantor ou músico deve criar sons musicais. Os exemplos vão desde música de vanguarda que usa notação gráfica, até composições de texto como Aus den sieben Tagen, até programas de computador que selecionam sons para peças musicais. A música que faz uso intenso da aleatoriedade e do acaso é chamada de música aleatória e está associada a compositores contemporâneos ativos no século 20, como John Cage, Morton Feldman e Witold Lutosławski. Um exemplo mais conhecido de música baseada no acaso é o som de sinos de vento tilintando na brisa.
O estudo da composição tem sido tradicionalmente dominado pelo exame dos métodos e práticas da música clássica ocidental, mas a definição de composição é ampla o suficiente para incluir a criação de música popular e canções de música tradicional e peças instrumentais, bem como trabalhos improvisados espontaneamente como os dos artistas de free jazz e percussionistas africanos, como os bateristas Ewe.
Desempenho
Performance é a expressão física da música, que ocorre quando uma música é cantada ou quando uma peça de piano, melodia de guitarra elétrica, sinfonia, batida de bateria ou outra parte musical é tocada por músicos. Na música clássica, uma obra musical é escrita em notação musical por um compositor e, em seguida, é executada uma vez que o compositor esteja satisfeito com sua estrutura e instrumentação. No entanto, à medida que é executada, a interpretação de uma música ou peça pode evoluir e mudar. Na música clássica, os instrumentistas, cantores ou maestros podem gradualmente fazer alterações no fraseado ou no andamento de uma peça. Na música popular e tradicional, os intérpretes têm muito mais liberdade para fazer alterações na forma de uma música ou peça. Como tal, em estilos musicais populares e tradicionais, mesmo quando uma banda toca uma música cover, eles podem fazer alterações nela, como adicionar um solo de guitarra ou inserir uma introdução.
Uma apresentação pode ser planejada e ensaiada (praticada)—que é a norma na música clássica, nas big bands de jazz e em muitos estilos de música popular—ou improvisada sobre uma progressão de acordes (uma sequência de acordes), que é o norma em pequenos grupos de jazz e blues. Os ensaios de orquestras, bandas de concerto e coros são conduzidos por um maestro. Bandas de rock, blues e jazz geralmente são lideradas pelo líder da banda. Um ensaio é uma repetição estruturada de uma música ou peça pelos intérpretes até que ela possa ser cantada ou tocada corretamente e, se for uma música ou peça para mais de um músico, até que as partes estejam juntas do ponto de vista rítmico e de afinação. A improvisação é a criação de uma ideia musical – uma melodia ou outra linha musical – criada no local, muitas vezes baseada em escalas ou riffs melódicos pré-existentes.
Muitas culturas têm fortes tradições de performance solo (em que um cantor ou instrumentista se apresenta), como na música clássica indiana e na tradição musical artística ocidental. Outras culturas, como em Bali, incluem fortes tradições de performance em grupo. Todas as culturas incluem uma mistura de ambos, e a apresentação pode variar de solos improvisados a apresentações altamente planejadas e organizadas, como o concerto clássico moderno, procissões religiosas, festivais de música clássica ou competições musicais. A música de câmara, que é música para um pequeno conjunto com apenas um ou alguns de cada tipo de instrumento, é frequentemente vista como mais íntima do que grandes obras sinfônicas.
Improvisação
A improvisação musical é a criação de música espontânea, geralmente dentro (ou baseada em) uma estrutura harmônica ou progressão de acordes pré-existente. Os improvisadores usam as notas do acorde, várias escalas que estão associadas a cada acorde e ornamentos cromáticos e tons de passagem que podem não ser tons do acorde nem das escalas típicas associadas a um acorde. A improvisação musical pode ser feita com ou sem preparação. A improvisação é uma parte importante de alguns tipos de música, como blues, jazz e jazz fusion, em que os artistas instrumentais improvisam solos, linhas melódicas e partes de acompanhamento.
Na tradição da música de arte ocidental, a improvisação foi uma habilidade importante durante a era barroca e durante a era clássica. Na era barroca, os artistas improvisavam ornamentos e os tecladistas de baixo contínuo improvisavam aberturas de acordes com base na notação de baixo cifrado. Além disso, esperava-se que os melhores solistas fossem capazes de improvisar peças como prelúdios. Na era clássica, solistas e cantores improvisavam cadências virtuosas durante os concertos.
No entanto, no século 20 e início do século 21, como "prática comum" A performance da música artística ocidental tornou-se institucionalizada em orquestras sinfônicas, casas de ópera e balés, a improvisação desempenhou um papel menor, pois mais e mais música foi anotada em partituras e partes para os músicos tocarem. Ao mesmo tempo, alguns compositores de música artística dos séculos 20 e 21 incluíram cada vez mais a improvisação em seu trabalho criativo. Na música clássica indiana, a improvisação é um componente central e um critério essencial das apresentações.
Arte e entretenimento
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A música é composta e executada para muitos propósitos, desde prazer estético, propósitos religiosos ou cerimoniais, ou como um produto de entretenimento para o mercado. Quando a música só estava disponível por meio de partituras, como durante as eras clássica e romântica, os amantes da música compravam as partituras de suas peças e canções favoritas para que pudessem tocá-las em casa ao piano. Com o advento do fonógrafo, gravações de canções populares, em vez de partituras, tornaram-se a maneira dominante de os amantes da música apreciarem suas canções favoritas. Com o advento dos gravadores domésticos na década de 1980 e da música digital na década de 1990, os amantes da música podiam fazer fitas ou listas de reprodução de suas músicas favoritas e levá-las em um toca-fitas portátil ou MP3 player. Alguns amantes da música criam fitas mistas de suas canções favoritas, que servem como um "auto-retrato, um gesto de amizade, uma receita para uma festa ideal... [e] um ambiente composto apenas pelo que mais se ama' 34;.
Músicos amadores podem compor ou executar música para seu próprio prazer e obter sua renda em outro lugar. Músicos profissionais são empregados por uma série de instituições e organizações, incluindo forças armadas (em bandas marciais, bandas de concerto e grupos de música popular), instituições religiosas, orquestras sinfônicas, emissoras ou produtoras de filmes e escolas de música. Músicos profissionais às vezes trabalham como freelancers ou músicos de sessão, buscando contratos e compromissos em uma variedade de configurações. Freqüentemente, existem muitos vínculos entre músicos amadores e profissionais. Músicos amadores iniciantes têm aulas com músicos profissionais. Em ambientes comunitários, músicos amadores avançados tocam com músicos profissionais em uma variedade de conjuntos, como bandas de concerto comunitárias e orquestras comunitárias.
Muitas vezes é feita uma distinção entre música executada para um público ao vivo e música executada em um estúdio para que possa ser gravada e distribuída através do sistema de varejo de música ou do sistema de transmissão. No entanto, também há muitos casos em que uma apresentação ao vivo para uma platéia também é gravada e distribuída. As gravações de concertos ao vivo são populares tanto na música clássica quanto nas formas de música popular, como o rock, onde concertos ao vivo gravados ilegalmente são valorizados pelos amantes da música. Na cena da jam band, as jam sessions improvisadas ao vivo são preferidas às gravações em estúdio.
Notação
jogar(help·info)Nos anos 2000, a notação musical normalmente significava a expressão escrita de notas musicais e ritmos no papel usando símbolos. Quando a música é escrita, os tons e o ritmo da música, como as notas de uma melodia, são anotados. A notação musical também costuma fornecer instruções sobre como executar a música. Por exemplo, a partitura de uma música pode indicar que a música é um "slow blues" ou um "swing rápido", que indica o andamento e o gênero. Para ler a notação musical, uma pessoa deve ter uma compreensão da teoria musical, da harmonia e da prática de execução associada a uma determinada música ou gênero de peça.
A notação escrita varia de acordo com o estilo e o período da música. Na década de 2000, a música notada é produzida como partitura ou, para indivíduos com programas de partitura de computador, como uma imagem na tela do computador. Nos tempos antigos, a notação musical era colocada em tabuletas de pedra ou argila. Para executar música a partir da notação, um cantor ou instrumentista requer uma compreensão dos elementos rítmicos e de tom incorporados nos símbolos e na prática de execução associada a uma peça musical ou a um gênero. Em gêneros que exigem improvisação musical, o intérprete costuma tocar a partir de músicas em que apenas as mudanças de acordes e a forma da música são escritas, exigindo que o intérprete tenha um grande entendimento da estrutura da música, da harmonia e dos estilos de um determinado gênero. (por exemplo, jazz ou música country).
Na música erudita ocidental, os tipos mais comuns de notação escrita são as partituras, que incluem todas as partes musicais de uma peça de conjunto, e as partes, que são a notação musical para os intérpretes ou cantores individuais. Na música popular, no jazz e no blues, a notação musical padrão é a partitura principal, que registra a melodia, os acordes, a letra (se for uma peça vocal) e a estrutura da música. Livros falsos também são usados no jazz; eles podem consistir em folhas principais ou simplesmente tabelas de acordes, que permitem aos membros da seção rítmica improvisar uma parte de acompanhamento para canções de jazz. As partituras e as partes também são usadas na música popular e no jazz, particularmente em grandes conjuntos como as "big bands" Na música popular, guitarristas e baixistas elétricos costumam ler música notada em tablatura (muitas vezes abreviada como "tab"), que indica a localização das notas a serem tocadas no instrumento usando um diagrama da guitarra ou baixo escala. A tablatura também foi usada na era barroca para anotar música para o alaúde, um instrumento de cordas com trastes.
Tradição oral e auditiva
Muitos tipos de música, como o blues tradicional e a música folclórica, não foram escritos em partituras; em vez disso, eles foram originalmente preservados na memória dos intérpretes, e as canções foram transmitidas oralmente, de um músico ou cantor para outro, ou auditivamente, em que um intérprete aprende uma canção "de ouvido". Quando o compositor de uma música ou peça não é mais conhecido, essa música é frequentemente classificada como "tradicional" ou como uma "canção folclórica". Diferentes tradições musicais têm atitudes diferentes em relação a como e onde fazer alterações no material original, desde bastante estritas até aquelas que exigem improvisação ou modificação na música. A história e as histórias de uma cultura também podem ser transmitidas de ouvido por meio da música.
Elementos
A música tem muitos fundamentos ou elementos diferentes. Dependendo da definição de "elemento" sendo usados, estes podem incluir tom, batida ou pulso, andamento, ritmo, melodia, harmonia, textura, estilo, alocação de vozes, timbre ou cor, dinâmica, expressão, articulação, forma e estrutura. Os elementos da música aparecem com destaque nos currículos musicais da Austrália, Reino Unido e Estados Unidos. Todos os três currículos identificam pitch, dinâmica, timbre e textura como elementos, mas os outros elementos identificados da música estão longe de serem universalmente aceitos. Abaixo está uma lista das três versões oficiais dos "elementos da música":
- Austrália: arremesso, timbre, textura, dinâmica e expressão, ritmo, forma e estrutura.
- Reino Unido: pitch, timbre, textura, dinâmica, duração, tempo, estrutura.
- EUA: arremesso, timbre, textura, dinâmica, ritmo, forma, harmonia, estilo/articulação.
Em relação ao currículo do Reino Unido, em 2013 o termo: "notações musicais apropriadas" foi adicionado à sua lista de elementos e o título da lista foi alterado de "elementos da música" às "dimensões inter-relacionadas da música". As dimensões inter-relacionadas da música são listadas como: tom, duração, dinâmica, andamento, timbre, textura, estrutura e notações musicais apropriadas.
A frase "os elementos da música" é usado em vários contextos diferentes. Os dois contextos mais comuns podem ser diferenciados descrevendo-os como os "elementos rudimentares da música" e os "elementos perceptivos da música".
Argumento
Pitch é um aspecto de um som que podemos ouvir, refletindo se um som musical, nota ou tom é "mais alto" ou "inferior" do que outro som, nota ou tom musical. Podemos falar sobre a altura ou a gravidade do tom no sentido mais geral, como a maneira como um ouvinte ouve uma nota de piccolo penetrantemente alta ou um tom de assobio tão alto quanto uma batida profunda de um bumbo. Também falamos de pitch no sentido exato associado a melodias musicais, linhas de baixo e acordes. O tom preciso só pode ser determinado em sons que tenham uma frequência clara e estável o suficiente para distinguir do ruído. Por exemplo, é muito mais fácil para os ouvintes discernir o tom de uma única nota tocada em um piano do que tentar discernir o tom de um prato de choque que é tocado.
Melodia
jogar(help·info)Uma melodia (também chamada de "melodia") é uma série de alturas (notas) soando em sucessão (uma após a outra), geralmente em um padrão ascendente e descendente. As notas de uma melodia são normalmente criadas usando sistemas de afinação, como escalas ou modos. As melodias também costumam conter notas dos acordes usados na música. As melodias em canções folclóricas simples e canções tradicionais podem usar apenas as notas de uma única escala, a escala associada à nota tônica ou tom de uma determinada música. Por exemplo, uma canção folclórica no tom de Dó (também conhecido como Dó maior) pode ter uma melodia que usa apenas as notas da escala de Dó maior (as notas individuais C, D, E, F, G, A, B, e C; estas são as "notas brancas" em um teclado de piano. Por outro lado, o jazz da era Bebop da década de 1940 e a música contemporânea dos séculos 20 e 21 podem usar melodias com muitas notas cromáticas (ou seja, notas além das notas da escala maior; em um piano, uma escala cromática incluiria todas as notas do teclado, incluindo as "notas brancas" e as "notas pretas" e escalas incomuns, como a escala de tons inteiros (uma escala de tons inteiros na tonalidade de C conteria as notas C, D, E, F♯, G♯ e A♯). Uma linha musical baixa e profunda tocada por instrumentos de baixo, como contrabaixo, baixo elétrico ou tuba, é chamada de linha de baixo.
Harmonia
Harmonia refere-se ao "vertical" sons de alturas na música, o que significa notas que são tocadas ou cantadas juntas ao mesmo tempo para criar um acorde. Normalmente, isso significa que as notas são tocadas ao mesmo tempo, embora a harmonia também possa ser implícita por uma melodia que delineia uma estrutura harmônica (ou seja, usando notas de melodia que são tocadas uma após a outra, delineando as notas de um acorde). Na música escrita usando o sistema de tonalidade maior-menor ("chaves"), que inclui a maioria das músicas clássicas escritas de 1600 a 1900 e a maioria da música ocidental, pop, rock e tradicional, a tonalidade de uma peça determina o "nota inicial" ou tônica para a qual a peça geralmente resolve, e o caráter (por exemplo, maior ou menor) da escala em uso. Peças clássicas simples e muitas músicas pop e tradicionais são escritas para que toda a música esteja em um único tom. Músicas e peças de música clássica, pop e tradicional mais complexas podem ter duas tonalidades (e, em alguns casos, três ou mais tonalidades). A música clássica da era romântica (escrita por volta de 1820–1900) geralmente contém várias tonalidades, assim como o jazz, especialmente o jazz Bebop da década de 1940, no qual a tonalidade ou "nota inicial" de uma música pode mudar a cada quatro compassos ou mesmo a cada dois compassos.
Ritmo
Ritmo é o arranjo de sons e silêncios no tempo. O medidor anima o tempo em agrupamentos de pulso regulares, chamados de compassos ou compassos, que na música ocidental clássica, popular e tradicional geralmente agrupam notas em conjuntos de dois (por exemplo, 2/4 do tempo), três (por exemplo, 3/4 do tempo, também conhecido como compasso de valsa, ou compasso de 3/8) ou quatro (por exemplo, compasso de 4/4). Os medidores são mais fáceis de ouvir porque as músicas e peças geralmente (mas nem sempre) enfatizam a primeira batida de cada agrupamento. Existem exceções notáveis, como o backbeat usado em muito pop e rock ocidental, em que uma música que usa um compasso que consiste em quatro tempos (chamado de tempo 4/4 ou tempo comum) terá acentos nos tempos dois e quatro, que são normalmente executada pelo baterista na caixa, um instrumento de percussão alto e de som distinto. No pop e no rock, as partes rítmicas de uma música são tocadas pela seção rítmica, que inclui instrumentos de execução de acordes (por exemplo, guitarra elétrica, violão, piano ou outros instrumentos de teclado), um instrumento de baixo (normalmente baixo elétrico ou para alguns estilos como jazz e bluegrass, contrabaixo) e um tocador de bateria.
Textura
A textura musical é o som geral de uma peça musical ou canção. A textura de uma peça ou música é determinada pela forma como os materiais melódicos, rítmicos e harmônicos são combinados em uma composição, determinando assim a natureza geral do som em uma peça. A textura é frequentemente descrita em relação à densidade, ou espessura, e alcance, ou largura, entre os tons mais baixos e mais altos, em termos relativos, bem como mais especificamente distinguidos de acordo com o número de vozes, ou partes, e a relação entre essas vozes. (veja os tipos comuns abaixo). Por exemplo, uma textura espessa contém muitas 'camadas' de instrumentos. Uma dessas camadas pode ser uma seção de cordas ou outro latão. A espessura também é afetada pela quantidade e riqueza dos instrumentos. A textura é comumente descrita de acordo com o número e a relação entre partes ou linhas de música:
- monofonia: uma única melodia (ou "tune") com nem acompanhamento instrumental nem uma parte de harmonia. Uma mãe cantando um lullaby para seu bebê seria um exemplo.
- heterofonia: dois ou mais instrumentos ou cantores tocando / cantando a mesma melodia, mas com cada performer ligeiramente variando o ritmo ou velocidade da melodia ou adicionando diferentes ornamentos à melodia. Dois violinos de bluegrass jogando a mesma melodia de violino tradicional juntos normalmente cada um varia a melodia por algum grau e cada um adiciona diferentes ornamentos.
- polifonia: múltiplas linhas de melodia independentes que entrelaçam juntas, que são cantadas ou tocadas ao mesmo tempo. A música coral escrita na era da música renascentista foi tipicamente escrita neste estilo. Uma rodada, que é uma canção como "Row, Row, Row Your Boat", que diferentes grupos de cantores começam a cantar em um momento diferente, é um exemplo de polifonia.
- homofonia: uma melodia clara apoiada pelo acompanhamento do chordal. A maioria das músicas populares ocidentais do século XIX estão escritas nesta textura.
Música que contém um grande número de partes independentes (por exemplo, um concerto duplo acompanhado por 100 instrumentos orquestrais com muitas linhas melódicas entrelaçadas) é geralmente considerada como tendo uma estrutura "mais espessa" ou "mais denso" textura do que uma obra com poucas partes (por exemplo, uma melodia solo de flauta acompanhada por um único violoncelo).
Timbre
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Timbre, às vezes chamado de "cor" ou "cor do tom" é a qualidade ou som de uma voz ou instrumento. Timbre é o que torna um determinado som musical diferente de outro, mesmo quando eles têm o mesmo tom e sonoridade. Por exemplo, uma nota Lá de 440 Hz soa diferente quando tocada em oboé, piano, violino ou guitarra elétrica. Mesmo que diferentes músicos do mesmo instrumento toquem a mesma nota, suas notas podem soar diferentes devido a diferenças na técnica instrumental (por exemplo, diferentes embocaduras), diferentes tipos de acessórios (por exemplo, boquilhas para músicos de metais, palhetas para oboé e fagotistas) ou cordas feitas de diferentes materiais para tocadores de cordas (por exemplo, cordas de tripa versus cordas de aço). Mesmo dois instrumentistas tocando a mesma nota no mesmo instrumento (um após o outro) podem soar diferentes devido a diferentes maneiras de tocar o instrumento (por exemplo, dois tocadores de cordas podem segurar o arco de maneira diferente).
As características físicas do som que determinam a percepção do timbre incluem o espectro, o envelope e os harmônicos de uma nota ou som musical. Para instrumentos elétricos desenvolvidos no século 20, como guitarra elétrica, baixo elétrico e piano elétrico, o artista também pode alterar o tom ajustando os controles do equalizador, controles de tom no instrumento e usando unidades de efeitos eletrônicos, como pedais de distorção. O tom do órgão Hammond elétrico é controlado ajustando as barras de tração.
Expressão
As qualidades expressivas são aqueles elementos na música que criam mudanças na música sem alterar os tons principais ou alterar substancialmente os ritmos da melodia e seu acompanhamento. Artistas, incluindo cantores e instrumentistas, podem adicionar expressão musical a uma música ou peça adicionando frases, adicionando efeitos como vibrato (com voz e alguns instrumentos, como violão, violino, instrumentos de sopro e instrumentos de sopro), dinâmica (o volume ou suavidade de peça ou uma seção dela), flutuações de tempo (por exemplo, ritardando ou acelerando, que são, respectivamente, desacelerando e acelerando o tempo), adicionando pausas ou fermatas em uma cadência e alterando a articulação das notas (por exemplo, tornando as notas mais pronunciadas ou acentuadas, tornando as notas mais legato, o que significa suavemente conectadas, ou tornando as notas mais curtas).
A expressão é alcançada através da manipulação do tom (como inflexão, vibrato, slides etc.), volume (dinâmica, acento, tremolo etc.), duração (flutuações de tempo, mudanças rítmicas, alteração da duração da nota, como legato e staccato, etc.), timbre (por exemplo, mudando o timbre vocal de uma voz leve para uma voz ressonante) e às vezes até textura (por exemplo, duplicando a nota do baixo para um efeito mais rico em uma peça de piano). A expressão, portanto, pode ser vista como uma manipulação de todos os elementos para transmitir "uma indicação de humor, espírito, caráter, etc." e como tal não pode ser incluído como um elemento perceptivo único da música, embora possa ser considerado um importante elemento rudimentar da música.
Formulário
Jingle Bells abster vector.midNa música, a forma descreve a estrutura geral ou o plano de uma música ou peça musical e descreve o layout de uma composição dividida em seções. No início do século 20, as canções de Tin Pan Alley e as canções musicais da Broadway eram frequentemente na forma AABA de 32 compassos, em que as seções A repetiam a mesma melodia de oito compassos (com variação) e a seção B fornecia uma melodia ou harmonia contrastante para oito compassos.. A partir da década de 1960, as canções de pop e rock ocidentais costumam ter a forma de verso-refrão, que compreende uma sequência de seções de verso e refrão ("refrão"), com novas letras para a maioria dos versos e letras repetidas para os refrões.. A música popular costuma fazer uso da forma estrófica, às vezes em conjunto com o blues de doze compassos.
Na décima edição de The Oxford Companion to Music, Percy Scholes define a forma musical como "uma série de estratégias projetadas para encontrar um meio-termo bem-sucedido entre os extremos opostos de repetição sem alívio e repetição sem alívio. alteração." Exemplos de formas comuns de música ocidental incluem a fuga, a invenção, a sonata-allegro, o cânone, o estrófico, o tema e as variações e o rondo.
Scholes afirma que a música clássica européia tinha apenas seis formas autônomas: binário simples, ternário simples, binário composto, rondo, ar com variações e fuga (embora o musicólogo Alfred Mann enfatize que a fuga é principalmente um método de composição que às vezes assumiu certas convenções estruturais.)
Quando uma peça não pode ser prontamente dividida em unidades seccionais (embora possa emprestar alguma forma de um poema, história ou programa), diz-se que é composta por completo. Esse é frequentemente o caso de uma fantasia, prelúdio, rapsódia, estudo (ou estudo), poema sinfônico, Bagatelle, improviso etc. 34;
Filosofia
A filosofia da música é o estudo das questões fundamentais sobre a música. O estudo filosófico da música tem muitas conexões com questões filosóficas de metafísica e estética. Algumas questões básicas na filosofia da música são:
- Qual é a definição de música? (Quais são as condições necessárias e suficientes para classificar algo como música?)
- Qual é a relação entre música e mente?
- O que a história da música nos revela sobre o mundo?
- Qual é a conexão entre música e emoções?
- O que significa em relação à música?
Na antiguidade, tal como na Grécia Antiga, a estética da música explorava as dimensões matemáticas e cosmológicas da organização rítmica e harmónica. No século XVIII, o foco mudou para a experiência de ouvir música e, portanto, para questões sobre sua beleza e prazer humano (plaisir e jouissance) da música. A origem dessa mudança filosófica é às vezes atribuída a Alexander Gottlieb Baumgarten no século XVIII, seguido por Immanuel Kant. Através de sua escrita, o antigo termo 'estética', significando percepção sensorial, recebeu sua conotação atual. Nos anos 2000, os filósofos tendiam a enfatizar questões além da beleza e do prazer. Por exemplo, a capacidade da música de expressar emoções tem sido uma questão central.
No século 20, importantes contribuições foram feitas por Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton e Stephen Davies. No entanto, muitos músicos, críticos musicais e outros não-filósofos contribuíram para a estética da música. No século 19, surgiu um debate significativo entre Eduard Hanslick, crítico musical e musicólogo, e o compositor Richard Wagner sobre se a música pode expressar significado. Harry Partch e alguns outros musicólogos, como Kyle Gann, estudaram e tentaram popularizar a música microtonal e o uso de escalas musicais alternativas. Também muitos compositores modernos como La Monte Young, Rhys Chatham e Glenn Branca prestaram muita atenção a uma escala chamada apenas de entonação.
Muitas vezes pensa-se que a música tem a capacidade de afetar nossas emoções, intelecto e psicologia; pode amenizar nossa solidão ou incitar nossas paixões. O filósofo Platão sugere em A República que a música tem um efeito direto na alma. Portanto, ele propõe que no regime ideal a música seria estritamente regulada pelo estado (Livro VII). Na China Antiga, o filósofo Confúcio acreditava que a música e os rituais ou ritos estão interligados e harmoniosos com a natureza; ele afirmou que a música era a harmonização do céu e da terra, enquanto a ordem era trazida pela ordem dos ritos, tornando-os funções extremamente cruciais na sociedade.
Psicologia
A psicologia da música moderna visa explicar e compreender o comportamento e a experiência musical. A pesquisa neste campo e seus subcampos são principalmente empíricos; seu conhecimento tende a avançar com base em interpretações de dados coletados por observação sistemática e interação com participantes humanos. Além de seu foco nas percepções fundamentais e processos cognitivos, a psicologia da música é um campo de pesquisa com relevância prática para muitas áreas, incluindo performance musical, composição, educação, crítica e terapia, bem como investigações de aptidão humana, habilidade, inteligência, criatividade e comportamento social.
Neurociência
A neurociência cognitiva da música é o estudo científico dos mecanismos cerebrais envolvidos nos processos cognitivos subjacentes à música. Esses comportamentos incluem ouvir música, tocar, compor, ler, escrever e atividades auxiliares. Também está cada vez mais preocupado com a base cerebral da estética musical e da emoção musical. O campo se distingue por sua dependência de observações diretas do cérebro, usando técnicas como ressonância magnética funcional (fMRI), estimulação magnética transcraniana (TMS), magnetoencefalografia (MEG), eletroencefalografia (EEG) e tomografia por emissão de pósitrons (PET)..
Musicologia cognitiva
A musicologia cognitiva é um ramo da ciência cognitiva preocupado com a modelagem computacional do conhecimento musical com o objetivo de entender tanto a música quanto a cognição. O uso de modelos de computador fornece um meio interativo e preciso para formular e testar teorias e tem raízes na inteligência artificial e na ciência cognitiva.
Este campo interdisciplinar investiga tópicos como os paralelos entre a linguagem e a música no cérebro. Modelos de computação inspirados biologicamente são frequentemente incluídos em pesquisas, como redes neurais e programas evolutivos. Este campo procura modelar como o conhecimento musical é representado, armazenado, percebido, executado e gerado. Usando um ambiente de computador bem estruturado, as estruturas sistemáticas desses fenômenos cognitivos podem ser investigadas.
Psicoacústica
Psicoacústica é o estudo científico da percepção sonora. Mais especificamente, é o ramo da ciência que estuda as respostas psicológicas e fisiológicas associadas ao som (incluindo fala e música). Pode ainda ser classificado como um ramo da psicofísica.
Musicologia evolutiva
A musicologia evolutiva diz respeito às "origens da música, a questão da canção animal, pressões de seleção subjacentes à evolução da música", e "evolução da música e evolução humana". Procura compreender a percepção e atividade musical no contexto da teoria evolutiva. Charles Darwin especulou que a música pode ter tido uma vantagem adaptativa e funcionado como uma protolinguagem, uma visão que gerou várias teorias concorrentes da evolução da música. Uma visão alternativa vê a música como um subproduto da evolução linguística; um tipo de "cheesecake auditivo" que agrada aos sentidos sem fornecer qualquer função adaptativa. Esta visão foi diretamente combatida por numerosos pesquisadores musicais.
Efeitos culturais
A cultura ou etnia de um indivíduo desempenha um papel em sua cognição musical, incluindo suas preferências, reação emocional e memória musical. As preferências musicais são tendenciosas em relação às tradições musicais culturalmente familiares que começam na infância e na infância dos adultos. a classificação da emoção de uma peça musical depende de características estruturais culturais específicas e universais. Além disso, indivíduos' habilidades de memória musical são maiores para música culturalmente familiar do que para música culturalmente desconhecida.
Perceptivo
Desde o surgimento do estudo da psicoacústica na década de 1930, a maioria das listas de elementos da música se relaciona mais com a forma como ouvimos música do que como aprendemos a tocá-la ou estudá-la. C.E. Seashore, em seu livro Psicologia da Música, identificou quatro "atributos psicológicos do som". Estes foram: "pitch, sonoridade, tempo e timbre" (pág. 3). Ele não os chamou de "elementos da música" mas referiu-se a eles como "componentes elementares" (pág. 2). No entanto, esses componentes elementares ligam-se precisamente a quatro dos elementos musicais mais comuns: "Pitch" e "timbre" correspondem exatamente, "volume" links com dinâmica e "tempo" links com os elementos baseados no tempo de ritmo, duração e tempo. Este uso da frase "os elementos da música" liga mais de perto com a definição do Novo Dicionário do Século 20 da Webster de um elemento como: "uma substância que não pode ser dividida em uma forma mais simples por métodos conhecidos" e instituições educacionais' listas de elementos geralmente se alinham com esta definição também.
Embora os escritores de listas de "elementos rudimentares da música" podem variar suas listas dependendo de suas prioridades pessoais (ou institucionais), os elementos perceptivos da música devem consistir em uma lista estabelecida (ou comprovada) de elementos discretos que podem ser manipulados independentemente para alcançar um efeito musical pretendido. Parece nesta fase que ainda há pesquisa a ser feita nesta área.
Uma maneira ligeiramente diferente de abordar a identificação dos elementos da música é identificar os "elementos do som" como: altura, duração, sonoridade, timbre, textura sonora e localização espacial, e então definir os "elementos da música" como: som, estrutura e intenção artística.
Aspectos sociológicos
Muitos estudos etnográficos demonstram que a música é uma atividade participativa baseada na comunidade. A música é vivenciada por indivíduos em uma variedade de contextos sociais que vão desde estar sozinho até assistir a um grande concerto, formando uma comunidade musical, que não pode ser entendida como uma função da vontade ou acidente individual; inclui participantes comerciais e não comerciais com um conjunto compartilhado de valores comuns. As apresentações musicais assumem diferentes formas em diferentes culturas e meios socioeconômicos. Na Europa e na América do Norte, muitas vezes há uma divisão entre quais tipos de música são vistos como uma "alta cultura" e "baixa cultura." "Alta cultura" tipos de música normalmente incluem música de arte ocidental, como sinfonias barrocas, clássicas, românticas e da era moderna, concertos e obras solo, e são normalmente ouvidos em concertos formais em salas de concerto e igrejas, com o público sentado em silêncio nos assentos.
Outros tipos de música—incluindo, mas não limitado a, jazz, blues, soul e country—são frequentemente tocados em bares, casas noturnas e teatros, onde o público pode beber, dançar e se expressar por torcendo. Até o final do século 20, a divisão entre "alto" e "baixo" formas musicais foram amplamente aceitas como uma distinção válida que separava a "música artística" dos estilos musicais populares ouvidos em bares e salões de dança.
No entanto, nas décadas de 1980 e 1990, os musicólogos que estudavam essa divisão percebida entre "alto" e "baixo" os gêneros musicais argumentaram que essa distinção não se baseia no valor musical ou na qualidade dos diferentes tipos de música. Em vez disso, eles argumentaram que essa distinção se baseava amplamente na posição socioeconômica ou classe social dos artistas ou público dos diferentes tipos de música. Por exemplo, enquanto o público de concertos de sinfonia clássica normalmente tem renda acima da média, o público de um show de rap em uma área central da cidade pode ter renda abaixo da média. Mesmo que os artistas, público ou local onde não-"arte" a música tocada pode ter um status socioeconômico mais baixo, a música tocada, como blues, rap, punk, funk ou ska, pode ser muito complexa e sofisticada.
Quando os compositores introduzem estilos de música que rompem com as convenções, pode haver uma forte resistência por parte dos especialistas musicais académicos e da cultura popular. Os quartetos de cordas de Beethoven do período tardio, as partituras do balé de Stravinsky, o serialismo, o jazz da era bebop, o hip hop, o punk rock e a música eletrônica foram considerados não musicais por alguns críticos quando foram apresentados pela primeira vez. Certos temas são examinados na sociologia da música. O estudo sociológico da música, às vezes chamado de sociomusicologia, é frequentemente realizado em departamentos de sociologia, estudos de mídia ou música, e está intimamente relacionado ao campo da etnomusicologia.
Papel das mulheres
As mulheres têm desempenhado um papel importante na música ao longo da história, como compositoras, compositoras, intérpretes instrumentais, cantoras, regentes, estudiosas da música, educadoras musicais, críticas musicais/jornalistas musicais e outras profissões musicais. Na década de 2010, enquanto as mulheres representam uma proporção significativa de cantores de música popular e clássica e uma proporção significativa de compositoras (muitas delas sendo cantoras e compositoras), há poucas mulheres produtoras de discos, críticas de rock e instrumentistas de rock. Embora tenha havido um grande número de mulheres compositoras na música clássica, desde o período medieval até os dias atuais, as mulheres compositoras estão significativamente sub-representadas no repertório de música clássica comumente executado, livros de história da música e enciclopédias musicais; por exemplo, na Concise Oxford History of Music, Clara Schumann é uma das poucas compositoras mencionadas.
As mulheres representam uma proporção significativa de solistas instrumentais na música clássica e a porcentagem de mulheres em orquestras está aumentando. Um artigo de 2015 sobre solistas de concerto nas principais orquestras canadenses, no entanto, indicou que 84% dos solistas da Orchestre Symphonique de Montreal eram homens. Em 2012, as mulheres ainda representavam apenas 6% da Orquestra Filarmônica de Viena mais bem classificada. As mulheres são menos comuns como instrumentistas em gêneros musicais populares, como rock e heavy metal, embora tenha havido várias instrumentistas notáveis e bandas exclusivamente femininas. As mulheres são particularmente sub-representadas nos gêneros de metal extremo. Na cena da música pop dos anos 1960, “[34;] como a maioria dos aspectos do... negócio da música, [nos anos 1960] a composição era um campo dominado pelos homens. Embora houvesse muitas cantoras no rádio, as mulheres... eram vistas principalmente como consumidoras:... Cantar às vezes era um passatempo aceitável para uma garota, mas tocar um instrumento, escrever canções ou produzir discos simplesmente não era uma tarefa fácil. t feito." Mulheres jovens "...não foram socializadas para se verem como pessoas que criam [música]."
As mulheres também estão sub-representadas na regência orquestral, crítica musical/jornalismo musical, produção musical e engenharia de som. Enquanto as mulheres eram desencorajadas a compor no século 19, e há poucas mulheres musicólogas, as mulheres se envolveram na educação musical "... a tal ponto que as mulheres dominaram [esse campo] durante a segunda metade do século 19. e bem no século 20."
De acordo com Jessica Duchen, uma escritora musical do The Independent de Londres, as mulheres musicistas da música clássica são "...muitas vezes julgadas por suas aparências, ao invés de suas talento" e eles enfrentam pressão "... para parecer sexy no palco e nas fotos." Duchen afirma que, embora "aqui existam mulheres musicistas que se recusam a brincar com sua aparência,... as que o fazem tendem a ter mais sucesso material". De acordo com a editora da Radio 3 do Reino Unido, Edwina Wolstencroft, a indústria da música há muito está aberta a ter mulheres em funções de performance ou entretenimento, mas as mulheres são muito menos propensas a ocupar cargos de autoridade, como ser o maestro de uma orquestra. Na música popular, embora haja muitas cantoras gravando canções, há muito poucas mulheres por trás do console de áudio atuando como produtoras musicais, as pessoas que dirigem e gerenciam o processo de gravação. Um dos artistas mais gravados é Asha Bhosle, uma cantora indiana mais conhecida como cantora de playback no cinema hindi.
Mídia e tecnologia
Desde o século XX que a música ao vivo pode ser transmitida pela rádio, televisão ou Internet, ou gravada e ouvida num leitor de CD ou leitor de MP3.
No início do século 20 (final da década de 1920), quando os filmes falados surgiram no início do século 20, com suas faixas musicais pré-gravadas, um número crescente de músicos de orquestra de cinema se viu sem trabalho. Durante a década de 1920, apresentações musicais ao vivo de orquestras, pianistas e organistas de teatro eram comuns em teatros de primeira linha. Com o advento dos filmes falados, essas atuações foram amplamente eliminadas. A Federação Americana de Músicos (AFM) publicou anúncios em jornais protestando contra a substituição de músicos ao vivo por dispositivos mecânicos. Um anúncio de 1929 que apareceu na Pittsburgh Press apresenta a imagem de uma lata rotulada como "Música enlatada / Marca de grande barulho / Garantia de não produzir qualquer reação intelectual ou emocional"
Às vezes, as apresentações ao vivo incorporam sons pré-gravados. Por exemplo, um disc jockey usa discos para fazer scratch, e algumas obras do século 20 têm um solo para um instrumento ou voz que é executado junto com a música pré-gravada em uma fita. Algumas bandas pop usam faixas de apoio gravadas. Computadores e muitos teclados podem ser programados para produzir e tocar música de interface digital de instrumento musical (MIDI). O público também pode se tornar performer participando do karaokê, uma atividade de origem japonesa centrada em um aparelho que reproduz versões sem voz de canções conhecidas. A maioria das máquinas de karaokê também possui telas de vídeo que mostram as letras das músicas que estão sendo executadas; os artistas podem acompanhar as letras enquanto cantam sobre as faixas instrumentais.
O advento da Internet e o amplo acesso à banda larga de alta velocidade transformaram a experiência da música, em parte devido ao aumento da facilidade de acesso a gravações de música por meio de streaming de vídeo e ao grande aumento de opções de música para os consumidores. Outro efeito da Internet surgiu com comunidades online e sites de mídia social como YouTube e Facebook, um serviço de rede social. Esses sites tornam mais fácil para aspirantes a cantores e bandas amadoras distribuir vídeos de suas músicas, conectar-se com outros músicos e atrair o interesse do público. Músicos profissionais também usam o YouTube como editor gratuito de material promocional. Os usuários do YouTube, por exemplo, não apenas baixam e ouvem MP3s, mas também criam ativamente seus próprios. De acordo com Don Tapscott e Anthony D. Williams, em seu livro Wikinomics, houve uma mudança de um papel de consumidor tradicional para o que eles chamam de "prosumidor" papel, um consumidor que cria conteúdo e consome. Manifestações disso na música incluem a produção de mashes, remixes e videoclipes por fãs.
Educação
Não institucional
A incorporação de algum treinamento de música ou canto na educação geral, desde a pré-escola até a educação pós-secundária, é comum na América do Norte e na Europa. Pensa-se que o envolvimento em tocar e cantar música ensina habilidades básicas, como concentração, contagem, audição e cooperação, além de promover a compreensão da linguagem, melhorar a capacidade de recordar informações e criar um ambiente mais propício ao aprendizado em outras áreas. Nas escolas primárias, as crianças geralmente aprendem a tocar instrumentos como a flauta doce, cantar em pequenos coros e aprender sobre a história da música artística ocidental e da música tradicional. Algumas crianças do ensino fundamental também aprendem sobre estilos de música popular. Nas escolas religiosas, as crianças cantam hinos e outras músicas religiosas. Nas escolas secundárias (e menos comumente nas escolas primárias), os alunos podem ter a oportunidade de se apresentar em alguns tipos de conjuntos musicais, como coros (um grupo de cantores), bandas marciais, bandas de concerto, bandas de jazz ou orquestras. Em alguns sistemas escolares, podem ser fornecidas aulas de música sobre como tocar instrumentos. Alguns alunos também fazem aulas particulares de música depois da escola com um professor de canto ou de instrumento. Músicos amadores geralmente aprendem rudimentos musicais básicos (por exemplo, aprendendo sobre notação musical para escalas e ritmos musicais) e técnicas de canto ou instrumentos de nível iniciante a intermediário.
No nível universitário, os alunos da maioria dos programas de artes e humanidades podem receber crédito por fazer alguns cursos de música, que normalmente assumem a forma de um curso de visão geral sobre a história da música ou um curso de apreciação musical que se concentra em ouvir música e aprender sobre diferentes estilos musicais. Além disso, a maioria das universidades norte-americanas e europeias possui alguns tipos de conjuntos musicais dos quais estudantes de artes e humanidades podem participar, como coros, bandas marciais, bandas de concerto ou orquestras. O estudo da música artística ocidental é cada vez mais comum fora da América do Norte e da Europa, como o Instituto Indonésio de Artes em Yogyakarta, Indonésia, ou os programas de música clássica disponíveis em países asiáticos, como Coréia do Sul, Japão e China. Ao mesmo tempo, as universidades e faculdades ocidentais estão ampliando seu currículo para incluir música de culturas não ocidentais, como a música da África ou de Bali (por exemplo, música Gamelan).
Institucional
Pessoas que desejam se tornar músicos profissionais, cantores, compositores, compositores, professores de música e praticantes de outras profissões relacionadas à música, como professores de história da música, engenheiros de som e assim por diante, estudam em programas pós-secundários especializados oferecidos por faculdades e universidades e conservatórios de música. Algumas instituições que treinam indivíduos para carreiras musicais oferecem treinamento em uma ampla gama de profissões, como é o caso de muitas das principais universidades dos EUA, que oferecem graduação em performance musical (incluindo canto e execução de instrumentos), história da música, teoria musical, composição musical, educação musical (para indivíduos que desejam se tornar professores de música do ensino fundamental ou médio) e, em alguns casos, regência. Por outro lado, algumas faculdades pequenas podem oferecer apenas treinamento em uma única profissão (por exemplo, gravação de som).
Embora a maioria dos programas de música em universidades e conservatórios se concentre no treinamento de estudantes em música clássica, há várias universidades e faculdades que treinam músicos para carreiras como músicos e compositores de jazz ou música popular, com exemplos notáveis nos EUA, incluindo a Manhattan School of Music e a Berklee College of Music. Duas escolas importantes no Canadá que oferecem treinamento profissional em jazz são a McGill University e a Humber College. Indivíduos que buscam carreiras em alguns tipos de música, como heavy metal, country ou blues, têm menos probabilidade de se tornarem profissionais concluindo graduações ou diplomas em faculdades ou universidades. Em vez disso, eles normalmente aprendem sobre seu estilo de música cantando ou tocando em várias bandas (muitas vezes começando em bandas amadoras, bandas cover e bandas tributo), estudando gravações disponíveis em CD, DVD e na Internet e trabalhando com profissionais já estabelecidos em seus estilo de música, seja por meio de orientação informal ou aulas regulares de música. Desde os anos 2000, a crescente popularidade e disponibilidade de fóruns da Internet e vídeos de "como fazer" vídeos permitiram que muitos cantores e músicos de metal, blues e gêneros similares melhorassem suas habilidades. Muitos cantores pop, rock e country treinam informalmente com treinadores vocais e professores de canto.
Estudo acadêmico
Musicologia
Musicologia, o estudo acadêmico da disciplina de música, é estudada em universidades e conservatórios de música. As primeiras definições do século XIX definiram três subdisciplinas da musicologia: musicologia sistemática, musicologia histórica e musicologia comparativa ou etnomusicologia. Na bolsa de estudos da era de 2010, é mais provável encontrar uma divisão da disciplina em teoria musical, história da música e etnomusicologia. A pesquisa em musicologia tem sido frequentemente enriquecida por trabalhos interdisciplinares, por exemplo, no campo da psicoacústica. O estudo da música de culturas não ocidentais e o estudo cultural da música são chamados de etnomusicologia. Os alunos podem prosseguir o estudo de graduação de musicologia, etnomusicologia, história da música e teoria da música através de vários tipos diferentes de graus, incluindo bacharelado, mestrado e doutorado.
Teoria musical
A teoria musical é o estudo da música, geralmente de maneira altamente técnica, fora de outras disciplinas. Mais amplamente, refere-se a qualquer estudo da música, geralmente relacionado de alguma forma com questões de composição, e pode incluir matemática, física e antropologia. O que é mais comumente ensinado nas aulas de teoria musical para iniciantes são as diretrizes para escrever no estilo do período de prática comum, ou música tonal. A teoria, mesmo da música do período de prática comum, pode assumir muitas outras formas. A teoria dos conjuntos musicais é a aplicação da teoria matemática dos conjuntos à música, aplicada pela primeira vez à música atonal. A teoria musical especulativa, em contraste com a teoria musical analítica, é dedicada à análise e síntese de materiais musicais, por exemplo, sistemas de afinação, geralmente como preparação para a composição.
Zoomusicologia
Zoomusicologia é o estudo da música de animais não humanos, ou dos aspectos musicais dos sons produzidos por animais não humanos. Como George Herzog (1941) perguntou, "os animais têm música?" Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion de François-Bernard Mâche (1983), um estudo de "ornito-musicologia" usando uma técnica de análise de segmentação paradigmática Langage, musique, poésie (1972) de Nicolas Ruwet, mostra que os cantos dos pássaros são organizados de acordo com um princípio de transformação-repetição. Jean-Jacques Nattiez (1990), argumenta que "em última análise, é um ser humano que decide o que é e o que não é musical, mesmo quando o som não é de origem humana. Se reconhecermos que o som não é organizado e conceituado (isto é, feito para formar música) apenas por seu produtor, mas pela mente que o percebe, então a música é exclusivamente humana."
Etnomusicologia
No Ocidente, grande parte da história da música que é ensinada trata da música artística da civilização ocidental, conhecida como música clássica. A história da música em culturas não ocidentais ("world music" ou o campo da "etnomusicologia") também é ensinada em universidades ocidentais. Isso inclui as tradições clássicas documentadas de países asiáticos fora da influência da Europa Ocidental, bem como a música folclórica ou indígena de várias outras culturas. Os estilos de música popular ou folclórica em países não ocidentais variaram amplamente de cultura para cultura e de período para período. Diferentes culturas enfatizaram diferentes instrumentos, técnicas, estilos de canto e usos para a música. A música tem sido usada para entretenimento, cerimônias, rituais, propósitos religiosos e para comunicação prática e artística. A música não ocidental também foi usada para fins de propaganda, como foi o caso da ópera chinesa durante a Revolução Cultural.
Existe uma série de classificações musicais para música não-ocidental, muitas das quais estão envolvidas na discussão sobre a definição de música. Entre as maiores delas está a divisão entre música clássica (ou música "art") e música popular (ou música comercial - incluindo estilos não ocidentais de rock, country e estilos relacionados à música pop). Alguns gêneros não se encaixam perfeitamente em um desses "dois grandes" classificações (como música folclórica, música do mundo ou música relacionada ao jazz).
À medida que as culturas do mundo entraram em maior contato global, seus estilos musicais indígenas muitas vezes se fundiram com outros estilos, o que produz novos estilos. Por exemplo, o estilo bluegrass dos Estados Unidos contém elementos das tradições instrumentais e vocais anglo-irlandesas, escocesas, irlandesas, alemãs e africanas, que foram capazes de se fundir nos Estados Unidos. multi-étnico "caldeirão" sociedade. Alguns tipos de world music contêm uma mistura de estilos indígenas não ocidentais com elementos da música pop ocidental. Os gêneros musicais são determinados tanto pela tradição e apresentação quanto pela própria música. Algumas obras, como Rhapsody in Blue de George Gershwin, são reivindicadas tanto pelo jazz quanto pela música clássica, enquanto Porgy and Bess e Leonard Bernstein de Gershwin A West Side Story de 39; é reivindicada tanto pela ópera quanto pela tradição musical da Broadway. Muitos festivais de música atuais para música não-ocidental incluem bandas e cantores de um determinado gênero musical, como world music.
A música indiana, por exemplo, é um dos tipos de música mais antigos e vivos, e ainda é amplamente ouvida e executada no sul da Ásia, bem como internacionalmente (especialmente desde a década de 1960). A música indiana tem principalmente três formas de música clássica, os estilos Hindustani, Carnatic e Dhrupad. Possui também um grande repertório de estilos, que envolvem apenas música de percussão, como as apresentações talavadya famosas no sul da Índia.
Terapia
A musicoterapia é um processo interpessoal no qual um terapeuta treinado usa a música e todas as suas facetas - físicas, emocionais, mentais, sociais, estéticas e espirituais - para ajudar os clientes a melhorar ou manter sua saúde. Em alguns casos, as necessidades do cliente são atendidas diretamente por meio da música; em outros, eles são abordados por meio dos relacionamentos que se desenvolvem entre o cliente e o terapeuta. A musicoterapia é usada com indivíduos de todas as idades e com uma variedade de condições, incluindo: distúrbios psiquiátricos, problemas médicos, deficiências físicas, deficiências sensoriais, deficiências de desenvolvimento, problemas de abuso de substâncias, distúrbios de comunicação, problemas interpessoais e envelhecimento. Também é usado para melhorar o aprendizado, aumentar a auto-estima, reduzir o estresse, apoiar o exercício físico e facilitar uma série de outras atividades relacionadas à saúde. Os musicoterapeutas podem encorajar os clientes a cantar, tocar instrumentos, criar canções ou fazer outras atividades musicais.
No século 10, o filósofo Al-Farabi descreveu como a música vocal pode estimular os sentimentos e as almas dos ouvintes. A música tem sido usada há muito tempo para ajudar as pessoas a lidar com suas emoções. No século 17, o estudioso Robert Burton, The Anatomy of Melancholy, argumentou que a música e a dança eram críticas no tratamento de doenças mentais, especialmente a melancolia. Ele observou que a música tem um "excelente poder... de expulsar muitas outras doenças" e ele o chamou de "um remédio soberano contra o desespero e a melancolia". Ele apontou que na Antiguidade, Canus, um violinista rodiano, usou a música para "tornar um homem melancólico alegre,... um amante mais apaixonado, um homem religioso mais devoto". No Império Otomano, as doenças mentais eram tratadas com música. Em novembro de 2006, Michael J. Crawford e seus colegas também descobriram que a musicoterapia ajudava pacientes esquizofrênicos.