John Frankenheimer

John Michael Frankenheimer (19 de fevereiro de 1930 - 6 de julho de 2002) foi um diretor de cinema e televisão americano conhecido por dramas sociais e filmes de ação/suspense. Entre seus créditos estão Birdman of Alcatraz (1962), The Manchurian Candidate (1962), Seven Days in May (1964), The Train (1964), Seconds (1966), Grand Prix (1966), French Connection II (1975), Domingo Negro (1977), A Ilha do Dr. Moreau (1996) e Ronin (1998).

Ele ganhou quatro prêmios Emmy — três consecutivos — na década de 1990 por dirigir os filmes para televisão Against the Wall, The Burning Season, Andersonville, e George Wallace, o último dos quais também recebeu o Globo de Ouro de Melhor Minissérie ou Filme para Televisão.

Os 30 longas-metragens de Frankenheimer e mais de 50 peças para a televisão foram notáveis por sua influência no pensamento contemporâneo. Ele se tornou um pioneiro do "thriller político dos dias modernos", tendo iniciado sua carreira no auge da Guerra Fria.

Ele era tecnicamente altamente talentoso desde seus dias na televisão ao vivo; muitos de seus filmes foram conhecidos por criar "dilemas psicológicos" para seus protagonistas masculinos, além de ter um forte "senso de meio ambiente" semelhante em estilo aos filmes do diretor Sidney Lumet, para quem já havia trabalhado como assistente de direção. Ele desenvolveu uma "propensão tremenda para explorar situações políticas" que enredaria seus personagens.

O crítico de cinema Leonard Maltin escreve que "em sua época [década de 1960]... Frankenheimer trabalhou com os principais escritores, produtores e atores em uma série de filmes que lidavam com questões que estavam no topo do momento— coisas que estavam diante de todos nós."

Infância e escolaridade

Frankenheimer nasceu em Queens, Nova York, filho de Helen Mary (nascida Sheedy) e Walter Martin Frankenheimer, um corretor da bolsa. Seu pai era descendente de judeus alemães, sua mãe era católica irlandesa e Frankenheimer foi criado na religião de sua mãe. Quando jovem, Frankenheimer, o mais velho de três irmãos, lutou para se afirmar com seu pai dominador.

Crescendo na cidade de Nova York, ele ficou fascinado com o cinema desde cedo e lembra-se de assistir avidamente ao cinema todo fim de semana. Frankenheimer relata que em 1938, com sete ou oito anos de idade, assistiu a um episódio de 25 episódios, 7 1 ⁄2 maratona de O Cavaleiro Solitário acompanhado de sua tia.

Em 1947, formou-se na Academia Militar La Salle em Oakdale, Long Island, Nova York, e em 1951 obteve o bacharelado em inglês no Williams College em Williamstown, Massachusetts. Como capitão do time de tênis da Williams, Frankenheimer considerou brevemente uma carreira profissional no tênis, mas reconsiderou:

"Eu desisti disso quando eu realmente comecei a atuar em dezoito ou dezenove, porque não havia tempo para fazer ambos... meu interesse era mais para agir naqueles dias e um ator é o que eu queria ser. Eu agi na faculdade e estoque de verão por um ano. Mas eu não era um bom actor. Eu era bastante tímido e muito rígido..."

Esquadrão de Cinema da Força Aérea: 1951-1953

Depois de se formar no Williams College, Frankenheimer foi convocado para a Força Aérea e designado para o cargo de Oficiais da Reserva. Training Corps (ROTC), servindo na sala de correspondência do Pentágono em Washington, D.C. Ele rapidamente se inscreveu e foi transferido, sem nenhuma qualificação formal, para um esquadrão de cinema da Força Aérea em Burbank, Califórnia. Foi lá que o tenente Frankenheimer "realmente começou a pensar seriamente em dirigir".

Frankenheimer relembra seu aprendizado inicial com a unidade de fotografia da Força Aérea como um período de liberdade quase ilimitada. Como oficial subalterno, os superiores de Frankenheimer "não poderiam ter se importado menos" o que ele fez em termos de utilização do equipamento de filmagem. Frankenheimer relata que tinha liberdade para configurar a iluminação, operar a câmera e realizar a edição em projetos que concebia pessoalmente. Seu primeiro filme foi um documentário sobre uma fábrica de asfalto em Sherman Oaks, Califórnia. O tenente Frankenheimer lembra-se de trabalhar clandestinamente, ganhando US$ 40 por semana, como escritor, produtor e cinegrafista fazendo comerciais de televisão para um criador de gado local em Northridge, Califórnia, em que o gado era apresentado nos cenários internos do palco. A FCC encerrou a programação após 15 semanas. Além de dominar os elementos básicos do cinema, Frankenheimer começou a ler amplamente sobre a técnica cinematográfica, incluindo os escritos do diretor soviético Sergei Eisenstein. Frankenheimer foi dispensado do serviço militar em 1953.

A "Era de Ouro" da televisão: 1953-1960

Durante seus anos de serviço militar, Frankenheimer buscou arduamente uma carreira no cinema no sul da Califórnia. Falhando nisso, aos 23 anos, ele voltou para Nova York após sua dispensa militar para procurar trabalho na emergente indústria da televisão. Sua seriedade impressionou os executivos de televisão da Columbia Broadcasting System (CBS), conseguindo para ele um emprego no verão de 1953 para atuar como diretor de fotografia no The Garry Moore Show. Frankenheimer relembra seu aprendizado na CBS:

"Quando eu parar e olhar para trás em [The Garry Moore Show]... Eu estava particularmente bem preparado para esse trabalho... o que você faria é preparar um tiro para o diretor. Ele ia dizer-te o que queria e tu ias conseguir com o cameraman... Também seria responsável pelo tempo do programa. Mas eu acho - bem, eu sei - eu nasci com um bom olho para a câmera e assim o trabalho realmente estava jogando direito no que eu chamaria minha própria força."

Frankenheimer foi escolhido como assistente do diretor Sidney Lumet para a série de dramatização histórica da CBS You Are There, e mais adiante em Danger, de Charles Russell e Person to Person de Edward R. Murrow. No final de 1954, Frankenheimer substituiu Lumet como diretor em You Are There e Danger sob um contrato de 5 anos (com uma opção padrão de estúdio para demitir um diretor com um aviso prévio de duas semanas). A estreia de Frankenheimer na direção foi The Plot Against King Solomon (1954), um sucesso de crítica.

Ao longo da década de 1950, ele dirigiu mais de 140 episódios de programas como Playhouse 90 e Climax! sob os auspícios do executivo da CBS Hubbell Robinson e do produtor Martin Manulis. obras de Shakespeare, Eugene O'Neill, F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway e Arthur Miller. Principais atores e atrizes do palco e do cinema estrelaram essas produções ao vivo, entre eles Ingrid Bergman, John Gielgud, Mickey Rooney, Geraldine Page e Jack Lemmon. Frankenheimer é amplamente considerado uma figura proeminente na chamada "Era de Ouro da Televisão".

O historiador de cinema Stephen Bowie oferece esta avaliação do legado de Frankenheimer da "Era de Ouro" de televisão:

"Ao lado de Sidney Lumet, John Frankenheimer foi o diretor principal a sair e ser influenciado pela estética do drama de televisão ao vivo, que floresceu brevemente nos EUA... a fama mais tarde de Frankenheimer, e sua nostalgia de televisão ao vivo, designou-o como o expoente quintessential da forma: esta é uma equívoca crucial. A estética da televisão ao vivo foi definida por suas limitações temporais e espaciais: tudo o que poderia ser mostrado foi o que poderia ser criado fisicamente dentro de uma hora ou meia hora e fotografado dentro dos confins de um pequeno espaço [enfatizando] configurações de colarinho azul crampado ('kitchen drama') porque estes foram os mais facilmente encenados para transmissão ao vivo... [embora] perfeitamente adequado para este mundo de intimidade emocional e clauerfobia física reagiu contra ele. Ele procurou estratégias materiais e visuais que expandiam os limites do que poderia ser feito na televisão ao vivo... Como o diretor de TV ao vivo que tomou o médium em uma direção explicitamente cinematográfica, Frankenheimer foi na verdade o menos típico."

Carreira no cinema

Os primeiros filmes de Frankenheimer abordavam questões contemporâneas como "delinquência juvenil, criminalidade e ambiente social" e são representados por The Young Stranger (1957), The Young Savages (1961) e All Fall Down (1962).

O Jovem Estranho (1957)

A primeira incursão de Frankenheimer no cinema ocorreu enquanto ele ainda tinha contrato com a televisão CBS. O chefe da CBS na Califórnia, William Dozier, tornou-se o CEO dos estúdios de cinema RKO. Frankenheimer foi designado para dirigir uma versão cinematográfica de sua produção para a televisão Climax! intitulada "Deal a Blow", escrita pelo filho de William Dozier, Robert. A versão cinematográfica de 1956, The Young Stranger, é estrelada por James MacArthur como o filho adolescente rebelde de um poderoso produtor de cinema de Hollywood (James Daly). Frankenheimer lembrou que achou sua primeira experiência cinematográfica insatisfatória:

"Tenho um grande respeito pelas minhas tripulações [televisão], porque as escolho à mão; em O jovem estranho Deram-me uma tripulação, e pensei que eram terríveis e trataram-me muito mal. Tornou-me muito amargo sobre toda a experiência... Senti-me muito confinada, constrangida e má directora... Havia tantas coisas que pensei que podia ter feito, mas não fiz... Como resultado desta experiência, fiquei farto de filmes e voltei para a televisão."

Frankenheimer acrescenta que, no final da década de 1950, a televisão estava passando de produções ao vivo para programas gravados: "...um diretor de televisão ao vivo era como ser um ferreiro de aldeia após o advento do automóvel...eu sabia que tinha que sair..." Em 1961, Frankenheimer abandonou a televisão e voltou ao cinema após um hiato de quatro anos, continuando seu exame dos temas sociais que informaram seu The Young Stranger de 1957. O historiador de cinema Gordon Gow distingue a maneira como Frankenheimer lida com temas que abordam o individualismo e os "desajustados" durante os anos cinquenta' obsessão por adolescentes insatisfeitos:

"Havia um sentimento especialmente verdadeiro para o problema do menino de 16 anos que se tornou 'The Young Stranger'... Este filme, em 1957, na altura do problema-teen vogue, soou uma nota tranquila de contraste. Em parte, sua qualidade genuína pode ser colocada para baixo para o fato [ambos diretor e escritor] estavam em seus vinte anos médios - muito mais perto da idade de seu personagem central [James MacArthur], cerca de vinte ele mesmo na época (mas olhando mais jovem)... O que o tornou especialmente distintivo em meio ao sensacionalismo geral foi a trivialidade do delito do menino: um pouco de áspero em um cinema de bairro... A diferença entre O jovem estranho, que alcançou um final feliz plausível, e a execução geral de filmes delinquentes-problemas foi sua moderação..."

Os Jovens Selvagens (1961)

O segundo esforço cinematográfico de Frankenheimer é baseado em A Matter of Conviction (1959), do romancista Evan Hunter. Os executivos de publicidade da United Artists mudaram o título de bilheteria para o vagamente chocante The Young Savages, ao qual Frankenheimer se opôs. A história envolve a tentativa de exploração política de um assassinato descarado envolvendo gangues de jovens porto-riquenhos e italianos no Harlem espanhol de Nova York. O promotor distrital, Dan Cole (Edward Andrews), que está buscando o cargo de governador do estado, envia o assistente D. A. Hank Bell (Burt Lancaster) para reunir evidências para garantir uma condenação. Bell, que cresceu no bairro residencial, escapou de suas origens empobrecidas para alcançar o sucesso social e econômico. Ele inicialmente adota uma hostilidade cínica em relação aos jovens que investiga, o que atende aos seus próprios objetivos de carreira. A narrativa explora as complexidades humanas e legais do caso e a luta de Bell para confrontar seus preconceitos e compromissos pessoais e sociais. A impressionante sequência de abertura do filme retratando um assassinato, que é a chave para a trama, revela as origens de Frankenheimer na televisão. A ação, "brilhantemente filmada e editada", ocorre antes dos créditos e é acompanhada por uma trilha sonora instigante do compositor David Amram, servindo para atrair rapidamente o interesse do público.

The Young Savages, embora focado na delinquência juvenil, é cinematograficamente um avanço significativo em relação ao primeiro filme de Frankenheimer com tema semelhante, The Young Stranger (1957). O historiador de cinema Gerald Pratley atribui isso à insistência de Frankenheimer em escolher a dedo seu principal suporte técnico para o projeto, incluindo o cenógrafo Bert Smidt, o diretor de fotografia Lionel Lindon e os cenaristas J. P. Miller. Pratley observou:

"Os jovens selvagens é muito mais vivo e real do que [O jovem estranho]... os jovens podem bem ser alguns dos que conhecemos no primeiro filme, mas agora mais ao longo de suas formas delinqüentes. A atuação em todo o mundo é autoritária, com retratos vívidos dos jogadores italianos e porto-riquenhos... todo o filme está fotograficamente vivo com um forte, sentido visual que deveria caracterizar todo o futuro trabalho de Frankenheimer..."

Embora "artificial e familiar em suas preocupações sociais" Frankenheimer e o protagonista Burt Lancaster, ambos liberais em suas perspectivas políticas, dramatizam a "pobreza, violência e desespero da vida na cidade" com uma restrição tal que "os eventos e personagens pareçam consistentemente críveis." Frankenheimer lembrou que "eu filmei The Young Savages principalmente para mostrar às pessoas que eu poderia fazer um filme e, embora não tenha sido totalmente bem-sucedido, meu argumento foi comprovado... orçamento relativamente barato e filmar em Nova York para uma empresa de Hollywood é muito caro. Aqueles eram os dias antes do prefeito Lindsay, quando você tinha que subornar todos os outros policiais na ronda…"

Todos caem (1962)

O filme de amadurecimento All Fall Down foi filmado e lançado enquanto Birdman of Alcatraz (1962) de Frankenheimer estava em pós-produção e seu The Manchurian Candidate i> (1962) estava em pré-produção.

O roteiro foi escrito por William Inge, que também escreveu Splendor in the Grass (1961) e fala sobre o personagem Berry-Berry (Warren Beatty), um vigarista emocionalmente irresponsável, e seu adorado irmão mais novo Clinton (Brandon deWilde), para quem Berry-Berry aparece como uma figura romântica byronesca. O tratamento cruel do irmão mais velho com Echo O'Brien (Eva Marie Saint), sua amante que fica grávida, desilude a ingênua Clinton da perfeição de Berry-Berry. Sua visão angustiada permite que Clinton alcance maturidade emocional e independência. O crítico de cinema David Walsh comenta:

"Todos para baixo é vagamente moralista e conformista, e as cenas do compance do personagem Beatty contrived no extremo. Todos para baixo é salvo pelos retratos de Eva Marie Saint, calmo e gracioso, como o infeliz Echo, e Angela Lansbury, extravagante e exterior, como a mãe de Berry-Berry, dentro do qual fogos incestuosos parecem blaze. Os críticos observaram que Annabell Willart (Landsbury) foi a primeira das três mães desesperadamente controladoras nos filmes de Frankenheimer de 1962: os outros dois interpretados por Thelma Ritter em Pássaro de Alcatraz (1962) e Lansbury novamente em O candidato manchuriano (1961). Nos três filmes, o pai é fraco ou ausente."

Birdman de Alcatraz (1962)

Baseado na biografia de Thomas E. Gaddis, Birdman of Alcatraz (1962) é uma dramatização semelhante a um documentário sobre a vida de Robert Stroud, condenado à prisão perpétua em prisão solitária por matar um guarda prisional. Enquanto cumpria sua sentença, Stroud (Burt Lancaster) se torna um respeitado especialista em doenças aviárias por meio do estudo dos canários. Frankenheimer traça a emergência de Stroud de sua misantropia anti-social em direção a uma maturidade humana, apesar das condições brutais de seu encarceramento.

Em 1962, a produção e filmagem de Birdman of Alcatraz já estava em andamento quando a United Artists recrutou Frankenheimer para substituir o diretor britânico Charles Crichton. Como tal, as principais decisões de produção já haviam sido tomadas e Frankenheimer se considerava um “diretor contratado” com pouco controle direto sobre a produção. O produtor Harold Hecht e o roteirista Guy Trosper insistiram em uma adaptação exaustiva da biografia de Gaddi. O rascunho filmado que surgiu tinha mais de quatro horas de duração. Quando a simples edição do trabalho foi descartada como impraticável, o roteiro foi reescrito e o filme amplamente refeito, produzindo um corte final de 2 horas e meia. De acordo com Frankenheimer, ele teve a opção na década de 1950 de fazer uma adaptação televisiva da história de Stroud, mas a CBS foi avisada pelo Federal Bureau of Prisons e o projeto foi abandonado.

O Candidato da Manchúria (1962)

O thriller político de 1962 de Frankenheimer, The Manchurian Candidate, é amplamente considerado como seu trabalho cinematográfico mais notável. O biógrafo Gerald Prately observa que “o impacto deste filme foi enorme. Com ele, John Frankenheimer tornou-se uma força a ser reconhecida no cinema contemporâneo; isso o estabeleceu como o cineasta mais artístico, realista e vital em ação na América ou em qualquer outro lugar.

Frankenheimer e o produtor George Axelrod compraram o romance de Richard Condon de 1959 depois que ele já havia sido recusado por muitos estúdios de Hollywood. Depois que Frank Sinatra se comprometeu com o filme, eles conseguiram o apoio da United Artists. A trama gira em torno do veterano da Guerra da Coréia, Raymond Shaw, parte de uma proeminente família política. Shaw sofre uma lavagem cerebral por captores chineses e russos depois que seu pelotão do Exército é preso. Ele retorna à vida civil nos Estados Unidos, onde se torna um assassino “adormecido” involuntário em uma conspiração comunista internacional para subverter e derrubar o governo dos EUA.

O filme co-estrelou Laurence Harvey (como sargento Raymond Shaw), Janet Leigh, James Gregory e John McGiver. Angela Lansbury, como a mãe e controladora de seu filho assassino “dorminhoco”, recebeu uma indicação ao Oscar por uma atuação “fascinante” no “maior papel de tela de sua carreira”. Frank Sinatra, como Major Bennett Marco, que reverte os mecanismos de controle da mente de Shaw e expõe a conspiração, apresenta talvez sua atuação cinematográfica mais satisfatória. Frankenheimer declarou que técnica e conceitualmente tinha “controle total” sobre a produção.

A “fluência” técnica exibida em The Manchurian Candidate revela a luta de Frankenheimer para transmitir essa narrativa da Guerra Fria. O historiador de cinema Andrew Sarris observou que o diretor estava "obviamente suando por causa de sua técnica... em vez de construir sequências, Frankenheimer as explode prematuramente, impedindo que seus filmes se juntem de forma coerente". The Manchurian Candidate, no entanto, transmite a “paranóia e o delírio dos anos da Guerra Fria” por meio de sua mise-en-scène em estilo documentário. Uma demonstração da direção corajosa e da “inventividade visual” de Frankenheimer aparece na notável sequência de lavagem cerebral, apresentando os procedimentos sinistros da perspectiva do perpetrador e da vítima. A complexidade da sequência e seus antecedentes na televisão são descritos pelo crítico de cinema Stephen Bowie:

“A famosa sequência de lavagem cerebral em que Frankenheimer se move perfeitamente entre uma perspectiva objetiva (os soldados capturados em um seminário comunista) e um subjetivo (os soldados que participam de uma reunião inócua da Sociedade de Jardim das Senhoras). Isto é... tour de força foi uma destilação pura da técnica de televisão de Frankenheimer, abrindo com uma panela auto-consciente de 360 graus que utilizava os conjuntos "selvagem" que permitia que as câmeras de TV se mudassem para posições aparentemente impossíveis. ”

Em 1968, Frankenheimer reconheceu que os métodos que usou na televisão eram “o mesmo tipo de estilo que usei em The Manchurian Candidate. Foi a primeira vez que tive segurança e autoconfiança para voltar ao que eu era realmente bom na televisão.” Composicionalmente, Frankenheimer concentra seus atores em um ménage de “lentes longas”, em que as interações dramáticas ocorrem em close-up, plano médio e plano geral, uma configuração que ele repetia “obsessivamente”. O crítico de cinema Stepen Bowie observa que "esse estilo significava que a produção inicial de Frankenheimer se tornou um cinema de exatidão em vez de espontaneidade".

O Candidato da Manchúria foi lançado no período pós-Red Scare do início dos anos 1960, quando a ideologia política anticomunista ainda prevalecia. Apenas um mês após o lançamento do filme, o governo de John F. Kennedy estava no meio da Crise dos Mísseis de Cuba e da ameaça nuclear com a União Soviética.

A persistência de Frankenheimer e do roteirista Axelrod na produção é uma medida de seu liberalismo político, em um período histórico em que, segundo o biógrafo Gerald Pratley, “era claramente perigoso falar de política na veia satírica direta que caracterizava esta imagem." O crítico de cinema David Walsh acrescenta que “o nível de convicção e urgência” que informa The Manchurian Candidate reflete “a relativa confiança e otimismo que os liberais americanos sentiam no início dos anos 1960”. A “parábola aterrorizante” de Frankenheimer sobre o meio político americano foi suficientemente bem recebida para evitar sua rejeição sumária pelos distribuidores.

O Candidato da Manchúria, devido ao seu tema e à sua proximidade com o assassinato de Kennedy, está indissociavelmente ligado a esse acontecimento. Frankenheimer reconheceu isso quando, em 1968, descreveu The Manchurian Candidate como “um filme horrivelmente profético. É assustador o que aconteceu em nosso país desde que o filme foi feito.”

Depois de concluir The Manchurian Candidate, Frankenheimer lembra que estava determinado a continuar fazendo filmes: “Eu queria iniciar o projeto, queria ter controle total, nunca quis voltar para ser contratado como diretor novamente.” Foi-lhe oferecido um contrato para dirigir um filme biográfico sobre a cantora francesa Edith Piaf, com Natalie Wood no papel principal. Ele rejeitou enfaticamente a oferta quando soube que as canções de Piaf seriam cantadas em inglês, e não no francês original.

Em 1963, Frankenheimer e o roteirista George Axelrod foram apresentados ao produtor Edward Lewis, considerando uma produção de TV sobre a American Civil Liberties Union. Quando o projeto foi considerado muito caro para a televisão, Frankenheimer foi abordado por um sócio de Lewis, ator e produtor Kirk Douglas, para comprar e adaptar para o cinema o romance Seven Days in May de Fletcher Knebel e Charles W..Bailey II.

Sete dias em maio (1964)

Seven Days in May (1964), baseado no romance best-seller de Fletcher Knebel e Charles W. Bailey II e roteiro de Rod Serling, dramatiza uma tentativa de golpe militar 'état nos Estados Unidos, ambientado em 1974. Os perpetradores são liderados pelo general James M. Scott (Burt Lancaster), presidente do Joint Chiefs of Staff (JCS), um autoritário virulentamente anticomunista. Quando o presidente dos EUA, Jordan Lyman (Fredric March) negocia um tratado de desarmamento nuclear com a União Soviética - um ato que Scott considera traição - Scott mobiliza sua cabala militar. Operando em uma base remota no oeste do Texas, eles se preparam para comandar as redes de comunicação do país e assumir o controle do Congresso. Quando o assessor JCS de Scott, coronel Martin “Jiggs” Casey (Kirk Douglas) descobre o golpe planejado, ele fica chocado e convence o presidente Lyman quanto à gravidade da ameaça. Lyman mobiliza seus próprios partidários do governo, e um conflito sobre os princípios constitucionais entre Lyman e Scott se desenrola no Salão Oval, com o presidente denunciando o general como um traidor da Constituição dos Estados Unidos. Quando Scott é exposto publicamente, seus apoiadores militares o abandonam e a conspiração desmorona. Frankenheimer aponta para a continuidade tópica de seus thrillers políticos:

“Sete Dias em maio foi tão importante para mim como O candidato manchuriano. Eu senti que a voz dos militares era muito forte... a síndrome geral de MacArthur estava muito em evidência...Sete Dias em maio foi a oportunidade de ilustrar o que é uma tremenda força que o complexo militar-industrial é... não pedimos ao Pentágono para a cooperação porque sabíamos que não a conseguiríamos. ”

O personagem do general Scott foi identificado pelos historiadores do cinema como uma composição de duas figuras militares e políticas importantes: Curtis LeMay e Edwin Walker. O filme coloca grande ênfase na santidade das normas constitucionais dos Estados Unidos como um baluarte contra invasões de elementos antidemocráticos nos Estados Unidos. O biógrafo Gerald Pratley escreve:

“Um aspecto a admirar é o uso de discursos do presidente Lyman de Frankenheimer. Escontados por alguns críticos como “reflexões” respeitáveis, linhas liberais”, eles são entregues em março com naturalismo completo em momentos em que eles são logicamente chamados, e com grande honestidade e convicção. Eles reafirmam princípios familiares [constituição]... Frankenheimer lida com eles, mas nunca de forma propagandística... ”

A crítica de cinema Joanne Laurier acrescenta que "o principal tema do roteirista Rod Serling e Frankenheimer é a necessidade de os militares serem subordinados ao governo civil eleito". Como ênfase visual, “os créditos de abertura de Seven Days in May rolam sobre uma imagem do rascunho original de 1787 da Constituição dos Estados Unidos.

Seven Days in May foi amplamente elogiado pelo alto calibre das atuações do elenco. O biógrafo Charles Higham escreve que "o filme é executado com habilidade extraordinária, provando que a intensidade de Frankenheimer se comunicou com sucesso a seus atores".

Frankenheimer, um ex-oficial da Força Aérea que trabalhou brevemente no Pentágono, antecipou a hostilidade do estabelecimento militar à premissa de Seven Days in May. De fato, circularam memorandos internos no Federal Bureau of Investigation (FBI) registrando o alarme de que Sete dias em maio poderia prejudicar a reputação do FBI. Os críticos de cinema Joanne Laurier e David Walsh relatam que “os militares e o FBI deram uma nota muito clara a Seven Days in May, revelando sua intensa sensibilidade a tais críticas. Um memorando descoberto no arquivo do FBI de Ronald Reagan revela que a agência estava preocupada que o filme fosse usado como propaganda comunista e, portanto, 'nocivo para nossas Forças Armadas e nação.'” O presidente Kennedy expressou pessoalmente aprovação para a adaptação do filme, e seu secretário de imprensa, Pierre Salinger, permitiu que Frankenhiemer visse o Salão Oval para esboçar seu interior.

Seven Days in May, filmado no verão de 1963, estava programado para ser lançado em dezembro daquele ano, mas foi adiado devido ao assassinato do presidente John F. Kennedy em novembro. O lançamento da sátira do diretor Stanley Kubrick Dr. Strangelove (1964) foi igualmente adiado. Frankenheimer reconheceu os aspectos “proféticos” de seu The Manchurian Candidate (1962), um filme que examina assassinatos políticos conspiratórios. O contexto histórico em que Seven Days in May apareceu inevitavelmente o liga ao assassinato de Kennedy em 1963. O crítico de cinema David Walsh torna a conexão explícita: “Quando Seven Days in May chegou aos cinemas, Kennedy havia sido assassinado, em uma operação que se acredita ter sido organizada por pessoas com conexões militares ou da CIA. ”

Sete dias em maio foi bem recebido pela crítica e cinéfilos.

O Trem (1964)

No início de 1964, Frankenheimer relutou em embarcar em outro projeto de filme devido ao cansaço: “O Trem é um filme que eu não tinha intenção de fazer [e] não era um assunto que me interessasse. tanto sobre... Acabei de terminar Seven Days in May (1964). Eu estava bastante cansado.”

Adaptado do romance Le Front de l'Art: Le front de l'art: Défense des collections françaises, 1939-1945 de Rose Valland, a imagem em estilo documentário examina a luta desesperada de a Resistência Francesa para interceptar um trem carregado com tesouros de arte inestimáveis e sabotá-lo antes que os oficiais da Wehrmacht pudessem escapar com ele para a Alemanha nazista. O filme dramatiza uma disputa de vontades entre o inspetor ferroviário francês Labiche (Burt Lancaster) e o conhecedor de arte alemão, coronel von Waldheim (Paul Scofield), encarregado de apreender a obra de arte. As filmagens de O Trem começaram na França quando o cineasta Arthur Penn, originalmente escalado para dirigir a adaptação, foi demitido pelo ator-produtor Lancaster, supostamente por incompatibilidade pessoal e diferenças interpretativas irreconciliáveis.

Frankenheimer, que havia dirigido com sucesso Lancaster em três filmes anteriores, consentiu em substituir Penn, mas com sérias reservas, considerando o roteiro “quase terrível” e observando que “o maldito trem não saiu da estação até p. 140.” Frankenhiemer adiou a produção de Seconds (1966) para acomodar a produção de Lancaster.

As filmagens de The Train foram encerradas temporariamente e as filmagens existentes foram descartadas. Frankenhiemer, em colaboração com os roteiristas Nedrick Young (sem créditos), Franklin Coen, Frank Davis e Walter Bernstein criaram um roteiro inteiramente novo que combinava suspense, intriga e ação, refletindo os pré-requisitos de Lancaster.

Frankenheimer insere uma questão ética na narrativa: é justificável sacrificar uma vida humana para salvar uma obra de arte? Sua resposta controversa foi enfaticamente, não. O crítico de cinema Stephen Bowie observa: ““ A tese de Frankenheimer - que a vida humana tem mais valor do que a arte - pode parecer simplista, mas acrescenta um componente moral essencial ao que de outra forma seria apenas uma versão cara de ação ao vivo de um trem elétrico. definir." O Trem é elogiado por seu realismo semelhante a um documentário e pela integração magistral de Frankenheimer da narrativa humana com suas cenas de ação impressionantes.

O biógrafo Gerald Pratley oferece esta avaliação da manipulação de Frankenheimer da complexa série de sequências de trem, discernindo a influência do diretor soviético Sergei Eisenstein:

“O senso de narrativa de Frankenhiemer carrega os eventos junto com drama e excitação sempre crescentes, e às vezes a tragédia esmagadora como os homens são baleados e mortos... ele pode destruir trens e ataques aéreos de palco, e ainda assim ele sustenta seus personagens em um alto nível de interesse... A insistência de Frankenheimer em usar fundos naturais dá uma tremenda sensação de realidade ao filme. O stark, contornos dramáticos da locomotiva blindada emergida das galpões é digno de Eisenstien; a perseguição no túnel mostrando a locomotiva que para de polegadas da abertura, e o engenheiro puxando na cadeia de apito, é magistral. ”

O crítico de cinema Tim Palen discorre sobre a experiência técnica de Frankenheimer em O Trem: “O diretor faz excelente uso de lentes grande angulares, planos de longa distância e close-ups extremos, mantendo a profundidade de campo... deliberadamente garante que o movimento e o corte elaborados da câmera foram planejados para que 'logisticamente você soubesse onde cada trem estava', em relação à ação.” O Trem exemplifica a centralidade das aplicações técnicas que começaram a caracterizar a abordagem de Frankenheimer para o cinema no final dos anos 1960, "estilo de branding por si só".

O roteiro original de

O Trem foi indicado ao Oscar. Custou US$ 6,7 milhões. e foi um dos 13 filmes mais populares do Reino Unido em 1965.

Segundos (1966)

Seconds apresenta a história surreal e perturbadora de um executivo desiludido, Arthur Hamilton (John Randolph). Em um esforço para escapar de sua existência vazia, ele se submete a um traumático procedimento cirúrgico que transforma seu corpo no de um homem mais jovem, Tony Wilson (Rock Hudson). O esforço de Randolph para apagar seu antigo eu em uma nova persona se mostra inútil e leva a sua terrível morte. O biógrafo Gerald Pratley descreve Seconds como “uma imagem fria, cinzenta e assustadora de um mundo desumanizado... baseado na busca milenar pela juventude eterna... um amálgama de mistério, horror e ficção científica …”

Baseado em um romance de David Ely e um roteiro de Lewis John Carlino, Frankenheimer explicou seus objetivos temáticos:

“Um indivíduo é o que ele é, e ele tem que viver com sua vida. Ele não pode mudar nada, e toda a literatura e filmes de hoje sobre o escapismo são apenas lixo porque você não pode e nunca deve escapar do que você é. Sua experiência é o que faz de você a pessoa que você é... É disso que se trata o filme. Também é sobre este absurdo na sociedade que você deve sempre ser jovem, este sotaque na juventude na publicidade... Eu queria fazer uma matéria-de-fato ainda horrível retrato de grande negócio que vai fazer qualquer coisa para qualquer pessoa que lhe esteja disposto a pagar por isso [e] a crença de que tudo que você precisa fazer na vida é para ser financeiramente bem sucedido. ”

Frankenheimer reconheceu sua dificuldade em escalar o velho e desmoralizado Arthur Hamilton, o que exigia que o diretor mostrasse de forma convincente sua metamorfose, tanto cirúrgica quanto fisiológica, no jovem e artístico Tony Wilson. Um papel duplo desempenhado por um único ator foi considerado, com Frankenheimer defendendo o ator britânico Laurence Olivier. A Paramount rejeitou isso em favor de dois atores, em que um ator (Randolph) passa por uma transformação radical para emergir com a aparência e a identidade do outro (Hudson). A interpretação de Wilson por Rock Hudson introduziu um problema de plausibilidade preocupante que Frankenheimer reconheceu plenamente: “Sabíamos que passaríamos por momentos terríveis para fazer o público acreditar que o homem que entrou na sala de cirurgia (Randolph) poderia emergir como Rock. Hudson, citando a disparidade física entre os atores como problemática. O historiador de cinema Gerald Pratley concorda: “a fraqueza [em Seconds] é tentar convencer o público de que o ator que interpreta Hamilton poderia emergir, após uma cirurgia plástica, como Wilson na forma de Rock Hudson. É aqui que o sistema estelar funcionou contra Frankeheimer.”

Frankenheimer identificou a origem da fraqueza do filme menos nas disparidades físicas de seus atores e mais nas dificuldades em transmitir os temas necessários para explicar a incapacidade de Wilson de se ajustar socialmente à sua nova vida: “Pensamos que tínhamos mostrado por que [Wilson] falhou, mas depois que o filme terminou, percebi que não.”

A proeza técnica de Frankenheimer está em exibição em Seconds, onde o diretor e seu cinegrafista James Wong Howe experimentaram várias lentes, incluindo a lente olho de peixe de 9,5 mm para obter a “distorção e exagero ” que dramatizaria a luta de Hamilton para “se livrar de sua camisa de força emocional”.

O uso de distorções visuais por Howe e Frankenheimer é fundamental para revelar os estados mentais alucinatórios de seu personagem e, de acordo com Frankenheimer, "quase psicodélico". Em uma cena, um total de quatro Arriflexes são usados para enfatizar a impotência sexual de Hamilton com sua ex-esposa. O historiador de cinema Peter Wilshire considera a escolha de Frankenheimer de James Wong Howe como cinegrafista para o projeto foi sua "decisão direcional mais importante". Howe foi indicado ao Oscar de Melhor Fotografia por seus esforços.

Por insistência de Frankenheimer, os executivos da Paramount concordaram em inscrever Seconds no Festival de Cinema de Cannes de 1966, esperando que o filme pudesse conferir prestígio ao estúdio e aumentar os retornos de bilheteria. Pelo contrário, Seconds foi atacado pela crítica europeia na competição cinematográfica, considerando-o misantrópico e “cruel”. Frankenheimer lembrou que "foi um desastre" e se recusou a comparecer à coletiva de imprensa pós-visualização do festival. Após esse fiasco, a Paramount retirou os recursos promocionais e Seconds falhou nas bilheterias. Como consolo por seus fracassos críticos e comerciais, Seconds acabou sendo recompensado com um culto de seguidores entre os cineastas.

A avaliação crítica do filme tem variado muito. Gerald Pratley, em 1968, declara que Seconds, apesar de sua má recepção em 1966, será um dia reconhecido como “uma obra-prima”. O crítico de cinema Peter Wilshire oferece elogios qualificados: “Apesar de suas óbvias fraquezas, Seconds é um filme extremamente complexo, inovador e ambicioso.” Brian Baxter menospreza Seconds como "embaraçoso... pouco convincente, mesmo como ficção científica." e o crítico David Walsh considera Seconds "particularmente equivocado, tenso e tolo". O biógrafo Charles Higham escreve:

"Segundos, soberbamente baleado por James Wong Howe...falha conseguir o retrato político da Califórnia rico que teria feito isso um triunfo. As importantes passagens centrais em Malibu têm toda a maciez de um sonho-come-true. Ao conspirar com o seu próprio alvo, Frankenheimer mostra que a corrupção tem se agarrado a ele. Nem mesmo um clímax poderoso — o herói que prefere a morte em Nova York para ‘vida’ em Malibu, retornando para ser morto em uma cena horrível da sala de operações — altera o fato de que o filme foi comprometido. ”

Grande Prêmio (1966)

Em meados dos anos 60, Frankenheimer emergiu como um dos principais diretores de Hollywood. Como tal, a M-G-M forneceu um generoso financiamento para Grand Prix (1966), o primeiro filme colorido de Frankenheimer e filmado em 70mm Cinerama. Ele próprio um ex-piloto de corrida amador, ele abordou o projeto com entusiasmo genuíno.

O roteiro de Robert Alan Aurthur e um Frankenheimer sem créditos, trata da sorte profissional e pessoal do piloto de Fórmula 1 Pete Aron (James Garner) durante uma temporada inteira de corridas competitivas. A ação culmina em Monza, onde Aron, Scott Stoddard (Brian Bedford), Jean Pierre Sarti (Yves Montand) e Nino Barlini (Antonio Sabàto Sr.) disputam o campeonato, com resultados trágicos.

Desejando criar uma renderização altamente realista das corridas e seu meio, ele reuniu uma panóplia de técnicas cinematográficas inovadoras com aparelhos engenhosos e efeitos especiais. Trabalhando em estreita colaboração com o diretor de fotografia Lionel Lindon, Frankenheimer montou câmeras diretamente nos carros de corrida, eliminando tomadas de processo e proporcionando ao público uma visão da ação do olho do motorista.

Frankenheimer incorporou telas divididas para justapor entrevistas documentais dos pilotos com cenas de ação em alta velocidade na pista. Frankenheimer explica seu uso do “canhão de hidrogênio”:

“Os efeitos especiais, os acidentes, foram muito difíceis de fazer. Eu tinha um excelente homem de efeitos especiais, Milton Rice, que inventou um canhão de hidrogênio que trabalhou no princípio de um atirador de ervilhas. O carro foi anexado a um eixo e quando o hidrogênio explodiu o carro foi literalmente impulsionado através do ar como um projétil em cerca de 125 a 135 milhas por hora e você poderia apontá-lo em qualquer lugar que você queria que ele fosse. E todos os destroços foram feitos assim. Eles eram carros a sério. Nada de modelos. Tudo era muito real. E foi por isso que foi bom... ”

Caracterizado em grande parte pela bravura de Frankenheimer na aplicação de seu impressionante estilo cinematográfico, o Grand Prix foi denominado "em grande parte um exercício técnico" pelo crítico de cinema David Walsh e "estilo de branding por si só ” de acordo com a Enciclopédia do Cinema. O historiador de cinema Andrew Sarris observou que o estilo de Frankenheimer "degenerou em um academicismo abrangente, um verdadeiro glossário de técnicas cinematográficas".

Um sucesso comercial, Grand Prix ganhou três Oscars no Oscar de Melhores Efeitos Sonoros (por Gordon Daniel), Melhor Edição (Henry Berman, Stu Linder e Frank Santillo) e Melhor Som Gravação (Franklin Milton e Roy Charman)

O Marinheiro Extraordinário (1969)

A primeira incursão de Frankenheimer na “comédia leve” representa um grande afastamento de seu trabalho muitas vezes distópico e dramático, abordando questões sociais e seus filmes de ação de grande orçamento. The Extraordinary Seaman apresenta uma mistura de personagens desajustados nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial no teatro do Pacífico. O tenente-comandante britânico Finchhaven, R. N. (David Niven), um fantasma, é condenado a uma existência de Flying Dutchman, vagando pelos mares em seu navio Curmudgeon em busca de redenção por sua vergonhosa inaptidão durante um Mundial Missão de combate da Primeira Guerra. Durante a Segunda Guerra Mundial, o Curmudgeon é fretado e depois encalhado em uma remota ilha do Pacífico por festeiros. Quatro marinheiros americanos náufragos tropeçam no navio incapaz de navegar: o tenente Morton Krim (Alan Alda), Cook 3/C W.W. J. Oglethorpe (Mickey Rooney), companheiro de artilheiro Orville Toole (Jack Carter) e Seaman 1/C Lightfoot Star (Manu Tupou). Jennifer Winslow (Faye Dunaway), proprietária de uma garagem na selva, fornece suprimentos para consertar o Curmudgeon abandonado para passagem para fora da ilha. O comandante Finchaven alista a tripulação incompetente para procurar e afundar um navio de guerra japonês e, assim, reivindicar a honra de sua família. A imagem de 79 minutos retrata os “perigos e desventuras” subsequentes da tripulação. The Extraordinary Seaman, baseado em um roteiro e história de Phillip Rock, é uma paródia das convenções e clichês do tempo de guerra que integra clipes de noticiários do período para efeito cômico.

Frankenheimer se envolve em um burlesco simulado-heróico, intitulando os episódios do filme “Grand Alliance”, “The Gathering Storm”, “Their Finest Hour”, The Hinge of Fate” e “Triumph and Tragedy”, emprestados das memórias do pós-guerra de Winston Churchill.

Filmado durante a Guerra do Vietnã, o historiador de cinema Gerald Pratley discerne "uma forte relação temática" entre a oposição de Frankenheimer à invasão americana da Indochina e O Marujo Extraordinário. Frankenheimer lembra que ele e o roteirista Phillip Rock “decidiram que poderíamos realmente usar essa premissa [de um oficial da marinha fantasmagórico] para fazer uma declaração anti-guerra. Acho que sim, e isso aterrorizou a MGM”.

A Metro-Goldwyn-Mayer atrasou o lançamento do filme por dois anos, supostamente devido à má resposta dos críticos e às "exibições sombrias", embora Frankenheimer atribua o atraso à legalização da liberação de filmagens históricas do noticiário. O estúdio fez apenas esforços superficiais para promover e exibir o filme após The Extraordinary Seaman críticas ruins e fraca resposta de bilheteria.

O Consertador (1968)

Frankenheimer abordou sua adaptação cinematográfica de The Fixer, de Bernard Malamud, com entusiasmo, obtendo as provas para o romance de 1966 antes de sua publicação. The Fixer é baseado na perseguição e julgamento de 1913 do camponês judeu Menahem Mendel Beilis, acusado de difamação de sangue durante o reinado do czar Nicolau II.

The Fixer foi amplamente elogiado pelos críticos de cinema pelo sucesso de Frankenhiemer em obter atuações notáveis de Alan Bates como o brutalizado Yakov Shepsovitch Bok, Dirk Bogarde como Boris Bibikov, sua defesa humana nomeada pelo tribunal advogado, e David Warner como Conde Odoevsky. Ministro da Justiça. Bates recebeu sua única indicação ao Oscar de Melhor Ator neste papel. Renata Adler, do New York Times, observou “a direção, de John Frankenheimer, é poderosa e discreta. Desvia os olhos para as fáceis e feias consumações da violência... e dá crédito a você por imaginar o resultado.” Isso, apesar da admissão de Frankenheimer de que “há uma cena muito violenta em The Fixer”:

“Você tem que mostrar o que este homem [Bok] passou em cinco anos de prisão, e o que seus captores lhe fizeram. Os executivos da Metro estavam preocupados com esta cena. Eles disseram que “com o clima de hoje é perigoso mostrar isso”. Eu disse 'ele tem que estar lá.' Esta é a cena onde os russos vêm e bater-lhe por se recusarem a ser convertidos ao cristianismo... não é uma cena de violência apenas colocada lá por seu próprio bem. Espero que o público sinta isto... Não acredito na violência por causa da exploração. ”

Considerando que Frankenheimer ficou profundamente satisfeito com sua manipulação cinematográfica do trabalho vencedor do Prêmio Pulitzer de Malamud, declarando "Eu me sinto melhor sobre The Fixer do que qualquer coisa que já fiz na minha vida", vários críticos de cinema registraram críticas severas. O crítico de cinema Roger Ebert escreveu:

“A tarefa de Frankenheimer era fazer um filme que, em si mesmo, faria uma declaração moral. Ele falhou. O filme tem pouca realidade própria; em vez disso, ele desenha seu poder e emoção da matéria-prima de seu assunto... A tentação é louvar o filme porque concordamos com sua mensagem. Esta é a mesma falácia crítica que levou a louvar Acórdão de Nuremberg (1961) — um filme comercial corrupto — porque desaprovamos os crimes de guerra nazistas, um filme não se torna bom simplesmente tomando a posição ideológica correta. ”

Ebert acrescenta: "O que era necessário eram menos discursos humanísticos autoconscientes... Frankenheimer deveria ter nos mostrado o sofrimento de seu herói e as torturas legais kafkianas do estado, sem comentá-las."

A crítica de cinema Renata Adler destaca o roteirista e vítima da lista negra Dalton Trumbo por menosprezo:

“A trivialidade do roteiro de Dalton Trumbo, a velha fórmula sentimental de Hollywood (alguns momentos de leve felicidade, uma hora e meia de reversões e miséria, com violinos, um final feliz blitz com tambores) se aplica, quase intacta, a histórias de cães, histórias de cavalos, histórias de esportes, histórias de amor. ”

Adler conclui que "não é suficiente colocar [Bok-Bates] em algumas situações clichês... [o diálogo] torna-se humilhante e vulgar quando elaborado com aproximações de eloqüência de ficção de hack-plot". O biógrafo Charles Higham descarta o filme, escrevendo que “desde o fracasso comercial de Seconds (1966), os filmes de Frankenheimer têm sido medíocres, variando de The Fixer (1968) para Os Cavaleiros (1971).”

Frankenheimer tornou-se amigo íntimo do senador Robert F. Kennedy durante a produção de O Candidato da Manchúria em 1962. Em 1968, Kennedy pediu a Frankenheimer que fizesse alguns comerciais para uso na campanha presidencial, na qual ele esperava se tornar o candidato democrata. Na noite em que foi assassinado em junho de 1968, foi Frankenheimer quem levou Kennedy do aeroporto de Los Angeles ao Ambassador Hotel para seu discurso de aceitação.

The Gypsy Moths foi um drama romântico sobre uma trupe de pára-quedistas e seu impacto em uma pequena cidade do meio-oeste. A celebração de Americana estrelou Frankenheimer regular Lancaster, reunindo-o com From Here to Eternity co-estrela Deborah Kerr, e também contou com Gene Hackman. O filme não conseguiu encontrar público, mas Frankenheimer afirmou que era um de seus favoritos.

Década de 1970

Frankenheimer seguiu com I Walk the Line em 1970. O filme, estrelado por Gregory Peck e Tuesday Weld, sobre um xerife do Tennessee que se apaixona pela filha de um moonshiner, foi ambientado com canções de Johnny Cash. O próximo projeto de Frankenheimer o levou ao Afeganistão. O Cavaleiro enfocou o relacionamento entre pai e filho, interpretado por Jack Palance e Omar Sharif. O personagem de Sharif, um cavaleiro experiente, jogava o esporte nacional afegão de buzkashi.

Impossible Object, também conhecido como Story of a Love Story, sofreu dificuldades de distribuição e não foi amplamente divulgado. Em seguida veio um filme de quatro horas de O'Neill's The Iceman Cometh, em 1973, estrelado por Lee Marvin, e o decididamente inusitado 99 e 44/100% Dead, uma comédia de humor negro estrelada por Richard Harris.

Com seu francês fluente e conhecimento da cultura francesa, Frankenheimer foi convidado para dirigir French Connection II, ambientado inteiramente em Marselha. Com Hackman reprisando seu papel como o policial de Nova York Popeye Doyle, o filme foi um sucesso e deu a Frankenheimer seu próximo emprego. Black Sunday, baseado no único romance do autor Thomas Harris que não é de Hannibal Lecter, envolve um agente israelense do Mossad (Robert Shaw) perseguindo um terrorista pró-palestino (Marthe Keller) e um PTSD-afflicted Veterinário do Vietnã (Bruce Dern), que planeja um espetacular assassinato em massa envolvendo o Goodyear Blimp que sobrevoa o Super Bowl. Foi filmado no atual Super Bowl X em janeiro de 1976 em Miami, com o uso de um dirigível Goodyear real. O filme foi muito bem testado, e a Paramount e Frankenheimer tinham grandes expectativas para ele, mas não foi um sucesso (com a Paramount culpando o fracasso do trabalho de efeitos especiais no clímax, e a Universal Studios lançando o thriller com tema semelhante Two- Aviso Minuto apenas seis meses antes).

Em 1977, Carter DeHaven contratou Frankenheimer para dirigir o roteiro de William Sackheim e Michael Kozoll para First Blood. Depois de considerar Michael Douglas, Powers Boothe e Nick Nolte para o papel de John Rambo Frankenheimer escalou Brad Davis. Ele também escalou George C. Scott como Coronel Trautman. No entanto, a produção foi abandonada depois que a Orion Pictures adquiriu sua distribuidora Filmways, e o roteiro de Sackheim e Kozoll seria reescrito por Sylvester Stallone como base para o filme de 1982 de Ted Kotcheff.

Frankenheimer é citado na biografia de Champlin como tendo dito que seu problema com o álcool o levou a fazer um trabalho abaixo de seus próprios padrões em Prophecy (1979), um filme de monstro ecológico sobre um mutante urso pardo aterrorizando uma floresta no Maine.

Década de 1980

Em 1981, Frankenheimer viajou para o Japão para filmar o cultuado filme de ação de artes marciais O Desafio, com Scott Glenn e o ator japonês Toshiro Mifune. Ele disse a Champlin que sua bebida tornou-se tão grave durante as filmagens no Japão que ele realmente bebeu no set, o que nunca havia feito antes e, como resultado, ele entrou na reabilitação ao retornar à América. O filme foi lançado em 1982, junto com sua adaptação para a televisão da HBO da aclamada peça The Rainmaker.

Em 1985, Frankenheimer dirigiu uma adaptação do best-seller de Robert Ludlum The Holcroft Covenant, estrelado por Michael Caine. Isso foi seguido no ano seguinte por outra adaptação, 52 Pick-Up, do romance de Elmore Leonard. Dead Bang (1989) seguiu Don Johnson enquanto ele se infiltrava em um grupo de supremacistas brancos. Em 1990, ele voltou ao gênero thriller político da Guerra Fria com A Quarta Guerra com Roy Scheider (com quem Frankenheimer havia trabalhado anteriormente em 52 Pick-Up) como um canhão solto Coronel do exército envolvido em uma perigosa guerra pessoal com um oficial soviético. Não foi um sucesso comercial.

Década de 1990

A maioria de seus filmes da década de 1980 não teve sucesso, tanto crítica quanto financeiramente, mas Frankenheimer conseguiu voltar à ativa na década de 1990, retornando às suas raízes na televisão. Ele dirigiu dois filmes para a HBO em 1994: Against the Wall e The Burning Season, que lhe renderam vários prêmios e aclamação renovada. O diretor também dirigiu dois filmes para a Turner Network Television, Andersonville (1996) e George Wallace (1997), que foram muito elogiados.

O filme de 1996 de Frankenheimer A Ilha do Doutor Moreau, que ele assumiu após a demissão do diretor original Richard Stanley, foi a causa de inúmeras histórias de problemas de produção e choques de personalidade e recebeu críticas contundentes. Dizia-se que Frankenheimer não suportava Val Kilmer, o jovem co-estrela do filme e cuja interrupção teria levado à remoção de Stanley com meia semana de produção. Quando a última cena de Kilmer foi concluída, Frankenheimer teria dito: "Agora tire esse bastardo do meu set". Ele também afirmou: "Há duas coisas que nunca farei em toda a minha vida: nunca mais escalarei o Monte. Everest e nunca mais trabalharei com Val Kilmer." O veterano diretor também afirmou que "Will Rogers nunca conheceu Val Kilmer". Em uma entrevista, Frankenheimer recusou-se a discutir o filme, dizendo apenas que foi muito difícil fazê-lo.

No entanto, seu próximo filme, Ronin de 1998, estrelado por Robert De Niro, foi um retorno à forma, apresentando as perseguições de carros elaboradas de Frankenheimer, agora marca registrada, entrelaçadas em uma espionagem labiríntica trama. Co-estrelado por um elenco internacional, incluindo Jean Reno e Jonathan Pryce, foi um sucesso de crítica e bilheteria. À medida que a década de 1990 chegava ao fim, ele ainda teve um raro papel de ator, aparecendo em uma participação especial como general dos EUA em The General's Daughter (1999). Anteriormente, ele teve uma participação especial sem créditos como diretor de TV em seu filme de 1977 Black Sunday.

Últimos anos e morte

O último filme teatral de Frankenheimer, Reindeer Games de 2000, estrelado por Ben Affleck, teve um desempenho inferior. Em 2001, trabalhou no curta-metragem de ação da BMW Ambush para a série promocional The Hire, estrelada por Clive Owen. O último filme de Frankenheimer, Path to War (2002) para a HBO foi indicado a vários prêmios. Um olhar para trás na Guerra do Vietnã, estrelou Michael Gambon como o presidente Lyndon Johnson junto com Alec Baldwin e Donald Sutherland.

Frankenheimer estava programado para dirigir Exorcist: The Beginning, mas foi anunciado antes do início das filmagens que ele estava se retirando, alegando problemas de saúde. Paul Schrader o substituiu. Cerca de um mês depois, ele morreu repentinamente em Los Angeles, Califórnia, de um derrame devido a complicações após uma cirurgia na coluna aos 72 anos.

Política

Frankenheimer nasceu em uma família politicamente conservadora e frequentou uma academia militar católica. Ele serviu como oficial subalterno na Força Aérea dos Estados Unidos durante a Guerra da Coréia. Em sua juventude, ele considerou brevemente entrar no sacerdócio.

Ele atingiu a maioridade durante o auge das investigações do Red Scare e do Anti-Communist House Un-American Activities Committee durante o início dos anos 1950, um período que viu a lista negra de cineastas e roteiristas de esquerda pelos estúdios de Hollywood. As primeiras sensibilidades políticas liberais de Frankenheimer se manifestaram pela primeira vez em disputas com seu pai conservador, um corretor da bolsa:

Quando eu estava no ensino médio, comecei a discordar muito com meu pai na política, porque ele era muito conservador. Ele queria mesmo o status quo, e eu não queria o status quo. Toda a questão racial me incomodou. Vim de Nova Iorque, e uma das minhas primeiras namoradas era uma dançarina afro-americana. E isso causou uma espécie de furor na minha família.

A “sensibilidade liberal” de Frankenheimer emergiu profissionalmente quando ele começou seu aprendizado no início da indústria da TV:

Quando entrei na televisão ao vivo [em 1952], havia todo o negócio de McCarthy - você não pode imaginar o quão terrível isso era. Isso transformou-me numa arena política. E, claro, na televisão ao vivo, foi muito difícil fazer coisas políticas porque havia a lista negra. Podias fazer qualquer coisa psicológica, mas nada sociológico.

O crítico de cinema David Walsh observa que “qualquer mídia que surgisse como propriedade com fins lucrativos de grandes corporações americanas e sob o escrutínio das autoridades americanas no meio da Guerra Fria, com seu anticomunismo, conformismo e geralmente estagnação intelectual clima, seria inevitavelmente deformado por esses processos... Frankenheimer trabalhou e aparentemente prosperou dentro dessa estrutura artística e ideológica geral”.

Relações políticas com os Kennedys

Em uma entrevista de 1998 com o crítico de cinema Alex Simon, Frankenheimer lembrou que seu primeiro contato com a política da família Kennedy ocorreu durante as campanhas presidenciais de 1960:

Provavelmente fui o director de televisão mais conhecido. E fui abordado para trabalhar para o John Kennedy. E não sei... tinha 30 anos. Estava a divorciar-me [com a esposa Carolyn Miller], e eu não queria lidar com isso, então eu disse que não.

À luz do assassinato de Kennedy em novembro de 1963, Frankenheimer lamentou: "Então ele foi morto e sempre me senti culpado por não ter feito esse trabalho para ele desde o início". 34;

Durante as filmagens de The Manchurian Candidate (1962), Frankenheimer relata que ele e o produtor/roteirista George Axelrod estavam ansiosos para que o governo Kennedy pudesse se opor à trama, que retrata graficamente uma tentativa de assassinato de um candidato presidencial liberal por um direito -asa conspiração. Quando o membro do elenco Frank Sinatra, um amigo pessoal de Kennedy, foi enviado para sondar sua reação ao filme, Kennedy (que havia lido o romance de Richard Condon) respondeu com entusiasmo: “Eu amo The Manchurian Candidate. Quem vai fazer o papel de mãe?

Quando Frankenheimer começou a pré-produção de seu thriller político Seven Days in May (1964) no verão de 1963, ele abordou o secretário de imprensa de Kennedy, Pierre Salinger, para providenciar a filmagem um segmento no local nas proximidades da Casa Branca. A história diz respeito a um golpe político organizado por um presidente fascista do Joint Chiefs of Staff (interpretado por Burt Lancaster) para depor o presidente liberal (interpretado por Fredric March) e instalar uma ditadura militar. Kennedy aprovou a foto e acomodou Frankenheimer, retirando-se para sua casa em Hyannisport no fim de semana durante as filmagens da Casa Branca.

Sobre se Frankenheimer conheceu Kennedy, o diretor ofereceu versões contraditórias. Para o biógrafo Gerald Pratley em 1968, Frankenheimer disse: "Nunca tive o prazer de conhecer [JFK] pessoalmente" mas observou que Kennedy apoiou totalmente a produção de Seven Days in May. Em 1998, durante uma entrevista com o crítico de cinema Alex Simon, Frankenheimer lembrou que Kennedy supostamente disse a Salinger, "se for John Frankenheimer [dirigindo Seven Days in May] eu quero conhecê-lo." Frankenheimer acrescenta: “Então eu o conheci, fui a uma coletiva de imprensa com ele. Ele foi maravilhoso comigo.”

Frankenheimer considerou o assassinato de Kennedy uma profunda calamidade para a América: “Acho que perdemos nossa inocência como país com a morte de John F. Kennedy.”

Os críticos de cinema Joanne Laurier e David Walsh observam que “o assassinato de Kennedy marcou uma virada histórica. Um de seus objetivos, no qual finalmente conseguiu, era mudar as políticas do governo dos EUA para a direita e intimidar a oposição política”.

O vínculo mais significativo de Frankenheimer com os Kennedy foi seu relacionamento político e pessoal com o senador Robert F. Kennedy, a quem ele rapidamente prestou seus serviços durante a campanha presidencial de 1968: “Quando [Robert Kennedy] declarou sua candidatura em '68, imediatamente liguei para o [gerente de campanha] Pierre Salinger e disse 'Pierre, eu quero fazer parte disso.'"

Frankenheimer relata que filmou as aparições de campanha de Robert Kennedy e treinou o senador para melhorar sua personalidade política, fornecendo esse apoio a Kennedy durante três meses na primavera de 1968.

Frankenheimer ficou arrasado com o assassinato de RFK em junho de 1968, em parte devido à sua proximidade com o evento. Ele havia sido escalado para acompanhar Kennedy no Ambassador Hotel após o discurso de vitória do candidato nas primárias da Califórnia. As primeiras notícias listavam Frankenheimer como um dos feridos na comitiva de Kennedy. Frankenheimer e sua esposa Evans Evans estavam esperando em uma entrada lateral do Ambassador Hotel para pegar Kennedy quando ele saiu da coletiva de imprensa e o levou para sua casa. De acordo com Frankenheimer, eles testemunharam a polícia removendo Sirhan Sirhan, mais tarde condenado pelo tiroteio, das instalações, e então descobriram que Kennedy havia sido mortalmente ferido.

Traumatizado com o acontecimento, Frankenheimer retirou-se da política e, após concluir The Gypsy Moths (1969), mudou-se para a França para estudar artes culinárias. Ele lembrou em 1998: “Sim. Consegui terminar um filme, The Gypsy Moths, mas me senti como 'Qual é o objetivo? O que isso realmente importa?' Quero dizer, quando você faz parte de algo assim e, de repente, é levado embora com apenas uma bala [estala os dedos]. Realmente faz você fazer um balanço do que é importante... Foi quando fui para a França, e foi quando fui para o Le Cordon Bleu, porque eu simplesmente tinha que fazer outra coisa com minha vida, e eu realmente não consegui chegar perto da política por muito tempo depois disso. Walsh comenta:

As preocupações sociais de Frankenheimer desapareceram em grande parte de seu trabalho pelas próximas duas décadas. Tornou-se cada vez mais identificado como um "diretor de ação" com obras competentes e não inspiradas, como Conexão francesa II (1975) e Domingo Negro (1977). O primeiro é memorável principalmente para a tensão da violência, de fato violência sádica, que aparece no trabalho de Frankenheimer. Isto chegou a algo de uma altura no grisly e inútil 52 Pick-up (1986) e permaneceu no trabalho de Frankenheimer através de seus filmes finais, incluindo Ronin (1998) e Jogos de Reindeer (2000).

Arquivo

A coleção de imagens em movimento de John Frankenheimer está guardada no Academy Film Archive.

Filmografia

Filme

Ano	Título	Notas
1957	O jovem estranho
1961	Os jovens selvagens
1962	Todos para baixo	Nomeado - Palme d'Or
	Pássaro de Alcatraz	Prêmio DGA nomeado para excelente direção – Filme de Característica
	O candidato manchuriano	Também produtor Prêmio Globo de Ouro de Melhor Diretor Prêmio DGA nomeado para excelente direção – Filme de Característica
1964	Sete Dias em maio	Prêmio Globo de Ouro de Melhor Diretor
	O trem	Substituiu Arthur Penn
1966	Segundos	Nomeado - Palme d'Or
	Grand Prix	Prêmio DGA nomeado para excelente direção – Filme de Característica
1968	O que é?
1969	O marinheiro extraordinário
	Os mitos
1970	Eu ando pela linha
1971	Os Cavaleiros
1973	O Cometh de Iceman
	Objeto impossível
1974	99 e 44/100% Morto
1975	Conexão francesa II
1977	Domingo Negro
1979	Profecia
1982	O desafio
1985	O Pacto Holcroft
1986	52 Pick-up
1989	Dead Bang
1990	A Quarta Guerra
1991	Ano da arma	Prêmio de Críticos de Deauville para Melhor Filme de Característica
1996	A Ilha do Dr. Moreau	Substituir Richard Stanley
1998	Ronin
2000	Jogos de Reindeer
2001	Ambush	Filme curto

Televisão

Séries de TV

Ano	Título	Notas
1954	Estás aí.	Episódio: "The Plot Against King Solomon"
1954-55	Perigo	6 episódios
1955-56	Climax!	26 episódios
1956-60	Playhouse 90	27 episódios
1958	Estúdio Um em Hollywood	Episódio: "O Último Verão"
1959	Exposição de DuPont do Mês	Episódio: "The Browning Vision"
	Startime	Episódio: "The Turn of the Screw"
1959-60	Mostra de domingo da NBC	2 episódios
1960	Buick-Electra Playhouse	3 episódios
1992	Contos do Crypt	Episódio: "Maníaco em Grande"

Filmes de TV

Ano	Título	Notas
1956	O Nono Dia
1960	As Neves de Kilimanjaro
	A Quinta Coluna
1982	O Rainmaker	Cabo nomeado Prêmio de Melhor Direção em Filme ou Minissérie
1994	Contra a Muralha	Primetime Emmy Award por excelente direção para uma série limitada ou filme Cabo nomeado Prêmio de Melhor Direção em Filme ou Minissérie Prêmio DGA nomeado para excelente direção – Minisérie ou filme de TV
	The Burning Season	Primetime Emmy Award por excelente direção para uma série limitada ou filme Cabos Prêmio de Melhor Direção em Filme ou Minissérie Primetime Emmy Award para filme de televisão excelente Cabo nomeado Prêmio de Melhor Filme ou Minissérie
1996	Andersonville	Primetime Emmy Award por excelente direção para uma série limitada ou filme Primetime Emmy Award para filme de televisão excelente Prêmio DGA nomeado para excelente direção – Minisérie ou filme de TV
1997	George Wallace	Primetime Emmy Award por excelente direção para uma série limitada ou filme Cabos Prêmio de Melhor Minissérie Cabos Prêmio de Melhor Direção em Filme ou Minissérie Primetime Emmy Award para filme de televisão excelente Prêmio DGA nomeado para excelente direção – Minisérie ou filme de TV
2002	Caminho da Guerra	Primetime Emmy Award por excelente direção para uma série limitada ou filme Primetime Emmy Award para filme de televisão excelente Prêmio DGA nomeado para excelente direção – Minisérie ou filme de TV

Prêmios e indicações

British Academy Film Awards

• 1964 Trem indicado para Melhor Filme - Qualquer Fonte
• 1962 Candidato de Manchurian indicado para Melhor Filme - Qualquer Fonte e Britânico

Festival de Cinema de Cannes

• 1966 Segundos indicado para Competing Film
• 1962 Todos para baixo indicado para Competing Film

Prêmio New York Film Critics Circle

• 1968 O quê? indicado para Melhor Direção
• 1968 O quê? indicado para Melhor Filme

Festival de Cinema de Veneza

• 1962 Pássaro de Alcatraz indicado para Competing Film
• 1962 Pássaro de Alcatraz ganhou pelo Prêmio San Giorgio

Frankenheimer também é membro do Hall da Fama da Televisão e foi indicado em 2002.