Instrumento musical eletrônico
Um instrumento musical eletrônico ou eletrofone é um instrumento musical que produz som usando circuitos eletrônicos. Esse instrumento emite um sinal de áudio elétrico, eletrônico ou digital que, por fim, é conectado a um amplificador de potência que aciona um alto-falante, criando o som ouvido pelo artista e pelo ouvinte.
Um instrumento eletrônico pode incluir uma interface de usuário para controlar seu som, geralmente ajustando o tom, a frequência ou a duração de cada nota. Uma interface de usuário comum é o teclado musical, que funciona de maneira semelhante ao teclado de um piano acústico, onde as teclas são ligadas mecanicamente a martelos de corda balançando - enquanto que com um teclado eletrônico, a interface do teclado é ligada a um módulo de sintetizador, computador ou outro gerador de som eletrônico ou digital, que então cria um som. No entanto, é cada vez mais comum separar a interface do usuário e as funções de geração de som em um controlador de música (dispositivo de entrada) e um sintetizador de música, respectivamente, com os dois dispositivos se comunicando por meio de uma linguagem de descrição de desempenho musical, como MIDI ou Open Sound Control. A natureza de estado sólido dos teclados eletrônicos também oferece diferentes "sensações" e "resposta", oferecendo uma experiência nova ao tocar em relação à operação de um teclado de piano conectado mecanicamente.
Todos os instrumentos musicais eletrônicos podem ser vistos como um subconjunto de aplicativos de processamento de sinal de áudio. Instrumentos musicais eletrônicos simples às vezes são chamados de efeitos sonoros; a fronteira entre efeitos sonoros e instrumentos musicais reais geralmente não é clara.
No século 21, os instrumentos musicais eletrônicos são amplamente usados na maioria dos estilos de música. Em estilos musicais populares, como a música de dança eletrônica, quase todos os sons de instrumentos usados nas gravações são instrumentos eletrônicos (por exemplo, sintetizador de baixo, sintetizador, bateria eletrônica). O desenvolvimento de novos instrumentos musicais eletrônicos, controladores e sintetizadores continua a ser um campo de pesquisa altamente ativo e interdisciplinar. Conferências especializadas, notadamente a Conferência Internacional sobre Novas Interfaces para Expressão Musical, foram organizadas para relatar trabalhos de ponta, bem como para fornecer uma vitrine para artistas que executam ou criam música com novos instrumentos musicais eletrônicos, controladores e sintetizadores.
Classificação
Na musicologia, os instrumentos musicais eletrônicos são conhecidos como eletrofones. Os eletrofones são a quinta categoria de instrumentos musicais sob o sistema Hornbostel-Sachs. Os musicólogos normalmente classificam a música como eletrofones apenas se o som for inicialmente produzido por eletricidade, excluindo instrumentos acústicos controlados eletronicamente, como órgãos de tubos e instrumentos amplificados, como guitarras elétricas.
A categoria foi adicionada ao sistema de classificação de instrumentos musicais Hornbostel-Sachs por Sachs em 1940, em seu livro de 1940 The History of Musical Instruments; a versão original de 1914 do sistema não o incluía. Sachs dividiu os eletrofones em três subcategorias:
- 51 = instrumentos acústicos atuados eletricamente (por exemplo, órgão de tubulação com ação eletrônica do rastreador)
- 52 = instrumentos acústicos amplificados eletricamente (por exemplo, guitarra acústica com captador)
- 53=instrumentos que fazem som principalmente por meio de osciladores acionados eletricamente
A última categoria incluía instrumentos como theremins ou sintetizadores, que ele chamou de instrumentos radioelétricos.
Francis William Galpin forneceu tal grupo em seu próprio sistema de classificação, que está mais próximo de Mahillon do que de Sachs-Hornbostel. Por exemplo, no livro de Galpin de 1937 A Textbook of European Musical Instruments, ele lista eletrofones com três divisões de segundo nível para geração de som ("por oscilação", " 34;eletromagnético" e "eletrostático"), bem como categorias de terceiro e quarto nível com base no método de controle.
Os etnomusicólogos atuais, como Margaret Kartomi e Terry Ellingson, sugerem que, de acordo com o espírito do esquema de classificação original de Hornbostel Sachs, se alguém categorizar os instrumentos pelo que primeiro produz o som inicial no instrumento, essa apenas subcategoria 53 devem permanecer na categoria de eletrofones. Assim, tem sido proposto mais recentemente, por exemplo, que o órgão de tubos (mesmo que use acionamento de teclas elétricas para controlar válvulas solenóides) permaneça na categoria dos aerofones, e que a guitarra elétrica permaneça na categoria dos cordofones, e assim por diante.
Primeiros exemplos
No século XVIII, músicos e compositores adaptaram uma série de instrumentos acústicos para explorar a novidade da eletricidade. Assim, no sentido mais amplo, o primeiro instrumento musical eletrificado foi o teclado Denis d'or, datado de 1753, seguido logo pelo clavecin électrique do francês Jean-Baptiste de Laborde em 1761. O Denis d'or consistia em um instrumento de teclado de mais de 700 cordas, eletrificado temporariamente para aprimorar as qualidades sonoras. O clavecin électrique era um instrumento de teclado com palhetas (palhetas) ativadas eletricamente. No entanto, nenhum dos instrumentos usava eletricidade como fonte sonora.
O primeiro sintetizador elétrico foi inventado em 1876 por Elisha Gray. O "Telégrafo Musical" foi um subproduto casual de sua tecnologia telefônica quando Gray descobriu que podia controlar o som de um circuito eletromagnético autovibrante e assim inventou um oscilador básico. O Telégrafo Musical usava palhetas de aço osciladas por eletroímãs e transmitidas por uma linha telefônica. Gray também construiu um alto-falante simples em modelos posteriores, que consistia em um diafragma vibrando em um campo magnético.
Uma invenção significativa, que mais tarde teve um efeito profundo na música eletrônica, foi o audion em 1906. Esta foi a primeira válvula termiônica, ou tubo de vácuo e que levou à geração e amplificação de sinais elétricos, transmissão de rádio e eletrônica cálculo, entre outras coisas. Outros sintetizadores iniciais incluíram o Telharmonium (1897), o Theremin (1919), Jörg Mager's Spharophon (1924) e Partiturophone, Taubmann's similar Electronde (1933), Maurice Martenot's ondes Martenot (& #34;Ondas de Martenot', 1928), Trautwein's Trautonium (1930). O Mellertion (1933) usava uma escala não padronizada, o Dynaphone de Bertrand podia produzir oitavas e quintas perfeitas, enquanto o Emicon era um instrumento americano controlado por teclado construído em 1930 e o Hellertion alemão combinou quatro instrumentos para produzir acordes. Três instrumentos russos também apareceram, Oubouhof's Croix Sonore (1934), Ivor Darreg's microtonal 'Electronic Keyboard Oboe' (1937) e o sintetizador ANS, construído pelo cientista russo Evgeny Murzin de 1937 a 1958. Apenas dois modelos deste último foram construídos e o único exemplar sobrevivente está atualmente armazenado na Universidade Lomonosov em Moscou. Ele tem sido usado em muitos filmes russos - como Solaris - para produzir imagens "cósmicas" sons.
Hugh Le Caine, John Hanert, Raymond Scott, o compositor Percy Grainger (com Burnett Cross) e outros construíram uma variedade de controladores automatizados de música eletrônica durante o final dos anos 1940 e 1950. Em 1959, Daphne Oram produziu um novo método de síntese, seu "Oramics" técnica, conduzida por desenhos em uma tira de filme de 35 mm; foi usado por vários anos no BBC Radiophonic Workshop. Este workshop foi também responsável pelo tema da série televisiva Doctor Who, uma peça, em grande parte criada por Delia Derbyshire, que mais do que qualquer outra garantiu a popularidade da música eletrónica no Reino Unido.
Telharmônio
por Thaddeus Cahill 1897
Em 1897, Thaddeus Cahill patenteou um instrumento chamado Telharmonium (ou Teleharmonium, também conhecido como Dynamaphone). Usando tonewheels para gerar sons musicais como sinais elétricos por síntese aditiva, ele foi capaz de produzir qualquer combinação de notas e harmônicos, em qualquer nível dinâmico. Essa tecnologia foi usada posteriormente para projetar o órgão Hammond. Entre 1901 e 1910, Cahill mandou fazer três versões progressivamente maiores e mais complexas, a primeira pesando sete toneladas, a última com mais de 200 toneladas. A portabilidade era gerida apenas por via férrea e com a utilização de trinta vagões. Em 1912, o interesse público havia diminuído e a empresa de Cahill estava falida.
Teremim
Outro desenvolvimento, que despertou o interesse de muitos compositores, ocorreu em 1919–1920. Em Leningrado, Leon Theremin construiu e demonstrou seu Etherophone, que mais tarde foi renomeado como Theremin. Isso levou às primeiras composições para instrumentos eletrônicos, em oposição a geradores de ruído e máquinas reaproveitadas. O Theremin se destacou por ser o primeiro instrumento musical tocado sem tocá-lo. Em 1929, Joseph Schillinger compôs a Primeira Suíte Airfônica para Theremin e Orquestra, estreada com a Orquestra de Cleveland com Leon Theremin como solista. No ano seguinte, Henry Cowell contratou Theremin para criar a primeira máquina de ritmo eletrônico, chamada Rhythmicon. Cowell escreveu algumas composições para ele, que ele e Schillinger estrearam em 1932.
Ondes Martenot
Modelo de 7a geração)
O ondes Martenot é tocado com um teclado ou movendo um anel ao longo de um fio, criando "ondulação" soa semelhante a um teremim. Foi inventado em 1928 pelo violoncelista francês Maurice Martenot, que se inspirou nas sobreposições acidentais de tons entre osciladores de rádio militares e quis criar um instrumento com a expressividade do violoncelo.
O compositor francês Olivier Messiaen usou as ondas Marteno em peças como sua sinfonia Turangalîla-Symphonie de 1949, e sua cunhada Jeanne Loriod era uma célebre instrumentista. Aparece em inúmeras trilhas sonoras de filmes e televisão, particularmente ficção científica e filmes de terror. Usuários contemporâneos do ondes Martenot incluem Tom Waits, Daft Punk e o guitarrista do Radiohead Jonny Greenwood.
Trautônio
O Trautônio foi inventado em 1928. Baseava-se na escala subharmônica, e os sons resultantes eram frequentemente usados para emular sons de sinos ou gongos, como nas produções de Bayreuth dos anos 1950 de Parsifal. Em 1942, Richard Strauss o usou para a parte do sino e do gongo na estreia em Dresden de seu Japanese Festival Music. Essa nova classe de instrumentos, microtonal por natureza, foi adotada lentamente pelos compositores no início, mas no início da década de 1930 houve uma explosão de novos trabalhos incorporando esses e outros instrumentos eletrônicos.
Órgão Hammond e Novachord
Em 1929, Laurens Hammond estabeleceu sua empresa para a fabricação de instrumentos eletrônicos. Ele passou a produzir o órgão Hammond, baseado nos princípios do Telharmonium, juntamente com outros desenvolvimentos, incluindo as primeiras unidades de reverberação. O órgão Hammond é um instrumento eletromecânico, pois utiliza tanto elementos mecânicos quanto peças eletrônicas. Um órgão Hammond usava rodas giratórias de metal para produzir sons diferentes. Um captador magnético semelhante em design aos captadores de uma guitarra elétrica é usado para transmitir as afinações nas rodas de tom para um amplificador e caixa de alto-falante. Embora o órgão Hammond tenha sido projetado para ser uma alternativa de baixo custo a um órgão de tubos para música sacra, os músicos logo descobriram que o Hammond era um excelente instrumento para blues e jazz; na verdade, todo um gênero musical desenvolvido em torno desse instrumento, conhecido como trio de órgão (normalmente órgão Hammond, bateria e um terceiro instrumento, saxofone ou guitarra).
O primeiro sintetizador fabricado comercialmente foi o Novachord, construído pela Hammond Organ Company de 1938 a 1942, que oferecia polifonia de 72 notas usando 12 osciladores acionando circuitos de divisão baseados em monoestáveis, controle de envelope básico e filtros passa-baixo ressonantes. O instrumento apresentava 163 tubos de vácuo e pesava 500 libras. O uso do controle de envelope pelo instrumento é significativo, já que esta é talvez a distinção mais significativa entre o sintetizador moderno e outros instrumentos eletrônicos.
Síntese analógica 1950–1980
Os instrumentos eletrônicos mais usados são os sintetizadores, assim chamados porque geram som artificialmente usando uma variedade de técnicas. Todas as primeiras sínteses baseadas em circuitos envolviam o uso de circuitos analógicos, particularmente amplificadores, osciladores e filtros controlados por tensão. Um importante desenvolvimento tecnológico foi a invenção do sintetizador Clavivox em 1956 por Raymond Scott com submontagem por Robert Moog. O compositor e engenheiro francês Edgard Varèse criou uma variedade de composições usando trompas, apitos e fitas eletrônicas. Mais notavelmente, ele escreveu Poème électronique para o pavilhão Phillips na Feira Mundial de Bruxelas em 1958.
Sintetizadores modulares
A RCA produziu dispositivos experimentais para sintetizar voz e música na década de 1950. O Mark II Music Synthesizer, alojado no Columbia-Princeton Electronic Music Center, em Nova York. Projetado por Herbert Belar e Harry Olson na RCA, com contribuições de Vladimir Ussachevsky e Peter Mauzey, foi instalado na Universidade de Columbia em 1957. Consistindo em uma matriz do tamanho de uma sala de componentes de síntese de som interconectados, só era capaz de produzir música por programação, usando um sequenciador de fita de papel perfurado com furos para controlar as fontes de afinação e filtros, semelhante a um piano mecânico, mas capaz de gerar uma ampla variedade de sons. O sistema de tubo de vácuo teve que ser remendado para criar timbres.
Na década de 1960, os sintetizadores ainda eram geralmente confinados aos estúdios devido ao seu tamanho. Eles eram geralmente de design modular, suas fontes de sinal independentes e processadores conectados com patch cords ou por outros meios e controlados por um dispositivo de controle comum. Harald Bode, Don Buchla, Hugh Le Caine, Raymond Scott e Paul Ketoff foram os primeiros a construir tais instrumentos, no final dos anos 1950 e início dos anos 1960. Buchla mais tarde produziu um sintetizador modular comercial, o Buchla Music Easel. Robert Moog, que havia sido aluno de Peter Mauzey e um dos engenheiros da RCA Mark II, criou um sintetizador que poderia ser razoavelmente usado por músicos, projetando os circuitos enquanto ele estava em Columbia-Princeton. O sintetizador Moog foi exibido pela primeira vez na convenção da Audio Engineering Society em 1964. Exigia experiência para configurar sons, mas era menor e mais intuitivo do que o anterior, menos como uma máquina e mais como um instrumento musical. Moog estabeleceu padrões para interface de controle, usando um logarítmico de 1 volt por oitava para controle de tom e um sinal de disparo separado. Essa padronização permitiu que sintetizadores de diferentes fabricantes operassem simultaneamente. O controle de afinação geralmente era realizado com um teclado estilo órgão ou um sequenciador de música produzindo uma série cronometrada de voltagens de controle. Durante o final dos anos 1960, centenas de gravações populares usaram sintetizadores Moog. Outros fabricantes de sintetizadores comerciais iniciais incluíam a ARP, que também começou com sintetizadores modulares antes de produzir instrumentos tudo-em-um, e a empresa britânica EMS.
Sintetizadores integrados
Em 1970, Moog projetou o Minimoog, um sintetizador não modular com um teclado embutido. Os circuitos analógicos foram interligados com interruptores em um arranjo simplificado chamado "normalização." Embora menos flexível do que um projeto modular, a normalização tornou o instrumento mais portátil e fácil de usar. O Minimoog vendeu 12.000 unidades. Padronizou ainda mais o design dos sintetizadores subsequentes com seu teclado integrado, rodas de pitch e modulação e fluxo de sinal VCO->VCF->VCA. Tornou-se celebrado por sua "gordura" som - e seus problemas de afinação. Componentes de estado sólido miniaturizados permitiram que os sintetizadores se tornassem instrumentos portáteis independentes que logo apareceram em apresentações ao vivo e rapidamente se tornaram amplamente utilizados na música popular e na música eletrônica.
_@_Yamaha_Design_Masterworks.png)
Polifonia
Muitos dos primeiros sintetizadores analógicos eram monofônicos, produzindo apenas um tom por vez. Sintetizadores monofônicos populares incluem o Moog Minimoog. Alguns, como o Moog Sonic Six, ARP Odyssey e EML 101, podiam produzir dois tons diferentes ao mesmo tempo em que duas teclas eram pressionadas. A polifonia (múltiplos tons simultâneos, que permite acordes) só era obtida com designs de órgãos eletrônicos no início. Os teclados eletrônicos populares que combinam circuitos de órgão com processamento de sintetizador incluem o ARP Omni e o Moog's Polymoog e Opus 3.
Em 1976 começaram a aparecer sintetizadores polifônicos acessíveis, notavelmente o Yamaha CS-50, CS-60 e CS-80, o Sequential Circuits Prophet-5 e o Oberheim Four-Voice. Estes permaneceram complexos, pesados e relativamente caros. A gravação das configurações na memória digital permitiu o armazenamento e a recuperação dos sons. O primeiro sintetizador polifônico prático e o primeiro a usar um microprocessador como controlador foi o Sequential Circuits Prophet-5, lançado no final de 1977. Pela primeira vez, os músicos tinham um sintetizador polifônico prático que podia salvar todas as configurações de botão na memória do computador e recupere-os com o toque de um botão. O paradigma de design do Prophet-5 tornou-se um novo padrão, lentamente desenvolvendo designs modulares mais complexos e recônditos.
Gravação de fita
para a música
Em 1935, outro desenvolvimento significativo foi feito na Alemanha. A Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft (AEG) demonstrou o primeiro gravador de fita magnética produzido comercialmente, chamado Magnetophon. A fita de áudio, que tinha a vantagem de ser bastante leve, além de ter boa fidelidade de áudio, acabou substituindo os gravadores de fio mais volumosos.
O termo "música eletrônica" (que começou a ser usado na década de 1930) passou a incluir o gravador como um elemento essencial: "sons produzidos eletronicamente gravados em fita e arranjados pelo compositor para formar uma composição musical". Também foi indispensável para a Musique Concrète.
A fita também deu origem aos primeiros teclados analógicos de reprodução de samples, o Chamberlin e seu sucessor mais famoso, o Mellotron, um teclado polifônico eletromecânico originalmente desenvolvido e construído em Birmingham, Inglaterra, no início dos anos 1960.
Sequenciador de som
Durante os anos 1940-1960, Raymond Scott, um compositor americano de música eletrônica, inventou vários tipos de sequenciadores musicais para suas composições elétricas. Sequenciadores de passos tocavam padrões rígidos de notas usando uma grade de (normalmente) 16 botões, ou passos, cada passo sendo 1/16 de um compasso. Esses padrões de notas foram então encadeados para formar composições mais longas. Sequenciadores de software foram continuamente utilizados desde a década de 1950 no contexto da música de computador, incluindo música tocada por computador (sequenciador de software), música composta por computador (síntese de música) e música de computador. geração de som (síntese de som).
Era digital 1980–2000
Síntese digital
_1.jpg)
Os primeiros sintetizadores digitais eram experimentos acadêmicos em síntese de som usando computadores digitais. A síntese de FM foi desenvolvida para esse fim; como uma forma de gerar sons complexos digitalmente com o menor número de operações computacionais por amostra de som. Em 1983, a Yamaha introduziu o primeiro sintetizador digital autônomo, o DX-7. Ele usou síntese de modulação de frequência (síntese FM), desenvolvida pela primeira vez por John Chowning na Universidade de Stanford durante o final dos anos sessenta. Chowning licenciou exclusivamente sua patente de síntese FM para a Yamaha em 1975. A Yamaha posteriormente lançou seus primeiros sintetizadores FM, o GS-1 e o GS-2, que eram caros e pesados. Seguiu-se um par de versões menores e predefinidas, os CE20 e CE25 Combo Ensembles, voltados principalmente para o mercado de órgãos domésticos e apresentando teclados de quatro oitavas. A terceira geração de sintetizadores digitais da Yamaha foi um sucesso comercial; consistia no DX7 e DX9 (1983). Ambos os modelos eram compactos, com preços razoáveis e dependentes de circuitos integrados digitais personalizados para produzir tonalidades de FM. O DX7 foi o primeiro sintetizador totalmente digital do mercado de massa. Tornou-se indispensável para muitos artistas musicais da década de 1980 e a demanda logo superou a oferta. O DX7 vendeu mais de 200.000 unidades em três anos.
A série DX não era fácil de programar, mas oferecia um som percussivo detalhado que levou ao fim do piano eletromecânico Rhodes, que era mais pesado e maior que um sintetizador DX. Após o sucesso da síntese de FM, a Yamaha assinou um contrato com a Universidade de Stanford em 1989 para desenvolver a síntese de guia de onda digital, levando ao primeiro sintetizador de modelagem física comercial, o VL-1 da Yamaha, em 1994. O DX-7 era acessível o suficiente para amadores e bandas jovens para comprar, ao contrário dos sintetizadores caros das gerações anteriores, que eram usados principalmente por profissionais de ponta.
Amostragem
.jpg)
O Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), o primeiro sampler digital polifônico, foi o precursor dos sintetizadores baseados em sample. Projetado em 1978 por Peter Vogel e Kim Ryrie e baseado em um computador com microprocessador duplo projetado por Tony Furse em Sydney, Austrália, o Fairlight CMI deu aos músicos a capacidade de modificar volume, ataque, decaimento e usar efeitos especiais como vibrato. As formas de onda de amostra podem ser exibidas na tela e modificadas usando uma caneta ótica. O Synclavier da New England Digital era um sistema semelhante. Jon Appleton (com Jones e Alonso) inventou o Dartmouth Digital Synthesizer, que mais tarde se tornou o Synclavier da New England Digital Corp. O Kurzweil K250, produzido pela primeira vez em 1983, também foi um sintetizador de música digital polifônico de sucesso, conhecido por sua capacidade de reproduzir vários instrumentos de forma sincronizada e por ter um teclado sensível à velocidade.
Música de computador
Um novo desenvolvimento importante foi o advento dos computadores com a finalidade de compor música, em vez de manipular ou criar sons. Iannis Xenakis começou o que é chamado de musique stochastique, ou música estocástica, que é um método de composição que emprega sistemas de probabilidade matemática. Diferentes algoritmos de probabilidade foram usados para criar uma peça sob um conjunto de parâmetros. Xenakis usou papel quadriculado e uma régua para ajudar a calcular as trajetórias de velocidade do glissando para sua composição orquestral Metastasis (1953–54), mas depois voltou-se para o uso de computadores para compor peças como ST /4 para quarteto de cordas e ST/48 para orquestra (ambos de 1962).
O impacto dos computadores continuou em 1956. Lejaren Hiller e Leonard Issacson compuseram a Illiac Suite para quarteto de cordas, a primeira obra completa de composição assistida por computador usando composição algorítmica.
Em 1957, Max Mathews no Bell Lab escreveu a série MUSIC-N, uma primeira família de programas de computador para gerar formas de onda de áudio digital por meio de síntese direta. Então Barry Vercoe escreveu o MUSIC 11 baseado no MUSIC IV-BF, um programa de síntese musical de última geração (posteriormente evoluindo para o csound, que ainda é amplamente utilizado).
Em meados dos anos 80, Miller Puckette no IRCAM desenvolveu um software de processamento de sinal gráfico para 4X chamado Max (em homenagem a Max Mathews), e posteriormente o portou para Macintosh (com Dave Zicarelli estendendo-o para Opcode) para controle MIDI em tempo real, trazendo disponibilidade de composição algorítmica para a maioria dos compositores com formação modesta em programação de computador.
MIDI
Em 1980, um grupo de músicos e comerciantes de música se reuniu para padronizar uma interface pela qual novos instrumentos pudessem comunicar instruções de controle com outros instrumentos e o microcomputador predominante. Este padrão foi apelidado de MIDI (Musical Instrument Digital Interface). Um artigo foi escrito por Dave Smith da Sequential Circuits e proposto à Audio Engineering Society em 1981. Então, em agosto de 1983, a Especificação MIDI 1.0 foi finalizada.
O advento da tecnologia MIDI permite um único toque de tecla, movimento da roda de controle, movimento do pedal ou comando de um microcomputador para ativar todos os dispositivos no estúdio remotamente e em sincronia, com cada dispositivo respondendo de acordo com as condições predeterminadas pelo compositor.
Instrumentos e software MIDI tornaram o controle poderoso de instrumentos sofisticados facilmente acessível a muitos estúdios e indivíduos. Os sons acústicos foram reintegrados aos estúdios por meio de instrumentos baseados em samples e ROM.
Instrumentos musicais eletrônicos modernos
O poder crescente e o custo cada vez menor da eletrônica geradora de som (e especialmente do computador pessoal), combinados com a padronização das linguagens de descrição de performance musical MIDI e Open Sound Control, tem facilitado a separação de instrumentos musicais em controladores de música e sintetizadores de música.
De longe, o controlador musical mais comum é o teclado musical. Outros controladores incluem o radiodrum, os controladores de vento Akai's EWI e Yamaha's WX, o SynthAxe semelhante a uma guitarra, o BodySynth, o Buchla Thunder, o Continuum Fingerboard, o Roland Octapad, vários teclados isomórficos, incluindo o Thummer, e Kaossilator Pro, e kits como I-CubeX.
Reatable
O Reactable é uma mesa redonda translúcida com um visor interativo retroiluminado. Ao colocar e manipular blocos chamados tangíveis na superfície da mesa, enquanto interage com a exibição visual por meio de gestos com os dedos, um sintetizador modular virtual é operado, criando música ou efeitos sonoros.
Percussa AudioCubes
AudioCubes são cubos sem fio autônomos alimentados por um sistema de computador interno e bateria recarregável. Eles têm iluminação RGB interna e são capazes de detectar a localização, orientação e distância uns dos outros. Os cubos também podem detectar distâncias das mãos e dedos do usuário. Através da interação com os cubos, uma variedade de softwares de música e som podem ser operados. Os AudioCubes têm aplicações em design de som, produção musical, DJing e apresentações ao vivo.
Kaossilator
O Kaossilator e o Kaossilator Pro são instrumentos compactos onde a posição de um dedo no touch pad controla duas características de notas; geralmente o tom é alterado com um movimento da esquerda para a direita e a propriedade tonal, filtro ou outro parâmetro é alterado com um movimento de cima para baixo. O touch pad pode ser configurado para diferentes escalas e teclas musicais. O instrumento pode gravar um loop repetitivo de comprimento ajustável, definido para qualquer andamento, e novos loops de som podem ser sobrepostos aos existentes. Isso se presta a música eletrônica de dança, mas é mais limitado para sequências controladas de notas, já que o pad em um Kaossilator regular não tem características.
Eigenharp
O Eigenharp é um grande instrumento semelhante a um fagote, com o qual você pode interagir por meio de botões grandes, um sequenciador de bateria e um bocal. O processamento de som é feito em um computador separado.
Sentido XTH
O XTH Sense é um instrumento vestível que usa sons musculares do corpo humano (conhecidos como mecanomiograma) para criar música e efeitos sonoros. À medida que o artista se move, o corpo produz sons musculares que são capturados por um chip de microfone usado no braço ou nas pernas. Os sons musculares são então amostrados ao vivo usando um programa de software dedicado e uma biblioteca de efeitos de áudio modulares. O performer controla os parâmetros de amostragem ao vivo pesando força, velocidade e articulação do movimento.
AlphaSphere
O AlphaSphere é um instrumento esférico que consiste em 48 almofadas táteis que respondem à pressão e ao toque. O software personalizado permite que os pads sejam programados indefinidamente individualmente ou por grupos em termos de função, nota e parâmetro de pressão, entre muitas outras configurações. O conceito principal do AlphaSphere é aumentar o nível de expressão disponível para músicos eletrônicos, permitindo o estilo de execução de um instrumento musical.
Música de chip
Chiptune, chipmusic ou chip music é música escrita em formatos de som em que muitas das texturas sonoras são sintetizadas ou sequenciadas em tempo real por um computador ou chip de som de console de videogame, às vezes incluindo síntese baseada em amostra e reprodução de amostra de bit baixo. Muitos dispositivos de chip de música apresentavam sintetizadores em conjunto com reprodução de amostra de baixa taxa.
Cultura DIY
Durante o final dos anos 1970 e início dos anos 1980, projetos DIY (faça você mesmo) foram publicados em revistas eletrônicas de hobby (notavelmente o sintetizador modular Formant, um clone DIY do sistema Moog, publicado pela Elektor) e os kits foram fornecidos por empresas como como Paia nos EUA e Maplin Electronics no Reino Unido.
Dobra do circuito
Em 1966, Reed Ghazala descobriu e começou a ensinar matemática "circuit bending" - a aplicação do curto-circuito criativo, um processo de curto-circuito aleatório, criando instrumentos eletrônicos experimentais, explorando elementos sonoros principalmente de timbre e com menos atenção ao tom ou ritmo, e influenciado pelo conceito de música aleatória de John Cage.
Muito dessa manipulação de circuitos diretamente, especialmente até o ponto de destruição, foi iniciada por Louis e Bebe Barron no início dos anos 1950, como seu trabalho com John Cage no Williams Mix e especialmente na trilha sonora de Forbidden Planet.
A dobra de circuitos modernos é a customização criativa dos circuitos dentro de dispositivos eletrônicos, como efeitos de guitarra de baixa tensão, movidos a bateria, brinquedos infantis e pequenos sintetizadores digitais para criar novos instrumentos musicais ou visuais e geradores de som. Enfatizando a espontaneidade e a aleatoriedade, as técnicas de dobra de circuito têm sido comumente associadas à música noise, embora muitos músicos e grupos musicais contemporâneos mais convencionais sejam conhecidos por experimentarem o "bent" instrumentos. A flexão do circuito geralmente envolve a desmontagem da máquina e a adição de componentes como interruptores e potenciômetros que alteram o circuito. Com o interesse revivido pelo circuito de sintetizador analógico, o bending tornou-se uma solução barata para muitos músicos experimentais criarem seus próprios geradores de som analógicos individuais. Hoje em dia, muitos esquemas podem ser encontrados para construir geradores de ruído, como o Atari Punk Console ou o Dub Siren, bem como modificações simples para brinquedos infantis, como o famoso Speak & Feitiço que é frequentemente modificado por dobradores de circuito.
Sintetizadores modulares
O sintetizador modular é um tipo de sintetizador que consiste em módulos intercambiáveis separados. Estes também estão disponíveis como kits para construtores DIY amadores. Muitos designers amadores também disponibilizam placas PCB nuas e painéis frontais para venda a outros amadores.
2010
De acordo com uma postagem no fórum em dezembro de 2010, a Sixense Entertainment está trabalhando no controle musical com o controlador de movimento Sixense TrueMotion. Instrumentos musicais virtuais imersivos, ou instrumentos virtuais imersivos para música e som, visam representar eventos musicais e parâmetros sonoros em uma realidade virtual para que possam ser percebidos não apenas por feedback auditivo, mas também visualmente em 3D e possivelmente por feedback tátil e tátil, permitindo o desenvolvimento de novas metáforas de interação além da manipulação, como a preensão.