Guitarra de jazz
Jazz guitar pode se referir a um tipo de guitarra elétrica ou a um estilo de tocar guitarra no jazz, usando amplificação elétrica para aumentar o volume de violões.
No início da década de 1930, os músicos de jazz buscavam amplificar seu som para ser ouvido em grandes bandas barulhentas. Quando os guitarristas das big bands mudaram do violão para o semi-acústico e começaram a usar amplificadores, isso os permitiu tocar solos. A guitarra jazz teve uma influência importante no jazz no início do século XX. Embora as primeiras guitarras usadas no jazz fossem acústicas e as guitarras acústicas ainda sejam usadas às vezes no jazz, a maioria dos guitarristas de jazz desde a década de 1940 tocou em uma guitarra amplificada eletricamente ou guitarra elétrica.
Tradicionalmente, os guitarristas elétricos de jazz usam um archtop com uma caixa de som oca relativamente larga, orifícios tipo violino, uma "ponte flutuante" e um captador magnético. Guitarras de corpo sólido, produzidas em massa desde o início dos anos 1950, também são usadas.
Os estilos de tocar guitarra jazz incluem comping com aberturas de acordes de jazz (e, em alguns casos, linhas de baixo ambulante) e sopro (improvisação) sobre progressões de acordes de jazz com frases no estilo jazz e ornamentos. Comping refere-se a tocar acordes sob a melodia de uma música ou improvisações solo de outro músico.
História
1900–meados de 1930
O ritmo de acordes de cordas pode ser ouvido em grupos que incluíam instrumentos de banda militar, como metais, saxes, clarinetes e baterias, como os primeiros grupos de jazz. À medida que o violão se tornou um instrumento mais popular no início do século 20, os fabricantes de violões começaram a construir violões mais altos que seriam úteis em uma ampla gama de configurações.
O Gibson L5, um violão archtop acústico que foi produzido pela primeira vez em 1923, era um violão do estilo "jazz" antigo, usado pelos primeiros guitarristas de jazz, como Eddie Lang. Na década de 1930, o violão começou a substituir o banjo como o principal instrumento rítmico de acordes na música jazz, porque o violão podia ser usado para expressar acordes de maior complexidade harmônica e tinha um tom um pouco mais abafado que combinava bem com o baixo vertical., que, nessa época, havia substituído quase completamente a tuba como o instrumento baixo dominante na música jazz.
Final dos anos 1930-1960
Durante o final da década de 1930 e a década de 1940 - o auge do jazz de big band e da música swing - o violão era um instrumento importante da seção rítmica. Alguns guitarristas, como Freddie Green da banda de Count Basie, desenvolveram um estilo de acompanhamento específico para guitarra. Poucas das grandes bandas, no entanto, apresentavam solos de guitarra amplificados, que eram feitos no contexto de pequenos combos. Os solistas de guitarra de jazz mais importantes desse período incluíam o virtuoso Manouche Django Reinhardt, Oscar Moore, que se apresentou com o trio de Nat “King” Cole, e Charlie Christian, da banda e sexteto de Benny Goodman, que era um grande influência, apesar de sua morte prematura aos 25 anos.
Não foi até o surgimento em larga escala do jazz de combo pequeno no período pós-Segunda Guerra Mundial que a guitarra decolou como um instrumento versátil, que foi usado tanto na seção rítmica quanto como um instrumento melódico de destaque e improvisador solo. Nas mãos de George Barnes, Kenny Burrell, Herb Ellis, Barney Kessel, Jimmy Raney e Tal Farlow, que haviam absorvido a linguagem do bebop, o violão passou a ser visto como um instrumento de jazz “sério”. Guitarras elétricas aprimoradas, como a ES-175 da Gibson (lançada em 1949), deram aos músicos uma variedade maior de opções tonais. Na década de 1940 até a década de 1960, músicos como Wes Montgomery, Joe Pass e Jim Hall lançaram as bases do que hoje é conhecido como "guitarra de jazz" jogando.
Década de 1970
Com o surgimento da fusão jazz-rock no início dos anos 1970, muitos músicos mudaram para guitarras de corpo sólido mais voltadas para o rock. Outros guitarristas de jazz, como Grant Green e Wes Montgomery, passaram a aplicar suas habilidades em estilos pop que fundiam jazz com soul e R&B, como trios de órgãos no estilo soul jazz. Músicos de jazz mais jovens aproveitaram a onda de gêneros populares ecléticos, como blues, rock e funk, para alcançar novos públicos. Guitarristas no reino da fusão fundiram a linguagem harmônica e melódica pós-bop de músicos como John Coltrane, McCoy Tyner, Ornette Coleman e Miles Davis com um tom de rock forte (e geralmente muito alto) criado por guitarristas como Cream' Eric Clapton, de 39, que redefiniu o som da guitarra para aqueles que não estavam familiarizados com os músicos negros de blues de Chicago e, antes disso, da região do Delta do Mississippi, na qual seu estilo foi baseado. Com John Mayall's Bluesbreakers, Clapton aumentou o volume em um som já pioneiro de Buddy Guy, Freddie King, B.B. King e outros que era fluido, com pesados vibratos de dedo, dobra de cordas e velocidade através de poderosos amplificadores Marshall.
Músicos de fusão como John McLaughlin adotaram o som fluido e poderoso de guitarristas de rock como Clapton e Jimi Hendrix. McLaughlin foi um inovador mestre, incorporando hard jazz com os novos sons de Clapton, Hendrix, Beck e outros. Mais tarde, McLaughlin formou a Mahavishnu Orchestra, uma banda de fusão historicamente importante que tocou em locais com ingressos esgotados no início dos anos 1970 e, como resultado, produziu uma progênie infinita de guitarristas de fusão. Artistas como Pat Martino, Al Di Meola, Larry Coryell, John Abercrombie, John Scofield e Mike Stern (os dois últimos ex-alunos da banda de Miles Davis) criaram uma nova linguagem para a guitarra que apresentou o jazz a uma nova geração de fãs. Como os ícones do rock-blues que os precederam, os guitarristas de fusão geralmente tocavam seus instrumentos de corpo sólido por meio de amplificação no estilo rock de estádio e "efeitos" de processamento de sinal. como distorção simulada, wah-wah, divisores de oitava, compressão e pedais de flange. Eles também simplesmente aumentaram o volume máximo para criar overdrive natural, como os tocadores de blues rock.
1980–2000
No início dos anos 1980, os experimentos radicais da fusão do início dos anos 1970 deram lugar a sons de jazz suave mais amigáveis ao rádio. O guitarrista Pat Metheny misturou os sons de rock, blues, country e música “world”, mantendo uma base sólida em bebop e cool jazz, tocando um violão de tampo plano e uma guitarra elétrica com um tom mais suave e suave que foi adoçado com um efeito cintilante conhecido como “chorusing”. Durante a década de 1980, uma escola neotradicional de jazz procurou se reconectar com o passado. De acordo com essa estética, os jovens guitarristas dessa época buscavam um tom limpo e redondo, e muitas vezes tocavam guitarras arch-top tradicionais de corpo oco sem efeitos eletrônicos, frequentemente por meio de amplificadores valvulados.
À medida que músicos como Bobby Broom, Peter Bernstein, Howard Alden, Russell Malone e Mark Whitfield reviveram os sons da guitarra jazz tradicional, houve também um ressurgimento da archtop luthierie (fabricação de guitarras). No início dos anos 1990, muitos pequenos luthiers independentes começaram a fabricar guitarras archtop. Nos anos 2000, a forma de tocar jazz na guitarra continua a mudar. Alguns guitarristas incorporam uma influência do jazz latino, a música de clube de dança estilo acid jazz usa samples de Wes Montgomery e guitarristas como Bill Frisell continuam a desafiar a categorização.
Tipos de guitarras
Guitarras Archtop
Embora o jazz possa ser tocado em qualquer tipo de guitarra, desde um instrumento acústico até uma guitarra elétrica de corpo sólido, como uma Fender Stratocaster, a guitarra archtop de profundidade total tornou-se conhecida como o protótipo da "guitarra jazz". " Os violões Archtop são violões acústicos de cordas de aço com uma grande caixa de som, tampo arqueado, orifícios tipo violino, uma "ponte flutuante" e captadores magnéticos ou piezoelétricos. Os primeiros fabricantes de guitarras de jazz incluíam Gibson, Epiphone, D'Angelico e Stromberg. A guitarra elétrica é conectada a um amplificador de guitarra para fazer com que soe alto o suficiente para a performance. Amplificadores de guitarra possuem controles equalizadores que permitem ao guitarrista mudar o tom do instrumento, enfatizando ou desenfatizando certas bandas de frequência. O uso de efeitos de reverberação, geralmente incluídos em amplificadores de guitarra, há muito faz parte do som da guitarra jazz. Particularmente desde a era do jazz fusion dos anos 1970, alguns guitarristas de jazz também usaram pedais de efeitos, como pedais de overdrive, pedais de chorus e pedais de wah.
As primeiras guitarras usadas no jazz eram acústicas, mais tarde substituídas por uma configuração elétrica típica de dois captadores humbucking. Na década de 1990, houve um ressurgimento do interesse entre os guitarristas de jazz em guitarras acústicas archtop com captadores flutuantes. Os violões acústicos archtop originais foram projetados para aumentar o volume: por essa razão, eles foram construídos para uso com cordas de violão relativamente pesadas. Mesmo depois que a eletrificação se tornou a norma, os guitarristas de jazz continuaram a ajustar cordas de 0,012" calibre ou mais pesado por razões de tom, e também prefira cordas planas. O tampo arqueado característico pode ser feito de um pedaço sólido de madeira que é esculpido na forma arqueada, ou um pedaço de madeira laminada (essencialmente um tipo de compensado) que é prensado em forma. Spruce é frequentemente usado para topos e bordo para costas. As guitarras Archtop podem ser produzidas em massa, como a série Ibanez Artcore, ou feitas à mão por luthiers como Robert Benedetto.
Outras guitarras
- A guitarra Selmer-Maccaferri está fortemente associada com Django Reinhardt e giro cigano.
- A guitarra do ressonador foi usada (mas não exclusivamente) por Oscar Aleman.
- As guitarras de corda de nylon estão associadas ao jazz latino, por exemplo no trabalho de Charlie Byrd e Laurindo Almeida.
- Guitarras de corda de aço plana (particularmente guitarras de ovação) foram usadas no "retimento acústico" de John McLaughlin, Larry Coryell e Al Di Meola.
- Guitarras elétricas de corpo sólido foram usadas em Jazz-rock, por exemplo, por Bill Frisell e Stanley Jordan. O Telecaster em particular tem uma sequência de jazz, por exemplo, Ed Bickert e Ted Greene.
- Guitarras sintetizadoras em jazz-rock e jazz avant-garde, por exemplo, por Allan Holdsworth e Pat Metheny.
- Sete guitarras de George van Eps, Lenny Breau, Bucky Pizzarelli e Howard Alden.
- Guitarras de oito cordas de Ralph Patt.
Elementos musicais
Ritmo
A guitarra rítmica do jazz geralmente consiste em uma execução muito textural e com métrica ímpar, que inclui o uso generoso de acordes exóticos e difíceis de tocar. No tempo 4/4, é comum tocar intervalos de 2,5 tempos, como no 2 e depois no meio tempo ou "e" após 4. Guitarristas de jazz podem tocar acordes "à frente" da batida, tocando o acorde uma colcheia antes da mudança real do acorde. Os acordes geralmente não são tocados de maneira rítmica repetitiva, como um guitarrista de ritmo de rock tocaria.
Harmonia
Os guitarristas de jazz usam seu conhecimento de harmonia e teoria do jazz para criar "voicings" que enfatizam a 3ª e 7ª notas do acorde. Algumas aberturas de acordes mais sofisticadas também incluem a 9ª, 11ª e 13ª notas do acorde. Em alguns estilos de jazz modernos, os acordes de 7ª dominante em uma música podem conter 9ª alteradas (seja achatado por um semitom, que é chamado de "9a bemol", ou acentuado por um semitom, que é chamado de ";9a sustenido"); 11ª (aguda por um semitom, que é chamada de "11ª sustenida"); 13ª (normalmente achatada por um semitom, que é chamada de "13ª bemol").
Guitarristas de jazz precisam aprender sobre uma variedade de acordes diferentes, incluindo 7ª maior, 6ª maior, 7ª menor, 7ª menor/maior, 7ª dominante, diminuto, meio-diminuto e acordes aumentados. Além disso, eles precisam aprender sobre transformações de acordes (por exemplo, acordes alterados, como "acordes dominantes alternativos" descritos acima), substituições de acordes e técnicas de rearmonização. Alguns guitarristas de jazz usam seu conhecimento de escalas e acordes de jazz para fornecer um acompanhamento no estilo do baixo ambulante.
Guitarristas de jazz aprendem a executar esses acordes em várias progressões de acordes usadas no jazz, como a onipresente progressão ii-V-I, a progressão de blues no estilo jazz (que, em contraste com uma progressão de 12 compassos no estilo blues, pode ter duas ou mais mudanças de acordes por compasso) a forma de blues estilo jazz menor, as "mudanças de ritmo" progressão e a variedade de progressões de acordes ricas em modulação usadas em baladas de jazz e padrões de jazz. Os guitarristas também podem aprender a usar os tipos de acordes, estilos de dedilhado e pedais de efeitos (por exemplo, efeito de coro ou fuzzbox) usados no jazz latino, jazz-funk e jazz-rock da década de 1970.
Melodia
Os guitarristas de jazz integram os blocos básicos de construção de escalas e padrões de arpejo em frases rítmicas e melódicas equilibradas que compõem um solo coeso. Os guitarristas de jazz muitas vezes tentam imbuir seu fraseado melódico com a sensação de respiração natural e fraseado em legato usado por trompistas, como saxofonistas. Além disso, uma banda de guitarristas de jazz. as improvisações solo precisam ter um impulso rítmico e "sensação de tempo" que cria uma sensação de "swing" e "groove." Os guitarristas de jazz mais experientes aprendem a tocar com diferentes "sensações de tempo" como tocar "antes da batida" ou "atrás da batida" para criar ou liberar tensão.
Outro aspecto do estilo de guitarra jazz é o uso de ornamentos estilisticamente apropriados, como notas graciosas, slides e notas mudas. Cada subgênero ou era do jazz tem ornamentos diferentes que fazem parte do estilo desse subgênero ou época. Os guitarristas de jazz geralmente aprendem os estilos de ornamentação apropriados ouvindo gravações proeminentes de um determinado estilo ou era do jazz. Alguns guitarristas de jazz também emprestam técnicas de ornamentação de outros instrumentos de jazz, como o empréstimo de Wes Montgomery de tocar melodias em oitavas paralelas, que é uma técnica de piano de jazz. Os guitarristas de jazz também precisam aprender a adicionar tons de passagem, usar "tons guia" e tons de acordes da progressão de acordes para estruturar suas improvisações.
Nas décadas de 1970 e 1980, com a fusão jazz-rock da guitarra, os guitarristas de jazz incorporaram abordagens de solo de guitarra de rock, como solos baseados em riffs e uso de padrões de escala pentatônica e blues. Alguns guitarristas usaram efeitos de distorção e wah-wah influenciados por Jimi Hendrix para obter um tom pesado e sustentado, ou até mesmo usaram técnicas rápidas de destruição de guitarra, como batidas e flexão de barra de tremolo. O guitarrista Al Di Meola, que iniciou sua carreira com Return to Forever em 1974, foi um dos primeiros guitarristas a se apresentar em um "shred" estilo, uma técnica mais tarde usada no rock e no heavy metal. Di Meola usou a palhetada alternada para executar sequências muito rápidas de notas em seus solos.
Improvisação
Quando os guitarristas de jazz improvisam, eles usam as escalas, modos e arpejos associados aos acordes na progressão de acordes de uma música. A abordagem da improvisação mudou desde as primeiras eras da guitarra jazz. Durante a era do Swing, muitos solistas improvisavam "de ouvido" embelezando a melodia com ornamentos e notas passageiras. No entanto, durante a era do bebop, o andamento rápido e as complicadas progressões de acordes tornaram cada vez mais difícil tocar "de ouvido" Junto com outros improvisadores, como saxes e pianistas, os guitarristas de jazz da era bebop começaram a improvisar sobre as mudanças de acordes usando escalas (escala de tons inteiros, escala cromática, etc.) e arpejos. Os guitarristas de jazz tendem a improvisar em torno das relações acorde/escala, em vez de retrabalhar a melodia, possivelmente devido à sua familiaridade com os acordes resultantes de seu papel de acompanhamento. Uma fonte de ideias melódicas para improvisação é a transcrição de solos improvisados de gravações. Isso fornece aos guitarristas de jazz uma fonte de "licks", frases melódicas e ideias que eles incorporam intactas ou em variações, e é uma forma estabelecida de aprender com as gerações anteriores de músicos.
Estilos de jogo
Ritmo de big band
Nas big bands de jazz, populares nas décadas de 1930 e 1940, o guitarrista é considerado parte integrante da seção rítmica (guitarra, bateria e baixo). Eles geralmente tocavam quatro dedilhados regulares no compasso, embora uma quantidade de improvisação harmônica seja possível. Freddie Green, guitarrista da orquestra Count Basie, foi um notável expoente desse estilo. As harmonias costumam ser mínimas; por exemplo, a nota tônica é frequentemente omitida na suposição de que será fornecida pelo baixista.
Acompanhamento de pequenos grupos
Quando guitarristas de jazz tocam acordes sob a melodia de uma música ou improvisações solo de outro músico, isso é chamado de "comping", abreviação de "acompanhamento". O estilo de acompanhamento na maioria dos estilos de jazz difere da maneira como os instrumentos de acordes acompanham em muitos estilos populares de música. Em muitos estilos populares de música, como rock e pop, o guitarrista rítmico geralmente executa os acordes de maneira rítmica que define a batida ou o groove de uma música. Em contraste, em muitos estilos modernos de jazz dentro de grupos menores, o guitarrista toca muito mais esparsamente, misturando acordes periódicos e aberturas delicadas em pausas na melodia ou solo, e usando períodos de silêncio. Os guitarristas de jazz geralmente usam uma ampla variedade de inversões ao compor, em vez de usar apenas aberturas padrão.
Chord-melody e solos desacompanhados
Neste estilo, o guitarrista visa renderizar uma música inteira — harmonia, melodia e baixo — da mesma forma que um violonista clássico ou um pianista. As raízes do acorde não podem ser deixadas para o baixista neste estilo. Os próprios acordes podem ser usados de forma esparsa ou mais densa, dependendo tanto do músico individual quanto do arranjo de uma peça em particular. No estilo esparso, um acorde completo geralmente é tocado apenas no início de uma frase melódica. As texturas de acordes mais densas, em contraste, abordam o solo de acordes (veja abaixo). Uma terceira abordagem é manter uma linha de baixo estável e movimentada, como um pianista de Nova Orleans. Aqui, não mais do que duas ou três notas são tocadas por vez, e a harmonia completa é indicada pelo arpejo. Os expoentes desse estilo geralmente vêm de um ambiente country, folk ou ragtime, como Chet Atkins, embora às vezes também seja empregado por praticantes de jazz diretos, por exemplo, Martin Taylor. A melodia de acordes é muitas vezes tocada com uma palheta (ver Tal Farlow, George Benson e outros); enquanto o fingerstyle, praticado por Joe Pass, George van Eps, Ted Greene, Robert Conti, Lenny Breau ou a palhetada híbrida praticada por Ed Bickert, Laszlo Sirsom e outros permite uma abordagem polifônica mais complexa para solos desacompanhados.
"Soprando" ou solo de nota única
Charlie Christian e Django Reinhardt são geralmente considerados como os primeiros a usar o violão para tocar melodias e improvisações sobre outros instrumentos, o primeiro usando uma forma inicial de amplificação, o último tocando vigorosamente em um violão. Ao longo dos anos, os guitarristas de jazz conseguiram solo em idiomas de jazz padrão, como bebop, cool jazz e assim por diante, ao mesmo tempo em que absorvem influências de guitarristas de rock, como o uso de efeitos eletrônicos.
Solos de acordes
Os guitarristas de jazz não se limitam à improvisação de uma única nota. Ao trabalhar com acompanhamento, solos de acordes são criados improvisando acordes (harmonia) e melodia simultaneamente, geralmente no registro superior nas cordas 1,2,3 e 4. Wes Montgomery era conhecido por tocar refrões sucessivos em notas únicas, depois oitavas e finalmente um solo de acordes - isso pode ser ouvido em sua improvisação no padrão Lover Man (Oh, Where Can You Be?). Ao tocar sem acompanhamento, os guitarristas de jazz podem criar solos de acordes tocando baixo, melodia e acordes, individualmente ou simultaneamente, em qualquer ou todas as cordas - como o trabalho de Lenny Breau, Joe Pass, Martin Taylor e outros. Essa técnica também pode ser incorporada em solos desacompanhados: por exemplo, as "improvisações" de Django Reinhardt, como ele chamava suas peças solo.