Filme musical
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Filme musical é um gênero cinematográfico no qual as canções dos personagens se entrelaçam na narrativa, às vezes acompanhadas de dança. As canções geralmente avançam no enredo ou desenvolvem os personagens do filme, mas, em alguns casos, servem apenas como quebras no enredo, geralmente como elaborados "números de produção".
O filme musical foi um desenvolvimento natural do musical de palco após o surgimento da tecnologia do filme sonoro. Normalmente, a maior diferença entre o cinema e os musicais de palco é o uso de cenários luxuosos de fundo e locações que seriam impraticáveis em um teatro. Os filmes musicais contêm caracteristicamente elementos reminiscentes do teatro; os artistas geralmente tratam seus números de música e dança como se um público ao vivo estivesse assistindo. De certa forma, o espectador se torna o público diegético, pois o performer olha diretamente para a câmera e representa para ela.
Com o advento do som no final da década de 1920, os musicais ganharam popularidade com o público e são exemplificados pelos filmes de Busby Berkeley, um coreógrafo conhecido por seus cenários distintos e elaborados com várias dançarinas. Esses números de produção pródigos são tipificados por seu trabalho coreográfico em 42nd Street, Gold Diggers of 1933, Footlight Parade (todos de 1933). Durante a década de 1930, os filmes musicais de Fred Astaire e Ginger Rogers tornaram-se grandes atrações culturais aos olhos do público americano. Esses filmes incluem Top Hat (1935), Follow the Fleet, Swing Time (ambos de 1936) e Shall We Dance (1937). O Mágico de Oz (1939), de Victor Fleming, se tornaria um marco para o cinema musical ao experimentar novas tecnologias, como o Technicolor.
Durante as décadas de 1940 e 1950, os filmes musicais dos musicais da MGM estreavam regularmente. Essas obras incluem: Meet Me in St. Louis (1944), Easter Parade (1948), On the Town (1949), Um americano em Paris (1951), Singin' in the Rain (1952), The Band Wagon (1953), High Society (1956) e Gigi (1958). Durante esse tempo, filmes fora da unidade de Arthur Freed na MGM incluíram Holiday Inn (1942), White Christmas (1954) e Funny Face (1957), bem como Oklahoma! (1955), O Rei e Eu (1956), Carrossel e Pacífico Sul (1958). Esses filmes da época normalmente contavam com o poder estelar de estrelas de cinema como Fred Astaire, Gene Kelly, Bing Crosby, Frank Sinatra, Judy Garland, Ann Miller, Kathryn Grayson e Howard Keel. Eles também contaram com diretores de cinema como Stanley Donen e Vincente Minnelli, bem como compositores Comden e Green, Rodgers e Hammerstein, Irving Berlin, Cole Porter e os irmãos Gershwin.
Durante a década de 1960, os filmes baseados em musicais teatrais continuaram a ser sucessos de crítica e bilheteria. Esses filmes incluíram West Side Story (1961), Gypsy (1962), The Music Man (1962), Bye Bye Birdie (1963), My Fair Lady, Mary Poppins (ambos 1964), The Sound of Music (1965), Aconteceu uma coisa engraçada no caminho para o fórum, Como ter sucesso nos negócios sem realmente tentar, Toroughly Modern Millie (todos de 1967), Oliver! e Funny Girl (ambos de 1968). Na década de 1970, a cultura cinematográfica e as mudanças demográficas dos espectadores colocaram maior ênfase no realismo corajoso, enquanto o puro entretenimento e a teatralidade dos musicais clássicos de Hollywood eram vistos como antiquados. Apesar disso, Willy Wonka & a Fábrica de Chocolate (1971), Violinista no Telhado (1971), Cabaret (1972), 1776 (1972), Disney's Bedknobs and Broomsticks (1971) e Pete's Dragon (1977), bem como Grease e The Wiz (ambos de 1978), foram musicais mais tradicionais adaptados de shows de palco e tiveram grande sucesso de crítica e público. Ao longo das décadas de 1980 e 1990, os musicais tendiam a vir principalmente dos filmes de animação da Disney do período, de compositores e letristas, Howard Ashman, Alan Menken e Stephen Schwartz. O Renascimento da Disney começou com A Pequena Sereia de 1989, seguido por A Bela e a Fera (1991), Aladdin (1992), O Rei Leão (1994), Pocahontas (1995), O Corcunda de Notre Dame (1996), Hércules (1997) e Mulan (1998).
Desde o século 21, o gênero musical foi rejuvenescido com musicais mais sombrios, cinebiografias musicais, remakes musicais, musicais de drama épico e musicais de comédia dramática como Moulin Rouge! (2001), Chicago (2002), O Fantasma da Ópera (2004), Rent (2005), Dreamgirls, Idlewild (ambos de 2006), Across the Universe, Enchanted, Hairspray, Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet (todos 2007), Mamma Mia! (2008), Nine (2009), Os Muppets (2011), Os Miseráveis (2012), Into the Woods, Muppets Most Wanted (ambos 2014), La La Land (2016), A Bela e a Fera, O Rei do Show (ambos de 2017), Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo!, Nasce Uma Estrela, O Retorno de Mary Poppins, Bohemian Rhapsody (todos 2018), Aladdin, Rocketman, O Rei Leão (todos 2019), In the Heights, Dear Evan Hansen, Cyrano, Tick, Tick… Boom! e West Side Story (todos em 2021).
Filmes musicais de Hollywood
1930-1950: A primeira era do som clássico ou Primeira Era Musical
Os anos 1930 até o início dos anos 1950 são considerados a era de ouro do filme musical, quando a popularidade do gênero estava no auge no mundo ocidental. Branca de Neve e os Sete Anões da Disney, o primeiro longa-metragem de animação da Disney, foi um musical que ganhou um Oscar honorário para Walt Disney no 11º Oscar.
Os primeiros musicais
Curta-metragens musicais foram feitos por Lee de Forest em 1923-1924. A partir de 1926, milhares de curtas Vitaphone foram feitos, muitos apresentando bandas, vocalistas e dançarinos. Os primeiros longas-metragens com som sincronizado tinham apenas uma trilha sonora de música e efeitos sonoros ocasionais que tocavam enquanto os atores retratavam seus personagens exatamente como faziam nos filmes mudos: sem diálogos audíveis. The Jazz Singer, lançado em 1927 pela Warner Brothers, foi o primeiro a incluir uma faixa de áudio incluindo música não diegética e música diegética, mas tinha apenas uma curta sequência de diálogos falados. Este longa-metragem também foi um musical, apresentando Al Jolson cantando "Dirty Hands, Dirty Face", "Toot, Toot, Tootsie", "Blue Skies", e "minha mamãe". O historiador Scott Eyman escreveu: “Quando o filme terminou e os aplausos cresceram com as luzes das casas, a esposa de Sam Goldwyn, Frances, olhou em volta para as celebridades na multidão. Ela viu 'terror em todos os seus rostos', disse ela, como se soubessem que 'o jogo que eles jogaram por anos finalmente acabou'." Ainda assim, apenas sequências isoladas apresentadas "ao vivo" som; a maior parte do filme tinha apenas uma trilha sonora sincronizada. Em 1928, a Warner Brothers lançou outro semi-talkie de Jolson, The Singing Fool, que foi um sucesso de bilheteria. Os teatros lutaram para instalar o novo equipamento de som e contratar compositores da Broadway para escrever musicais para as telas. O primeiro longa totalmente falado, Lights of New York, incluía uma sequência musical em uma boate. O entusiasmo do público foi tão grande que em menos de um ano todos os grandes estúdios estavam produzindo exclusivamente filmes sonoros. The Broadway Melody (1929) tinha um enredo de show-biz sobre duas irmãs competindo por um encantador cantor e dançarino. Anunciado pela MGM como o primeiro "All-Talking, All-Singing, All-Dancing" longa-metragem, foi um sucesso e ganhou o Oscar de Melhor Filme em 1929. Houve uma corrida dos estúdios para contratar talentos do palco para estrelar versões luxuosamente filmadas de sucessos da Broadway. The Love Parade (Paramount 1929) estrelou Maurice Chevalier e a estreante Jeanette MacDonald, escrito pelo veterano da Broadway Guy Bolton.
A Warner Brothers produziu a primeira opereta para a tela, A Canção do Deserto em 1929. Eles não pouparam gastos e fotografaram uma grande porcentagem do filme em Technicolor. Isso foi seguido pelo primeiro longa-metragem musical totalmente colorido e falado, intitulado On with the Show (1929). O filme mais popular de 1929 foi o segundo longa-metragem totalmente colorido e falado, intitulado Gold Diggers of Broadway (1929). Este filme quebrou todos os recordes de bilheteria e permaneceu como o filme de maior bilheteria já produzido até 1939. De repente, o mercado foi inundado por musicais, revistas e operetas. Os seguintes musicais coloridos foram produzidos apenas em 1929 e 1930: The Hollywood Revue of 1929 (1929), The Show of Shows (1929), Sally (1929), The Vagabond King (1930), Follow Thru (1930), Bright Lights (1930), Golden Dawn (1930), Hold Everything (1930), The Rogue Song (1930), Song of the Flame (1930), Song of the West (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Under a Texas Moon (1930), Bride do Regimento (1930), Whoopee! (1930), Rei do Jazz (1930), Noites Vienenses (1930) e Beije-me de novo (1930). Além disso, foram lançados dezenas de recursos musicais com sequências de cores.
Hollywood lançou mais de 100 filmes musicais em 1930, mas apenas 14 em 1931. No final de 1930, o público estava saturado de musicais e os estúdios foram forçados a cortar a música dos filmes que estavam sendo lançados. Por exemplo, Life of the Party (1930) foi originalmente produzido como uma comédia musical colorida e falada. Antes de ser lançado, no entanto, as músicas foram cortadas. O mesmo aconteceu com Fifty Million Frenchmen (1931) e Manhattan Parade (1932), ambos filmados inteiramente em Technicolor. Marlene Dietrich cantou canções com sucesso em seus filmes, e Rodgers e Hart escreveram alguns filmes bem recebidos, mas até mesmo sua popularidade diminuiu em 1932. O público rapidamente passou a associar cores a musicais e, portanto, o declínio em sua popularidade também resultou em um declínio nas produções de cores.
Busby Berkeley
O gosto por musicais reviveu novamente em 1933, quando o diretor Busby Berkeley começou a aprimorar o número de dança tradicional com ideias extraídas da precisão da broca que ele havia experimentado como soldado durante a Primeira Guerra Mundial. Em filmes como 42nd Street e Gold Diggers of 1933 (1933), Berkeley coreografou uma série de filmes em seu estilo único. Os números de Berkeley normalmente começam em um palco, mas gradualmente transcendem as limitações do espaço teatral: suas rotinas engenhosas, envolvendo corpos humanos formando padrões como um caleidoscópio, nunca poderiam caber em um palco real e a perspectiva pretendida é vista de cima.
Estrelas musicais
Estrelas musicais como Fred Astaire e Ginger Rogers estavam entre as personalidades mais populares e altamente respeitadas de Hollywood durante a era clássica; a dupla Fred e Ginger foi particularmente bem-sucedida, resultando em vários filmes clássicos, como Top Hat (1935), Swing Time (1936) e Shall Nós dançamos (1937). Muitos atores dramáticos participaram de bom grado de musicais como uma forma de romper com sua classificação. Por exemplo, o multi-talentoso James Cagney originalmente alcançou a fama como cantor de palco e dançarino, mas sua escalação repetida em 'cara durão' acabou se tornando cada vez mais famosa. papéis e filmes de máfia deram a ele poucas chances de exibir esses talentos. O papel vencedor do Oscar de Cagney em Yankee Doodle Dandy (1942) permitiu que ele cantasse e dançasse, e ele o considerou um de seus melhores momentos.
Muitas comédias (e alguns dramas) incluíam seus próprios números musicais. Os Irmãos Marx' os filmes incluíam um número musical em quase todos os filmes, permitindo que os irmãos destacassem seus talentos musicais. Seu último filme, intitulado Love Happy (1949), trazia Vera-Ellen, considerada a melhor dançarina entre seus colegas e profissionais do meio século.
Da mesma forma, o comediante vaudevilliano W. C. Fields uniu forças com a atriz cômica Martha Raye e o jovem comediante Bob Hope na antologia musical da Paramount Pictures The Big Broadcast of 1938. O filme também apresentou os talentos de vários artistas musicais reconhecidos internacionalmente, incluindo: Kirsten Flagstad (soprano de ópera norueguesa), Wilfred Pelletier (maestro canadense da Metropolitan Opera Orchestra), Tito Guizar (tenor mexicano), Shep Fields conduzindo sua Rippling Rhythm Jazz Orchestra e John Serry Sr. (acordeonista ítalo-americano). Além do Oscar de Melhor Canção Original (1938), o filme ganhou o ASCAP Film and Television Award (1989) pela canção de assinatura de Bob Hope, "Thanks for the Memory".
A Unidade Libertada
Durante o final dos anos 1940 e início dos anos 1950, uma unidade de produção da Metro-Goldwyn-Mayer chefiada por Arthur Freed fez a transição dos filmes musicais antiquados, cuja fórmula se tornou repetitiva, para algo novo. (No entanto, eles também produziram remakes em Technicolor de musicais como Show Boat, que já haviam sido filmados na década de 1930.) Em 1939, Freed foi contratado como produtor associado do filme Babes in Arms . Começando em 1944 com Meet Me in St. Louis, a Freed Unit trabalhou de forma independente de seu próprio estúdio para produzir alguns dos exemplos mais populares e conhecidos do gênero. Os produtos desta unidade incluem Easter Parade (1948), On the Town (1949), An American in Paris (1951), Cantando' in the Rain (1952), The Band Wagon (1953) e Gigi (1958). Os musicais Non-Freed do estúdio incluíram Seven Brides for Seven Brothers em 1954 e High Society em 1956, e o estúdio distribuiu Guys and Bonecas em 1955.
Esta era viu estrelas musicais se tornarem nomes conhecidos, incluindo Judy Garland, Gene Kelly, Ann Miller, Donald O'Connor, Cyd Charisse, Mickey Rooney, Vera-Ellen, Jane Powell, Howard Keel e Kathryn Grayson. Fred Astaire também foi persuadido a deixar a aposentadoria para a Easter Parade e fez um retorno permanente.
Fora da MGM
Os outros estúdios de Hollywood mostraram-se igualmente hábeis em lidar com o gênero nessa época, principalmente na década de 1950. Quatro adaptações dos shows de Rodgers e Hammerstein - Oklahoma!, O Rei e Eu, Carrossel e South Pacific - foram todos sucessos, enquanto a Paramount Pictures lançou White Christmas e Funny Face, dois filmes que usaram músicas previamente escritas por Irving Berlin e os Gershwins, respectivamente. A Warner Bros. produziu Calamity Jane e A Star Is Born; o primeiro filme foi um veículo para Doris Day, enquanto o último forneceu um retorno às telonas para Judy Garland, que estava fora dos holofotes desde 1950. Enquanto isso, o diretor Otto Preminger, mais conhecido por "fotos de mensagens".;, fez Carmen Jones e Porgy and Bess, ambos estrelados por Dorothy Dandridge, considerada a primeira estrela de cinema afro-americana de primeira linha. O célebre diretor Howard Hawks também se aventurou no gênero com Os Homens Preferem as Loiras.
Nas décadas de 1960, 1970 e continuando até hoje, o filme musical tornou-se menos um gênero rentável que poderia ser invocado para sucessos infalíveis. O público para eles diminuiu e menos filmes musicais foram produzidos à medida que o gênero se tornou menos popular e mais especializado.
O musical dos anos 1960
Na década de 1960, o sucesso de crítica e bilheteria dos filmes West Side Story, Gypsy, The Music Man, Bye Bye Birdie, My Fair Lady, Mary Poppins, The Sound of Music, A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, The Jungle Book, Toroughly Modern Millie, Oliver! e Funny Girl sugeriu que o musical tradicional estava de boa saúde, enquanto os musicais de jazz do cineasta francês Jacques Demy The Umbrellas of Cherbourg e The Young Girls of Rochefort eram populares entre críticos internacionais. No entanto, os gostos musicais populares foram fortemente afetados pelo rock and roll e pela liberdade e juventude associadas a ele, e de fato Elvis Presley fez alguns filmes que foram equiparados aos musicais antigos em termos de forma. A Hard Day's Night e Help!, estrelando os Beatles, foram ousados. A maioria dos filmes musicais dos anos 1950 e 1960, como Oklahoma! e The Sound of Music, foram adaptações diretas ou reencenações de produções teatrais de sucesso. Os musicais de maior sucesso da década de 1960 criados especificamente para o cinema foram Mary Poppins e O Livro da Selva, dois dos maiores sucessos da Disney de todos os tempos.
O fenomenal desempenho de bilheteria de A Noviça Rebelde deu aos principais estúdios de Hollywood mais confiança para produzir musicais longos e de grande orçamento. Apesar do sucesso retumbante de alguns desses filmes, Hollywood também produziu um grande número de fracassos musicais no final dos anos 1960 e início dos anos 1970, que pareciam julgar seriamente mal o gosto do público. Os filmes sem sucesso comercial e/ou crítico incluíram Camelot, Finian's Rainbow, Hello Dolly!, Sweet Charity i>, Doutor Dolittle, Meio Seis Pence, O Milionário Mais Feliz, Estrela!, Querida Lili , Adeus, Sr. Chips, Pinte sua carroça, Canção da Noruega, Em um dia claro, você pode ver Forever, Man of La Mancha, Lost Horizon e Mame. Coletiva e individualmente, essas falhas afetaram a viabilidade financeira de vários grandes estúdios.
Década de 1970
Na década de 1970, a cultura cinematográfica e as mudanças demográficas dos espectadores colocaram maior ênfase no realismo corajoso, enquanto o puro entretenimento e a teatralidade dos musicais da era clássica de Hollywood eram vistos como antiquados. Apesar disso, Fiddler on the Roof e Cabaret foram musicais mais tradicionais adaptados de shows de palco e tiveram grande sucesso de crítica e público. A mudança dos costumes culturais e o abandono do Código Hays em 1968 também contribuíram para a mudança de gosto do público cinematográfico. O filme de 1973 de Andrew Lloyd Webber e Jesus Christ Superstar de Tim Rice foi recebido com algumas críticas por grupos religiosos, mas foi bem recebido. Em meados da década de 1970, os cineastas evitavam o gênero em favor do uso de músicas de bandas populares de rock ou pop como música de fundo, em parte na esperança de vender um álbum de trilha sonora para os fãs. The Rocky Horror Picture Show foi lançado originalmente em 1975 e foi um fracasso crítico até que começou a ser exibido à meia-noite na década de 1980, onde alcançou o status de culto. 1976 viu o lançamento do musical cômico de baixo orçamento, The First Nudie Musical, lançado pela Paramount. A versão cinematográfica de Grease de 1978 foi um sucesso estrondoso; suas canções eram composições originais feitas no estilo pop dos anos 1950. No entanto, a sequência Grease 2 (lançada em 1982) fracassou nas bilheterias. Filmes sobre artistas que incorporaram drama corajoso e números musicais entrelaçados como uma parte diegética do enredo foram produzidos, como Lady Sings the Blues, All That Jazz e Nova York, Nova York. Alguns musicais feitos na Grã-Bretanha experimentaram a forma, como Oh! What a Lovely War (lançado em 1969), Bugsy Malone de Alan Parker e Tommy e Lisztomania.
Vários filmes musicais ainda estavam sendo feitos e tiveram menos sucesso financeiro e/ou crítico do que no auge do musical. Eles incluem 1776, The Wiz, At Long Last Love, Mame, Man of La Mancha, Lost Horizon, Godspell, Fantasma do Paraíso, Funny Lady (Barbra Streisand' s sequela de Funny Girl), A Little Night Music e Hair entre outros. A ira da crítica contra At Long Last Love, em particular, foi tão forte que nunca foi lançado em home video. Filmes musicais de fantasia Scrooge, O Pássaro Azul, O Pequeno Príncipe, Willy Wonka & the Chocolate Factory, Pete's Dragon e Disney's Bedknobs and Broomsticks também foram lançados na década de 1970, este último ganhando a Academia Prêmio de Melhores Efeitos Visuais.
1980 a 1990
Na década de 1980, os financiadores ficaram cada vez mais confiantes no gênero musical, em parte impulsionados pela relativa saúde do musical na Broadway e no West End de Londres. As produções dos anos 1980 e 1990 incluíram The Apple, Xanadu, The Blues Brothers, Annie, Monty Python's The Meaning of Life, O melhor puteiro do Texas, Victor/Victoria, Footloose, Fast Forward, A Chorus Line, Little Shop of Horrors, Forbidden Zone, Absolute Beginners, Labirinto, Evita e Todo mundo diz que eu te amo. No entanto, Can't Stop the Music, estrelando o Village People, foi uma tentativa calamitosa de ressuscitar o musical antigo e foi lançado para a indiferença do público em 1980. Little Shop of Horrors foi baseado em uma adaptação musical off-Broadway de um filme de Roger Corman de 1960, um precursor de adaptações posteriores de filme para palco para filme, incluindo The Producers.
Muitos filmes de animação da época – predominantemente da Disney – incluíam números musicais tradicionais. Howard Ashman, Alan Menken e Stephen Schwartz tiveram experiência anterior em teatro musical e escreveram canções para filmes de animação nessa época, suplantando os burros de carga da Disney, os irmãos Sherman. Começando com A Pequena Sereia de 1989, o Renascimento da Disney deu nova vida ao filme musical. Outros musicais animados de sucesso incluem Aladdin, O Corcunda de Notre Dame e Pocahontas da própria Disney, O Pesadelo Antes do Natal da divisão da Disney Touchstone Pictures, O Príncipe do Egito da DreamWorks, Anastasia da Fox e Don Bluth e South Park: Bigger, Longer & Sem cortes da Paramount. (A Bela e a Fera e O Rei Leão foram adaptados para o palco após seu sucesso de bilheteria.)
2000-agora: A segunda era clássica ou Nova Era Musical
Musicais do século 21 ou New Age
No século 21, os musicais de cinema renasceram com musicais mais sombrios, cinebiografias musicais, musicais de drama épico e musicais de comédia dramática como Moulin Rouge!, Chicago, Walk the Line, Dreamgirls, Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet, Os Miseráveis, La La Land e West Side Story; todos eles ganharam o Globo de Ouro de Melhor Filme – Musical ou Comédia em seus respectivos anos, enquanto filmes como O Fantasma da Ópera, Hairspray, Mamma Mia!, Nine, Into the Woods, O Rei do Show, O Retorno de Mary Poppins, Rocketman, Cyrano e Tick, Tick... Boom! foram apenas indicados. Chicago também foi o primeiro musical desde Oliver! a ganhar o Oscar de Melhor Filme.
O documentário de Joshua Oppenheimer, indicado ao Oscar The Act of Killing, pode ser considerado um musical de não-ficção.
Uma tendência musical específica foi o número crescente de musicais de jukebox baseados em músicas de vários artistas pop/rock nas telonas, alguns dos quais baseados em shows da Broadway. Exemplos de filmes musicais jukebox baseados na Broadway incluem Mamma Mia! (ABBA), Rock of Ages e Sunshine on Leith (The Proclaimers). Os originais incluíam Across the Universe (The Beatles), Moulin Rouge! (vários sucessos pop), Idlewild (Outkast) e Yesterday (Os Beatles).
A Disney também voltou aos musicais com Encantada, A Princesa e o Sapo, Enrolados, Winnie the Pooh, Os Muppets, Frozen, Os Muppets Mais Procurados, Caminhos da Floresta, Moana, O Retorno de Mary Poppins, Frozen II e Encanto. Após uma série de sucessos com adaptações de fantasia de ação ao vivo de vários de seus recursos animados, a Disney produziu uma versão de ação ao vivo de A Bela e a Fera, o primeiro deste pacote de adaptação de fantasia de ação ao vivo a ser um completo fora musical e apresenta novas canções, bem como novas letras para o número de Gaston e a reprise da canção-título. O segundo filme deste pacote de adaptação de fantasia de ação ao vivo para ser um musical completo foi Aladdin e apresenta novas canções. O terceiro filme deste pacote de adaptação de fantasia de ação ao vivo para ser um musical completo foi O Rei Leão e apresenta novas canções. A Pixar também produziu Coco, o primeiro filme musical animado por computador da empresa. Outros filmes musicais de animação incluem Rio, Rio 2, O Livro da Vida, Trolls, Sing, Smallfoot, UglyDolls, Trolls World Tour e Sing 2.
As cinebiografias sobre artistas da música e showmen também eram populares no século 21. Exemplos incluem 8 Mile (Eminem), Ray (Ray Charles), Walk the Line (Johnny Cash e June Carter), La Vie en Rose (Édith Piaf), Notorious (Biggie Smalls), Jersey Boys (The Four Seasons) Love & Mercy (Brian Wilson), CrazySexyCool: The TLC Story (TLC), Aaliyah: A princesa do R&B (Aaliyah), Vamos lá Up (James Brown), Whitney (Whitney Houston), Straight Outta Compton (N.W.A), O Rei do Show (P. T. Barnum), Bohemian Rhapsody (Freddie Mercury), The Dirt (Mötley Crüe), Judy (Judy Garland), Rocketman (Elton John) e Elvis (Elvis Presley). Arrecadando mais de US$ 900 milhões nas bilheterias, Bohemian Rhapsody é o filme biográfico musical de maior sucesso comercial.
O diretor Damien Chazelle criou um filme musical chamado La La Land, estrelado por Ryan Gosling e Emma Stone. O objetivo era reintroduzir o estilo jazz tradicional de números musicais com influências da Era de Ouro de Hollywood e dos musicais franceses de Jacques Demy, ao mesmo tempo em que incorporava uma visão contemporânea/moderna da história e dos personagens com equilíbrio em números de fantasia e realidade fundamentada. Ele recebeu 14 indicações no 89º Oscar, empatando o recorde de mais indicações com All About Eve (1950) e Titanic (1997), e ganhou o prêmio de Melhor Diretor, Melhor Atriz, Melhor Fotografia, Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Canção Original e Melhor Design de Produção.
Ao vivo! eventos de televisão
Em 2013, a NBC produziu The Sound of Music Live! como parte de seu esforço para expandir os eventos de entretenimento ao vivo, que se tornou uma tradição anual de adaptações de musicais de palco, criados especificamente como eventos de televisão ao vivo. Os anos seguintes apresentaram Peter Pan Live!, The Wiz Live!, Hairspray Live!, Jesus Christ Superstar Live!, Dra. Seuss' The Grinch Musical Live! e Annie Live!. A ABC e a Fox também produziram eventos semelhantes, incluindo The Little Mermaid Live!, Grease Live!, A Christmas Story Live! e Aluguel: Vivo.
Filmes musicais indianos
Uma exceção ao declínio do filme musical é o cinema indiano, especialmente a indústria cinematográfica de Bollywood baseada em Mumbai (antiga Bombaim), onde a maioria dos filmes foram, e ainda são, musicais. A maioria dos filmes produzidos na indústria Tamil, baseada em Chennai (anteriormente Madras), a indústria Sandalwood, baseada em Bangalore, a indústria Telugu, baseada em Hyderabad, e a indústria Malayalam também são musicais.
Apesar da exceção de quase todos os filmes indianos serem musicais e da Índia produzir o maior número de filmes do mundo (formado em 1913), o primeiro filme de Bollywood a ser um musical completo, Dev D (dirigido de Anurag Kashyap), veio em 2009. O segundo filme musical a seguir foi Jagga Jasoos (dirigido por Anurag Basu), em 2017.
Primeiros filmes sonoros (décadas de 1930 a 1940)
Os musicais de Bollywood têm suas raízes no teatro musical tradicional da Índia, como o teatro musical indiano clássico, o drama sânscrito e o teatro parsi. Os primeiros cineastas de Bombaim combinaram essas tradições do teatro musical indiano com o formato de filme musical que emergiu dos primeiros filmes sonoros de Hollywood. Outras influências iniciais nos cineastas de Bombaim incluíram a literatura urdu e as Arabian Nights.
O primeiro filme sonoro indiano, Alam Ara de Ardeshir Irani (1931), foi um grande sucesso comercial. Havia claramente um enorme mercado para filmes falados e musicais; Bollywood e todas as indústrias cinematográficas regionais rapidamente mudaram para a filmagem sonora.
Em 1937, Ardeshir Irani, famoso por Alam Ara, fez o primeiro filme colorido em hindi, Kisan Kanya. No ano seguinte, fez outro filme colorido, uma versão de Mãe Índia. No entanto, a cor não se tornou um recurso popular até o final dos anos 1950. Nessa época, luxuosos musicais românticos e melodramas eram a comida básica do cinema.
Era de Ouro (final dos anos 1940–1960)
Após a independência da Índia, o período do final dos anos 1940 até o início dos anos 1960 é considerado pelos historiadores do cinema como a "Era de Ouro" do cinema hindu. Alguns dos filmes hindi mais aclamados pela crítica de todos os tempos foram produzidos durante este período. Exemplos incluem Pyaasa (1957) e Kaagaz Ke Phool (1959), dirigido por Guru Dutt e escrito por Abrar Alvi, Awaara (1951) e Shree 420 (1955), dirigido por Raj Kapoor e escrito por Khwaja Ahmad Abbas, e Aan (1952), dirigido por Mehboob Khan e estrelado por Dilip Kumar. Esses filmes expressavam temas sociais relacionados principalmente com a vida da classe trabalhadora na Índia, particularmente a vida urbana nos dois primeiros exemplos; Awaara apresentou a cidade como um pesadelo e um sonho, enquanto Pyaasa criticou a irrealidade da vida na cidade.
Mehboob Khan's Mother India (1957), um remake de seu anterior Aurat (1940), foi o primeiro filme indiano a ser indicado para a Academia Prêmio de Melhor Filme Estrangeiro, que perdeu por um único voto. Mãe Índia também foi um filme importante que definiu as convenções do cinema hindi por décadas.
Na década de 1960 e início da década de 1970, a indústria era dominada por filmes musicais de romance com personagens de "heróis românticos". leva, sendo o mais popular Rajesh Khanna. Outros atores durante este período incluem Shammi Kapoor, Jeetendra, Sanjeev Kumar e Shashi Kapoor, e atrizes como Sharmila Tagore, Mumtaz, Saira Banu, Helen e Asha Parekh.
Bollywood clássico (décadas de 1970 a 1980)
No início da década de 1970, o cinema hindi vivia uma estagnação temática, dominada por filmes musicais de romance. A chegada da dupla de roteiristas Salim-Javed, composta por Salim Khan e Javed Akhtar, marcou uma mudança de paradigma, revitalizando a indústria. Eles começaram o gênero de filmes violentos e violentos do submundo de Bombaim no início dos anos 1970, com filmes como Zanjeer (1973) e Deewaar (1975).
A década de 1970 também foi quando o nome "Bollywood" foi cunhado e quando as convenções por excelência dos filmes comerciais de Bollywood foram estabelecidas. A chave para isso foi o surgimento do gênero de filme masala, que combina elementos de vários gêneros (ação, comédia, romance, drama, melodrama, musical). O filme masala foi lançado no início dos anos 1970 pelo cineasta Nasir Hussain, junto com a dupla de roteiristas Salim-Javed, pioneira no formato de sucesso de bilheteria de Bollywood. Yaadon Ki Baarat (1973), dirigido por Hussain e escrito por Salim-Javed, foi identificado como o primeiro filme masala e o "primeiro" quintessencialmente "Bollywood" filme. Salim-Javed escreveu filmes masala de maior sucesso nas décadas de 1970 e 1980. Os filmes de Masala transformaram Amitabh Bachchan na maior estrela de cinema de Bollywood dos anos 1970 e 1980. Um marco para o gênero cinematográfico masala foi Amar Akbar Anthony (1977), dirigido por Manmohan Desai e escrito por Kader Khan. Manmohan Desai passou a explorar com sucesso o gênero nas décadas de 1970 e 1980.
Junto com Bachchan, outros atores populares dessa época incluíam Feroz Khan, Mithun Chakraborty, Naseeruddin Shah, Jackie Shroff, Sanjay Dutt, Anil Kapoor e Sunny Deol. As atrizes dessa época incluíam Hema Malini, Jaya Bachchan, Raakhee, Shabana Azmi, Zeenat Aman, Parveen Babi, Rekha, Dimple Kapadia, Smita Patil, Jaya Prada e Padmini Kolhapure.
Nova Bollywood (década de 1990 até o presente)
No final dos anos 1980, o cinema hindi experimentou outro período de estagnação, com declínio na bilheteria, devido ao aumento da violência, declínio da qualidade melódica musical e aumento da pirataria de vídeos, levando o público familiar de classe média a abandonar os cinemas. A virada veio com Qayamat Se Qayamat Tak (1988), dirigido por Mansoor Khan, escrito e produzido por seu pai Nasir Hussain, e estrelado por seu primo Aamir Khan com Juhi Chawla. Sua mistura de juventude, entretenimento saudável, quocientes emocionais e melodias fortes atraíram o público familiar de volta à tela grande. Ele estabeleceu um novo modelo para filmes de romance musical de Bollywood que definiram o cinema hindi na década de 1990.
O período do cinema hindi a partir da década de 1990 é conhecido como "Novo Bollywood" cinema, ligada à liberalização econômica na Índia durante o início dos anos 1990. No início dos anos 1990, o pêndulo voltou-se para os musicais românticos centrados na família. Qayamat Se Qayamat Tak foi seguido por blockbusters como Maine Pyar Kiya (1989), Chandni (1989), Hum Aapke Hain Kaun (1994), Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995), Raja Hindustani (1996), Dil To Pagal Hai (1997), Pyaar To Hona Hi Tha (1998) e Kuch Kuch Hota Hai (1998). Uma nova geração de atores populares surgiu, como Aamir Khan, Aditya Pancholi, Ajay Devgan, Akshay Kumar, Salman Khan (filho de Salim Khan) e Shahrukh Khan, e atrizes como Madhuri Dixit, Sridevi, Juhi Chawla, Meenakshi Seshadri, Manisha Koirala, Kajol e Karisma Kapoor.
Desde a década de 1990, as três maiores estrelas do cinema de Bollywood são os "Três Khans": Aamir Khan, Shah Rukh Khan e Salman Khan. Juntos, eles estrelaram a maioria dos dez filmes de Bollywood de maior bilheteria. Os três Khans tiveram carreiras de sucesso desde o final dos anos 1980 e dominaram as bilheterias indianas desde os anos 1990, ao longo de três décadas.
Influência nos filmes de faroeste (anos 2000–presente)
Baz Luhrmann afirmou que seu filme musical de sucesso Moulin Rouge! (2001) foi diretamente inspirado pelos musicais de Bollywood. O filme é uma homenagem à Índia, incorporando uma peça com tema indiano e uma sequência de dança no estilo de Bollywood com uma música do filme China Gate. O sucesso financeiro e de crítica de Moulin Rouge! renovou o interesse pelo então moribundo gênero musical ocidental de ação ao vivo e, subsequentemente, filmes como Chicago, The Producers, Rent, Dreamgirls e Hairspray foram produzidos, alimentando um renascimento do gênero.
The Guru e The 40-Year-Old Virgin também apresentam sequências de música e dança no estilo indiano; o musical de Bollywood Lagaan (2001) foi indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro; dois outros filmes de Bollywood Devdas (2002) e Rang De Basanti (2006) foram indicados ao Prêmio BAFTA de Melhor Filme Não em Língua Inglesa; e o vencedor do Oscar de Danny Boyle Slumdog Millionaire (2008) também apresenta um número de música e dança no estilo de Bollywood durante os créditos finais do filme, Tallika (2022) foi o primeiro filme com o máximo de gêneros musicais compostos por Maharaja e registrado como recordista mundial em música,
Filmes musicais espanhóis
A Espanha tem uma história e tradição de filmes musicais feitos independentemente da influência de Hollywood. Os primeiros filmes surgem durante a Segunda República Espanhola da década de 1930 e o advento do cinema sonoro. Algumas zarzuelas (opereta espanhola) foram até adaptadas como roteiros durante a era do cinema mudo. O início do musical espanhol foi focado em arquétipos espanhóis românticos: aldeias e paisagens andaluzas, ciganos, "bandoleros" e copla e outras canções folclóricas populares incluídas no desenvolvimento da história. Esses filmes tiveram ainda mais sucesso de bilheteria do que as estreias de Hollywood na Espanha. As primeiras estrelas do cinema espanhol vieram do gênero musical: Imperio Argentina, Estrellita Castro, Florián Rey (diretor) e, posteriormente, Lola Flores, Sara Montiel e Carmen Sevilla. O musical espanhol começou a se expandir e crescer. Estrelas juvenis aparecem e lideram as bilheterias. Marisol, Joselito, Pili & Mili e Rocío Dúrcal foram as principais figuras dos filmes musicais dos anos 1960 a 1970. Devido à transição espanhola para a democracia e à ascensão da "cultura Movida", o gênero musical caiu em produção e bilheteria, salvo apenas por Carlos Saura e seus filmes musicais de flamenco.
Filme musical soviético sob Stalin
Ao contrário dos filmes musicais de Hollywood e Bollywood, popularmente identificados com o escapismo, o musical soviético era antes de tudo uma forma de propaganda. Vladimir Lenin disse que o cinema era "a mais importante das artes". Seu sucessor, Joseph Stalin, também reconheceu o poder do cinema na divulgação eficiente da doutrina do Partido Comunista. Os filmes eram muito populares na década de 1920, mas era o cinema estrangeiro que dominava o mercado cinematográfico soviético. Os filmes da Alemanha e dos Estados Unidos mostraram-se mais divertidos do que os dramas históricos do diretor soviético Sergei Eisenstein. Na década de 1930, ficou claro que, se o cinema soviético quisesse competir com seus equivalentes ocidentais, teria de dar ao público o que ele queria: o glamour e a fantasia que recebiam de Hollywood. O filme musical, surgido na época, personificava a combinação ideal de entretenimento e ideologia oficial.
Uma luta entre o riso pelo riso e o entretenimento com uma mensagem ideológica clara definiria a idade de ouro do musical soviético das décadas de 1930 e 1940. O então chefe da indústria cinematográfica, Boris Shumyatsky, procurou imitar o método de produção da correia transportadora de Hollywood, chegando a sugerir o estabelecimento de uma Hollywood soviética.
Os amigos alegres
Em 1930, o estimado diretor de cinema soviético Sergei Eisenstein foi para os Estados Unidos com o também diretor Grigori Aleksandrov para estudar o processo de filmagem de Hollywood. Os filmes americanos tiveram grande impacto em Aleksandrov, principalmente os musicais. Ele voltou em 1932 e em 1934 dirigiu The Jolly Fellows, o primeiro musical soviético. O filme foi leve no enredo e focado mais na comédia e nos números musicais. Os funcionários do partido inicialmente receberam o filme com grande hostilidade. Aleksandrov defendeu seu trabalho argumentando a noção de riso pelo riso. Finalmente, quando Aleksandrov mostrou o filme a Stalin, o líder decidiu que os musicais eram um meio eficaz de espalhar propaganda. Mensagens como a importância do trabalho coletivo e histórias da pobreza para a riqueza se tornariam os enredos da maioria dos musicais soviéticos.
"Filmes para milhões"
O sucesso de The Jolly Fellows garantiu um lugar no cinema soviético para o formato musical, mas Shumyatsky imediatamente estabeleceu diretrizes rígidas para garantir que os filmes promovessem os valores comunistas. O decreto de Shumyatsky "Filmes para milhões" exigiu tramas, personagens e montagem convencionais para retratar com sucesso o Realismo Socialista (a glorificação da indústria e da classe trabalhadora) no filme.
A primeira mistura bem-sucedida de mensagem social e entretenimento foi Aleksandrov's Circus (1936). Ele estrelou sua esposa, Lyubov Orlova (uma cantora de ópera que também apareceu em The Jolly Fellows) como uma artista de circo americana que tem que imigrar dos Estados Unidos para a URSS porque tem um filho mestiço., que ela teve com um homem negro. Em meio a luxuosas produções musicais, ela finalmente encontra amor e aceitação na URSS, transmitindo a mensagem de que a tolerância racial só pode ser encontrada na União Soviética.
A influência da coreografia de Busby Berkeley na direção de Aleksandrov pode ser vista no número musical que antecede o clímax. Outra referência mais óbvia a Hollywood é o imitador de Charlie Chaplin, que fornece alívio cômico ao longo do filme. Quatro milhões de pessoas em Moscou e Leningrado foram ver Circus durante seu primeiro mês nos cinemas.
Outro dos filmes mais populares de Aleksandrov foi The Bright Path (1940). Esta foi uma reformulação do conto de fadas Cinderela ambientado na União Soviética contemporânea. A Cinderela da história foi novamente Orlova, que nessa época era a estrela mais popular da URSS. Era um conto de fantasia, mas a moral da história era que uma vida melhor vem do trabalho duro. Enquanto em Circus os números musicais envolviam dança e espetáculo, em Bright Path o único tipo de coreografia é o movimento de máquinas de fábrica. A música se limitava ao canto de Orlova. Aqui, o trabalho proporcionava o espetáculo.
Ivan Pyryev
O outro diretor de filmes musicais foi Ivan Pyryev. Ao contrário de Aleksandrov, o foco dos filmes de Pyryev era a vida nas fazendas coletivas. Seus filmes, Tractor Drivers (1939), The Swineherd and the Shepherd (1941), e seu mais famoso, Cossacks of the Kuban (1949) todos estrelados por sua esposa, Marina Ladynina. Como em Bright Path de Aleksandrov, a única coreografia era o trabalho que os personagens estavam fazendo no filme. Até as canções eram sobre as alegrias de trabalhar.
Em vez de ter uma mensagem específica para qualquer um de seus filmes, Pyryev promoveu o slogan de Stalin "a vida tornou-se melhor, a vida tornou-se mais alegre". Às vezes, essa mensagem contrastava fortemente com a realidade da época. Durante as filmagens de Cossacks of the Kuban, a União Soviética estava passando por uma fome pós-guerra. Na verdade, os atores que cantavam sobre uma época de prosperidade estavam famintos e desnutridos. Os filmes, no entanto, forneceram escapismo e otimismo para o público.
Volga-Volga
O filme mais popular da breve era dos musicais stalinistas foi o filme de Alexandrov de 1938 Volga-Volga. A estrela, novamente, era Lyubov Orlova e o filme apresentava canto e dança, nada tendo a ver com o trabalho. É o mais incomum de seu tipo. O enredo envolve uma história de amor entre dois indivíduos que querem tocar música. Eles não representam os valores soviéticos, pois seu foco está mais em sua música do que em seus empregos. As piadas zombam das autoridades e da burocracia locais. Não há glorificação da indústria, pois ela ocorre em uma pequena aldeia rural. O trabalho também não é glorificado, já que a trama gira em torno de um grupo de aldeões que aproveita as férias para fazer uma viagem pelo Volga e pelo Canal de Moscou para se apresentar em Moscou. O filme pode ser visto como uma glorificação do canal de Moscou sem qualquer indício de que o canal foi construído por prisioneiros do Gulag.
O Volga-Volga seguiu os princípios estéticos do Realismo Socialista em vez dos princípios ideológicos. Tornou-se o filme favorito de Stalin e ele o deu de presente ao presidente Roosevelt durante a Segunda Guerra Mundial. É outro exemplo de um dos filmes que diziam que a vida é melhor. Lançado no auge dos expurgos de Stalin, proporcionou escapismo e uma ilusão reconfortante para o público.
Listas de filmes musicais
- Veja Lista de filmes musicais por ano para uma lista de filmes musicais em ordem cronológica.
- Veja Lista de filmes de Bollywood para uma lista de filmes musicais de Bollywood.
- Veja Lista de filmes baseados em peças teatrais ou musicais para uma lista de filmes musicais baseados em produções teatrais.
- Veja a lista de musicais de maior bilheteria para os filmes musicais de maior bilheteria.
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