Edvard Munch

Edvard Munch (MUUNK, Norueguês:[substantivo] (Ouça.); 12 de dezembro de 1863 - 23 de janeiro de 1944) foi um pintor norueguês. O seu trabalho mais conhecido, O Grito (1893), tornou-se uma das imagens mais icônicas da arte ocidental.

Sua infância foi ofuscada por doenças, luto e medo de herdar uma condição mental que ocorria na família. Estudando na Royal School of Art and Design em Kristiania (hoje Oslo), Munch começou a viver uma vida boêmia sob a influência do niilista Hans Jæger, que o incentivou a pintar seu próprio estado emocional e psicológico (&# 39;pintura da alma'). A partir disso surgiu seu estilo distinto.

As viagens trouxeram novas influências e saídas. Em Paris, ele aprendeu muito com Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec, especialmente o uso da cor. Em Berlim, ele conheceu o dramaturgo sueco August Strindberg, a quem pintou, ao embarcar em uma grande série de pinturas que mais tarde chamaria de O Friso da Vida, retratando uma série de temas profundamente sentidos, como amor, ansiedade, ciúme e traição, impregnados de atmosfera.

The Scream foi concebido em Kristiania. Segundo Munch, ele estava caminhando ao pôr do sol, quando "ouviu o enorme e infinito grito da natureza". O rosto agoniado da pintura é amplamente identificado com a angústia da pessoa moderna. Entre 1893 e 1910, realiza duas versões pintadas e duas a pastel, além de várias gravuras. Um dos pastéis acabaria por comandar o quarto preço nominal mais alto pago por uma pintura em leilão.

Conforme sua fama e riqueza cresciam, seu estado emocional permanecia inseguro. Ele considerou brevemente o casamento, mas não podia se comprometer. Um colapso mental em 1908 o forçou a parar de beber muito, e ele ficou animado com sua crescente aceitação pelo povo de Kristiania e exposição nos museus da cidade. Seus últimos anos foram passados trabalhando em paz e privacidade. Embora suas obras tenham sido proibidas na Europa ocupada pelos nazistas, a maioria delas sobreviveu à Segunda Guerra Mundial, garantindo-lhe um legado.

Vida

Infância

Edvard Munch nasceu em uma fazenda na vila de Ådalsbruk em Løten, Noruega, filho de Laura Catherine Bjølstad e Christian Munch, filho de um padre. Christian era um médico e oficial médico que se casou com Laura, uma mulher com metade de sua idade, em 1861. Edvard tinha uma irmã mais velha, Johanne Sophie, e três irmãos mais novos: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura era artisticamente talentosa e pode ter encorajado Edvard e Sophie. Edvard era parente do pintor Jacob Munch e do historiador Peter Andreas Munch.

A família mudou-se para Christiania (rebatizada de Kristiania em 1877, e agora Oslo) em 1864, quando Christian Munch foi nomeado oficial médico da Fortaleza de Akershus. A mãe de Edvard morreu de tuberculose em 1868, assim como a irmã favorita de Munch, Johanne Sophie, em 1877. Após a morte de sua mãe, os irmãos Munch foram criados por seu pai e por sua tia Karen. Freqüentemente doente durante grande parte dos invernos e mantido fora da escola, Edvard desenhava para se manter ocupado. Ele foi ensinado por seus colegas de escola e sua tia. Christian Munch também instruiu seu filho em história e literatura, e entreteve as crianças com vívidas histórias de fantasmas e contos do escritor americano Edgar Allan Poe.

Como Edvard se lembrava, o comportamento positivo de Christian em relação aos filhos foi ofuscado por seu pietismo mórbido. Munch escreveu: “Meu pai era temperamentalmente nervoso e obsessivamente religioso - a ponto de psiconeurose. Dele herdei as sementes da loucura. Os anjos do medo, da tristeza e da morte estiveram ao meu lado desde o dia em que nasci. Christian repreendeu seus filhos, dizendo-lhes que sua mãe estava olhando do céu e lamentando seu mau comportamento. O meio religioso opressivo, a saúde precária de Edvard e as histórias vívidas de fantasmas ajudaram a inspirar suas visões e pesadelos macabros; o menino sentiu que a morte avançava constantemente sobre ele. Uma das irmãs mais novas de Munch, Laura, foi diagnosticada com doença mental ainda jovem. Dos cinco irmãos, apenas Andreas se casou, mas morreu poucos meses depois do casamento. Munch escreveria mais tarde: "Eu herdei dois dos mais terríveis inimigos da humanidade - a herança do consumo e da insanidade".

O salário militar de Christian Munch era muito baixo e suas tentativas de desenvolver uma prática privada falharam, mantendo sua família em uma pobreza refinada, mas perene. Mudavam-se frequentemente de um apartamento barato para outro. Os primeiros desenhos e aquarelas de Munch representavam esses interiores e os objetos individuais, como frascos de remédios e instrumentos de desenho, além de algumas paisagens. Na adolescência, a arte dominava os interesses de Munch. Aos 13 anos, Munch teve seu primeiro contato com outros artistas na recém-formada Art Association, onde admirou o trabalho da escola paisagística norueguesa. Ele voltou a copiar as pinturas e logo começou a pintar a óleo.

Estudos e influências

Auto-retrato com braço de esqueleto, 1895, Museu Munch, Oslo

Em 1879, Munch se matriculou em uma escola técnica para estudar engenharia, onde se destacou em física, química e matemática. Aprendeu desenho em escala e perspectiva, mas doenças frequentes interromperam seus estudos. No ano seguinte, para grande decepção de seu pai, Munch deixou a faculdade determinado a se tornar um pintor. Seu pai via a arte como um "comércio profano", e seus vizinhos reagiram com amargura e enviaram-lhe cartas anônimas. Em contraste com o pietismo raivoso de seu pai, Munch adotou uma postura não dogmática em relação à arte. Ele escreveu seu objetivo em seu diário: "Em minha arte, tento explicar a vida e seu significado para mim mesmo."

Em 1881, Munch matriculou-se na Escola Real de Arte e Design de Kristiania, um de cujos fundadores foi seu parente distante Jacob Munch. Seus professores foram o escultor Julius Middelthun e o pintor naturalista Christian Krohg. Naquele ano, Munch demonstrou sua rápida absorção de sua figura treinando na academia em seus primeiros retratos, incluindo um de seu pai e seu primeiro auto-retrato. Em 1883, Munch participou de sua primeira exposição pública e dividiu um estúdio com outros alunos. Seu retrato de corpo inteiro de Karl Jensen-Hjell, um notório boêmio da cidade, ganhou a resposta desdenhosa de um crítico: “É o impressionismo levado ao extremo. É uma farsa de arte." As pinturas de nus de Munch desse período sobrevivem apenas em esboços, exceto Standing Nude (1887). Eles podem ter sido confiscados por seu pai.

O impressionismo inspirou Munch desde muito jovem. Durante esses primeiros anos, ele experimentou muitos estilos, incluindo Naturalismo e Impressionismo. Algumas das primeiras obras lembram Manet. Muitas dessas tentativas lhe renderam críticas desfavoráveis da imprensa e lhe renderam constantes repreensões de seu pai, que, no entanto, lhe fornecia pequenas quantias para despesas de subsistência. A certa altura, no entanto, o pai de Munch, talvez influenciado pela opinião negativa do primo de Munch, Edvard Diriks (um pintor tradicional estabelecido), destruiu pelo menos uma pintura (provavelmente um nu) e se recusou a avançar. mais dinheiro para materiais de arte.

Munch também recebeu a ira de seu pai por seu relacionamento com Hans Jæger, o niilista local que vivia de acordo com o código "uma paixão por destruir também é uma paixão criativa" e que defendeu o suicídio como o caminho final para a liberdade. Munch caiu sob seu feitiço malévolo e anti-sistema. “Minhas ideias se desenvolveram sob a influência dos boêmios, ou melhor, sob Hans Jæger. Muitas pessoas alegaram erroneamente que minhas ideias foram formadas sob a influência de Strindberg e dos alemães... mas isso está errado. Eles já haviam sido formados até então." Naquela época, ao contrário de muitos dos outros boêmios, Munch ainda respeitava as mulheres, além de ser reservado e bem-educado, mas começou a ceder à bebedeira e às brigas de seu círculo. Ele estava inquieto com a revolução sexual que ocorria na época e com as mulheres independentes ao seu redor. Mais tarde, ele se tornou cínico em relação a questões sexuais, expressas não apenas em seu comportamento e em sua arte, mas também em seus escritos, sendo um exemplo um longo poema chamado A cidade do amor livre. Ainda dependente de sua família para muitas de suas refeições, o relacionamento de Munch com seu pai permaneceu tenso devido às preocupações com sua vida boêmia.

Depois de inúmeras experiências, Munch concluiu que o idioma impressionista não permitia expressão suficiente. Ele achou superficial e muito semelhante à experimentação científica. Ele sentiu a necessidade de ir mais fundo e explorar situações repletas de conteúdo emocional e energia expressiva. Sob o comando de Jæger de que Munch deveria "escrever sua vida", o que significa que Munch deveria explorar seu próprio estado emocional e psicológico, o jovem artista iniciou um período de reflexão e auto-exame, registrando seus pensamentos em seu "diário da alma". Essa perspectiva mais profunda ajudou a movê-lo para uma nova visão de sua arte. Ele escreveu que sua pintura The Sick Child (1886), baseada na morte de sua irmã, foi sua primeira "pintura da alma", sua primeira ruptura com o impressionismo. A pintura recebeu uma resposta negativa da crítica e de sua família, e causou outra "violenta explosão de indignação moral" da comunidade.

Apenas seu amigo Christian Krohg o defendeu:

Ele pinta, ou melhor, as coisas de uma maneira que é diferente da de outros artistas. Ele vê apenas o essencial, e que, naturalmente, é tudo o que pinta. Por esta razão as fotos de Munch são como uma regra "não completa", como as pessoas estão tão encantadas de descobrir por si mesmos. Sim, estão completos. Sua obra completa. A arte é completa uma vez que o artista realmente disse tudo o que estava em sua mente, e esta é precisamente a vantagem que Munch tem sobre os pintores da outra geração, que ele realmente sabe como nos mostrar o que ele sentiu, e o que o prendeu, e para isso ele subordina tudo o resto.

Munch continuou a empregar uma variedade de técnicas de pinceladas e paletas de cores ao longo da década de 1880 e início da década de 1890, enquanto lutava para definir seu estilo. Seu idioma continuou a oscilar entre o naturalista, como visto no Retrato de Hans Jæger, e o impressionista, como na Rue Lafayette. Seu Inger On the Beach (1889), que causou outra tempestade de confusão e controvérsia, sugere formas simplificadas, contornos pesados, contrastes nítidos e conteúdo emocional de seu estilo maduro por vir. Ele começou a calcular cuidadosamente suas composições para criar tensão e emoção. Embora estilisticamente influenciado pelos pós-impressionistas, o que evoluiu foi um assunto de conteúdo simbolista, retratando um estado de espírito em vez de uma realidade externa. Em 1889, Munch apresentou sua primeira exposição individual de quase todas as suas obras até o momento. O reconhecimento que recebeu rendeu uma bolsa estadual de dois anos para estudar em Paris com o pintor francês Léon Bonnat.

Munch parece ter sido um dos primeiros críticos da fotografia como forma de arte, e observou que ela "nunca competirá com o pincel e a paleta, até que as fotografias possam ser tiradas no céu ou no inferno!& #34;

A irmã mais nova de Munch, Laura, foi o tema de seu interior de 1899 Melancolia: Laura. Amanda O'Neill diz sobre o trabalho: "Nesta cena claustrofóbica acalorada, Munch não apenas retrata a tragédia de Laura, mas também seu próprio medo da loucura que ele pode ter herdado".

Paris

Munch chegou a Paris durante as festividades da Exposition Universelle (1889) e hospedou-se com dois colegas artistas noruegueses. Seu quadro Morning (1884) foi exibido no pavilhão norueguês. Ele passava as manhãs no movimentado estúdio de Bonnat (que incluía modelos femininas) e as tardes na exposição, galerias e museus (onde se esperava que os alunos fizessem cópias como forma de aprender técnica e observação). Munch registrou pouco entusiasmo pelas aulas de desenho de Bonnat - "Isso me cansa e me aborrece - é entorpecente" -, mas gostou dos comentários do mestre durante as viagens ao museu.

Munch ficou encantado com a vasta exibição de arte moderna europeia, incluindo as obras de três artistas que se tornariam influentes: Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec - todos notáveis por usarem cores para transmitir emoções. Munch foi particularmente inspirado pela "reação contra o realismo" de Gauguin; e seu credo de que "a arte era obra humana e não uma imitação da natureza", uma crença anteriormente declarada por Whistler. Como um de seus amigos de Berlim disse mais tarde sobre Munch, “ele não precisa ir ao Taiti para ver e experimentar o primitivo da natureza humana”. Ele carrega seu próprio Tahiti dentro dele." Influenciado por Gauguin, bem como pelas águas-fortes do artista alemão Max Klinger, Munch experimentou as impressões como meio para criar versões gráficas de suas obras. Em 1896, ele criou suas primeiras xilogravuras - um meio que se mostrou ideal para as imagens simbólicas de Munch. Juntamente com seu contemporâneo Nikolai Astrup, Munch é considerado um inovador da xilogravura na Noruega.

Em dezembro de 1889, seu pai morreu, deixando a família de Munch na miséria. Ele voltou para casa e conseguiu um grande empréstimo de um rico colecionador norueguês quando parentes ricos não ajudaram e assumiu a responsabilidade financeira por sua família a partir de então. A morte de Christian o deprimiu e ele foi atormentado por pensamentos suicidas: "Eu vivo com os mortos - minha mãe, minha irmã, meu avô, meu pai... Mate-se e então acabou." Por que viver?" As pinturas de Munch do ano seguinte incluíam cenas esboçadas de tabernas e uma série de paisagens urbanas brilhantes nas quais ele experimentou o estilo pontilhista de Georges Seurat.

Berlim

Melancolia, 1891, óleo, lápis e lápis sobre tela, 73 × 101 cm, Museu Munch, Oslo

Munch em 1902, no jardim de seu patrono Dr. Max Linde em Lübeck; no fundo é um elenco da escultura de Auguste Rodin Era de Ferro.

Em 1892, Munch formulou sua característica e original estética sintetizadora, como visto em Melancolia (1891), em que a cor é o elemento carregado de símbolos. Considerada pelo artista e jornalista Christian Krohg como a primeira pintura simbolista de um artista norueguês, Melancolia foi exibida em 1891 na Exposição de Outono de Oslo. Em 1892, Adelsteen Normann, em nome da União dos Artistas de Berlim, convidou Munch para expor em sua exposição de novembro, a primeira exposição individual da sociedade. No entanto, suas pinturas provocaram uma polêmica amarga (apelidada de "The Munch Affair") e, após uma semana, a exposição foi encerrada. Munch ficou satisfeito com a "grande comoção" e escreveu em uma carta: "Nunca me diverti tanto - é incrível que algo tão inocente quanto a pintura tenha criado tal uma agitação."

Em Berlim, Munch envolveu-se com um círculo internacional de escritores, artistas e críticos, incluindo o dramaturgo sueco e importante intelectual August Strindberg, que pintou em 1892. Ele também conheceu o escritor e pintor dinamarquês Holger Drachmann, a quem pintou em 1898. Drachmann era 17 anos mais velho que Munch e companheiro de bebida em Zum schwarzen Ferkel em 1893-94. Em 1894, Drachmann escreveu sobre Munch: “Ele luta muito. Boa sorte com suas lutas, norueguês solitário."

Durante os quatro anos que passou em Berlim, Munch esboçou a maior parte das ideias que constituiriam a sua principal obra, O Friso da Vida, concebida inicialmente para a ilustração de livros mas posteriormente expressa em pinturas. Ele vendeu pouco, mas obteve alguma renda cobrando taxas de entrada para ver suas pinturas polêmicas. Já Munch mostrava relutância em se separar de suas pinturas, que ele chamava de "filhos".

Suas outras pinturas, incluindo cenas de cassino, mostram uma simplificação de forma e detalhes que marcaram seu estilo maduro. Munch também começou a favorecer um espaço pictórico raso e um pano de fundo mínimo para suas figuras frontais. Uma vez que as poses foram escolhidas para produzir as imagens mais convincentes de estados de espírito e condições psicológicas, como em Ashes, as figuras conferem uma qualidade monumental e estática. As figuras de Munch parecem desempenhar papéis em um palco de teatro (Morte no quarto do doente), cuja pantomima de posturas fixas significam várias emoções; como cada personagem incorpora uma única dimensão psicológica, como em O Grito, os homens e mulheres de Munch começaram a parecer mais simbólicos do que realistas. Ele escreveu: "Os interiores não deveriam mais ser pintados, as pessoas lendo e as mulheres tricotando: haveria pessoas vivas, respirando e sentindo, sofrendo e amando".

O Grito

O Grito (1893), Galeria Nacional, Oslo

O Grito existe em quatro versões: dois pastéis (1893 e 1895) e duas pinturas (1893 e 1910). Existem também várias litografias de O Grito (1895 e posteriores).

O pastel 1895 foi vendido em leilão no dia 2 de maio de 2012 por US$ 119.922.500, incluindo comissão. É a mais colorida das versões e se distingue pela postura voltada para baixo de uma de suas figuras de fundo. É também a única versão não mantida por um museu norueguês.

A versão de 1893 foi roubada da National Gallery em Oslo em 1994 e foi recuperada. A pintura de 1910 foi roubada em 2004 do Munch Museum em Oslo, mas recuperada em 2006 com danos limitados.

O Grito é a obra mais famosa de Munch e uma das pinturas mais reconhecidas em toda a arte. Tem sido amplamente interpretado como representando a ansiedade universal do homem moderno. Pintado com faixas largas de cores berrantes e formas altamente simplificadas, e empregando um ponto de vista elevado, reduz a figura agonizante a um crânio vestido em meio a uma crise emocional.

Com esta pintura, Munch atingiu seu objetivo declarado de "o estudo da alma, ou seja, o estudo de meu próprio eu". Munch escreveu sobre como a pintura surgiu: “Eu estava andando na estrada com dois amigos quando o sol se pôs; de repente, o céu ficou vermelho como sangue. Parei e me encostei na cerca, me sentindo indescritivelmente cansado. Línguas de fogo e sangue se estenderam sobre o fiorde negro azulado. Meus amigos continuaram andando, enquanto eu ficava para trás, tremendo de medo. Então ouvi o enorme e infinito grito da natureza”. Mais tarde, ele descreveu a angústia pessoal por trás da pintura, "por vários anos eu estava quase louco... Você conhece minha foto, 'O Grito?' Eu fui levado ao limite - a natureza gritava em meu sangue... Depois disso, perdi a esperança de poder amar novamente."

Em 2003, comparando a pintura com outras grandes obras, a historiadora de arte Martha Tedeschi escreveu:

Mãe de Whistler, Wood's Gótico americano, Leonardo da Vinci Mona Lisa. e Edvard Munch's O Grito todos alcançaram algo que a maioria das pinturas – independentemente da sua importância histórica, beleza ou valor monetário – não têm: comunicam um significado específico quase imediatamente a quase todos os espectadores. Estas poucas obras fizeram com sucesso a transição do reino de elite do visitante do museu para o enorme local da cultura popular.

Frieze of Life—Um Poema sobre Vida, Amor e Morte

Embora seja uma representação altamente incomum, esta pintura pode ser da Virgem Maria. Se a pintura é especificamente destinado como uma representação de Maria é disputada. Munch usou mais de um título, incluindo ambos Mulher amante e Madonna.

Em dezembro de 1893, Unter den Linden em Berlim foi palco de uma exposição da obra de Munch, mostrando, entre outras peças, seis pinturas intituladas Estudo para uma Série: Amor. Esta começou um ciclo que mais tarde chamou de Frieze of Life—A Poem about Life, Love and Death. Os motivos Frieze of Life, como The Storm e Moonlight, são imersos na atmosfera. Outros motivos iluminam o lado noturno do amor, como Rose e Amelie e Vampiro. Em Death in the Sickroom, o assunto é a morte de sua irmã Sophie, que ele retrabalhou em muitas variações futuras. O foco dramático da pintura, retratando toda a sua família, está disperso nas figuras separadas e desconexas da dor. Em 1894, ele ampliou o espectro de motivos adicionando Ansiedade, Cinzas, Madonna e Mulheres em Três Estágios (da inocência à velhice).

Por volta do início do século 20, Munch trabalhou para terminar o "Frieze". Ele pintou uma série de quadros, vários deles em formato maior e, em certa medida, apresentando a estética Art Nouveau da época. Ele fez uma moldura de madeira com relevos esculpidos para a grande pintura Metabolismo (1898), inicialmente chamada de Adão e Eva. Este trabalho revela a preocupação de Munch com a "queda do homem" e sua filosofia pessimista do amor. Motivos como A Cruz Vazia e Gólgota (ambos c. 1900) refletem uma orientação metafísica e também refletem a educação pietista de Munch. Todo o Frieze foi exibido pela primeira vez na exposição secessionista em Berlim em 1902.

"O Friso da Vida" os temas são recorrentes em todo o trabalho de Munch, mas ele se concentrou especialmente neles em meados da década de 1890. Em esboços, pinturas, pastéis e gravuras, ele explora as profundezas de seus sentimentos para examinar seus principais motivos: as fases da vida, a femme fatale, a desesperança no amor, a ansiedade, a infidelidade, o ciúme, a humilhação sexual e a separação na vida e na vida. morte. Esses temas são expressos em pinturas como The Sick Child (1885), Love and Pain (renomeado Vampire; 1893–94), Cinzas (1894) e A Ponte. Este último mostra figuras flácidas com rostos inexpressivos ou ocultos, sobre os quais pairam as formas ameaçadoras de árvores pesadas e casas sombrias. Munch retratou as mulheres como sofredoras frágeis e inocentes (ver Puberdade e Amor e Dor) ou como a causa de grande saudade, ciúme e desespero (ver Separação i>, Ciúmes e Cinzas).

Munch costuma usar sombras e anéis de cor em torno de suas figuras para enfatizar uma aura de medo, ameaça, ansiedade ou intensidade sexual. Essas pinturas foram interpretadas como reflexos das ansiedades sexuais do artista, embora também se possa argumentar que elas representam seu relacionamento turbulento com o próprio amor e seu pessimismo geral em relação à existência humana. Muitos desses esboços e pinturas foram feitos em várias versões, como Madonna, Hands e Puberty, e também transcritos como xilogravuras e litografias. Munch odiava se desfazer de suas pinturas porque pensava em seu trabalho como um único corpo de expressão. Assim, para capitalizar sua produção e obter algum rendimento, recorreu às artes gráficas para reproduzir muitas de suas pinturas, inclusive as desta série. Munch admitiu os objetivos pessoais de seu trabalho, mas também ofereceu sua arte a um propósito mais amplo: "Minha arte é realmente uma confissão voluntária e uma tentativa de explicar a mim mesmo minha relação com a vida - é, portanto, na verdade uma tipo de egoísmo, mas estou constantemente esperando que através disso eu possa ajudar os outros a alcançar a clareza."

Embora atraísse reações fortemente negativas, na década de 1890, Munch começou a receber alguma compreensão de seus objetivos artísticos, como escreveu um crítico: "Com desprezo implacável pela forma, clareza, elegância, integridade e realismo, ele pinta com força intuitiva de talento as visões mais sutis da alma." Um de seus grandes apoiadores em Berlim foi Walther Rathenau, mais tarde ministro das Relações Exteriores da Alemanha, que contribuiu fortemente para seu sucesso.

Paris, Berlim e Kristiania

A criança doente (1907)

Em 1896, Munch mudou-se para Paris, onde se concentrou em representações gráficas de seus temas Frieze of Life. Ele desenvolveu ainda mais sua xilogravura e técnica litográfica. O Autorretrato com braço de esqueleto de Munch (1895) é feito com um método de agulha e tinta de gravura também usado por Paul Klee. Munch também produziu versões multicoloridas de The Sick Child, sobre tuberculose, que vendeu bem, bem como vários nus e múltiplas versões de Kiss (1892). Em maio de 1896, Siegfried Bing realizou uma exposição do trabalho de Munch dentro da Maison de l'Art Nouveau de Bing. A exposição exibiu 60 obras, incluindo O Beijo, O Grito, Madonna, A Criança Doente, A Câmara da Morte e O Dia Seguinte. A exposição de Bing ajudou a apresentar Munch ao público francês. Ainda assim, muitos dos críticos parisienses ainda consideravam a obra de Munch "violenta e brutal" mesmo que suas exibições recebessem atenção séria e bom atendimento. Sua situação financeira melhorou consideravelmente e, em 1897, Munch comprou para si uma casa de veraneio de frente para os fiordes de Kristiania, uma pequena cabana de pescador construída no final do século 18, na pequena cidade de Åsgårdstrand, na Noruega. Ele apelidou esta casa de "Happy House" e voltou aqui quase todo verão pelos próximos 20 anos. Era desse lugar que ele sentia falta quando estava no exterior e quando se sentia deprimido e exausto. "Andar em Åsgårdstrand é como caminhar entre minhas pinturas - fico tão inspirado para pintar quando estou aqui".

Harald Nørregaard (pintado por Munch em 1899, National Gallery) foi um dos amigos mais próximos de Munch desde a adolescência, assessor e advogado

Em 1897, Munch voltou para Kristiania, onde também recebeu aceitação relutante - um crítico escreveu: "Um bom número dessas fotos já foi exibido antes". Na minha opinião, eles melhoram com o conhecimento." Em 1899, Munch iniciou um relacionamento íntimo com Tulla Larsen, uma mulher "liberada" mulher de classe alta. Eles viajaram juntos para a Itália e, ao retornar, Munch iniciou outro período fértil em sua arte, que incluiu paisagens e sua pintura final em "The Frieze of Life" série, A Dança da Vida (1899). Larsen estava ansioso pelo casamento, mas Munch não. A bebida e problemas de saúde reforçaram seus medos, como ele escreveu na terceira pessoa: “Desde criança, ele odiava o casamento. Sua casa doente e nervosa deu a ele a sensação de que não tinha o direito de se casar." Munch quase cedeu a Tulla, mas fugiu dela em 1900, também se afastando de sua considerável fortuna, e mudou-se para Berlim. Seu Girls on the Jetty, criado em 18 versões diferentes, demonstrou o tema da juventude feminina sem conotações negativas. Em 1902, ele expôs suas obras tematicamente no salão da Secessão de Berlim, produzindo "um efeito sinfônico - causou grande rebuliço - muito antagonismo - e muita aprovação". Os críticos de Berlim estavam começando a apreciar o trabalho de Munch, embora o público ainda achasse seu trabalho estranho e estranho.

A boa cobertura da imprensa atraiu a atenção de Munch para os patronos influentes Albert Kollman e Max Linde. Ele descreveu o rumo dos acontecimentos em seu diário: "Depois de 20 anos de luta e miséria, as forças do bem finalmente vieram em meu auxílio na Alemanha - e uma porta brilhante se abriu para mim". No entanto, apesar dessa mudança positiva, o comportamento autodestrutivo e errático de Munch o levou primeiro a uma briga violenta com outro artista, depois a um tiro acidental na presença de Tulla Larsen, que havia retornado para uma breve reconciliação, que feriu dois dedos. Mais tarde, Munch viu um auto-retrato representando ele e Larsen ao meio como consequência do tiroteio e dos eventos subsequentes. Ela finalmente o deixou e se casou com um colega mais jovem de Munch. Munch interpretou isso como uma traição e continuou pensando na humilhação por algum tempo, canalizando parte da amargura para novas pinturas. Suas pinturas Still Life (The Murderess) e The Death of Marat I, feitas em 1906–07, fazem referência clara ao incidente do tiroteio e aos efeitos emocionais posteriores.

Em 1903–04, Munch expôs em Paris, onde os próximos fauvistas, famosos por suas cores ousadamente falsas, provavelmente viram suas obras e podem ter encontrado inspiração nelas. Quando os fauves realizaram sua própria exposição em 1906, Munch foi convidado e exibiu seus trabalhos com os deles. Depois de estudar a escultura de Rodin, Munch pode ter experimentado a plasticina como auxílio ao design, mas produziu poucas esculturas. Durante esse tempo, Munch recebeu muitas encomendas de retratos e impressões que melhoraram sua condição financeira geralmente precária. Em 1906, ele pintou a tela para uma peça de Ibsen no pequeno Kammerspiele Theatre localizado no Deutsches Theatre de Berlim, no qual o Friso da Vida foi pendurado. O diretor do teatro, Max Reinhardt, posteriormente o vendeu; agora está na Berlin Nationalgalerie. Após um período anterior de paisagens, em 1907 voltou sua atenção para figuras e situações humanas.

Quebra e recuperação

Munch em 1933

No outono de 1908, a ansiedade de Munch, agravada pelo excesso de bebida e brigas, tornou-se aguda. Como ele escreveu mais tarde, "Minha condição estava à beira da loucura - era tocar e ir". Sujeito a alucinações e sentimentos de perseguição, ele entrou na clínica de Daniel Jacobson. A terapia que Munch recebeu nos oito meses seguintes incluiu dieta e "eletrificação" (um tratamento na moda para problemas nervosos, não deve ser confundido com terapia eletroconvulsiva). A permanência de Munch no hospital estabilizou sua personalidade e, após retornar à Noruega em 1909, seu trabalho tornou-se mais colorido e menos pessimista. Iluminando ainda mais seu humor, o público em geral de Kristiania finalmente se entusiasmou com seu trabalho e os museus começaram a comprar suas pinturas. Ele foi nomeado Cavaleiro da Ordem Real de St. Olav "por serviços na arte". Sua primeira exposição americana foi em 1912 em Nova York.

Como parte de sua recuperação, o Dr. Jacobson aconselhou Munch a se socializar apenas com bons amigos e evitar beber em público. Munch seguiu esse conselho e, no processo, produziu vários retratos de corpo inteiro de amigos e patronos de alta qualidade - retratos honestos desprovidos de lisonjas. Ele também criou paisagens e cenas de pessoas trabalhando e se divertindo, usando um novo estilo otimista - pinceladas amplas e soltas de cores vibrantes com uso frequente de espaço em branco e raro uso de preto - com apenas referências ocasionais a seus temas mórbidos. Com mais renda, Munch conseguiu comprar várias propriedades, dando-lhe novas perspectivas para sua arte e ele finalmente conseguiu sustentar sua família.

A eclosão da Primeira Guerra Mundial encontrou Munch com lealdades divididas, como ele afirmou: "Todos os meus amigos são alemães, mas é a França que eu amo." Na década de 1930, seus patronos alemães, muitos judeus, perderam suas fortunas e algumas suas vidas durante a ascensão do movimento nazista. Munch encontrou impressores noruegueses para substituir os alemães que imprimiam seu trabalho gráfico. Dado seu histórico de saúde precário, em 1918 Munch sentiu-se sortudo por ter sobrevivido a um surto de gripe espanhola, a pandemia mundial daquele ano.

Anos posteriores

A sepultura de Munch no Cemitério de Nosso Salvador, Oslo

Munch passou a maior parte de suas últimas duas décadas na solidão em sua propriedade quase autossuficiente em Ekely, em Skøyen, Oslo. Muitas de suas pinturas tardias celebram a vida na fazenda, incluindo várias nas quais ele usou seu cavalo de trabalho "Rousseau" como um modelo. Sem qualquer esforço, Munch atraiu um fluxo constante de modelos femininas, que ele pintou como temas de inúmeras pinturas nuas. Ele provavelmente teve relações sexuais com algumas delas. Munch ocasionalmente saía de casa para pintar murais por encomenda, incluindo os feitos para a fábrica de chocolate Freia.

Até o fim de sua vida, Munch continuou a pintar auto-retratos impiedosos, aumentando seu ciclo de auto-exame de sua vida e sua série inabalável de abordagens de seus estados emocionais e físicos. Nas décadas de 1930 e 1940, os nazistas rotularam a obra de Munch de "arte degenerada". (juntamente com as de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin e muitos outros artistas modernos) e removeu suas 82 obras de museus alemães. Adolf Hitler anunciou em 1937, "Pelo que nos importamos, aqueles bárbaros da cultura pré-histórica da Idade da Pedra e gagos da arte podem retornar às cavernas de seus ancestrais e lá podem aplicar seus arranhões internacionais primitivos."

Em 1940, os alemães invadiram a Noruega e o partido nazista assumiu o governo. Munch tinha 76 anos. Com quase uma coleção inteira de sua arte no segundo andar de sua casa, Munch vivia com medo de um confisco nazista. Setenta e uma das pinturas anteriormente tomadas pelos nazistas foram devolvidas à Noruega por meio de compra por colecionadores (as outras 11 nunca foram recuperadas), incluindo O Grito e A Criança Doente, e eles também foram escondidos dos nazistas.

Munch morreu em sua casa em Ekely, perto de Oslo, em 23 de janeiro de 1944, cerca de um mês após seu 80º aniversário. Seu funeral orquestrado pelos nazistas sugeriu aos noruegueses que ele era um simpatizante nazista, uma espécie de apropriação do artista independente. A cidade de Oslo comprou a propriedade Ekely dos herdeiros de Munch em 1946; sua casa foi demolida em maio de 1960.

Legado

Museu Munch, Oslo

Museu Munch, Oslo

Quando Munch morreu, suas obras restantes foram legadas à cidade de Oslo, que construiu o Museu Munch em Tøyen (inaugurado em 1963). O museu possui uma coleção de aproximadamente 1.100 pinturas, 4.500 desenhos e 18.000 gravuras, a maior coleção de suas obras no mundo. O Museu Munch serve como propriedade oficial de Munch; tem atuado na resposta a violações de direitos autorais, bem como na liberação de direitos autorais para o trabalho, como a aparição de The Scream de Munch em uma campanha publicitária de 2006 da M&M. O representante dos direitos autorais dos EUA para o Munch Museum e o Estate of Edvard Munch é a Artists Rights Society.

A arte de Munch era altamente personalizada e ele ensinava pouco. Sua "privada" o simbolismo era muito mais pessoal do que o de outros pintores simbolistas, como Gustave Moreau e James Ensor. Munch ainda era altamente influente, particularmente entre os expressionistas alemães, que seguiam sua filosofia: "Não acredito na arte que não seja o resultado compulsivo do desejo do homem de abrir seu coração". Muitas de suas pinturas, incluindo O Grito, têm apelo universal, além de seu significado altamente pessoal.

As obras de Munch estão agora representadas em vários museus e galerias importantes na Noruega e no exterior. Sua cabana, "a Casa Feliz", foi doada ao município de Åsgårdstrand em 1944; serve como um pequeno Munch Museum. O inventário foi mantido exatamente como ele o deixou.

Uma versão de O Grito foi roubada da National Gallery em 1994. Em 2004, outra versão de O Grito, junto com uma de Madonna, foi roubado do Munch Museum em um ousado assalto à luz do dia. Todos eles foram finalmente recuperados, mas as pinturas roubadas no roubo de 2004 foram amplamente danificadas. Eles foram meticulosamente restaurados e estão em exibição novamente. Três obras de Munch foram roubadas do Hotel Refsnes Gods em 2005; logo foram recuperados, embora uma das obras tenha sido danificada durante o roubo.

Em outubro de 2006, a xilogravura colorida Duas pessoas. O solitário (To mennesker. De ensomme) estabeleceu um novo recorde para suas impressões quando foram vendidas em um leilão em Oslo por 8,1 milhões de coroas (US$ 1,27 milhão equivalente a US$ 1.700.000 em 2021). Ele também estabeleceu um recorde para o preço mais alto pago em leilão na Noruega. Em 3 de novembro de 2008, a pintura Vampiro estabeleceu um novo recorde para suas pinturas ao ser vendida por US$ 38.162.000 (equivalente a US$ 48.000.000 em 2021) na Sotheby's New York.

A imagem de Munch aparece na nota de 1.000 coroas norueguesas, junto com fotos inspiradas em sua arte.

Em fevereiro de 2012, uma grande exposição de Munch, Edvard Munch. The Modern Eye, inaugurado no Schirn Kunsthalle Frankfurt; a exposição foi inaugurada por Mette-Marit, princesa herdeira da Noruega.

Em maio de 2012, O Grito foi vendido por US$ 119,9 milhões (equivalente a US$ 141.500.000 em 2021) e é a segunda obra de arte mais cara já vendida em um leilão aberto. (Foi superado em novembro de 2013 por Três Estudos de Lucian Freud, que foi vendido por US$ 142,4 milhões).

Em 2013, quatro das pinturas de Munch foram retratadas em uma série de selos do serviço postal norueguês, para comemorar em 2014 o 150º aniversário de seu nascimento.

Em 14 de novembro de 2016, uma versão de The Girls on the Bridge de Munch foi vendida por US$ 54,5 milhões (equivalente a US$ 61.500.000 em 2021) na Sotheby's, em Nova York, fazendo é o segundo preço mais alto alcançado por uma de suas pinturas.

Em abril de 2019, o Museu Britânico sediou a exposição Edvard Munch: Love and Angst, composta por 83 obras de arte e incluindo uma rara impressão original de O Grito.

Em maio de 2022, a Courtauld Gallery recebeu a exposição Edvard Munch. Obras-primas de Bergen, apresentando 18 pinturas da coleção do industrial norueguês Rasmus Meyer.

Aula Universitária

A Aula com História (à esquerda), O Sol (fronteiras), Alma Mater (direita), pinturas menores em cantos

Em 1911, o concurso final para a decoração das grandes paredes da Universidade de Oslo Aula (salão de assembléias) foi realizado entre Munch e Emanuel Vigeland. O episódio é conhecido como a "controvérsia da Aula". Em 1914, Munch foi finalmente contratado para decorar a Aula e o trabalho foi concluído em 1916. Esta grande obra na pintura monumental norueguesa inclui 11 pinturas cobrindo 223 m² (2.400 sq ft). O Sol, História e Alma Mater são as obras-chave desta sequência. Munch declarou: "Eu queria que as decorações formassem um mundo de ideias completo e independente, e queria que sua expressão visual fosse distintamente norueguesa e universalmente humana". Em 2014, foi sugerido que as pinturas de Aula têm um valor de pelo menos 500 milhões de coroas.

Grandes obras

Vida por Munch, no Rådhuset (City Hall) em Oslo. A sala chama-se A sala Munch

• 1885–1886: A criança doente
• 1892: Noite em Karl Johan
• 1893: O Grito
• 1894: Cinzas
• 1894: Mulher em três fases
• 1894–1895: Madonna
• 1894–1896: Melancolia
• 1895: Puberty
• 1895: Auto-retrato com Cigarro
• 1895: Morte no quarto doente
• 1899–1900: A Dança da Vida
• 1899–1900: A Mãe Morta
• 1903: Vila em Moonlight
• 1940-1942: Auto-retrato. Entre o relógio e a cama

Trabalhos selecionados

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  Cinzas, 1894, óleo sobre tela, 120.5 cm × 141 cm (47+1?2em ×55+1?2in). Oslo, Oslo

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  A Dança da Vida, 1899–1900, óleo sobre tela, 126 cm × 191 cm (49+1?2em × 75 em), Nasjonalgalleriet, Oslo

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  Na Mesa de Roleta em Monte Carlo, 1892, 74.5 cm × 116 cm (29 de Março+1?4em ×45+3?4in), Museu Munch, Oslo

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  Morte no quarto doente, 1893, 134 cm × 160 cm (52+3?4em × 63 em), Museu Munch, Oslo

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  Noite estrelada, 1893, 135,6 cm × 140 cm (53+1?2em × 55 em), Museu J. Paul Getty

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  Ansiedade, 1894, 94 cm × 74 cm (37 em ×29 de Março+1?4in), Museu Munch, Oslo

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  Amor e Dor (Vampiro), 1895, 91 cm × 109 cm (35+3?4in × 43 in), Museu Munch, Oslo

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  Morte no quarto doente, c. 1895, óleo sobre tela, 150 cm × 168 cm (59 em × 66 em), Nasjonalgalleriet, Oslo

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  Separação, 1896, 96 cm × 127 cm (37+3?4em × 50 em), Museu Munch, Oslo

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  A Voz / Noite de Verão, 1896, 90 cm × 119 cm (35+1?2em ×46.+3?4in), Museu Munch, Oslo

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  Vermelho e branco, 1899–1900, 93 cm × 129 cm (36+1?2em ×50+3?4in), Museu Munch, Oslo

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  Golgotha, 1900, óleo sobre tela, Museu Munch, Oslo

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  Beijo IV, 1902, impressão em madeira, 47 cm × 47 cm (18.+1?2em ×18.+1?2in), Museu Munch, Oslo

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  Quatro garotas em Åsgårdstrand, 1903, 87 cm × 111 cm (34+1?4em ×43+3?4in), Museu Munch, Oslo

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  O Brooch, Eva Mudocci, 1903, litógrafo impresso em papel, 76 cm × 53,2 cm (30 em × 21 em), Museu Munch, Oslo

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  Retrato de Friedrich Nietzsche, 1906, Thiel Gallery, Estocolmo

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  Ciúmes, 1907, 75 cm × 98 cm (29 de Março+1?2em ×38+1?2in), Museu Munch, Oslo

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  O Sol, 1910–1911, 450 cm × 772 cm (177+1?4em × 304 em), Museu Munch, Oslo

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  Cavalo de galopar, 1910–12, 148 cm × 120 cm (58+1?4em ×47+1?4in), Museu Munch, Oslo

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  O registro amarelo, 1912, 129.5 cm × 159.5 cm (51 em ×62+3?4in), Museu Munch, Oslo

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  Trabalhadores em seu caminho Home, 1913–14, 227 cm × 201 cm (89+1?4em ×79+1?4in), Museu Munch, Oslo

Nus

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  As mãos, 1893, óleo sobre tela, 91 x 77 cm, Museu Munch, Oslo

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  Puberty, 1894–1895, óleo sobre tela, 151.5 x 110 cm, Galeria Nacional (Noruega)

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  Senhora do Mar (detalhe), 1896, óleo sobre tela. 100 cm × 320 cm (39+1?2em × 126 em)

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  Metabolismo, 1898-1899, 172 cm × 142 cm (67+3?4in × 56 in), Museu Munch, Oslo

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  Morte de Marat I 1907, 150 x 199 cm, Museu Munch, Oslo

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  banho homens, 1907–1908, óleo sobre tela, 206 x 227.5 cm, Ateneum, Helsínquia

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  Mulher chorando, 1907–1909, óleo sobre tela, coleção privada

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  Bom dia., 1913, óleo sobre tela, 108 × 98 cm, Museus de Arte de Bergen

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  Nude de choro, 1913–1914, 110 cm × 135 cm (43+1?4em ×53+1?4in), Museu Munch, Oslo

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  Modelo da cadeira de vime, 1919–1921, óleo sobre tela, 122.5 × 100 cm, Museu Munch, Oslo

Autorretratos

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  Auto-retrato, 1882, 26 cm × 19 cm (10.+1?4em ×7+1?2in), Museu Munch, Oslo

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  Auto-retrato no inferno, 1903, 82 cm × 66 cm (32+1?4em × 26 em), Museu Munch, Oslo

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  Auto-retrato com escovas, 1904, 197 cm × 91 cm (77+1?2em ×35+3?4in), Museu Munch, Oslo

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  Auto-retrato com uma garrafa de vinho, 1906, 110 cm × 120 cm (43+1?4em ×47+1?4in), Museu Munch, Oslo

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  Auto-retrato com a gripe espanhola, 1919, óleo sobre tela, 150 x 131 cm, Galeria Nacional (Noruega)

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  Auto-retrato. Entre o relógio e a cama, c. 1940-1943, Museu Munch, Oslo

Paisagens

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  Lago pequeno com barco, 1880, óleo sobre papel a bordo, 12 x 18 cm, Museu Munch, Oslo

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  De Sandviken, c. 1882, óleo sobre papelão, 20 x 25 cm, Flaten Art Museum

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  De Saxegårdsgate, c. 1882, óleo sobre tela, Lillehammer Art Museum, Lillehammer

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  Esboço de cinzas ' , 1894, óleo sobre tela, Bergen Kunstmuseum

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  Trem de fumaça, 1900, 84 cm × 109 cm (33 em × 43 em), Museu Munch, Oslo

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  Shore com casa vermelha, 1904, óleo sobre tela, 69 × 109 cm, Museu Munch, Oslo

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  Paisagem no Mar, 1918, óleo sobre tela, 120.9 x 160, Kunstmuseum Basel

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  Noite estrelada, 1922-1924, óleo sobre tela, 120.5 x 100 cm, Museu Munch, Oslo

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  Noite de Inverno, Ekely, 1930-1931, óleo sobre tela

Fotografias

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  Auto-retrato em 53 Am Strom em Warnemünde, 1907, Museu Munch, Oslo

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  Edvard Munch na praia em Warnemünde, 1907, Museu Munch, Oslo

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  Auto-retrato "à la Marat", 1908–09, Museu Munch, Oslo

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  Auto-retrato Em algum lugar no continente Eu..., 1906, Museu Munch, Oslo

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  Retrato em 26 anos

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  Retrato de Edvard Munch 1902

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  Retrato de Edvard Munch

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  Munch em 1912

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  Rosa Meissner no Hotel Rohn em Warnemünde, 1907, fotografia, Museu Munch, Oslo