Documentário

Uma câmera de 16 mm Bolex "H16" Reflex – uma câmera de nível de entrada popular usada em escolas de cinema

Um filme documental ou documentário é um filme não ficcional destinado a "documentar a realidade, principalmente para fins de instrução, educação ou manutenção de uma registro histórico". Bill Nichols caracterizou o documentário em termos de "uma prática cinematográfica, uma tradição cinematográfica e modo de recepção do público [que permanece] uma prática sem limites claros".

Os primeiros documentários, originalmente chamados de "filmes de realidade", duravam um minuto ou menos. Com o tempo, os documentários evoluíram para se tornar mais longos e incluir mais categorias. Alguns exemplos são educacionais, observacionais e documentais. Os documentários são muito informativos e costumam ser usados nas escolas como um recurso para ensinar vários princípios. Os documentaristas têm a responsabilidade de serem verdadeiros em sua visão do mundo sem deturpar intencionalmente um tópico.

Plataformas de mídia social (como o YouTube) forneceram um caminho para o crescimento do gênero documentário. Essas plataformas aumentaram a área de distribuição e a facilidade de acesso.

Definição

A capa do livro de 1898 de Bolesław Matuszewski Uma nova fonte de l'histoire. (Uma nova fonte de história), a primeira publicação sobre a função documental da cinematografia.

O escritor e cineasta polonês Bolesław Matuszewski estava entre aqueles que identificaram o modo de documentário. Ele escreveu dois dos primeiros textos sobre cinema, Une nouvelle source de l'histoire ("Uma nova fonte de história") e La photography animée ("Fotografia animada"). Ambos foram publicados em 1898 em francês e estão entre os primeiros trabalhos escritos a considerar o valor histórico e documental do filme. Matuszewski também está entre os primeiros cineastas a propor a criação de um Arquivo de Filmes para coletar e manter materiais visuais seguros.

A palavra "documentário" foi cunhado pelo documentarista escocês John Grierson em sua crítica do filme de Robert Flaherty Moana (1926), publicado no New York Sun em 8 de fevereiro de 1926, escrito por "The Moviegoer" (um pseudônimo para Grierson).

Os princípios do documentário de Grierson eram que o potencial do cinema para observar a vida poderia ser explorado em uma nova forma de arte; que o "original" ator e "original" cenas são guias melhores do que suas contrapartes de ficção para interpretar o mundo moderno; e que os materiais "assim retirados da matéria-prima" pode ser mais real do que o artigo representado. Nesse sentido, a definição de Grierson de documentário como "tratamento criativo da realidade" ganhou alguma aceitação; no entanto, esta posição está em desacordo com os credos de provocação do cineasta soviético Dziga Vertov para apresentar a "vida como ela é" (isto é, a vida filmada sub-repticiamente) e "vida pega de surpresa" (vida provocada ou surpreendida pela câmera).

O crítico de cinema americano Pare Lorentz define um documentário como "um filme factual que é dramático." Outros afirmam ainda que o documentário se destaca dos demais tipos de filmes de não-ficção por fornecer uma opinião e uma mensagem específica, juntamente com os fatos que apresenta. A estudiosa Betsy McLane afirmou que os documentários são para os cineastas transmitirem suas opiniões sobre eventos históricos, pessoas e lugares que consideram significativos. Portanto, a vantagem dos documentários reside na introdução de novas perspectivas que podem não prevalecer na mídia tradicional, como publicações escritas e currículos escolares.

A prática documental é o complexo processo de criação de projetos documentais. Refere-se ao que as pessoas fazem com os dispositivos de mídia, conteúdo, forma e estratégias de produção para abordar os problemas e escolhas criativas, éticas e conceituais que surgem quando fazem documentários.

A produção de documentários pode ser usada como uma forma de jornalismo, defesa ou expressão pessoal.

História

Pré-1900

Os primeiros filmes (pré-1900) foram dominados pela novidade de mostrar um evento. Momentos únicos foram capturados em filme, como um trem entrando em uma estação, um barco atracando ou operários saindo do trabalho. Esses curtas-metragens foram chamados de "atualidade" filmes; o termo "documentário" não foi cunhado até 1926. Muitos dos primeiros filmes, como os feitos por Auguste e Louis Lumière, tinham um minuto ou menos de duração, devido a limitações tecnológicas. Exemplos podem ser vistos no YouTube.

Filmes que mostravam muitas pessoas (por exemplo, saindo de uma fábrica) eram frequentemente feitos por razões comerciais: as pessoas filmadas estavam ansiosas para ver, mediante pagamento, o filme que as exibia. Um filme notável com duração de mais de uma hora e meia, The Corbett-Fitzsimmons Fight. Usando tecnologia pioneira de looping de filme, Enoch J. Rector apresentou a íntegra de uma famosa luta de boxe de 1897 nas telas de cinema dos Estados Unidos.

Em maio de 1896, Bolesław Matuszewski registrou em filme algumas operações cirúrgicas nos hospitais de Varsóvia e São Petersburgo. Em 1898, o cirurgião francês Eugène-Louis Doyen convidou Matuszewski e Clément Maurice para registrar suas operações cirúrgicas. Eles começaram em Paris uma série de filmes cirúrgicos em algum momento antes de julho de 1898. Até 1906, ano de seu último filme, Doyen registrou mais de 60 operações. Doyen disse que seus primeiros filmes o ensinaram a corrigir erros profissionais que ele desconhecia. Para fins científicos, depois de 1906, Doyen combinou 15 de seus filmes em três compilações, duas das quais sobreviveram, a série de seis filmes Extirpation des tumeurs encapsulées (1906) e a série de quatro filmes Les Opérations sur la cavité crânienne (1911). Esses e outros cinco filmes de Doyen sobreviveram.

Quadro de um dos filmes científicos de Gheorghe Marinescu (1899).

Entre julho de 1898 e 1901, o professor romeno Gheorghe Marinescu realizou vários filmes científicos em sua clínica de neurologia em Bucareste: Walking Troubles of Organic Hemiplegy (1898), The Walking Troubles of Organic Paraplegies (1899), Um caso de hemiplegia histérica curada por meio da hipnose (1899), Os problemas ambulantes da ataxia progressiva da locomoção (1900) e Doenças dos Músculos (1901). Todos esses curtas-metragens foram preservados. O professor chamava suas obras de "estudos com a ajuda do cinematógrafo" e publicou os resultados, juntamente com vários quadros consecutivos, em edições da revista La Semaine Médicale de Paris, entre 1899 e 1902. Em 1924, Auguste Lumière reconheceu o mérito dos filmes científicos de Marinescu: "Vi seus relatórios científicos sobre o uso do cinematógrafo em estudos de doenças nervosas, quando ainda recebia La Semaine Médicale, mas naquela época eu tinha outras preocupações, que não me deixou tempo livre para iniciar os estudos biológicos. Devo dizer que esqueci essas obras e sou grato a você por ter me lembrado delas. Infelizmente, poucos cientistas seguiram seu caminho."

1900–1920

Geoffrey Malins com uma câmera aeroscópio durante a Primeira Guerra Mundial.

Os filmes de viagem eram muito populares no início do século XX. Eles eram frequentemente referidos pelos distribuidores como "cenários". Os cenários estavam entre os tipos de filmes mais populares da época. Um importante filme inicial que foi além do conceito de cênico foi Na Terra dos Caçadores de Cabeças (1914), que abraçou o primitivismo e o exotismo em uma história encenada apresentada como encenações verdadeiras da vida de Nativos americanos.

A contemplação é uma área separada. A Pathé é a fabricante global mais conhecida desses filmes no início do século XX. Um exemplo vívido é Moscow Clad in Snow (1909).

Documentários biográficos surgiram nessa época, como o longa Eminescu-Veronica-Creangă (1914) sobre a relação entre os escritores Mihai Eminescu, Veronica Micle e Ion Creangă (todos falecidos na época de a produção), lançado pelo capítulo de Bucareste da Pathé.

Os primeiros processos de cinema a cores, como Kinemacolor (conhecido pelo filme With Our King and Queen Through India (1912)) e Prizma Color (conhecido por Everywhere With Prizma (1919) e o filme de cinco rolos Bali the Unknown (1921)) usaram relatos de viagem para promover os novos processos de cores. Em contraste, o Technicolor concentrou-se principalmente em fazer com que seu processo fosse adotado pelos estúdios de Hollywood para longas-metragens de ficção.

Também nesse período, foi lançado o longa-metragem documentário de Frank Hurley, South (1919), sobre a Expedição Imperial Transantártica. O filme documentou a fracassada expedição antártica liderada por Ernest Shackleton em 1914.

Década de 1920

Romantismo

Nanook do Norte cartaz.

Com Nanook of the North de Robert J. Flaherty em 1922, o documentário abraçou o romantismo. Flaherty filmou vários documentários românticos fortemente encenados durante esse período, muitas vezes mostrando como seus súditos teriam vivido 100 anos antes e não como viviam naquele momento. Por exemplo, em Nanook of the North, Flaherty não permitiu que seus súditos atirassem em uma morsa com uma espingarda próxima, mas os fez usar um arpão. Algumas das encenações de Flaherty, como a construção de um iglu sem teto para tomadas internas, foram feitas para acomodar a tecnologia de filmagem da época.

A Paramount Pictures tentou repetir o sucesso de Nanook e Moana de Flaherty com dois documentários romantizados, Grass (1925) e Chang (1927), ambos dirigidos por Merian C. Cooper e Ernest Schoedsack.

Sinfonia da cidade

O subgênero cinematográfico city-symphony consistia em filmes de vanguarda durante as décadas de 1920 e 1930. Esses filmes foram particularmente influenciados pela arte moderna, ou seja, cubismo, construtivismo e impressionismo. De acordo com o historiador de arte e autor Scott Macdonald, os filmes sinfônicos da cidade podem ser descritos como, "Uma interseção entre documentário e filme de vanguarda: um avant-doc"; no entanto, A.L. Rees sugere considerá-los como filmes de vanguarda.

Os primeiros títulos produzidos dentro desse gênero incluem: Manhatta (Nova York; dir. Paul Strand, 1921); Rien que les heures/Nothing But The Hours (França; dir. Alberto Cavalcanti, 1926); Ilha dos Vinte e Quatro Dólares (dir. Robert J. Flaherty, 1927); Moscou (dir. Mikhail Kaufman, 1927); Études sur Paris (dir. André Sauvage, 1928); The Bridge (1928) e Rain (1929), ambos de Joris Ivens; São Paulo, Sinfonia da Metrópole (dir. Adalberto Kemeny, 1929), Berlim: Sinfonia de uma Metrópole (dir. Walter Ruttmann, 1927); Homem com Câmara de Cinema (dir. Dziga Vertov, 1929) e Douro, Faina Fluvial (dir. Manoel de Oliveira, 1931).

Neste tiro de Walter Ruttmann's Berlim: Sinfonia de Metropolis (1927), ciclistas correm dentro de casa. O filme é filmado e editado como um visual-poem.

Um filme sinfônico de cidade, como o nome sugere, geralmente se baseia em uma grande área metropolitana e procura capturar a vida, os eventos e as atividades da cidade. Pode usar a cinematografia abstrata (Walter Ruttman em Berlin) ou pode usar a teoria da montagem soviética (Dziga Vertov, Man with a Movie Camera). Mais importante ainda, um filme sinfônico da cidade é uma forma de cinepoesia, filmada e editada no estilo de uma "sinfonia".

Neste tiro de Homem com uma câmera de filme, Mikhail Kaufman atua como um cameraman arriscando sua vida em busca do melhor tiro

A tradição continental europeia (Veja: Realismo) enfocou os humanos em ambientes feitos pelo homem e incluiu a chamada "sinfonia da cidade&# 34; filmes como Walter Ruttmann, Berlim: Sinfonia de uma metrópole (do qual Grierson observou em um artigo que Berlim representava o que um documentário não deveria ser); Alberto Cavalcanti, Rien que les heures; e Homem com uma Câmera, de Dziga Vertov. Esses filmes tendem a apresentar as pessoas como produtos de seu ambiente e se inclinam para a vanguarda.

Kino-Pravda

Dziga Vertov foi fundamental para a série de noticiários soviéticos Kino-Pravda (literalmente, "verdade cinematográfica") da década de 1920. Vertov acreditava que a câmera - com suas lentes variadas, edição de contra-tomada, lapso de tempo, capacidade de câmera lenta, stop motion e câmera rápida - poderia renderizar a realidade com mais precisão do que o olho humano e criou uma filosofia cinematográfica a partir dela.

Tradição do cinejornal

A tradição do noticiário é importante no documentário. Os cinejornais nessa época às vezes eram encenados, mas geralmente eram encenações de eventos que já haviam acontecido, não tentativas de direcionar os eventos enquanto estavam acontecendo. Por exemplo, muitas das cenas de batalha do início do século 20 foram encenadas; os cinegrafistas geralmente chegavam ao local após uma grande batalha e reencenavam as cenas para filmá-las.

1930–1940

A tradição propagandista consiste em filmes feitos com o propósito explícito de persuadir o público de um ponto. Um dos filmes de propaganda mais celebrados e controversos é o filme de Leni Riefenstahl O Triunfo da Vontade (1935), que narra o Congresso do Partido Nazista de 1934 e foi encomendado por Adolf Hitler. Os cineastas esquerdistas Joris Ivens e Henri Storck dirigiram Borinage (1931) sobre a região belga de mineração de carvão. Luis Buñuel dirigiu um filme "surrealista" documentário Las Hurdes (1933).

Pare Lorentz, O arado que quebrou as planícies (1936) e O rio (1938) e Willard Van Dyke, O City (1939) são produções notáveis do New Deal, cada uma apresentando combinações complexas de consciência social e ecológica, propaganda do governo e pontos de vista esquerdistas. A série Why We Fight de Frank Capra (1942–1944) foi uma série de noticiários nos Estados Unidos, encomendada pelo governo para convencer o público dos EUA de que era hora de ir para a guerra. Constance Bennett e seu marido Henri de la Falaise produziram dois documentários de longa-metragem, Legong: Dance of the Virgins (1935) filmado em Bali, e Kilou the Killer Tiger (1936) filmado na Indochina.

No Canadá, o Film Board, criado por John Grierson, foi criado pelos mesmos motivos de propaganda. Também criou cinejornais que foram vistos por seus governos nacionais como uma legítima contrapropaganda à guerra psicológica da Alemanha nazista orquestrada por Joseph Goebbels.

Conferência de "União Mundial de documentários" em Varsóvia, em 1948, contou com diretores famosos da era: Basil Wright (à esquerda), Elmar Klos, Joris Ivens (2a da direita), e Jerzy Toeplitz.

Na Grã-Bretanha, vários cineastas diferentes se reuniram sob o comando de John Grierson. Eles ficaram conhecidos como o Movimento do Cinema Documentário. Grierson, Alberto Cavalcanti, Harry Watt, Basil Wright e Humphrey Jennings, entre outros, conseguiram misturar propaganda, informação e educação com uma abordagem estética mais poética do documentário. Exemplos de seus trabalhos incluem Drifters (John Grierson), Song of Ceylon (Basil Wright), Fires Were Started e A Diary para Timothy (Humphrey Jennings). Seu trabalho envolveu poetas como W. H. Auden, compositores como Benjamin Britten e escritores como J. B. Priestley. Entre os filmes mais conhecidos do movimento estão Night Mail e Coal Face.

Calling Mr. Smith (1943) é um filme colorido antinazista criado por Stefan Themerson que é ao mesmo tempo um documentário e um filme de vanguarda contra a guerra. Foi um dos primeiros filmes antinazistas da história.

1950–1970

Lennart Meri (1929-2006), o segundo presidente da República da Estónia, dirigiu documentários vários anos antes de sua presidência. Seu filme Os ventos da Via Láctea ganhou uma medalha de prata no New York Film Festival em 1977.

Cinema-vérité

Cinéma vérité (ou o intimamente relacionado cinema direto) dependia de alguns avanços técnicos para existir: câmeras leves, silenciosas e confiáveis e som de sincronização portátil.

O Cinéma vérité e tradições documentais semelhantes podem, assim, ser vistos, numa perspetiva mais ampla, como uma reação contra os constrangimentos da produção cinematográfica em estúdio. Filmar no local, com equipes menores, também aconteceria na Nouvelle Vague francesa, com os cineastas aproveitando os avanços da tecnologia que permitiam câmeras portáteis menores e som sincronizado para filmar eventos no local conforme eles se desenrolavam.

Embora os termos às vezes sejam usados de forma intercambiável, existem diferenças importantes entre o cinéma vérité (Jean Rouch) e o "cinema direto" (ou mais precisamente "cinema direto"), iniciado por, entre outros, os canadenses Allan King, Michel Brault e Pierre Perrault, e os americanos Robert Drew, Richard Leacock, Frederick Wiseman e Albert e David Maysles.

Os dirigentes do movimento têm diferentes pontos de vista sobre o seu grau de envolvimento com os seus súbditos. Kopple e Pennebaker, por exemplo, escolhem o não envolvimento (ou pelo menos nenhum envolvimento explícito), e Perrault, Rouch, Koenig e Kroitor favorecem o envolvimento direto ou mesmo a provocação quando consideram necessário.

Os filmes Crônica de um verão (Jean Rouch), Don't Look Back (D. A. Pennebaker), Grey Gardens (Albert e David Maysles), Titicut Follies (Frederick Wiseman), Primary e Crisis: Behind a Presidential Commitment (ambos produzidos por Robert Drew), Harlan County, EUA (dirigido por Barbara Kopple), Lonely Boy (Wolf Koenig e Roman Kroitor) são frequentemente considerados filmes cinéma vérité.

Os fundamentos do estilo incluem seguir uma pessoa durante uma crise com uma câmera em movimento, geralmente portátil, para capturar reações mais pessoais. Não há entrevistas sentadas e a taxa de filmagem (a quantidade de filme filmado para o produto final) é muito alta, geralmente chegando a 80 para um. A partir daí, os editores encontram e esculpem o trabalho em um filme. Os editores do movimento - como Werner Nold, Charlotte Zwerin, Muffie Myers, Susan Froemke e Ellen Hovde - são frequentemente esquecidos, mas sua contribuição para os filmes foi tão vital que muitas vezes recebiam créditos de codiretor.

Filmes famosos de cinéma vérité/cinema direto incluem Les Raquetteurs, Showman, Salesman, Near Death e As crianças estavam assistindo.

Armas políticas

Nas décadas de 1960 e 1970, o documentário foi frequentemente concebido como uma arma política contra o neocolonialismo e o capitalismo em geral, especialmente na América Latina, mas também em uma sociedade em mudança. La Hora de los hornos (A Hora dos Fornos, de 1968), dirigido por Octavio Getino e Arnold Vincent Kudales Sr., influenciou toda uma geração de cineastas. Entre os muitos documentários políticos produzidos no início dos anos 1970 estava "Chile: A Special Report" primeira visão expositiva em profundidade da televisão pública sobre a derrubada do governo de Salvador Allende no Chile em setembro de 1973 por líderes militares sob Augusto Pinochet, produzida pelos documentaristas Ari Martinez e José Garcia.

Um artigo de junho de 2020 no The New York Times analisou o documentário político And She Could Be Next, dirigido por Grace Lee e Marjan Safinia. O Times descreveu o documentário não apenas com foco nas mulheres na política, mas mais especificamente nas mulheres negras, em suas comunidades e nas mudanças significativas que elas provocaram na América.

Documentários modernos

Analistas de bilheteria observaram que o gênero documentário tornou-se cada vez mais bem-sucedido no lançamento nos cinemas com filmes como Fahrenheit 9/11, Super Size Me, Food, Inc., Earth, March of the Penguins e An Inconvenient Truth entre os exemplos mais proeminentes. Em comparação com os filmes narrativos dramáticos, os documentários normalmente têm orçamentos muito mais baixos, o que os torna atraentes para as empresas de cinema, porque mesmo um lançamento teatral limitado pode ser altamente lucrativo.

A natureza dos filmes documentários se expandiu nos últimos 20 anos a partir do estilo cinéma vérité introduzido na década de 1960, em que o uso de câmeras portáteis e equipamentos de som permitiam uma relação íntima entre o cineasta e o assunto. A linha tênue entre documentário e narrativa e algumas obras são muito pessoais, como Tongues Untied (1989) de Marlon Riggs e Black Is...Black Ain't (1995), que mistura elementos expressivos, poéticos e retóricos e enfatiza subjetividades em vez de materiais históricos.

Documentários históricos, como o histórico de 14 horas Eyes on the Prize: America's Civil Rights Years (1986 – Parte 1 e 1989 – Parte 2) de Henry Hampton, 4 Little Girls (1997) de Spike Lee, A Guerra Civil de Ken Burns e o filme independente premiado pela UNESCO sobre a escravidão 500 Anos Depois, express not apenas uma voz distinta, mas também uma perspectiva e um ponto de vista. Alguns filmes como The Thin Blue Line de Errol Morris incorporam encenações estilizadas, e Roger & Eu coloco muito mais controle interpretativo com o diretor. O sucesso comercial desses documentários pode derivar dessa mudança narrativa na forma documental, levando alguns críticos a questionar se esses filmes podem realmente ser chamados de documentários; os críticos às vezes se referem a essas obras como "mundo filmes" ou "docu-ganda." No entanto, a manipulação diretora de temas documentais foi notada desde o trabalho de Flaherty e pode ser endêmica à forma devido a fundamentos ontológicos problemáticos.

Os documentaristas estão usando cada vez mais campanhas de impacto social em seus filmes. As campanhas de impacto social buscam alavancar projetos de mídia, convertendo a conscientização pública sobre questões e causas sociais em engajamento e ação, principalmente oferecendo ao público uma maneira de se envolver. Exemplos de tais documentários incluem Kony 2012, Salam Neighbor, Gasland, Living on One Dollar e Girl Rising.

Embora os documentários sejam financeiramente mais viáveis com a crescente popularidade do gênero e o advento do DVD, o financiamento para a produção de documentários permanece indefinido. Na última década, as maiores oportunidades de exibição surgiram no mercado de transmissão, tornando os cineastas dependentes dos gostos e influências das emissoras que se tornaram sua maior fonte de financiamento.

Os documentários modernos têm alguma sobreposição com as formas de televisão, com o desenvolvimento de "reality shows" que ocasionalmente beira o documentário, mas mais frequentemente se volta para o ficcional ou encenado. O "making-of" documentário mostra como um filme ou um jogo de computador foi produzido. Geralmente feito para fins promocionais, está mais próximo de um anúncio do que de um documentário clássico.

Câmeras de vídeo digitais leves e modernas e edição baseada em computador ajudaram muito os documentaristas, assim como a queda dramática nos preços dos equipamentos. O primeiro filme a tirar o máximo proveito dessa mudança foi Martin Kunert e Eric Manes'; Vozes do Iraque, onde 150 câmeras DV foram enviadas ao Iraque durante a guerra e distribuídas aos iraquianos para que gravassem a si mesmos.

Documentários sem palavras

Tem sido feitos filmes na forma de documentário sem palavras. Ouça a Grã-Bretanha, dirigido por Humphrey Jennings e Stuart McAllister em 1942, é uma meditação sem palavras sobre a Grã-Bretanha durante a guerra. A partir de 1982, a trilogia Qatsi e os similares Baraka podem ser descritos como poemas de tom visual, com música relacionada às imagens, mas sem conteúdo falado. Koyaanisqatsi (parte da trilogia Qatsi) consiste principalmente em fotografia em câmera lenta e com lapso de tempo de cidades e muitas paisagens naturais nos Estados Unidos. Baraka tenta capturar o grande pulso da humanidade enquanto ela se aglomera e se aglomera em atividades diárias e cerimônias religiosas.

Bodysong foi feito em 2003 e ganhou o British Independent Film Award como "Melhor Documentário Britânico"

O filme de 2004 Gênesis mostra a vida animal e vegetal em estados de expansão, decadência, sexo e morte, com alguma, mas pouca, narração.

Estilos de narração

narrador de voz

O estilo tradicional de narração é ter um narrador dedicado lendo um roteiro que é dublado na trilha de áudio. O narrador nunca aparece diante das câmeras e pode não necessariamente ter conhecimento do assunto ou envolvimento na redação do roteiro.

narração silenciosa

Esse estilo de narração usa telas de título para narrar visualmente o documentário. As telas são mantidas por cerca de 5 a 10 segundos para permitir tempo adequado para o espectador lê-las. Eles são semelhantes aos exibidos no final dos filmes baseados em histórias verdadeiras, mas são exibidos por toda parte, geralmente entre as cenas.

narrador hospedado

Nesse estilo, há um apresentador que aparece na câmera, conduz entrevistas e também faz locuções.

Outras formas

Documentário híbrido

O lançamento de The Act of Killing (2012), dirigido por Joshua Oppenheimer, introduziu possibilidades para formas emergentes do documentário híbrido. O cinema documentário tradicional geralmente remove os sinais de ficcionalização para se distinguir dos gêneros de filmes de ficção. O público recentemente tornou-se mais desconfiado da produção tradicional de fatos da mídia, tornando-o mais receptivo a formas experimentais de contar fatos. O documentário híbrido implementa jogos de verdade para desafiar a produção tradicional de fatos. Apesar de factual, o documentário híbrido não é explícito sobre o que deve ser entendido, criando um diálogo aberto entre sujeito e público. The Arbor de Clio Barnard (2010), The Act of Killing de Joshua Oppenheimer (2012), The Ambassador de Mads Brügger e Alma Har'el's Bombay Beach (2011) são alguns exemplos notáveis.

Docuficção

Docuficção é um gênero híbrido de dois gêneros básicos, filme de ficção e documentário, praticado desde que os primeiros documentários foram feitos.

Ficção falsa

Fake-fiction é um gênero que apresenta deliberadamente eventos reais e improvisados na forma de um filme de ficção, fazendo-os parecer encenados. O conceito foi introduzido por Pierre Bismuth para descrever seu filme de 2016 Onde está Rocky II?

Documentário em DVD

Documentário em DVD é um filme documentário de duração indeterminada que foi produzido com o único objetivo de ser lançado para venda direta ao público em DVD, diferente de um documentário feito e lançado primeiro na televisão ou no cinema tela (também conhecido como lançamento nos cinemas) e posteriormente em DVD para consumo público.

Esta forma de lançamento de documentário está se tornando mais popular e aceita à medida que aumentam os custos e a dificuldade em encontrar slots de lançamento na TV ou nos cinemas. Também é comumente usado para usuários mais "especialistas" documentários, que podem não ter interesse geral para um público de TV mais amplo. Exemplos são militares, artes culturais, transporte, esportes, etc.

Filmes de compilação

Os filmes de compilação foram lançados em 1927 por Esfir Schub com A Queda da Dinastia Romanov. Exemplos mais recentes incluem Point of Order! (1964), dirigido por Emile de Antonio sobre as audiências de McCarthy. Da mesma forma, The Last Cigarette combina o testemunho de vários executivos de empresas de tabaco perante o Congresso dos Estados Unidos com propaganda de arquivo exaltando as virtudes de fumar.

Os documentários poéticos, que apareceram pela primeira vez na década de 1920, foram uma espécie de reação contra o conteúdo e a gramática em rápida cristalização dos primeiros filmes de ficção. O modo poético afastou-se da edição de continuidade e, em vez disso, organizou imagens do mundo material por meio de associações e padrões, tanto em termos de tempo quanto de espaço. Personagens completos – "pessoas realistas" – estiveram ausentes; em vez disso, as pessoas apareciam nesses filmes como entidades, como qualquer outra, encontradas no mundo material. Os filmes eram fragmentários, impressionistas, líricos. A ruptura da coerência de tempo e espaço – uma coerência favorecida pelos filmes de ficção da época – também pode ser vista como um elemento do contramodelo modernista da narrativa cinematográfica. O "mundo real" – Nichols o chama de "mundo histórico" – foi quebrado em fragmentos e reconstituído esteticamente usando a forma de filme. Exemplos desse estilo incluem o estilo de Joris Ivens; Rain (1928), que registra uma chuva passageira de verão sobre Amsterdã; László Moholy-Nagy's Play of Light: Black, White, Gray (1930), no qual ele filma uma de suas próprias esculturas cinéticas, enfatizando não a escultura em si, mas o jogo de luz ao redor isto; Os filmes de animação abstratos de Oskar Fischinger; N.Y., N.Y. de Francis Thompson (1957), um filme sinfônico da cidade; e Sans Soleil de Chris Marker (1982).

Documentários expositivos falam diretamente ao espectador, muitas vezes na forma de um comentário autoritário empregando narração ou títulos, propondo um forte argumento e ponto de vista. Esses filmes são retóricos e tentam persuadir o espectador. (Eles podem usar uma voz masculina rica e sonora.) O comentário (a voz de Deus) muitas vezes soa "objetivo" e onisciente. Muitas vezes, as imagens não são primordiais; eles existem para avançar o argumento. A retórica nos pressiona insistentemente a ler as imagens de uma certa maneira. Os documentários históricos neste modo fornecem uma visão não problemática e "objetiva" conta e interpretação de eventos passados.

Exemplos: programas de TV e filmes como Biography, America's Most Wanted, muitos documentários sobre ciência e natureza, Ken Burns' A Guerra Civil (1990), Robert Hughes' The Shock of the New (1980), Ways Of Seeing de John Berger (1974), o tempo de guerra de Frank Capra Why We Fight e O arado que quebrou as planícies de Pare Lorentz (1936).

Observacional

Equipe de cinema em Port of Dar es Salaam com dois ferries

Documentários observacionais tentam observar espontaneamente seus assuntos com o mínimo de intervenção. Os cineastas que trabalharam neste subgênero frequentemente viam o modo poético como muito abstrato e o modo expositivo como muito didático. Os primeiros documentos observacionais datam da década de 1960; os desenvolvimentos tecnológicos que os tornaram possíveis incluem câmeras móveis leves e equipamentos portáteis de gravação de som para som sincronizado. Freqüentemente, esse modo de filme evitava comentários em off, diálogos e músicas pós-sincronizados ou encenações. Os filmes visavam o imediatismo, a intimidade e a revelação do caráter humano individual em situações comuns da vida.

Tipos

Documentários participativos acreditam que é impossível que o ato de filmar não influencie ou altere os eventos que estão sendo filmados. O que esses filmes fazem é emular a abordagem do antropólogo: observação participante. Não apenas o cineasta faz parte do filme, mas também temos uma noção de como as situações no filme são afetadas ou alteradas por sua presença. Nichols: "O cineasta sai de trás do manto do comentário de narração, sai da meditação poética, sai de um poleiro de mosca na parede e se torna um ator social (quase) como qualquer outro. (Quase como qualquer outro porque o cineasta retém a câmera e, com ela, um certo grau de poder potencial e controle sobre os eventos.)" O encontro entre o cineasta e o sujeito torna-se um elemento crítico do filme. Rouch e Morin chamaram a abordagem de cinéma vérité, traduzindo o kinopravda de Dziga Vertov para o francês; a "verdade" refere-se mais à verdade do encontro do que a alguma verdade absoluta.

Documentários reflexivos não se veem como uma janela transparente para o mundo; em vez disso, eles chamam a atenção para sua própria construção e para o fato de serem representações. Como o mundo é representado por documentários? Esta questão é central para este subgênero de filmes. Eles nos levam a "questionar a autenticidade do documentário em geral" É o mais autoconsciente de todos os modos e é altamente cético em relação ao "realismo". Pode usar estratégias de alienação brechtiana para nos abalar, a fim de "desfamiliarizar" o que estamos vendo e como estamos vendo.

Documentários performáticos enfatizam a experiência subjetiva e a resposta emocional ao mundo. Eles são fortemente pessoais, não convencionais, talvez poéticos e/ou experimentais, e podem incluir encenações hipotéticas de eventos destinados a nos fazer experimentar como seria para nós possuir uma certa perspectiva específica sobre o mundo que não é a nossa, por ex. o de homens negros e gays em Tongues Untied (1989) de Marlon Riggs ou Paris Is Burning (1991) de Jenny Livingston. Este subgênero também pode se prestar a certos grupos (por exemplo, mulheres, minorias étnicas, gays e lésbicas, etc.) para "falar sobre si mesmos". Muitas vezes, uma bateria de técnicas, muitas emprestadas de filmes de ficção ou de vanguarda, é usada. Os documentos performativos muitas vezes ligam relatos ou experiências pessoais a realidades políticas ou históricas mais amplas.

Filmes educativos

Documentários são exibidos em escolas de todo o mundo para educar os alunos. Usados para apresentar vários tópicos às crianças, eles costumam ser usados em uma aula escolar ou mostrados várias vezes para reforçar uma ideia.

Tradução

Existem vários desafios associados à tradução de documentários. Os dois principais são condições de trabalho e problemas com a terminologia.

Condições de trabalho

Os tradutores de documentários muitas vezes têm de cumprir prazos apertados. Normalmente, o tradutor tem entre cinco e sete dias para entregar a tradução de um programa de 90 minutos. Os estúdios de dublagem geralmente dão aos tradutores uma semana para traduzir um documentário, mas para ganhar um bom salário, os tradutores precisam entregar suas traduções em um período muito mais curto, geralmente quando o estúdio decide entregar o programa final ao cliente mais cedo ou quando o canal de transmissão define um prazo apertado, por ex. em documentários discutindo as últimas notícias.

Outro problema é a falta de roteiro de pós-produção ou a má qualidade da transcrição. Uma transcrição correta é essencial para que um tradutor faça seu trabalho corretamente, porém muitas vezes o roteiro nem é entregue ao tradutor, o que é um grande empecilho já que os documentários se caracterizam pela "abundância de unidades terminológicas e nomes". Quando o roteiro é entregue ao tradutor, geralmente é mal transcrito ou totalmente incorreto, tornando a tradução desnecessariamente difícil e exigente, porque todos os nomes próprios e terminologia específica devem estar corretos em um programa de documentário para que seja uma fonte confiável de informações, portanto, o tradutor deve verificar cada termo por conta própria. Tais erros em nomes próprios são, por exemplo: "Jungle Reinhard em vez de Django Reinhart, Jorn Asten em vez de Jane Austen e Magnus Axle em vez de Aldous Huxley".

Terminologia

O processo de tradução de um programa documental requer um trabalho com terminologia muito específica, muitas vezes científica. Tradutores documentais geralmente não são especialistas em um determinado campo. Portanto, eles são obrigados a realizar uma extensa pesquisa sempre que solicitados a fazer uma tradução de um determinado programa documental, a fim de entendê-lo corretamente e entregar o produto final livre de erros e imprecisões. Geralmente, os documentários contêm um grande número de termos específicos, com os quais os tradutores devem se familiarizar por conta própria, por exemplo:

O documentário Besouros, disjuntores faz uso de 15 termos diferentes para se referir a besouros em menos de 30 minutos (beetle de espinheiro, besouro de adega, besouro de esfaqueamento, besouro ou coveiros, besouro de sexton, besouro de tigre, besouro de nariz sangrento, besouro de tartaruga, besouro de mergulho, cavalo de treinador do diabo, besouro de pelúcia

Isso representa um verdadeiro desafio para os tradutores, pois eles precisam traduzir o significado, ou seja, encontrar um equivalente, de um termo científico muito específico no idioma de destino e, frequentemente, o narrador usa um nome mais geral em vez de um termo específico e o tradutor tem que confiar na imagem apresentada no programa para entender qual termo está sendo discutido para transpô-lo no idioma de destino de acordo. Além disso, os tradutores de línguas minorizadas muitas vezes se deparam com outro problema: alguns termos podem nem existir na língua-alvo. Nesses casos, eles precisam criar uma nova terminologia ou consultar especialistas para encontrar soluções adequadas. Além disso, por vezes a nomenclatura oficial difere da terminologia utilizada pelos verdadeiros especialistas, o que deixa ao tradutor decidir entre utilizar o vocabulário oficial que pode ser encontrado no dicionário, ou optar por expressões espontâneas utilizadas por verdadeiros especialistas em situações da vida real.

Fontes e bibliografia