Discoteca
Disco é um gênero de dance music e uma subcultura que surgiu na década de 1970 nos Estados Unidos. cena da vida noturna urbana. Seu som é caracterizado por quatro batidas no chão, linhas de baixo sincopadas, seções de cordas, metais e trompas, piano elétrico, sintetizadores e guitarras elétricas.
A disco começou como uma mistura de música de locais populares entre americanos LGBTQ, ítalo-americanos, hispânicos e latino-americanos e negros americanos na Filadélfia e na cidade de Nova York durante o final dos anos 1960 e início dos anos 1970. O disco pode ser visto como uma reação da contracultura dos anos 1960 tanto ao domínio do rock quanto à estigmatização da dance music na época. Vários estilos de dança foram desenvolvidos durante o período de popularidade do disco nos Estados Unidos, incluindo "the Bump" e "o Hustle".
Ao longo da década de 1970, a música disco se desenvolveu ainda mais, principalmente por artistas dos Estados Unidos e da Europa. Artistas conhecidos incluem Bee Gees, Donna Summer, Gloria Gaynor, Giorgio Moroder, Baccara, Boney M., Earth Wind & Fire, Chaka Khan, Chic, KC and the Sunshine Band, Thelma Houston, Sister Sledge, Sylvester, The Trammps e Village People. Enquanto os artistas atraíam a atenção do público, os produtores musicais que trabalhavam nos bastidores desempenharam um papel importante no desenvolvimento do gênero. No final dos anos 1970, a maioria das grandes cidades dos Estados Unidos tinha cenas prósperas de discotecas, e os DJs mixavam discos de dança em clubes como o Studio 54 em Manhattan, um local popular entre as celebridades. Os freqüentadores de boates geralmente usavam roupas caras e extravagantes, consistindo predominantemente em calças ou vestidos soltos e esvoaçantes para facilitar os movimentos durante a dança. Havia também uma próspera subcultura de drogas na cena disco, particularmente para drogas que melhorariam a experiência de dançar ao som de música alta e luzes piscantes, como cocaína e quaaludes, sendo este último tão comum na subcultura disco que foram apelidados de & #34;biscoitos discoteca. As discotecas também foram associadas à promiscuidade como reflexo da revolução sexual dessa época na história popular. Filmes como Saturday Night Fever (1977) e Graças a Deus é sexta-feira (1978) contribuíram para a popularidade do disco.
O disco declinou como uma tendência importante na música popular nos Estados Unidos após a infame Disco Demolition Night, e continuou a cair acentuadamente em popularidade nos Estados Unidos durante o início dos anos 1980; no entanto, permaneceu popular na Itália e em alguns países europeus ao longo dos anos 1980 e, durante esse período, também começou a se tornar moda em outros lugares, incluindo Índia e Oriente Médio, onde aspectos da discoteca foram misturados com estilos folclóricos regionais, como ghazals e dança do ventre. O disco acabaria por se tornar uma influência chave no desenvolvimento da dance music eletrônica, house music, hip hop, new wave, dance-punk e pós-disco. O estilo teve vários revivals desde os anos 1990, e a influência do disco continua forte na música pop americana e europeia. Um renascimento está em andamento desde o início de 2010, chegando a grande popularidade no início de 2020. Álbuns que contribuíram para esse renascimento incluem Confessions On A Dance Floor, Random Access Memories, The Slow Rush, Cuz I Love You , Future Nostalgia, Hey U X, Melodrama, Qual é o seu prazer?, About Last Night..., Róisín Machine, e o próprio álbum de Kylie Minogue intitulado Disco.
Etimologia
O termo "disco" é uma abreviação da palavra discothèque, uma palavra francesa para "biblioteca de discos fonográficos" derivado de "bibliothèque". A palavra "discoteca" tinha o mesmo significado em inglês na década de 1950.
"Discoteca" passou a ser usado em francês para uma espécie de boate em Paris, depois de terem recorrido a tocar discos durante a ocupação nazista no início dos anos 1940. Alguns clubes o usaram como nome próprio. Em 1960, também foi usado para descrever uma boate parisiense em uma revista inglesa.
No verão de 1964, um vestido curto sem mangas chamado "discotheque dress" foi brevemente muito popular nos Estados Unidos. O uso conhecido mais antigo para a forma abreviada "disco" descreveu este vestido e foi encontrado no The Salt Lake Tribune em 12 de julho de 1964, a revista Playboy o usou em setembro do mesmo ano para descrever as casas noturnas de Los Angeles.
Vince Aletti foi um dos primeiros a descrever a disco como um som ou gênero musical. Ele escreveu o artigo "Discotheque Rock Paaaaarty" que apareceu na revista Rolling Stone em setembro de 1973.
Características musicais
Jogar(help·info)
Jogar(help·info)A música normalmente sobrepõe-se a camadas crescentes, vocais frequentemente reverberados, muitas vezes duplicados por trompas, sobre um fundo "pad" de pianos elétricos e "arranha-galinha" guitarras rítmicas tocadas em uma guitarra elétrica. A guitarra principal aparece com menos frequência na discoteca do que no rock. "O "arranhado do galo" o som é obtido pressionando levemente as cordas da guitarra contra o braço da guitarra e, em seguida, liberando-as rapidamente apenas o suficiente para obter um [som] de pôquer levemente abafado, enquanto dedilha constantemente muito perto da ponte." Outros instrumentos de teclado de apoio incluem piano, órgão elétrico (durante os primeiros anos), sintetizadores de cordas e teclados eletromecânicos, como o piano elétrico Fender Rhodes, o piano elétrico Wurlitzer e o Hohner Clavinet. A canção de 1977 de Donna Summer, "I Feel Love", produzida por Giorgio Moroder com um proeminente sintetizador Moog na batida, foi uma das primeiras faixas disco a usar o sintetizador.
O ritmo é marcado por linhas de baixo proeminentes e sincopadas (com uso intenso de oitavas quebradas, ou seja, oitavas com as notas soadas uma após a outra) tocadas no baixo e pelos bateristas usando uma bateria africana/latina percussão e bateria eletrônica, como módulos de bateria Simmons e Roland. O som foi enriquecido com linhas de solo e partes de harmonia tocadas por uma variedade de instrumentos orquestrais, como harpa, violino, viola, violoncelo, trompete, saxofone, trombone, clarinete, fliscorne, trompa, tuba, trompa inglesa, oboé, flauta (às vezes especialmente a flauta alto e ocasionalmente flauta), flautim, tímpanos e cordas de sintetizador, seção de cordas ou uma orquestra de cordas completa.
A maioria das músicas disco tem uma batida constante de quatro no chão definida por um bumbo, um padrão de chimbal colcheia ou semicolcheia com um chimbal aberto e sibilante no off-beat e um pesado, linha de baixo sincopada. Um erro de gravação na música de 1975 "Bad Luck" por Harold Melvin & o Blue Notes, onde o chimbal de Earl Young estava muito alto na gravação, estabeleceu chimbal alto na discoteca. Outros ritmos latinos, como a rumba, o samba e o cha-cha-cha, também são encontrados em gravações disco, e polirritmias latinas, como uma batida de rumba sobreposta a um merengue, são comuns. O padrão de colcheia geralmente é apoiado por outros instrumentos, como a guitarra base, e pode estar implícito em vez de explicitamente presente.
As músicas costumam usar síncope, que é a acentuação de batidas inesperadas. Em geral, a diferença entre disco, ou qualquer música dançante, e um rock ou música popular é que na música dançante o bombo bate quatro no chão, pelo menos uma vez por compasso (o que em 4/ 4 tempos são 4 batidas por compasso). O disco é ainda caracterizado por uma divisão de semicolcheias das semínimas, conforme mostrado no segundo padrão de bateria abaixo, após um padrão típico de bateria de rock.
O som orquestral é geralmente conhecido como "som disco" depende fortemente de seções de cordas e trompas tocando frases lineares, em uníssono com os vocais crescentes e frequentemente reverberados ou tocando preenchimentos instrumentais, enquanto pianos elétricos e guitarras de arranhões criam o fundo "pad" som definindo a progressão da harmonia. Normalmente, toda a duplicação de partes e o uso de instrumentos adicionais criam uma rica "parede de som". Existem, no entanto, sabores de disco mais minimalistas com instrumentação reduzida e transparente.
Harmonicamente, a música disco normalmente contém sete acordes maiores e menores, que são encontrados com mais frequência no jazz do que na música pop.
Produção
O "som de discoteca" era muito mais caro de produzir do que muitos dos outros gêneros musicais populares da década de 1970. Ao contrário do som mais simples de quatro bandas do funk, soul music do final dos anos 1960 ou dos pequenos trios de órgão de jazz, a música disco geralmente incluía uma grande banda, com vários instrumentos de corda (guitarra, teclado, sintetizador), vários tambores ou instrumentos de percussão (bateria, percussão latina, bateria eletrônica), uma seção de metais, uma orquestra de cordas e uma variedade de instrumentos "clássicos" instrumentos solo (por exemplo, flauta, flautim e assim por diante).
As músicas disco foram arranjadas e compostas por arranjadores e orquestradores experientes, e os produtores musicais adicionaram seus toques criativos ao som geral usando técnicas de gravação multitrack e unidades de efeitos. A gravação de arranjos complexos com um número tão grande de instrumentos e seções exigia uma equipe que incluía um maestro, copistas, produtores de discos e engenheiros de mixagem. Os engenheiros de mixagem tiveram um papel importante no processo de produção do disco, porque as músicas do disco usavam até 64 faixas de vocais e instrumentos. Engenheiros de mixagem e produtores musicais, sob a direção de arranjadores, compilaram essas faixas em uma composição fluida de versos, pontes e refrões, completos com compilações e quebras. Engenheiros de mixagem e produtores musicais ajudaram a desenvolver o "som disco" criando uma mixagem disco sofisticada e com som distinto.
Os primeiros discos eram o "padrão" versão de três minutos até que Tom Moulton surgiu com uma maneira de tornar as músicas mais longas para que ele pudesse levar uma multidão de dançarinos em um clube para outro nível e mantê-los dançando por mais tempo. Ele descobriu que era impossível tornar os singles de vinil de 45 RPM da época mais longos, já que eles geralmente não continham mais do que cinco minutos de música de boa qualidade. Com a ajuda de José Rodriguez, seu engenheiro de remasterização/masterização, ele pressionou um single em um 10" disco em vez de 7". Eles gravaram o próximo single em 12" disco, o mesmo formato de um álbum padrão. Moulton e Rodriguez descobriram que esses discos maiores poderiam ter músicas e remixes muito mais longos. 12" discos únicos, também conhecidos como "Maxi singles", rapidamente se tornaram o formato padrão para todos os DJs do gênero disco.
Cultura do clube
Boates
No final da década de 1970, a maioria das grandes cidades dos Estados Unidos tinha uma próspera cena de discotecas. As maiores cenas foram principalmente na cidade de Nova York, mas também na Filadélfia, San Francisco, Miami e Washington, DC A cena era centrada em discotecas, casas noturnas e festas privadas em lofts.
Na década de 1970, discotecas notáveis incluíam "Crisco Disco", "The Sanctuary", "Leviticus", "Studio 54" e "Paradise Garage" em Nova York, "Artemis" na Filadélfia, "Studio One" em Los Angeles, "Dugan's Bistro" em Chicago, e "The Library" em Atlanta.
No final dos anos 70, o Studio 54 em Midtown Manhattan era indiscutivelmente a boate mais conhecida do mundo. Este clube desempenhou um papel formativo importante no crescimento da música disco e da cultura noturna em geral. Era operado por Steve Rubell e Ian Schrager e era notório pelo hedonismo que acontecia lá dentro: as varandas eram conhecidas por encontros sexuais e o uso de drogas era desenfreado. Sua pista de dança foi decorada com uma imagem do "Homem da Lua" que incluía uma colher de cocaína animada.
A "Copacabana", outra boate nova-iorquina dos anos 1940, teve um renascimento no final dos anos 1970, quando abraçou a discoteca; se tornaria o cenário de uma música de Barry Manilow com o mesmo nome.
Em Washington, D.C., grandes discotecas como "The Pier" ("Pier 9") e "The Other Side", originalmente considerados exclusivamente como "bares gays", tornaram-se particularmente populares entre os gays e estudantes universitários heterossexuais no final dos anos 70.
Em 1979, havia de 15.000 a 20.000 casas noturnas nos Estados Unidos, muitas delas abrindo em shopping centers, hotéis e restaurantes suburbanos. As franquias do 2001 Club foram a rede de discotecas mais prolífica do país. Embora muitas outras tentativas tenham sido feitas para franquear discotecas, 2001 foi o único a fazê-lo com sucesso neste período de tempo.
Equipamento de som e luz
Sistemas de som hi-fi potentes e com graves pesados eram vistos como uma parte fundamental da experiência do clube de discoteca. "[David, apresentador da festa Loft] Mancuso introduziu as tecnologias de matrizes de tweeters (conjuntos de pequenos alto-falantes, que emitem frequências de ponta, posicionadas acima do piso) e reforços de graves (conjuntos adicionais de subwoofers posicionados no nível do solo) em o início da década de 1970 para aumentar os agudos e graves em momentos oportunos e, no final da década, engenheiros de som como Richard Long multiplicaram os efeitos dessas inovações em locais como o Garage."
Os designs de iluminação típicos para pistas de dança discoteca incluem luzes multicoloridas que giram ou piscam ao ritmo, luzes estroboscópicas, uma pista de dança iluminada e uma bola de espelhos.
DJs
Os disc jockeys (DJs) da era do disco costumavam remixar músicas existentes usando máquinas de fita bobina a bobina e adicionar quebras de percussão, novas seções e novos sons. Os DJs selecionavam músicas e grooves de acordo com o que os dançarinos queriam, passando de uma música para outra com um mixer de DJ e usando um microfone para apresentar as músicas e falar com o público. Outros equipamentos foram adicionados à configuração básica do DJ, fornecendo manipulações de som exclusivas, como reverberação, equalização e unidade de efeitos de eco. Usando este equipamento, um DJ pode fazer efeitos como cortar tudo menos a linha de baixo de uma música e, em seguida, misturar lentamente no início de outra música usando o crossfader do mixer de DJ. Notáveis DJs disco dos EUA incluem Francis Grasso do The Sanctuary, David Mancuso do The Loft, Frankie Knuckles do Chicago Warehouse, Larry Levan do Paradise Garage, Nicky Siano, Walter Gibbons, Karen Mixon Cook, Jim Burgess, John "Jellybean& #34; Benitez, Richie Kulala do Studio 54 e Rick Salsalini.
Alguns DJs também eram produtores musicais que criavam e produziam músicas disco no estúdio de gravação. Larry Levan, por exemplo, foi um prolífico produtor musical e também DJ. Como as vendas de discos geralmente dependiam da execução de pista de dança por DJs nas casas noturnas, os DJs também foram influentes no desenvolvimento e na popularização de certos tipos de música disco produzidos para gravadoras.
Dança
Nos primeiros anos, os dançarinos nas discotecas dançavam em um "hang loose" ou "estilo livre" abordagem. No início, muitos dançarinos improvisavam seus próprios estilos de dança e passos de dança. Mais tarde, na era disco, estilos de dança populares foram desenvolvidos, incluindo o "Bump", "Penguin", "Boogaloo", "Watergate", e "Robô". Em outubro de 1975, o Hustle reinou. Era altamente estilizado, sofisticado e abertamente sexual. As variações incluíam Brooklyn Hustle, New York Hustle e Latin Hustle.
Durante a era da discoteca, muitas casas noturnas costumavam hospedar competições de dança ou oferecer aulas de dança gratuitas. Algumas cidades tinham instrutores de dança discoteca ou escolas de dança, que ensinavam as pessoas a fazer danças discotecas populares, como "dança do toque", "a agitação" e "o cha cha" 34;. A pioneira no ensino da dança disco foi Karen Lustgarten em San Francisco em 1973. Seu livro The Complete Guide to Disco Dancing (Warner Books 1978) foi o primeiro a nomear, dividir e codificar as danças disco populares como dança formas e distinguir entre disco freestyle, dança de casal e dança de linha. O livro liderou a lista dos mais vendidos do New York Times por 13 semanas e foi traduzido para chinês, alemão e francês.
Em Chicago, o programa de TV de dança disco Step By Step foi lançado com o apoio do patrocínio da empresa Coca-Cola. Produzido no mesmo estúdio que Don Cornelius usou para o programa de televisão de dança/música distribuído nacionalmente, Soul Train, o público de Step by Step cresceu e o programa se tornou um sucesso sucesso. A dinâmica dupla de dança de Robin e Reggie liderou o show. A dupla passou a semana ensinando dança disco para dançarinos nas discotecas. O programa instrutivo foi ao ar nas manhãs de sábado e teve muitos seguidores. Seus espectadores ficavam acordados a noite toda nas sextas-feiras para que pudessem estar no set na manhã seguinte, prontos para voltar à discoteca no sábado à noite sabendo dos últimos passos personalizados. Os produtores do show, John Reid e Greg Roselli, faziam aparições rotineiras em eventos de discoteca com Robin e Reggie para descobrir novos talentos de dança e promover eventos futuros, como "Disco Night at White Sox Park".
Em Sacramento, Califórnia, o Disco King Paul Dale Roberts dançou para o Guinness Book of World Records. Ele dançou por 205 horas, o equivalente a 8 dias e meio. Outras maratonas de dança aconteceram depois e Roberts deteve o recorde mundial de dança disco por um curto período de tempo.
Algumas companhias de dança profissionais notáveis da década de 1970 incluíam Pan's People e Hot Gossip. Para muitos dançarinos, uma das principais fontes de inspiração para a dança disco dos anos 1970 foi o filme Saturday Night Fever (1977). Outras influências vieram do estilo de música e dança de filmes como Fame (1980), Disco Dancer (1982), Flashdance (1983), e Os últimos dias da discoteca (1998). O interesse pela dança disco também ajudou a gerar programas de TV de competição de dança, como Dance Fever (1979).
Moda
A moda disco estava muito na moda no final dos anos 1970. Os freqüentadores de discotecas costumavam usar roupas glamorosas, caras e extravagantes para sair à noite em sua discoteca local. Algumas mulheres usavam vestidos transparentes e esvoaçantes, como vestidos Halston ou calças largas largas. Outras mulheres usavam roupas justas, reveladoras e sensuais, como tops sem costas, calças disco, "calças quentes" ou bodywear de lycra colado ao corpo ou "catsuits". Os homens usavam camisas Qiana de poliéster brilhante com estampas coloridas e golas pontiagudas extra largas, de preferência abertas no peito. Os homens costumavam usar ternos Pierre Cardin, ternos de três peças com colete e jaquetas de poliéster de malha dupla com calças combinando, conhecidas como roupas de lazer. Os ternos de lazer masculinos eram tipicamente ajustados a algumas partes do corpo, como a cintura e a parte inferior, enquanto a parte inferior das calças era larga em estilo boca de sino, para permitir liberdade de movimento.
Durante a era da disco, os homens se envolviam em elaborados rituais de higiene pessoal e passavam o tempo escolhendo roupas da moda, atividades que teriam sido consideradas "femininas" de acordo com os estereótipos de gênero da época. As dançarinas usavam maquiagem com glitter, lantejoulas ou roupas de lamê dourado que brilhavam sob as luzes. Cores ousadas eram populares para ambos os sexos. Sapatos de plataforma e botas para ambos os sexos e salto alto para mulheres eram calçados populares. Colares e medalhões eram um acessório de moda comum. Menos comumente, alguns dançarinos de discoteca usavam trajes bizarros, vestidos como travestis, cobriam seus corpos com tinta dourada ou prateada ou usavam roupas muito reduzidas, deixando-os quase nus; essas roupas incomuns eram mais prováveis de serem vistas em festas só para convidados em Nova York e discotecas.
Subcultura de drogas
Além dos aspectos de dança e moda da cena das discotecas, havia também uma próspera subcultura de drogas em clubes, especialmente para drogas que melhoravam a experiência de dançar ao som de música alta e pesada e luzes coloridas piscando, como cocaína (apelidada de "blow"), nitrito de amila ("poppers") e a "... outra quintessência da droga club dos anos 1970, Quaalude, que suspendia a coordenação motora e dava a sensação de que os braços e as pernas se transformaram em 'Jell-O'" Quaaludes eram tão populares nas discotecas que a droga foi apelidada de "discotecas".
Paul Gootenberg afirma que "[a] relação da cocaína com a cultura disco dos anos 1970 não pode ser enfatizada o suficiente..." Durante a década de 1970, o uso de cocaína por celebridades abastadas levou à sua "glamorização" e à visão amplamente difundida de que era uma "droga leve". LSD, maconha e "speed" (anfetaminas) também eram populares nas discotecas, e o uso dessas drogas "...contribuía para a qualidade hedonista da experiência da pista de dança". Como os bailes de discoteca eram normalmente realizados em boates e boates licenciadas para bebidas alcoólicas, as bebidas alcoólicas também eram consumidas pelos dançarinos; alguns usuários combinaram intencionalmente o álcool com o consumo de outras drogas, como Quaaludes, para um efeito mais forte.
Erotismo e liberação sexual
Segundo Peter Braunstein, as "quantidades massivas de drogas ingeridas nas discotecas produziram o próximo fenômeno cultural da era disco: promiscuidade desenfreada e sexo em público". Enquanto a pista de dança era a arena central da sedução, o sexo real geralmente acontecia nas regiões inferiores da discoteca: cabines de banheiro, escadarias de saída e assim por diante. Em outros casos, a discoteca tornou-se uma espécie de 'prato principal' no cardápio de um hedonista para sair à noite." Na boate The Saint, uma alta porcentagem de dançarinos e clientes gays fazia sexo no clube; eles normalmente faziam sexo desprotegido, porque em 1980, o HIV-AIDS ainda não havia sido identificado. No The Saint, "os dançarinos fugiam para uma varanda não monitorada no andar de cima para fazer sexo". A promiscuidade e o sexo público nas discotecas faziam parte de uma tendência mais ampla de explorar uma expressão sexual mais livre na década de 1970, uma época também associada a "clubes de swing, banheiras de hidromassagem e festas importantes".
Em seu artigo, "In Defense of Disco" (1979), Richard Dyer afirma o erotismo como uma das três principais características da discoteca. Ao contrário da música rock, que tem um erotismo muito centrado no fálico, focando no prazer sexual dos homens sobre outras pessoas, Dyer descreve a disco como apresentando um erotismo de corpo inteiro não fálico. Através de uma variedade de instrumentos de percussão, uma vontade de brincar com o ritmo e a repetição interminável de frases sem interromper o ouvinte, a disco alcançou esse erotismo de corpo inteiro ao restaurar o erotismo em todo o corpo para ambos os sexos. Isso permitiu a expressão potencial de sexualidades não definidas pelo pênis/pênis e o prazer erótico de corpos que não são definidos por uma relação com um pênis. A liberação sexual expressa através do ritmo da disco é ainda representada nos espaços dos clubes onde a disco se desenvolveu.
Em Modulations: A History of Electronic Music: Throbbing Words on Sound, de Peter Shapiro, ele discute o erotismo por meio da tecnologia que a disco utiliza para criar seu som audacioso. A música, afirma Shapiro, é adjunta ao "o ethos de prazer é política da cultura pós-Stonewall." Ele explica como o "mecano-erotismo", que liga a tecnologia usada para criar o som mecânico único da discoteca ao erotismo, colocou o gênero em uma nova dimensão da realidade que vive fora do naturalismo e da heterossexualidade.
Ele usa os singles de Donna Summer, 'Love to Love You Baby'; (1975) e "I Feel Love" (1977) como exemplos da sempre presente relação entre as linhas de baixo sintetizadas e fundos para os sons simulados de orgasmos. A voz de Summer ecoa nas faixas e os compara aos fãs de discoteca fervorosos e sexualmente liberados que buscaram se libertar por meio da "estética do sexo mecânico" do disco. Shapiro vê isso como uma influência que cria subgêneros como hi-NRG e dub-disco, que permitiram que o erotismo e a tecnologia fossem mais explorados por meio de intensas linhas de baixo de sintetizador e técnicas rítmicas alternativas que tocam todo o corpo, em vez do óbvio erótico partes do corpo.
A boate nova-iorquina The Sanctuary, comandada pelo DJ residente Francis Grasso, é um excelente exemplo dessa liberdade sexual. Em sua história do disc jockey e da cultura do clube, Bill Brewster e Frank Broughton descrevem o Santuário como "cheio de homens gays recém-libertados, depois abalado (e agitado) por uma mistura pesada de dance music e farmacocia de pílulas e poções, o resultado é um festival de carnalidade." O Santuário foi a "primeira discoteca gay totalmente desinibida na América" e enquanto o sexo não era permitido na pista de dança, nos cantos escuros, nos banheiros. e os corredores dos prédios adjacentes eram todos utilizados para encontros sexuais do tipo orgia.
Ao descrever a música, as drogas e a mentalidade liberada como um trio reunido para criar o festival da carnalidade, Brewster e Broughton estão incitando todos os três como estímulos para a dança, o sexo e outros movimentos corporificados que contribuíram para as vibrações corpóreas dentro do Santuário. Sustenta o argumento de que a música disco teve um papel facilitador dessa liberação sexual que era vivenciada nas discotecas. A recente legalização do aborto e a introdução dos antibióticos e da pílula facilitaram uma mudança cultural em torno do sexo, de procriação para prazer e diversão. Assim, foi promovida uma estrutura muito positiva para o sexo em torno das discotecas.
Além disso, além do sexo gay ser ilegal no estado de Nova York, até 1973 a Associação Americana de Psiquiatria classificava a homossexualidade como uma doença. Essa lei e classificação juntas podem ser entendidas como tendo fortemente dissuadido a expressão de estranheza em público, como tal, a dinâmica libertadora das discotecas pode ser vista como tendo fornecido espaço para a auto-realização de pessoas queer. O clube/festa em casa de David Mancuso, The Loft, foi descrito como tendo uma "atitude pansexual [que] era revolucionária em um país onde até recentemente era ilegal dois homens dançarem juntos, a menos que houvesse uma mulher presente; onde as mulheres eram legalmente obrigadas a usar pelo menos uma peça reconhecível de roupa feminina em público; e onde os homens que visitam bares gays geralmente carregam o dinheiro da fiança com eles."
História
1940–1960: Primeiras discotecas
O disco foi desenvolvido principalmente a partir da música que era popular na pista de dança em clubes que começaram a tocar discos em vez de ter uma banda ao vivo. As primeiras discotecas tocavam principalmente música swing. Mais tarde, o ritmo acelerado e o blues se tornaram populares nos clubes americanos e nos discos de soul e glam rock do norte no Reino Unido. No início dos anos 1940, as casas noturnas de Paris começaram a tocar discos de jazz durante a ocupação nazista.
Régine Zylberberg afirmou ter iniciado a primeira discoteca e ter sido a primeira DJ de clube em 1953 no "Whisky à Go-Go" em Paris. Ela instalou uma pista de dança com luzes coloridas e dois toca-discos para poder tocar discos sem ter uma pausa na música. Em outubro de 1959, o proprietário do Scotch Club em Aachen, Alemanha Ocidental, optou por instalar um toca-discos para a noite de abertura em vez de contratar uma banda ao vivo. Os clientes não ficaram impressionados até que um jovem repórter, que estava cobrindo a inauguração do clube, impulsivamente assumiu o controle do toca-discos e apresentou os discos que escolheu para tocar. Klaus Quirini mais tarde afirmou ter sido o primeiro DJ de boate do mundo.
1960–1974: Precursores e início da música disco
Durante a década de 1960, a dança discoteca tornou-se uma tendência europeia que foi entusiasticamente captada pela imprensa americana. Nesta época, quando a cultura discoteca da Europa se tornou popular nos Estados Unidos, vários gêneros musicais com ritmos dançantes ganharam popularidade e evoluíram para diferentes subgêneros: rhythm and blues (originado na década de 1940), soul (final dos anos 1950 e 1960), funk (meados dos anos 1960) e go-go (meados dos anos 1960 e 1970; mais do que "disco", a palavra "go-go" originalmente indicava um clube de música). Os gêneros musicais, que eram executados principalmente por músicos afro-americanos, influenciariam muito a discoteca inicial.
Também durante a década de 1960, a gravadora Motown desenvolveu sua própria abordagem, descrita como tendo "1) canções simplesmente estruturadas com melodias sofisticadas e mudanças de acordes, 2) um padrão implacável de bateria de quatro tempos, 3) um evangelho uso de vozes de fundo, vagamente derivadas do estilo dos Impressions, 4) um uso regular e sofisticado de trompas e cordas, 5) cantores principais que estavam a meio caminho entre a música pop e gospel, 6) um grupo de músicos acompanhantes que eram entre os mais habilidosos, conhecedores e brilhantes em toda a música popular (os baixistas da Motown há muito causam inveja aos baixistas do rock branco) e 7) um estilo agudo de mixagem que dependia fortemente da limitação e equalização eletrônica (aumentando as frequências de alta faixa) para dar ao produto geral um som distinto, particularmente eficaz para transmissão por rádio AM." A Motown teve muitos sucessos com os primeiros elementos disco de artistas como Supremes ('You Keep Me Hangin' On' em 1966), Stevie Wonder ('Superstition' em 1972), The Jackson 5 e Eddie Kendricks ("Keep on Truckin'" em 1973).
No final da década de 1960, músicos e público das comunidades negra, italiana e latina adotaram vários traços das subculturas hippie e psicodelia. Eles incluíram o uso de locais de música com um som alto e avassalador, dança de forma livre, iluminação alucinante, fantasias coloridas e o uso de drogas alucinógenas. Além disso, a positividade percebida, a falta de ironia e a seriedade dos hippies informaram a música proto-disco como o álbum de MFSB Love Is the Message. Em parte devido ao sucesso de Jimi Hendrix, os elementos psicodélicos que eram populares na música rock do final dos anos 1960 encontraram seu caminho para o soul e o funk antigo e formaram o subgênero soul psicodélico. Exemplos podem ser encontrados na música dos Chambers Brothers, George Clinton com seu coletivo Parliament-Funkadelic, Sly and the Family Stone, e as produções de Norman Whitfield com The Temptations.
As longas introduções instrumentais e a orquestração detalhada encontradas nas faixas de soul psicodélico dos Temptations também são consideradas como soul cinematográfico. No início dos anos 1970, Curtis Mayfield e Isaac Hayes emplacaram sucessos com canções soul cinematográficas que na verdade foram compostas para trilhas sonoras de filmes: "Superfly" (1972) e "Tema de Shaft" (1971). A última às vezes é considerada uma das primeiras canções disco. De meados dos anos 1960 ao início dos anos 1970, o soul da Filadélfia e o soul de Nova York se desenvolveram como subgêneros que também tinham percussão luxuosa, arranjos exuberantes de orquestra de cordas e processos caros de produção de discos. No início dos anos 1970, as produções de soul da Filadélfia de Gamble and Huff evoluíram dos arranjos mais simples do final dos anos 1960 para um estilo com cordas exuberantes, linhas de baixo fortes e ritmos deslizantes de chimbal. Esses elementos se tornariam típicos da música disco e são encontrados em vários dos sucessos que eles produziram no início dos anos 1970:
- "Love Train" do O'Jays (com MFSB como banda de backup) foi lançado em 1972 e liderou a Billboard Hot 100 em março de 1973
- "The Love I Lost" de Harold Melvin & the Blue Notes (1973)
- "Now That We Found Love" de The O'Jays (1973), mais tarde um sucesso para o Terceiro Mundo em 1978
- "TSOP (The Sound of Philadelphia)" de MFSB com vocais de The Three Degrees, uma canção sem palavras escrita como tema para Trem de alma e um #1 hit no Billboard Hot 100 em 1974
Outras faixas do início da discoteca que ajudaram a moldar a discoteca e se tornaram populares nas pistas de dança de discotecas e festas (underground) incluem:
- "Soul Makossa" de Manu Dibango foi lançado pela primeira vez na França em 1972; foi pego pela cena de disco subterrânea em Nova York e posteriormente obteve um lançamento adequado nos EUA, alcançando #35 no Hot 100 em 1973
- "The Night" do Four Seasons foi lançado em 1972, mas não foi imediatamente popular; apelou para a cena da alma do Norte e se tornou um sucesso no Reino Unido em 1975
- "Love's Theme" by the Love Unlimited Orchestra, dirigido por Barry White, uma canção instrumental originalmente apresentada em Sob a influência de... Amor ilimitado em julho de 1973, do qual foi chamado como single em novembro daquele ano; posteriormente, o maestro incluiu-o em seu próprio álbum de estreia Rhapsody in White (1974) onde a faixa alcançou o número um no Billboard Quente 100 no início daquele ano.
- "Jungle Fever" de The Chakachas foi lançado pela primeira vez na Bélgica em 1971 e mais tarde lançado nos Estados Unidos em 1972, onde alcançou #8 no Billboard Hot 100 no mesmo ano
- "Girl You Need a Change of Mind" de Eddie Kendricks foi lançado em maio de 1972, no álbum People... Espera.
A discoteca antiga era dominada por produtores e gravadoras como Salsoul Records (Ken, Stanley e Joseph Cayre), West End Records (Mel Cheren), Casablanca (Neil Bogart) e Prelude (Marvin Schlachter). O gênero também foi moldado por Tom Moulton, que queria estender o prazer das canções de dança - criando assim o mix estendido ou "remix", passando de um single de 45 rpm de três minutos para o muito mais longo 12" registro. Outros DJs e remixers influentes que ajudaram a estabelecer o que ficou conhecido como o "disco sound" incluiu David Mancuso, Nicky Siano, Shep Pettibone, Larry Levan, Walter Gibbons e Frankie Knuckles, de Chicago. Frankie Knuckles não era apenas um importante DJ de discoteca; ele também ajudou a desenvolver a house music na década de 1980.
O disco atingiu as ondas do rádio da televisão como parte do programa de variedades de música/dança Soul Train em 1971 apresentado por Don Cornelius, então Disco Step-by-Step Television de Marty Angelo Show em 1975, Disco Magic/Disco 77 de Steve Marcus, Soap Factory de Eddie Rivera e Merv Griffin Dance Fever, apresentado por Deney Terrio, que é creditado por ensinar o ator John Travolta a dançar por seu papel no filme Saturday Night Fever, bem como DANCE, baseado em Colúmbia, Carolina do Sul.
Em 1974, o WPIX-FM de Nova York estreou o primeiro programa de rádio disco.
Início da cultura disco nos Estados Unidos
Na década de 1970, a principal contracultura da década de 1960, o movimento hippie, estava desaparecendo. A prosperidade econômica da década anterior havia diminuído e o desemprego, a inflação e as taxas de criminalidade dispararam. Questões políticas como a reação do Movimento dos Direitos Civis culminando na forma de distúrbios raciais, a Guerra do Vietnã, os assassinatos do Dr. Martin Luther King Jr. e John F. Kennedy, e o escândalo Watergate, deixaram muitos desiludidos e sem esperança. O início dos anos 70 foi marcado por uma mudança na consciência do povo americano: a ascensão do movimento feminista, políticas de identidade, gangues etc. A música disco e a dança disco forneceram uma fuga das questões sociais e econômicas negativas. O estilo de dança sem parceria da música disco permitiu que pessoas de todas as raças e orientações sexuais desfrutassem da atmosfera da pista de dança.
Em Beautiful Things in Popular Culture, Simon Frith destaca a sociabilidade da disco e suas raízes na contracultura dos anos 1960. “A força motriz da cena de dança underground de Nova York na qual a discoteca foi forjada não era simplesmente a complexa cultura étnica e sexual daquela cidade, mas também uma noção dos anos 1960 de comunidade, prazer e generosidade que só pode ser descrita como hippie', diz ele. "A melhor música disco continha em si uma sensação notavelmente poderosa de euforia coletiva."
O nascimento da disco é frequentemente encontrado nas festas dançantes privadas realizadas pela casa do DJ David Mancuso de Nova York, que ficou conhecida como The Loft, um clube underground não comercial apenas para convidados que inspirou muitos outros. Ele organizou a primeira grande festa em sua casa em Manhattan no Dia dos Namorados de 1970 com o nome de "Love Saves The Day". Depois de alguns meses, as festas tornaram-se eventos semanais e Mancuso continuou a dar festas regulares na década de 1990. Mancuso exigia que a música tocada fosse comovente, rítmica e transmitisse palavras de esperança, redenção ou orgulho.
Quando Mancuso deu suas primeiras festas informais em casa, a comunidade gay (que compunha grande parte da lista de participantes do The Loft) era frequentemente assediada nos bares e danceterias gays, com muitos gays carregando o dinheiro da fiança com eles para bares gays. Mas no The Loft e em muitas outras antigas discotecas privadas, eles podiam dançar juntos sem medo da ação policial, graças às políticas clandestinas, mas legais, de Mancuso. Vince Aletti descreveu isso "como ir a uma festa, completamente misturado, racial e sexualmente, onde não havia qualquer sensação de alguém ser mais importante do que qualquer outra pessoa". e Alex Rosner reiterou isso dizendo 'Provavelmente era cerca de sessenta por cento negro e setenta por cento gay... Havia uma mistura de orientação sexual, havia uma mistura de raças, mistura de grupos econômicos. Uma verdadeira mistura, onde o denominador comum era a música."
O crítico de cinema Roger Ebert chamou a aceitação popular dos movimentos de dança exuberantes da disco como uma fuga da "depressão geral e monotonia da atmosfera política e musical do final dos anos setenta". Pauline Kael, escrevendo sobre o filme com tema de discoteca Saturday Night Fever, disse que o filme e a própria discoteca tocaram em "algo profundamente romântico, a necessidade de se mover, de dançar e a necessidade de ser quem você gostaria de ser. Nirvana é a dança; quando a música para, você volta a ser comum."
Primeira cultura disco no Reino Unido
No final dos anos 1960, o soul uptempo com batidas pesadas e alguns estilos de dança e moda associados foram adotados na cena mod britânica e formaram o movimento soul do norte. Originando-se em locais como o Twisted Wheel em Manchester, rapidamente se espalhou para outros dancehalls e casas noturnas do Reino Unido, como o Chateau Impney (Droitwich), Catacombs (Wolverhampton), Highland Rooms em Blackpool Mecca, Golden Torch (Stoke-on-Trent), e Wigan Casino. À medida que a batida preferida se tornou mais acelerada e frenética no início dos anos 1970, a dança soul do norte tornou-se mais atlética, lembrando um pouco os estilos de dança posteriores da discoteca e da dança break. Apresentando giros, flips, chutes de caratê e cenários, os estilos de dança do clube eram frequentemente inspirados nas apresentações de palco de shows de soul americanos em turnê, como Little Anthony & os imperiais e Jackie Wilson.
Em 1974, havia cerca de 25.000 discotecas móveis e 40.000 disc jockeys profissionais no Reino Unido. As discotecas móveis eram DJs contratados que traziam seu próprio equipamento para fornecer música para eventos especiais. As faixas de glam rock eram populares, como, por exemplo, o single de Gary Glitter de 1972, "Rock and Roll Part 2"; tornando-se popular nas pistas de dança do Reino Unido, embora não tenha muito airplay nas rádios.
1974–1977: ascensão ao mainstream
De 1974 a 1977, a popularidade da música disco aumentou, já que muitas canções disco chegaram ao topo das paradas. O "Rock the Boat" (1974), um single número um nos Estados Unidos e que vendeu um milhão, foi uma das primeiras canções disco a alcançar o primeiro lugar. O mesmo ano viu o lançamento de "Kung Fu Fighting", interpretado por Carl Douglas e produzido por Biddu, que alcançou o primeiro lugar no Reino Unido e nos Estados Unidos e se tornou o single mais vendido do ano e um dos singles mais vendidos de todos os tempos, com 11 milhões de discos vendidos em todo o mundo, ajudando a popularizar o disco em grande medida. Outro sucesso disco notável naquele ano foi "Rock Your Baby" de George McCrae: tornou-se o primeiro single disco número um do Reino Unido.
Nas seções do noroeste do Reino Unido, a explosão do soul do norte, que começou no final dos anos 1960 e atingiu o pico em 1974, tornou a região receptiva à discoteca, que os disc jockeys da região traziam de Nova York Cidade. A mudança de alguns DJs para os sons mais novos vindos dos EUA resultou em uma divisão na cena, em que alguns abandonaram o soul dos anos 1960 e empurraram um som soul moderno que tendia a estar mais alinhado com o disco do que com o soul.
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Em 1975, Gloria Gaynor lançou seu primeiro álbum de vinil lateral, que incluía um remake de "Never Can Say Goodbye" dos Jackson 5; (que, aliás, também é o título do álbum) e duas outras canções, "Honey Bee" e sua versão disco de "Reach Out (I'll Be There)". O álbum liderou as paradas disco/dance da Billboard pela primeira vez em novembro de 1974. Mais tarde, em 1978, a música disco número um de Gaynor foi "I Will Survive", que era vista como um símbolo da força feminina e um hino gay, como seu outro hit disco, um remake de 1983 de "I Am What I Am". Em 1979 ela lançou "Let Me Know (I Have a Right)", um single que ganhou popularidade nos movimentos pelos direitos civis. Também em 1975, a Salsoul Orchestra de Vincent Montana Jr. contribuiu com sua música de dança orquestral com sabor latino "Salsoul Hustle", alcançando o quarto lugar na parada de dança da Billboard; seus sucessos de 1976 foram "Tangerine" e "Nice 'n' Naasty', sendo o primeiro um cover de uma música de 1941.
Músicas como Van McCoy de 1975 "The Hustle" e o humorístico Joe Tex 1977 "Ain't Gonna Bump No More (With No Big Fat Woman)" deu nomes às danças populares da discoteca "the Bump" e "o Hustle". Outras notáveis canções disco de sucesso incluem "You're the First, the Last, My Everything" de Barry White. (1974); Labelle's "Lady Marmalade" (1974)'; Disco-Tex e os Sex-O-Lettes' "Get Dancin'" (1974); Silver Convention "Fly, Robin, Fly" (1975) e "Get Up and Boogie" (1976)'; Vicki Sue Robinson em "Turn the Beat Around" (1976); e "Mais, mais, mais" (1976) de Andrea True (uma ex-atriz pornográfica durante a Era de Ouro da Pornografia, uma era amplamente contemporânea do auge da discoteca).
Formado por Harry Wayne Casey (também conhecido como "KC") e Richard Finch, o Miami's KC and the Sunshine Band teve uma série de singles entre os cinco melhores da disco entre 1975 e 1977, incluindo "Get Down Tonight", "That's the Way (I Like It)", "(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty", "I'm Your Boogie Man", "Boogie Shoes" e "Keep It Comin' Amor". Nesse período, bandas de rock como a English Electric Light Orchestra apresentavam em suas canções um som de violino que se tornou um marco da música disco, como no hit de 1975 "Evil Woman", embora o gênero fosse corretamente descrito como orquestral pedra.
Outros produtores de disco, como Tom Moulton, pegaram ideias e técnicas da música dub (que veio com o aumento da migração jamaicana para a cidade de Nova York na década de 1970) para fornecer alternativas para o "four on the floor" estilo que dominava. O DJ Larry Levan utilizou estilos de dub e jazz e técnicas de remixagem para criar as primeiras versões da house music que deram início ao gênero.
Motown virando discoteca
Norman Whitfield foi um influente produtor e compositor da Motown Records, conhecido por criar músicas inovadoras de "alma psicodélica" canções com muitos sucessos de Marvin Gaye, The Velvelettes, The Temptations e Gladys Knight & Os Pips. Por volta da produção do álbum Temptations Cloud Nine em 1968, ele incorporou algumas influências psicodélicas e começou a produzir faixas mais longas e dançantes, com mais espaço para partes instrumentais rítmicas elaboradas. Um exemplo de uma faixa de soul psicodélica tão longa é "Papa Was a Rollin' Stone', que apareceu como uma edição única de quase sete minutos e um 12' de aproximadamente 12 minutos de duração. versão em 1972. No início dos anos 70, muitas das produções de Whitfield evoluíram cada vez mais para o funk e disco, como pode ser ouvido nos álbuns do Undisputed Truth e no álbum de 1973 G.I.T.: Get It Together por The Jackson 5. The Undisputed Truth, uma gravadora da Motown reunida por Whitfield para experimentar suas técnicas psicodélicas de produção de soul, obteve sucesso com sua música de 1971, "Smiling Faces às vezes". Seu single disco "You + Me = Love" (número 43) foi produzido por Whitfield e alcançou o segundo lugar na parada de dança dos EUA em 1976.
Em 1975, Whitfield deixou a Motown e fundou sua própria gravadora Whitfield Records, na qual também "You + Me = Love" foi liberado. Whitfield produziu mais alguns sucessos disco, incluindo "Car Wash" (1976) de Rose Royce da trilha sonora do álbum para o filme Car Wash de 1976. Em 1977, o cantor, compositor e produtor Willie Hutch, que tinha assinado com a Motown desde 1970, agora assinou com a nova gravadora de Whitfield e marcou um single disco de sucesso com sua música "In and Out" em 1982.
Outros artistas da Motown também se voltaram para a discoteca. Diana Ross abraçou o som disco com seu sucesso de 1976, "Love Hangover". de seu álbum autointitulado. Seus clássicos de dança de 1980 "Upside Down" e "Estou saindo" foram escritas e produzidas por Nile Rodgers e Bernard Edwards do grupo Chic. The Supremes, o grupo que tornou Ross famoso, marcou um punhado de sucessos nas discotecas sem ela, mais notavelmente "I'm Gonna Let My Heart Do the Walking" de 1976; e, seu último single antes da separação, "You're My Driving Wheel" de 1977.
A pedido da Motown para produzir canções no gênero disco, Marvin Gaye lançou "Got to Give It Up" em 1978, apesar de não gostar de disco. Ele jurou não gravar nenhuma música do gênero e, na verdade, escreveu a música como uma paródia. No entanto, várias das canções de Gaye têm elementos disco, incluindo "I Want You" (1975). Stevie Wonder lançou o single disco "Sir Duke" em 1977 como uma homenagem a Duke Ellington, a influente lenda do jazz que morreu em 1974. Smokey Robinson deixou o grupo Motown the Miracles para uma carreira solo em 1972 e lançou seu terceiro álbum solo A Quiet Storm em 1975, que gerou e emprestou seu nome ao "Quiet Storm" formato de programação musical e subgênero do R&B. Continha o single disco "Baby That's Backatcha". Outros artistas da Motown que marcaram sucessos disco foram o antigo grupo de Robinson, The Miracles, com "Love Machine" (1975), Eddie Kendricks com "Keep On Truckin'" (1973), os Originais com "Down to Love Town" (1976), e Thelma Houston com seu cover da música de Harold Melvin and the Blue Notes "Don't Leave Me This Way" (1976). A gravadora continuou a lançar canções de sucesso na década de 1980 com "Super Freak" de Rick James. (1981), e os Commodores'; "Lady (You Bring Me Up)" (1981).
Vários artistas solo da Motown que deixaram a gravadora passaram a ter canções disco de sucesso. Mary Wells, a primeira superestrela feminina da Motown com sua música de assinatura "My Guy" (escrita por Smokey Robinson), deixou abruptamente a gravadora em 1964. Ela reapareceu brevemente nas paradas com a música disco "Gigolo" em 1980. Jimmy Ruffin, o irmão mais velho do vocalista do Temptations, David Ruffin, também assinou contrato com a Motown e lançou sua canção mais conhecida e bem-sucedida, "What Becomes of the Brokenhearted"? como single em 1966. Ruffin acabou deixando a gravadora em meados da década de 1970, mas obteve sucesso com a música disco de 1980 "Hold On (To My Love)", que foi escrita e produzida por Robin Gibb dos Bee Gees, por seu álbum Sunrise. Edwin Starr, conhecido por sua música de protesto da Motown "War" (1970), voltou às paradas em 1979 com um par de canções disco, "Contact" e "H.A.P.P.Y. Rádio". Kiki Dee se tornou a primeira cantora britânica branca a assinar com a Motown nos Estados Unidos e lançou um álbum, Great Expectations (1970), e dois singles "The Day Will Come Between Sunday and Monday" 34; (1970) e "O amor faz o mundo girar" (1971), esta última dando sua primeira entrada nas paradas (número 87 na parada dos EUA). Ela logo deixou a empresa e assinou com a The Rocket Record Company de Elton John, e em 1976 teve seu maior e mais conhecido single, "Don't Go Breaking My Heart", um disco dueto com John. A canção pretendia ser um pastiche afetuoso no estilo disco do som da Motown, em particular os vários duetos gravados por Marvin Gaye com Tammi Terrell e Kim Weston.
Muitos grupos da Motown que deixaram a gravadora ficaram nas paradas com músicas disco. The Jackson 5, um dos principais artistas da Motown no início dos anos 1970, deixou a gravadora em 1975 (Jermaine Jackson, no entanto, permaneceu com a gravadora) depois de canções de sucesso como 'I Want You Back'. (1969) e "ABC" (1970), e até mesmo a música disco "Dancing Machine" (1974). Renomeado como 'the Jacksons' (já que a Motown era dona do nome 'the Jackson 5'), eles fizeram sucesso com canções disco como "Blame It on the Boogie" (1978), "Shake Your Body (Down to the Ground)" (1979) e "Can You Feel It?" (1981) no selo Epic.
Os Isley Brothers, cuja curta permanência na empresa produziu a música "This Old Heart of Mine (Is Weak for You)" em 1966, lançou canções disco de sucesso como "It's a Disco Night (Rock Don't Stop)" (1979). Gladys Knight and the Pips, que gravou a versão de maior sucesso de "I Heard It Through the Grapevine" (1967) antes de Marvin Gaye, marcou singles de sucesso comercial, como "Baby, Don't Change Your Mind" (1977) e "Bourgie, Bourgie" (1980) na era disco. Os Detroit Spinners também assinaram contrato com a gravadora Motown e fizeram sucesso com a música "It's a Shame", produzida por Stevie Wonder. em 1970. Eles partiram logo depois, a conselho de Aretha Franklin, também nativa de Detroit, para a Atlantic Records, e havia canções disco como 'The Rubberband Man'; (1976). Em 1979, eles lançaram um cover de sucesso de "Are You Ready for Love" de Elton John, bem como um medley de Four Seasons. música "Working My Way Back to You" e "Forgive Me, Girl" de Michael Zager. Os próprios Four Seasons assinaram brevemente com o selo MoWest da Motown, uma subsidiária de curta duração para artistas de R&B e soul da Costa Oeste, e lá o grupo produziu um álbum, Chameleon (1972) - com pouco sucesso comercial nos Estados Unidos. No entanto, um single, "The Night", foi lançado na Grã-Bretanha em 1975 e, graças à popularidade do circuito Northern Soul, alcançou o número sete no UK Singles Chart. O Four Seasons deixou a Motown em 1974 e fez um sucesso disco com sua música 'December, 1963 (Oh, What a Night)'. (1975) para a Warner Curb Records.
Eurodisco
De longe, a banda eurodisco de maior sucesso foi o ABBA (1972–1982). Este quarteto sueco, que cantava principalmente em inglês, obteve sucesso com singles como "Waterloo" (1974), "Fernando" (1976), "Take a Chance on Me" (1978), "Me dê! Me dê! Me dê! (A Man After Midnight)" (1979), e seu sucesso de assinatura "Dancing Queen" (1976).
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Na década de 1970, em Munique, na Alemanha Ocidental, os produtores musicais Giorgio Moroder e Pete Bellotte deram uma contribuição decisiva para a música disco com uma série de sucessos de Donna Summer, que ficou conhecida como "Munich Sound". Em 1975, Summer sugeriu a letra "Love to Love You Baby" para Moroder e Bellotte, que transformaram a letra em uma música disco completa. O produto final, que continha as vocalizações de uma série de orgasmos simulados, inicialmente não era para ser lançado, mas quando Moroder o tocou nas boates causou sensação e ele o lançou. A música se tornou um sucesso internacional, alcançando as paradas em muitos países europeus e nos Estados Unidos (nº 2). Foi descrito como a chegada da expressão do desejo sexual feminino na música pop. Um single de 12 polegadas de quase 17 minutos foi lançado. O 12" single se tornou e continua sendo um padrão nas discotecas hoje. Em 1976, a versão de Donna Summer de "Could It Be Magic" trouxe o disco ainda mais para o mainstream. No verão de 1977, Moroder e Bellotte lançaram ainda "I Feel Love", como o lado B de "Can't We Just Sit Down (And Talk It Over)". que revolucionou a dance music com sua produção principalmente eletrônica e foi um enorme sucesso mundial, gerando o subgênero Hi-NRG. Giorgio Moroder foi descrito pelo AllMusic como "um dos principais arquitetos do som disco". Outro projeto de música disco de sucesso de Moroder na época foi Munich Machine (1976–1980).
Boney M. (1974–1986) foi um grupo Euro disco da Alemanha Ocidental de quatro cantores e dançarinos das Índias Ocidentais idealizado pelo produtor musical Frank Farian. Boney M. alcançou sucesso mundial com canções como "Daddy Cool" (1976) "Ma Baker" (1977) e "Rivers Of Babylon" (1978). Outro ato de gravação bem-sucedido da Euro disco da Alemanha Ocidental foi a Convenção de Prata (1974–1979). O grupo alemão Kraftwerk também influenciou a Euro disco.
Na França, Dalida lançou "J'attendrai" ("I Will Wait") em 1975, que também fez sucesso no Canadá, Europa e Japão. Dalida ajustou-se com sucesso ao disco e lançou pelo menos uma dúzia de canções que alcançaram o top 10 na Europa. Claude François, que se reinventou como o "rei da discoteca francesa", lançou "La plus belle choose du monde", uma versão francesa da música dos Bee Gees "Massachusetts& #34;, que fez sucesso no Canadá e na Europa e "Alexandrie Alexandra" foi lançado postumamente no dia de seu enterro e se tornou um sucesso mundial. As primeiras canções de Cerrone, "Love in C Minor" (1976), "Supernature" (1977) e "Give Me Love" (1978) fizeram sucesso nos Estados Unidos e na Europa. Outro ato Euro disco foi a diva francesa Amanda Lear, onde o som Euro disco é mais ouvido em "Enigma (Give a Bit of Mmh to Me)" (1978). O produtor francês Alec Costandinos montou o grupo Euro disco Love and Kisses (1977–1982).
Na Itália, Raffaella Carrà foi a banda Euro disco de maior sucesso, ao lado de La Bionda, Hermanas Goggi e Oliver Onions. Seu maior single internacional foi "Tanti Auguri" ("Best Wishes"), que se tornou uma música popular entre o público gay. A música também é conhecida pelo título em espanhol "Para hacer bien el amor hay que venir al sur" (que se refere ao sul da Europa, já que a música foi gravada e gravada na Espanha). A versão estoniana da música "Jätke võtmed väljapoole" foi interpretada por Anne Veski. "A far l'amore comincia tu" ("To make love, your move first") foi outro sucesso internacional dela, conhecido em espanhol como "En el amor todo es empezar", em alemão como "Liebelei" 34;, em francês como "Puisque tu l'aimes dis le lui", e em inglês como "Do It, Do It Again". Foi sua única entrada no UK Singles Chart, alcançando o número 9, onde ela continua sendo uma maravilha de um só sucesso. Em 1977, ela gravou outro single de sucesso, "Fiesta" ("The Party" em inglês) originalmente em espanhol, mas depois gravou em francês e italiano depois que a música chegou às paradas. "A far l'amore comincia tu" também foi tocada em turco por uma popstar turca Ajda Pekkan como "Sakın Ha" em 1977.
Recentemente, Carrà ganhou nova atenção por sua aparição como solista feminina em uma apresentação na TV em 1974 da canção experimental sem sentido "Prisencolinensinainciusol" (1973) de Adriano Celentano. Um vídeo remixado com sua dança se tornou viral na internet em 2008. Em 2008, um vídeo de uma performance de seu único single de sucesso no Reino Unido, "Do It, Do It Again", foi apresentado no Doctor Who episódio "Midnight". Rafaella Carrà trabalhou com Bob Sinclar no novo single "Far l'Amore" que foi lançado no YouTube em 17 de março de 2011. A música alcançou sucesso em diferentes países europeus. Outro ato disco europeu proeminente foi o grupo pop Luv' da Holanda.
O Euro disco continuou evoluindo dentro da ampla cena da música pop mainstream, mesmo quando a popularidade do disco caiu drasticamente nos Estados Unidos, sendo abandonada pelas principais gravadoras e produtores dos EUA. Através da influência do Italo disco, também desempenhou um papel na evolução da house music no início dos anos 1980 e nas formas posteriores de dance music eletrônica, incluindo o Eurodance do início dos anos 90.
1977–1979: preeminência pop
Em dezembro de 1977, foi lançado o filme Saturday Night Fever. Foi um enorme sucesso e sua trilha sonora se tornou um dos álbuns mais vendidos de todos os tempos. A ideia do filme surgiu em um artigo da revista New York de 1976 intitulado "Ritos tribais da nova noite de sábado" que supostamente narrava a cultura disco em meados da década de 1970 na cidade de Nova York, mas mais tarde foi revelado que foi fabricado. Alguns críticos disseram que o filme "popularizou" disco, tornando-o mais aceitável para homens brancos heterossexuais.
Os Bee Gees usaram o falsete de Barry Gibb para angariar sucessos como "You Should Be Dancing", "Stayin' Alive, "Night Fever", "More Than A Woman" e "Love You Inside Out". Andy Gibb, um irmão mais novo dos Bee Gees, seguiu com singles solo de estilo semelhante, como "I Just Want to Be Your Everything", "(Love Is) Thicker Than Water" e "Dança das Sombras".
Em 1978, a versão multimilionária em disco de vinil de Donna Summer de "MacArthur Park" ficou em primeiro lugar na parada Hot 100 da Billboard por três semanas e foi indicada ao Grammy de Melhor Performance Vocal Pop Feminina. A gravação, que foi incluída como parte do "MacArthur Park Suite" em seu álbum duplo ao vivo Live and More, teve oito minutos e 40 segundos de duração no álbum. A versão mais curta em vinil de sete polegadas de MacArthur Park foi o primeiro single de Summer a alcançar o número um no Hot 100; no entanto, não inclui o segundo movimento da balada da música. Um remix de 2013 de "MacArthur Park" de Summer liderou as paradas de dança da Billboard marcando cinco décadas consecutivas com uma música número um nas paradas. De meados de 1978 até o final de 1979, Summer continuou a lançar singles como "Last Dance", "Heaven Knows" (com Brooklyn Dreams), "Hot Stuff", "Bad Girls", "Dim All the Lights" e "On the Radio", todas canções de muito sucesso, ficando entre as cinco primeiras ou mais, nas paradas pop da Billboard.
A banda Chic foi formada principalmente pelo guitarrista Nile Rodgers—um autodenominado "street hippie" do final dos anos 1960 em Nova York - e o baixista Bernard Edwards. Seu popular single de 1978, "Le Freak", é considerado uma música icônica do gênero. Outras canções de sucesso de Chic incluem a frequentemente sampleada "Good Times" (1979), "Eu quero seu amor" (1979) e "Everybody Dance" (1979). O grupo se considerava a banda de rock do movimento disco que cumpria os ideais de paz, amor e liberdade do movimento hippie. Cada música que eles escreveram foi escrita com o objetivo de dar a ela "significado oculto profundo" ou D.H.M.
Sylvester, um cantor extravagante e abertamente gay, famoso por sua voz crescente em falsete, conseguiu seu maior sucesso disco no final de 1978 com "You Make Me Feel (Mighty Real)". Diz-se que seu estilo de cantar influenciou o cantor Prince. Naquela época, a discoteca era uma das formas de música mais aberta a artistas gays.
The Village People foi um grupo de canto/dança criado por Jacques Morali e Henri Belolo para atingir o público gay da discoteca. Eles eram conhecidos por seus figurinos no palco de empregos tipicamente masculinos e minorias étnicas e alcançaram o sucesso mainstream com seu hit de 1978 "Macho Man". Outras canções incluem "Y.M.C.A." (1979) e "Na Marinha" (1979).
Também merecem destaque os The Trammps' "Disco Inferno" (1976), (1978, relançamento devido à popularidade obtida com a trilha sonora de Saturday Night Fever), Evelyn "Champagne" King's "Shame" (1977), A Taste of Honey's "Boogie Oogie Oogie" (1978), 'Got to Be Real' de Cheryl Lynn. (1978), 'I Love the Nightlife' de Alicia Bridges; (1978), "Born to Be Alive" de Patrick Hernandez; (1978), Earth, Wind & Fire's "setembro" (1978), Peaches & Herb's "Shake Your Groove Thing" (1978), "We Are Family" e ele é o maior dançarino. (ambos de 1979), 'Ring My Bell' de Anita Ward; (1979), Kool & the Gang's "Ladies' Noite" (1979), "What Cha Gonna Do with My Lovin" de Stephanie Mills? (1979), "Funkytown" da Lipps Inc. (1980), The Brothers Johnson's "Stomp!" (1980), "Give Me the Night" de George Benson; (1980), 'Sunset People' de Donna Summer; (1980), e as várias tentativas de Walter Murphy de trazer a música clássica para o mainstream, principalmente a música disco "A Fifth of Beethoven" (1976), que foi inspirada na quinta sinfonia de Beethoven.
No auge de sua popularidade, muitos artistas não-disco gravaram canções com elementos disco, como Rod Stewart com seu "Da Ya Think I'm Sexy?" em 1979. Mesmo os principais artistas de rock adotaram elementos do disco. O grupo de rock progressivo Pink Floyd usou bateria e guitarra tipo disco em sua música "Another Brick in the Wall, Part 2" (1979), que se tornou seu único single número um nos Estados Unidos e no Reino Unido. Os Eagles referenciaram o disco com "One of These Nights" (1975) e "Disco Strangler" (1979), Paul McCartney & Asas com "Silly Love Songs" (1976) e "Boa noite esta noite" (1979), Queen com "Another One Bites the Dust" (1980), os Rolling Stones com "Miss You" (1978) e "Resgate Emocional" (1980), Stephen Stills com seu álbum Thoroughfare Gap (1978), Electric Light Orchestra com "Shine a Little Love" e "Último trem para Londres" (ambos de 1979), Chicago com "Street Player" (1979), os Kinks com "(Gostaria de poder voar como) Superman" (1979), o Grateful Dead com "Shakedown Street", The Who com "Eminence Front" (1982), e a J. Geils Band com "Come Back" (1980). Até o grupo de hard rock KISS saltou com "I Was Made for Lovin' Você" (1979), e o álbum de Ringo Starr Ringo the 4th (1978) apresenta uma forte influência disco.
O som disco também foi adotado por artistas de outros gêneros, incluindo o hit número um dos EUA em 1979, "No More Tears (Enough Is Enough)". pela cantora Barbra Streisand em dueto com Donna Summer. Na música country, na tentativa de atrair o mercado mais mainstream, os artistas começaram a adicionar influências pop/disco à sua música. Dolly Parton lançou um crossover de sucesso nas paradas pop/dance, com seus álbuns Heartbreaker e Great Balls of Fire contendo canções com um toque disco. Em particular, um remix disco da faixa "Baby I'm Burnin'" alcançou a posição 15 na parada de músicas do Billboard Dance Club; no final das contas, tornando-se um dos maiores sucessos do clube do ano. Além disso, Connie Smith fez um cover de "I Just Want to Be Your Everything" de Andy Gibb. em 1977, Bill Anderson gravou "Double S" em 1978, e Ronnie Milsap lançou "Get It Up" e fez um cover da música do cantor de blues Tommy Tucker "Hi-Heel Sneakers" em 1979.
Músicas não-disco pré-existentes, padrões e temas de TV eram frequentemente "disco-izados" na década de 1970, como o tema I Love Lucy (gravado como "Disco Lucy" pela Wilton Place Street Band), "Aquarela do Brasil" (gravado como "Brazil" por The Ritchie Family), e "Baby Face" (gravado pelo Wing and a Prayer Fife and Drum Corps). O rico acompanhamento orquestral que se tornou identificado com a era disco evocou as memórias da era das big band—que trouxe à tona vários artistas que gravaram e discotizaram alguns arranjos de big band, incluindo Perry Como, que regravou sua canção de 1945 &# 34;Temptation", em 1975, assim como Ethel Merman, que lançou um álbum de canções disco intitulado The Ethel Merman Disco Album em 1979.
Myron Floren, segundo em comando no The Lawrence Welk Show, lançou uma gravação do "Clarinet Polka" intitulado "Disco Accordion." Da mesma forma, Bobby Vinton adaptou "The Pennsylvania Polka" em uma música chamada "Disco Polka". Ícone de escuta fácil Percy Faith, em uma de suas últimas gravações, lançou um álbum intitulado Disco Party (1975) e gravou uma versão disco de seu "Theme from A Summer Place" em 1976. Até mesmo a música clássica foi adaptada para disco, notadamente "A Fifth of Beethoven" de Walter Murphy; (1976, baseado no primeiro movimento da 5ª Sinfonia de Beethoven) e "Flight 76" (1976, baseado em "Flight of the Bumblebee" de Rimsky-Korsakov) e na série de álbuns e singles Hooked On Classics de Louis Clark.
Muitas canções originais de televisão da época também mostraram uma forte influência disco, como S.W.A.T. (1975), Mulher Maravilha (1975), Charlie&# 39;s Angels (1976), NBC Saturday Night At The Movies (1976), The Love Boat (1977), The Donahue Show (1977), CHiPs (1977), The Professionals (1977), Dallas (1978), NBC Sports broadcasts (1978), Kojak (1977) e The Hollywood Squares (1979).
Jingles de discoteca também apareceram em muitos comerciais de TV, incluindo "Good Mews" de Purina, de 1979; comercial de comida para gatos e um "IC Light" comercial da Iron City Brewing Company de Pittsburgh.
Paródias
Foram criadas várias paródias do estilo disco. Rick Dees, na época um DJ de rádio em Memphis, Tennessee, gravou "Disco Duck" (1976) e "Dis-Gorilla" (1977); Frank Zappa parodiou o estilo de vida dos dançarinos de discoteca em "Disco Boy" em seu álbum Zoot Allures de 1976 e em "Dancin' Tolo" em seu álbum Sheik Yerbouti de 1979. "Estranho Al" O álbum de estreia homônimo de Yankovic, de 1983, inclui uma música disco chamada "Gotta Boogie", um trocadilho estendido sobre a semelhança do movimento disco com a gíria americana "booger". O comediante Bill Cosby dedicou todo o seu álbum Disco Bill de 1977 a paródias disco. Em 1980, a Mad Magazine lançou um flexi-disco intitulado Mad Disco apresentando seis paródias completas do gênero. As canções de rock and roll críticas da discoteca incluíam "Old Time Rock and Roll" de Bob Seger; e, especialmente, The Who's "Sister Disco" (ambos de 1978) - embora The Who's "Eminence Front" (quatro anos depois) tinha um ar disco.
1979–1981: controvérsia e declínio na popularidade
No final da década de 1970, o sentimento anti-disco se desenvolveu entre os fãs e músicos de rock, principalmente nos Estados Unidos. Disco foi criticado como irracional, consumista, superproduzido e escapista. Os slogans "Disco é uma merda" e "Morte à discoteca" tornou-se comum. Artistas de rock como Rod Stewart e David Bowie, que adicionaram elementos disco à sua música, foram acusados de se venderem.
A subcultura punk nos Estados Unidos e no Reino Unido era muitas vezes hostil ao disco, embora no Reino Unido, muitos dos primeiros fãs do Sex Pistols, como o Bromley Contingent e Jordan, gostassem do disco, muitas vezes reunindo-se em casas noturnas como Louise's no Soho e o Sombrero em Kensington. A faixa "Love Hangover" de Diana Ross, o hino da casa no primeiro, foi citado como um dos favoritos por muitos dos primeiros punks do Reino Unido. O filme O Grande Rock 'n' Roll Swindle e seu álbum de trilha sonora continham um medley disco de canções dos Sex Pistols, intitulado Black Arabs e creditado a um grupo de mesmo nome.
No entanto, Jello Biafra dos Dead Kennedys, na canção "Saturday Night Holocaust", comparou a disco à cultura de cabaré da Alemanha da era de Weimar por sua apatia em relação às políticas governamentais e seu escapismo. Mark Mothersbaugh, do Devo, disse que a discoteca era "como uma bela mulher com um grande corpo e sem cérebro", e um produto da apatia política daquela época. O crítico de rock de Nova Jersey, Jim Testa, escreveu "Put a Bullet Through the Jukebox", uma discoteca de ataque vitriólico que foi considerada uma chamada às armas do punk. Steve Hillage, pouco antes de sua transformação de músico de rock progressivo em artista eletrônico no final dos anos 1970 com a inspiração do disco, decepcionou seus fãs de rock ao admitir seu amor pelo disco, com Hillage relembrando "isso";é como se eu tivesse matado o gato de estimação deles."
O sentimento anti-disco foi expresso em alguns programas de televisão e filmes. Um tema recorrente no programa WKRP em Cincinnati era uma atitude hostil em relação à música disco. Em uma cena do filme de comédia de 1980 Airplane!, um avião rebelde corta uma torre de rádio com sua asa, derrubando uma estação de rádio totalmente discoteca. 12 de julho de 1979, ficou conhecido como "o dia em que a discoteca morreu" por causa da Disco Demolition Night, uma manifestação anti-disco em uma partida dupla de beisebol no Comiskey Park em Chicago. Os DJs da estação de rock Steve Dahl e Garry Meier, junto com Michael Veeck, filho do proprietário do Chicago White Sox, Bill Veeck, organizaram o evento promocional para fãs de rock descontentes entre os jogos de uma partida dupla do White Sox que envolveu recordes disco explosivos no campo central. Quando o segundo jogo estava prestes a começar, a multidão barulhenta invadiu o campo e começou a incendiar e arrancar assentos e pedaços de grama. O Departamento de Polícia de Chicago fez várias prisões e os extensos danos ao campo forçaram o White Sox a perder o segundo jogo para o Detroit Tigers, que havia vencido o primeiro jogo.
O declínio da popularidade do Disco após a Disco Demolition Night foi rápido. Em 12 de julho de 1979, os seis primeiros discos nas paradas musicais dos Estados Unidos eram canções disco. Em 22 de setembro, não havia canções disco no Top 10 dos EUA, com exceção da instrumental "Rise" de Herb Alpert, uma composição de jazz suave com alguns tons disco. Alguns na mídia, em tom comemorativo, declararam a discoteca "morta" e o rock reviveu. Karen Mixon Cook, a primeira DJ feminina de discoteca, afirmou que as pessoas ainda fazem uma pausa todo dia 12 de julho para um momento de silêncio em homenagem à discoteca. Dahl afirmou em uma entrevista de 2004 que o disco estava "provavelmente em declínio [na época]. Mas acho que [Disco Demolition Night] apressou seu fim'.
Impacto na indústria da música
O movimento anti-disco, combinado com outros fatores sociais e da indústria do rádio, mudou a cara do rádio pop nos anos seguintes ao Disco Demolition Night. A partir da década de 1980, a música country começou uma lenta ascensão nas paradas pop. Emblemático da ascensão da música country à popularidade mainstream foi o filme de sucesso comercial de 1980 Urban Cowboy. A popularidade contínua do power pop e o renascimento dos antigos no final dos anos 1970 também foram relacionados ao declínio do disco; o filme Grease de 1978 foi emblemático dessa tendência. Coincidentemente, a estrela de ambos os filmes foi John Travolta, que em 1977 estrelou Saturday Night Fever, que continua sendo um dos filmes disco mais icônicos da época.
Durante esse período de declínio na popularidade do disco, várias gravadoras fecharam, foram reorganizadas ou vendidas. Em 1979, a MCA Records comprou a ABC Records, absorveu alguns de seus artistas e fechou o selo. A Midsong International Records encerrou as operações em 1980. O fundador da RSO Records, Robert Stigwood, deixou o selo em 1981 e a TK Records fechou no mesmo ano. A Salsoul Records continua a existir nos anos 2000, mas é usada principalmente como uma marca de reedição. A Casablanca Records vinha lançando menos discos na década de 1980 e foi fechada em 1986 pela controladora PolyGram.
Muitos grupos que eram populares durante o período disco posteriormente lutaram para manter seu sucesso - mesmo aqueles que tentaram se adaptar à evolução dos gostos musicais. Os Bee Gees, por exemplo, tiveram apenas uma entrada no top 10 ('One' de 1989) e mais três músicas no top 40 (apesar de terem abandonado completamente o disco nas décadas de 1980 e 1990), mesmo embora muitas canções que eles escreveram e fizeram outros artistas tocarem tivessem sucesso. Dos poucos grupos que não foram derrubados pela queda do disco, Kool and the Gang, Donna Summer, os Jacksons e Gloria Gaynor em particular - se destacam. Apesar de terem ajudado a definir o som disco no início, eles continuaram a fazer músicas populares e dançantes, embora mais refinadas, para outra geração de fãs de música nos anos 80 e além. Terra, Vento & Fire também sobreviveu à tendência anti-disco e continuou a produzir singles de sucesso aproximadamente no mesmo ritmo por vários anos, além de uma sequência ainda mais longa de sucessos nas paradas de R&B que durou até os anos 1990.
Seis meses antes do evento caótico (em dezembro de 1978), a popular estação de rádio de rock progressivo WDAI (WLS-FM) mudou repentinamente para um formato totalmente disco, privando milhares de fãs de rock de Chicago e deixando Dahl desempregado. WDAI, que sobreviveu à mudança do sentimento público e ainda tinha boas avaliações neste ponto, continuou a tocar disco até que mudou para um formato híbrido Top 40 / rock de curta duração em maio de 1980. Outra saída de disco que também competiu contra WDAI no tempo, WGCI-FM, mais tarde incorporaria R&B e canções pop ao formato, eventualmente evoluindo para uma saída urbana contemporânea que continua até hoje. Este último também ajudou a trazer o gênero house de Chicago para as ondas do rádio.
Fatores que contribuíram para o declínio da discoteca
Os fatores que foram citados como responsáveis pelo declínio da discoteca nos Estados Unidos incluem mudanças econômicas e políticas no final da década de 1970, bem como o esgotamento dos estilos de vida hedonistas liderados pelos participantes. Nos anos desde a Disco Demolition Night, alguns críticos sociais descreveram o "Disco é uma merda" movimento como implicitamente machista e preconceituoso, e um ataque às culturas não-brancas e não-heterossexuais. Também foi interpretado como parte de uma "reação" cultural mais ampla, o movimento em direção ao conservadorismo, que também abriu caminho para a política dos EUA com a eleição do presidente conservador Ronald Reagan em 1980, que também levou ao controle republicano de o Senado dos Estados Unidos pela primeira vez desde 1954, além da subseqüente ascensão da direita religiosa na mesma época.
Em janeiro de 1979, o crítico de rock Robert Christgau argumentou que a homofobia e, provavelmente, o racismo, eram as razões por trás do movimento, uma conclusão apoiada por John Rockwell. Craig Werner escreveu: “O movimento Anti-disco representou uma aliança profana de funkateers e feministas, progressistas e puritanos, roqueiros e reacionários. No entanto, os ataques à discoteca deram voz respeitável aos tipos mais feios de racismo, sexismo e homofobia não reconhecidos." Legs McNeil, fundador do fanzine Punk, foi citado em uma entrevista como tendo dito: "os hippies sempre quiseram ser negros". Estávamos pensando, 'foda-se o blues, foda-se a experiência negra'. Ele também disse que a discoteca foi o resultado de um "profano" união entre homossexuais e negros.
Steve Dahl, que liderou a Disco Demolition Night, negou qualquer conotação racista ou homofóbica à promoção, dizendo: "É realmente fácil olhar para isso historicamente, a partir desta perspectiva, e anexar todos aqueles coisas para isso. Mas não estávamos pensando assim." Foi notado que os críticos do punk rock britânico da discoteca apoiaram muito o gênero reggae pró-negro / anti-racista, bem como o movimento dos novos românticos mais pró-gay. Christgau e Jim Testa disseram que havia razões artísticas legítimas para criticar a discoteca.
Em 1979, a indústria da música nos Estados Unidos sofreu sua pior queda em décadas, e o disco, apesar de sua popularidade em massa, foi o culpado. O som voltado para o produtor estava tendo dificuldade em se misturar bem com o sistema de marketing voltado para o artista da indústria. Harold Childs, vice-presidente sênior da A&M Records, teria dito ao Los Angeles Times que "o rádio está realmente desesperado por produtos de rock" e "eles estão todos procurando por algum rock-n-roll branco". Gloria Gaynor argumentou que a indústria da música apoiou a destruição da discoteca porque os produtores de rock estavam perdendo dinheiro e os músicos de rock estavam perdendo os holofotes.
1981–1989: Consequências
Nascimento da dance music eletrônica
O disco foi fundamental para o desenvolvimento de gêneros de música eletrônica como house, techno e eurodance. A música Eurodisco I Feel Love, produzida por Giorgio Moroder para Donna Summer em 1976, foi descrita como um marco e um projeto para a música eletrônica de dança porque foi a primeira a combinar loops repetitivos de sintetizador com quatro contínuos -on-the-floor bumbo e um hi-hat fora do ritmo, que se tornaria uma característica principal do techno e do house dez anos depois.
Durante os primeiros anos da década de 1980, o som disco tradicional caracterizado por arranjos complexos executados por grandes conjuntos de músicos de sessão de estúdio (incluindo uma seção de sopros e uma seção de cordas orquestrais) começou a ser eliminado, e tempos mais rápidos e efeitos sintetizados, acompanhado de guitarra e fundos simplificados, moveu a dance music para os gêneros eletrônico e pop, começando com hi-NRG. Apesar de seu declínio em popularidade, a chamada música de clube e a discoteca de estilo europeu permaneceram "relativamente" sucesso no início dos anos 1980 com canções como, Aneka's 'Japanese Boy', The Gap Band's 'You Dropped a Bomb on Me', The Weather Girls';s 'It's Raining Men', Cheryl Lynn's 'Encore', Donna Summer's 'She Works Hard for the Money';, "Flashdance... What a Feeling" (tema do filme Flashdance), "Lucky Star" de Madonna, "Self Control" de Laura Branigan, The Pointer Sisters' Álbum de 39, "Break Out", "Point of No Return" de Exposé, "If You Should Ever Be Lonely" de Val Young;, e "Rock Steady" do The Whispers. No entanto, um renascimento da discoteca de estilo tradicional chamada nu-disco é popular desde os anos 1990.
A house music exibiu uma forte influência do disco, e é por isso que a house music, em relação ao seu enorme sucesso em moldar a dance music eletrônica e a cultura club contemporânea, é frequentemente descrita como a "vingança do disco". A house music antiga era geralmente baseada em dança, caracterizada por quatro batidas repetitivas no chão, ritmos fornecidos principalmente por baterias eletrônicas, pratos de chimbal fora do ritmo e linhas de baixo sintetizadas. Embora o house apresentasse várias características semelhantes à música disco, era mais eletrônico e minimalista, e o ritmo repetitivo do house era mais importante do que a música em si. Além disso, o house não usou as exuberantes seções de cordas que eram uma parte fundamental do som disco.
Legado
Cultura DJ
A crescente popularidade do disco veio em conjunto com a evolução do papel do DJ. O DJing se desenvolveu a partir do uso de várias plataformas giratórias e mixers de DJ para criar uma mistura contínua e perfeita de músicas, com uma transição de música para outra sem interrupção na música para interromper a dança. A mixagem de DJ resultante diferia das formas anteriores de dance music na década de 1960, que eram voltadas para apresentações ao vivo de músicos. Isso, por sua vez, afetou o arranjo da dance music, já que as canções da era disco geralmente continham começos e finais marcados por uma batida ou riff simples que poderia ser facilmente usado para fazer a transição para uma nova música. O desenvolvimento do DJing também foi influenciado por novas técnicas de turntablism, como beatmatching e scratching, processo facilitado pela introdução de novas tecnologias de toca-discos, como o Technics SL-1200 MK 2, vendido pela primeira vez em 1978, que tinha um controle preciso de pitch variável e um motor de acionamento direto. Os DJs costumavam ser ávidos colecionadores de discos, que caçavam em lojas de discos usados discos obscuros de soul e gravações vintage de funk. Os DJs ajudaram a apresentar discos raros e novos artistas ao público dos clubes.
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Na década de 1970, DJs individuais se tornaram mais proeminentes, e alguns DJs, como Larry Levan, residente do Paradise Garage, Jim Burgess, Tee Scott e Francis Grasso se tornaram famosos na cena disco. Levan, por exemplo, desenvolveu um culto de seguidores entre os frequentadores de clubes, que se referiam aos seus sets de DJ como "missa de sábado". Alguns DJs usariam gravadores de bobina a bobina para fazer remixes e edições de músicas em fita. Alguns DJs que faziam remixes fizeram a transição da cabine de DJ para se tornarem produtores musicais, principalmente Burgess. Scott desenvolveu várias inovações. Ele foi o primeiro DJ disco a usar três toca-discos como fontes de som, o primeiro a tocar simultaneamente dois discos com batidas combinadas, o primeiro a usar unidades de efeitos eletrônicos em suas mixagens e foi um inovador na mixagem de diálogos de filmes conhecidos., normalmente durante uma pausa de percussão. Essas técnicas de mixagem também foram aplicadas a DJs de rádio, como Ted Currier da WKTU e WBLS. Grasso é particularmente notável por tirar a "profissão de DJ" da servidão e [tornar] o DJ o chefe de cozinha musical". Uma vez que ele entrou em cena, o DJ não era mais responsável por esperar de mãos e pés da multidão, atendendo a todos os seus pedidos de música. Em vez disso, com maior agência e visibilidade, o DJ agora era capaz de usar suas próprias habilidades técnicas e criativas para preparar um especial noturno de mixagens inovadoras, refinando seu som e estética pessoais e construindo sua própria reputação.
Pós-disco
O som pós-disco e os gêneros associados a ele se originaram nos anos 1970 e início dos anos 1980 com R&B e músicos pós-punk focando em um lado mais eletrônico e experimental do disco, gerando boogie, Italo disco e dança alternativa. Com base em uma gama diversificada de influências e técnicas não disco, como a "banda de um homem só" estilo de Kashif e Stevie Wonder e abordagens alternativas de Parliament-Funkadelic, foi impulsionado por sintetizadores, teclados e baterias eletrônicas. Atos pós-disco incluem D. Train, Patrice Rushen, ESG, Bill Laswell e Arthur Russell. O pós-disco teve uma influência importante no dance-pop e fazia a ponte entre o disco clássico e as formas posteriores de dance music eletrônica.
Primeiro hip hop
O som disco teve uma forte influência no hip hop inicial. A maioria das primeiras canções de hip hop foi criada isolando as linhas existentes de baixo-guitarra disco e dobrando-as com rimas MC. A Sugarhill Gang usou Chic's "Good Times" como a base para a música "Rapper's Delight" de 1979, geralmente considerada a música que primeiro popularizou o rap nos Estados Unidos e em todo o mundo.
Com sintetizadores e influências de Krautrock que substituíram a base disco anterior, um novo gênero nasceu quando Afrika Bambaataa lançou o single "Planet Rock", gerando uma tendência de dança eletrônica hip hop que inclui músicas como Planet Patrol& #39;s "Jogue por sua conta e risco" (1982), 'One More Shot' do C-Bank; (1982), 'Club Underworld' de Cerrone; (1984), "Let the Music Play" de Shannon; (1983), Freeez's "I.O.U." (1983), 'Freak-a-Zoid' do Midnight Star; (1983), e "I Feel For You" (1984).
House music e cultura rave
House music é um gênero de dance music eletrônica que se originou em Chicago no início dos anos 1980 (veja também: Chicago house). Rapidamente se espalhou para outras cidades americanas, como Detroit, onde se desenvolveu no techno mais pesado e industrial, Nova York (veja também: garage house) e Newark - todas as quais desenvolveram suas próprias cenas regionais.
Em meados da década de 1980, a house music tornou-se popular na Europa, bem como nas principais cidades da América do Sul e na Austrália. O sucesso comercial da house music na Europa viu canções como "Pump Up The Volume" por MARRS (1987), "House Nation" por House Master Boyz e Rude Boy of House (1987), "Tema do S'Express" por S'Express (1988) e "Doctorin' a Casa" por Coldcut (1988) nas paradas pop. Desde o início até meados da década de 1990, a house music foi infundida no pop mainstream e na dance music em todo o mundo.
A house music dos anos 2010, embora mantendo vários desses elementos centrais, notavelmente o proeminente bumbo em cada batida, varia amplamente em estilo e influência, variando do soulful e atmosférico deep house ao acid house mais agressivo ou ao minimalista microcasa. A house music também se fundiu com vários outros gêneros, criando subgêneros de fusão, como euro house, tech house, electro house e jump house.
No final dos anos 1980 e início dos anos 1990, a cultura rave começou a emergir da cena house e acid house. Como o house, incorporou o mesmo amor da cultura disco pela dance music tocada por DJs em sistemas de som poderosos, drogas recreativas e exploração de drogas em clubes, promiscuidade sexual e hedonismo. Embora a cultura disco tenha começado no underground, ela finalmente prosperou no mainstream no final dos anos 1970, e as grandes gravadoras mercantilizaram e empacotaram a música para consumo em massa. Em contraste, a cultura rave começou no underground e permaneceu (principalmente) no underground. Em parte, isso era para evitar a animosidade que ainda cercava a discoteca e a dance music. A cena rave também permaneceu na clandestinidade para evitar a atenção da polícia dirigida à cultura rave devido ao uso de armazéns secretos e não autorizados para alguns eventos de dança e sua associação com drogas ilegais como o ecstasy.
Pós-punk
O movimento pós-punk que se originou no final dos anos 1970 apoiou a quebra de regras do punk rock enquanto rejeitava seu retorno à música rock crua. O mantra do pós-punk de seguir em frente constantemente se prestava tanto à abertura quanto à experimentação com elementos de disco e outros estilos. Public Image Limited é considerado o primeiro grupo pós-punk. O segundo álbum do grupo Metal Box abraçou totalmente o "estúdio como instrumento" metodologia da discoteca. O fundador do grupo, John Lydon, ex-vocalista dos Sex Pistols, disse à imprensa que disco era a única música que ele gostava na época.
No wave era um subgênero do pós-punk centrado na cidade de Nova York. Para chocar, James Chance, um membro notável da cena no wave, escreveu um artigo no East Village Eye instando seus leitores a se mudarem para a parte alta da cidade e ficarem "trancin' com algum superradioactive disco voodoo funk". Sua banda James White and the Blacks escreveu um álbum disco intitulado Off White. Suas apresentações se assemelhavam às dos artistas de discoteca (trompas, dançarinos e assim por diante). Em 1981, a ZE Records liderou a transição do no wave para o gênero disco mutante mais sutil (pós-disco/punk). Atos disco mutantes como Kid Creole and the Coconuts, Was Not Was, ESG e Liquid Liquid influenciaram vários atos pós-punk britânicos, como New Order, Orange Juice e A Certain Ratio.
Nu-disco
Nu-disco é um gênero de dance music do século 21 associado ao interesse renovado na discoteca dos anos 1970 e início dos anos 1980, Italo disco de meados da década de 1980 e a estética Euro disco pesada em sintetizadores. O apelido apareceu impresso já em 2002 e, em meados de 2008, era usado por lojas de discos, como os varejistas online Juno e Beatport. Esses fornecedores geralmente o associam a reedições da música disco da era original, bem como à música de produtores europeus que fazem dance music inspirada na disco americana da era original, electro e outros gêneros populares no final dos anos 1970 e início dos anos 1980. Também é usado para descrever a música de vários selos americanos anteriormente associados aos gêneros electroclash e house francês.
Revivals e retorno ao sucesso mainstream
Ressurgimento dos anos 1990
Na década de 1990, após uma década de reação negativa, o disco e seu legado tornaram-se mais aceitos pelos artistas e ouvintes da música pop, à medida que mais músicas, filmes e compilações eram lançadas com referência ao disco. Isso fazia parte de uma onda de nostalgia dos anos 1970 que estava ocorrendo na cultura popular da época. Exemplos de canções dessa época que foram influenciadas pela discoteca incluem "Groove Is in the Heart" de Deee-Lite; (1990), 'Lemon' do U2; (1993), 'Girls & Meninos" (1994) e "Entertain Me" (1995), Pulp's "Disco 2000" (1995), e "Canned Heat" (1999), enquanto filmes como Boogie Nights (1997) e The Last Days of Disco (1998) apresentavam principalmente trilhas sonoras disco.
Ressurgimento dos anos 2000
No início dos anos 2000, um gênero atualizado de disco chamado "nu-disco" começou a entrar no mainstream. Alguns exemplos como "One More Time" e "Love at First Sight" de Kylie Minogue. e "Não consigo tirar você da minha cabeça" tornaram-se favoritos do clube e sucessos comerciais. Várias canções nu-disco foram cruzadas com funky house, como "Groovejet (If This Ain't Love)" de Spiller; e "Lady (Hear Me Tonight)" de Modjo, ambas as canções sampleando canções disco mais antigas e alcançando o primeiro lugar no UK Singles Chart em 2000. O single disco de Robbie Williams " 34;Rock DJ" foi o quarto single mais vendido do Reino Unido no mesmo ano. A música de Jamiroquai "Little L" e "Murder on the Dancefloor" de Sophie Ellis-Bextor foram sucessos em 2001 também. A banda de rock Manic Street Preachers lançou uma música disco, "Miss Europa Disco Dancer", em 2001. A influência disco da música, que aparece em Know Your Enemy, foi descrita como sendo "muito discutido". Em 2005, Madonna mergulhou na música disco dos anos 1970 e lançou seu álbum Confessions on a Dance Floor com ótimas críticas. Além disso, sua música "Hung Up" tornou-se um marco importante do clube e sampleou a música de 1979 do ABBA, 'Gimme! Me dê! Me dê! (Um homem depois da meia-noite)". Além de seu traje influenciado pelo disco para shows de premiação e entrevistas, sua Confessions Tour também incorporou vários elementos da década de 1970, como bolas de discoteca, um design de palco espelhado e o roller derby. Em 2006, Jessica Simpson lançou seu álbum A Public Affair inspirado no disco e na música dos anos 1980. O primeiro single do álbum A Public Affair foi avaliado como uma competição de dança disco influenciada pelos primeiros trabalhos de Madonna. O vídeo da música foi filmado em um rinque de patinação e apresenta uma linha de dança de mãos.
O sucesso do "nu-disco" O renascimento do início dos anos 2000 foi descrito pelo crítico musical Tom Ewing como mais interpessoal do que a música pop dos anos 1990: "O renascimento da disco dentro do pop colocou os holofotes em algo que havia desaparecido nos anos 90: um senso de música". não apenas para dançar, mas para dançar com alguém. Disco era uma música de atração mútua: cruzeiro, flerte, negociação. A sua pista é um espaço de prazer imediato, mas também de promessas cumpridas e não. É um lugar onde as coisas começam, mas sua resolução, muito menos seu significado, nunca é clara. Todos os grandes números um da discoteca dos anos 2000 exploram como jogar esta mão. A Madison Avenue procura impor sua vontade sobre ela, para definir termos e funções. Spiller é menos rígido. 'Groovejet' aceita a mutabilidade da noite, felizmente vende a certeza por um sorriso divertido e algumas grandes frases de efeito."
Ressurgimento dos anos 2010
Em 2013, várias músicas disco e funk no estilo dos anos 1970 chegaram às paradas, e as paradas pop tiveram mais músicas dançantes do que em qualquer outro momento desde o final dos anos 1970. A maior música disco do ano em junho foi "Get Lucky" por Daft Punk, com Nile Rodgers na guitarra. Random Access Memories também acabou ganhando o Álbum do Ano no Grammy de 2014. Outras canções de estilo disco que chegaram ao top 40 foram "Blurred Lines" de Robin Thicke; (número um), 'Take Back the Night' de Justin Timberlake; (número 29), Bruno Mars' "Tesouro" (número cinco) O Reflektor do Arcade Fire apresentava fortes elementos disco. Em 2014, a música disco podia ser encontrada em Artpop de Lady Gaga e "Birthday" de Katy Perry. Outras canções disco de 2014 incluem "I Want It All" Por Karmin, 'Clube Errado" pelos Ting Tings, "Blow" de Beyoncé e o mix de William Orbit de "Let Me in Your Heart Again" por Rainha.
Em 2014, a TV Globo, segunda maior rede de televisão do mundo, exibiu Boogie Oogie, novela sobre a Era Disco que se passa entre 1978 e 1979, da febre dos hits à decadência. O sucesso do show foi responsável por um renascimento do Disco em todo o país, trazendo de volta aos palcos e às paradas de discos brasileiras, divas locais do disco como Lady Zu e As Frenéticas.
Outras entradas do top 10 de 2015, como "Uptown Funk" de Mark Ronson, "Sugar" de Maroon 5, The Weeknd's "Can't Feel My Face" e "Want To Want Me" de Jason Derulo. também subiram nas paradas e têm uma forte influência disco. O magnata do disco e produtor Giorgio Moroder também reapareceu com seu novo álbum Déjà Vu em 2015, que provou ser um sucesso modesto. Outras canções de 2015 como "I Don't Like It, I Love It" por Flo Rida, "Aventura de uma vida" do Coldplay, "Back Together" por Robin Thicke e "Levels" de Nick Jonas também apresentam elementos disco. Em 2016, as canções disco ou pop estilo disco estão mostrando uma forte presença nas paradas musicais como uma possível reação ao synthpop, electro house e dubstep estilo anos 1980 que têm dominado as paradas atuais. A música de 2016 de Justin Timberlake, "Can't Stop the Feeling!", que mostra fortes elementos do disco, tornou-se a 26ª música a estrear em primeiro lugar na Billboard Hot 100 na história do gráfico. The Martian, um filme de 2015, usa extensivamente a música disco como trilha sonora, embora para o personagem principal, o astronauta Mark Watney, só haja uma coisa pior do que ficar preso em Marte: ficar preso em Marte com nada além de música disco. "Kill the Lights", apresentado em um episódio da série de televisão da HBO "Vinyl" (2016) e com Nile Rodgers'; licks de guitarra, alcançou o primeiro lugar na parada de dança dos EUA em julho de 2016.
Ressurgimento da década de 2020
Em 2020, o disco continuou sua popularidade mainstream e se tornou uma tendência recente na música popular. No início de 2020, sucessos influenciados pelo disco, como "Say So" de Doja Cat, "Stupid Love" de Lady Gaga e "Stupid Love" de Dua Lipa & #34;Não comece agora" teve sucesso generalizado nas paradas musicais globais, com as três canções alcançando os números 1, 5 e 2, respectivamente, na parada Billboard Hot 100 dos EUA. Na época, a Billboard declarou que Lipa estava "liderando o ataque em direção à produção influenciada pelo disco" um dia depois que seu álbum retro e com influência disco Future Nostalgia foi lançado em 27 de março de 2020. Em meados de 2020, vários álbuns e canções disco foram lançados. No início de setembro de 2020, o grupo sul-coreano BTS estreou como número 1 nos Estados Unidos com seu single disco em inglês "Dynamite" tendo vendido 265.000 downloads em sua primeira semana nos Estados Unidos, marcando a maior semana de vendas puras desde "Look What You Made Me Do" de Taylor Swift. (2017). Outros álbuns disco aclamados pela crítica do ano incluem What's Your Pleasure? de Jessie Ware e Róisín Machine de Róisín Murphy.
Em julho de 2020, a cantora australiana Kylie Minogue anunciou que lançaria seu décimo quinto álbum de estúdio, Disco, em 6 de novembro de 2020. O álbum foi precedido por dois singles, o single principal do álbum, "Say Something", foi lançado em 23 de julho do mesmo ano e estreou na BBC Radio 2. O segundo single, "Magic", foi lançado em 24 de setembro. aclamada, com críticos elogiando Minogue por retornar às raízes disco, que se destacaram em seus álbuns Light Years (2000), Fever (2001) e Aphrodite (2010).
Em novembro de 2020, durante a pandemia de Covid, Dua Lipa e Kylie Minogue realizaram shows ao vivo com tema disco que foram transmitidos online. Minogue's Infinite Disco apresentava canções de Disco, mas também incluía alguns de seus singles anteriores remixados para ter um som mais disco. Lipa's Studio 2054, inspirado por seu fascínio pelo Studio 54, focado principalmente em canções de Future Nostalgia e teve vários artistas convidados, incluindo Minogue. Infinite Disco foi lançado em novembro de 2021 como um álbum ao vivo.
Ao longo da década de 2020, o disco teve sucesso contínuo na música mainstream com canções como "Midnight Sky" (2020) e "Flores" (2023) de Miley Cyrus, "Cold Heart" (2021) de Elton John & Dua Lipa e "About Damn Time" (2022) de Lizzo, todos tendo sucesso mundial.