Desenho
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Desenho é uma forma de arte visual na qual um artista usa instrumentos para marcar papel ou outra superfície bidimensional. Os instrumentos de desenho incluem lápis de grafite, caneta e tinta, vários tipos de tintas, pincéis com tinta, lápis de cor, giz de cera, carvão, giz, pastéis, borrachas, marcadores, estiletes e metais (como ponta de prata). Desenho digital é o ato de desenhar em um software gráfico em um computador. Métodos comuns de desenho digital incluem uma caneta ou dedo em um dispositivo touchscreen, caneta ou dedo para touchpad ou, em alguns casos, um mouse. Existem muitos programas e dispositivos de arte digital.
Um instrumento de desenho libera uma pequena quantidade de material sobre uma superfície, deixando uma marca visível. O suporte mais comum para desenhar é o papel, embora outros materiais, como papelão, madeira, plástico, couro, tela e papelão, tenham sido usados. Desenhos temporários podem ser feitos em um quadro-negro ou quadro branco. O desenho tem sido um meio popular e fundamental de expressão pública ao longo da história da humanidade. É um dos meios mais simples e eficientes de comunicar ideias. A ampla disponibilidade de instrumentos de desenho faz do desenho uma das atividades artísticas mais comuns.
Além de suas formas mais artísticas, o desenho é frequentemente usado em ilustração comercial, animação, arquitetura, engenharia e desenho técnico. Um desenho rápido e à mão livre, geralmente não planejado como um trabalho acabado, às vezes é chamado de esboço. Um artista que pratica ou trabalha em desenho técnico pode ser chamado de desenhista, desenhista ou desenhista.
Visão geral
O desenho é uma das mais antigas formas de expressão humana dentro das artes visuais. Geralmente se preocupa com a marcação de linhas e áreas de tom em papel/outro material, onde a representação precisa do mundo visual é expressa em uma superfície plana. Os desenhos tradicionais eram monocromáticos, ou pelo menos tinham pouca cor, enquanto os desenhos modernos a lápis de cor podem se aproximar ou cruzar uma fronteira entre desenho e pintura. Na terminologia ocidental, o desenho é distinto da pintura, embora meios semelhantes sejam frequentemente empregados em ambas as tarefas. A mídia seca, normalmente associada ao desenho, como giz, pode ser usada em pinturas a pastel. O desenho pode ser feito com um meio líquido, aplicado com pincéis ou canetas. Suportes semelhantes também podem servir a ambos: a pintura geralmente envolve a aplicação de tinta líquida em telas ou painéis preparados, mas às vezes um subdesenho é desenhado primeiro no mesmo suporte.
O desenho é muitas vezes exploratório, com ênfase considerável na observação, resolução de problemas e composição. O desenho também é usado regularmente na preparação de uma pintura, ofuscando ainda mais sua distinção. Os desenhos criados para esses fins são chamados de estudos.
Existem várias categorias de desenho, incluindo desenho de figuras, caricaturas, rabiscos e à mão livre. Existem também muitos métodos de desenho, como desenho de linha, pontilhado, sombreamento, o método surrealista da grafomania entópica (no qual pontos são feitos nos locais de impurezas em uma folha de papel em branco e linhas são feitas entre os pontos), e traçado (desenhar em um papel translúcido, como papel vegetal, ao redor do contorno de formas preexistentes que aparecem através do papel).
Um desenho rápido e não refinado pode ser chamado de esboço.
Nos campos fora da arte, desenhos técnicos ou planos de edifícios, máquinas, circuitos e outras coisas são freqüentemente chamados de "desenhos" mesmo quando foram transferidos para outro meio de impressão.
História
Na comunicação
O desenho é uma das mais antigas formas de expressão humana, existindo indícios da sua existência anterior à da comunicação escrita. Acredita-se que o desenho tenha sido utilizado como forma especializada de comunicação antes da invenção da linguagem escrita, demonstrada pela produção de pinturas rupestres e rupestres há cerca de 30.000 anos (Arte do Paleolítico Superior). Esses desenhos, conhecidos como pictogramas, representavam objetos e conceitos abstratos. Os esboços e pinturas produzidos pelos tempos neolíticos foram eventualmente estilizados e simplificados em sistemas de símbolos (proto-escrita) e eventualmente em sistemas de escrita iniciais.
Em manuscritos
Antes da ampla disponibilidade de papel, os monges do século 12 em mosteiros europeus usavam desenhos intrincados para preparar manuscritos ilustrados e iluminados em pergaminho e pergaminho. O desenho também tem sido amplamente utilizado no campo da ciência, como método de descoberta, compreensão e explicação.
Na ciência
Desenhar diagramas de observações é uma parte importante do estudo científico.
Em 1609, o astrônomo Galileo Galilei explicou as mudanças de fases de Vênus e também as manchas solares por meio de seus desenhos telescópicos observacionais. Em 1924, o geofísico Alfred Wegener usou ilustrações para demonstrar visualmente a origem dos continentes.
Como expressão artística
O desenho é usado para expressar a criatividade de alguém e, portanto, tem se destacado no mundo da arte. Durante grande parte da história, o desenho foi considerado a base da prática artística. Inicialmente, os artistas utilizavam e reaproveitavam tábuas de madeira para a produção de seus desenhos. Após a ampla disponibilidade de papel no século 14, o uso do desenho nas artes aumentou. Neste momento, o desenho era comumente usado como uma ferramenta de pensamento e investigação, atuando como um meio de estudo enquanto os artistas se preparavam para seus trabalhos finais. O Renascimento trouxe uma grande sofisticação nas técnicas de desenho, permitindo que os artistas representassem as coisas de forma mais realista do que antes, e revelando um interesse pela geometria e pela filosofia.
A invenção da primeira forma amplamente disponível de fotografia levou a uma mudança na hierarquia das artes. A fotografia oferecia uma alternativa ao desenho como método para representar com precisão fenômenos visuais, e a prática do desenho tradicional recebia menos ênfase como uma habilidade essencial para os artistas, particularmente na sociedade ocidental.
Artistas notáveis e desenhistas
O desenho tornou-se uma forma de arte significativa por volta do final do século XV, com artistas e mestres gravadores como Albrecht Dürer e Martin Schongauer (c. 1448-1491), o primeiro gravador do Norte conhecido pelo nome. Schongauer veio da Alsácia e nasceu em uma família de ourives. Albrecht Dürer, um mestre da próxima geração, também era filho de um ourives.
Os Desenhos dos Velhos Mestres muitas vezes refletem a história do país em que foram produzidos e as características fundamentais de uma nação na época. Na Holanda do século XVII, um país protestante, quase não havia obras de arte religiosas e, sem rei ou corte, a maior parte da arte era comprada em particular. Desenhos de paisagens ou cenas de gênero muitas vezes eram vistos não como esboços, mas como obras de arte altamente acabadas. Os desenhos italianos, no entanto, mostram a influência do catolicismo e da Igreja, que desempenhou um papel importante no patrocínio artístico. O mesmo costuma acontecer com os desenhos franceses, embora no século XVII as disciplinas do classicismo francês significassem que os desenhos eram menos barrocos do que os italianos mais livres, que transmitiam uma maior sensação de movimento.
No século 20, o Modernismo encorajou a "originalidade imaginativa" e alguns artistas' abordagem do desenho tornou-se menos literal, mais abstrata. Artistas de renome mundial, como Pablo Picasso, Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat, ajudaram a desafiar o status quo, com o desenho no centro de sua prática e muitas vezes reinterpretando a técnica tradicional.
Os desenhos de Basquiat foram produzidos em muitos meios diferentes, mais comumente tinta, lápis, caneta hidrográfica ou marcador e bastão de óleo, e ele desenhava em qualquer superfície que estivesse à mão, como portas, roupas, geladeiras, paredes e capacetes de beisebol.
Os séculos produziram um cânone de notáveis artistas e desenhistas, cada um com sua própria linguagem distinta de desenho, incluindo:
- 14th, 15th and 16th: Leonardo da Vinci • Albrecht Dürer • Hans Holbein the Younger • Michelangelo • Pisanello • Raphael
- 17o: Claude • Jacques de Gheyn II • Guercino • Nicolas Poussin • Rembrandt • Peter Paul Rubens • Pieter Saenredam
- 18o: François Boucher • Jean-Honoré Fragonard • Giovanni Battista Tiepolo • Antoine Watteau
- 19: Aubrey Beardsley • Paul Cézanne • Jacques-Louis David • Honoré Daumier • Edgar Degas • Théodore Géricault • Francisco Goya • Jean-Auguste-Dominique Ingres • Pierre-Paul Prud'hon • Odilon Redon • John Ruskin • Georges Seurat • Henri de Toulouse-Lautrec • Vincent van Gogh
- 20th: Max Beckmann • Jean Dubuffet • M. C. Escher • Arshile Gorky • George Grosz • Paul Klee • Oskar Kokoschka • Käthe Kollwitz • Alfred Kubin • André Masson • Alphonse Mucha • Jules Pascin • Pablo Picasso • Egon Schiele • Jean-Michel Basquiat • Andy Warhol
Materiais
O meio é o meio pelo qual a tinta, o pigmento ou a cor são aplicados na superfície do desenho. A maioria das mídias de desenho são secas (por exemplo, grafite, carvão, pastéis, Conté, ponta de prata) ou usam um solvente ou veículo fluido (marcador, caneta e tinta). Lápis de aquarela podem ser usados secos como lápis comuns, depois umedecidos com um pincel molhado para obter vários efeitos de pintura. Muito raramente, os artistas desenharam com tinta invisível (geralmente decodificada). O desenho de ponta de metal geralmente emprega um dos dois metais: prata ou chumbo. Mais raramente usados são ouro, platina, cobre, latão, bronze e estanho.
O papel vem em uma variedade de tamanhos e qualidades diferentes, variando de jornal até papel de alta qualidade e relativamente caro vendido como folhas individuais. Os papéis variam em textura, matiz, acidez e resistência quando molhados. O papel liso é bom para renderizar detalhes finos, mas um papel mais "dentado" o papel retém melhor o material de desenho. Assim, um material mais grosseiro é útil para produzir um contraste mais profundo.
Papel de jornal e papel de digitação podem ser úteis para praticar e fazer rascunhos. O papel vegetal é usado para experimentar um desenho inacabado e para transferir um desenho de uma folha para outra. O papel de cartucho é o tipo básico de papel de desenho vendido em blocos. O cartão Bristol e os cartões sem ácido ainda mais pesados, frequentemente com acabamentos lisos, são usados para desenhar detalhes finos e não distorcem quando a mídia úmida (tinta, lavagens) é aplicada. Vellum é extremamente suave e adequado para detalhes muito finos. Papel aquarela prensado a frio pode ser preferido para desenho a tinta devido à sua textura.
O papel livre de ácido e de qualidade arquivística mantém sua cor e textura por muito mais tempo do que o papel à base de polpa de madeira, como o papel de jornal, que fica amarelo e quebradiço muito mais cedo.
As ferramentas básicas são uma prancheta ou mesa de desenho, apontador de lápis e borracha, e para desenho a tinta, papel mata-borrão. Outras ferramentas usadas são compasso circular, régua e esquadro. O fixador é usado para evitar que as marcas de lápis e giz de cera manchem. A fita de desenho é usada para prender o papel à superfície de desenho e também para mascarar uma área para mantê-la livre de marcas acidentais, como materiais borrifados ou respingados e lavagens. Um cavalete ou mesa inclinada é usado para manter a superfície de desenho em uma posição adequada, que geralmente é mais horizontal do que a posição usada na pintura.
Técnica
Quase todos os desenhistas usam as mãos e os dedos para aplicar a mídia, com exceção de alguns deficientes que desenham com a boca ou os pés.
Antes de trabalhar em uma imagem, o artista normalmente explora como várias mídias funcionam. Eles podem tentar diferentes implementos de desenho em folhas de prática para determinar valor e textura, e como aplicar o implemento para produzir vários efeitos.
A escolha do artista de traços de desenho afeta a aparência da imagem. Desenhos de caneta e tinta geralmente usam hachuras - grupos de linhas paralelas. A hachura cruzada usa a hachura em duas ou mais direções diferentes para criar um tom mais escuro. Hachuras quebradas, ou linhas com quebras intermitentes, formam tons mais claros – e controlando a densidade das quebras consegue-se uma gradação de tom. Pontilhado usa pontos para produzir tom, textura e sombra. Diferentes texturas podem ser obtidas dependendo do método usado para construir o tom.
Desenhos em mídia seca geralmente usam técnicas semelhantes, embora lápis e bastões de desenho possam obter variações contínuas de tom. Normalmente, um desenho é preenchido com base na mão que o artista prefere. Um artista destro desenha da esquerda para a direita para evitar manchar a imagem. As borrachas podem remover linhas indesejadas, clarear tons e limpar marcas perdidas. Em um esboço ou desenho de esboço, as linhas desenhadas geralmente seguem o contorno do assunto, criando profundidade ao parecer sombras lançadas por uma luz na posição do artista.
Às vezes, o artista deixa uma seção da imagem intocada enquanto preenche o restante. A forma da área a preservar pode ser pintada com fluido de mascaramento ou recortada de um frisket e aplicada na superfície de desenho, protegendo a superfície de marcas perdidas até que a máscara seja removida.
Outro método para preservar uma seção da imagem é aplicar um fixador em spray na superfície. Isso mantém o material solto mais firmemente na folha e evita que ele manche. No entanto, o spray fixador geralmente usa produtos químicos que podem prejudicar o sistema respiratório, portanto, deve ser empregado em uma área bem ventilada, como ao ar livre.
Outra técnica é o desenho subtrativo no qual a superfície do desenho é coberta com grafite ou carvão e depois apagada para fazer a imagem.
Tom
O sombreamento é a técnica de variação dos valores tonais no papel para representar a tonalidade do material, bem como a colocação das sombras. A atenção cuidadosa à luz refletida, sombras e realces pode resultar em uma renderização muito realista da imagem.
A mesclagem usa um implemento para suavizar ou espalhar os traços do desenho original. A mistura é feita mais facilmente com um meio que não se fixa imediatamente, como grafite, giz ou carvão, embora a tinta recém-aplicada possa ficar manchada, úmida ou seca, para alguns efeitos. Para sombrear e misturar, o artista pode usar um toco de mistura, tecido, uma borracha amassada, a ponta do dedo ou qualquer combinação deles. Um pedaço de camurça é útil para criar texturas suaves e para remover material para clarear o tom. O tom contínuo pode ser alcançado com grafite em uma superfície lisa sem mesclar, mas a técnica é trabalhosa, envolvendo pequenos traços circulares ou ovais com uma ponta um tanto rombuda.
Técnicas de sombreamento que também introduzem textura no desenho incluem hachura e pontilhado. Vários outros métodos produzem textura. Além da escolha do papel, o material e a técnica do desenho afetam a textura. A textura pode ser feita para parecer mais realista quando é desenhada ao lado de uma textura contrastante; uma textura grosseira é mais óbvia quando colocada próxima a uma área suavemente mesclada. Um efeito semelhante pode ser alcançado desenhando tons diferentes juntos. Uma borda clara ao lado de um fundo escuro se destaca aos olhos e quase parece flutuar acima da superfície.
Forma e proporção
Medir as dimensões de um objeto durante o bloqueio no desenho é uma etapa importante na produção de uma renderização realista do objeto. Ferramentas como uma bússola podem ser usadas para medir os ângulos de diferentes lados. Esses ângulos podem ser reproduzidos na superfície de desenho e, em seguida, verificados novamente para garantir que sejam precisos. Outra forma de medição é comparar os tamanhos relativos de diferentes partes do objeto entre si. Um dedo colocado em um ponto ao longo do instrumento de desenho pode ser usado para comparar essa dimensão com outras partes da imagem. Uma régua pode ser usada tanto como uma régua quanto como um dispositivo para calcular proporções.
Ao tentar desenhar uma forma complicada, como uma figura humana, é útil primeiro representar a forma com um conjunto de volumes primitivos. Quase qualquer forma pode ser representada por alguma combinação de cubo, esfera, cilindro e cone. Uma vez que esses volumes básicos tenham sido reunidos em uma semelhança, o desenho pode ser refinado em uma forma mais precisa e polida. As linhas dos volumes primitivos são retiradas e substituídas pela semelhança final. Desenhar a construção subjacente é uma habilidade fundamental para a arte representacional e é ensinada em muitos livros e escolas. Sua aplicação correta resolve a maioria das incertezas sobre detalhes menores e torna a imagem final consistente.
Uma arte mais refinada de desenho de figuras depende do artista possuir uma compreensão profunda da anatomia e das proporções humanas. Um artista treinado está familiarizado com a estrutura do esqueleto, a localização das articulações, a colocação dos músculos, o movimento dos tendões e como as diferentes partes funcionam juntas durante o movimento. Isso permite que o artista renderize poses mais naturais que não pareçam artificialmente rígidas. O artista também sabe como as proporções variam dependendo da idade do sujeito, principalmente ao desenhar um retrato.
Perspectiva
A perspectiva linear é um método de retratar objetos em uma superfície plana para que as dimensões diminuam com a distância. Cada conjunto de arestas paralelas e retas de qualquer objeto, seja um prédio ou uma mesa, segue linhas que eventualmente convergem em um ponto de fuga. Normalmente, esse ponto de convergência está em algum lugar ao longo do horizonte, pois os edifícios são construídos no mesmo nível da superfície plana. Quando várias estruturas estão alinhadas umas com as outras, como prédios ao longo de uma rua, os topos e fundos horizontais das estruturas geralmente convergem em um ponto de fuga.
Quando as frentes e os lados de um edifício são desenhados, as linhas paralelas que formam um lado convergem em um segundo ponto ao longo do horizonte (que pode estar fora do papel de desenho). Esta é uma perspectiva de dois pontos. A convergência das linhas verticais para um terceiro ponto acima ou abaixo do horizonte produz uma perspectiva de três pontos.
A profundidade também pode ser retratada por várias técnicas, além da abordagem de perspectiva acima. Objetos de tamanho semelhante devem parecer cada vez menores quanto mais longe estiverem do visualizador. Assim, a roda traseira de um carrinho parece ligeiramente menor que a roda dianteira. A profundidade pode ser retratada através do uso de textura. À medida que a textura de um objeto se afasta, ele se torna mais comprimido e ocupado, assumindo um caráter totalmente diferente do que se estivesse próximo. A profundidade também pode ser retratada reduzindo o contraste em objetos mais distantes e tornando suas cores menos saturadas. Isso reproduz o efeito da névoa atmosférica e faz com que o olho se concentre principalmente nos objetos desenhados em primeiro plano.
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Arte
A composição da imagem é um elemento importante na produção de uma obra interessante de mérito artístico. O artista planeja a colocação de elementos na arte para comunicar ideias e sentimentos ao espectador. A composição pode determinar o foco da arte e resultar em um todo harmonioso que seja esteticamente atraente e estimulante.
A iluminação do assunto também é um elemento chave na criação de uma peça artística, e a interação de luz e sombra é um método valioso na caixa de ferramentas do artista. A colocação das fontes de luz pode fazer uma diferença considerável no tipo de mensagem que está sendo apresentada. Múltiplas fontes de luz podem eliminar quaisquer rugas no rosto de uma pessoa, por exemplo, e dar uma aparência mais jovem. Em contraste, uma única fonte de luz, como a luz forte do dia, pode servir para destacar qualquer textura ou características interessantes.
Ao desenhar um objeto ou figura, o artista habilidoso presta atenção tanto na área dentro da silhueta quanto no que está fora. O exterior é denominado espaço negativo e pode ser tão importante na representação quanto a figura. Os objetos colocados no fundo da figura devem aparecer posicionados corretamente onde quer que possam ser vistos.
Um estudo é um esboço de desenho feito em preparação para uma imagem final planejada. Os estudos podem ser usados para determinar as aparências de partes específicas da imagem completa ou para experimentar a melhor abordagem para atingir o objetivo final. No entanto, um estudo bem elaborado pode ser uma obra de arte por si só, e muitas horas de trabalho cuidadoso podem ser necessárias para concluir um estudo.
Processo
Indivíduos exibem diferenças em sua capacidade de produzir desenhos visualmente precisos. Um desenho visualmente preciso é descrito como sendo "reconhecido como um objeto específico em um determinado momento e em um determinado espaço, renderizado com pouca adição de detalhes visuais que não podem ser vistos no objeto representado ou com pouca exclusão de detalhes visuais". ”.
Estudos investigativos têm procurado explicar as razões pelas quais alguns indivíduos desenham melhor do que outros. Um estudo postulou quatro habilidades principais no processo de desenho: habilidades motoras necessárias para fazer marcas, a própria percepção do desenho do desenhista, a percepção dos objetos sendo desenhados e a capacidade de tomar boas decisões representativas. Seguindo essa hipótese, vários estudos têm buscado concluir quais desses processos são mais significativos para afetar a precisão dos desenhos.
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- Controlo do motor
O controle do motor é um componente físico importante na 'Fase de Produção' do processo de desenho. Tem sido sugerido que o controle motor desempenha um papel na habilidade de desenhar, embora seus efeitos não sejam significativos.
- Percepção
Foi sugerido que a capacidade de um indivíduo de perceber um objeto que está desenhando é o estágio mais importante no processo de desenho. Esta sugestão é apoiada pela descoberta de uma relação robusta entre percepção e habilidade de desenho.
Essa evidência atuou como base para a opinião de Betty Edwards. livro de como desenhar, Desenhando com o Lado Direito do Cérebro. Edwards pretendia ensinar seus leitores a desenhar, com base no desenvolvimento das habilidades perceptivas do leitor.
Além disso, o influente artista e crítico de arte John Ruskin enfatizou a importância da percepção no processo de desenho em seu livro Os Elementos do Desenho. Ele afirmou que "pois estou quase convencido de que, uma vez que vemos com clareza suficiente, há muito pouca dificuldade em desenhar o que vemos".
- Memória visual
Também foi demonstrado que isso influencia a capacidade de criar desenhos visualmente precisos. A memória de curto prazo desempenha um papel importante no desenho, pois o olhar se desloca entre o objeto que está desenhando e o desenho em si.
- Processo de decisão
Alguns estudos comparando artistas e não artistas descobriram que os artistas passam mais tempo pensando estrategicamente enquanto desenham. Em particular, os artistas passam mais tempo em atividades 'metacognitivas' atividades como considerar diferentes planos hipotéticos de como eles podem progredir com um desenho.