Contrabaixo

O contrabaixo (), também conhecido simplesmente como baixo (), entre outros nomes, é o maior e mais grave instrumento de cordas da orquestra sinfônica moderna (excluindo adições pouco ortodoxas, como o octobass). Semelhante em estrutura ao violoncelo, tem quatro, embora ocasionalmente cinco, cordas.

O baixo é um membro padrão da seção de cordas da orquestra, junto com violinos, viola e violoncelo, bem como a banda de concerto, e é apresentado em concertos, solo e música de câmara na música clássica ocidental. O baixo é usado em uma variedade de outros gêneros, como jazz, blues, rock and roll, rockabilly, música country, bluegrass, tango e música folclórica.

O baixo é um instrumento de transposição e normalmente é notado uma oitava acima do que afinado para evitar linhas de registro excessivas abaixo da pauta. O contrabaixo é o único instrumento de corda de arco moderno que é afinado em quartas (como um baixo ou viola), em vez de quintas, com cordas geralmente afinadas em E1, A1, D2 e G2.

A linhagem exata do instrumento ainda é motivo de algum debate, com estudiosos divididos sobre se o baixo é derivado da viola ou da família do violino.

O contrabaixo é tocado com um arco (arco), ou dedilhando as cordas (pizzicato), ou através de uma variedade de técnicas estendidas. No repertório orquestral e na música do tango, tanto o arco quanto o pizzicato são empregados. No jazz, no blues e no rockabilly, o pizzicato é a norma. A música clássica e o jazz usam o som natural produzido acusticamente pelo instrumento, assim como o bluegrass tradicional. No funk, blues, reggae e gêneros relacionados, o contrabaixo costuma ser amplificado.

Terminologia

O baixista de Jazz Ron Carter imaginou tocar com seu Quarteto em "Altes Pfandhaus" em Colônia

Uma pessoa que toca este instrumento é chamada de "baixista", "contrabaixista", "contrabaixista", "contrabaixista", "contrabaixista" ou "baixista". Os nomes contrabaixo e contrabaixo referem-se ao alcance do instrumento e usam uma oitava abaixo do violoncelo (ou seja, dobrando no violoncelo). Os termos para o instrumento entre os músicos clássicos são contrabaixo (que vem do nome italiano do instrumento, contrabbasso), baixo de corda (para distingui-lo dos instrumentos de baixo de latão em uma banda de concerto, como tubas), ou simplesmente baixo.

No jazz, blues, rockabilly e outros gêneros fora da música clássica, este instrumento é comumente chamado de contrabaixo, contrabaixo ou baixo acústico b> para distingui-lo do baixo (geralmente elétrico). Na música folk e bluegrass, o instrumento também é chamado de "violino baixo" ou "violino baixo" (ou mais raramente como "doghouse bass" ou "bull fiddle" ). Como membro da família de instrumentos do violino, a construção do baixo vertical é bastante diferente da do contrabaixo acústico, já que este último é um derivado do baixo elétrico e geralmente construído como uma variante maior e mais robusta do contrabaixo. um violão.

O contrabaixo às vezes é chamado de maneira confusa de violone, violão baixo ou viola baixo.

Descrição

Ellen Andrea Wang atuando no Oslo Jazz Festival

O contrabaixo fica em torno de 180 cm (6 pés) da rolagem ao pino final. No entanto, outros tamanhos estão disponíveis, como 1⁄2 ou 3⁄4, que servem para acomodar a altura e o tamanho da mão de um jogador. Esses tamanhos não refletem o tamanho relativo a um tamanho completo ou 4⁄4 baixo; um 1⁄2 baixo não é metade do comprimento de um 4⁄4 baixo, mas é apenas cerca de 15% menor. É tipicamente construído com vários tipos de madeira, incluindo bordo para o fundo, abeto para o tampo e ébano para a escala. É incerto se o instrumento é descendente da viola da gamba ou do violino, mas está tradicionalmente alinhado com a família dos violinos. Enquanto o contrabaixo é quase idêntico em construção a outros instrumentos da família do violino, ele também incorpora características encontradas na antiga família das violas.

As notas das cordas abertas são E₁, A₁, D₂ e G₂, o mesmo que um baixo acústico ou elétrico. No entanto, a ressonância da madeira, combinada com a construção semelhante a um violino e comprimento de escala longo, dá ao contrabaixo um tom muito mais rico do que o baixo, além da possibilidade de usar um arco, enquanto o braço sem trastes acomoda glissandos suaves e legados.

Estilo de jogo

Como outros instrumentos de corda da família do violino e da viola, o contrabaixo é tocado com um arco (arco) ou dedilhando as cordas (pizzicato). Ao empregar um arco, o jogador pode usá-lo tradicionalmente ou bater na madeira do arco contra a corda. No repertório orquestral e na música do tango, tanto o arco quanto o pizzicato são empregados. No jazz, no blues e no rockabilly, o pizzicato é a norma, exceto para alguns solos e ocasionais partes escritas no jazz moderno que exigem arcos.

Na pedagogia clássica, quase todo o foco está em tocar com o arco e produzir um bom tom de arco; há pouco trabalho feito no desenvolvimento de habilidades significativas de pizzicato. As notas de arco no registro mais baixo do instrumento produzem um efeito sombrio, pesado, poderoso ou mesmo ameaçador, quando tocadas com uma dinâmica fortissimo; no entanto, os mesmos tons graves tocados com um pianíssimo delicado podem criar uma linha de acompanhamento sonora e suave. Os alunos de baixo clássico aprendem todas as diferentes articulações de arco usadas por outros músicos de seção de cordas (por exemplo, violino e violoncelo), como détaché, legato, staccato, sforzato, martelé (estilo "martelado"), sul ponticello, sul tasto, tremolo, spiccato e sautillé. Algumas dessas articulações podem ser combinadas; por exemplo, a combinação de sul ponticello e tremolo pode produzir sons estranhos e fantasmagóricos. Baixistas clássicos tocam partes de pizzicato na orquestra, mas essas partes geralmente requerem notas simples (semínimas, mínimas, notas inteiras), em vez de passagens rápidas.

O baixo duplo é um instrumento padrão em grupos bluegrass.

Os músicos clássicos executam notas de arco e pizz usando vibrato, um efeito criado ao balançar ou tremer o dedo da mão esquerda que está em contato com a corda, que então transfere uma ondulação no tom para o tom. Vibrato é usado para adicionar expressão ao jogo de cordas. Em geral, passagens de registro baixo muito altas são tocadas com pouco ou nenhum vibrato, já que o objetivo principal com tons baixos é fornecer um baixo fundamental claro para a seção de cordas. Melodias de registro médio e alto são tipicamente tocadas com mais vibrato. A velocidade e a intensidade do vibrato são variadas pelo executante para um efeito emocional e musical.

No jazz, rockabilly e outros gêneros relacionados, muito ou todo o foco está em tocar pizzicato. No jazz e no jump blues, os baixistas são obrigados a tocar linhas de baixo rápidas em pizzicato por longos períodos. Os baixistas de jazz e rockabilly desenvolvem técnicas virtuosas de pizzicato que lhes permitem tocar solos rápidos que incorporam tercinas de movimentos rápidos e figuras de semicolcheias. As linhas de baixo em pizzicato executadas pelos principais profissionais do jazz são muito mais difíceis do que as linhas de baixo em pizzicato que os baixistas clássicos encontram na literatura orquestral padrão, que são tipicamente notas inteiras, mínimas, semínimas e passagens ocasionais de colcheias. No jazz e estilos relacionados, os baixistas geralmente adicionam "notas fantasmas" em linhas de baixo, para aumentar a sensação rítmica e adicionar preenchimentos a uma linha de baixo.

O contrabaixista fica de pé, ou sentado em um banquinho alto, e encosta o instrumento contra o corpo, ligeiramente virado para dentro para colocar as cordas confortavelmente ao seu alcance. Essa postura é uma das principais razões para os ombros inclinados do baixo, que o diferenciam dos outros membros da família do violino - os ombros mais estreitos facilitam a execução das cordas em seus registros mais altos.

História

Alguns baixos iniciais foram conversões de violonas existentes. Esta pintura de 1640 por Peter Lely, um pintor de origem holandesa, mostra um violone sendo jogado.

O contrabaixo é geralmente considerado um descendente moderno da família de instrumentos de cordas que se originou na Europa no século XV e, como tal, foi descrito como um violino baixo. Antes do século XX. muitos contrabaixos tinham apenas três cordas, em contraste com as cinco a seis cordas típicas dos instrumentos da família das violas ou das quatro cordas dos instrumentos da família dos violinos. As proporções do contrabaixo são diferentes das do violino e do violoncelo; por exemplo, é mais profundo (a distância da frente para trás é proporcionalmente muito maior que o violino). Além disso, enquanto o violino tem ombros salientes, a maioria dos contrabaixos tem ombros esculpidos com uma inclinação mais aguda, como os membros da família das violas. Muitos contrabaixos muito antigos tiveram seus ombros cortados ou inclinados para ajudar a tocar com técnicas modernas. Antes dessas modificações, o desenho de seus ombros era mais próximo dos instrumentos da família dos violinos.

O contrabaixo é o único instrumento moderno de cordas de arco afinado em quartas (como uma viola), em vez de quintas (veja Afinação abaixo). A linhagem exata do instrumento ainda é motivo de algum debate, e a suposição de que o contrabaixo é um descendente direto da família da viola ainda não foi totalmente resolvida.

Em seu A New History of the Double Bass, Paul Brun afirma que o contrabaixo tem origem como o verdadeiro baixo da família do violino. Ele afirma que, enquanto o exterior do contrabaixo pode se assemelhar à viola da gamba, a construção interna do contrabaixo é quase idêntica aos instrumentos da família dos violinos e muito diferente da estrutura interna das violas.

O professor de contrabaixo Larry Hurst argumenta que o "contrabaixo moderno não é um verdadeiro membro das famílias do violino ou da viola". Ele diz que "provavelmente sua primeira forma geral foi a de um violone, o maior membro da família viol". Alguns dos primeiros baixos existentes são os violones (incluindo orifícios sonoros em forma de C) que foram equipados com ornamentos modernos." Alguns instrumentos existentes, como os de Gasparo da Salò, foram convertidos a partir do contrabaixo de seis cordas do século XVI.

Design

Exemplo de um baixo duplo em forma de Busetto: remake of a Matthias Klotz (1700) de Rumano Solano

Partes principais do baixo duplo

Existem duas abordagens principais para a forma do esboço do contrabaixo: a forma do violino (mostrada na imagem rotulada na seção de construção); e a forma viola da gamba (mostrada na imagem do cabeçalho deste artigo). Um terceiro desenho menos comum, chamado de formato busetto, também pode ser encontrado, assim como o formato ainda mais raro de guitarra ou pêra. A parte de trás do instrumento pode variar de uma parte traseira redonda e esculpida semelhante à do violino, a uma parte traseira plana e angulada semelhante à família das violas.

O contrabaixo possui muitas partes que são semelhantes aos membros da família do violino, incluindo uma ponte de madeira esculpida para apoiar as cordas, dois orifícios em f, um arremate no qual as extremidades esféricas das cordas são inseridas (com o arremate ancorado ao redor do pino de montagem), um pergaminho ornamental perto da pegbox, uma porca com ranhuras para cada corda na junção do braço e da pegbox e um poste de som robusto e grosso, que transmite as vibrações do topo do instrumento para o corpo oco e suporta a pressão da tensão da corda. Ao contrário do resto da família do violino, o contrabaixo ainda reflete influências e pode ser considerado parcialmente derivado da família de instrumentos viol, em particular o violone, o membro mais baixo e mais grave da família viol. Por exemplo, o baixo é afinado em quartas, como uma viola, em vez de quintas, que é o padrão no grupo de violino. Além disso, observe que os 'ombros' encontre o pescoço em uma curva, em vez do ângulo agudo visto entre os violinos. Tal como acontece com os outros instrumentos da família do violino e da viola que são tocados com um arco (e ao contrário de instrumentos dedilhados ou dedilhados como a guitarra), a ponte do contrabaixo tem uma forma curva em forma de arco. Isso é feito porque, com instrumentos de arco, o músico deve ser capaz de tocar cordas individuais. Se o contrabaixo tivesse uma ponte plana, seria impossível curvar as cordas A e D individualmente.

O contrabaixo também difere dos membros da família do violino porque os ombros são normalmente inclinados e as costas geralmente anguladas (ambos para permitir um acesso mais fácil ao instrumento, principalmente na faixa superior). Os afinadores mecânicos são sempre instalados, em contraste com o resto da família dos violinos, onde as cravelhas tradicionais de fricção de madeira ainda são o principal meio de afinação. A falta de padronização no design significa que um contrabaixo pode soar e parecer muito diferente do outro.

Construção

O contrabaixo é a construção mais próxima dos violinos, mas tem algumas semelhanças notáveis com o violone ("grande viola"), o maior e mais grave membro da família da viola. Ao contrário do violone, no entanto, o braço do contrabaixo não tem trastes e o contrabaixo tem menos cordas (o violone, como a maioria das violas, geralmente tinha seis cordas, embora alguns espécimes tivessem cinco ou quatro). A escala é feita de ébano em instrumentos de alta qualidade; em instrumentos de estudante menos caros, outras madeiras podem ser usadas e depois pintadas ou manchadas de preto (um processo chamado "ebonização"). A escala é arredondada usando uma curva, pela mesma razão que a ponte é curva: se a escala e a ponte fossem planas, um baixista não seria capaz de curvar as duas cordas internas individualmente. Usando uma ponte curva e um braço curvo, o baixista pode alinhar o arco com qualquer uma das quatro cordas e tocá-las individualmente. Ao contrário do violino e da viola, mas como o violoncelo, o braço do baixo é um pouco achatado sob a corda E (a corda C no violoncelo), isso é comumente conhecido como chanfro de Romberg. A grande maioria das escalas não pode ser ajustada pelo artista; qualquer ajuste deve ser feito por um luthier. Um número muito pequeno de baixos caros para profissionais tem escalas ajustáveis, nas quais um mecanismo de parafuso pode ser usado para aumentar ou diminuir a altura da escala.

Uma distinção importante entre o contrabaixo e outros membros da família do violino é a construção do pegbox e o mecanismo de afinação. Enquanto o violino, a viola e o violoncelo usam cravelhas de fricção para ajustes de afinação (apertando e afrouxando a tensão das cordas para aumentar ou diminuir o tom das cordas), o contrabaixo tem cabeças e engrenagens de metal. Um dos desafios das cravelhas é que o atrito entre a cravelha de madeira e o orifício da cravelha pode se tornar insuficiente para manter a cravelha no lugar, principalmente se o orifício da cravelha ficar gasto e alargado. A tecla da afinadora de um contrabaixo gira uma sem-fim de metal, que aciona uma engrenagem helicoidal que enrola a corda. Girar a chave em uma direção aperta a corda (aumentando assim seu tom); girar a chave na direção oposta reduz a tensão na corda (diminuindo assim seu tom). Embora esse desenvolvimento torne desnecessários os afinadores finos no arremate (importantes para violinistas, violas e violoncelistas, pois seus instrumentos usam cravelhas de fricção para grandes ajustes de afinação), um número muito pequeno de baixistas os usa. Uma justificativa para o uso de afinadores finos no baixo é que, para instrumentos com extensão de dó baixo, o sistema de polias para cordas longas pode não transferir efetivamente as voltas da chave em mudanças de tensão/afinação das cordas. Na base do contrabaixo há uma haste de metal com uma ponta pontiaguda ou emborrachada chamada endpin, que fica apoiada no chão. Essa ponta geralmente é mais grossa e robusta que a de um violoncelo, devido à maior massa do instrumento.

Os materiais mais usados na construção de contrabaixos para contrabaixos totalmente esculpidos (o tipo usado por baixistas e solistas de orquestra profissionais) são bordo (costas, braço, costelas), abeto (topo) e ébano (escala, arremate). O arremate pode ser feito de outros tipos de madeira ou materiais não madeireiros. Baixos menos caros são normalmente construídos com tampos, costas e nervuras laminados (madeira compensada), ou são modelos híbridos produzidos com costas e laterais laminadas e tampos de madeira maciça esculpida. Alguns baixos de preço baixo a médio da era de 2010 são feitos de salgueiro, modelos de estudantes construídos em fibra de vidro foram produzidos em meados do século 20 e alguns baixos (normalmente bastante caros) foram construídos em fibra de carbono.

Esta foto mostra o posto de som grosso em um baixo duplo (cirguido em verde).

Os baixos laminados (compensados), amplamente utilizados em escolas de música, orquestras juvenis e em ambientes de música popular e folclórica (incluindo rockabilly, psychobilly, blues, etc.), são muito resistentes à umidade e ao calor, bem como a o abuso físico que eles podem enfrentar em um ambiente escolar (ou, para músicos de blues e folk, os perigos de fazer turnês e se apresentar em bares). Outra opção é o baixo de corpo híbrido, que possui fundo laminado e tampo em madeira maciça ou esculpida. É menos caro e um pouco menos frágil (pelo menos em relação às costas) do que um baixo totalmente esculpido.

O soundpost e a barra de graves são componentes da construção interna. Todas as partes de um contrabaixo são coladas, exceto o poste de som, a ponte e o arremate, que são mantidos no lugar pela tensão das cordas (embora o poste de som geralmente permaneça no lugar quando as cordas do instrumento são afrouxadas ou removidas, como desde que o baixo seja mantido de costas (alguns luthiers recomendam trocar apenas uma corda por vez para reduzir o risco de queda da coluna). Se o poste cair, é necessário um luthier para recolocar o poste, pois isso deve ser feito com ferramentas inseridas nos orifícios; além disso, a colocação exata do poste de som sob a ponte é essencial para que o instrumento soe melhor. As pontes básicas são esculpidas em uma única peça de madeira, que é personalizada para combinar com a forma do tampo de cada instrumento. As pontes mais baratas em instrumentos de estudante podem ser personalizadas apenas lixando os pés para combinar com a forma da parte superior do instrumento. Uma ponte no instrumento de um baixista profissional pode ser esculpida por um luthier.

Os baixistas profissionais são mais propensos a ter pontes ajustáveis, que possuem um mecanismo de parafuso de metal. Isso permite que o baixista aumente ou diminua a altura das cordas para acomodar mudanças nas condições de umidade ou temperatura. As máquinas de afinação de metal são fixadas nas laterais da pegbox com parafusos de metal. Embora os mecanismos de afinação geralmente difiram dos instrumentos de cordas orquestrais de tom mais alto, alguns baixos têm cravelhas ornamentais não funcionais projetando-se do lado da cravelha, imitando as cravelhas de um violoncelo ou violino.

Famosos fabricantes de contrabaixos vêm de todo o mundo e muitas vezes representam características nacionais variadas. Os instrumentos mais procurados (e caros) vêm da Itália e incluem baixos feitos por Giovanni Paolo Maggini, Gasparo da Salò, a família Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Paulo Antonio), Celestino Puolotti e Matteo Goffriller. Os baixos franceses e ingleses de fabricantes famosos também são procurados pelos músicos.

Instrumentos de viagem

Vários fabricantes fabricam instrumentos de viagem, que são contrabaixos com recursos que reduzem o tamanho do instrumento para que ele atenda aos requisitos de viagens aéreas. Os baixos de viagem são projetados para músicos em turnê. Um tipo de baixo de viagem tem um corpo muito menor do que o normal, mantendo todos os recursos necessários para tocar. Embora esses instrumentos de corpo menor pareçam semelhantes aos baixos elétricos verticais, a diferença é que os baixos de viagem de corpo pequeno ainda têm uma câmara de som acústica oca razoavelmente grande, enquanto muitos EUBs são de corpo sólido ou têm apenas uma pequena câmara oca. Um segundo tipo de baixo de viagem tem um pescoço articulado ou removível e um corpo de tamanho regular. O pescoço articulado ou removível torna o instrumento menor quando embalado para transporte.

Sequências de caracteres

Detalhe da ponte e cordas

Cordas de gut

A história do contrabaixo está intimamente ligada ao desenvolvimento da tecnologia de cordas, pois foi o advento das cordas de tripa enroladas, que primeiro tornou o instrumento mais praticável em geral, já que as cordas enroladas ou enroladas atingem notas baixas dentro de um menor geral diâmetro da corda do que cordas não enroladas. O professor Larry Hurst argumenta que, se "não fosse pelo aparecimento da corda de tripa enrolada na década de 1650, o contrabaixo certamente teria se extinguido", porque as espessuras necessárias para cordas de tripa regulares tornavam as cordas mais graves quase impossível de tocar e impediu o desenvolvimento de uma execução fluida e rápida no registro inferior.

Antes do século 20, as cordas do contrabaixo eram geralmente feitas de catgut; no entanto, o aço o substituiu em grande parte, porque as cordas de aço mantêm seu tom melhor e produzem mais volume quando tocadas com o arco. As cordas de tripa também são mais vulneráveis a mudanças de umidade e temperatura e quebram mais facilmente do que as cordas de aço.

As cordas de tripa são hoje em dia usadas principalmente por baixistas que atuam em conjuntos barrocos, bandas de rockabilly, bandas de blues tradicionais e bandas de bluegrass. Em alguns casos, o baixo E e A são enrolados em prata, para dar-lhes massa adicional. Cordas de tripa fornecem o som escuro e "thumpy" som ouvido em gravações dos anos 1940 e 1950. O falecido Jeff Sarli, um baixista de blues, disse que "A partir da década de 1950, eles começaram a recolocar os braços dos baixos para cordas de aço." Os baixistas de rockabilly e bluegrass também preferem gut porque é muito mais fácil executar o "tapa" estilo contrabaixo vertical (no qual as cordas são percussivamente batidas e clicadas contra o braço) com cordas de tripa do que com cordas de aço, porque a tripa não machuca tanto os dedos dedilhadores. Uma alternativa menos cara às cordas de tripa são as cordas de náilon; as cordas mais altas são de náilon puro e as cordas mais baixas são de náilon enrolado em arame, para adicionar mais massa à corda, diminuindo a vibração e facilitando assim os tons mais graves.

A mudança de tripa para aço também afetou a técnica de execução do instrumento nos últimos cem anos. As cordas de aço podem ser ajustadas mais perto do braço e, adicionalmente, as cordas podem ser tocadas em posições mais altas nas cordas mais baixas e ainda produzir um tom claro. O método clássico de Franz Simandl do século 19 não usa a corda E grave em posições mais altas porque as cordas de tripa mais antigas, montadas no alto do braço, não podiam produzir um tom claro nessas posições mais altas. No entanto, com cordas de aço modernas, os baixistas podem tocar com tom claro em posições mais altas nas cordas E e A graves, especialmente quando usam cordas de aço modernas de calibre mais leve e tensão mais baixa.

Laços

O arco de contrabaixo vem em duas formas distintas (mostradas abaixo). O "francês" ou "overhand" arco é semelhante em forma e implementação ao arco usado nos outros membros da família de instrumentos de cordas orquestrais, enquanto o arco "alemão" ou "mordomo" o arco é tipicamente mais largo e mais curto e é mantido em um "aperto de mão" (ou "serra").

Francês (upper) e arcos alemães comparados

Esses dois arcos fornecem maneiras diferentes de mover o braço e distribuir força e peso nas cordas. Os defensores do arco francês argumentam que é mais manobrável, devido ao ângulo em que o jogador segura o arco. Os defensores do arco alemão afirmam que ele permite que o jogador aplique mais peso do braço nas cordas. As diferenças entre os dois, no entanto, são mínimas para um músico proficiente, e músicos modernos em grandes orquestras usam ambos os arcos.

Arco alemão

arco de estilo alemão

O arco alemão (às vezes chamado de arco Butler) é o mais antigo dos dois designs. O desenho do arco e a maneira de segurá-lo descendem da antiga família de instrumentos de viola. Com violas mais antigas, antes que os sapos tivessem roscas para apertar o arco, os jogadores seguravam o arco com dois dedos entre a vara e o cabelo para manter a tensão do cabelo. Os defensores do uso do arco alemão afirmam que o arco alemão é mais fácil de usar para golpes pesados que exigem muita força.

Comparado com o arco francês, o arco alemão tem um sapo mais alto, e o jogador o segura com a palma da mão voltada para cima, como acontece com os membros retos da família das violas. Quando segurado da maneira tradicionalmente correta, o polegar aplica a força necessária para gerar o som desejado. O dedo indicador encontra o arco no ponto onde o sapo encontra a vara. O dedo indicador também aplica um torque ascendente ao sapo ao inclinar o arco. O dedo mínimo (ou "mindinho") apóia o sapo por baixo, enquanto o dedo anelar e o dedo médio ficam no espaço entre o cabelo e a haste.

Arco francês

Arco de estilo francês

O arco francês não era muito popular até sua adoção pelo virtuoso do século XIX, Giovanni Bottesini. Este estilo é mais parecido com os arcos tradicionais dos instrumentos de família de cordas menores. É segurado como se a mão estivesse apoiada ao lado do executante com a palma voltada para o baixo. O polegar fica na haste do arco, próximo ao sapo, enquanto os outros dedos ficam do outro lado do arco. Vários estilos ditam a curva dos dedos e do polegar, assim como o estilo da peça; uma curva mais pronunciada e um aperto mais leve no arco são usados para peças virtuosas ou mais delicadas, enquanto uma curva mais plana e um aperto mais robusto no arco sacrificam um pouco de força para um controle mais fácil em golpes como detaché, spiccato e staccato.

Um baixista segurando um arco francês; note como o polegar repousa no eixo do arco ao lado da rã.

Construção e materiais do arco

Os arcos de contrabaixo variam em comprimento, variando de 60 a 75 cm (24–30 in). Em geral, um arco de baixo é mais curto e mais pesado que um arco de violoncelo. Pernambuco, também conhecido como pau-brasil, é considerado um material bastão de excelente qualidade, mas devido à sua escassez e custo, outros materiais estão sendo cada vez mais utilizados. Arcos de estudante baratos podem ser construídos em fibra de vidro sólida, o que torna o arco muito mais leve do que um arco de madeira (até mesmo leve demais para produzir um bom timbre, em alguns casos). Arcos para estudantes também podem ser feitos das variedades menos valiosas de pau-brasil. Snakewood e fibra de carbono também são usados em arcos de várias qualidades diferentes. O arco do contrabaixo geralmente é feito de ébano, embora alguns luthiers usem madeira de cobra e chifre de búfalo. O sapo é móvel, pois pode ser apertado ou afrouxado com um botão (como todos os arcos da família do violino). O arco é afrouxado no final de uma sessão de prática ou performance. O arco é apertado antes de jogar, até atingir uma tensão que seja preferida pelo jogador. O sapo em um laço de qualidade é decorado com incrustações de madrepérola.

Os arcos têm um invólucro de couro na parte de madeira do arco perto do sapo. Junto com o envoltório de couro, há também um envoltório de arame, feito de ouro ou prata em laços de qualidade. O cabelo é geralmente crina de cavalo. Parte da manutenção regular de um arco é ter o arco "refeito" por um luthier com crina de cavalo nova e trocando o couro e a embalagem de arame. O arco do contrabaixo é encordoado com crina branca ou preta, ou uma combinação dos dois (conhecida como "sal e pimenta"), em oposição à crina branca habitual usada nos arcos de outros instrumentos de cordas. Alguns baixistas argumentam que o cabelo preto um pouco mais áspero "agarra" o cabelo. as cordas mais pesadas e graves melhor. Além disso, alguns baixistas e luthiers acreditam que é mais fácil produzir um som mais suave com a variedade branca. O cabelo ruivo (castanho) também é usado por alguns baixistas. Alguns dos arcos de estudante de menor qualidade e menor custo são feitos com cabelo sintético. O cabelo sintético não tem as minúsculas "farpas" que a crina de verdade tem, então não "agarra" a corda bem ou pegue resina bem.

Rosina

Uma variedade de tipos de rosin

Os tocadores de corda aplicam resina no cabelo do arco para que ele "agarre" a corda e a faz vibrar. A resina de contrabaixo é geralmente mais macia e pegajosa do que a resina de violino para permitir que o cabelo pegue melhor as cordas mais grossas, mas os músicos usam uma grande variedade de resinas que variam de bastante duras (como a resina de violino) a bastante macias, dependendo do clima, o umidade e a preferência do jogador. A quantidade usada geralmente depende do tipo de música que está sendo tocada, bem como das preferências pessoais do jogador. Os baixistas podem aplicar mais breu em obras para grandes orquestras (por exemplo, sinfonias de Brahms) do que em delicadas obras de câmara. Algumas marcas de resina, como Wiedoeft ou resina de contrabaixo de Pop, são mais macias e mais propensas a derreter em clima quente. Outras marcas, como Carlsson ou resina de contrabaixo Nyman Harts, são mais duras e menos propensas a derreter.

Mecanismo de produção de som

Devido aos seus diâmetros relativamente pequenos, as próprias cordas não movem muito ar e, portanto, não podem produzir muito som por conta própria. A energia vibratória das cordas deve de alguma forma ser transferida para o ar circundante. Para fazer isso, as cordas vibram a ponte e esta, por sua vez, vibra a superfície superior. Amplitudes muito pequenas, mas variações de força relativamente grandes (devido à variação cíclica da tensão na corda vibrante) na ponte são transformadas em amplitudes maiores pela combinação da ponte e do corpo do baixo. A ponte transforma as vibrações de alta força e pequena amplitude em vibrações de menor força e maior amplitude na parte superior do corpo do baixo. A parte superior é conectada à parte traseira por meio de um poste de som, para que a parte traseira também vibre. Tanto a frente quanto a traseira transmitem as vibrações para o ar e agem para igualar a impedância da vibração da corda à impedância acústica do ar.

Mecanismo específico de produção de som e tom

Como o baixo acústico é um instrumento sem trastes, qualquer vibração de corda devido a dedilhado ou arco causará um som audível devido à vibração das cordas contra o braço perto da posição dos dedos. Este som de busing dá à nota seu caráter.

Argumento

O baixo (ou F) clave é usado para a maioria da música de baixo duplo.

A nota mais baixa de um contrabaixo é um E₁ (em baixos padrão de quatro cordas) em aproximadamente 41 Hz ou um C₁ (≈33 Hz), ou às vezes B₀ (≈31 Hz), quando cinco cordas são usadas. Isso está cerca de uma oitava acima da frequência mais baixa que o ouvido humano médio pode perceber como um tom distinto. A parte superior da escala do instrumento é normalmente perto de D₅, duas oitavas e uma quinta acima do tom aberto da corda G (G₂), como mostrado na ilustração de intervalo encontrada no cabeçalho deste artigo. Tocar além do final do braço pode ser feito puxando a corda levemente para o lado.

As partes sinfônicas de contrabaixo às vezes indicam que o intérprete deve tocar harmônicos (também chamados de tons flageolet), nos quais o baixista toca levemente a corda - sem pressioná-la no braço da maneira usual - no local de uma nota e depois arranca ou curva a nota. Harmônicos curvados são usados na música contemporânea por seu efeito "vítreo" som. Tanto os harmônicos naturais quanto os harmônicos artificiais, onde o polegar interrompe a nota e a oitava ou outro harmônico é ativado tocando levemente a corda no ponto relativo do nó, estendem consideravelmente o alcance do instrumento. Harmônicos naturais e artificiais são usados em muitos concertos virtuosos para contrabaixo.

As partes orquestrais do repertório clássico padrão raramente exigem que o contrabaixo exceda duas oitavas e uma terça menor, de E₁ a G₃, com ocasional Lá ₃s aparecendo no repertório padrão (uma exceção a esta regra é a Carmina Burana de Orff, que exige três oitavas e uma quarta perfeita). O limite superior desse intervalo é bastante estendido para as partes orquestrais dos séculos XX e XXI (por exemplo, a Suíte Tenente Kijé de Prokofiev (c.1933) solo de baixo, que exige notas tão altas quanto D₄ e E♭₄). A extensão superior que um solista virtuoso pode alcançar usando harmônicos naturais e artificiais é difícil de definir, pois depende da habilidade do músico em particular. A ilustração de alto harmônico na faixa encontrada no cabeçalho deste artigo pode ser considerada representativa e não normativa.

Instrumentos de cinco cordas têm uma corda adicional, normalmente afinada em um baixo B abaixo da corda E (B₀). Em raras ocasiões, uma corda mais alta é adicionada, afinada no C acima da corda G (C₃). Instrumentos de quatro cordas podem apresentar a extensão C estendendo o alcance da corda E para baixo até C₁ (às vezes B₀).

Tradicionalmente, o contrabaixo é um instrumento de transposição. Uma vez que grande parte do alcance do contrabaixo fica abaixo da clave de fá padrão, ele é notado uma oitava acima do que parece para evitar ter que usar linhas de razão excessivas abaixo da pauta. Assim, quando contrabaixistas e violoncelistas tocam a partir de uma combinação de contrabaixo e violoncelo, como é usado em muitas sinfonias de Mozart e Haydn, eles tocam em oitavas, com os baixos uma oitava abaixo dos violoncelos. Essa transposição se aplica mesmo quando os baixistas estão lendo o tenor e a clave de sol (que são usados na execução solo e em algumas partes da orquestra). A clave de tenor também é usada por compositores para violoncelo e metais graves. O uso de tenor ou clave de sol evita linhas de razão excessivas acima da pauta ao anotar a faixa superior do instrumento. Existem outras tradições de notação. A música solo italiana é normalmente escrita no tom sonoro, e a "velha" O método alemão soava uma oitava abaixo da notação, exceto na clave de sol, onde a música era escrita no tom.

Ajuste

Afinação normal

Duplo baixo jogador Vivien Garry jogando um show em Nova York em 1947

O contrabaixo é geralmente afinado em quartas, em contraste com outros membros da família de cordas orquestrais, que são afinadas em quintas (por exemplo, as quatro cordas do violino são, do mais grave ao mais agudo: G-D-A-E). A afinação padrão (da mais baixa para a mais alta) para baixo é E–A–D–G, começando de E abaixo do segundo dó grave (tom de concerto). É o mesmo que a afinação padrão de um baixo e é uma oitava abaixo das quatro cordas mais baixas da afinação padrão de guitarra. Antes do século 19, muitos contrabaixos tinham apenas três cordas; "Giovanni Bottesini (1821-1889) favoreceu o instrumento de três cordas popular na Itália na época", porque "o instrumento de três cordas [era visto como] sendo mais sonoro". Muitas bandas de cobla na Catalunha ainda têm músicos usando contrabaixos tradicionais de três cordas afinados em A–D–G.

Ao longo do repertório clássico, há notas que ficam abaixo do alcance de um contrabaixo padrão. As notas abaixo do mi baixo aparecem regularmente nas partes do contrabaixo encontradas em arranjos e interpretações posteriores da música barroca. Na era clássica, o contrabaixo normalmente dobrava a parte do violoncelo uma oitava abaixo, ocasionalmente exigindo uma descida para C abaixo do E do contrabaixo de quatro cordas. Na era romântica e no século 20, compositores como Wagner, Mahler, Busoni e Prokofiev também solicitaram notas abaixo do mi grave.

Existem vários métodos para tornar essas notas disponíveis para o jogador. Jogadores com contrabaixos padrão (E–A–D–G) podem tocar as notas abaixo de "E" uma oitava acima ou se isso soar estranho, toda a passagem pode ser transposta uma oitava acima. O músico pode afinar a corda E grave até a nota mais baixa exigida na peça: D ou C. Os baixos de quatro cordas podem ser ajustados com uma "extensão de dó baixo" (Veja abaixo). Ou o músico pode empregar um instrumento de cinco cordas, com a corda inferior adicional afinada em C, ou (mais comumente nos tempos modernos) B, três oitavas e um semitom abaixo do C central. Várias grandes orquestras européias usam baixos com uma quinta corda.

Extensão C

Uma extensão low-C com "fingers" mecânicos de madeira que param a corda em C♯D, E?, ou E. Para passagens orquestrais que só descem para um E baixo, o "finger" na porca é geralmente fechado.

A maioria dos músicos profissionais de orquestra usa contrabaixos de quatro cordas com uma extensão C. Esta é uma seção extra do braço montada na cabeça do baixo. Ele estende o braço sob a corda mais baixa e fornece quatro semitons adicionais de alcance descendente. A corda mais grave é normalmente afinada em C₁, uma oitava abaixo da nota mais grave do violoncelo (já que é bastante comum que a parte do baixo dobre a parte do violoncelo uma oitava abaixo). Mais raramente, essa corda pode ser afinada em um baixo B₀, já que algumas obras no repertório orquestral exigem esse B, como The Pines of Rome. Em casos raros, alguns músicos têm uma extensão de si grave, que tem o si como sua nota mais baixa. Existem várias variedades de extensões:

Nas extensões mecânicas mais simples, não há ajudas mecânicas conectadas à extensão do braço, exceto uma porca de travamento ou "gate" para a nota E. Para tocar as notas de extensão, o jogador alcança a área sob a rolagem para pressionar a corda no braço. A vantagem deste "dedo" extensão é que o músico pode ajustar a entonação de todas as notas interrompidas na extensão, e não há ruídos mecânicos de teclas e alavancas de metal. A desvantagem do "dedo" extensão é que pode ser difícil realizar alternâncias rápidas entre notas baixas na extensão e notas no braço regular, como uma linha de baixo que alterna rapidamente entre G₁ e D₁.

O tipo mais simples de ajuda mecânica é o uso de "dedos" ou "portões" que pode ser fechado para pressionar a corda para baixo e traste o C♯ , D, E♭ ou notas E. Este sistema é particularmente útil para linhas de baixo que têm um ponto de pedal repetitivo, como um ré baixo, porque uma vez que a nota é travada no lugar com o dedo mecânico, a corda mais grave soa uma nota diferente quando tocada aberta.

A ajuda mecânica mais complicada para usar com extensões é o sistema de alavanca mecânica apelidado de máquina. Este sistema de alavanca, que se assemelha superficialmente ao mecanismo de chaveamento de instrumentos de palheta, como o fagote, monta alavancas ao lado do braço regular (perto da porca, no lado da corda E), que ativam remotamente os "dedos" de metal; no braço de extensão. Os sistemas de alavanca de metal mais caros também dão ao jogador a capacidade de "travar" notas para baixo no braço de extensão, como com o "dedo" sistema. Uma crítica a esses dispositivos é que eles podem levar a ruídos de cliques metálicos indesejados.

Uma vez que um "dedo" do "dedo" extensão ou o "dedo" extensão da máquina está bloqueada ou deprimida, não é fácil fazer ajustes microtonais de tom ou efeitos de glissando, como é possível com uma extensão de dedos da mão.

Baixos de cinco cordas, nos quais a corda mais baixa é normalmente B₀, podem usar uma extensão de dois semitons, fornecendo um Lá grave, ou a muito rara extensão G grave.

Outras variações de afinação

Um pequeno número de baixistas afina suas cordas em quintas, como um violoncelo, mas uma oitava abaixo (C₁–G₁–D₂–A₂ baixo para alto). Essa afinação foi usada pelo jazzista Red Mitchell e é usada por alguns músicos clássicos, notadamente o baixista canadense Joel Quarrington. Os defensores da afinação do baixo em quintas apontam que todas as outras cordas orquestrais são afinadas em quintas (violino, viola e violoncelo), então isso coloca o baixo na mesma abordagem de afinação. A quinta afinação fornece ao baixista uma faixa de afinação mais ampla do que um baixo E–A–D–G padrão, pois varia (sem uma extensão) de C₁ a A₂. Alguns músicos que usam afinação de quintas que tocam um baixo de cinco cordas usam uma corda E₃ aguda adicional (portanto, do mais baixo para o mais alto: C–G–D–A–E). Alguns baixistas de quinta afinação que possuem apenas um instrumento de quatro cordas e que executam principalmente trabalhos solísticos usam a afinação G–D–A–E, omitindo assim a corda C grave, mas ganhando um E agudo. corda use um instrumento de escala menor, tornando o dedilhado um pouco mais fácil. O Berlioz-Strauss Treatise on Instrumentation (publicado pela primeira vez em 1844) afirma que "Uma boa orquestra deve ter vários contrabaixos de quatro cordas, alguns deles afinados em quintas e terças." O livro então mostra uma afinação de E₁–G₁–D₂–A₂) de baixo para corda superior. "Em conjunto com os outros contrabaixos afinados em quartas, estaria disponível uma combinação de cordas soltas, o que aumentaria muito a sonoridade da orquestra."

No solo clássico, o contrabaixo geralmente é afinado um tom inteiro acima (F♯₁–B₁–E₂–A₂). Essa afinação mais alta é chamada de "afinação solo", enquanto a afinação regular é conhecida como "afinação orquestral". As cordas de afinação solo são geralmente mais finas do que as cordas normais. A tensão das cordas difere tanto entre a afinação solo e orquestral que um conjunto diferente de cordas é frequentemente empregado, com um calibre mais leve. As cordas são sempre rotuladas para afinação solo ou orquestral e a música solo publicada é arranjada para afinação solo ou orquestral. Alguns solos e concertos populares, como o Koussevitsky Concerto, estão disponíveis em arranjos de afinação solo e orquestral. As cordas de afinação solo podem ser afinadas em um tom para tocar no tom da orquestra, mas as cordas geralmente carecem de projeção na afinação orquestral e seu tom pode ser instável.

Alguns compositores contemporâneos especificam scordatura altamente especializada (alterar intencionalmente a afinação das cordas soltas). Mudar a afinação das cordas abertas torna diferentes notas disponíveis como pontos de pedal e harmônicos. Berio, por exemplo, pede ao músico para afinar suas cordas E₁–G♯₁–D₂–G₂ em Sequenza XIVb e Scelsi pedem ambos F₁–A₁–D₂–E₂ e F₁–A₁–F₂–E₂ em Nuits. Uma forma variante e muito menos comum de afinação solo usada em alguns países da Europa Oriental é (A₁–D₂–G₂– C₃), que omite a corda mi grave da afinação orquestral e adiciona uma corda dó alta. O tololoche no México (uma variante menor do contrabaixo) também usa a afinação A-D-G-C. Alguns baixistas com baixos de cinco cordas usam uma corda C₃ alta como a quinta corda, em vez de uma corda B₀ grave. Acrescentar a corda Dó aguda facilita a execução de repertório solo com tessitura (alcance) alta. Outra opção é utilizar uma extensão de Dó baixo (ou B baixo) e uma corda de Dó alto.

Cinco cordas

Ao escolher um baixo com uma quinta corda, o músico pode decidir entre adicionar uma corda mais aguda (uma corda C aguda) ou uma corda mais grave (normalmente um Si grave). Para acomodar a quinta corda adicional, a escala é geralmente ligeiramente alargada e o topo ligeiramente mais grosso, para lidar com o aumento da tensão. A maioria dos baixos de cinco cordas são, portanto, maiores em tamanho do que um baixo padrão de quatro cordas. Alguns instrumentos de cinco cordas são convertidos em instrumentos de quatro cordas. Por não terem escalas mais largas, alguns músicos acham mais difícil dedilhar e curvar. Os baixos de quatro cordas convertidos geralmente requerem um tampo novo e mais grosso ou cordas mais leves para compensar o aumento da tensão.

Seis cordas

O contrabaixo de seis cordas possui um dó agudo e um si grave, o que o torna muito útil e está se tornando mais prático após várias atualizações. É ideal para tocar solo e orquestra porque tem um alcance mais tocável. Muitas pessoas conseguiram isso em um violone de seis cordas, reforçando-o com cordas de contrabaixo fazendo a afinação B₀–E₁–A₁– D₂–G₂–C₃.

Considerações de reprodução e desempenho

Posição do corpo e das mãos

Jogador francês de base dupla e compositor Renaud Garcia-Fons durante uma apresentação

Os contrabaixistas ficam de pé ou sentados para tocar o instrumento. A altura do instrumento é definida ajustando o endpin de modo que o músico possa alcançar as zonas de toque desejadas das cordas com o arco ou a mão de dedilhar. Os baixistas que se levantam e se curvam às vezes definem o endpin alinhando o primeiro dedo na primeira ou na meia posição com o nível dos olhos, embora haja pouca padronização a esse respeito. Os jogadores que se sentam geralmente usam um banquinho da altura da calça do jogador.

Tradicionalmente, os contrabaixistas se levantavam para tocar solo e sentavam para tocar na orquestra ou no fosso da ópera. Agora, é incomum para um jogador ser igualmente proficiente em ambas as posições, então alguns solistas sentam (como com Joel Quarrington, Jeff Bradetich, Thierry Barbé e outros) e alguns baixistas de orquestra ficam de pé.

Ao tocar na região superior do instrumento (acima do sol₃, o sol abaixo do dó central), o músico desloca a mão de trás do pescoço e a achata, usando o lado do polegar para pressionar a corda. Essa técnica, também usada no violoncelo, é chamada de posição do polegar. Ao tocar na posição do polegar, poucos músicos usam o quarto dedo (mínimo), pois geralmente é muito fraco para produzir um tom confiável (isso também é verdade para os violoncelistas), embora alguns acordes extremos ou técnicas estendidas, especialmente na música contemporânea, possam exigir seu uso.

Considerações físicas

O estilo rockabilly pode exigir muito da mão que dedilha, devido ao uso do rockabilly de "tapa" no braço. Tocar no baixo pode ser fisicamente exigente, porque as cordas estão sob tensão relativamente alta. Além disso, o espaço entre as notas no braço é grande, devido ao comprimento da escala e ao espaçamento das cordas, então os músicos devem manter os dedos separados para as notas nas posições mais baixas e mudar de posição com frequência para tocar linhas de baixo. Como acontece com todos os instrumentos de corda sem trastes, os músicos devem aprender a colocar os dedos com precisão para produzir o tom correto. Para baixistas com braços mais curtos ou mãos menores, os grandes espaços entre as notas podem representar um desafio significativo, especialmente na faixa mais baixa, onde os espaços entre as notas são maiores. No entanto, o aumento do uso de técnicas de execução, como a posição do polegar e modificações no baixo, como o uso de cordas de calibre mais leve e tensão mais baixa, diminuíram a dificuldade de tocar o instrumento.

As partes do baixo têm relativamente menos passagens rápidas, paradas duplas ou grandes saltos no alcance. Essas partes geralmente são dadas à seção de violoncelo, já que o violoncelo é um instrumento menor no qual essas técnicas são executadas com mais facilidade.

Até a década de 1990, contrabaixos de tamanho infantil não estavam amplamente disponíveis, e o tamanho grande do baixo impedia que as crianças tocassem o instrumento até que crescessem a uma altura e tamanho de mão que lhes permitisse tocar 3⁄4modelo de tamanho (o tamanho mais comum). A partir da década de 1990, 1⁄2, 1⁄4, 1⁄8 e até 1⁄16 instrumentos de tamanho tornaram-se mais amplamente disponíveis, para que as crianças pudessem começar mais jovens.

Volume

Apesar do tamanho do instrumento, não é tão alto quanto muitos outros instrumentos, devido ao seu tom musical baixo. Em uma grande orquestra, geralmente entre quatro e oito baixistas tocam a mesma linha de baixo em uníssono para produzir volume suficiente. Nas maiores orquestras, as seções de baixo podem ter até dez ou doze músicos, mas as restrições orçamentárias modernas tornam as seções de baixo tão grandes incomuns.

Ao escrever passagens de solo para baixo em música orquestral ou de câmara, os compositores geralmente garantem que a orquestração seja leve para não obscurecer o baixo. Embora a amplificação raramente seja usada na música clássica, em alguns casos em que um solista baixo executa um concerto com uma orquestra completa, pode ser usada uma amplificação sutil chamada aprimoramento acústico. O uso de microfones e amplificadores em um ambiente clássico levou a um debate dentro da comunidade clássica, já que "... os puristas sustentam que o som acústico natural de vozes [clássicas] [ou] instrumentos em um determinado salão não deve ser alterado".

O baixista psicobilmente Jimbo Wallace no palco com o Reverendo Horton Heat; note sua grande pilha de graves composta por um armário de 15 polegadas, um armário de 10 polegadas quadruple e um amplificador "cabeça".

Em muitos gêneros, como jazz e blues, os músicos usam amplificação por meio de um amplificador especializado e alto-falantes. Um captador piezoelétrico se conecta ao amplificador com um 1⁄4-polegada patch cable. Os músicos de bluegrass e jazz geralmente usam menos amplificação do que os músicos de blues, psychobilly ou jam band. Nos últimos casos, o alto volume geral de outros amplificadores e instrumentos pode causar feedback acústico indesejado, um problema exacerbado pela grande área de superfície do baixo e pelo volume interno. O problema de feedback levou a soluções tecnológicas como dispositivos eletrônicos de eliminação de feedback (essencialmente um filtro de entalhe automatizado que identifica e reduz as frequências onde o feedback ocorre) e instrumentos como o contrabaixo elétrico, que tem características de jogo como o contrabaixo, mas geralmente pouca ou nenhuma caixa de som., o que torna o feedback menos provável. Alguns baixistas reduzem o problema do feedback diminuindo o volume no palco ou tocando mais longe dos alto-falantes do amplificador de baixo.

No rockabilly e no psychobilly, bater percussivamente nas cordas contra o braço é uma parte importante do estilo de tocar baixo. Como os captadores piezoelétricos não são bons para reproduzir os sons das cordas sendo batidas contra o braço, os baixistas desses gêneros geralmente usam captadores piezoelétricos (para o tom grave baixo) e um microfone condensador em miniatura (para captar os sons percussivos do tapa). Esses dois sinais são misturados usando um mixer simples antes que o sinal seja enviado para o amplificador de baixo.

Transporte

O grande tamanho e a relativa fragilidade do contrabaixo tornam-no complicado de manusear e transportar. A maioria dos baixistas usa estojos macios, conhecidos como gig bags, para proteger o instrumento durante o transporte. Eles variam de estojos finos e baratos, não acolchoados, usados por estudantes (que protegem apenas contra arranhões e chuva) até versões acolchoadas grossas para jogadores profissionais, que também protegem contra pancadas e impactos. Alguns baixistas carregam seu arco em um estojo rígido; estojos de baixo mais caros têm um bolso grande para um estojo de arco. Os jogadores também podem usar um pequeno carrinho e rodas presas por pinos para mover o baixo. Alguns estojos acolchoados de preço mais alto têm rodas presas ao estojo. Outra opção encontrada em estojos acolchoados de maior valor são as alças tipo mochila, para facilitar o transporte do instrumento.

Casos de voo duro para contrabaixos duplos

As capas de vôo rígidas têm interiores acolchoados e exteriores resistentes de fibra de carbono, grafite, fibra de vidro ou Kevlar. O custo de boas malas duras - vários milhares de dólares americanos - e as altas taxas aéreas para enviá-las tendem a limitar seu uso a profissionais em turnê.

Acessórios

Um mudo de madeira anexado à ponte baixo para fazer o tom mais escuro (um desenho de 1900)

Os contrabaixistas usam vários acessórios para ajudá-los a tocar e ensaiar. Três tipos de surdinas são usados na música orquestral: uma surdina de madeira que desliza sobre a ponte, uma surdina de borracha que se prende à ponte e um dispositivo de arame com pesos de latão que se encaixa na ponte. O jogador usa o mudo quando a instrução italiana con sordino ("com mudo") aparece na parte do baixo e a remove em resposta à instrução senza sordino ("sem mudo"). Com o mudo ativado, o tom do baixo é mais baixo, mais escuro e mais sombrio. As partes do baixo com um mudo podem ter um tom nasal. Os jogadores usam um terceiro tipo de mudo, um mudo de prática de borracha pesada, para praticar silenciosamente sem incomodar os outros (por exemplo, em um quarto de hotel).

A aljava é um acessório para segurar o arco. Geralmente é feito de couro e é preso à ponte e ao arremate com laços ou tiras. É usado para segurar o arco enquanto o jogador toca as partes do pizzicato.

Um eliminador de tom de lobo é usado para diminuir vibrações simpáticas indesejadas na parte de uma corda entre a ponte e o arremate, o que pode causar problemas de tom para certas notas. É um tubo de borracha recortado na lateral que é utilizado com uma luva cilíndrica de metal que também possui uma ranhura na lateral. O cilindro de metal possui um parafuso e uma porca que prendem o aparelho ao barbante. Posições diferentes do cilindro ao longo da corda influenciam ou eliminam a frequência na qual o tom do lobo ocorre. É essencialmente um atenuador que muda levemente a frequência natural da corda (e/ou corpo do instrumento) cortando a reverberação. O tom de lobo ocorre porque as cordas abaixo da ponte às vezes ressoam em alturas próximas às notas na parte de tocar da corda. Quando a nota pretendida faz a corda abaixo da ponte vibrar com simpatia, uma "nota de lobo" ou "tom de lobo" pode acontecer. Em alguns casos, o tom do lobo é forte o suficiente para causar uma "espanca" som. O tom de lobo geralmente ocorre com a nota G♯ no baixo.

Na orquestra, os instrumentos afinam um Lá tocado pelo oboísta. Devido ao intervalo de três oitavas entre a afinação Lá do oboísta e a corda Lá aberta do baixo (por exemplo, em uma orquestra que afina em 440 Hz, o oboísta toca Lá₄ em 440 Hz e o A₁ aberto do baixo é 55 Hz), pode ser difícil afinar o baixo de ouvido durante o curto período em que o oboísta toca a nota de afinação. Os violinistas, por outro lado, afinam a corda Lá na mesma frequência da nota de afinação do oboísta. Existe um método comumente usado para afinar um contrabaixo neste contexto, tocando o harmônico lá na corda ré (que é apenas uma oitava abaixo do oboé lá) e, em seguida, combinando os harmônicos das outras cordas. No entanto, este método não é infalível, já que alguns contrabaixos podem ser usados. os harmônicos não estão perfeitamente afinados com as cordas soltas. Para garantir que o baixo esteja afinado, alguns baixistas usam um afinador eletrônico que indica a afinação em um pequeno visor. Os baixistas que tocam em estilos que usam um amplificador de baixo, como blues, rockabilly ou jazz, podem usar um afinador eletrônico no formato stompbox, que silencia a captação do baixo durante a afinação.

Um suporte de contrabaixo é usado para manter o instrumento no lugar e levantá-lo alguns centímetros acima do solo. Uma grande variedade de suportes está disponível e não há um design comum.

Repertório clássico

Solo funciona para contrabaixo

1700

O contrabaixo como instrumento solo desfrutou de um período de popularidade durante o século 18 e muitos dos compositores mais populares dessa época escreveram peças para o contrabaixo. O contrabaixo, então conhecido como Violone, usava afinações diferentes de região para região. A "afinação vienense" (A₁–D₂–F♯₂–A₂) era popular e, em alguns casos, uma quinta ou até uma sexta corda foi adicionado (F₁–A₁–D₂–F♯₂–A₂). A popularidade do instrumento está documentada na segunda edição de Leopold Mozart de sua Violinschule, onde ele escreve "Pode-se trazer passagens difíceis mais facilmente com a viola de cinco cordas, e ouvi execuções de concertos excepcionalmente belas, trios, solos, etc."

O baixo italiano virtuoso Domenico Dragonetti ajudou a incentivar os compositores a dar peças mais difíceis para o seu instrumento.

O mais antigo concerto conhecido para contrabaixo foi escrito por Joseph Haydn c.1763, e presume-se que tenha sido perdido em um incêndio na biblioteca de Eisenstadt. Os primeiros concertos conhecidos são de Carl Ditters von Dittersdorf, que compôs dois concertos para contrabaixo e uma Sinfonia Concertante para viola e contrabaixo. Outros compositores que escreveram concertos deste período incluem Johann Baptist Wanhal, Franz Anton Hoffmeister (3 concertos), Leopold Kozeluch, Anton Zimmermann, Antonio Capuzzi, Wenzel Pichl (2 concertos) e Johannes Matthias Sperger (18 concertos). Embora muitos desses nomes tenham sido figuras importantes para o público musical de sua época, eles geralmente são desconhecidos pelo público contemporâneo. A ária de concerto de Wolfgang Amadeus Mozart, Per Questa Bella Mano, K.612 para baixo, contrabaixo obbligato e orquestra contém uma escrita impressionante para contrabaixo solo daquele período. Continua popular entre cantores e contrabaixistas hoje.

O contrabaixo acabou evoluindo para atender às necessidades de orquestras que exigiam notas mais baixas e um som mais alto. Os principais contrabaixistas de meados ao final do século 18, como Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger e Johannes Mathias Sperger empregaram o estilo "vienense" afinação. O baixista Johann Hindle (1792–1862), que compôs um concerto para contrabaixo, foi pioneiro na afinação do baixo em quartas, o que marcou uma virada para o contrabaixo e seu papel em obras solo. O baixista Domenico Dragonetti era uma figura musical proeminente e um conhecido de Haydn e Ludwig van Beethoven. Sua forma de tocar era conhecida desde sua terra natal, a Itália, até o czarismo da Rússia, e ele encontrou um lugar de destaque em concertos com a Philharmonic Society of London. A amizade de Beethoven com Dragonetti pode tê-lo inspirado a escrever partes separadas e difíceis para o contrabaixo em suas sinfonias, como as passagens impressionantes no terceiro movimento da Quinta Sinfonia, o segundo movimento da Sétima Sinfonia e o último movimento da Nona Sinfonia. Essas partes não dobram a parte do violoncelo.

Dragonetti escreveu dez concertos para contrabaixo e muitas obras solo para baixo e piano. Durante a estada de Rossini em Londres no verão de 1824, ele compôs seu popular Duetto para violoncelo e contrabaixo para Dragonetti e o violoncelista David Salomons. Dragonetti freqüentemente tocava um contrabaixo de três cordas afinado G–D–A de cima para baixo. O uso de apenas as três cordas superiores era popular para solistas de baixo e contrabaixistas principais em orquestras no século 19, porque reduzia a pressão no tampo de madeira do baixo, que se pensava criar um som mais ressonante. Além disso, as cordas mi baixas usadas durante o século 19 eram cordas grossas feitas de tripa, difíceis de afinar e tocar.

1800

O virtuoso baixista e compositor do século XIX Giovanni Bottesini com seu baixo de 1716 Carlo Antonio Testore

No século 19, o maestro, compositor e baixista de ópera Giovanni Bottesini era considerado o "Paganini do contrabaixo" de sua época, uma referência ao virtuose e compositor do violino. Os concertos para baixo de Bottesini foram escritos no popular estilo de ópera italiana do século 19, que exploram o contrabaixo de uma forma nunca antes vista. Eles exigem corridas virtuosas e grandes saltos para os registros mais altos do instrumento, mesmo no reino dos harmônicos naturais e artificiais. Muitos baixistas do século 19 e início do século 20 consideravam essas composições impossíveis de tocar, mas nos anos 2000, elas são executadas com frequência. Ao mesmo tempo, surgiu uma importante escola de baixistas na região tcheca, que incluía Franz Simandl, Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly e Adolf Mišek. Simandl e Hrabe também foram pedagogos cujos livros de método e estudos permanecem em uso na década de 2000.

1900–presente

A figura principal do contrabaixo no início do século 20 foi Serge Koussevitzky, mais conhecido como maestro da Orquestra Sinfônica de Boston, que popularizou o contrabaixo nos tempos modernos como um instrumento solo. Devido às melhorias no contrabaixo com cordas de aço e melhores configurações, o baixo agora é tocado em um nível mais avançado do que nunca e mais e mais compositores escreveram obras para o contrabaixo. Em meados do século e nas décadas seguintes, muitos novos concertos foram escritos para o contrabaixo, incluindo Nikos Skalkottas's Concerto (1942), Eduard Tubin's Concerto (1948), Lars-Erik Larsson's;s Concertino (1957), Gunther Schuller's Concerto (1962), Hans Werner Henze's Concerto (1966) e Frank Proto's Concerto No. 1 (1968).

O Solo para contrabaixo é uma das partes do Concerto para piano e orquestra de John Cage e pode ser tocado como um solo ou com qualquer um dos as outras partes orquestrais e/ou piano. Da mesma forma, suas partes de contrabaixo solo para a obra orquestral Atlas Eclipticalis também podem ser executadas como solos. As obras indeterminadas de Cage, como Variations I, Variations II, Fontana Mix, Cartridge Music et al. podem ser arranjados para um contrabaixista solo. Sua obra 26.1.1499 for a String Player é muitas vezes realizada por um contrabaixista solo, embora também possa ser tocada por um violinista, violista ou violoncelista.

Desde a década de 1960 até o final do século, Gary Karr foi o principal proponente do contrabaixo como instrumento solo e comissionou ou teve centenas de novas obras e concertos escritos especialmente para ele. Karr recebeu o famoso contrabaixo solo de Koussevitzky de Olga Koussevitsky e o tocou em shows ao redor do mundo por 40 anos antes de, por sua vez, dar o instrumento à Sociedade Internacional de Baixistas para solistas talentosos usarem em shows. Outro intérprete importante neste período, Bertram Turetzky, encomendou e estreou mais de 300 obras de contrabaixo.

Serge Koussevitzky popularizou o baixo duplo em tempos modernos como um instrumento solo.

Nas décadas de 1970, 1980 e 1990, novos concertos incluíram o Divertimento para Contrabaixo e Orquestra de Nino Rota (1973), o concerto para contrabaixo e cordas de Alan Ridout (1974), Jean Françaix's Concerto (1975), Frank Proto's Concerto No. 2, Einojuhani Rautavaara's Angel of Dusk (1980), Gian Carlo Menotti's;s Concerto (1983), Christopher Rouse's Concerto (1985), Henry Brant's Ghost Nets (1988) e Frank Proto's "Carmen Fantasy for Double Bass and Orchestra" (1991) e "Quatro cenas depois de Picasso" Concerto nº 3 (1997). Peter Maxwell Davies' o lírico Strathclyde Concerto nº 7, para contrabaixo e orquestra, data de 1992.

Na primeira década do século 21, novos concertos incluem "Nine Variants on Paganini" (2002), Kalevi Aho's Concerto (2005), John Harbison's Concerto for Bass Viol (2006), André Previn's Double Concerto for violin, double bass, e orquestra (2007) e To the Silver Bow de John Woolrich, para contrabaixo, viola e cordas (2014).

Reinhold Glière escreveu um Intermezzo e Tarantella para contrabaixo e piano, Op. 9, nº 1 e nº 2 e um Praeludium e Scherzo para contrabaixo e piano, Op. 32 nº 1 e nº 2. Paul Hindemith escreveu uma Sonata para contrabaixo ritmicamente desafiadora em 1949. Frank Proto escreveu sua Sonata "1963" para Contrabaixo e Piano. Na União Soviética, Mieczysław Weinberg escreveu sua Sonata nº 1 para solo de contrabaixo em 1971. Giacinto Scelsi escreveu duas peças para contrabaixo chamadas Nuits em 1972 e, em 1976, escreveu Maknongan , uma peça para qualquer instrumento de voz baixa, como contrabaixo, contrafagote ou tuba. Vincent Persichetti escreveu obras solo - que ele chamou de "Parábolas" - para muitos instrumentos. Escreveu a Parábola XVII para Contrabaixo, Op. 131 em 1974. Sofia Gubaidulina escreveu uma Sonata para contrabaixo e piano em 1975. Em 1976, o compositor minimalista americano Tom Johnson escreveu "Falhando - uma peça muito difícil para contrabaixo solo" em que o baixista tem que executar um solo extremamente virtuoso no baixo enquanto simultaneamente recita um texto que diz o quão difícil é a peça e quão improvável é que ele ou ela complete a execução com sucesso sem cometer um erro.

Em 1977, o compositor holandês-húngaro Geza Frid escreveu um conjunto de variações sobre O Elefante de Saint-Saëns'. Le Carnaval des Animaux para scordatura Contrabaixo e orquestra de cordas. Em 1987, Lowell Liebermann escreveu sua Sonata para Contrabaixo e Piano Op. 24. Fernando Grillo escreveu a "Suite No. 1" para contrabaixo (1983/2005). Jacob Druckman escreveu uma peça para contrabaixo solo intitulada Valentine. O solista e compositor de contrabaixo americano Bertram Turetzky (nascido em 1933) tocou e gravou mais de 300 peças escritas por e para ele. Ele escreve música de câmara, música barroca, clássica, jazz, música renascentista, música improvisada e world music

O compositor minimalista norte-americano Philip Glass escreveu um prelúdio centrado no registro grave que compôs para tímpanos e contrabaixo. O compositor italiano Sylvano Bussotti, cuja carreira de compositor se estende dos anos 1930 até a primeira década do século 21, escreveu uma obra solo para baixo em 1983 intitulada Naked Angel Face per contrabbasso. O colega compositor italiano Franco Donatoni escreveu uma peça chamada Lem for contrabbasso no mesmo ano. Em 1989, o compositor francês Pascal Dusapin (nascido em 1955) escreveu uma peça solo chamada In et Out para contrabaixo. Em 1996, o compositor libanês formado na Sorbonne, Karim Haddad, compôs Ce qui dort dans l'ombre sacrée ("Aquele que dorme nas sombras sagradas") para a Radio France&#39.;s Festival de Presença. Renaud Garcia-Fons (nascido em 1962) é um contrabaixista e compositor francês, notável por se basear no jazz, folk e música asiática para gravações de suas peças como Oriental Bass (1997).

Dois trabalhos recentes significativos escritos para contrabaixo solo incluem: Synchronisms No.11 de Mario Davidovsky para contrabaixo e sons eletrônicos e Figment III de Elliott Carter, para contrabaixo solo. O compositor alemão Gerhard Stäbler escreveu Co-wie Kobalt (1989–90), "...uma música para contrabaixo solo e grande orquestra". Charles Wuorinen acrescentou várias obras importantes ao repertório, trio Spinoff para contrabaixo, violino e bateria conga, e Trio para instrumentos baixos contrabaixo, tuba e trombone baixo, e em 2007 Synaxis para contrabaixo, trompa, oboé e clarinete com tímpanos e cordas. A suíte "Sete capturas de tela" para contrabaixo e piano (2005) do compositor ucraniano Alexander Shchetynsky tem uma parte de baixo solo que inclui muitos métodos não convencionais de tocar. O compositor alemão Claus Kühnl escreveu Offene Weite / Open Expanse (1998) e Nachtschwarzes Meer, ringsum… (2005) para contrabaixo e piano. Em 1997, Joel Quarrington encomendou o americano / Compositor canadense Raymond Luedeke para escrever seu "Concerto para Contrabaixo e Orquestra", peça que executou com a The Toronto Symphony Orchestra, com a Saskatoon Symphony Orchestra, e, em versão para pequena orquestra, com The Nova Orquestra Sinfônica da Escócia. O compositor Raymond Luedeke também compôs uma obra para contrabaixo, flauta e viola com narração, "O Livro das Perguntas", com texto de Pablo Neruda.

Em 2004, o contrabaixista e compositor italiano Stefano Scodanibbio fez um arranjo para contrabaixo da obra solo de violoncelo de Luciano Berio de 2002 Sequenza XIV com o novo título Sequenza XIVb.

Música de câmara com contrabaixo

Como não existe um conjunto instrumental estabelecido que inclua o contrabaixo, seu uso na música de câmara não tem sido tão exaustivo quanto a literatura para conjuntos como o quarteto de cordas ou o trio de piano. Apesar disso, existe um número substancial de obras de câmara que incorporam o contrabaixo em pequenos e grandes conjuntos.

Existe um pequeno corpo de obras escritas para quinteto de pianos com instrumentação de piano, violino, viola, violoncelo e contrabaixo. O mais famoso é o Quinteto de Piano em Lá Maior de Franz Schubert, conhecido como "O Quinteto da Truta" por seu conjunto de variações no quarto movimento de Die Forelle de Schubert. Outras obras para esta instrumentação escritas aproximadamente no mesmo período incluem as de Johann Nepomuk Hummel, George Onslow, Jan Ladislav Dussek, Louise Farrenc, Ferdinand Ries, Franz Limmer, Johann Baptist Cramer e Hermann Goetz. Compositores posteriores que escreveram obras de câmara para este quinteto incluem Ralph Vaughan Williams, Colin Matthews, Jon Deak, Frank Proto e John Woolrich. Sextetos ligeiramente maiores escritos para piano, quarteto de cordas e contrabaixo foram escritos por Felix Mendelssohn, Mikhail Glinka, Richard Wernick e Charles Ives.

No gênero dos quintetos de cordas, existem algumas obras para quarteto de cordas com contrabaixo. O Quinteto de Cordas de Antonín Dvořák em Sol maior, Op.77 e a Serenata de Wolfgang Amadeus Mozart em Sol maior, K.525 ("Eine kleine Nachtmusik") são as peças mais populares neste repertório, juntamente com obras de Miguel del Aguila (Nostalgica para quarteto de cordas e baixo), Darius Milhaud, Luigi Boccherini (3 quintetos), Harold Shapero e Paul Hindemith. Outro exemplo é o Quinteto de Cordas de Alistair Hinton (1969–77), que também inclui uma parte importante para soprano solo; com quase 170 minutos de duração, é quase certamente a maior obra desse tipo no repertório.

Obras de cordas ligeiramente menores com o contrabaixo incluem seis sonatas de cordas de Gioachino Rossini, para dois violinos, violoncelo e contrabaixo escritas aos doze anos de idade ao longo de três dias em 1804. Estas continuam sendo suas obras instrumentais mais famosas e também foram adaptados para quarteto de sopros. Franz Anton Hoffmeister escreveu quatro Quartetos de Cordas para Contrabaixo Solo, Violino, Viola e Violoncelo em Ré Maior. Frank Proto escreveu um Trio para Violino, Viola e Contrabaixo (1974), 2 Duos para Violino e Contrabaixo (1967 e 2005) e Os Jogos de Outubro para Oboé/Trompete Inglês e Contrabaixo (1991).

Trabalhos maiores que incorporam o contrabaixo incluem o Septeto de Beethoven em E♭ maior, Op. 20, uma de suas peças mais famosas durante sua vida, que consiste em clarinete, trompa, fagote, violino, viola, violoncelo e baixo. Quando o clarinetista Ferdinand Troyer encomendou uma obra a Franz Schubert para forças semelhantes, acrescentou mais um violino ao seu octeto em fá maior, D.803. Paul Hindemith usou a mesma instrumentação de Schubert para seu próprio octeto. No reino de obras ainda maiores, Mozart incluiu o contrabaixo, além de 12 instrumentos de sopro para sua "Gran Partita" Serenade, K.361 e Martinů usaram o contrabaixo em seu noneto para quinteto de sopros, violino, viola, violoncelo e contrabaixo.

Outros exemplos de obras de câmara que usam o contrabaixo em conjuntos mistos incluem o Quinteto em sol menor de Sergei Prokofiev, Op. 39 para oboé, clarinete, violino, viola e contrabaixo; o Malambo de Miguel del Aguila para flauta baixo e piano e para quarteto de cordas, baixo e fagote; o Concertino de Erwin Schulhoff para flauta/flautim, viola e contrabaixo; Fragmentos Afro-Americanos de Frank Proto para clarinete baixo, violoncelo, contrabaixo e narrador e Sexteto para clarinete e cordas; Valsas de Fred Lerdahl para violino, viola, violoncelo e contrabaixo; Ladainha de Mohammed Fairouz para contrabaixo e quarteto de sopros; Festino de Mario Davidovsky para violão, viola, violoncelo e contrabaixo; e Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis para piano, violino, violoncelo e contrabaixo. Há também novos conjuntos musicais que utilizam o contrabaixo, como Time for Three e PROJECT Trio.

Passagens orquestrais e solos

A abertura do terceiro movimento da Sinfonia No 5 de Beethoven é frequentemente usada como um trecho orquestral durante as audições graves.

Nos períodos barroco e clássico, os compositores normalmente tinham o contrabaixo dobrando a parte do violoncelo em passagens orquestrais. Uma exceção notável é Haydn, que compôs passagens solo para o contrabaixo em suas Sinfonias No. 6 Le Matin, No. 7 Le midi, No. 8 Le Soir, No. 31 Horn Signal e No. 45 Farewell—mas que, de outra forma, agrupavam as partes do baixo e do violoncelo. Beethoven abriu caminho para partes separadas de contrabaixo, que se tornaram mais comuns na era romântica. O scherzo e o trio da Quinta Sinfonia de Beethoven são trechos orquestrais famosos, assim como o recitativo no início do quarto movimento da Nona Sinfonia de Beethoven. Em muitas sinfonias e concertos do século XIX, o impacto típico das partes separadas do baixo e do violoncelo foi que as partes do baixo se tornaram mais simples e as partes do violoncelo obtiveram as linhas melódicas e o trabalho de passagem rápida.

Uma seção de contrabaixo de uma orquestra moderna geralmente usa oito contrabaixistas, geralmente em uníssono. As orquestras menores podem ter quatro contrabaixos e, em casos excepcionais, as seções de baixo podem ter até dez membros. Se alguns contrabaixistas têm extensões de dó baixo e alguns têm baixos regulares (mi baixo), aqueles com extensões de dó baixo podem tocar algumas passagens uma oitava abaixo dos contrabaixos regulares. Além disso, alguns compositores escrevem partes divididas (divisi) para os baixos, onde as partes superiores e inferiores da música são frequentemente atribuídas a partes "externas" (mais perto do público) e "dentro" jogadoras. Compositores que escrevem partes divisi para baixo geralmente escrevem intervalos perfeitos, como oitavas e quintas, mas em alguns casos usam terças e sextas.

Baixos jogar o tema do quarto movimento
da Nona Sinfonia de Beethoven.

Onde uma composição exige uma parte de baixo solo, o baixo principal invariavelmente toca essa parte. O líder da seção (ou principal) também determina os arcos, muitas vezes com base nos arcos definidos pelo spalla. Em alguns casos, o baixo principal pode usar um arco ligeiramente diferente do concertino, para acomodar os requisitos de tocar baixo. O baixo principal também lidera as entradas para a seção de baixo, normalmente levantando o arco ou dedilhando a mão antes da entrada ou indicando a entrada com a cabeça, para garantir que a seção comece junto. As principais orquestras profissionais geralmente têm um baixista principal assistente, que toca solos e lidera a seção de baixo se o principal estiver ausente.

Embora os solos de baixo orquestral sejam um tanto raros, existem alguns exemplos notáveis. Johannes Brahms, cujo pai era contrabaixista, escreveu muitas partes difíceis e proeminentes para o contrabaixo em suas sinfonias. Richard Strauss atribuiu as partes ousadas do contrabaixo, e seus poemas sinfônicos e óperas levam o instrumento ao limite. "O Elefante" de Camille Saint-Saëns' The Carnival of the Animals é um retrato satírico do contrabaixo, e o virtuoso americano Gary Karr fez sua estréia na televisão tocando "The Swan" (originalmente escrita para violoncelo) com a Filarmônica de Nova York regida por Leonard Bernstein. O terceiro movimento da primeira sinfonia de Gustav Mahler apresenta um solo de contrabaixo que cita a canção infantil Frere Jacques, transposta para um tom menor. A Lieutenant Kijé Suite de Sergei Prokofiev apresenta um solo de contrabaixo difícil e muito alto na faixa "Romance" movimento. O Guia da Orquestra para Jovens de Benjamin Britten contém uma passagem proeminente para a seção de contrabaixo.

Conjuntos de contrabaixo

Ensembles compostos inteiramente por contrabaixos, embora relativamente raros, também existem, e vários compositores escreveram ou fizeram arranjos para tais conjuntos. Existem composições para quatro contrabaixos de Gunther Schuller, Jacob Druckman, James Tenney, Claus Kühnl, Robert Ceely, Jan Alm, Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto, Joseph Lauber, Erich Hartmann, Colin Brumby, Miloslav Gajdos e Theodore Albin Findeisen. "Who's on First?", de David A. Jaffe, encomendada pela Orquestra Nacional Russa, é composta por cinco contrabaixos. Bertold Hummel escreveu uma Sinfonia piccola para oito contrabaixos. Trabalhos de conjuntos maiores incluem a composição nº 2 de Galina Ustvolskaya, "Dies Irae" (1973), para oito contrabaixos, piano e cubo de madeira, "George and Muriel" (1986), para baixo solo, conjunto de contrabaixo e coro, e What of my music! de Gerhard Samuel (1979), para soprano, percussão e 30 contrabaixos.

Os conjuntos de contrabaixo incluem L'Orchestre de Contrebasses (6 membros), Bass Instinct (6 membros), Bassiona Amorosa (6 membros), Chicago Bass Ensemble (4+ membros), Ludus Gravis fundado por Daniele Roccato e Stefano Scodanibbio, The Bass Gang (4 membros), o London Double Bass Ensemble (6 membros) fundado por membros da Philharmonia Orchestra of London que produziu o LP Music Interludes do London Double Bass Ensemble na Bruton Music Records, Brno Double Bass Orchestra (14 membros) fundada pelo professor de contrabaixo da Janáček Academy of Music and Performing Arts e principal contrabaixista da Orquestra Filarmônica de Brno - Miloslav Jelinek, e os conjuntos da Ball State University (12 membros), Shenandoah University e Hartt School of Música. O Amarillo Bass Base de Amarillo, Texas já contou com 52 contrabaixistas, e The London Double Bass Sound, que lançou um CD pela Cala Records, tem 10 jogadores.

Além disso, as seções de contrabaixo de algumas orquestras atuam como um conjunto, como o Lower Wacker Consort da Orquestra Sinfônica de Chicago. Há um número crescente de composições e arranjos publicados para conjuntos de contrabaixo, e a International Society of Bassists apresenta regularmente conjuntos de contrabaixo (tanto conjuntos menores quanto conjuntos de "baixos em massa" muito grandes) em suas conferências, e patrocina o concurso bienal David Walter Composition Competition, que inclui uma divisão para trabalhos de conjuntos de contrabaixo.

Uso no jazz

Por volta de 1890, o conjunto de jazz de Nova Orleans (que tocava uma mistura de marchas, ragtime e Dixieland) era inicialmente uma banda marcial com uma tuba ou sousafone (ou ocasionalmente saxofone baixo) fornecendo a linha de baixo. À medida que a música se mudou para bares e bordéis, o contrabaixo gradualmente substituiu esses instrumentos de sopro por volta da década de 1920. Muitos dos primeiros baixistas dobraram tanto o baixo de latão (tuba) quanto o baixo de corda, como os instrumentos eram frequentemente chamados. Os baixistas tocavam "walking" linhas de baixo—linhas baseadas em escala e arpejo que delineavam a progressão de acordes.

Como um contrabaixo não amplificado é geralmente o instrumento mais silencioso em uma banda de jazz, muitos músicos das décadas de 1920 e 1930 usavam o estilo tapa, batendo e puxando as cordas para produzir um ritmo " tapa" som contra o braço. O estilo tapa corta o som de uma banda melhor do que simplesmente dedilhar as cordas, e tornava o baixo mais facilmente ouvido nas primeiras gravações de som, já que os equipamentos de gravação da época não favoreciam as baixas frequências. Para saber mais sobre o estilo tapa, veja Estilos de tocar modernos, abaixo.

O baixista de jazz Charles Mingus também foi um influente líder de banda e compositor cujos interesses musicais se estenderam do bebop ao jazz livre.

Espera-se que os baixistas de jazz improvisem uma linha de acompanhamento ou solo para uma determinada progressão de acordes. Também se espera que conheçam os padrões rítmicos apropriados para diferentes estilos (por exemplo, afro-cubano). Os baixistas que tocam em uma big band também devem ser capazes de ler linhas de baixo escritas, já que alguns arranjos têm partes de baixo escritas.

Muitos baixistas verticais contribuíram para a evolução do jazz. Exemplos incluem músicos da era do swing, como Jimmy Blanton, que tocou com Duke Ellington, e Oscar Pettiford, pioneiro no uso do instrumento no bebop. Paul Chambers (que trabalhou com Miles Davis no famoso álbum Kind of Blue) alcançou renome por ser um dos primeiros baixistas de jazz a tocar solos de bebop com o arco. Terry Plumeri promoveu o desenvolvimento de solos de arco (arco), alcançando liberdade técnica semelhante à trompa e um tom de arco claro e vocal, enquanto Charlie Haden, mais conhecido por seu trabalho com Ornette Coleman, definiu o papel do baixo no Free Jazz.

Vários outros baixistas, como Ray Brown, Slam Stewart e Niels-Henning Ørsted Pedersen, foram fundamentais para a história do jazz. Stewart, que era popular entre os beboppers, tocava seus solos com um arco combinado com um zumbido de oitava. Notavelmente, Charles Mingus foi um compositor altamente considerado, bem como um baixista conhecido por seu virtuosismo técnico e som poderoso. Scott LaFaro influenciou uma geração de músicos ao liberar o baixo do "andar" atrás de solistas, em vez disso, favorecendo melodias interativas e conversacionais. Desde a disponibilidade comercial de amplificadores de baixo na década de 1950, os baixistas de jazz usaram a amplificação para aumentar o volume natural do instrumento.

Enquanto o baixo elétrico era usado intermitentemente no jazz já em 1951, a partir dos anos 1970 o baixista Bob Cranshaw, tocando com o saxofonista Sonny Rollins, e os pioneiros do fusion Jaco Pastorius e Stanley Clarke começaram a substituir comumente o baixo pelo vertical baixo. Além dos estilos de jazz de jazz fusion e jazz de influência latina, o contrabaixo ainda é o instrumento baixo dominante no jazz. O som e o tom do contrabaixo dedilhada são distintos dos do baixo com trastes. O baixo vertical produz um som diferente do contrabaixo, porque suas cordas não são interrompidas por trastes de metal, ao invés disso, possuem uma faixa tonal contínua no braço ininterrupto. Além disso, os baixos costumam ter um corpo de madeira maciça, o que significa que seu som é produzido pela amplificação eletrônica da vibração das cordas, em vez da reverberação acústica do contrabaixo.

Exemplos demonstrativos do som de um contrabaixo solo e seu uso técnico no jazz podem ser ouvidos nas gravações solo Emerald Tears (1978) de Dave Holland ou Emergence (1986) de Miroslav Vitous. Holland também gravou um álbum com o título representativo Music from Two Basses (1971), no qual toca com Barre Phillips enquanto às vezes muda para o violoncelo.

Use em bluegrass e country

O contrabaixo é o instrumento baixo mais comumente usado na música bluegrass e quase sempre é tocado, embora alguns baixistas modernos de bluegrass também usem um arco. O baixista de bluegrass faz parte da seção rítmica, e é responsável por manter uma batida constante, seja rápida, seja lenta, em ⁴
₄ , ²
₄ ou ³
₄ tempo. O baixo também mantém a progressão de acordes e a harmonia. As marcas Engelhardt-Link (anteriormente Kay) de baixos laminados de madeira compensada têm sido escolhas populares para baixistas de bluegrass. A maioria dos baixistas de bluegrass usa o tamanho 3⁄4 baixo, mas o tamanho normal e 5⁄8 size basses também são usados.

Baixo vertical usado por um grupo bluegrass; o cabo para um captador piezoelétrico pode ser visto estendendo-se da ponte.

A música tradicional pré-bluegrass era frequentemente acompanhada pelo violoncelo. A violoncelista Natalie Haas destaca que nos Estados Unidos é possível encontrar “fotos antigas, e até gravações antigas, de bandas de cordas americanas com violoncelo”. No entanto, "O violoncelo sumiu de vista na música folclórica e tornou-se associado à orquestra." O violoncelo não reapareceu no bluegrass até a década de 1990 e a primeira década do século XXI. Algumas bandas contemporâneas de bluegrass preferem o baixo elétrico, porque é mais fácil de transportar do que o baixo vertical grande e um tanto frágil. No entanto, o baixo tem um som musical diferente. Muitos músicos sentem que o ataque mais lento e o tom percussivo e amadeirado do baixo vertical dão a ele um toque mais "terroso" ou "natural" som do que um baixo elétrico, especialmente quando cordas de tripa são usadas.

Ritmos comuns no baixo bluegrass envolvem (com algumas exceções) dedilhar as batidas 1 e 3 em ⁴
₄ tempo; batidas 1 e 2 em ²
₄ hora e em o downbeat em ³
₄ tempo (tempo de valsa). As linhas de baixo do Bluegrass são geralmente simples, normalmente ficando na tônica e na quinta de cada acorde durante a maior parte de uma música. Há duas exceções principais a essa regra. Os baixistas de Bluegrass geralmente fazem um walkup ou walkdown diatônico, no qual tocam cada batida de um compasso por um ou dois compassos, geralmente quando há uma mudança de acorde. Além disso, se um baixista recebe um solo, ele pode tocar uma linha de baixo ambulante com uma nota em cada batida ou tocar uma linha de baixo influenciada pela escala pentatônica.

O baixista de música country "Too Slim" (Fred LaBour of Riders in the Sky) atuando em Ponca City, Oklahoma, em 2008

Um dos primeiros baixistas do bluegrass a ganhar destaque foi Howard Watts (também conhecido como Cedric Rainwater), que tocou com os Blue Grass Boys de Bill Monroe a partir de 1944. O baixista clássico Edgar Meyer freqüentemente se ramificou no newgrass, old-time, jazz e outros gêneros. “Meu favorito de todos os tempos é Todd Phillips”, proclamado baixista do Union Station, Barry Bales, em abril de 2005. “Ele trouxe uma maneira completamente diferente de pensar e tocar bluegrass.

Um baixo vertical era o instrumento baixo padrão na música country tradicional. Embora o baixo vertical ainda seja ocasionalmente usado na música country, o baixo elétrico substituiu amplamente seu primo maior na música country, especialmente nos estilos country mais pop dos anos 1990 e 2000, como o novo country.

Baixo estilo tapa

O baixo estilo tapa às vezes é usado no baixo bluegrass. Quando os baixistas de bluegrass batem na corda puxando-a até que ela atinja o braço ou batam as cordas contra o braço, ele adiciona o "clack" ou "tapa" som às notas graves do baixo, soando muito como os clacks de um sapateador. Tapa é um assunto de menor controvérsia na cena bluegrass. Mesmo especialistas em tapas como Mike Bub dizem: "Não bata em todos os shows", ou em músicas em que não é apropriado. Além disso, os baixistas de bluegrass que tocam no estilo tapa em shows ao vivo costumam bater menos nos discos. Bub e seu mentor Jerry McCoury raramente tocam o baixo nas gravações. Enquanto baixistas como Jack Cook batem baixo na ocasional "música Clinch Mountain Boys" mais rápida, baixistas como Gene Libbea, Missy Raines, Jenny Keel e Barry Bales [raramente] batem baixo.

O baixista do Bluegrass Mark Schatz, que ensina o baixo tapa em seu DVD Intermediate Bluegrass Bass reconhece que o baixo tapa "...não tem sido estilisticamente muito predominante na música que gravei". Ele observa que "Mesmo no bluegrass tradicional, o baixo tapa aparece apenas esporadicamente e a maior parte do que fiz foi no lado mais contemporâneo disso (Tony Rice, Tim O'Brien)."; Schatz afirma que seria "... mais propenso a usá-lo [tapa] em uma situação ao vivo do que em uma gravação - para um solo ou para pontuar um lugar específico em uma música ou melodia onde eu usaria. não estou obliterando o solo de alguém. Outro método bluegrass, Learn to Play Bluegrass Bass, de Earl Gately, também ensina a técnica de baixo tapa bluegrass. O baixista alemão Didi Beck toca tapas triplos rápidos, como demonstrado neste vídeo.

Uso em música popular

No início dos anos 1950, o baixo vertical era o instrumento baixo padrão no estilo emergente do rock and roll, Marshall Lytle de Bill Haley & Seus Cometas são apenas um exemplo. Na década de 1940, um novo estilo de dance music chamado rhythm and blues se desenvolveu, incorporando elementos dos estilos anteriores de blues e swing. Louis Jordan, o primeiro inovador deste estilo, apresentou um contrabaixo em seu grupo, o Tympany Five.

O baixo vertical permaneceu parte integrante das formações pop ao longo dos anos 1950, já que o novo gênero de rock and roll foi construído em grande parte sobre o modelo de rhythm and blues, com fortes elementos também derivados do jazz, country e bluegrass. No entanto, os contrabaixistas que usam seus instrumentos nesses contextos enfrentaram problemas inerentes. Eles foram forçados a competir com instrumentos de sopro mais altos (e posteriormente guitarras elétricas amplificadas), tornando as partes do baixo difíceis de ouvir. O baixo vertical é difícil de amplificar em locais de concertos altos, porque pode ser propenso a uivos de feedback. Além disso, o baixo vertical é grande e difícil de transportar, o que também criou problemas de transporte para bandas em turnê. Em alguns grupos, o baixo tapa foi utilizado como percussão da banda no lugar de um baterista; tal foi o caso de Bill Haley & His Saddlemen (o grupo precursor dos Comets), que não usou bateristas em gravações e apresentações ao vivo até o final de 1952; antes disso, o baixo tapa era usado para percussão, inclusive em gravações como as versões de Haley de 'Rock the Joint'. e "Foguete 88".

Em 1951, Leo Fender lançou seu Precision Bass, o primeiro baixo elétrico de sucesso comercial. O baixo elétrico foi facilmente amplificado com seus captadores magnéticos embutidos, facilmente portátil (menos de trinta centímetros a mais do que uma guitarra elétrica) e mais fácil de tocar afinado do que um baixo vertical, graças aos trastes de metal. Nas décadas de 1960 e 1970, as bandas tocavam em volumes mais altos e se apresentavam em locais maiores. O baixo elétrico foi capaz de fornecer o tom de baixo enorme e altamente amplificado que a música pop e rock dessa época exigia, e o baixo vertical recuou dos holofotes da cena da música popular.

O baixo vertical começou a retornar à música popular em meados da década de 1980, em parte devido a um interesse renovado em formas anteriores de folk e country, como parte do rock de raiz e das tendências americanas. Na década de 1990, melhorias nos captadores e designs de amplificadores para baixos eletroacústicos horizontais e verticais tornaram mais fácil para os baixistas obter um tom amplificado bom e claro de um instrumento acústico. Algumas bandas populares decidiram ancorar seu som com um contrabaixo em vez de um baixo elétrico, como o Barenaked Ladies. Uma tendência para "unplugged" apresentações na MTV, nas quais bandas de rock se apresentavam apenas com instrumentos acústicos, ajudaram ainda mais a aumentar o interesse do público pelo contrabaixo e contrabaixos acústicos.

Jim Creeggan de Barenaked Ladies, fotografado em um show de 2009

Jim Creeggan de Barenaked Ladies principalmente toca baixo vertical, embora ele tenha tocado guitarra baixo cada vez mais ao longo da carreira da banda. Chris! Wyse de grupo de rock alternativo Owl usa uma combinação de baixo elétrico e duplo. Athol Guy do grupo folk/pop australiano The Seekers joga um baixo vertical. Shannon Birchall, do grupo folk-rock australiano O John Butler Trio, faz uso extensivo de baixos retos, executando solos ao vivo estendidos em músicas como Betterman. No álbum de 2008 Em Ear Park pela banda indie/pop Departamento de Águias, um baixo curvado ereto é destaque bastante nas músicas "Teenagers" e "In Ear Park". A banda de ompa-rock norueguesa Kaizers Orchestra usa o baixo vertical exclusivamente ao vivo e em suas gravações.

O dueto pop francês contemporâneo "What a day" usa técnica de pizzicato estendido de contrabaixo com vocais e compositor

Os baixistas de Hank Williams III (Jason Brown, Joe Buck e Zach Shedd, mais notavelmente) usaram contrabaixos verticais para gravação, bem como durante os conjuntos country e Hellbilly das apresentações ao vivo de Hank III antes mudando para baixo elétrico para o conjunto Assjack.

O gênero rockabilly-punk do final dos anos 1970 do psychobilly continuou e expandiu a tradição rockabilly do slap bass. Baixistas como Kim Nekroman e Geoff Kresge desenvolveram a habilidade de tocar baixo rápido que transforma o baixo em um instrumento de percussão.

Estilos de jogo modernos

Um amplificador de baixo de tamanho médio usado para amplificar um baixo duplo em um pequeno show de jazz

Nos gêneros musicais populares, o instrumento é geralmente tocado com amplificação e quase exclusivamente tocado com os dedos, estilo pizzicato. O estilo pizzicato varia entre diferentes jogadores e gêneros. Alguns músicos tocam com os lados de um, dois ou três dedos, especialmente para linhas de baixo ambulantes e baladas de ritmo lento, porque isso supostamente cria um tom mais forte e sólido. Alguns músicos usam as pontas mais ágeis dos dedos para tocar passagens de solo de movimento rápido ou para dedilhar levemente para melodias tranquilas. O uso de amplificação permite que o músico tenha mais controle sobre o timbre do instrumento, pois os amplificadores possuem controles de equalização que permitem ao baixista acentuar certas frequências (muitas vezes as frequências graves) enquanto desacentua algumas frequências (muitas vezes as frequências altas, então que há menos ruído dos dedos).

O tom de um baixo acústico não amplificado é limitado pela resposta de frequência do corpo oco do instrumento, o que significa que os tons muito baixos podem não ser tão altos quanto os mais altos. Com um amplificador e dispositivos de equalização, um baixista pode aumentar as frequências baixas, o que altera a resposta de frequência. Além disso, o uso de um amplificador pode aumentar a sustentação do instrumento, o que é particularmente útil para acompanhamento durante baladas e para solos melódicos com notas sustentadas.

Na música tradicional de jazz, swing, polca, rockabilly e psychobilly, às vezes é tocada no estilo tapa. Esta é uma versão vigorosa do pizzicato onde as cordas são "esbofeteadas" contra o braço entre as notas principais da linha de baixo, produzindo um som percussivo semelhante ao de uma caixa. As notas principais são tocadas normalmente ou puxando a corda para longe da escala e soltando-a para que ela ricocheteie na escala, produzindo um ataque percussivo distinto além do tom esperado. Baixistas notáveis do estilo tapa, cujo uso da técnica era frequentemente altamente sincopado e virtuoso, às vezes interpolavam dois, três, quatro ou mais tapas entre as notas da linha de baixo.

"Estilo tapa" pode ter influenciado os baixistas elétricos que, a partir de meados dos anos 60 (particularmente Larry Graham do Sly and the Family Stone), desenvolveram uma técnica chamada slap and pop que usava o polegar da mão dedilhada para bater a corda, fazendo um som de tapa, mas ainda deixando a nota soar, e o dedo indicador ou médio da mão dedilhada para puxar a corda para trás de modo que ela atinja o braço da guitarra, alcançando o som pop descrito acima. O baixista da Motown, James Jamerson, costumava usar um contrabaixo para aprimorar o baixo elétrico na pós-produção ("adoçamento") das faixas gravadas e vice-versa em muitos casos.

Baixistas duplos

Histórico

• Domenico Dragonetti (1763-1846) Virtuoso, compositor, maestro
• Giovanni Bottesini (1821-1889) Virtuoso, compositor, maestro
• Franz Simandl (1840–1912) Virtuoso, compositor, pedagogogo
• Edouard Nanny (1872-1943) Virtuoso, compositor
• Serge Koussevitzky (1874–1951) Virtuoso, compositor, maestro

Moderno

• François Rabbath (1931–) Virtuoso, compositor
• Gary Karr (1941–) Virtuoso.
• Edgar Meyer (1960–) Virtuoso, compositor, professor

Contemporânea (1900)

Clássica

Duplo baixo solista Gary Karr

Alguns dos mais influentes contrabaixistas clássicos contemporâneos são conhecidos tanto por suas contribuições à pedagogia quanto por suas habilidades de execução, como o baixista americano Oscar G. Zimmerman (1910–1987), conhecido por seu ensino na Eastman School of Music e, por 44 verões no Interlochen National Music Camp em Michigan e o baixista francês François Rabbath (nascido em 1931), que desenvolveu um novo método de baixo que dividia todo o braço em seis posições. Os baixistas conhecidos por suas habilidades solo virtuosas incluem o pedagogo e intérprete americano Gary Karr (n. 1941), o compositor finlandês Teppo Hauta-Aho (n. 1941), o compositor italiano Fernando Grillo e o músico e compositor americano Edgar Meyer. Para uma lista mais longa, consulte a Lista de contrabaixistas clássicos contemporâneos.

Jazz

Baixistas de jazz notáveis dos anos 1940 a 1950 incluíram o baixista Jimmy Blanton (1918–1942), cuja curta permanência na banda Duke Ellington Swing (interrompida por sua morte por tuberculose) introduziu novas ideias de solo melódico e harmônico para o instrumento; o baixista Ray Brown (1926–2002), conhecido por apoiar Beboppers Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Art Tatum e Charlie Parker, e formar o Modern Jazz Quartet; o baixista do hard bop Ron Carter (nascido em 1937), que apareceu em 3.500 álbuns, faz dele um dos baixistas mais gravados na história do jazz, incluindo LPs de Thelonious Monk e Wes Montgomery e muitos artistas da Blue Note Records; e Paul Chambers (1935–1969), um membro do Miles Davis Quintet (incluindo a histórica gravação de jazz modal Kind of Blue) e muitas outras seções rítmicas dos anos 1950 e 1960, era conhecido por suas improvisações virtuosas.

Christian McBride (nascido em 1972), um dos novos "jovens leões" na cena do jazz, ganhou quatro Grammy Awards.

A era experimental pós-década de 1960, e o free jazz e a fusão jazz-rock, produziram vários baixistas influentes. Charles Mingus (1922–1979), que também foi compositor e líder de banda, produziu música que fundia o hard bop com a música black gospel, free jazz e música clássica. O baixista de free jazz e pós-bop Charlie Haden (1937–2014) é mais conhecido por sua longa associação com o saxofonista Ornette Coleman e por seu papel na Liberation Music Orchestra dos anos 1970, um grupo experimental. Eddie Gómez e George Mraz, que tocaram com Bill Evans e Oscar Peterson, respectivamente, e ambos são reconhecidos por terem aumentado as expectativas de fluência de pizzicato e fraseado melódico. Fusion virtuoso Stanley Clarke (nascido em 1951) é notável por sua destreza tanto no contrabaixo quanto no baixo elétrico. Terry Plumeri é conhecido por sua fluência de arco tipo trompa e tom vocal.

Na década de 1990 e na primeira década do século 21, um dos novos "jovens leões" foi Christian McBride (nascido em 1972), que já se apresentou com uma série de veteranos que vão desde McCoy Tyner aos gurus da fusão Herbie Hancock e Chick Corea, e que lançou álbuns como Vertical Vision de 2003. Outra jovem baixista de destaque é Esperanza Spalding (nascida em 1984) que, aos 27 anos, já havia conquistado um Grammy de Melhor Artista Revelação.

Outros gêneros populares

Scott Owen, baixista duplo para a banda de rock australiano The Living End

Além de ser um notável músico clássico, Edgar Meyer é bem conhecido nos círculos de bluegrass e newgrass. Todd Phillips é outro proeminente jogador de bluegrass. Baixistas de rockabilly conhecidos incluem Bill Black, Marshall Lytle (com Bill Haley & His Comets) e Lee Rocker (com os revivalistas do rockabilly da década de 1980, os Stray Cats).

Notáveis revivalistas do rockabilly e performers do psychobilly dos anos 1990 e primeira década do século 21 incluem Scott Owen (da banda australiana The Living End), Jimbo Wallace (da banda americana Reverend Horton Heat), Kim Nekroman (Nekromantix), Patricia Day (HorrorPops), Geoff Kresge (Tiger Army, ex-AFI). Willie Dixon (1915–1992) foi uma das figuras mais notáveis da história do rhythm and blues. Além de baixista, ele escreveu dezenas de sucessos de R&B e trabalhou como produtor. Ele também toca baixo em vários sucessos de rock and roll de Chuck Berry. Muitas outras bandas de rockabilly como El Rio Trio (da Holanda) também usam esse instrumento em seus trabalhos. Veja também a Lista de contrabaixistas na música popular.

Pedagogia e formação

A pedagogia e o treinamento para o contrabaixo variam muito de acordo com o gênero e o país. O contrabaixo clássico tem uma história de pedagogia que remonta a vários séculos, incluindo manuais de ensino, estudos e exercícios progressivos que ajudam os alunos a desenvolver a resistência e precisão da mão esquerda e controle para a mão de arco. Os métodos clássicos de treinamento variam de acordo com o país: muitos dos principais países europeus estão associados a métodos específicos (por exemplo, o método Edouard Nanny na França ou o método Franz Simandl na Alemanha). No treinamento clássico, a maior parte da instrução para a mão direita se concentra na produção do tom do arco; pouco tempo é gasto estudando as variedades de tom pizzicato.

Em contraste, em gêneros que usam principalmente ou exclusivamente pizzicato (dedilhar), como jazz e blues, muito tempo e esforço são direcionados para aprender as variedades de diferentes estilos de pizzicato usados para música de diferentes estilos de tempi. Por exemplo, no jazz, os aspirantes a baixista precisam aprender a executar uma ampla gama de tons de pizzicato, incluindo o uso das laterais dos dedos para criar um som completo e profundo para baladas, usando as pontas dos dedos para linhas de baixo ou solos rápidos., e executando uma variedade de notas fantasmas percussivas, juntando cordas silenciadas ou parcialmente silenciadas.

Treinamento formal

Jazz cantor/bassist Esperanza Spalding performando em 10 de dezembro de 2009 no Prêmio Nobel da Paz de 2009

De todos os gêneros, o clássico e o jazz têm os sistemas de instrução e treinamento mais estabelecidos e abrangentes. No meio clássico, as crianças podem começar a ter aulas particulares do instrumento e a se apresentar em orquestras infantis ou juvenis. Os adolescentes que desejam se tornar baixistas clássicos profissionais podem continuar seus estudos em uma variedade de ambientes formais de treinamento, incluindo faculdades, conservatórios e universidades. As faculdades oferecem certificados e diplomas em performance de baixo.

Os conservatórios, que são o sistema de treinamento musical padrão na França e em Quebec (Canadá), oferecem aulas e experiência orquestral amadora para contrabaixistas. As universidades oferecem uma variedade de programas de contrabaixo, incluindo bacharelado, mestrado em música e doutorado em artes musicais. Além disso, há uma variedade de outros programas de treinamento, como acampamentos de verão clássicos e festivais de treinamento orquestral, de ópera ou de música de câmara, que dão aos alunos a oportunidade de tocar uma ampla gama de músicas.

Os diplomas de bacharelado em performance de baixo (referidos como B.Mus. ou B.M.) são programas de quatro anos que incluem aulas individuais de baixo, experiência em orquestra amadora e uma sequência de cursos de história da música, teoria da música, e cursos de artes liberais (por exemplo, literatura inglesa), que dão ao aluno uma educação mais completa. Normalmente, os alunos de contrabaixo realizam vários recitais de música solo de contrabaixo, como concertos, sonatas e suítes barrocas.

O mestrado em música (M.mus.) em contrabaixo consiste em aulas particulares, experiência em conjunto, treinamento em tocar partes de contrabaixo orquestral e cursos de pós-graduação em história da música e teoria da música, juntamente com um ou dois recitais solo. Um mestrado em música (conhecido como M.Mus. ou M.M.) costuma ser uma credencial exigida para pessoas que desejam se tornar professores de contrabaixo em uma universidade ou conservatório.

Manhattan School of Music professor Timothy Cobb ensinando uma lição de baixo no final dos anos 2000. Seu baixo tem uma baixa extensão C com um metal "máquina" com botões para tocar os arremessos na extensão.

Os graus de Doutor em Artes Musicais (referidos como D.M.A., DMA, D.Mus.A. ou A.Mus.D.) em performance de contrabaixo oferecem uma oportunidade para estudos avançados no mais alto nível artístico e pedagógico, exigindo geralmente mais de 54 horas de crédito além de um mestrado (que é cerca de 30+ créditos além de um diploma de bacharel). Por esta razão, a admissão é altamente seletiva. Exames de história da música, teoria musical, treinamento auditivo/ditado e um recital de exame de admissão são obrigatórios. Os alunos realizam uma série de recitais (cerca de seis), incluindo uma palestra-recital com uma dissertação de doutorado, cursos avançados e uma média mínima de B são outros requisitos típicos de um D.M.A. programa.

Ao longo do início da história do jazz, os contrabaixistas aprenderam o instrumento informalmente ou receberam treinamento clássico desde cedo, como no caso de Ron Carter e Charles Mingus. Nas décadas de 1980 e 1990, faculdades e universidades começaram a introduzir diplomas e graduações em performance de jazz. Os alunos dos programas de diploma de jazz ou bacharelado em música têm aulas individuais de baixo, obtêm experiência em pequenos combos de jazz com o treinamento de um músico experiente e tocam em grandes bandas de jazz. Assim como nos programas de treinamento clássico, os programas de jazz também incluem cursos presenciais de história da música e teoria da música. Em um programa de jazz, esses cursos se concentram nas diferentes épocas da história do jazz. como Swing, Bebop e fusion. Os cursos teóricos enfocam as habilidades musicais usadas na improvisação de jazz e no jazz comping (acompanhamento) e na composição de melodias de jazz. Há também acampamentos de verão de jazz e festivais/seminários de treinamento, que oferecem aos alunos a chance de aprender novas habilidades e estilos.

Treinamento informal

Em outros gêneros, como blues, rockabilly e psychobilly, os sistemas pedagógicos e as sequências de treinamento não são tão formalizados e institucionalizados. Não há graus em desempenho de baixo de blues, ou conservatórios que oferecem diplomas de vários anos em baixo de rockabilly. No entanto, há uma variedade de livros, métodos de tocar e, desde a década de 1990, DVDs instrutivos (por exemplo, sobre como tocar baixo estilo rockabilly). Como tal, os artistas desses outros gêneros tendem a vir de uma variedade de rotas, incluindo aprendizado informal usando livros ou DVDs de métodos de baixo, tendo aulas particulares e treinamento e aprendendo com discos e CDs. Em alguns casos, os baixistas de blues ou rockabilly podem ter obtido algum treinamento inicial através dos sistemas de pedagogia clássica ou jazz (por exemplo, orquestra jovem ou big band do ensino médio). Em gêneros como o tango, que usam muitas passagens de arco e linhas de pizzicato no estilo jazz, os baixistas tendem a vir de rotas de formação clássica ou jazz.

Carreiras

As carreiras no contrabaixo variam muito por gênero e por região ou país. A maioria dos baixistas ganha a vida com uma mistura de trabalhos de desempenho e ensino. O primeiro passo para conseguir a maioria dos trabalhos de desempenho é jogar em uma audição. Em alguns estilos de música, como bandas de palco orientadas para o jazz, os baixistas podem ser solicitados a ler músicas impressas à primeira vista ou executar peças padrão (por exemplo, um padrão de jazz como Now's the Time) com um conjunto. Da mesma forma, em uma banda de rock ou blues, os participantes podem ser solicitados a tocar vários padrões de rock ou blues. Um baixista vertical fazendo um teste para uma banda de blues pode ser solicitado a tocar em uma linha de baixo ambulante no estilo Swing, uma linha de "tapa" linha de baixo (na qual as cordas são percussivamente percutidas contra o braço) e uma balada dos anos 1950 com notas longas. Pode-se esperar que uma pessoa que faça um teste para um papel como baixista em alguns estilos de música pop ou rock demonstre a habilidade de executar vocais harmônicos como cantor de apoio. Em alguns grupos de pop e rock, o baixista pode ser solicitado a tocar outros instrumentos de vez em quando, como baixo elétrico, teclado ou violão. A capacidade de tocar baixo elétrico é amplamente esperada em grupos country, caso a banda esteja apresentando um rock clássico ou uma nova música country.

Uma seção de baixo duplo alemão em 1952. O jogador à esquerda está usando um arco alemão.

Música clássica

Na música clássica, os baixistas fazem testes para tocar em orquestras e para admissão em programas ou graduações em universidades ou conservatórios. Em uma audição de contrabaixo clássico, o executante normalmente toca um movimento de J.S. Suíte de Bach para violoncelo solo ou um movimento de um concerto para baixo e uma variedade de trechos da literatura orquestral. Os trechos são tipicamente as partes tecnicamente mais desafiadoras das partes de baixo e solos de baixo da literatura orquestral. Alguns dos trechos orquestrais mais solicitados nas audições de baixo são das Sinfonias nºs 5, 7 e 9 de Beethoven; Ein Heldenleben e Don Juan de Strauss; Sinfonias nºs 35, 39 e 40 de Mozart; Brahms' Sinfonias nºs 1 e 2; Pulcinella de Stravinsky; Sinfonia nº 5 de Shostakovich; Variaciones Concertante de Ginastera; Sinfonia nº 4 de Tchaikovsky; Sinfonia nº 2 de Mahler; Suite nº 2 de J. S. Bach em B; Symphonie Fantastique de Berlioz, Sinfonia nº 4 de Mendelssohn; e os solos de baixo da ópera de Verdi Otello, Mahler's Symphony No. 1, Britten's The Young Person's Guide to the Orchestra e a Suíte Tenente Kije de Prokofiev.