Cinema do Reino Unido
O Reino Unido tem uma indústria cinematográfica significativa há mais de um século. Embora a produção de filmes tenha atingido seu ponto mais alto em 1936, a "era de ouro" do cinema britânico é geralmente pensado para ter ocorrido na década de 1940, durante a qual os diretores David Lean, Michael Powell, (com Emeric Pressburger) e Carol Reed produziram seus trabalhos mais aclamados pela crítica. Muitos atores britânicos acumularam sucesso de crítica e reconhecimento mundial, como Audrey Hepburn, Olivia de Havilland, Vivien Leigh, Glynis Johns, Maggie Smith, Roger Moore, Michael Caine, Sean Connery, Joan Collins, Judi Dench, Julie Andrews, Daniel Day- Lewis, Gary Oldman, Emma Thompson, Hugh Grant e Kate Winslet. Alguns dos filmes com maior retorno de bilheteria foram feitos no Reino Unido, incluindo a terceira e sexta franquias de filmes de maior bilheteria (Harry Potter e James Bond).
A identidade da indústria cinematográfica britânica, particularmente no que se refere a Hollywood, sempre foi objeto de debate. Sua história foi frequentemente afetada por tentativas de competir com a indústria americana. A carreira do produtor Alexander Korda foi marcada por esse objetivo, a Rank Organization tentou fazê-lo na década de 1940, e Goldcrest na década de 1980. Vários diretores britânicos, incluindo Alfred Hitchcock, Christopher Nolan e Ridley Scott, e artistas como Charlie Chaplin e Cary Grant, alcançaram o sucesso principalmente por meio de seu trabalho nos Estados Unidos.
Em 2009, os filmes britânicos arrecadaram cerca de US$ 2 bilhões em todo o mundo e alcançaram uma participação de mercado de cerca de 7% globalmente e 17% no Reino Unido. A bilheteria do Reino Unido totalizou £ 1,1 bilhão em 2012, com 172,5 milhões de ingressos.
O British Film Institute produziu uma enquete classificando o que eles consideram os 100 maiores filmes britânicos de todos os tempos, o BFI Top 100 British Films. Os prêmios anuais do BAFTA organizados pela Academia Britânica de Cinema e Televisão são considerados o equivalente britânico do Oscar.
História
Origens e filmes mudos
A primeira imagem em movimento do mundo foi filmada em Leeds por Louis Le Prince em 1888 e as primeiras imagens em movimento reveladas em filme de celulóide foram feitas em Hyde Park, Londres em 1889 pelo inventor britânico William Friese Greene, que patenteou o processo em 1890.
As primeiras pessoas a construir e operar uma câmera de 35 mm funcional na Grã-Bretanha foram Robert W. Paul e Birt Acres. Eles fizeram o primeiro filme britânico Incident at Clovelly Cottage em fevereiro de 1895, pouco antes de se desentenderem por causa da patente da câmera. Logo várias empresas cinematográficas britânicas abriram para atender à demanda por novos filmes, como Mitchell e Kenyon em Blackburn.
Embora os primeiros filmes britânicos fossem de eventos cotidianos, o início do século 20 viu o surgimento de curtas narrativos, principalmente comédias e melodramas. Os primeiros filmes costumavam ter um tom melodramático e havia uma preferência distinta por enredos já conhecidos do público, em particular adaptações de peças de Shakespeare e romances de Dickens.
Os irmãos Lumière trouxeram seu show pela primeira vez para Londres em 1896. Em 1898, o produtor americano Charles Urban expandiu a Warwick Trading Company, com sede em Londres, para produzir filmes britânicos, principalmente documentários e notícias.
Em 1898, a Gaumont-British Picture Corp. foi fundada como uma subsidiária da French Gaumont Film Company, construindo o Lime Grove Studios no oeste de Londres em 1915 no primeiro prédio construído na Grã-Bretanha exclusivamente para a produção de filmes. Também em 1898, o Hepworth Studios foi fundado em Lambeth, no sul de Londres, por Cecil Hepworth, os Bamforths começaram a produzir filmes em Yorkshire e William Haggar começou a produzir filmes no País de Gales.
Dirigido por Walter R. Booth em 1901, Scrooge, or, Marley's Ghost é a primeira adaptação cinematográfica da novela festiva de Charles Dickens A Christmas Carol. Booth's The Hand of the Artist (1906) foi descrito como o primeiro filme de animação britânico.
Em 1902, o Ealing Studios foi fundado por Will Barker, tornando-se o mais antigo estúdio de cinema em operação contínua do mundo.
Em 1902 foi feito o primeiro filme colorido do mundo; como outros filmes feitos na época, é de acontecimentos cotidianos. Em 2012, foi encontrado pelo Museu Nacional de Ciência e Mídia em Bradford depois de ficar esquecido em uma lata velha por 110 anos. O título anterior para o filme colorido mais antigo, usando o processo Kinemacolor inferior de Urban, datava de 1909. Os filmes redescobertos foram feitos pelo pioneiro Edward Raymond Turner, de Londres, que patenteou seu processo em 22 de março de 1899.
.jpg)
Em 1903, Urban formou a Charles Urban Trading Company, que produziu os primeiros filmes coloridos usando seu processo patenteado Kinemacolor. Isso foi posteriormente contestado no tribunal por Greene, fazendo com que a empresa fechasse as portas em 1915.
Em 1903, Cecil Hepworth e Percy Stow dirigiram Alice no País das Maravilhas, a primeira adaptação cinematográfica do livro infantil de Lewis Carroll Alice no País das Maravilhas.
Em 1903, Frank Mottershaw de Sheffield produziu o filme A Daring Daylight Robbery, que lançou o gênero perseguição.
Em 1911, a Ideal Film Company foi fundada no Soho, Londres, distribuindo quase 400 filmes em 1934 e produzindo 80.
Em 1913, o diretor de teatro Maurice Elvey começou a dirigir filmes britânicos, tornando-se o diretor de cinema mais prolífico da Grã-Bretanha, com quase 200 em 1957.
Em 1914, a Elstree Studios foi fundada e adquirida em 1928 pelo alemão Ludwig Blattner, que inventou um sistema de gravação de fita magnética de aço que foi adotado pela BBC em 1930.
Em 1915, a Kinematograph Renters’ Society of Great Britain and Ireland foi formada para representar as empresas de distribuição de filmes. É o órgão comercial de filmes mais antigo do mundo. Era conhecida como Society of Film Distributors até que mudou seu nome novamente para Film Distributors’ Association (FDA).
Em 1920, Gaumont abriu o Islington Studios, onde Alfred Hitchcock começou, vendendo tudo para a Gainsborough Pictures em 1927. Também em 1920, o Cricklewood Studios foi fundado por Sir Oswald Stoll, tornando-se o maior estúdio de cinema da Grã-Bretanha, conhecido por Fu Série de filmes Manchu e Sherlock Holmes.
Em 1920, a efêmera empresa Minerva Films foi fundada em Londres pelo ator Leslie Howard (também produtor e diretor) e seu amigo e editor de histórias Adrian Brunel. Alguns de seus primeiros filmes incluem quatro escritos por A. A. Milne, incluindo The Bump, estrelado por C. Aubrey Smith; Duas vezes Dois; Recompensa de cinco libras; e Tratores de livros.
Em meados da década de 1920, a indústria cinematográfica britânica estava perdendo para a forte concorrência dos Estados Unidos, que foi ajudada por seu mercado doméstico muito maior - em 1914, 25% dos filmes exibidos no Reino Unido eram britânicos, mas em 1926 isso caiu para 5%. A Queda de 1924 causou o fechamento de muitos estúdios de cinema britânicos, resultando na aprovação do Cinematograph Films Act 1927 para impulsionar a produção local, exigindo que os cinemas exibissem uma certa porcentagem de filmes britânicos. O ato foi tecnicamente um sucesso, com o público dos filmes britânicos se tornando maior do que a cota exigida, mas teve o efeito de criar um mercado para filmes de baixa qualidade e baixo custo, feitos para atender à cota. As "quotas rapidinhas", como ficaram conhecidas, costumam ser acusadas pelos historiadores de atrasar o desenvolvimento da indústria. No entanto, alguns cineastas britânicos, como Michael Powell, aprenderam seu ofício fazendo esses filmes. A lei foi modificada com o Cinematograph Films Act 1938, que ajudou a indústria cinematográfica britânica especificando que apenas filmes feitos e rodados na Grã-Bretanha seriam incluídos na cota, uma lei que reduziu severamente a produção cinematográfica canadense e australiana.
Ironicamente, a maior estrela da era do cinema mudo, o comediante inglês Charlie Chaplin, morava em Hollywood.
O período inicial do som
O advogado escocês John Maxwell fundou a British International Pictures (BIP) em 1927. Com sede no antigo British National Pictures Studios em Elstree, os proprietários originais das instalações, incluindo o produtor-diretor Herbert Wilcox, enfrentaram dificuldades financeiras. Um dos primeiros filmes da empresa, Alfred Hitchcock's Blackmail (1929), é frequentemente considerado o primeiro longa-metragem britânico. Era meio falado com trilha sonora e efeitos sonoros sincronizados. No início de 1929, o primeiro longa-metragem britânico totalmente falado, The Clue of the New Pin, foi lançado. Foi baseado em um romance de Edgar Wallace, estrelado por Donald Calthrop, Benita Home e Fred Raines, que foi feito pela British Lion em seus Beaconsfield Studios. O BIP de John Maxwell tornou-se a Associated British Picture Corporation (ABPC) em 1933. Os estúdios da ABPC em Elstree passaram a ser conhecidos como a "fábrica de mingau", de acordo com Lou Alexander, " 34;por razões mais relacionadas com a quantidade de filmes que a empresa produziu, do que com sua qualidade". Elstree (a rigor, quase todos os estúdios ficavam na vizinha Borehamwood) tornou-se o centro da indústria cinematográfica britânica, com seis complexos cinematográficos ao longo dos anos, todos próximos uns dos outros.
Em 1927, as maiores redes de cinema do Reino Unido consistiam em cerca de 20 cinemas, mas no ano seguinte a Gaumont-British expandiu-se significativamente para se tornar a maior, controlando 180 cinemas em 1928 e até 300 em 1929. Maxwell formou a ABC Cinemas em 1927 que se tornou subsidiária do BIP e se tornou uma das maiores do país, juntamente com a Odeon Cinemas, fundada por Oscar Deutsch, que abriu seu primeiro cinema em 1928. Em 1937, essas três redes controlavam quase um quarto de todos cinemas do país. A contratação de uma dessas cadeias era indispensável para o sucesso de qualquer filme britânico.
Com o advento dos filmes sonoros, muitos atores estrangeiros eram menos procurados, com a pronúncia recebida do inglês comumente usada; por exemplo, a voz da atriz tcheca Anny Ondra em Chantagem foi substituída por uma Joan Barry fora das câmeras durante as cenas de Ondra.
Começando com Drifters de John Grierson (também 1929), o período viu o surgimento da escola do movimento realista de documentários, a partir de 1933 associado à GPO Film Unit. Foi Grierson quem cunhou o termo "documentário" para descrever um filme de não-ficção, e ele produziu os primeiros filmes mais celebrados do movimento, Night Mail (1936), escrito e dirigido por Basil Wright e Harry Watt, e incorporando o poema de WH Auden no final do curta.
Os music halls também se mostraram influentes nos filmes de comédia desse período, e várias personalidades populares surgiram, incluindo George Formby, Gracie Fields, Jessie Matthews e Will Hay. Essas estrelas costumavam fazer vários filmes por ano, e suas produções permaneceram importantes para fins de moral durante a Segunda Guerra Mundial.
Muitos dos filmes britânicos com orçamentos maiores durante a década de 1930 foram produzidos pela London Films, fundada pelo húngaro imigrante Alexander Korda. O sucesso de The Private Life of Henry VIII (1933), realizado nos estúdios British and Dominions Elstree, convenceu a United Artists e a The Prudential a investir no Korda's Denham Film Studios, inaugurado em maio 1936, mas ambos os investidores sofreram perdas como resultado. Os filmes de Korda antes da guerra incluíam Things to Come, Rembrandt (ambos de 1936) e Knight Without Armour (1937), também como os primeiros filmes Technicolor The Drum (1938) e The Four Feathers (1939). Eles seguiram de perto Wings of the Morning (1937), o primeiro longa-metragem Technicolor de três tiras do Reino Unido, feito pela ramificação local da 20th Century Fox. Embora alguns dos filmes de Korda tenham se dedicado a "acenar implacavelmente com a bandeira pró-Império", aqueles com Sabu o transformaram em "uma grande estrela internacional"; "por muitos anos" ele tinha o perfil mais alto de qualquer ator de origem indiana. Paul Robeson também foi escalado para papéis principais quando "quase não havia oportunidades" para os afro-americanos "desempenharem papéis desafiadores" nas produções de seu próprio país.
Em 1933, o British Film Institute foi estabelecido como a principal organização de cinema no Reino Unido. Eles criaram a National Film Library em 1935 (agora conhecida como BFI National Archive), com Ernest Lindgren como curador.
Em 1934, J. Arthur Rank tornou-se co-fundador da British National Films Company e ajudou a criar o Pinewood Studios, inaugurado em 1936. Também em 1936, Rank assumiu a General Film Distributors e em 1937, Rank fundou a The Rank Organização. Em 1938, a General Film Distributors tornou-se afiliada à Odeon Cinemas.
Despesas crescentes e expectativas excessivamente otimistas de expansão no mercado americano causaram uma crise financeira em 1937, depois que um recorde histórico de 192 filmes foi lançado em 1936. Das 640 produtoras britânicas registradas entre 1925 e 1936, apenas 20 ainda estavam ativos em 1937. Além disso, a Lei de Filmes de 1927 estava para ser renovada. A substituição Cinematograph Films Act 1938 forneceu incentivos, por meio de um "teste de qualidade", para que as empresas do Reino Unido fizessem menos filmes, mas de maior qualidade, e eliminassem as "cotas rapidinhas". Influenciado pela política mundial, incentivou os investimentos e as importações americanas. Um dos resultados foi a criação da MGM-British, subsidiária inglesa do maior estúdio americano, que produziu quatro filmes antes da guerra, incluindo Goodbye, Mr. Chips (1939).
O novo empreendimento foi inicialmente baseado no Denham Studios. O próprio Korda perdeu o controle da instalação em 1939 para a Organização de Classificação. As circunstâncias forçaram The Thief of Bagdad de Korda (1940), um espetacular filme de fantasia, a ser concluído na Califórnia, onde Korda continuou sua carreira no cinema durante a guerra.
Agora contratado pela Gaumont British, Alfred Hitchcock havia se estabelecido no gênero thriller em meados da década de 1930 com The Man Who Knew Too Much (1934), The 39 Steps (1935) e The Lady Vanishes (1938). Elogiado na Grã-Bretanha, onde foi apelidado de "Alfred, o Grande" pela revista Picturegoer, a reputação de Hitchcock estava começando a se desenvolver no exterior, com um redator do New York Times afirmando; “Três instituições únicas e valiosas que os britânicos têm e que nós, na América, não temos. Magna Carta, a Tower Bridge e Alfred Hitchcock, o maior diretor de melodramas de tela do mundo." Hitchcock assinou um contrato de sete anos com Selznick e mudou-se para Hollywood.
Segunda Guerra Mundial
"A ideia de uma nação de cineastas dedicados está inextricavelmente ligada ao número de filmes clássicos lançados durante os anos de guerra. Esta foi a "idade dourada" do cinema britânico, um período em que cineastas como Humphrey Jennings, David Lean, Powell e Pressburger, e Carol Reed vieram à tona."
Publicada no The Times em 5 de setembro de 1939, dois dias depois que a Grã-Bretanha declarou guerra à Alemanha, a carta de George Bernard Shaw protestava contra uma ordem do governo de fechar todos os locais de entretenimento, incluindo cinemas. 'Que agente do chanceler Hitler é que sugeriu que todos nós deveríamos nos esconder na escuridão e no terror "durante o tempo"?'. Duas semanas após a ordem, os cinemas nas províncias foram reabertos, seguidos pelo centro de Londres em um mês. Em 1940, os números de ingressos de cinema aumentaram, para pouco mais de 1 bilhão no ano, e continuaram subindo para mais de 1,5 bilhão em 1943, 1944 e 1945.
Humphrey Jennings começou sua carreira como documentarista pouco antes da guerra, em alguns casos trabalhando em colaboração com co-diretores. London Can Take It (com Harry Wat, 1940) detalhou a Blitz enquanto Listen to Britain (com Stewart McAllister, 1942) olhou para a frente de casa. A Crown Film Unit, parte do Ministério da Informação, assumiu as responsabilidades da GPO Film Unit em 1940. Paul Rotha e Alberto Cavalcanti eram colegas de Jennings. Os filmes britânicos começaram a fazer uso de técnicas de documentário; Cavalcanti juntou-se a Ealing em Went the Day Well? (1942),
Muitos outros filmes ajudaram a moldar a imagem popular da nação em guerra. Entre os filmes mais conhecidos estão In Which We Serve (1942), We Dive at Dawn (1943), Millions Like Us (1943) e O caminho a seguir (1944). Os anos de guerra também viram o surgimento da parceria de The Archers entre o diretor Michael Powell e o escritor e produtor húngaro Emeric Pressburger com filmes como A Vida e a Morte do Coronel Blimp (1943) e Um conto de Canterbury (1944).
Two Cities Films, uma produtora independente que lança seus filmes por meio de uma subsidiária da Rank, também fez alguns filmes importantes, incluindo as colaborações de Noël Coward e David Lean This Happy Breed (1944) e Blithe Spirit (1945), bem como Henry V de Laurence Olivier (1944). A essa altura, o Gainsborough Studios estava lançando sua série de melodramas de época ridicularizados pela crítica, mas imensamente populares, incluindo The Man in Grey (1943) e The Wicked Lady (1945). Novas estrelas, como Margaret Lockwood e James Mason, surgiram nos filmes de Gainsborough.
Cinema do pós-guerra
No final da década de 1940, a Rank Organization tornou-se a força dominante por trás da produção cinematográfica britânica, tendo adquirido vários estúdios britânicos e a rede Gaumont (em 1941) para adicionar aos seus cinemas Odeon. A grave crise financeira de Rank em 1949, uma perda e dívidas substanciais, resultou na contração de sua produção cinematográfica. Na prática, a Rank manteve por muitos anos um duopólio do setor com a ABPC (posteriormente absorvida pela EMI).
No momento, a indústria atingiu novos patamares de criatividade nos anos imediatos do pós-guerra. Entre os filmes mais significativos produzidos durante este período estão David Lean's Brief Encounter (1945) e suas adaptações de Dickens Great Expectations (1946) e Oliver Twist (1948), a comédia de Ken Annakin Miranda (1948) estrelada por Glynis Johns, thrillers de Carol Reed Odd Man Out (1947) e The Third Man (1949), e A Matter of Life and Death de Powell e Pressburger (1946), Black Narcissus (1947) e The Red Shoes (1948), o filme de maior sucesso comercial do ano nos Estados Unidos. Hamlet de Laurence Olivier (também 1948), foi o primeiro filme não americano a ganhar o Oscar de Melhor Filme. A Ealing Studios (apoiada financeiramente por Rank) começou a produzir suas comédias mais célebres, com três dos filmes mais lembrados, Whisky Galore (1948), Kind Hearts and Coronets e Passport to Pimlico (ambos de 1949), sendo lançados quase simultaneamente. Seu filme de terror portmanteau Dead of Night (1945) também é particularmente considerado.
De acordo com o Import Duties Act 1932, o HM Treasury cobrou uma tarifa de 75% sobre todas as importações de filmes em 6 de agosto de 1947, que ficou conhecido como Dalton Duty (em homenagem a Hugh Dalton, então chanceler do Tesouro). O imposto entrou em vigor em 8 de agosto, aplicando-se a todos os filmes importados, dos quais a esmagadora maioria veio dos Estados Unidos; As receitas dos estúdios de cinema americanos no Reino Unido ultrapassaram US $ 68 milhões em 1946. No dia seguinte, 9 de agosto, a Motion Picture Association of America anunciou que nenhum outro filme seria fornecido aos cinemas britânicos até novo aviso. O Dalton Duty foi encerrado em 3 de maio de 1948 com os estúdios americanos novamente exportando filmes para o Reino Unido, embora o Plano Marshall proibisse as empresas cinematográficas dos EUA de retirarem divisas das nações em que seus filmes eram exibidos.
Seguindo a Lei de Produção de Filmes Cinematográficos (Empréstimos Especiais) de 1949, a National Film Finance Corporation (NFFC) foi estabelecida como uma agência britânica de financiamento de filmes.
O Eady Levy, em homenagem a Sir Wilfred Eady, era um imposto sobre as receitas de bilheteria no Reino Unido para apoiar a indústria cinematográfica britânica. Foi estabelecido em 1950, entrando em vigor em 1957. Um pagamento direto do governo a produtores baseados na Grã-Bretanha teria se qualificado como um subsídio sob os termos do Acordo Geral sobre Tarifas e Comércio e teria levado a objeções de produtores de filmes americanos. Uma taxa indireta não se qualificava como subsídio e, portanto, era uma maneira adequada de fornecer financiamento adicional para a indústria cinematográfica do Reino Unido, evitando críticas do exterior.
Em 1951, o National Film Theatre foi inicialmente inaugurado em um prédio temporário no Festival of Britain. Ele mudou-se para sua localização atual no South Bank em Londres para o primeiro Festival de Cinema de Londres em 16 de outubro de 1957, dirigido pelo BFI.
Durante a década de 1950, a indústria britânica começou a se concentrar em comédias populares e dramas da Segunda Guerra Mundial voltados mais diretamente para o público doméstico. Os filmes de guerra eram frequentemente baseados em histórias verdadeiras e feitos em um estilo discreto semelhante a seus predecessores do tempo de guerra. Eles ajudaram a transformar atores como John Mills, Jack Hawkins e Kenneth More em estrelas. Alguns dos mais bem sucedidos incluem The Cruel Sea (1953), The Dam Busters (1954), The Colditz Story (1955) e Alcançar o Céu (1956).
A Rank Organization produziu alguns sucessos cômicos, como Genevieve (1953). A equipe de escritores/diretores/produtores dos irmãos gêmeos John e Roy Boulting também produziu uma série de sátiras de sucesso sobre a vida e as instituições britânicas, começando com Private's Progress (1956) e continuando com (entre outros) Brothers in Law (1957), Carlton-Browne of the F.O. (1958) e I'm All Right Jack (1959). Estrelando School for Scoundrels (1960), o British Film Institute considerou Terry-Thomas "excelente como um clássico britânico".
Séries de comédia populares incluíram o "Doutor" série, começando com Doctor in the House (1954). A série originalmente estrelou Dirk Bogarde, provavelmente a estrela mais popular da indústria britânica da década de 1950, embora filmes posteriores tivessem Michael Craig e Leslie Phillips em papéis principais. A série Carry On começou em 1958 com parcelas regulares aparecendo pelos próximos vinte anos. O diretor e produtor italiano Mario Zampi também fez várias comédias negras de sucesso, incluindo Laughter in Paradise (1951), The Naked Truth (1957) e Too Many Bandidos (1958). Ealing Studios continuou sua série de comédias de sucesso, incluindo The Lavender Hill Mob (1951) e The Ladykillers (1955), mas a empresa encerrou a produção em 1958, depois que os estúdios já havia sido comprado pela BBC.
Censura menos restritiva no final da década de 1950 encorajou a produtora de cinema Hammer Films a embarcar em sua série de filmes de terror de sucesso comercial. Começando com as adaptações dos seriados de ficção científica da BBC de Nigel Kneale The Quatermass Experiment (1955) e Quatermass II (1957), Hammer rapidamente evoluiu para The Curse de Frankenstein (1957) e Drácula (1958), ambos enganosamente luxuosos e os primeiros filmes de terror gótico em cores. O estúdio produziu inúmeras sequências e variantes, com os atores ingleses Peter Cushing e Christopher Lee sendo os protagonistas mais regulares. Peeping Tom (1960), hoje conceituado thriller, com elementos de terror, ambientado no período contemporâneo, foi mal recebido pela crítica da época, e efetivamente encerrou a carreira de Michael Powell, seu diretor.
Realismo social
Os cineastas britânicos da Nouvelle Vague tentaram produzir filmes realistas sociais (ver também 'realismo da pia da cozinha') tentaram em longas-metragens comerciais lançados entre 1959 e 1963 para transmitir narrativas sobre um espectro mais amplo de pessoas em Grã-Bretanha do que os filmes anteriores do país haviam feito. Esses indivíduos, principalmente Karel Reisz, Lindsay Anderson e Tony Richardson, também estiveram envolvidos no jornal de curta duração de Oxford Sequence e no "Free Cinema" movimento do cinema documentário. A declaração de 1956 do Free Cinema, o nome foi cunhado por Anderson, afirmava: “Nenhum filme pode ser muito pessoal. A imagem fala. Os sons amplificam e comentam. O tamanho é irrelevante. A perfeição não é um objetivo. Uma atitude significa um estilo. Um estilo significa uma atitude." Anderson, em particular, desprezava a indústria do cinema comercial. Seus documentários incluíam Every Day Except Christmas de Anderson, entre vários patrocinados pela Ford da Grã-Bretanha, e Momma Don't Allow de Richardson. Outro membro desse grupo, John Schlesinger, fez documentários para a série de artes Monitor da BBC.
Juntamente com o futuro co-produtor de James Bond, Harry Saltzman, o dramaturgo John Osborne e Tony Richardson fundaram a empresa Woodfall Films para produzir seus primeiros longas-metragens. Isso incluiu adaptações das produções teatrais de Richardson de Look Back in Anger de Osborne (1959), com Richard Burton, e The Entertainer (1960) com Laurence Olivier, ambos dos roteiros de Osborne. Filmes como Saturday Night and Sunday Morning de Reisz (também 1960), A Taste of Honey de Richardson (1961), Schlesinger's A Kind of Loving (1962) e Billy Liar (1963), e This Sporting Life (1963) de Anderson são frequentemente associados com uma nova abertura sobre a vida da classe trabalhadora ou questões anteriormente tabus.
A equipe de Basil Dearden e Michael Relph, de uma geração anterior, "investiga[va] as questões sociais que agora confrontavam a estabilidade social e o estabelecimento do prometido consenso em tempos de paz". Piscina de Londres (1950). e Sapphire (1959) foram as primeiras tentativas de criar narrativas sobre tensões raciais e uma Grã-Bretanha multicultural emergente. Dearden and Relph's Victim (1961), era sobre a chantagem de homossexuais. Influenciado pelo relatório Wolfenden de quatro anos antes, que defendia a descriminalização da atividade sexual homossexual, este foi "o primeiro filme britânico a tratar explicitamente da homossexualidade". Ao contrário dos cineastas da New Wave, porém, as respostas críticas ao trabalho de Dearden e Relph geralmente não foram positivas.
Anos de 1960
À medida que a década de 1960 avançava, os estúdios americanos voltaram a apoiar financeiramente os filmes britânicos, especialmente aqueles que capitalizaram na "Swinging London" imagem propagada pela revista Time em 1966. Filmes como Darling, The Knack...and How to Get It (ambos de 1965), Alfie e Georgy Girl (ambos de 1966), todos exploraram esse fenômeno. Blowup (também 1966), e mais tarde Women in Love (1969), mostrou pela primeira vez nudez frontal feminina e depois masculina na tela em filmes britânicos convencionais.
Ao mesmo tempo, os produtores de cinema Harry Saltzman e Albert R. Broccoli combinaram sexo com locações exóticas, violência casual e humor autorreferencial na série de sucesso fenomenal de James Bond, com Sean Connery no papel principal. O primeiro filme Dr. No (1962) foi um grande sucesso no Reino Unido e o segundo, From Russia with Love (1963), um sucesso mundial. Na época do terceiro filme, Goldfinger (1964), a série havia se tornado um fenômeno global, atingindo seu pico comercial com Thunderball no ano seguinte. A série' o sucesso levou a um boom de filmes de espionagem com muitas imitações de Bond. O co-produtor de Bond, Saltzman, também instigou uma série rival de filmes de espionagem mais realistas baseados nos romances de Len Deighton. Michael Caine estrelou como o espião de óculos Harry Palmer em The Ipcress File (1965), e duas sequências nos anos seguintes. Outros filmes de espionagem mais pessimistas foram adaptados dos romances de John le Carré, como The Spy Who Came in from the Cold (1965) e The Deadly Affair (1966).
Os diretores americanos trabalharam regularmente em Londres ao longo da década, mas vários se tornaram residentes permanentes no Reino Unido. Na lista negra da América, Joseph Losey teve uma influência significativa no cinema britânico na década de 1960, particularmente com suas colaborações com o dramaturgo Harold Pinter e o protagonista Dirk Bogarde, incluindo The Servant (1963) e Accident (1967). Os exilados voluntários Richard Lester e Stanley Kubrick também estavam ativos no Reino Unido. Lester teve grandes sucessos com os filmes dos Beatles A Hard Day's Night (1964) e The Knack...and How to Get It (1965) e Kubrick com Dra. Strangelove (1963) e 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968). Enquanto Kubrick se estabeleceu em Hertfordshire no início dos anos 1960 e permaneceria na Inglaterra pelo resto de sua carreira, esses dois filmes mantiveram uma forte influência americana. Outros filmes dessa época envolveram cineastas proeminentes de outras partes da Europa, Repulsion (1965) e Blowup (1966) foram os primeiros filmes em inglês do diretor polonês Roman Polanski e o italiano Michelangelo Antonioni, respectivamente.
Filmes históricos tão diversos quanto Lawrence da Arábia (1962), Tom Jones (1963) e A Man for All Seasons (1966) beneficiou do investimento dos estúdios americanos. Grandes filmes como Becket (1964), Khartoum (1966) e The Charge of the Light Brigade (1968) foram montados regularmente, enquanto filmes menores filmes em escala, incluindo Acidente (1967), foram grandes sucessos de crítica. Quatro dos vencedores do Oscar de melhor filme da década foram produções britânicas, incluindo seis Oscars para o filme musical Oliver! (1968), baseado no romance de Charles Dickens Oliver Twist.
Depois de dirigir várias contribuições para a série antológica Wednesday Play da BBC, Ken Loach iniciou sua carreira no cinema com o realista social Poor Cow (1967) e Kes (1969). Enquanto isso, a polêmica em torno de Peter Watkins The War Game (1965), que ganhou o Oscar de Melhor Documentário em 1967, mas foi reprimido pela BBC que o havia encomendado, acabaria levando Watkins a trabalhar exclusivamente fora da Grã-Bretanha.
Década de 1970
Os estúdios americanos reduziram as produções britânicas e, em muitos casos, deixaram de financiá-las. Filmes financiados por interesses americanos ainda estavam sendo feitos, incluindo The Private Life of Sherlock Holmes de Billy Wilder (1970), mas por um tempo os fundos tornaram-se difíceis de obter.
Censura mais relaxada também trouxe vários filmes polêmicos, incluindo Performance de Nicolas Roeg e Donald Cammell, The Devils de Ken Russell (1971), Cães de Palha de Sam Peckinpah (1971) e Laranja Mecânica de Stanley Kubrick (1971), estrelado por Malcolm McDowell como o líder de uma gangue de bandidos em um futuro distópico na Grã-Bretanha.
Outros filmes durante o início dos anos 1970 incluíram o drama eduardiano The Go-Between (1971), que ganhou a Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes, Nicolas Roeg's Venice - set thriller sobrenatural Don't Look Now (1973) e Mike Hodges' drama gangster Get Carter (1971), estrelado por Michael Caine. Alfred Hitchcock voltou à Grã-Bretanha para filmar Frenzy (1972), outras produções como Young Winston de Richard Attenborough (1972) e A Bridge Too Far (1977) obteve sucesso comercial misto. O ciclo de filmes de terror britânico associado à Hammer Film Productions, Amicus e Tigon chegou ao fim, apesar das tentativas de Hammer de apimentar a fórmula com nudez e sangue coagulado. Embora algumas tentativas tenham sido feitas para ampliar o leque de filmes de terror britânicos, como com The Wicker Man (1973), esses filmes tiveram pouco impacto nas bilheterias, Em 1976, British Lion, que produziu The Wicker Man, foram finalmente absorvidos pela divisão de filmes da EMI, que havia assumido a ABPC em 1969. O duopólio na exibição do cinema britânico, via Rank e agora EMI, continuou.
No início dos anos 1970, o governo reduziu o financiamento da National Film Finance Corporation, de modo que a NFFC passou a operar como um consórcio, inclusive com bancos, o que os levou a usar critérios mais comerciais para financiar filmes britânicos, em vez de focar na qualidade ou novos talentos, passando a financiar filmes baseados em programas de TV como Up Pompeii (1971).
Alguns outros produtores britânicos, incluindo Hammer, buscaram inspiração na televisão e em versões para a tela grande de sitcoms populares como On the Buses (1971) e Steptoe and Son (1972) teve sucesso com o público doméstico, o primeiro teve maiores retornos de bilheteria doméstica em seu ano do que o filme de Bond, Diamonds Are Forever e em 1973, um ator britânico estabelecido Roger Moore foi escalado como Bond em, Live and Let Die, foi um sucesso comercial e Moore continuaria no papel pelos próximos 12 anos. As comédias sexuais britânicas de baixo orçamento incluíam a série Confessions of..., estrelada por Robin Askwith, começando com Confessions of a Window Cleaner (1974). Filmes de comédia mais elevados vieram da equipe Monty Python, também da televisão. Seus dois filmes de maior sucesso foram Monty Python and the Holy Grail (1975) e Monty Python's Life of Brian (1979), este último um grande sucesso comercial, provavelmente pelo menos em parte devido à controvérsia na época em torno de seu assunto.
Algumas produções americanas retornaram aos grandes estúdios britânicos em 1977–79, incluindo o original Star Wars (1977) no Elstree Studios, Superman (1978) no Pinewood, e Alien (1979) em Shepperton. Adaptações bem-sucedidas foram feitas na década dos romances de Agatha Christie Assassinato no Expresso do Oriente (1974) e Morte no Nilo (1978). A entrada da ITC, empresa de Lew Grade, na produção de filmes na segunda metade da década trouxe apenas alguns sucessos de bilheteria e um número insustentável de fracassos.
1980
Em 1980, apenas 31 filmes britânicos foram feitos, uma queda de 50% em relação ao ano anterior e o menor número desde 1914, e a produção caiu novamente em 1981 para 24 filmes. A indústria sofreu mais golpes com a queda do público no cinema, que atingiu um recorde de baixa de 54 milhões em 1984, e a eliminação do Eady Levy de 1957, uma concessão fiscal, no mesmo ano. A concessão possibilitou que uma produtora de filmes estrangeira amortizasse grande parte de seus custos de produção filmando no Reino Unido – foi isso que atraiu uma sucessão de produções americanas de grande orçamento para os estúdios britânicos na década de 1970. Esses fatores levaram a mudanças significativas na indústria, com a lucratividade dos filmes britânicos agora "cada vez mais dependente de mercados secundários, como vídeo e televisão, e o Channel 4... [tornou-se] uma parte crucial da equação de financiamento.& #34;
Com a remoção da taxa, os cinemas multiplex foram introduzidos no Reino Unido com a abertura de um cinema de dez telas pela AMC Cinemas no The Point em Milton Keynes em 1985 e o número de telas no Reino Unido aumentou em cerca de 500 ao longo da década, levando a um aumento de atendimentos de quase 100 milhões até o final da década.
A década de 1980 logo viu um otimismo renovado, liderado por pequenas produtoras independentes, como Goldcrest, HandMade Films e Merchant Ivory Productions.
Handmade Films, que era parcialmente propriedade de George Harrison, foi originalmente formada para assumir a produção de Monty Python's Life of Brian, após EMI's Bernard Delfont (Lew O irmão de Grade) havia desistido. A Handmade também comprou e lançou o drama gangster The Long Good Friday (1980), produzido por uma subsidiária da Lew Grade, depois que seus patrocinadores originais se tornaram cautelosos. Os membros da equipe Python estiveram envolvidos em outras comédias durante a década, incluindo os filmes de fantasia de Terry Gilliam Time Bandits (1981) e Brazil (1985), o filme negro comédia Withnail & I (1987) e o sucesso de John Cleese A Fish Called Wanda (1988), enquanto Michael Palin estrelou em A Private Function (1984), do primeiro roteiro de Alan Bennett para a tela do cinema.
O produtor de Goldcrest, David Puttnam, foi descrito como "a coisa mais próxima de um magnata que o cinema britânico teve no último quarto do século 20". Sob Puttnam, surgiu uma geração de diretores britânicos fazendo filmes populares com distribuição internacional. Alguns dos talentos apoiados por Puttnam - Hugh Hudson, Ridley Scott, Alan Parker e Adrian Lyne - gravaram comerciais; O próprio Puttnam havia começado sua carreira na indústria de publicidade. Quando Carruagens de Fogo (1981) de Hudson ganhou 4 Oscars em 1982, incluindo o de Melhor Filme, seu escritor Colin Welland declarou "os britânicos estão chegando!". Quando Gandhi (1982), outro filme de Goldcrest, ganhou o Oscar de Melhor Filme, parecia que ele estava certo.
Isso levou a um ciclo de filmes de época – alguns com um grande orçamento para um filme britânico, como o filme final de David Lean, A Passage to India (1984), ao lado do filme de baixo custo. adaptações orçamentárias de Merchant Ivory das obras de E. M. Forster, como A Room with a View (1986). Mas outras tentativas de fazer 'grande' as produções para o mercado americano terminaram em fracasso, com Goldcrest perdendo sua independência depois que Revolution (1985) e Absolute Beginners (1986) foram fracassos comerciais e de crítica. Outro filme de Goldcrest, A Missão de Roland Joffé (também 1986), ganhou a Palma de Ouro de 1986, mas também não teve lucro. O filme anterior de Joffé, The Killing Fields (1984), foi um sucesso de crítica e financeiro. Esses foram os dois primeiros longas-metragens de Joffé e estavam entre os produzidos por Puttnam.
Principalmente fora do setor comercial, os cineastas dos novos países da Commonwealth começaram a surgir durante a década de 1970. Horace Ové's Pressure (1975) foi financiado pelo British Film Institute, assim como A Private Enterprise (1974), sendo estes os primeiros filmes negros britânicos e asiáticos britânicos. filmes, respectivamente. A década de 1980, no entanto, viu uma onda de novos talentos, com filmes como Franco Rosso's Babylon (1980), Menelik Shabazz's Burning an Illusion (1981) e Ping Pong de Po-Chih Leong (1986; um dos primeiros filmes sobre a comunidade chinesa da Grã-Bretanha). Muitos desses filmes foram assistidos pelo recém-formado Channel 4, que tinha como missão oficial atender a "audiências minoritárias". O sucesso comercial foi alcançado pela primeira vez com My Beautiful Laundrette (1985). Lidando com questões raciais e gays, foi desenvolvido a partir do roteiro do primeiro filme de Hanif Kureishi. My Beautiful Laundrette apresenta Daniel Day-Lewis em um papel principal. Day-Lewis e outros jovens atores britânicos que estavam se tornando estrelas, como Gary Oldman, Colin Firth, Tim Roth e Rupert Everett, foram apelidados de Brit Pack.
Com o envolvimento do Channel 4 na produção de filmes, talentos da televisão passaram para longas-metragens com Stephen Frears (My Beautiful Laundrette) e Mike Newell com Dance with a Stranger (1985). John Boorman, que trabalhava nos Estados Unidos, foi encorajado a voltar ao Reino Unido para fazer Hope and Glory (1987). O Channel Four também se tornou um dos principais patrocinadores do Conselho de Produção do British Film Institute, que apoiou três dos cineastas britânicos mais aclamados pela crítica: Derek Jarman (The Last of England, 1987), Terence Davies (Distant Voices, Still Lives, 1988) e Peter Greenaway; o último dos quais obteve surpreendente sucesso comercial com The Draughtsman's Contract (1982) e The Cook, the Thief, His Wife & Seu Amante (1989). A Palace Pictures, empresa de Stephen Woolley, também produziu alguns filmes de sucesso, incluindo The Company of Wolves (1984) e Mona Lisa (1986), de Neil Jordan. antes de desmaiar em meio a uma série de filmes malsucedidos. Entre os outros filmes britânicos da década estavam Gregory's Girl de Bill Forsyth (1981) e Local Hero (1983), Lewis Gilbert' s Educando Rita (1983), de Peter Yates; The Dresser (1983) e a estreia na direção de Kenneth Branagh, Henry V (1989).
Década de 1990
Em comparação com a década de 1980, o investimento na produção de filmes aumentou dramaticamente. Em 1989, o investimento anual era de escassos £ 104 milhões. Em 1996, esse número havia subido para £ 741 milhões. No entanto, a dependência de financiamento de emissoras de televisão como a BBC e o Channel 4 significava que os orçamentos eram frequentemente baixos e a produção local era muito fragmentada: a indústria cinematográfica dependia principalmente do investimento interno de Hollywood. De acordo com o crítico Neil Watson, esperava-se que os £ 90 milhões distribuídos pela nova Loteria Nacional em três franquias (The Film Consortium, Pathé Pictures e DNA) preenchessem a lacuna, mas "financiamento corporativo e de capital para o A indústria de produção de filmes do Reino Unido continua fraca e a maioria das produtoras que operam no setor permanecem irremediavelmente subcapitalizadas."
Esses problemas foram compensados principalmente pela PolyGram Filmed Entertainment, um estúdio de cinema cuja subsidiária britânica Working Title Films lançou uma comédia com roteiro de Richard Curtis Four Weddings and a Funeral (1994). Ele arrecadou $ 244 milhões em todo o mundo e introduziu Hugh Grant à fama global, levou a um interesse e investimento renovados em filmes britânicos e estabeleceu um padrão para comédias românticas britânicas, incluindo Sliding Doors (1998) e Notting Hill (1999). Outros filmes da Working Titles incluem Bean (1997), Elizabeth (1998) e Captain Corelli's Mandolin (2001). A PFE acabou sendo vendida e fundida com a Universal Pictures em 1999, as esperanças e expectativas de "construir uma empresa com sede na Grã-Bretanha que pudesse competir com Hollywood em seu mercado doméstico [havia] eventualmente desmoronado".
Os incentivos fiscais permitiram que os produtores americanos investissem cada vez mais na produção de filmes baseados no Reino Unido ao longo da década de 1990, incluindo filmes como Entrevista com o Vampiro (1994), Missão: Impossível (1996), O Resgate do Soldado Ryan (1998), Star Wars: Episódio I – A Ameaça Fantasma (1999) e A Múmia (1999). A Miramax também distribuiu o aclamado thriller de Neil Jordan The Crying Game (1992), que foi geralmente ignorado em seu lançamento inicial no Reino Unido, mas foi um sucesso considerável nos Estados Unidos. A mesma empresa também teve algum sucesso lançando o drama de época da BBC Enchanted April (1992) e The Wings of the Dove (1997).
Entre os filmes britânicos de maior sucesso estavam as produções de Merchant Ivory Howards End (1992) e Os Vestígios do Dia (1993), Shadowlands (1993) e as adaptações de Shakespeare de Kenneth Branagh. The Madness of King George (1994) provou que ainda havia um mercado para dramas de fantasia britânicos, e outros filmes de época se seguiram, incluindo Sense and Sensibility (1995), Restauração (1995), Emma (1996), Sra. Brown (1997), Basil (1998), Shakespeare Apaixonado (1998) e Topsy-Turvy (1999).
Depois de um hiato de seis anos por motivos legais, os filmes de James Bond retornaram à produção com o 17º filme de Bond, GoldenEye. Com sua casa tradicional, o Pinewood Studios, totalmente lotado, um novo estúdio foi criado para o filme em uma antiga fábrica de motores aeronáuticos Rolls-Royce em Leavesden, Hertfordshire.
Mike Leigh emergiu como uma figura significativa no cinema britânico na década de 1990, com uma série de filmes financiados pelo Channel 4 sobre o trabalho e a vida da classe média na Inglaterra moderna, incluindo Life Is Sweet (1991), Naked (1993) e seu maior sucesso Secrets & Mentiras (1996), que ganhou a Palma de Ouro em Cannes.
Outros novos talentos que surgiram durante a década incluíram a equipe de roteiristas, diretores e produtores de John Hodge, Danny Boyle e Andrew Macdonald, responsáveis por Shallow Grave (1994) e Trainspotting (1996). O último filme gerou interesse em outros filmes "regionais" produções, incluindo os filmes escoceses Small Faces (1996), Ratcatcher (1999) e My Name Is Joe (1998).
Anos 2000
A primeira década do século 21 foi relativamente bem-sucedida para a indústria cinematográfica britânica. Muitos filmes britânicos encontraram uma ampla audiência internacional devido ao financiamento da BBC Films, Film 4 e UK Film Council, e algumas produtoras independentes, como a Working Title, garantiram financiamento e acordos de distribuição com grandes estúdios americanos. A Working Title conquistou três grandes sucessos internacionais, todos estrelados por Hugh Grant e Colin Firth, com as comédias românticas O Diário de Bridget Jones (2001), que arrecadou US$ 254 milhões em todo o mundo; a sequência Bridget Jones: The Edge of Reason, que arrecadou US$ 228 milhões; e a estreia na direção de Richard Curtis, Love Actually (2003), que arrecadou US$ 239 milhões. O mais bem-sucedido de todos, Mamma Mia! de Phyllida Lloyd (2008), arrecadou US$ 601 milhões.
A nova década viu uma grande nova série de filmes nos filmes de Harry Potter, começando com Harry Potter e a Pedra Filosofal em 2001. A empresa de David Heyman, Heyday Films, produziu sete sequências, com o título final lançado em duas partes – Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 1 em 2010 e Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 em 2011 Todos foram filmados no Leavesden Studios na Inglaterra.
Aardman Animations' Nick Park, criador de Wallace e Gromit e da série Creature Comforts, produziu seu primeiro longa-metragem, A Fuga das Galinhas, em 2000. Codirigido com Peter Lord, o filme foi um grande sucesso mundial e um dos filmes britânicos de maior sucesso do ano. O acompanhamento de Park, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit foi outro sucesso mundial: arrecadou $ 56 milhões nas bilheterias dos Estados Unidos e £ 32 milhões no Reino Unido. Ele também ganhou o Oscar de Melhor Animação em 2005.
.jpg)
No entanto, foi geralmente por meio de recursos financiados internamente ao longo da década que os diretores e filmes britânicos ganharam prêmios nos principais festivais internacionais de cinema. Em 2003, Michael Winterbottom ganhou o Urso de Ouro no Festival de Cinema de Berlim por In This World. Em 2004, Mike Leigh dirigiu Vera Drake, o relato de uma dona de casa que leva uma vida dupla como provedora de abortos na Londres dos anos 1950. O filme ganhou o Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza. Em 2006, Stephen Frears dirigiu A Rainha baseado nos eventos que envolveram a morte da princesa Diana, que ganhou o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Cinema de Veneza e no Oscar e o BAFTA de Melhor Filme. Em 2006, Ken Loach ganhou a Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes com seu relato da luta pela independência da Irlanda em O vento que sacode a cevada. A adaptação de Joe Wright do romance de Ian McEwan Reparação foi indicada a 7 Oscars, incluindo Melhor Filme e ganhou o Globo de Ouro e o BAFTA de Melhor Filme. Slumdog Millionaire foi filmado inteiramente em Mumbai com um elenco majoritariamente indiano, embora com um diretor britânico (Danny Boyle), produtor (Christian Colson), roteirista (Simon Beaufoy) e estrela (Dev Patel)—o filme foi totalmente britânico financiado via Film4 e Celador. Recebeu aclamação da crítica mundial. Ganhou quatro Globos de Ouro, sete prêmios BAFTA e oito prêmios da Academia, incluindo Melhor Diretor e Melhor Filme. O Discurso do Rei, que conta a história das tentativas do rei George VI de superar seu problema de fala, foi dirigido por Tom Hooper e filmado quase inteiramente em Londres. Recebeu quatro Oscars (incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator e Melhor Roteiro) em 2011.
O início do século XXI viu o cinema asiático-britânico afirmar-se nas bilheteiras, começando com East Is East (1999) e continuando com Bend It Like Beckham (2002). Outros notáveis filmes asiáticos britânicos deste período incluem My Son the Fanatic (1997), Ae Fond Kiss... (2004), Mischief Night (2006), Yasmin (2004) e Quatro Leões (2010). Alguns argumentam que isso trouxe atitudes mais flexíveis em relação ao elenco de atores britânicos negros e asiáticos, com Robbie Gee e Naomie Harris assumindo papéis principais em Underworld e 28 Days Later, respectivamente.
2005 viu o surgimento do The British Urban Film Festival, uma adição oportuna ao calendário de festivais de cinema, que reconheceu a influência de filmes urbanos e negros no público do Reino Unido e, consequentemente, começou a mostrar um perfil crescente de filmes em um gênero anteriormente não caso contrário, visto regularmente nos cinemas da capital. Então, em 2006, Kidulthood, um filme que retrata um grupo de adolescentes crescendo nas ruas do oeste de Londres, teve um lançamento limitado. Isso foi seguido com sucesso por uma sequência Adulthood (2008), escrita e dirigida pelo ator Noel Clarke. O sucesso de Kidulthood e Adulthood levou ao lançamento de vários outros filmes nas décadas de 2000 e 2010, como Bullet Boy (2004), Life and Lyrics (2006), The Intent (2016), sua sequência The Intent 2: The Come Up (2018), Blue Story e Rocks (ambos em 2019), todos estrelados por atores negros britânicos.
Como na década de 1960, esta década viu muitos filmes britânicos dirigidos por talentos importados. O americano Woody Allen filmou Match Point (2005) e três filmes posteriores em Londres. O diretor mexicano Alfonso Cuarón dirigiu Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban (2004) e Filhos da Esperança (2006); A cineasta neozelandesa Jane Campion realizou Bright Star (2009), um filme ambientado na Londres do século XIX; O diretor dinamarquês Nicolas Winding Refn realizou Bronson (2008), uma cinebiografia sobre o criminoso inglês Michael Gordon Peterson; o cineasta espanhol Juan Carlos Fresnadillo dirigiu 28 Weeks Later (2007), sequência de um filme de terror britânico; e duas adaptações de John le Carré também foram dirigidas por estrangeiros—O Jardineiro Fiel do brasileiro Fernando Meirelles e Tinker Tailor Soldier Spy do sueco Tomas Alfredson. A década também viu o ator inglês Daniel Craig se tornar o novo James Bond com Casino Royale, a 21ª entrada na série oficial da Eon Productions.
Apesar da crescente concorrência de estúdios de cinema na Austrália e na Europa Oriental, estúdios britânicos como Pinewood, Shepperton e Leavesden continuaram sendo bem-sucedidos em apresentar grandes produções, incluindo Finding Neverland, Closer, Batman Begins, Charlie e a Fábrica de Chocolate, United 93, O Fantasma da Ópera, Sweeney Todd, Fantástico Sr. Raposa, Robin Hood, X-Men: Primeira Classe, Hugo e Cavalo de Guerra.
Em fevereiro de 2007, o Reino Unido se tornou o lar dos primeiros cinemas multiplex totalmente digitais compatíveis com DCI da Europa com o lançamento do Odeon Hatfield e Odeon Surrey Quays (em Londres), com um total de 18 telas digitais.
Em novembro de 2010, a Warner Bros. concluiu a aquisição do Leavesden Film Studios, tornando-se o primeiro estúdio de Hollywood desde a década de 1940 a ter uma base permanente no Reino Unido, e anunciou planos de investir £ 100 milhões no local.
Um estudo do British Film Institute publicado em dezembro de 2013 descobriu que dos 613 filmes britânicos rastreados lançados entre 2003 e 2010, apenas 7% tiveram lucro. Filmes com orçamentos baixos, aqueles que custam menos de £ 500.000 para produzir, eram ainda menos propensos a obter retorno sobre o investimento. Desses filmes, apenas 3,1% foram para o preto. No topo dos orçamentos da indústria britânica, menos de um quinto dos filmes que custaram £ 10 milhões tiveram lucro.
2010
Em 26 de julho de 2010, foi anunciado que o UK Film Council, que era o principal órgão responsável pelo desenvolvimento da promoção do cinema britânico durante os anos 2000, seria abolido, com muitas das funções do órgão abolido sendo assumido pelo British Film Institute. Atores e profissionais, incluindo James McAvoy, Emily Blunt, Pete Postlethwaite, Damian Lewis, Timothy Spall, Daniel Barber e Ian Holm, fizeram campanha contra a abolição do Conselho. A mudança também levou o ator e diretor americano Clint Eastwood (que havia filmado Hereafter em Londres) a escrever ao chanceler britânico do Tesouro George Osborne em agosto de 2010 para protestar contra a decisão de fechar o Conselho. Eastwood alertou Osborne que o fechamento poderia resultar em menos produtoras estrangeiras optando por trabalhar no Reino Unido. Uma campanha on-line de base foi lançada e uma petição estabelecida por apoiadores do Conselho.
Contra isso, alguns profissionais, incluindo Michael Winner e Julian Fellowes, apoiaram a decisão do governo. Várias outras organizações responderam positivamente.
No encerramento do UK Film Council em 31 de março de 2011, The Guardian informou que "O orçamento anual total do UKFC era de £ 3 milhões, enquanto o custo de Estima-se que o fechamento e a reestruturação tenham sido quase quatro vezes esse valor." Estima-se que um dos últimos filmes do UKFC, O Discurso do Rei, custou US$ 15 milhões e arrecadou US$ 235 milhões, além de ganhar vários Oscars. O UKFC investiu US$ 1,6 milhão para uma participação de 34% nos lucros líquidos, uma participação valiosa que passará para o British Film Institute.
Em junho de 2012, a Warner abriu o reconstruído estúdio Leavesden para negócios. Os diretores britânicos de maior sucesso comercial nos últimos anos são Paul Greengrass, Mike Newell, Christopher Nolan, Ridley Scott e David Yates.
Em janeiro de 2012, no Pinewood Studios para visitar empresas relacionadas ao cinema, o primeiro-ministro do Reino Unido, David Cameron, disse que seu governo tinha ambições ousadas para a indústria cinematográfica: "Nosso papel, e o do BFI, deve ser o de apoiar o setor a se tornar ainda mais dinâmico e empreendedor, ajudando os produtores do Reino Unido a fazer filmes de sucesso comercial que rivalizam com a qualidade e o impacto das melhores produções internacionais. Assim como a British Film Commission desempenhou um papel crucial em atrair os maiores e melhores estúdios internacionais para produzir seus filmes aqui, também devemos incentivar os produtores do Reino Unido a buscar novos mercados aqui e no exterior."
A indústria cinematográfica continua sendo uma importante fonte de renda para a economia britânica. De acordo com um comunicado de imprensa do UK Film Council de 20 de janeiro de 2011, £ 1,115 bilhão foram gastos na produção de filmes no Reino Unido durante 2010. Uma pesquisa de 2014 sugeriu que os filmes feitos na Grã-Bretanha eram geralmente mais bem avaliados do que as produções de Hollywood, especialmente quando se considera o Reino Unido de baixo orçamento. produções.
2020
Em novembro de 2022, o diretor Danny Boyle expressou um sentimento negativo sobre a indústria cinematográfica britânica nos últimos anos, afirmando que "não tenho certeza se somos grandes cineastas, para ser absolutamente honesto. Como nação, nossas duas formas de arte são o teatro, no sentido da classe média, e a música pop, porque somos extraordinários nisso”.
Cinema de arte
Embora tenha financiado filmes experimentais britânicos já em 1952, a fundação de um conselho de produção do British Film Institute em 1964 - e um aumento substancial no financiamento público de 1971 em diante - permitiu que ele se tornasse uma força dominante no desenvolvimento do cinema de arte britânico nas décadas de 1970 e 80: desde o primeiro da trilogia de Bill Douglas My Childhood (1972), e de Terence Davies'; Trilogy Infância (1978), através dos primeiros filmes de Peter Greenaway (incluindo o surpreendente sucesso comercial de The Draughtsman's Contract (1982)) e Derek Jarman& #39;s defensor do Novo Cinema Queer. O primeiro longa-metragem produzido sob o novo esquema do BFI foi Winstanley (1975) de Kevin Brownlow e Andrew Mollo, enquanto outros incluíram Moon Over the Alley i> (1975), Requiem for a Village (1975), o abertamente vanguardista Central Bazaar (1973), Pressure (1975) e A Private Enterprise (1974) – os dois últimos sendo, respectivamente, os primeiros longas britânicos negros e asiáticos.
O lançamento de Jubileu de Derek Jarman (1978) marcou o início de um período de sucesso do cinema de arte do Reino Unido, continuando na década de 1980 com cineastas como Sally Potter. Ao contrário da geração anterior de cineastas britânicos que começaram a dirigir e produzir após carreiras no teatro ou na televisão, os Diretores de Cinema de Arte eram em sua maioria produtos de Escolas de Arte. Muitos desses cineastas foram defendidos no início de suas carreiras pela London Film Makers Cooperative e seu trabalho foi objeto de análise teórica detalhada na revista Screen Education. Peter Greenaway foi um dos pioneiros no uso de imagens geradas por computador combinadas com imagens filmadas e também foi um dos primeiros diretores a filmar inteiramente em vídeo de alta definição para um lançamento no cinema.
Com o lançamento do Channel 4 e da sua vertente de comissionamento Film on Four, o Art Cinema foi promovido a um público mais alargado. No entanto, o Canal teve uma mudança acentuada em sua política de comissionamento no início dos anos 1990 e Greenaway e outros foram forçados a buscar financiamento europeu de coprodução.
Tecnologia de filme
Nas décadas de 1970 e 1980, os estúdios britânicos estabeleceram uma reputação de ótimos efeitos especiais em filmes como Superman (1978), Alien (1979) e Batman (1989). Parte dessa reputação foi fundada no núcleo de talentos reunido para as filmagens de 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968), que posteriormente trabalharam juntos em séries e longas-metragens para Gerry Anderson. Graças à Aardman Animations, com sede em Bristol, o Reino Unido ainda é reconhecido como líder mundial no uso de animação stop-motion.
Técnicos de efeitos especiais e designers de produção britânicos são conhecidos por criar efeitos visuais a um custo muito menor do que seus equivalentes nos Estados Unidos, como visto em Time Bandits (1981) e Brasil (1985). Essa reputação continuou na década de 1990 e no século 21 com filmes como a série James Bond, Gladiador (2000) e a franquia Harry Potter.
Desde a década de 1990 até os dias atuais, houve um movimento progressivo da ótica do filme tradicional para um ambiente de filme digital integrado, com efeitos especiais, corte, gradação de cores e outras tarefas de pós-produção, todos compartilhando o mesmo ambiente totalmente digital a infraestrutura. A empresa de efeitos visuais Framestore, com sede em Londres, com Tim Webber como supervisor de efeitos visuais, trabalhou em alguns dos projetos mais desafiadores técnica e artisticamente, incluindo O Cavaleiro das Trevas (2008) e Gravity (2013), com novas técnicas envolvidas em Gravity realizadas por Webber e a equipe da Framestore levando três anos para serem concluídas.
A disponibilidade de internet de alta velocidade tornou a indústria cinematográfica britânica capaz de trabalhar em estreita colaboração com os estúdios dos EUA como parte de produções distribuídas globalmente. A partir de 2005, espera-se que essa tendência continue com movimentos em direção à distribuição e projeção digital (atualmente experimental) como tecnologias convencionais. O filme britânico This Is Not a Love Song (2003) foi o primeiro a ser transmitido ao vivo pela Internet ao mesmo tempo que sua estreia no cinema.
Contenido relacionado
Festival Eurovisão da Canção
Cinema hindi
King Kong contra Godzilla
Doonesbury
Cinema da Itália