Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich por Christian Gottlieb Kuhn 1807, Albertinum, Dresden

Wanderer acima do Mar de Fog (1818). 94.8 × 74.8 cm, Kunsthalle Hamburg. Esta obra-prima bem conhecida e especialmente romântica foi descrita pelo historiador John Lewis Gaddis como deixando uma impressão contraditória, "suggesting ao mesmo tempo mastery sobre uma paisagem e a insignificância do indivíduo dentro dele. Não vemos nenhum rosto, então é impossível saber se a perspectiva que o jovem enfrenta é emocionante, ou aterrorizante, ou ambos."

Caspar David Friedrich (5 de setembro de 1774 - 7 de maio de 1840) foi um pintor de paisagens romântico alemão do século XIX, geralmente considerado o artista alemão mais importante de sua geração. Ele é mais conhecido por suas paisagens alegóricas de meados do período, que normalmente apresentam figuras contemplativas em silhueta contra o céu noturno, névoas matinais, árvores estéreis ou ruínas góticas. Seu principal interesse era a contemplação da natureza, e seu trabalho muitas vezes simbólico e anti-clássico busca transmitir uma resposta subjetiva e emocional ao mundo natural. As pinturas de Friedrich colocam caracteristicamente uma presença humana em perspectiva diminuída em meio a paisagens expansivas, reduzindo as figuras a uma escala que, segundo o historiador da arte Christopher John Murray, direciona "o olhar do espectador para sua metafísica". dimensão".

Friedrich nasceu na cidade de Greifswald, no Mar Báltico, no que era na época a Pomerânia sueca. Ele estudou em Copenhague até 1798, antes de se estabelecer em Dresden. Ele atingiu a maioridade durante um período em que, em toda a Europa, uma crescente desilusão com a sociedade materialista estava dando origem a uma nova apreciação da espiritualidade. Essa mudança de ideais foi muitas vezes expressa por meio de uma reavaliação do mundo natural, pois artistas como Friedrich, J. M. W. Turner e John Constable buscaram retratar a natureza como uma "criação divina, a ser confrontada com o artifício da civilização humana".;.

O trabalho de Friedrich trouxe-lhe renome no início de sua carreira, e contemporâneos como o escultor francês David d'Angers falavam dele como um homem que havia descoberto "a tragédia da paisagem". No entanto, seu trabalho caiu em desgraça durante seus últimos anos e ele morreu na obscuridade. À medida que a Alemanha caminhava para a modernização no final do século 19, um novo senso de urgência caracterizou sua arte, e as representações contemplativas da quietude de Friedrich passaram a ser vistas como produtos de uma época passada. O início do século 20 trouxe uma apreciação renovada de seu trabalho, começando em 1906 com uma exposição de trinta e duas de suas pinturas em Berlim. Na década de 1920, suas pinturas foram descobertas pelos expressionistas e, na década de 1930 e no início da década de 1940, os surrealistas e existencialistas frequentemente tiravam ideias de seu trabalho. A ascensão do nazismo no início dos anos 1930 viu novamente um ressurgimento da popularidade de Friedrich, mas isso foi seguido por um declínio acentuado, pois suas pinturas foram, por associação com o movimento nazista, interpretadas como tendo um aspecto nacionalista. Não foi até o final dos anos 1970 que Friedrich recuperou sua reputação como um ícone do movimento romântico alemão e um pintor de importância internacional.

Vida

Primeiros anos e família

Paisagem com pavilhão (1797). Este trabalho inicial mostra temas típicos - paisagem ragged, portão fechado, construção de propósito incerto.

Caspar David Friedrich nasceu a 5 de setembro de 1774, em Greifswald, na Pomerânia sueca, na costa báltica da Alemanha. O sexto de dez filhos, ele foi criado no estrito credo luterano de seu pai Adolf Gottlieb Friedrich, fabricante de velas e caldeira de sabão. Os registros das circunstâncias financeiras da família são contraditórios; enquanto algumas fontes indicam que as crianças tiveram aulas particulares, outras registram que foram criadas em relativa pobreza. Ele se familiarizou com a morte desde tenra idade. Sua mãe, Sophie, morreu em 1781 quando ele tinha sete anos. Um ano depois, sua irmã Elisabeth morreu, e uma segunda irmã, Maria, sucumbiu ao tifo em 1791. Sem dúvida, a maior tragédia de sua infância aconteceu em 1787, quando seu irmão Johann Christoffer morreu: aos treze anos, Caspar David testemunhou sua filha mais nova irmão cai no gelo de um lago congelado e se afoga. Alguns relatos sugerem que Johann Christoffer morreu ao tentar resgatar Caspar David, que também estava em perigo no gelo.

Auto-retrato (1800) é um desenho de giz do artista em 26, concluído enquanto estudava na Academia Real de Copenhaga. Museu Real de Belas Artes, Copenhaga

Friedrich começou seu estudo formal de arte em 1790 como aluno particular do artista Johann Gottfried Quistorp na Universidade de Greifswald em sua cidade natal, onde o departamento de arte agora se chama Caspar-David-Friedrich-Institut em sua homenagem. Quistorp levou seus alunos em excursões de desenho ao ar livre; como resultado, Friedrich foi encorajado a esboçar a partir da vida desde tenra idade. Através de Quistorp, Friedrich conheceu e foi posteriormente influenciado pelo teólogo Ludwig Gotthard Kosegarten, que ensinava que a natureza era uma revelação de Deus. Quistorp introduziu Friedrich ao trabalho do artista alemão do século XVII Adam Elsheimer, cujas obras frequentemente incluíam temas religiosos dominados pela paisagem e temas noturnos. Nesse período também estudou literatura e estética com o professor sueco Thomas Thorild. Quatro anos depois, Friedrich ingressou na prestigiada Academia de Copenhague, onde começou sua educação fazendo cópias de moldes de esculturas antigas antes de começar a desenhar ao vivo. Morar em Copenhague proporcionou ao jovem pintor acesso à coleção da Royal Picture Gallery de pintura de paisagem holandesa do século XVII. Na Academia estudou com professores como Christian August Lorentzen e o paisagista Jens Juel. Esses artistas foram inspirados pelo movimento Sturm und Drang e representaram um ponto intermediário entre a intensidade dramática e a maneira expressiva da nascente estética romântica e o declínio do ideal neoclássico. O humor era primordial, e a influência vinha de fontes como a lenda islandesa de Edda, os poemas da mitologia nórdica e ossiana.

Mudar para Dresden

Friedrich estabeleceu-se permanentemente em Dresden em 1798. Durante este período inicial, ele experimentou a gravura com gravuras e desenhos para xilogravuras que seu irmão fabricante de móveis cortou. Em 1804, ele havia produzido 18 gravuras e quatro xilogravuras; aparentemente foram feitos em pequenas quantidades e distribuídos apenas para amigos. Apesar dessas incursões em outras mídias, ele gravitou para trabalhar principalmente com tinta, aquarela e sépias. Com exceção de algumas peças iniciais, como Paisagem com Templo em Ruínas (1797), ele não trabalhou extensivamente com óleos até que sua reputação estivesse mais estabelecida. As paisagens eram o seu tema preferido, inspirado pelas frequentes viagens, a partir de 1801, à costa do Báltico, à Boémia, ao Krkonoše e às montanhas Harz. Principalmente baseadas nas paisagens do norte da Alemanha, suas pinturas retratam bosques, colinas, portos, névoas matinais e outros efeitos de luz baseados em uma observação atenta da natureza. Essas obras foram modeladas a partir de esboços e estudos de pontos cênicos, como as falésias de Rügen, os arredores de Dresden e o rio Elba. Ele executou seus estudos quase exclusivamente a lápis, mesmo fornecendo informações topográficas, mas os sutis efeitos atmosféricos característicos das pinturas do período intermediário de Friedrich foram reproduzidos de memória. Esses efeitos obtiveram força da representação da luz e da iluminação do sol e da lua nas nuvens e na água: fenômenos ópticos peculiares à costa do Báltico que nunca haviam sido pintados com tanta ênfase.

Cruz nas montanhas (Tetschen Altar) (1808). 115 × 110.5 cm. Galerie Neue Meister, Dresden. O primeiro grande trabalho de Friedrich, a peça quebra com a representação tradicional da crucificação em retábulos, descrevendo a cena como uma paisagem.

A sua reputação como artista foi estabelecida quando ganhou um prémio em 1805 no concurso de Weimar organizado por Johann Wolfgang von Goethe. Na época, a competição de Weimar tendia a atrair artistas medíocres e agora esquecidos, apresentando misturas derivadas de estilos neoclássico e pseudo-grego. A má qualidade das inscrições começou a prejudicar a reputação de Goethe, então, quando Friedrich inscreveu dois desenhos em sépia - Procissão ao amanhecer e Pescadores à beira-mar - o poeta respondeu com entusiasmo e escreveu: "Devemos elogiar a desenvoltura do artista nesta imagem com justiça". O desenho está bem feito, o cortejo é engenhoso e adequado... seu tratamento combina muita firmeza, diligência e asseio... a engenhosa aquarela... também merece elogios."

Friedrich completou a primeira de suas principais pinturas em 1808, aos 34 anos. Cruz nas Montanhas, hoje conhecido como Altar de Tetschen, é um painel retábulo disse ter sido encomendado para uma capela familiar em Tetschen, Bohemia. O painel representa uma cruz de perfil no topo de uma montanha, sozinha e rodeada de pinheiros. De forma controversa, pela primeira vez na arte cristã, um retábulo exibia uma paisagem. De acordo com a historiadora de arte Linda Siegel, o design de Friedrich foi o "clímax lógico de muitos desenhos anteriores dele, que representavam uma cruz no mundo da natureza".

Embora o retábulo tenha sido geralmente recebido com frieza, foi a primeira pintura de Friedrich a receber ampla publicidade. Os amigos do artista defenderam publicamente a obra, enquanto o crítico de arte Basilius von Ramdohr publicou um longo artigo desafiando o uso da paisagem por Friedrich em um contexto religioso. Ele rejeitou a ideia de que a pintura de paisagem pudesse transmitir um significado explícito, escrevendo que seria "uma verdadeira presunção, se a pintura de paisagem se esgueirasse para dentro da igreja e subisse ao altar". Friedrich respondeu com um programa descrevendo suas intenções em 1809, comparando os raios do sol da tarde com a luz do Santo Padre. Esta declaração marcou a única vez que Friedrich registrou uma interpretação detalhada de seu próprio trabalho, e a pintura estava entre as poucas encomendas que o artista já recebeu.

Paisagem rochosa nas montanhas de arenito Elbe (entre 1822 e 1823)

Após a compra de duas de suas pinturas pelo príncipe herdeiro da Prússia, Friedrich foi eleito membro da Academia de Berlim em 1810. No entanto, em 1816, ele procurou se distanciar da autoridade prussiana e solicitou em junho a cidadania saxônica. A mudança não era esperada; o governo saxão era pró-francês, enquanto as pinturas de Friedrich eram vistas como geralmente patrióticas e distintamente anti-francesas. No entanto, com a ajuda de seu amigo de Dresden, Graf Vitzthum von Eckstädt, Friedrich obteve a cidadania e, em 1818, tornou-se membro da Academia Saxônica com um dividendo anual de 150 táleres. Embora ele esperasse receber um cargo de professor titular, nunca foi concedido a ele, pois, de acordo com a Biblioteca Alemã de Informações, "sentiu-se que sua pintura era muito pessoal, seu ponto de vista muito individual para servir como uma contribuição frutífera". exemplo para os alunos." A política também pode ter desempenhado um papel na paralisação de sua carreira: os súditos decididamente germânicos e o figurino de Friedrich frequentemente entravam em conflito com as atitudes pró-francesas predominantes na época.

Casamento

Chalk Cliffs em Rügen (1818). 90.5 × 71 cm. Museu Oskar Reinhart am Stadtgarten, Winterthur, Suíça. Friedrich casou-se com Christiane Caroline Bommer em 1818, e em sua lua de mel eles visitaram parentes em Neubrandenburg e Greifswald. Esta pintura celebra a união do casal.

Em 21 de janeiro de 1818, Friedrich casou-se com Caroline Bommer, a filha de 25 anos de um tintureiro de Dresden. O casal teve três filhos, com o primeiro, Emma, chegando em 1820. O fisiologista e pintor Carl Gustav Carus observa em seus ensaios biográficos que o casamento não teve um impacto significativo na vida ou na personalidade de Friedrich, mas suas telas desse período, incluindo Penhascos de giz em Rügen—pintado após sua lua de mel—exibe uma nova sensação de leveza, enquanto sua paleta é mais brilhante e menos austera. As figuras humanas aparecem com frequência cada vez maior nas pinturas desse período, o que Siegel interpreta como um reflexo de que "a importância da vida humana, principalmente de sua família, ocupa cada vez mais seus pensamentos, e seus amigos, sua esposa e seus habitantes da cidade aparecem como temas frequentes em sua arte."

Nessa época, ele encontrou apoio de duas fontes na Rússia. Em 1820, o grão-duque Nikolai Pavlovich, a pedido de sua esposa Alexandra Feodorovna, visitou o estúdio de Friedrich e voltou a São Petersburgo com várias de suas pinturas, uma troca que deu início a um patrocínio que continuou por muitos anos. Não muito tempo depois, o poeta Vasily Zhukovsky, tutor do filho do grão-duque (mais tarde czar Alexandre II), conheceu Friedrich em 1821 e encontrou nele uma alma gêmea. Durante décadas, Zhukovsky ajudou Friedrich comprando ele mesmo seu trabalho e recomendando sua arte à família real; sua assistência no final da carreira de Friedrich foi inestimável para o artista doente e empobrecido. Zhukovsky observou que as pinturas de seu amigo "nos agradam por sua precisão, cada uma delas despertando uma memória em nossa mente".

Friedrich conheceu Philipp Otto Runge, outro importante pintor alemão do período romântico. Ele também era amigo de Georg Friedrich Kersting e o pintou trabalhando em seu estúdio sem adornos, e do pintor norueguês Johan Christian Clausen Dahl (1788–1857). Dahl era próximo de Friedrich durante os últimos anos do artista e expressou consternação com o fato de que, para o público comprador de arte, as pinturas de Friedrich eram apenas "curiosidades". Enquanto o poeta Zhukovsky apreciava os temas psicológicos de Friedrich, Dahl elogiava a qualidade descritiva das paisagens de Friedrich, comentando que "artistas e conhecedores viam na arte de Friedrich apenas uma espécie de místico, porque eles mesmos estavam apenas procurando o místico... Eles não viam o estudo fiel e consciencioso da natureza de Friedrich em tudo o que ele representava.

Durante este período, Friedrich freqüentemente esboçava monumentos memoriais e esculturas para mausoléus, refletindo sua obsessão com a morte e a vida após a morte; ele até criou designs para algumas das artes funerárias nos cemitérios de Dresden. Algumas dessas obras foram perdidas no incêndio que destruiu o Palácio de Vidro de Munique (1931) e mais tarde no bombardeio de Dresden em 1945.

Vida e morte posteriores

Georg Friedrich Kersting, Caspar David Friedrich em seu estúdio (1819), Alte Nationalgalerie, Berlim. Kersting retrata um velho Friedrich segurando um maulstick em sua tela.

Grave de Caspar David Friedrich, Trinitatis-Friedhof, Dresden

A reputação de Friedrich declinou constantemente nos últimos quinze anos de sua vida. À medida que os ideais do romantismo inicial passaram de moda, ele passou a ser visto como um personagem excêntrico e melancólico, fora de sintonia com os tempos. Gradualmente, seus patronos foram embora. Em 1820, ele vivia recluso e foi descrito por amigos como o "mais solitário dos solitários". Perto do fim de sua vida, ele viveu em relativa pobreza. Ele ficou isolado e passou longos períodos do dia e da noite caminhando sozinho por florestas e campos, muitas vezes iniciando seus passeios antes do nascer do sol.

Em junho de 1835, Friedrich sofreu seu primeiro derrame, que o deixou com uma pequena paralisia dos membros e reduziu muito sua capacidade de pintar. Como resultado, ele não conseguiu trabalhar com petróleo; em vez disso, ele se limitou a aquarela, sépia e retrabalho de composições mais antigas.

Embora sua visão permanecesse forte, ele havia perdido toda a força de sua mão. No entanto, ele foi capaz de produzir uma "pintura negra" final, Seashore by Moonlight (1835-36), descrita por Vaughan como a "mais escura de todas as suas linhas costeiras, em cuja riqueza de tonalidade compensa a falta de sua antiga finesse".

Símbolos da morte apareceram em suas outras obras desse período. Logo após seu derrame, a família real russa comprou várias de suas obras anteriores, e os lucros permitiram que ele viajasse para Teplitz - na atual República Tcheca - para se recuperar.

Em meados da década de 1830, Friedrich começou uma série de retratos e voltou a se observar na natureza. Como observou o historiador da arte William Vaughan, no entanto, “Ele pode ver a si mesmo como um homem muito mudado. Ele não é mais a figura ereta e solidária que apareceu em Dois homens contemplando a lua em 1819. Ele é velho e rígido... ele se move com uma curvatura.

Em 1838, ele era capaz apenas de trabalhar em um pequeno formato. Ele e sua família viviam na pobreza e dependiam cada vez mais da caridade de amigos para se sustentar.

Friedrich: Entrada de cemitério. Galerie Neue Meister, Dresden

Friedrich morreu em Dresden em 7 de maio de 1840 e foi enterrado no Trinitatis-Friedhof de Dresden (Trinity Cemetery), a leste do centro da cidade (a entrada para a qual ele havia pintado cerca de 15 anos antes). A lápide plana simples fica a noroeste do círculo central dentro da avenida principal.

Na época de sua morte, sua reputação e fama estavam diminuindo, e seu falecimento foi pouco notado na comunidade artística. Sua obra de arte certamente foi reconhecida durante sua vida, mas não amplamente. Embora o estudo minucioso da paisagem e a ênfase nos elementos espirituais da natureza fossem comuns na arte contemporânea, seu trabalho era muito original e pessoal para ser bem compreendido. Em 1838, seu trabalho não vendia mais ou recebia atenção da crítica; o movimento romântico estava se afastando do idealismo inicial que o artista ajudou a fundar.

Após sua morte, Carl Gustav Carus escreveu uma série de artigos que prestavam homenagem à transformação de Friedrich nas convenções da pintura de paisagem. No entanto, Carus' os artigos colocaram Friedrich firmemente em seu tempo e não colocaram o artista dentro de uma tradição contínua. Apenas uma de suas pinturas foi reproduzida como impressão, e foi produzida em poucas cópias.

Temas

A paisagem e o sublime

O que os artistas paisagísticos mais recentes vêem em um círculo de cem graus na natureza eles se juntam incrivelmente em um ângulo de visão de apenas quarenta e cinco graus. Além disso, o que está na Natureza separado por grandes espaços, é comprimido em um espaço apertado e supera e supera o olho, criando um efeito desfavorável e inquietante no espectador.

—Caspar David Friedrich

A visualização e representação da paisagem de uma maneira totalmente nova foi a principal inovação de Friedrich. Ele procurou não apenas explorar o gozo feliz de uma bela vista, como na concepção clássica, mas também examinar um instante de sublimidade, uma reunião com o eu espiritual através da contemplação da natureza. Friedrich foi fundamental para transformar a paisagem em arte de um pano de fundo subordinado ao drama humano para um assunto emotivo autocontido. As pinturas de Friedrich geralmente empregavam o Rückenfigur - uma pessoa vista por trás, contemplando a vista. O espectador é encorajado a se colocar na posição do Rückenfigur, por meio do qual ele experimenta o potencial sublime da natureza, entendendo que a cena é percebida e idealizada por um humano. Friedrich criou a noção de uma paisagem cheia de sentimento romântico - die romantische Stimmungslandschaft. Sua arte detalha uma ampla gama de características geográficas, como costas rochosas, florestas e cenas montanhosas. Ele costumava usar a paisagem para expressar temas religiosos. Durante seu tempo, a maioria das pinturas mais conhecidas eram vistas como expressões de um misticismo religioso.

A Abadia em Oakwood (1808-1810). 110.4 × 171 cm. Alte Nationalgalerie, Berlim. Albert Boime escreve, "Como uma cena de um filme de terror, traz a suportar sobre o assunto todos os clichês góticos do final do século XVIII e início do século XIX".

Friedrich disse: "O artista deve pintar não apenas o que vê diante de si, mas também o que vê dentro de si. Se, no entanto, ele não vê nada dentro dele, então ele também deve abster-se de pintar o que vê diante dele. Caso contrário, seus quadros serão como aqueles biombos atrás dos quais se espera encontrar apenas doentes ou mortos”. Céus expansivos, tempestades, neblina, florestas, ruínas e cruzes que testemunham a presença de Deus são elementos frequentes nas paisagens de Friedrich. Embora a morte encontre expressão simbólica em barcos que se afastam da costa - um motivo semelhante a Caronte - e no álamo, ela é referenciada mais diretamente em pinturas como A abadia no bosque de carvalho (1808–10), em que monges carregam um caixão passando por uma sepultura aberta, em direção a uma cruz e pelo portal de uma igreja em ruínas.

Ele foi um dos primeiros artistas a retratar paisagens de inverno em que a terra é representada como dura e morta. As cenas de inverno de Friedrich são solenes e silenciosas - de acordo com o historiador de arte Hermann Beenken, Friedrich pintou cenas de inverno nas quais "nenhum homem ainda pisou". O tema de quase todas as fotos de inverno mais antigas era menos o inverno em si do que a vida no inverno. Nos séculos 16 e 17, pensava-se que era impossível deixar de lado motivos como a multidão de patinadores, o andarilho... Foi Friedrich quem primeiro sentiu as características totalmente separadas e distintas de uma vida natural. Em vez de muitos tons, ele procurou um; e assim, em sua paisagem, ele subordinou o acorde composto em uma única nota básica".

O Mar do Gelo (1823–24), Kunsthalle Hamburg. Esta cena foi descrita como "uma composição deslumbrante de formas próximas e distantes em uma imagem Ártica".

Carvalhos nus e tocos de árvores, como os de Raven Tree (c. 1822), Homem e mulher contemplando a lua (c. 1824) e < i>Willow Bush sob um sol poente (c. 1835), são elementos recorrentes das pinturas de Friedrich, simbolizando a morte. Contrariando a sensação de desespero estão os símbolos de redenção de Friedrich: a cruz e o céu claro prometem a vida eterna, e a lua esbelta sugere esperança e a crescente proximidade de Cristo. Em suas pinturas do mar, muitas vezes aparecem âncoras na praia, indicando também uma esperança espiritual. A estudiosa da literatura alemã Alice Kuzniar encontra na pintura de Friedrich uma temporalidade - uma evocação da passagem do tempo - que raramente é destacada nas artes visuais. Por exemplo, em The Abbey in the Oakwood, o movimento dos monges para longe da sepultura aberta e em direção à cruz e ao horizonte transmite a mensagem de Friedrich de que o destino final do homem é a morte. s vida está além do túmulo.

Homem e mulher tentando a lua (c. 1824). 34 × 44 cm. Alte Nationalgalerie, Berlim. Um casal olha ansiosamente para a natureza. Vestida em roupas "Old German", de acordo com Robert Hughes eles são "scarcely diferente em Tom ou modelagem dos dramas profundos da natureza ao seu redor".

Com o amanhecer e o crepúsculo constituindo temas proeminentes de suas paisagens, os últimos anos de Friedrich foram caracterizados por um crescente pessimismo. A sua obra torna-se mais sombria, revelando uma monumentalidade assustadora. O Naufrágio da Esperança—também conhecido como O Mar Polar ou O Mar de Gelo (1823–24)—talvez seja o melhor resumo de Friedrich's idéias e objetivos neste ponto, embora de forma tão radical que a pintura não foi bem recebida. Concluído em 1824, retratava um assunto sombrio, um naufrágio no Oceano Ártico; “A imagem que ele produziu, com suas lajes de gelo maciço cor de travertino mastigando um navio de madeira, vai além do documentário para a alegoria: a frágil casca da aspiração humana esmagada pela imensa e glacial indiferença do mundo. "

O comentário escrito de Friedrich sobre estética foi limitado a uma coleção de aforismos estabelecidos em 1830, nos quais ele explicava a necessidade de o artista combinar a observação natural com um escrutínio introspectivo de sua própria personalidade. Sua observação mais conhecida aconselha o artista a "fechar o olho corporal para que você possa ver sua imagem primeiro com o olho espiritual". Em seguida, traga à luz do dia aquilo que você viu na escuridão, para que possa afetar os outros de fora para dentro." Ele rejeitou os retratos exagerados da natureza em sua "totalidade", como encontrados na obra de pintores contemporâneos como Adrian Ludwig Richter (1803-1884) e Joseph Anton Koch (1768-1839).

Solidão e morte

Caspar David Friedrich, óleo sobre tela, por Carl Johann Baehr, 1836, New Masters Gallery, Dresden

A vida e a arte de Friedrich às vezes foram percebidas por alguns como marcadas por uma sensação avassaladora de solidão. Historiadores da arte e alguns de seus contemporâneos atribuem tais interpretações às perdas sofridas durante sua juventude e à perspectiva sombria de sua idade adulta, enquanto a aparência pálida e retraída de Friedrich ajudou a reforçar a noção popular do "homem taciturno do Norte".

Friedrich sofreu episódios depressivos em 1799, 1803–1805, c.1813, em 1816 e entre 1824 e 1826. Há mudanças temáticas perceptíveis nas obras que ele produziu durante esses episódios, que veem o surgimento de motivos e símbolos como abutres, corujas, cemitérios e ruínas. A partir de 1826, esses motivos tornaram-se uma característica permanente de sua produção, enquanto o uso de cores tornou-se mais escuro e suave. Carus escreveu em 1929 que Friedrich "está cercado por uma espessa e sombria nuvem de incerteza espiritual", embora o notável historiador de arte e curador Hubertus Gassner discorde de tais noções, vendo no trabalho de Friedrich um aspecto positivo e subtexto de afirmação da vida inspirado na Maçonaria e na religião.

Folclore germânico

Refletindo o patriotismo e o ressentimento de Friedrich durante a ocupação francesa do domínio da Pomerânia em 1813, motivos do folclore alemão tornaram-se cada vez mais proeminentes em seu trabalho. Um nacionalista alemão anti-francês, Friedrich usou motivos de sua paisagem nativa para celebrar a cultura germânica, costumes e mitologia. Ele ficou impressionado com a poesia anti-napoleônica de Ernst Moritz Arndt e Theodor Körner, e a literatura patriótica de Adam Müller e Heinrich von Kleist. Comovido pela morte de três amigos mortos na batalha contra a França, bem como pelo drama de Kleist de 1808 Die Hermannsschlacht, Friedrich realizou uma série de pinturas nas quais pretendia transmitir símbolos políticos apenas por meio da paisagem - uma novidade na história da arte.

Em Velhos Heróis' Graves (1812), um monumento em ruínas com a inscrição "Arminius" invoca o cacique germânico, símbolo do nacionalismo, enquanto os quatro túmulos dos heróis caídos estão entreabertos, libertando seus espíritos para a eternidade. Dois soldados franceses aparecem como pequenas figuras diante de uma caverna, mais abaixo e no fundo de uma gruta cercada por rocha, como se estivessem mais longe do céu. Uma segunda pintura política, Floresta de abetos com o dragão francês e o corvo (c. 1813), retrata um soldado francês perdido anão por uma floresta densa, enquanto em um toco de árvore um corvo está empoleirado - um profeta da desgraça, simbolizando a derrota antecipada da França.

Legado

Influência

Ao lado de outros pintores românticos, Friedrich ajudou a posicionar a pintura de paisagem como um gênero importante na arte ocidental. De seus contemporâneos, o estilo de Friedrich foi o que mais influenciou a pintura de Johan Christian Dahl (1788–1857). Entre as gerações posteriores, Arnold Böcklin (1827–1901) foi fortemente influenciado por seu trabalho, e a presença substancial das obras de Friedrich em coleções russas influenciou muitos pintores russos, em particular Arkhip Kuindzhi (c. 1842–1910) e Ivan Shishkin (1832-1898). A espiritualidade de Friedrich antecipou pintores americanos como Albert Pinkham Ryder (1847–1917), Ralph Blakelock (1847–1919), os pintores da Escola do Rio Hudson e os Luministas da Nova Inglaterra.

Edvard Munch, Os Solitários (1899). Corte de madeira. Museu Munch, Oslo

Na virada do século 20, Friedrich foi redescoberto pelo historiador de arte norueguês Andreas Aubert (1851–1913), cuja escrita iniciou a erudição moderna de Friedrich, e pelos pintores simbolistas, que valorizavam suas paisagens visionárias e alegóricas. O simbolista norueguês Edvard Munch (1863-1944) teria visto o trabalho de Friedrich durante uma visita a Berlim na década de 1880. A gravura de Munch de 1899 The Lonely Ones ecoa a Rückenfigur (figura de trás) de Friedrich, embora no trabalho de Munch o foco tenha se afastado de a paisagem ampla e para a sensação de deslocamento entre as duas figuras melancólicas em primeiro plano.

O renascimento moderno de Friedrich ganhou impulso em 1906, quando trinta e duas de suas obras foram apresentadas em uma exposição de arte da era romântica em Berlim. Suas paisagens exerceram forte influência na obra do artista alemão Max Ernst (1891-1976) e, como resultado, outros surrealistas passaram a ver Friedrich como um precursor de seu movimento. Em 1934, o pintor belga René Magritte (1898–1967) prestou homenagem em sua obra A condição humana, que ecoa diretamente motivos da arte de Friedrich em seu questionamento da percepção e do papel do visualizador. Alguns anos depois, a revista surrealista Minotaure apresentou Friedrich em um artigo de 1939 da crítica Marie Landsberger, expondo assim seu trabalho a um círculo muito mais amplo de artistas. A influência de The Wreck of Hope (ou The Sea of Ice) é evidente na pintura de 1940–41 Totes Meer de Paul Nash (1889 –1946), um fervoroso admirador de Ernst. O trabalho de Friedrich foi citado como inspiração por outros grandes artistas do século 20, incluindo Mark Rothko (1903–1970), Gerhard Richter (n. 1932), Gotthard Graubner e Anselm Kiefer (n. 1945). As pinturas românticas de Friedrich também foram destacadas pelo escritor Samuel Beckett (1906-1989), que, diante de Homem e Mulher Contemplando a Lua, disse "Esta foi a fonte de Esperando Godot, você sabe."

Paul Nash, Totes Meer (Mar dos Mortos), 1940–41. 101.6 x 152.4 cm. Tate Gallery. O trabalho de Nash retrata um cemitério de aviões alemães despenhados comparáveis a O Mar do Gelo (acima). Nash descreveu a imagem como um mar, mesmo sugerindo que as formas irregulares não eram de metal, mas de gelo.

Em seu artigo de 1961 "The Abstract Sublime", originalmente publicado em ARTnews, o historiador de arte Robert Rosenblum fez comparações entre as pinturas de paisagens românticas de Friedrich e Turner com o Abstract Pinturas expressionistas de Mark Rothko. Rosenblum descreve especificamente a pintura de Friedrich de 1809 O monge à beira-mar, A estrela da noite de Turner e Luz de 1954 de Rothko, Terra e Azul como revelando afinidades de visão e sentimento. Segundo Rosenblum, "Rothko, como Friedrich e Turner, nos coloca no limiar desses infinitos informes discutidos pelos estetas do Sublime. O minúsculo monge no Friedrich e o pescador no Turner estabelecem um contraste pungente entre a vastidão infinita de um Deus panteísta e a pequenez infinita de Suas criaturas. Na linguagem abstrata de Rothko, tal detalhe literal – uma ponte de empatia entre o espectador real e a apresentação de uma paisagem transcendental – não é mais necessário; nós mesmos somos o monge diante do mar, parados em silêncio e contemplativamente diante dessas imagens enormes e silenciosas, como se estivéssemos olhando para um pôr do sol ou uma noite de luar."

A artista contemporânea Christiane Pooley se inspira na obra de Friedrich para suas paisagens que reinterpretam a história do Chile.

Opinião crítica

Até 1890, e especialmente depois que seus amigos morreram, o trabalho de Friedrich ficou quase no esquecimento por décadas. No entanto, em 1890, o simbolismo em seu trabalho começou a soar verdadeiro com o clima artístico da época, especialmente na Europa central. No entanto, apesar de um interesse renovado e do reconhecimento de sua originalidade, sua falta de consideração pelo "efeito pictórico" e superfícies finamente renderizadas chocam com as teorias da época.

Não sou tão fraco quanto submeter-me às exigências da idade quando vão contra as minhas convicções. Eu giro um casulo ao meu redor; deixe os outros fazerem o mesmo. Vou deixá-lo a tempo para mostrar o que virá dele: uma borboleta brilhante ou verme.

—Caspar David Friedrich

Ivan Shishkin, No norte selvagem (1891). 161 x 118 cm. Museu de Arte Russa de Kiev

Durante a década de 1930, o trabalho de Friedrich foi usado na promoção da ideologia nazista, que tentou encaixar o artista romântico dentro do nacionalismo Blut und Boden. Demorou décadas para a reputação de Friedrich se recuperar dessa associação com o nazismo. Sua confiança no simbolismo e o fato de seu trabalho estar fora das definições estreitas do modernismo contribuíram para sua queda. Em 1949, o historiador de arte Kenneth Clark escreveu que Friedrich "trabalhou na técnica frígida de seu tempo, que dificilmente poderia inspirar uma escola de pintura moderna", e sugeriu que o artista estava tentando expressar na pintura o que há de melhor. deixado para a poesia. A demissão de Friedrich por Clark refletiu o dano que a reputação do artista sofreu durante o final dos anos 1930.

A reputação de Friedrich sofreu ainda mais danos quando sua imagem foi adotada por vários diretores de Hollywood, como Walt Disney, construído a partir da obra de mestres do cinema alemão como Fritz Lang e F. W. Murnau, dentro do terror e da fantasia gêneros. Sua reabilitação foi lenta, mas aprimorada pelos escritos de críticos e estudiosos como Werner Hofmann, Helmut Börsch-Supan e Sigrid Hinz, que rejeitaram e refutaram com sucesso as associações políticas atribuídas a seu trabalho e o colocaram em um contexto puramente histórico-artístico.. Na década de 1970, ele estava novamente sendo exibido nas principais galerias de todo o mundo, ao encontrar o favor de uma nova geração de críticos e historiadores da arte.

Hoje, sua reputação internacional está bem estabelecida. Ele é um ícone nacional em sua terra natal, a Alemanha, e altamente considerado por historiadores de arte e conhecedores de arte em todo o mundo ocidental. Ele é geralmente visto como uma figura de grande complexidade psicológica e, de acordo com Vaughan, "um crente que lutou contra a dúvida, um celebrante da beleza assombrada pela escuridão". No final, ele transcende a interpretação, alcançando culturas através do apelo convincente de suas imagens. Ele realmente emergiu como uma borboleta - espero que nunca mais desapareça de nossa vista.

Trabalho

Friedrich foi um artista prolífico que produziu mais de 500 obras atribuídas. Em consonância com os ideais românticos de seu tempo, ele pretendia que suas pinturas funcionassem como puras declarações estéticas, por isso era cauteloso para que os títulos dados a seu trabalho não fossem excessivamente descritivos ou evocativos. É provável que alguns dos títulos mais literais de hoje, como Os estágios da vida, não tenham sido dados pelo próprio artista, mas foram adotados durante um dos renascimentos do interesse por Friedrich. Surgem complicações ao datar o trabalho de Friedrich, em parte porque ele frequentemente não nomeava ou datava diretamente suas telas. Ele manteve um caderno cuidadosamente detalhado sobre sua produção, no entanto, que tem sido usado por estudiosos para vincular as pinturas às datas de conclusão.

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  Old Heroes' Graves, (1812), 49.5 × 70.5 cm. Kunsthalle, Hamburgo. Um monumento dilapidado inscrito "Arminio" invoca o chefe germânico, um símbolo do nacionalismo, enquanto os quatro túmulos de heróis caídos são ligeiramente ajar, libertando seus espíritos para a eternidade. Dois soldados franceses aparecem como pequenas figuras diante de uma caverna, abaixo e profundo em uma gruta cercada por rocha, como se mais distante do céu.

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  O lado da cruz O Báltico (1815), 45 × 33.5 cm. Schloss Charlottenburg, Berlim. Esta pintura marcou um movimento afastado por Friedrich de representações em plena luz do dia, e um retorno a cenas noturnas, crepúsculo e uma poignância mais profunda de humor.

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  Moonrise sobre o mar (1822). 55 × 71 cm. Alte Nationalgalerie, Berlim. Durante o início da década de 1820, as figuras humanas aparecem com frequência crescente em suas pinturas. Deste período, Linda Siegel escreve, "a importância da vida humana, particularmente sua família, agora ocupa seus pensamentos cada vez mais, e seus amigos aparecem como assuntos frequentes em sua arte".

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  Coveiro sob neve (1826). 31 × 25 cm. Museu der bildenden Künste, Leipzig. Frederico desenhou monumentos e esculturas para mausoléus, refletindo sua obsessão com a morte e a vida após a morte. Ele também criou algumas das artes funerárias nos cemitérios de Dresden.

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  A árvore de carvalho na neve (1829). 71 × 48 cm. Alte Nationalgalerie, Berlim. Friedrich foi um dos primeiros artistas a retratar paisagens de inverno como estrelado e morto. Suas cenas de inverno são solenes e ainda assim—de acordo com o historiador de arte Hermann Beenken, Friedrich pintou cenas de inverno em que "nenhum homem ainda colocou seu pé".

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  As fases da vida (Die Lebenstufen (1835). Museu der Bildenden Künste, Leipzig. As fases da vida é uma meditação sobre a própria mortalidade do artista, representando cinco navios a várias distâncias da costa. O primeiro plano mostra igualmente cinco figuras em diferentes fases da vida.

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  As montanhas gigantes (1830-1835). 72 × 102 cm. Alte Nationalgalerie, Berlim. Frederico procurou não apenas explorar o prazer feliz de uma bela vista, como na concepção clássica, mas antes examinar um instante de sublimitação, uma reunião com o eu espiritual através da contemplação da natureza.

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  Seashore by Moonlight (1835–36). 134 × 169 cm. Kunsthalle, Hamburgo. Sua última "pintura negra" Seashore by Moonlight, é descrito por William Vaughan como o "mais escuro de todas as suas linhas costeiras".