Blues
Blues é um gênero musical e uma forma musical que se originou no extremo sul dos Estados Unidos por volta de 1860. O blues incorporou espirituais, canções de trabalho, gritos de campo, gritos, cantos e baladas narrativas simples e rimadas da cultura afro-americana. A forma do blues é onipresente no jazz, rhythm and blues e rock and roll, e é caracterizada pelo padrão de chamada e resposta, a escala do blues e progressões de acordes específicas, das quais o blues de doze compassos é o mais comum. Notas azuis (ou "notas preocupadas"), geralmente terças, quintas ou sétimas com afinação bemol, também são uma parte essencial do som. Blues shuffles ou walking bass reforçam o ritmo de transe e formam um efeito repetitivo conhecido como groove.
O blues como gênero também é caracterizado por suas letras, linhas de baixo e instrumentação. Os primeiros versos tradicionais do blues consistiam em uma única linha repetida quatro vezes. Foi apenas nas primeiras décadas do século 20 que a estrutura atual mais comum se tornou padrão: o padrão AAB, que consiste em uma linha cantada nos quatro primeiros compassos, sua repetição nos quatro seguintes e, em seguida, uma linha conclusiva mais longa nos quatro primeiros compassos. últimas barras. O blues inicial freqüentemente assumia a forma de uma narrativa solta, muitas vezes relatando a discriminação racial e outros desafios enfrentados pelos afro-americanos.
Muitos elementos, como o formato de chamada e resposta e o uso de notas azuis, podem ser rastreados até a música da África. As origens do blues também estão intimamente relacionadas com a música religiosa da comunidade afro-americana, os espirituais. A primeira aparição do blues é muitas vezes datada após o fim da escravidão e, mais tarde, o desenvolvimento das juntas juke. Está associado à liberdade recém-adquirida dos ex-escravos. Os cronistas começaram a relatar sobre a música blues no início do século XX. A primeira publicação de partituras de blues foi em 1908. Desde então, o blues evoluiu de música vocal desacompanhada e tradições orais de escravos para uma ampla variedade de estilos e subgêneros. Os subgêneros do blues incluem o country blues, como o Delta blues e o Piedmont blues, bem como os estilos de blues urbano, como o Chicago blues e o West Coast blues. A Segunda Guerra Mundial marcou a transição do blues acústico para o elétrico e a abertura progressiva da música blues para um público mais amplo, especialmente ouvintes brancos. Nas décadas de 1960 e 1970, desenvolveu-se uma forma híbrida chamada blues rock, que misturava estilos de blues com rock.
Etimologia
O termo Blues pode ter se originado de "blue devils" significando melancolia e tristeza. Um uso inicial do termo nesse sentido é na farsa de um ato de George Colman, Blue Devils (1798). A frase demônios azuis também pode ter sido derivada de um uso britânico dos anos 1600, referindo-se às "alucinações visuais intensas que podem acompanhar a abstinência alcoólica severa". Com o passar do tempo, a frase perdeu a referência a demônios e passou a significar um estado de agitação ou depressão. Por volta de 1800 nos Estados Unidos, o termo "blues" foi associado ao consumo de álcool, significado que sobrevive na frase lei azul, que proíbe a venda de álcool no domingo.
Em 1827, foi no sentido de um triste estado de espírito que John James Audubon escreveu à sua esposa que ele "estava triste." A frase "o blues" foi escrito por Charlotte Forten, então com 25 anos, em seu diário em 14 de dezembro de 1862. Ela era uma mulher negra nascida livre da Pensilvânia que trabalhava como professora na Carolina do Sul, instruindo escravos e libertos, e escreveu que ela e #34;voltou para casa com o blues" porque ela se sentia sozinha e com pena de si mesma. Ela superou sua depressão e mais tarde anotou uma série de canções, como "Poor Rosy" populares entre os escravos. Embora ela admitisse ser incapaz de descrever a maneira de cantar que ouvia, Forten escreveu que as canções "não podem ser cantadas sem o coração cheio e o espírito perturbado". condições que inspiraram inúmeras canções de blues.
Embora o uso da frase na música afro-americana possa ser mais antigo, foi atestado na imprensa desde 1912, quando Hart Wand's "Dallas Blues" tornou-se a primeira composição de blues com direitos autorais. Nas letras, a frase é frequentemente usada para descrever um humor deprimido.
Letras
Os primeiros versos do blues tradicional geralmente consistiam em uma única linha repetida quatro vezes. No entanto, a estrutura mais comum das letras de blues hoje foi estabelecida nas primeiras décadas do século 20, conhecida como "AAB" padrão. Essa estrutura consiste em uma linha cantada nos primeiros quatro compassos, sua repetição nos próximos quatro e uma linha final mais longa nos últimos compassos. Esse padrão pode ser ouvido em algumas das primeiras canções de blues publicadas, como "Dallas Blues" (1912) e "Saint Louis Blues" (1914). De acordo com W. C. Prático, o "AAB" padrão foi adotado para evitar a monotonia de linhas repetidas três vezes. As letras costumam ser cantadas em um estilo de conversa rítmica, em vez de uma melodia, lembrando uma forma de blues falante.
Os primeiros blues freqüentemente tomavam a forma de uma narrativa solta. Cantores afro-americanos expressaram seus "desgostos pessoais em um mundo de dura realidade: um amor perdido, a crueldade dos policiais, a opressão nas mãos dos brancos [e] tempos difíceis". Essa melancolia levou à sugestão de uma origem Igbo para o blues por causa da reputação que o Igbo tinha nas plantações nas Américas por sua música melancólica e visão de vida quando eram escravizados.
As letras geralmente relatam problemas vividos na sociedade afro-americana. Por exemplo, "Rising High Water Blues" (1927) fala da Grande Inundação do Mississippi em 1927:
Ascensão de água nas costas, os povos do sul não podem fazer nenhum tempo
Eu disse, subindo de água, os povos do sul não podem fazer nenhum tempo
E não consigo ouvir a minha namorada de Memphis.
Embora o blues tenha ganhado uma associação com a miséria e a opressão, as letras também podiam ser bem-humoradas e atrevidas:
Rebecca, Rebecca, tira as tuas pernas grandes de mim,
Rebecca, Rebecca, tira as tuas pernas grandes de mim,
Pode estar a mandar-te bebé, mas está a preocupar-se comigo.
Hokum blues celebrou tanto o conteúdo lírico cômico quanto um estilo de performance barulhento e ridículo. Tampa Red e Georgia Tom's "It's Tight Like That" (1928) é um jogo de palavras astuto com o duplo significado de ser "apertado" com alguém, juntamente com uma familiaridade física mais lasciva. As canções de blues com letras sexualmente explícitas eram conhecidas como blues sujos. O conteúdo lírico tornou-se um pouco mais simples no blues do pós-guerra, que tendia a se concentrar em problemas de relacionamento ou preocupações sexuais. Temas líricos que freqüentemente apareciam no blues pré-guerra, como depressão econômica, agricultura, demônios, jogos de azar, magia, inundações e secas, eram menos comuns no blues pós-guerra.
O escritor Ed Morales afirmou que a mitologia iorubá desempenhou um papel no início do blues, citando Robert Johnson, "Cross Road Blues" como uma "referência velada a Eleggua, o orixá encarregado das encruzilhadas". No entanto, a influência cristã era muito mais óbvia. Os repertórios de muitos artistas seminais do blues, como Charley Patton e Skip James, incluíam canções religiosas ou espirituais. O reverendo Gary Davis e Blind Willie Johnson são exemplos de artistas frequentemente classificados como músicos de blues por sua música, embora suas letras pertençam claramente aos espirituais.
Formulário
A forma do blues é uma forma musical cíclica na qual uma progressão repetida de acordes espelha o esquema de chamada e resposta comumente encontrado na música africana e afro-americana. Durante as primeiras décadas do século 20, a música blues não era claramente definida em termos de uma progressão de acordes específica. Com a popularidade dos primeiros artistas, como Bessie Smith, o uso do blues de doze compassos se espalhou pela indústria da música durante as décadas de 1920 e 1930. Outras progressões de acordes, como formas de 8 compassos, ainda são consideradas blues; exemplos incluem "How Long Blues", "Trouble in Mind" e "Key to the Highway" de Big Bill Broonzy. Há também blues de 16 compassos, como o instrumental "Sweet 16 Bars" e "Watermelon Man" de Herbie Hancock. Números idiossincráticos de compassos são ocasionalmente usados, como a progressão de 9 compassos em "Sentado no Topo do Mundo", de Walter Vinson.
| Chords jogou sobre um esquema de 12 barras: | Chords para um blues em C: | ||||||||||||||||||||||||
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A estrutura lírica básica de 12 compassos de uma composição de blues é refletida por uma progressão harmônica padrão de 12 compassos em uma fórmula de compasso 4/4. Os acordes de blues associados a um blues de doze compassos são tipicamente um conjunto de três acordes diferentes tocados em um esquema de 12 compassos. Eles são rotulados por números romanos referentes aos graus da progressão. Por exemplo, para um blues no tom de C, C é o acorde tônico (I) e F é o subdominante (IV).
O último acorde é a virada da dominante (V), marcando a transição para o início da próxima progressão. A letra geralmente termina na última batida do décimo compasso ou na primeira batida do 11º compasso, e os dois últimos compassos são dados ao instrumentista como uma pausa; a harmonia dessa quebra de dois compassos, a reviravolta, pode ser extremamente complexa, às vezes consistindo em notas únicas que desafiam a análise em termos de acordes.
Na maior parte do tempo, alguns ou todos esses acordes são tocados na forma harmônica de sétima (7ª). O uso do intervalo de sétima harmônica é característico do blues e é popularmente chamado de "blues seven". Os sete acordes do blues adicionam ao acorde harmônico uma nota com uma frequência na proporção de 7:4 em relação à nota fundamental. Em uma proporção de 7:4, não está perto de nenhum intervalo na escala diatônica ocidental convencional. Por conveniência ou por necessidade, muitas vezes é aproximado por um intervalo de sétima menor ou um acorde de sétima dominante.
jogar(help·info)Na melodia, o blues se distingue pelo uso da terça, quinta e sétima bemol da escala maior associada.
Os shuffles de blues ou o walking bass reforçam o ritmo de transe e a chamada e resposta, e formam um efeito repetitivo chamado groove. Característico do blues desde suas origens afro-americanas, os shuffles tiveram um papel central na música swing. Os shuffles mais simples, que eram a assinatura mais clara da onda do R&B iniciada em meados da década de 1940, eram um riff de três notas nas cordas do baixo da guitarra. Quando esse riff foi tocado sobre o baixo e a bateria, o groove "sentiu" foi criado. O ritmo aleatório é frequentemente vocalizado como "dow, da dow, da dow, da" ou "dump, da dump, da dump, da": consiste em desigual ou "swing& #34;, colcheias. Em uma guitarra, isso pode ser tocado como um baixo constante simples ou pode adicionar a esse movimento de semínima passo a passo da quinta à sexta do acorde e vice-versa.
História
Origens
Hart Wand's "Dallas Blues" foi publicado em 1912; BANHEIRO. Handy's "The Memphis Blues" seguido no mesmo ano. A primeira gravação de uma cantora afro-americana foi a versão de 1920 de Mamie Smith de "Crazy Blues" de Perry Bradford. Mas as origens do blues foram algumas décadas antes, provavelmente por volta de 1890. Essa música é mal documentada, em parte por causa da discriminação racial na sociedade americana, incluindo círculos acadêmicos, e em parte por causa da baixa taxa de alfabetização entre os afro-americanos rurais da época..
Relatos da música blues no sul do Texas e no Deep South foram escritos no início do século XX. Charles Peabody mencionou o surgimento da música blues em Clarksdale, Mississippi, e Gate Thomas relatou canções semelhantes no sul do Texas por volta de 1901–1902. Essas observações coincidem mais ou menos com as lembranças de Jelly Roll Morton, que disse ter ouvido blues pela primeira vez em Nova Orleans em 1902; Ma Rainey, que se lembra de ter ouvido blues pela primeira vez no mesmo ano em Missouri; e WC Handy, que ouviu pela primeira vez o blues em Tutwiler, Mississippi, em 1903. A primeira pesquisa extensa no campo foi realizada por Howard W. Odum, que publicou uma antologia de canções folclóricas de Lafayette County, Mississippi, e Newton County, Georgia, entre 1905 e 1908. As primeiras gravações não comerciais de blues, denominadas proto-blues por Paul Oliver, foram feitas por Odum para fins de pesquisa no início do século XX. Eles agora estão perdidos.
Outras gravações ainda disponíveis foram feitas em 1924 por Lawrence Gellert. Mais tarde, várias gravações foram feitas por Robert W. Gordon, que se tornou chefe do Arquivo de Canções Folclóricas Americanas da Biblioteca do Congresso. O sucessor de Gordon na biblioteca foi John Lomax. Na década de 1930, Lomax e seu filho Alan fizeram um grande número de gravações não comerciais de blues que testemunham a enorme variedade de estilos proto-blues, como field hollers e ring shouts. Um registro da música blues como existia antes de 1920 também pode ser encontrado nas gravações de artistas como Lead Belly e Henry Thomas. Todas essas fontes mostram a existência de muitas estruturas distintas de doze, oito ou dezesseis compassos. As razões sociais e econômicas para o aparecimento do blues não são totalmente conhecidas. A primeira aparição do blues é geralmente datada após a Lei de Emancipação de 1863, entre as décadas de 1860 e 1890, período que coincide com a pós-emancipação e, posteriormente, com o estabelecimento das juke-juntas como locais onde os afro-americanos iam ouvir música, dançar, ou jogue depois de um dia de trabalho duro. Esse período corresponde à transição da escravidão para a meação, produção agrícola em pequena escala e expansão das ferrovias no sul dos Estados Unidos. Vários estudiosos caracterizam o desenvolvimento da música blues no início dos anos 1900 como uma mudança da performance em grupo para a performance individualizada. Eles argumentam que o desenvolvimento do blues está associado à liberdade recém-adquirida do povo escravizado.
De acordo com Lawrence Levine, "havia uma relação direta entre a ênfase ideológica nacional sobre o indivíduo, a popularidade dos ensinamentos de Booker T. Washington e a ascensão do blues". Levine afirmou que "psicológica, social e economicamente, os afro-americanos estavam sendo aculturados de uma forma que teria sido impossível durante a escravidão, e não é de surpreender que sua música secular refletisse isso tanto quanto sua música religiosa". "
Existem poucas características comuns a todas as músicas de blues, porque o gênero tomou forma a partir das idiossincrasias de músicos individuais. No entanto, existem algumas características que já estavam presentes muito antes da criação do blues moderno. Os gritos de chamada e resposta foram uma forma inicial de música semelhante ao blues; eles eram um estilo de "expressão funcional... sem acompanhamento ou harmonia e sem limites pela formalidade de qualquer estrutura musical particular". Uma forma desse pré-blues foi ouvida em gritos de escravos e gritos de campo, expandidos em "canções solo simples carregadas de conteúdo emocional".
O blues evoluiu da música vocal desacompanhada e das tradições orais de escravos importados da África Ocidental e negros rurais para uma ampla variedade de estilos e subgêneros, com variações regionais nos Estados Unidos. Embora o blues (como é conhecido agora) possa ser visto como um estilo musical baseado tanto na estrutura harmônica européia quanto na tradição africana de chamada e resposta que se transformou em uma interação de voz e violão, a forma do blues em si não tem nenhuma semelhança com o blues. estilos melódicos dos griots da África Ocidental. Além disso, existem teorias de que a estrutura de quatro batidas por compasso do blues pode ter suas origens na tradição nativa americana de percussão pow wow. Alguns estudiosos identificam fortes influências no blues das estruturas melódicas de certos estilos musicais da África Ocidental da savana e do sahel. Lucy Durran encontra semelhanças com as melodias do povo Bambara e, em menor grau, do povo Soninke e do povo Wolof, mas não tanto do povo Mandinka. Gerard Kubik encontra semelhanças com os estilos melódicos da savana da África Ocidental e da África Central, ambas fontes de escravos.
Nenhuma forma musical africana específica pode ser identificada como o único ancestral direto do blues. No entanto, o formato de chamada e resposta pode ser rastreado até a música da África. Que as notas azuis são anteriores ao seu uso no blues e têm origem africana é atestado por "A Negro Love Song", do compositor inglês Samuel Coleridge-Taylor, de sua African Suite for Piano, escrito em 1898, que contém terças e sétimas azuis.
O arco Diddley (um instrumento caseiro de uma corda encontrado em partes do sul dos Estados Unidos às vezes chamado de jitterbug ou uma corda no início do século XX) e o banjo são instrumentos derivados da África que podem ter ajudado na transferência de técnicas de performance africanas para o vocabulário instrumental do blues inicial. O banjo parece ser importado diretamente da música da África Ocidental. É semelhante ao instrumento musical que os griots e outros africanos como o Igbo tocavam (chamado halam ou akonting por povos africanos como o Wolof, Fula e Mandinka). No entanto, na década de 1920, quando o country blues começou a ser gravado, o uso do banjo na música blues era bastante marginal e limitado a indivíduos como Papa Charlie Jackson e mais tarde Gus Cannon.
A música blues também adotou elementos dos "ars etíopes", shows de menestréis e espirituais negros, incluindo acompanhamento instrumental e harmônico. O estilo também estava intimamente relacionado ao ragtime, que se desenvolveu mais ou menos na mesma época, embora o blues preservasse melhor os "padrões melódicos originais da música africana".
As formas e estilos musicais que hoje são considerados o blues, assim como a música country moderna, surgiram nas mesmas regiões do sul dos Estados Unidos durante o século XIX. Blues gravados e música country podem ser encontrados desde a década de 1920, quando a indústria fonográfica criou as categorias de marketing "música de corrida" e "música caipira" vender música de negros para negros e de brancos para brancos, respectivamente. Na época, não havia uma divisão musical clara entre "blues" e "país", exceto pela etnia do intérprete, e mesmo isso às vezes foi documentado incorretamente pelas gravadoras.
Embora os musicólogos possam agora tentar definir o blues estreitamente em termos de certas estruturas de acordes e formas líricas que se acredita terem se originado na África Ocidental, o público originalmente ouvia a música de uma maneira muito mais geral: era simplesmente a música do campo sul, notadamente o delta do Mississippi. Músicos negros e brancos compartilhavam o mesmo repertório e se consideravam "cantores" em vez de músicos de blues. A noção de blues como um gênero separado surgiu durante a migração negra do campo para as áreas urbanas na década de 1920 e o desenvolvimento simultâneo da indústria fonográfica. Blues tornou-se uma palavra-código para um disco destinado a ser vendido para ouvintes negros.
As origens do blues estão intimamente relacionadas com a música religiosa da comunidade afro-americana, os espirituais. As origens dos espirituais vão muito além do blues, geralmente datando de meados do século 18, quando os escravos foram cristianizados e começaram a cantar e tocar hinos cristãos, em particular os de Isaac Watts, que eram muito populares. Antes que o blues ganhasse sua definição formal em termos de progressões de acordes, ele era definido como a contraparte secular dos espirituais. Era a música baixa tocada pelos negros do campo.
Dependendo da comunidade religiosa a que um músico pertencia, era mais ou menos considerado um pecado tocar essa música baixa: o blues era a música do diabo. Os músicos foram, portanto, segregados em duas categorias: cantores gospel e cantores de blues, pregadores de violão e cantores. No entanto, quando a música negra rural começou a ser gravada na década de 1920, ambas as categorias de músicos usaram técnicas semelhantes: padrões de chamada e resposta, notas azuis e guitarras deslizantes. A música gospel, no entanto, usava formas musicais compatíveis com os hinos cristãos e, portanto, menos marcadas pela forma do blues do que sua contraparte secular.
Azuis pré-guerra
A indústria americana de publicação de partituras produziu uma grande quantidade de música ragtime. Em 1912, a indústria de partituras havia publicado três composições populares do tipo blues, precipitando a adoção de elementos do blues no Tin Pan Alley: "Baby Seals' Blues", de "Baby" Franklin Seals (arranjado por Artie Matthews); "Dallas Blues", de Hart Wand; e "The Memphis Blues", de W.C. Prático.
Handy foi um músico, compositor e arranjador formalmente treinado que ajudou a popularizar o blues transcrevendo e orquestrando blues em um estilo quase sinfônico, com bandas e cantores. Ele se tornou um compositor popular e prolífico e se autodenominou o "Pai do Blues"; no entanto, suas composições podem ser descritas como uma fusão de blues com ragtime e jazz, uma fusão facilitada pelo ritmo habanera cubano que há muito fazia parte do ragtime; O trabalho de assinatura de Handy foi o "Saint Louis Blues".
Na década de 1920, o blues tornou-se um elemento importante da música popular afro-americana e americana, alcançando também o público branco por meio dos arranjos de Handy e das clássicas cantoras de blues feminino. Essas artistas se tornaram talvez as primeiras "superestrelas" afro-americanas, e suas vendas de discos demonstraram "um enorme apetite por discos feitos por e para negros". O blues evoluiu de apresentações informais em bares para entretenimento em teatros. As apresentações de blues foram organizadas pela Theatre Owners Bookers Association em casas noturnas como o Cotton Club e juke-jobs, como os bares ao longo da Beale Street em Memphis. Várias gravadoras, como American Record Corporation, Okeh Records e Paramount Records, começaram a gravar música afro-americana.
À medida que a indústria fonográfica crescia, artistas de country blues como Bo Carter, Jimmie Rodgers, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Tampa Red e Blind Blake se tornaram mais populares na comunidade afro-americana. Sylvester Weaver, nascido em Kentucky, foi em 1923 o primeiro a gravar o estilo slide guitar, no qual uma guitarra é desgastada com uma lâmina de faca ou o gargalo serrado de uma garrafa. A guitarra slide tornou-se uma parte importante do blues Delta. As primeiras gravações de blues da década de 1920 são categorizadas como um country blues rural tradicional e um blues urbano ou citadino mais polido.
Intérpretes de country blues frequentemente improvisavam, sem acompanhamento ou apenas com um banjo ou violão. Os estilos regionais de country blues variaram muito no início do século XX. O (Mississippi) Delta blues era um estilo esparso de raízes com vocais apaixonados acompanhados por slide guitar. O pouco gravado Robert Johnson combinou elementos do blues urbano e rural. Além de Robert Johnson, artistas influentes desse estilo incluíram seus predecessores Charley Patton e Son House. Cantores como Blind Willie McTell e Blind Boy Fuller se apresentaram na região "delicada e lírica" Tradição do blues do Piemonte, que usava uma elaborada técnica de dedilhado baseada no ragtime. A Geórgia também teve uma tradição inicial de slides, com Curley Weaver, Tampa Red, "Barbecue Bob" Hicks e James "Kokomo" Arnold como representantes desse estilo.
O animado estilo de blues de Memphis, que se desenvolveu nas décadas de 1920 e 1930 perto de Memphis, Tennessee, foi influenciado por jug bands como Memphis Jug Band ou Gus Cannon's Jug Stompers. Artistas como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy, Casey Bill Weldon e Memphis Minnie usaram uma variedade de instrumentos incomuns, como washboard, violino, kazoo ou bandolim. Memphis Minnie era famosa por seu estilo virtuoso de guitarra. O pianista Memphis Slim começou sua carreira em Memphis, mas seu estilo distinto era mais suave e tinha alguns elementos de swing. Muitos músicos de blues baseados em Memphis se mudaram para Chicago no final dos anos 1930 ou início dos anos 1940 e se tornaram parte do movimento do blues urbano.
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Azul urbano
Os estilos de blues urbano ou urbano eram mais codificados e elaborados, pois um artista não estava mais dentro de sua comunidade local imediata e tinha que se adaptar a uma estética de público maior e mais variada. As cantoras clássicas de blues urbano e de vaudeville eram populares na década de 1920, entre elas "as três grandes" - Gertrude "Ma" Rainey, Bessie Smith e Lucille Bogan. Mamie Smith, mais uma artista de vaudeville do que uma artista de blues, foi a primeira afro-americana a gravar uma canção de blues em 1920; seu segundo disco, "Crazy Blues", vendeu 75.000 cópias no primeiro mês. Ma Rainey, a "Mãe do Blues", e Bessie Smith cada uma "[cantou] em tons centrais, talvez para projetar sua voz mais facilmente no fundo de uma sala". Smith "cantava uma música em um tom incomum, e sua arte em dobrar e esticar notas com seu belo e poderoso contralto para acomodar sua própria interpretação era insuperável".
Em 1920, a cantora de vaudeville Lucille Hegamin tornou-se a segunda mulher negra a gravar blues ao gravar "The Jazz Me Blues", e Victoria Spivey, às vezes chamada de Queen Victoria ou Za Zu Girl, tinha uma gravação carreira que começou em 1926 e durou quarenta anos. Essas gravações eram normalmente rotuladas como "registros de corrida" para distingui-los dos discos vendidos para o público branco. No entanto, as gravações de algumas das cantoras clássicas de blues também foram compradas por compradores brancos. As contribuições dessas mulheres de blues para o gênero incluíram "improvisação aumentada em linhas melódicas, fraseado incomum que alterou a ênfase e o impacto das letras e dramatização vocal usando gritos, gemidos, gemidos e lamentos". As mulheres do blues, portanto, efetuaram mudanças em outros tipos de canto popular que tiveram desdobramentos no jazz, musicais da Broadway, canções de tocha das décadas de 1930 e 1940, gospel, ritmo e blues e, eventualmente, rock and roll.
Os artistas masculinos urbanos incluíam músicos negros populares da época, como Tampa Red, Big Bill Broonzy e Leroy Carr. Uma gravadora importante dessa época foi a Bluebird Records, com sede em Chicago. Antes da Segunda Guerra Mundial, Tampa Red às vezes era chamado de "o Mago da Guitarra". Carr se acompanhou ao piano com Scrapper Blackwell na guitarra, formato que continuou até a década de 1950 com artistas como Charles Brown e até Nat "King" Cole.
Jogar(help·info)Boogie-woogie foi outro estilo importante do blues urbano dos anos 1930 e início dos anos 1940. Embora o estilo seja frequentemente associado ao piano solo, o boogie-woogie também era usado para acompanhar cantores e, como parte solo, em bandas e pequenos combos. O estilo Boogie-Woogie era caracterizado por uma figura de baixo regular, um ostinato ou riff e mudanças de nível na mão esquerda, elaborando cada acorde e trinados e decorações na mão direita. Boogie-woogie foi iniciado por Jimmy Yancey, de Chicago, e pelo Boogie-Woogie Trio (Albert Ammons, Pete Johnson e Meade Lux Lewis). Os artistas de boogie-woogie de Chicago incluíram Clarence "Pine Top" Smith e Earl Hines, que "ligaram os ritmos propulsivos da mão esquerda dos pianistas do ragtime com figuras melódicas semelhantes às do trompete de Armstrong na mão direita". O estilo suave da Louisiana do Professor Longhair e, mais recentemente, do Dr. John mistura ritmo clássico e blues com estilos de blues.
Outro desenvolvimento neste período foi o blues das big band. As "bandas de território" operando em Kansas City, a orquestra Bennie Moten, Jay McShann e a Count Basie Orchestra também estavam se concentrando no blues, com instrumentais de blues de 12 compassos, como "One O'Clock Jump" de Basie #34; e "Jumpin' no Woodside" e barulhentos "gritos de blues" por Jimmy Rushing em canções como "Going to Chicago" e "Enviado para você ontem". Uma conhecida música de blues de big band é "In the Mood" de Glenn Miller. Na década de 1940, o estilo jump blues se desenvolveu. Jump blues cresceu a partir da onda boogie woogie e foi fortemente influenciado pela música de big band. Ele usa saxofone ou outros instrumentos de sopro e a guitarra na seção rítmica para criar um som jazzístico e acelerado com vocais declamatórios. As músicas de jump blues de Louis Jordan e Big Joe Turner, com sede em Kansas City, Missouri, influenciaram o desenvolvimento de estilos posteriores, como rock and roll e rhythm and blues. Nascido em Dallas, T-Bone Walker, que é frequentemente associado ao estilo blues da Califórnia, realizou uma transição bem-sucedida do blues urbano à la Lonnie Johnson e Leroy Carr para o estilo jump blues e dominou a cena blues-jazz em Los Angeles durante década de 1940.
Década de 1950
A transição do blues country para o blues urbano, iniciada na década de 1920, foi impulsionada pelas sucessivas ondas de crises econômicas e booms que levaram muitos negros do campo a se mudarem para as áreas urbanas, em um movimento conhecido como Grande Migração. O longo boom após a Segunda Guerra Mundial induziu outra migração em massa da população afro-americana, a Segunda Grande Migração, que foi acompanhada por um aumento significativo da renda real dos negros urbanos. Os novos migrantes constituíram um novo mercado para a indústria da música. O termo race record, inicialmente utilizado pela indústria fonográfica para a música afro-americana, foi substituído pelo termo rhythm and blues. Esse mercado em rápida evolução foi espelhado pela revista Rhythm & Tabela de blues. Esta estratégia de marketing reforçou tendências na música do blues urbano, como o uso de instrumentos elétricos e amplificação e a generalização da batida do blues, o blues shuffle, que se tornou onipresente no rhythm and blues (R&B). Esse fluxo comercial teve consequências importantes para a música blues, que, junto com o jazz e a música gospel, tornou-se um componente do R&B.
Depois da Segunda Guerra Mundial, novos estilos de blues elétrico tornaram-se populares em cidades como Chicago, Memphis, Detroit e St. Louis. O blues elétrico usava guitarras elétricas, contrabaixo (gradualmente substituído pelo baixo), bateria e gaita (ou "harpa blues") tocada por um microfone e um sistema de PA ou um amplificador de guitarra com overdrive. Chicago tornou-se um centro de blues elétrico a partir de 1948, quando Muddy Waters gravou seu primeiro sucesso, "I Can't Be Satisfied". O blues de Chicago é influenciado em grande parte pelo blues do Delta, porque muitos artistas migraram da região do Mississippi.
Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon e Jimmy Reed nasceram no Mississippi e se mudaram para Chicago durante a Grande Migração. Seu estilo é caracterizado pelo uso de guitarra elétrica, às vezes guitarra slide, gaita e uma seção rítmica de baixo e bateria. O saxofonista J. T. Brown tocou em bandas lideradas por Elmore James e por J. B. Lenoir, mas o saxofone foi usado mais como instrumento de apoio para suporte rítmico do que como instrumento principal.
Little Walter, Sonny Boy Williamson (Rice Miller) e Sonny Terry são conhecidos gaitistas (chamados de "harpa" pelos músicos de blues) da cena inicial do blues de Chicago. Outros gaitistas, como Big Walter Horton, também foram influentes. Muddy Waters e Elmore James eram conhecidos por seu uso inovador da guitarra elétrica slide. Howlin' Wolf e Muddy Waters eram conhecidos por suas águas profundas e "gravely" vozes.
O baixista e prolífico compositor e compositor Willie Dixon desempenhou um papel importante na cena do blues de Chicago. Ele compôs e escreveu muitas canções de blues padrão do período, como "Hoochie Coochie Man", "I Just Want to Make Love to You" (ambos escritos para Muddy Waters) e, "Wang Dang Doodle" e "Back Door Man" para Howlin' Lobo. A maioria dos artistas do estilo blues de Chicago gravou para os selos Chess Records e Checker Records, de Chicago. Selos menores de blues dessa época incluíam Vee-Jay Records e J.O.B. Registros. Durante o início da década de 1950, as gravadoras dominantes de Chicago foram desafiadas pelo estilo de Sam Phillips. Sun Records Company em Memphis, que gravou B. B. King e Howlin'; Wolf antes de se mudar para Chicago em 1960. Depois que Phillips descobriu Elvis Presley em 1954, a gravadora Sun voltou-se para o público branco em rápida expansão e começou a gravar principalmente rock 'n' rolar.
Na década de 1950, o blues teve uma enorme influência na música popular americana. Enquanto músicos populares como Bo Diddley e Chuck Berry, ambos gravando para a Chess, foram influenciados pelo blues de Chicago, seus estilos de tocar entusiásticos se afastaram dos aspectos melancólicos do blues. O blues de Chicago também influenciou a música zydeco da Louisiana, com Clifton Chenier usando sotaques de blues. Os músicos do Zydeco usaram guitarra solo elétrica e arranjos cajun dos padrões do blues.
Na Inglaterra, o blues elétrico se enraizou lá durante uma aclamada turnê Muddy Waters em 1958. Waters, sem suspeitar da tendência de seu público para o skiffle, uma marca acústica e mais suave de blues, aumentou seu amplificador e começou a tocar sua marca de Chicago de blues elétrico. Embora o público tenha ficado bastante abalado com a performance, a performance influenciou músicos locais como Alexis Korner e Cyril Davies a emular esse estilo mais alto, inspirando a invasão britânica dos Rolling Stones e dos Yardbirds.
No final dos anos 1950, um novo estilo de blues surgiu no West Side de Chicago, liderado por Magic Sam, Buddy Guy e Otis Rush na Cobra Records. O "som do West Side" teve forte suporte rítmico de guitarra base, baixo e bateria e, conforme aperfeiçoado por Guy, Freddie King, Magic Slim e Luther Allison, foi dominado por guitarra elétrica amplificada. Solos de guitarra expressivos foram uma característica fundamental dessa música.
Outros artistas de blues, como John Lee Hooker, tiveram influências não diretamente relacionadas ao estilo de Chicago. O blues de John Lee Hooker é mais "pessoal", baseado na voz profunda e áspera de Hooker acompanhada por uma única guitarra elétrica. Embora não seja diretamente influenciado pelo boogie woogie, seu estilo "groovy" estilo às vezes é chamado de "guitar boogie". Seu primeiro hit, "Boogie Chillen", alcançou o primeiro lugar nas paradas de R&B em 1949.
No final dos anos 1950, o gênero swamp blues se desenvolveu perto de Baton Rouge, com artistas como Lightnin'; Slim, Slim Harpo, Sam Myers e Jerry McCain em torno do produtor J. D. "Jay" Miller e o selo Excello. Fortemente influenciado por Jimmy Reed, o swamp blues tem um ritmo mais lento e um uso mais simples da gaita do que os artistas do estilo Chicago blues, como Little Walter ou Muddy Waters. As músicas desse gênero incluem "Scratch my Back", "She's Tough" e "I'm a King Bee". As gravações de Alan Lomax do Mississippi Fred McDowell acabariam por trazer-lhe mais atenção tanto no circuito de blues quanto no folk, com o estilo monótono de McDowell influenciando os músicos de blues country do norte do Mississippi.
Décadas de 1960 e 1970
No início da década de 1960, gêneros influenciados pela música afro-americana, como rock and roll e soul, faziam parte da música popular mainstream. Artistas brancos como os Rolling Stones e os Beatles levaram a música afro-americana a novos públicos, dentro e fora dos Estados Unidos. No entanto, a onda de blues que trouxe artistas como Muddy Waters para o primeiro plano havia parado. Bluesmen como Big Bill Broonzy e Willie Dixon começaram a procurar novos mercados na Europa. Dick Waterman e os festivais de blues que ele organizou na Europa desempenharam um papel importante na propagação da música blues no exterior. No Reino Unido, as bandas imitaram as lendas do blues dos EUA, e as bandas de blues rock do Reino Unido tiveram um papel influente ao longo dos anos 1960.
Artistas de blues como John Lee Hooker e Muddy Waters continuaram a se apresentar para platéias entusiasmadas, inspirando novos artistas imersos no blues tradicional, como Taj Mahal, nascido em Nova York. John Lee Hooker combinou seu estilo de blues com elementos de rock e tocou com músicos brancos mais jovens, criando um estilo musical que pode ser ouvido no álbum de 1971 Endless Boogie. O canto de B. B. King e a técnica de guitarra virtuosa lhe renderam o título homônimo de "rei do blues". King introduziu um estilo sofisticado de solo de guitarra baseado em flexão de cordas fluida e vibrato brilhante que influenciou muitos guitarristas de blues elétricos posteriores. Em contraste com o estilo de Chicago, a banda de King usava forte suporte de sopro de saxofone, trompete e trombone, em vez de usar slide guitar ou harpa. Nascido no Tennessee, Bobby "Blue" Bland, como B. B. King, também abrangeu os gêneros blues e R&B. Durante este período, Freddie King e Albert King frequentemente tocavam com músicos de rock e soul (Eric Clapton e Booker T & the MGs) e tiveram uma grande influência nesses estilos de música.
A música do movimento dos direitos civis e do Movimento pela Liberdade de Expressão nos EUA provocou um ressurgimento do interesse pela música de raízes americanas e pela música afro-americana antiga. Além disso, festivais como o Newport Folk Festival trouxeram o blues tradicional para um novo público, o que ajudou a reavivar o interesse pelo blues acústico pré-guerra e artistas como Son House, Mississippi John Hurt, Skip James e o reverendo Gary Davis. Muitas compilações de blues clássicos pré-guerra foram republicadas pela Yazoo Records. J. B. Lenoir do movimento blues de Chicago na década de 1950 gravou vários LPs usando violão, às vezes acompanhado por Willie Dixon no baixo acústico ou na bateria. Suas canções, originalmente distribuídas apenas na Europa, comentavam questões políticas como racismo ou questões da Guerra do Vietnã, o que era incomum para esse período. Seu álbum Alabama Blues continha uma música com a seguinte letra:
Nunca mais voltarei para o Alabama, esse não é o lugar para mim.
Nunca mais voltarei para o Alabama, esse não é o lugar para mim.
Sabes que mataram a minha irmã e o meu irmão.
e o mundo inteiro deixou os povos ir lá fora livre
Públicos brancos' o interesse pelo blues durante a década de 1960 aumentou devido à Paul Butterfield Blues Band, com sede em Chicago, apresentando o guitarrista Michael Bloomfield e o cantor / compositor Nick Gravenites, e o movimento britânico do blues. O estilo do blues britânico se desenvolveu no Reino Unido, quando músicos como Cyril Davies, Alexis Korner's Blues Incorporated, Fleetwood Mac, John Mayall & os Bluesbreakers, os Rolling Stones, Animals, os Yardbirds, Aynsley Dunbar Retaliation, Chicken Shack, os primeiros Jethro Tull, Cream e o músico irlandês Rory Gallagher apresentaram canções clássicas de blues das tradições do blues Delta ou Chicago.
Em 1963, LeRoi Jones, mais tarde conhecido como Amiri Baraka, foi o primeiro a escrever um livro sobre a história social do blues em Blues People: The Negro Music in White America. Os músicos britânicos e de blues do início dos anos 1960 inspiraram vários artistas de blues rock americanos, incluindo Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band, Ry Cooder e Allman Brothers Band. Um artista de blues rock, Jimi Hendrix, era uma raridade em seu campo na época: um homem negro que tocava rock psicodélico. Hendrix era um guitarrista habilidoso e pioneiro no uso inovador de distorção e feedback de áudio em sua música. Através desses artistas e de outros, o blues influenciou o desenvolvimento do rock. Mais tarde, na década de 1960, a cantora britânica Jo Ann Kelly iniciou sua carreira de gravadora. Nos Estados Unidos, a partir da década de 1970, as cantoras Bonnie Raitt e Phoebe Snow tocavam blues.
No início dos anos 1970, surgiu o estilo rock-blues do Texas, que usava guitarras tanto em papéis solo quanto rítmicos. Em contraste com o blues do West Side, o estilo do Texas é fortemente influenciado pelo movimento rock-blues britânico. Os principais artistas do estilo do Texas são Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan, os Fabulous Thunderbirds (liderados pelo gaitista e cantor e compositor Kim Wilson) e ZZ Top. Todos esses artistas começaram suas carreiras musicais na década de 1970, mas não alcançaram sucesso internacional até a década seguinte.
1980 até o presente
Desde a década de 1980, houve um ressurgimento do interesse pelo blues entre uma certa parte da população afro-americana, particularmente em torno de Jackson, Mississippi e outras regiões do sul profundo. Freqüentemente denominado "soul blues" ou "Southern soul", a música no coração desse movimento ganhou nova vida com o sucesso inesperado de duas gravações em particular no selo Malaco de Jackson: Z. Z. Hill's Down Home Blues (1982) e The Blues is Alright de Little Milton (1984). Artistas afro-americanos contemporâneos que trabalham nesse estilo de blues incluem Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Mel Waiters, Clarence Carter, Dr.; Potts, O. B. Buchana, Sra. Jody, Shirley Brown e dezenas de outros.
Durante a década de 1980, o blues também continuou nas formas tradicionais e novas. Em 1986, o álbum Strong Persuader anunciou Robert Cray como um grande artista de blues. A primeira gravação de Stevie Ray Vaughan Texas Flood foi lançada em 1983, e o guitarrista do Texas explodiu no cenário internacional. A popularidade de John Lee Hooker foi revivida com o álbum The Healer em 1989. Eric Clapton, conhecido por suas apresentações com os Blues Breakers e Cream, voltou na década de 1990 com seu álbum Unplugged, no qual ele tocou alguns números de blues padrão no violão.
No entanto, a partir da década de 1990, a gravação multipista digital e outros avanços tecnológicos e novas estratégias de marketing, incluindo a produção de videoclipes, aumentaram os custos, desafiando a espontaneidade e a improvisação que são um componente importante da música blues. Nas décadas de 1980 e 1990, publicações de blues como Living Blues e Blues Revue foram lançadas, grandes cidades começaram a formar sociedades de blues, festivais de blues ao ar livre tornaram-se mais comuns e mais casas noturnas e locais para o blues surgiram. A banda Tedeschi Trucks e Gov't Mule lançaram álbuns de blues rock. Cantoras de blues como Bonnie Raitt, Susan Tedeschi, Sue Foley e Shannon Curfman também gravaram blues.
Na década de 1990, o amplamente ignorado hill country blues ganhou pouco reconhecimento nos círculos de blues e rock alternativo com os artistas do norte do Mississippi, R. L. Burnside e Junior Kimbrough. Os artistas de blues exploraram uma variedade de gêneros musicais, como pode ser visto, por exemplo, na ampla gama de indicados ao Blues Music Awards anual, anteriormente denominado W.C. Handy Awards ou do Grammy Awards de Melhor Álbum de Blues Contemporâneo e Tradicional. A parada de álbuns de blues da Billboard fornece uma visão geral dos sucessos de blues atuais. A música blues contemporânea é alimentada por vários selos de blues, como: Alligator Records, Ruf Records, Severn Records, Chess Records (MCA), Delmark Records, NorthernBlues Music, Fat Possum Records e Vanguard Records (Artemis Records). Algumas gravadoras são famosas por redescobrir e remasterizar raridades do blues, incluindo Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings (herdeira da Folkways Records) e Yazoo Records (Shanachie Records).
Impacto musical
Estilos musicais de blues, formas (blues de 12 compassos), melodias e a escala de blues influenciaram muitos outros gêneros musicais, como rock and roll, jazz e música popular. Artistas proeminentes de jazz, folk ou rock, como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis e Bob Dylan realizaram gravações significativas de blues. A escala de blues é freqüentemente usada em canções populares como "Blues in the Night" de Harold Arlen, baladas de blues como "Since I Fell for You" e "Please Send Me Someone to Love", e até mesmo em obras orquestrais como "Rhapsody in Blue" de George Gershwin; e "Concerto em Fá". O segundo "Prelúdio" para piano solo é um exemplo interessante de blues clássico, mantendo a forma com rigor acadêmico. A escala de blues é onipresente na música popular moderna e informa muitos quadros modais, especialmente a escada de terças usada na música rock (por exemplo, em "A Hard Day's Night"). Formas de blues são usadas no tema do Batman televisionado, hit do ídolo adolescente Fabian Forte, "Turn Me Loose", estrela da música country Jimmie Rodgers; música e o hit da guitarrista/vocalista Tracy Chapman, "Give Me One Reason".
"Azuis cantando é sobre emoção. Sua influência no canto popular tem sido tão generalizada que, pelo menos entre os homens, cantar e emoting tornaram-se quase idênticos - é uma questão de projeção em vez de bater as notas."
— Robert Christgau, 1972
Os primeiros músicos do country blues, como Skip James, Charley Patton, Georgia Tom Dorsey, tocavam country e blues urbano e tinham influências do canto espiritual. Dorsey ajudou a popularizar a música gospel. A música gospel se desenvolveu na década de 1930, com o Golden Gate Quartet. Na década de 1950, a música soul de Sam Cooke, Ray Charles e James Brown usava elementos da música gospel e blues. Nas décadas de 1960 e 1970, o gospel e o blues foram fundidos na música soul blues. A música funk dos anos 1970 foi influenciada pelo soul; o funk pode ser visto como um antecedente do hip-hop e do R&B contemporâneo.
A música R&B pode ser rastreada até o espiritual e o blues. Musicalmente, os espirituais eram descendentes das tradições corais da Nova Inglaterra e, em particular, dos hinos de Isaac Watts, misturados com ritmos africanos e formas de chamada e resposta. Os cantos espirituais ou religiosos na comunidade afro-americana são muito mais bem documentados do que os "low-down" blues. O canto espiritual se desenvolveu porque as comunidades afro-americanas podiam se reunir para missas ou reuniões de adoração, chamadas de acampamentos.
Edward P. Comentale observou como o blues era frequentemente usado como um meio de arte ou auto-expressão, afirmando: "Conforme ouvido dos barracos do Delta aos cortiços de Chicago e aos cabarés do Harlem, o blues provou - apesar de sua dor origens - um meio notavelmente flexível e uma nova arena para a formação de identidade e comunidade."
Antes da Segunda Guerra Mundial, as fronteiras entre o blues e o jazz eram menos claras. Normalmente, o jazz tinha estruturas harmônicas provenientes de bandas de metais, enquanto o blues tinha formas de blues como o blues de 12 compassos. No entanto, o jump blues da década de 1940 misturou os dois estilos. Após a Segunda Guerra Mundial, o blues teve uma influência substancial no jazz. Clássicos do Bebop, como "Now's the Time" de Charlie Parker, usavam a forma do blues com a escala pentatônica e notas azuis.
Bebop marcou uma grande mudança no papel do jazz, de um estilo popular de música para dançar para uma "música" cerebral de "alta arte", menos acessível e cerebral #34;. O público do blues e do jazz se dividiu, e a fronteira entre o blues e o jazz ficou mais definida.
O blues' A estrutura de 12 compassos e a escala de blues foram uma grande influência no rock and roll. Rock and roll tem sido chamado de "blues com uma batida de fundo"; Carl Perkins chamou o rockabilly de "blues com uma batida country". Rockabillies também eram considerados blues de 12 compassos tocados com uma batida de bluegrass. "Hound Dog", com sua estrutura inalterada de 12 compassos (tanto na harmonia quanto na letra) e uma melodia centrada na terça bemol da tônica (e sétima bemol da subdominante), é uma canção de blues transformada em canção de rock and roll. O estilo de rock and roll de Jerry Lee Lewis foi fortemente influenciado pelo blues e seu derivado boogie-woogie. Seu estilo de música não era exatamente rockabilly, mas muitas vezes foi chamado de verdadeiro rock and roll (este é um rótulo que ele compartilha com vários artistas afro-americanos de rock and roll).
Muitas das primeiras canções de rock and roll são baseadas no blues: "That's All Right Mama", "Johnny B. Goode", "Blue Suede Shoes' 34;, "Whole Lotta Shakin' Goin On", "Shake, Rattle and Roll" e "Long Tall Sally". Os primeiros músicos de rock afro-americanos mantiveram os temas sexuais e as insinuações da música blues: "Tenho uma garota chamada Sue, sabe exatamente o que fazer" ("Tutti Frutti", Little Richard) ou "Veja a garota com o vestido vermelho, Ela pode fazer o Birdland a noite toda" ("O que eu disse", Ray Charles). A estrutura do blues de 12 compassos pode ser encontrada até mesmo em canções pop inovadoras, como "Obviously Five Believers" de Bob Dylan. e "Cinderela Rockefella" de Esther e Abi Ofarim.
A música country antiga foi misturada com o blues. Jimmie Rodgers, Moon Mullican, Bob Wills, Bill Monroe e Hank Williams se descreveram como cantores de blues e sua música tem um toque de blues que é diferente, pelo menos à primeira vista, do country-pop posterior de artistas como Eddy Arnold. No entanto, se olharmos mais para trás, Arnold também começou cantando canções de blues como "I'll Hold You in My Heart". Muito do "fora da lei" a música country de Willie Nelson e Waylon Jennings também foi emprestada do blues. Quando Jerry Lee Lewis voltou à música country após o declínio do estilo rock and roll dos anos 1950, ele cantou com um toque de blues e frequentemente incluía padrões de blues em seus álbuns.
Na cultura popular
Assim como jazz, rock and roll, heavy metal, hip hop, reggae, country, latina, funk e pop, o blues tem sido acusado de ser a "música do diabo' 34; e de incitar a violência e outros maus comportamentos. No início do século 20, o blues era considerado desonroso, especialmente porque o público branco começou a ouvir o blues durante a década de 1920. No início do século XX, W.C. Handy foi o primeiro a popularizar a música influenciada pelo blues entre os americanos não negros.
Durante o renascimento do blues nas décadas de 1960 e 1970, o artista de blues acústico Taj Mahal e o bluesman do Texas Lightnin' Hopkins escreveu e executou músicas que tiveram destaque no filme aclamado pela crítica Sounder (1972). O filme rendeu a Mahal uma indicação ao Grammy de Melhor Trilha Sonora Original Escrita para um Filme e uma indicação ao BAFTA. Quase 30 anos depois, Mahal escreveu blues e executou uma composição de banjo, estilo garra-martelo, no lançamento do filme de 2001 Songcatcher, que enfocou a história da preservação das raízes musicais dos Apalaches.
Talvez o exemplo mais visível do estilo de música blues no final do século 20 tenha ocorrido em 1980, quando Dan Aykroyd e John Belushi lançaram o filme The Blues Brothers. O filme reuniu muitos dos maiores influenciadores vivos do gênero rhythm and blues, como Ray Charles, James Brown, Cab Calloway, Aretha Franklin e John Lee Hooker. A banda formada também iniciou uma turnê de sucesso sob a marquise Blues Brothers. 1998 trouxe uma sequência, Blues Brothers 2000 que, apesar de não ter tanto sucesso crítico e financeiro, contou com um número muito maior de artistas de blues, como B.B. King, Bo Diddley, Erykah Badu, Eric Clapton, Steve Winwood, Charlie Musselwhite, Blues Traveler, Jimmie Vaughan e Jeff Baxter.
Em 2003, Martin Scorsese fez esforços significativos para promover o blues para um público maior. Ele convidou vários diretores famosos, como Clint Eastwood e Wim Wenders, para participar de uma série de documentários para a PBS chamada The Blues. Ele também participou da versão de compilações de grandes artistas de blues em uma série de CDs de alta qualidade. O guitarrista e vocalista de blues Keb' Mo' realizou sua versão de blues de "America, the Beautiful" em 2006 para encerrar a temporada final da série de televisão The West Wing.
O blues teve destaque na temporada 2012, episódio 1 de In Performance at the White House, intitulado "Red, White and Blues". Apresentado por Barack e Michelle Obama, o show contou com apresentações de B.B. King, Buddy Guy, Gary Clark Jr., Jeff Beck, Derek Trucks, Keb Mo e outros.
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