Banjo

O banjo é um instrumento de cordas com uma membrana fina esticada sobre uma estrutura ou cavidade para formar um ressonador. A membrana é tipicamente circular e geralmente feita de plástico ou, ocasionalmente, de pele de animal. As primeiras formas do instrumento foram criadas por afro-americanos nos Estados Unidos. O banjo é freqüentemente associado ao folk, bluegrass e country music, e também tem sido usado em alguns rock, pop e hip-hop. Várias bandas de rock, como Eagles, Led Zeppelin e Grateful Dead, usaram o banjo de cinco cordas em algumas de suas canções. Historicamente, o banjo ocupou um lugar central na música tradicional negra americana e na cultura folclórica dos brancos rurais antes de entrar no mainstream por meio dos shows de menestréis do século XIX. Junto com o violino, o banjo é um dos pilares dos estilos musicais americanos, como o bluegrass e a música dos velhos tempos. Também é muito usado no jazz de Dixieland, bem como em gêneros caribenhos como biguine, calypso e mento.

História

Primeiras origens

A plantação antiga, C.1785–1795, a pintura americana mais antiga conhecida para fotografar um instrumento parecido com banjo; pensou em retratar uma plantação em Beaufort County, Carolina do Sul

O mais antigo banjo conhecido, C.1770–1777, da cultura crioula Surinamese.

O banjo moderno deriva de instrumentos que foram registrados para uso na América do Norte e no Caribe desde o século 17 por escravos levados da África Ocidental e Central. Seus instrumentos de estilo africano eram feitos de cabaças com peles de animais esticadas sobre elas. Cordas, de tripa ou fibras vegetais, eram presas a um braço de madeira. Referências escritas ao banjo na América do Norte e no Caribe aparecem nos séculos XVII e XVIII.

A indicação escrita mais antiga de um instrumento semelhante ao banjo é do século XVII: Richard Jobson (1621) ao descrever a Gâmbia, escreveu sobre um instrumento como o banjo, que ele chamou de bandore.

O termo banjo tem várias reivindicações etimológicas, sendo uma delas da língua Mandinka que dá o nome de Banjul, capital da Gâmbia. Outra alegação é uma conexão com o Akonting da África Ocidental: o akonting é feito com um longo pescoço de bambu chamado bangoe. O material para o pescoço, chamado ban julo na língua Mandinka, novamente dá Banjul. Nesta interpretação, Banjul tornou-se uma espécie de epônimo para o Akonting ao cruzar o Atlântico. O nome do instrumento também pode derivar da palavra Kimbundu mbanza, que é um empréstimo da língua portuguesa resultando no termo banza. Seu primeiro uso registrado foi em 1678 no Caribe (Martinica) por africanos escravizados.

O OED afirma que o termo banjo vem de uma pronúncia dialetal do português bandore ou de uma antiga anglicização do espanhol bandurria. No entanto, evidências contrárias apóiam definitivamente que os termos bandore e bandurria eram termos usados quando os europeus encontraram o banjo ou suas variedades aparentadas em uso por pessoas de ascendência africana, que usavam termos diferentes para o instrumento como banza.

Vários instrumentos na África, sendo o principal deles o kora, apresentam uma cabeça de pele e corpo de cabaça (ou concha semelhante). Esses instrumentos africanos diferem dos primeiros banjos afro-americanos porque os braços não possuem escala e cravelhas de estilo ocidental; em vez disso, eles têm pescoços de bastão, com cordas presas ao pescoço com presilhas para afinação.

Outro parente provável do banjo é o akonting, um alaúde folclórico tocado pela tribo Jola da Senegâmbia, e o ubaw-akwala dos Igbo. Instrumentos semelhantes incluem o xalam do Senegal e o ngoni da região de Wassoulou, incluindo partes do Mali, Guiné e Costa do Marfim, bem como uma variação maior do ngoni conhecido como gimbri desenvolvido em Marrocos pelos negros africanos subsaarianos (Gnawa ou Haratin).

Instrumentos semelhantes ao banjo parecem ter sido inventados de forma independente em vários lugares diferentes, uma vez que instrumentos semelhantes ao banjo são conhecidos em diversos países distantes. Por exemplo, o chinês sanxian, o japonês shamisen, o persa tar e o marroquino sintir, além de os muitos instrumentos africanos mencionados acima.

No início, os banjos de influência africana eram construídos em torno de um corpo de cabaça e um braço de pau de madeira. Esses instrumentos tinham um número variável de cordas, embora muitas vezes incluíssem alguma forma de drone. A imagem mais antiga conhecida, c. 1785–1795, de uma pessoa escravizada tocando um instrumento semelhante a um banjo (The Old Plantation) mostra um instrumento de quatro cordas com sua quarta corda (polegar) mais curta que as outras.

Banjos com escalas e cravelhas são conhecidos no Caribe desde o século XVII. Alguns escritores do século 18 e início do século 19 transcreveram o nome desses instrumentos como bangie, banza, bonjaw, banjer e banjar.

O instrumento tornou-se cada vez mais disponível comercialmente por volta do segundo quartel do século 19 devido a apresentações de menestréis.

Era dos Menestrel, 1830–1870

O Instrutor de Briggs Banjo foi o primeiro método para o banjo. Ele ensinou o estilo de curso e tinha notado música.

No Sul antebellum, muitos africanos escravizados tocavam banjo, espalhando-o para o resto da população. Em seu livro de memórias With Saber and Scalpel: The Autobiography of a Soldier and Surgeon, o veterano confederado e cirurgião John Allan Wyeth lembra-se de ter aprendido a tocar banjo quando criança com um escravizado na plantação de sua família. Outro homem que aprendeu a tocar com afro-americanos, provavelmente na década de 1820, foi Joel Walker Sweeney, um artista de menestrel de Appomattox Court House, Virgínia. Sweeney foi creditado por adicionar uma corda ao banjo afro-americano de quatro cordas e popularizar o banjo de cinco cordas. Embora Robert McAlpin Williamson seja o primeiro banjoista branco documentado, na década de 1830 Sweeney se tornou o primeiro artista branco a tocar banjo no palco. As apresentações musicais de Sweeney ocorreram no início da era do menestrel, quando os banjos deixaram de ser instrumentos folclóricos exclusivamente caseiros para instrumentos de estilo mais moderno. Sweeney participou dessa transição encorajando o fabricante de tambores William Boucher, de Baltimore, a fazer banjos comercialmente para ele vender.

De acordo com Arthur Woodward em 1949, Sweeney substituiu a cabaça por uma caixa de som feita de madeira e coberta com pele, e acrescentou uma quinta corda curta por volta de 1831. No entanto, o estudioso moderno Gene Bluestein apontou em 1964 que Sweeney pode não ter originou a 5ª corda ou caixa de som. Este novo banjo foi inicialmente afinado d'Gdf♯a, embora na década de 1890 tenha sido transposto para g'cgbd'. Os banjos foram introduzidos na Grã-Bretanha pelo grupo de Sweeney, os American Virginia Minstrels, na década de 1840, e se tornaram muito populares nos music halls.

O instrumento cresceu em popularidade durante a década de 1840, depois que Sweeney começou seu show itinerante de menestrel. No final da década de 1840, o instrumento havia se expandido da posse do Caribe para se enraizar em lugares da América e do outro lado do Atlântico na Inglaterra. Foi estimado em 1866 que provavelmente havia 10.000 banjos na cidade de Nova York, contra apenas um punhado em 1844. As pessoas foram expostas a banjos não apenas em shows de menestréis, mas também shows de medicina, shows de faroeste, shows de variedades e viagens espetáculos de vaudeville. A popularidade do banjo também foi impulsionada pela Guerra Civil, já que militares de ambos os lados do Exército ou da Marinha foram expostos ao banjo tocado em shows de menestréis e por outros militares. Um movimento popular de aspirantes a banjoistas começou já em 1861. O entusiasmo pelo instrumento foi rotulado como uma "mania do banjo" ou "banjo mania."

Na década de 1850, aspirantes a tocadores de banjo tinham opções para ajudá-los a aprender seu instrumento. Havia mais professores ensinando o básico do banjo na década de 1850 do que na década de 1840. Havia também manuais de instrução e, para quem pudesse ler, música impressa nos manuais. O primeiro livro de música notada foi The Complete Preceptor de Elias Howe, publicado sob o pseudônimo de Gumbo Chaff, consistindo principalmente de melodias de Christy's Minstrels. O primeiro método de banjo foi o Briggs' Instrutor de banjo (1855) de Tom Briggs. Outros métodos incluíram New American Banjo School de Howe (1857) e Phil Rice's Method for the Banjo, With or Without a Master (1858).. Esses livros ensinavam o "estilo de pincelada" ou "estilo banjo", semelhante ao moderno "frágil" ou "clawhammer" estilos.

Em 1868, a música para banjo estava disponível impressa em uma revista, quando J. K. Buckley escreveu e arranjou música popular para Buckley's Monthly Banjoist. Frank B. Converse também publicou toda a sua coleção de composições em The Complete Banjoist em 1868, que incluía "polcas, valsas, marchas e gaitas de sopro."

As oportunidades de trabalho incluíam as companhias de menestréis e circos presentes na década de 1840, mas também teatros flutuantes e teatros de variedades, precursores do show de variedades e do vaudeville.

Era clássica, 1880-1910

O termo banjo clássico é usado hoje para falar sobre um "estilo de guitarra" que foi amplamente usado entre os tocadores de banjo do final do século 19 ao início do século 20. Ainda hoje é usado por banjoists. O termo também diferencia esse estilo de tocar dos estilos de banjo bluegrass, como o estilo Scruggs e o estilo Keith.

O Briggs Banjo Method, considerado o primeiro método de banjo e que ensinava o estilo golpe de tocar, também mencionava a existência de outra forma de tocar, o estilo de guitarra. Alternativamente conhecido como "estilo de dedo", a nova maneira de tocar o banjo substituiu o método de toque, até que em 1870 era o estilo dominante. Embora mencionado por Briggs, não foi ensinado. O primeiro método de banjo a ensinar a técnica foi Frank B. Converse's New and Complete Method for the Banjo with or without a Master, publicado em 1865.

Para tocar no estilo violão, os músicos usam o polegar e dois ou três dedos da mão direita para escolher as notas. Samuel Swaim Stewart resumiu o estilo em 1888, dizendo:

No estilo de guitarra de Banjo-playing...o pequeno dedo da mão direita é descansado sobre a cabeça perto da ponte...[e] serve como um resto à mão e uma resistência ao movimento de escolher as cordas... No início é melhor adquirir um conhecimento de escolher as cordas com o uso dos primeiros e segundo dedos e polegar apenas, permitindo que o terceiro dedo permaneça ocioso até que os outros dedos se acostumaram completamente ao seu trabalho... os três dedos são quase invariavelmente usados em tocar acordes e acompanhamentos para canções."

Banjo, da série Musical Instruments (N82) para os cigarros da marca Duke, 1888

O banjo, embora popular, carregava associações de classe baixa de seu papel em shows de menestréis blackface, shows de medicina, shows de tendas e shows de variedades ou vaudeville. Houve um esforço no banjo do século 19 para trazer o instrumento à "respeitabilidade". Músicos como William A. Huntley fizeram um esforço para "elevar" o instrumento ou torná-lo mais "artístico" "levando-o a um nível mais sofisticado de técnica e repertório baseado nos padrões europeus." Huntley pode ter sido o primeiro artista branco a fazer com sucesso a transição de atuar com blackface para ser ele mesmo no palco, notado pelo Boston Herald em novembro de 1884. Ele foi apoiado por outro ex-performer blackface, Samuel Swaim Stewart, em sua revista corporativa que popularizou profissionais altamente talentosos.

Como o "estridente" as imitações da vida na plantação diminuíram em menestréis, o banjo tornou-se mais aceitável como um instrumento da sociedade da moda, até mesmo para ser aceito em salões femininos. Parte dessa mudança foi uma mudança do estilo de golpe para o estilo de tocar guitarra. Um jornal de 1888 disse: "Todas as donzelas e muitas das mulheres também dedilham o instrumento, aulas de banjo abundam por toda parte e recitais de banjo estão entre as mais novas diversões da moda... a febre... as estrelas dedilhadas entre os homens são procuradas nas festas mais elegantes e têm a escolha da companhia das garotas mais charmosas."

Alguns desses artistas, como Alfred A. Farland, especializaram-se em música clássica. No entanto, os músicos que queriam entreter o público e ganhar a vida misturavam isso com a música popular que o público desejava. O aluno de Farland, Frederick J. Bacon, foi um deles. Ex-apresentador de programas de medicina, Bacon tocou música clássica junto com canções populares como Massa's in de cold, cold ground, um Medley of Scotch Airs, um Medley of Southern Airs, e seu próprio West Lawn Polka.

A inovação do banjo que começou na era do menestrel continuou, com o aumento do uso de peças de metal, madeira exótica, trastes de metal elevados e um tone-ring que melhorava o som. Os instrumentos foram projetados em uma variedade de tamanhos e faixas de afinação, para desempenhar diferentes partes em orquestras de banjo. Exemplos em exibição no museu incluem banjorines e banjos flautim.

Novos estilos de tocar, um novo visual, instrumentos em uma variedade de faixas de afinação para substituir as diferentes seções de uma orquestra - tudo ajudou a separar o instrumento da imagem tosca de menestrel dos 50 a 60 anos anteriores. O instrumento era moderno agora, uma coisa nova e brilhante, com laterais de metal polido.

Era Ragtime (1895–1919) e Era do Jazz (1910–1930)

O Buffalo Rag

composição de Tom Turpin 1904 O Buffalo Rag, em uma performance de 1906 por Vess Ossman. Embora esta é uma peça ragtime, Ossman jogou com estilo banjo clássico. Ele fingerpicked gut strings usando uma técnica semelhante aos guitarristas clássicos.

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No início dos anos 1900, novos banjos começaram a se espalhar, modelos de quatro cordas, tocados com uma palheta em vez do golpe menestrel-banjo ou o clássico estilo de dedilhado do banjo. Os novos banjos foram resultado da mudança de gostos musicais. A nova música estimulou a criação de "variações evolutivas" do banjo, do modelo de cinco cordas atual desde a década de 1830 para os banjos tenor e palheta de quatro cordas mais recentes.

Os instrumentos tornaram-se ricamente decorados na década de 1920 para serem visualmente dinâmicos para o público do teatro. Os instrumentos foram cada vez mais modificados ou feitos em um novo estilo - braços que foram encurtados para lidar com as quatro cordas de aço (não de fibra como antes), cordas que foram tocadas com uma palheta em vez de dedos, quatro cordas em vez de cinco e afinadas de forma diferente. As mudanças refletiram a natureza da música pós-Primeira Guerra Mundial. O país estava se afastando dos clássicos europeus, preferindo a "sensação otimista e despreocupada" do jazz, e os soldados americanos voltando da guerra ajudaram a impulsionar essa mudança.

A mudança no gosto pela dance music e a necessidade de instrumentos mais altos começaram alguns anos antes da guerra, porém, com o ragtime. Essa música encorajou os músicos a alterar seus banjos de 5 cordas para quatro, adicionar as cordas de aço mais altas e usar uma palheta ou palheta, tudo em um esforço para ser ouvido sobre os instrumentos de sopro e palheta que eram comuns nos salões de dança. A palheta de quatro cordas e os banjos tenor não eliminaram a variedade de cinco cordas. Eles eram produtos de sua época e propósitos musicais – ragtime, jazz, dance music e teatro.

A Grande Depressão é uma linha visível para marcar o fim da Era do Jazz. A crise econômica reduziu as vendas de banjos de quatro e cinco cordas e, na Segunda Guerra Mundial, os banjos estavam em declínio acentuado, o mercado para eles estava morto.

Era moderna

Hubby Jenkins atuando no banjo solo no IBMA Bluegrass Live! festival em Raleigh, Carolina do Norte em 2 de outubro de 2021

Nos anos pós-Segunda Guerra Mundial, o banjo experimentou um ressurgimento, tocado por estrelas da música como Earl Scruggs (bluegrass), Bela Fleck (jazz, rock, world music), Gerry O'Connor (Celtic e música irlandesa), Perry Bechtel (jazz, big band), Pete Seeger (folk) e Otis Taylor (raízes afro-americanas, blues, jazz).

Pete Seeger "foi uma grande força por trás de um novo interesse nacional pela música folk." Aprendendo a tocar um estilo de dedo nos Apalaches com músicos que nunca pararam de tocar banjo, ele escreveu o livro Como tocar o banjo de cinco cordas, que foi o único método de banjo no mercado por anos. Ele foi seguido por um movimento de músicos folk, como Dave Guard do Kingston Trio e Erik Darling dos Weavers and Tarriers.

Earl Scruggs era visto como uma lenda e um "inovador musical contemporâneo" que deu nome ao seu estilo de tocar, o Estilo Scruggs. Scruggs tocava banjo "com velocidade e destreza até então inéditas" usando uma técnica de palhetada para o banjo de 5 cordas que ele aperfeiçoou a partir de técnicas de palhetada de 2 e 3 dedos na zona rural da Carolina do Norte. Sua forma de tocar alcançou os americanos através do Grand Ole Opry e nas salas de estar dos americanos que não ouviam música country ou bluegrass, através da música tema de The Beverly Hillbillies.

Nos últimos cem anos, o banjo tenor tornou-se uma parte intrínseca do mundo da música tradicional irlandesa. É um recém-chegado relativo ao gênero.

O banjo também foi usado mais recentemente na cena punk hardcore, principalmente por Show Me the Body em seu álbum de estreia, Body War.

Técnica

Rolo para a frente Jogar(help·info).

Melodia Yankee Doodle, no banjo, sem e com notas de drone Jogar sem(help·info) e com drone(help·info).

Duas técnicas intimamente associadas ao banjo de cinco cordas são rolls e drones. Rolls são padrões de dedilhado de acompanhamento da mão direita que consistem em oito (oitavas) notas que subdividem cada compasso. As notas do drone são pequenas notas rápidas [normalmente colcheias], geralmente tocadas na 5ª corda (curta) para preencher as notas da melodia [normalmente colcheias]. Essas técnicas são idiomáticas para o banjo em todos os estilos, e seu som é característico do bluegrass.

Historicamente, o banjo foi tocado no estilo do martelo pelos africanos que trouxeram sua versão do banjo com eles. Vários outros estilos de jogo foram desenvolvidos a partir disso. O Clawhammer consiste em golpear para baixo uma ou mais das quatro cordas principais com o dedo indicador, médio ou ambos, enquanto o drone ou a quinta corda é tocada com um movimento de 'levantamento' (ao contrário de puxar para baixo) movimento do polegar. As notas normalmente tocadas pelo polegar dessa maneira são, geralmente, fora do tempo. Melodias podem ser técnicas de adição bastante intrincadas, como double thumbing e drop thumb. Na música antiga das Montanhas Apalaches, um estilo chamado up-pick de dois dedos também é usado, e uma versão de três dedos que Earl Scruggs desenvolveu no estilo "Scruggs" a escolha de estilo foi ao ar nacionalmente em 1945 no Grand Ole Opry. Neste estilo, o instrumento é tocado dedilhando notas individuais. O estilo de dedo moderno geralmente é jogado com palitos, embora os primeiros jogadores e alguns jogadores modernos joguem com unhas ou com uma técnica conhecida como na carne. Nesse estilo, as cordas são tocadas diretamente com os dedos, em vez de qualquer palheta ou intermediário.

Enquanto os banjos de cinco cordas são tradicionalmente tocados com palhetas ou com os próprios dedos, os banjos tenor e os banjos de palheta são tocados com uma palheta, seja para dedilhar acordes completos ou, mais comumente na música tradicional irlandesa, para tocar melodias de uma nota.

Formas modernas

O banjo moderno vem em uma variedade de formas, incluindo versões de quatro e cinco cordas. Uma versão de seis cordas, afinada e tocada de forma semelhante a uma guitarra, ganhou popularidade. Em quase todas as suas formas, a execução do banjo é caracterizada por uma rápida dedilhada arpejada, embora existam muitos estilos de execução diferentes.

O corpo, ou "pote", de um banjo moderno normalmente consiste em um aro circular (geralmente feito de madeira, embora o metal também fosse comum em banjos mais antigos) e uma cabeça tensionada, semelhante a um tambor cabeça. Tradicionalmente, a cabeça era feita de pele animal, mas hoje muitas vezes é feita de vários materiais sintéticos. A maioria dos banjos modernos também possui um "tom de toque" montagem que ajuda a esclarecer e projetar ainda mais o som, mas muitos banjos mais antigos não incluem um anel de tom.

O banjo é geralmente afinado com cravelhas de fricção ou afinadores planetários, em vez da cabeça da máquina de engrenagem helicoidal usada em guitarras. Os trastes tornaram-se padrão desde o final do século 19, embora os banjos sem trastes ainda sejam fabricados e tocados por aqueles que desejam executar glissando, tocar quartos de tom ou obter o som e a sensação dos primeiros estilos de tocar.

Os banjos modernos são normalmente amarrados com cordas de metal. Normalmente, a quarta corda é enrolada com aço ou liga de bronze-fósforo. Alguns músicos podem encordoar seus banjos com cordas de náilon ou tripa para obter um tom mais suave e antigo.

Alguns banjos têm uma placa ressonadora separada na parte de trás do pote para projetar o som para a frente e dar mais volume ao instrumento. Esse tipo de banjo é geralmente usado na música bluegrass, embora os banjos ressonadores sejam tocados por músicos de todos os estilos e também sejam usados antigamente, às vezes como um substituto para a amplificação elétrica ao tocar em grandes locais.

Os banjos abertos geralmente têm um tom mais suave e pesam menos que os banjos ressonadores. Eles geralmente têm uma configuração diferente de um banjo ressonador, geralmente com uma ação de corda mais alta.

Banjo de cinco cordas

O moderno banjo de cinco cordas é uma variação do design original de Sweeney. A quinta corda geralmente tem o mesmo calibre da primeira, mas começa no quinto traste, três quartos do comprimento das outras cordas. Isso permite que a corda seja afinada em um tom aberto mais alto do que o possível para as cordas inteiras. Por causa da quinta corda curta, o banjo de cinco cordas usa uma afinação reentrante - as afinações das cordas não prosseguem do mais baixo para o mais alto no braço. Em vez disso, a quarta corda é a mais baixa, depois a terceira, a segunda, a primeira e a quinta são as mais altas.

A quinta corda curta apresenta problemas especiais para um capo. Para pequenas alterações (aumentar ou diminuir um ou dois semitons, por exemplo), reajustar a quinta corda é simplesmente possível. Caso contrário, vários dispositivos chamados "capos de quinta corda" efetivamente encurtar a parte vibrante da corda. Muitos tocadores de banjo usam picos de modelo ferroviário ou picos de titânio (geralmente instalados no sétimo traste e às vezes em outros), sob os quais eles prendem a corda para pressioná-la no traste.

Os tocadores de banjo de cinco cordas usam muitas afinações. (As afinações são dadas da esquerda para a direita, conforme visto da frente do instrumento com o braço apontando para cima.) Provavelmente a mais comum, particularmente no bluegrass, é a afinação Open-G G4 D3 G3 B3 D4. Antigamente, a afinação G4 C3 G3 B3 D4 era comumente usada, e ainda é a afinação preferida para alguns tipos de música folclórica e para o banjo clássico. Outras afinações encontradas na música antiga incluem duplo C (G4 C3 G3 C4 D4), "serraria" (G4 D3 G3 C4 D4) também chamado de "modal montanha" e aberto D (F#4 D3 F#3 A3 D4). Essas afinações geralmente são tomadas em um tom, seja afinando ou usando um capo. Por exemplo, "double-D" a afinação (A4 D3 A3 D4 E4) – comumente alcançada pela afinação de C duplo – é frequentemente tocada para acompanhar melodias de violino na tonalidade de D, e Open-A (A4 E3 A3 C # 4 E4) é geralmente usado para tocar músicas na chave de A. Dezenas de outras afinações de banjo são usadas, principalmente na música dos velhos tempos. Essas afinações são usadas para facilitar a execução de melodias específicas, geralmente melodias de violino ou grupos de melodias de violino.

O tamanho do banjo de cinco cordas é amplamente padronizado, mas existem tamanhos menores e maiores, incluindo o long-neck ou "Seeger neck" variação projetada por Pete Seeger. Pequenas variações do banjo de cinco cordas estão disponíveis desde a década de 1890. SS Stewart introduziu o banjeaurine, afinado uma quarta acima de um padrão de cinco cordas. Os banjos piccolo são menores e afinados uma oitava acima de um banjo padrão. Entre esses tamanhos e o padrão está o banjo da escala A, que é dois trastes mais curto e geralmente afinado um passo acima das afinações padrão. Muitos fabricantes produziram banjos de outros comprimentos de escala e com várias inovações.

Um banjo de cinco cordas

A música americana dos velhos tempos normalmente usa o banjo aberto de cinco cordas. É tocado em vários estilos diferentes, sendo o mais comum o martelo de garra ou frágil, caracterizado pelo uso de um golpe para baixo em vez de para cima ao golpear as cordas com a unha. Técnicas frágeis usam o polegar para pegar a quinta corda de um drone após a maioria das batidas ou após cada golpe ("duplo polegar"), ou para escolher notas de melodia adicionais no que é conhecido como drop-thumb. Pete Seeger popularizou um estilo folk combinando o martelo com a palhetada, geralmente sem o uso de palitos. Outro estilo comum de tocar banjo antigo é banjo de dedilhar ou banjo clássico. Este estilo é baseado na guitarra estilo parlor.

A música Bluegrass, que usa quase exclusivamente o banjo ressonador de cinco cordas, é tocada em vários estilos comuns. Isso inclui o estilo Scruggs, em homenagem a Earl Scruggs; melódico, ou estilo Keith, nomeado para Bill Keith; e estilo de três dedos com trabalho de corda única, também chamado de estilo Reno em homenagem a Don Reno. Nesses estilos, a ênfase está nas figuras arpejadas tocadas em um ritmo contínuo de colcheias, conhecido como rolls. Todos esses estilos são normalmente tocados com palhetas.

O primeiro banjo elétrico de cinco cordas de corpo sólido foi desenvolvido por Charles Wilburn (Buck) Trent, Harold "Shot" Jackson e David Jackson em 1960.

O banjo de cinco cordas tem sido usado na música clássica desde antes da virada do século XX. Obras contemporâneas e modernas foram escritas ou arranjadas para o instrumento por Jerry Garcia, Buck Trent, Béla Fleck, Tony Trischka, Ralph Stanley, Steve Martin, George Crumb, Modest Mouse, Jo Kondo, Paul Elwood, Hans Werner Henze (notavelmente em seu Sexta Sinfonia), Daniel Mason da Damn Band de Hank Williams III, Beck, os Water Tower Bucket Boys, Todd Taylor, J.P. Pickens, Peggy Honeywell, Norfolk & Western, Putnam Smith, Iron & Wine, The Avett Brothers, The Well Pennies, Punch Brothers, Julian Koster, Sufjan Stevens, Sarah Jarosz e as irmãs Leah Song e Chloe Smith de Rising Appalachia

Frederick Delius escreveu para banjo em sua ópera Koanga.

Ernst Krenek inclui dois banjos em sua Kleine Symphonie (Pequena Sinfonia).

Kurt Weill tem um banjo em sua ópera A Ascensão e Queda da Cidade de Mahagonny.

Viktor Ullmann incluiu uma parte de banjo tenor em seu Concerto para Piano (op. 25).

Banjos de quatro cordas

Plectrum banjo from Gold Tone

O banjo de palheta de quatro cordas é um banjo padrão sem a corda curta do drone. Geralmente tem 22 trastes no braço e um comprimento de escala de 26 a 28 polegadas e foi originalmente afinado C3 G3 B3 D4. Ele também pode ser afinado como as quatro primeiras cordas de um violão, o que é conhecido como "afinação de Chicago". Como o nome sugere, geralmente é tocado com uma palheta estilo violão (ou seja, uma única segurada entre o polegar e o indicador), ao contrário do banjo de cinco cordas, que é tocado com uma palheta e duas palhetas, ou com dedos. O banjo de palheta evoluiu do banjo de cinco cordas, para atender a estilos de música envolvendo acordes dedilhados. A palheta também é destaque em muitas das primeiras gravações e arranjos de jazz.

Os banjos de quatro cordas podem ser usados para acompanhamento de acordes (como no jazz antigo), para tocar melodias de uma corda (como na música tradicional irlandesa), em "melodia de acordes" estilo (uma sucessão de acordes em que as notas mais altas carregam a melodia), no estilo tremolo (tanto em acordes quanto em cordas simples) e uma técnica mista chamada estilo duo que combina tremolo de corda única e acordes rítmicos.

Os banjos de quatro cordas são usados de vez em quando no teatro musical. Os exemplos incluem: Olá, Dolly!, Mame, Chicago, Cabaret, Oklahoma!, Half a Sixpence, Annie, Barnum, The Threepenny Opera, Monty Python' s Spamalot, e inúmeros outros. Joe Raposo usou-o de forma variável na orquestração imaginativa de sete peças para o programa de TV de longa duração Vila Sésamo, e às vezes o dobrou com ele mesmo ou com uma guitarra elétrica. O banjo ainda está (embora raramente) em uso no arranjo do show atualmente.

Banjo tenor

Tenor banjos

Homem a jogar um banjo de quatro cordas.

Dois banjos de tenor Gibson do início do século XX no American Banjo Museum. Um banjo de 15 fretes. Um banjo de 19 fretes.

O banjo tenor de pescoço mais curto, com 17 ("escala curta") ou 19 trastes, também é normalmente tocado com uma palheta. Tornou-se um instrumento popular por volta de 1910. Os primeiros modelos usados para a palhetada melódica normalmente tinham 17 trastes no braço e um comprimento de escala de 191 ⁄2 a 211 ⁄2 polegadas. Em meados da década de 1920, quando o instrumento era usado principalmente para acompanhamento de acordes dedilhados, braços de 19 trastes com comprimento de escala de 213⁄4 a 23 polegadas tornou-se padrão. A afinação usual é a afinação de todas as quintas C3 G3 D4 A4, na qual exatamente sete semitons (uma quinta perfeita) ocorrem entre as notas abertas de cordas consecutivas; isso é idêntico à afinação de uma viola. Outros músicos (particularmente na música tradicional irlandesa) afinam o banjo G2 D3 A3 E4 como um bandolim de oitava, o que permite que o banjoist duplique o dedilhado do violino e do bandolim. A popularização desta afinação é geralmente atribuída ao falecido Barney McKenna, banjoist do The Dubliners. Estilo de dedo no banjo tenor reafinado para abrir a afinação dgd'g' ou afinação em D aberto inferior Adad' (escolher com três dedos, frágil) foram exploradas por Mirek Patek.

O banjo tenor era um instrumento rítmico comum nas bandas de dança do início do século XX. Seu volume e timbre se adequavam ao jazz antigo (e estilos de música popular influenciados pelo jazz) e podiam competir com outros instrumentos (como instrumentos de sopro e saxofones) e ser ouvidos claramente em gravações acústicas. A Rhapsody in Blue de George Gershwin, no arranjo original de orquestra de jazz de Ferde Grofe, inclui banjo tenor, com acordes amplamente espaçados que não podem ser tocados facilmente no banjo plectrum em suas afinações convencionais. Com o desenvolvimento do archtop e da guitarra elétrica, o banjo tenor desapareceu em grande parte do jazz e da música popular, embora mantendo seu lugar na tradicional "Dixieland" jazz.

Alguns tocadores de banjo irlandeses da década de 1920 escolheram as melodias de gabaritos, carretéis e gaitas de chifre em banjos tenor, decorando as melodias com ornamentos trigêmeos. O tocador de banjo irlandês mais importante dessa época foi Mike Flanagan, dos Flanagan Brothers, de Nova York, um dos grupos irlandeses-americanos mais populares da época. Outros tocadores de banjo irlandeses anteriores à Segunda Guerra Mundial incluíam Neil Nolan, que gravou com a Shamrock Band de Dan Sullivan em Boston, e Jimmy McDade, que gravou com a Four Provinces Orchestra na Filadélfia. Enquanto isso, na Irlanda, o surgimento das bandas ceili proporcionou um novo mercado para um instrumento barulhento como o banjo tenor. O uso do banjo tenor na música irlandesa aumentou muito desde o renascimento folk da década de 1960.

Banjos de seis cordas

Antigo seis cordas zither banjo

O banjo de seis cordas começou como uma inovação britânica de William Temlett, um dos primeiros fabricantes de banjo da Inglaterra. Ele abriu uma loja em Londres em 1846 e vendia banjos de sete cordas que comercializou como "cítara" banjos de sua patente de 1869. Um banjo de cítara geralmente tem uma parte traseira e laterais fechadas com o corpo do tambor e o sistema de tensionamento da pele suspensos dentro da borda de madeira, o braço e o arremate da corda montados na parte externa da borda e a corda do drone conduzida por um tubo no braço para que a cravelha pode ser montada na cabeça. Freqüentemente, eles eram feitos por construtores que usavam afinadores de guitarra que vinham em bancos de três, então instrumentos de cinco cordas tinham um afinador redundante; esses banjos poderiam ser facilmente convertidos em um banjo de seis cordas.

O americano Alfred Davis Cammeyer (1862–1949), um jovem violinista que se tornou banjo concertista, criou a cítara banjo de seis cordas por volta de 1880. A diva da ópera britânica Adelina Patti avisou Cammeyer que a cítara banjo poderia ser popular entre o público inglês, pois havia sido inventado lá, e Cammeyer foi para Londres em 1888. Com sua execução virtuosa, ele ajudou a mostrar que os banjos podiam fazer música mais sofisticada do que normalmente tocada por menestréis blackface. Ele logo se apresentou para a sociedade londrina, onde conheceu Sir Arthur Sullivan, que recomendou que Cammeyer passasse de arranjar a música de outros para banjo para compor sua própria música.

Foram feitos banjos modernos de bluegrass de seis cordas. Eles adicionam uma corda de baixo entre a corda mais baixa e a corda do drone em um banjo de cinco cordas e geralmente são afinados G4 G2 D3 G3 B3 D4. Sonny Osborne tocou um desses instrumentos por vários anos. Foi modificado pelo luthier Rual Yarbrough a partir de um modelo Vega de cinco cordas. Uma foto de Sonny com este banjo aparece no livro de métodos Bluegrass Banjo de Pete Wernick.

Os banjos de seis cordas, conhecidos como guitarras de banjo, consistem basicamente em um braço de guitarra de seis cordas preso a um corpo de banjo bluegrass ou palheta, que permite aos músicos que aprenderam a tocar violão tocar um som de banjo sem ter que reaprender os dedilhados. Este foi o instrumento do grande jazz do início Johnny St. Cyr, jazzmen Django Reinhardt, Danny Barker, Papa Charlie Jackson e Clancy Hayes, bem como o cantor de blues e gospel Reverendo Gary Davis. Hoje, músicos tão diversos quanto Keith Urban, Rod Stewart, Taj Mahal, Joe Satriani, David Hidalgo, Larry Lalonde e Doc Watson tocam banjo de guitarra de seis cordas. Eles se tornaram cada vez mais populares desde meados da década de 1990.

Outros banjos

Banjos baixos

Cello banjo de ouro Tom

No final do século 19 e início do século 20, em voga em conjuntos de instrumentos de cordas dedilhadas – orquestras de violões, orquestras de bandolim, orquestras de banjo – era quando a instrumentação era feita para fazer paralelo com a seção de cordas em orquestras sinfônicas. Assim, "violino, viola, 'violoncelo, baixo" tornou-se "bandolim, mandola, mandocello, mandobass", ou no caso de banjos, "banjolin, banjola, banjo cello, bass banjo". Como o alcance do instrumento de cordas dedilhadas geralmente não é tão grande quanto o dos instrumentos de cordas de arco de tamanho comparável, outros instrumentos eram freqüentemente adicionados a essas orquestras dedilhadas para estender o alcance do conjunto para cima e para baixo.

O violoncelo banjo era normalmente afinado C2-G2-D3-A3, uma oitava abaixo do banjo tenor como o violoncelo e o mandocello. Um banjo de violoncelo de cinco cordas, configurado como um banjo bluegrass (com a quinta corda curta), mas afinado uma oitava abaixo, foi produzido pela empresa Goldtone.

Baixo banjo

Os banjos de baixo foram produzidos em formatos de baixo vertical e com corpos de banjo padrão, transportados horizontalmente. Banjos de contrabaixo com três ou quatro cordas também foram feitos; alguns deles tinham cabeçotes semelhantes aos dos violinos baixos. A afinação varia nesses instrumentos grandes, com modelos de quatro cordas às vezes sendo afinados em quartas como um violino baixo (E1-A1-D2-G2) e às vezes em quintas, como um violoncelo banjo de quatro cordas, uma oitava abaixo (C1-G1 -D2-A2).

Banjo híbridos e variantes

Existem vários instrumentos híbridos, cruzando o banjo com outros instrumentos de cordas. A maioria deles usa o corpo de um banjo, geralmente com um ressonador, e o braço do outro instrumento. Exemplos incluem o banjo bandolim (patenteado pela primeira vez em 1882) e o banjo ukulele, mais famoso interpretado pelo comediante inglês George Formby. Estes foram especialmente populares nas primeiras décadas do século 20, e provavelmente foram o resultado de um desejo de permitir que os músicos de outros instrumentos entrassem no movimento do banjo no auge de sua popularidade, ou para obter os benefícios naturais de amplificação do banjo. ressonador de banjo em uma época anterior à amplificação elétrica.

Por outro lado, os violões tenor e palheta usam os respectivos braços de banjo nos corpos dos violões. Eles surgiram no início do século 20 como uma forma de os tocadores de banjo dobrarem na guitarra sem ter que reaprender totalmente o instrumento.

Instrumentos que têm um braço de banjo de cinco cordas em um corpo de madeira (por exemplo, uma guitarra, bouzouki ou corpo dobro) também foram feitos, como o banjola. Um instrumento turco do século 20 semelhante ao banjo é chamado de cümbüş, que combina um ressonador semelhante ao banjo com um braço derivado de um oud. No final do século 20, um desenvolvimento do banjo de cinco cordas foi o BanSitar. Isso apresenta uma ponte óssea, dando ao instrumento uma ressonância semelhante à cítara.

O Brazilian Samba Banjo é basicamente um braço de cavaquinho em um corpo de banjo, produzindo assim um som mais alto que o cavaquinho. É afinado da mesma forma que as 4 cordas superiores de um banjo de 5 cordas subindo uma oitava (ou qualquer afinação de cavaquinho).

Banjoists notáveis

• Vess Ossman (1868–1923) foi um banjoista de cinco cordas, cuja carreira durou o final dos séculos XIX e início do século XX. Vess começou a jogar banjo aos 12 anos de idade. Ele era um artista de gravação popular, e de fato, um dos primeiros artistas de gravação Nunca, quando a gravação de áudio tornou-se comercialmente disponível. Ele formou vários grupos de gravação, sendo o trio Ossman-Dudley mais popular.
• Joel Sweeney (1810–1860) também conhecido como Joe Sweeney, foi um músico e artista de blackface minstrel. Ele é conhecido por popularizar o jogo do banjo e muitas vezes foi creditado com avançar o desenvolvimento físico do banjo moderno de cinco cordas.
• Fred Van Eps (1878-1960) foi um jogador de cinco cordas e fabricante de banjo que aprendeu a tocar de ouvir gravações de cilindros de Vess Ossman. Ele gravou para a empresa de Edison, produzindo algumas das primeiras gravações de disco, e também as primeiras gravações de ragtime em qualquer meio que não o piano do jogador.
• O tio Dave Macon (1870–1952) foi um jogador de banjo e comediante do Tennessee conhecido por seu "telete de tampõe, dentes de ouro, ladrões de queixo, portãos ajar colarinho e esse sorriso de milhões de dólares do Tennessee".
• Eddie Peabody (1902-1970) foi um grande proponente do plectrum banjo que se apresentou por quase cinco décadas (1920-1968) e deixou um legado considerável de gravações. Um revisor chamado de "Rei do Banjo", e seu era um nome familiar por décadas. Ele passou a desenvolver novos instrumentos, produzir registros e aparecer em filmes.
• Frank Lawes (1894-1970), do Reino Unido, desenvolveu uma técnica única de fingerstyle no instrumento plectrum de quatro cordas, e foi um compositor prolífico de música banjo de quatro cordas, muito dos quais ainda é executado e gravado hoje.
• Harry Reser (1896–1965), plectrum e tenor banjo, foi considerado por alguns como o melhor banjoista tenor da década de 1920. Ele escreveu um grande número de obras para o banjo tenor, bem como material instrucional, autorizando numerosos livros do método banjo, mais de uma dúzia de outros livros do método instrumental (para guitarra; ukulele; mandolin; etc), e era bem conhecido na comunidade do banjo. A técnica de corda única e "melodia de cromo" da Reser estabeleceu uma "marca alta" que muitos jogadores tenor subsequentes se esforçaram – e ainda se esforçaram – para alcançar.
• Ola Belle Reed (1916–2002) foi uma cantora, compositora e banjoista estadunidense.
• Pete Seeger (1919–2014), um cantor e compositor que cantou solo, bem como com grupo folclórico Os Weavers, incluíram cinco cordas banjo entre seus instrumentos. Seu livro de método 1948 Como Jogar o Banjo de cinco cordas foi creditado por milhares de banjoistas, incluindo profissionais proeminentes, com o seu interesse no instrumento. Ele também é creditado com a inventar o banjo de pescoço longo (também conhecido como o "Seeger Banjo"), que adiciona três trastes mais baixos ao pescoço do banjo de cinco cordas, e sintoniza as quatro cordas principais para baixo por um terço menor, para facilitar tocar em teclas de canto mais confortável para alguns guitarristas populares.
• Earl Scruggs (1924–2012), cuja carreira variou do final da Segunda Guerra Mundial para o século XXI, é amplamente considerado como o pai do estilo bluegrass de jogar banjo. O estilo de três dedos de tocar que ele desenvolveu enquanto tocava com a banda de Bill Monroe é conhecido por seu nome: Estilo de Scrugs.
• Ralph Stanley (1927–2016) teve uma longa carreira, tanto com seu irmão como "The Stanley Brothers" e com sua banda "The Clinch Mountain Boys". Ele foi premiado com um doutorado honorário de música pela Lincoln Memorial University, é um membro do Bluegrass Hall of Fame e do Grand Ole Opry. Ele ganhou um Grammy Award de Melhor Performance Vocal Masculino País no filme O Brother, Where Art Thou?.
• Rual Yarbrough (1930–2010)
• Roy Clark (1933–2018)
• John Hartford (1937–2001)
• Ben Eldridge (n. 1938)
• Barney McKenna (1939–2012) foi um músico irlandês e um membro fundador do The Dubliners. Tocou o tenor banjo, violino, mandolina e melodeon. Ele era mais conhecido como banjo player. Barney usou a afinação do GDAE em um banjo de tenor de 19 tempos, um oitava abaixo do violino/mandolin e, de acordo com o músico Mick Moloney, foi sozinho responsável por fazer o banjo de tenor sintonizado GDAE o banjo padrão na música irlandesa. Devido ao seu nível de habilidade nos fãs do banjo, em todo o mundo e outros membros do The Dubliners o apelidaram de "Banjo Barney".
• Bill Keith (1939–2015)
• Sonny Osborne (n. 1937)
• Pete Wernick (n. 1946)
• Tony Trischka (n. 1949)
• Béla Fleck (n. 1958) é amplamente reconhecido como um dos jogadores banjo mais inovadores e tecnicamente proficientes do mundo. Seu trabalho abrange muitos estilos e gêneros, incluindo jazz, bluegrass, clássico, R&B, avant garde, e "música mundial", e ele produziu uma discografia substancial e videografia. Ele trabalha extensivamente em meios acústicos e elétricos. Fleck foi nomeado para Grammy Awards em mais categorias do que qualquer outro artista, e recebeu 13 a partir de 2015.
• Noam Pikelny (n. 1981) é um banjoista americano que toca estilos ecléticos, incluindo bluegrass tradicionais, música clássica, rock e jazz. Ele ganhou o Prêmio Steve Martin de Excelência em Banjo e Bluegrass em 2010. Ele foi nomeado para oito nomeações Grammy e foi premiado com sua banda, The Punch Brothers, em 2018.
• Clifford Essex, (n. 1869 - c.1946) um banjoista britânico, que também era um fabricante de instrumentos musicais
• Outros importantes artistas de quatro cordas foram Mike Pingitore, que jogou tenor para a Orquestra Paul Whiteman através 1948, e Roy Smeck, pioneiro na rádio e gravação, autor de muitos livros instrucionais, e cujas performances influentes em muitos instrumentos fretados lhe valeram o apelido de "Wizard of the Strings", durante seus anos ativos (1922-1950). Jogadores de tenor proeminentes do vintage mais recente incluem Narvin Kimball (d. 2006) (banjoista esquerdo da Preservation Hall Jazz Band fama).
• Jogadores notáveis de quatro cordas atualmente ativos incluem estilistas de ragtime e dixieland Charlie Tagawa (b. 1935) e Bill Lowrey (b. 1963). O guitarrista de jazz Howard Alden (n. 1958) começou sua carreira no tenor banjo e ainda toca em eventos de jazz tradicionais. Cynthia Sayer (n. 1962) é considerada como uma das melhores banjoistas do plectrum do jazz. Winston Marshall (n. 1988) interpreta banjo (entre outros instrumentos) para o grupo folk rock britânico Mumford and Sons, uma banda que ganhou o Grammy Award de 2013 para "Melhor Álbum do Ano".