Atuando

Atriz de cinema e teatro francês Sarah Bernhardt como Hamlet

Atores em samurai e traje de rinoceronte no conjunto de filmes Kyoto Eigamura

Atuação é uma atividade na qual uma história é contada por meio de sua encenação por um ator ou atriz que adota um personagem - no teatro, televisão, cinema, rádio ou qualquer outro meio que faça uso do modo mimético.

A atuação envolve uma ampla gama de habilidades, incluindo uma imaginação bem desenvolvida, facilidade emocional, expressividade física, projeção vocal, clareza de fala e capacidade de interpretar drama. Atuar também exige habilidade para empregar dialetos, sotaques, improvisação, observação e emulação, mímica e combate de palco. Muitos atores treinam longamente em programas especializados ou faculdades para desenvolver essas habilidades. A grande maioria dos atores profissionais passou por treinamento extensivo. Atores e atrizes geralmente têm muitos instrutores e professores para uma gama completa de treinamento envolvendo canto, trabalho de cena, técnicas de audição e atuação para a câmera.

A maioria das fontes antigas no Ocidente que examinam a arte de atuar (grego: ὑπόκρισις, hypokrisis) discutem isso como parte da retórica.

História

Um dos primeiros atores conhecidos foi um grego antigo chamado Thespis de Icaria em Atenas. Escrevendo dois séculos após o evento, Aristóteles em sua Poética (c. 335 AC) sugere que Thespis saiu do coro ditirâmbico e o abordou como um personagem separado. Antes de Thespis, o coro narrava (por exemplo, "Dioniso fez isso, Dioniso disse aquilo"). Quando Thespis saiu do refrão, ele falou como se fosse o personagem (por exemplo, "Eu sou Dionísio, eu fiz isso"). Distinguir entre esses diferentes modos de contar histórias – encenação e narração

—Aristóteles usa os termos "mimesis" (via promulgação) e "diegese" (via narração). De Thespis' nome deriva da palavra "thespian".

Treinamento

Membros do First Studio, com quem Stanislavski começou a desenvolver seu "sistema" de treinamento ator, que forma a base para a maioria dos treinamentos profissionais no Ocidente.

Os conservatórios e as escolas de teatro normalmente oferecem treinamento de dois a quatro anos em todos os aspectos da atuação. As universidades oferecem principalmente programas de três a quatro anos, nos quais o aluno geralmente pode optar por se concentrar em atuar, enquanto continua a aprender sobre outros aspectos do teatro. As escolas variam em sua abordagem, mas na América do Norte o método mais popular ensinado deriva do 'sistema' de Konstantin Stanislavski, que foi desenvolvido e popularizado na América como método de atuação por Lee Strasberg, Stella Adler, Sanford Meisner e outros.

Outras abordagens podem incluir uma orientação com base mais física, como a promovida por praticantes de teatro tão diversos como Anne Bogart, Jacques Lecoq, Jerzy Grotowski ou Vsevolod Meyerhold. As aulas também podem incluir psicotécnica, trabalho de máscara, teatro físico, improvisação e atuação para câmera.

Independentemente da abordagem de uma escola, os alunos devem esperar treinamento intensivo em interpretação textual, voz e movimento. As inscrições para programas de teatro e conservatórios geralmente envolvem audições extensas. Qualquer pessoa com mais de 18 anos geralmente pode se inscrever. O treinamento também pode começar em uma idade muito jovem. Aulas de atuação e escolas profissionais voltadas para menores de 18 anos são comuns. Essas aulas apresentam aos jovens atores diferentes aspectos da atuação e do teatro, incluindo o estudo da cena.

O aumento do treinamento e exposição para falar em público permite que os humanos se mantenham mais calmos e relaxados fisiologicamente. Medir a frequência cardíaca de um orador público talvez seja uma das maneiras mais fáceis de avaliar as mudanças no estresse à medida que a frequência cardíaca aumenta com a ansiedade. À medida que os atores aumentam suas performances, a frequência cardíaca e outras evidências de estresse podem diminuir. Isso é muito importante no treinamento de atores, pois as estratégias adaptativas obtidas com o aumento da exposição ao falar em público podem regular a ansiedade implícita e explícita. Ao frequentar uma instituição com especialização em atuação, o aumento da oportunidade de atuação levará a uma fisiologia mais relaxada e diminuição do estresse e seus efeitos no corpo. Esses efeitos podem variar da saúde hormonal à cognitiva, podendo afetar a qualidade de vida e o desempenho

Improvisação

Dois personagens mascarados do com a mídia dell'arte, cujo "Laços" envolveu um grau significativo de improvisação.

Algumas formas clássicas de atuação envolvem um elemento substancial de performance improvisada. O mais notável é seu uso pelas trupes da commedia dell'arte, uma forma de comédia mascarada que se originou na Itália.

A improvisação como uma abordagem para atuar formou uma parte importante do "sistema" do praticante de teatro russo Konstantin Stanislavski. de treinamento de ator, que desenvolveu a partir da década de 1910. No final de 1910, o dramaturgo Maxim Gorky convidou Stanislavski para acompanhá-lo em Capri, onde discutiram o treinamento e a emergente "gramática" de Stanislavski. de atuação. Inspirado por uma apresentação de teatro popular em Nápoles que utilizava as técnicas da commedia dell'arte, Gorky sugeriu que formassem uma companhia, inspirada nos atores ambulantes medievais, na qual um dramaturgo e um grupo de jovens atores criariam novas peças juntos por meio da improvisação. Stanislavski desenvolveria esse uso da improvisação em seu trabalho com seu Primeiro Estúdio do Teatro de Arte de Moscou. O uso de Stanislavski foi estendido ainda mais nas abordagens de atuação desenvolvidas por seus alunos, Michael Chekhov e Maria Knebel.

No Reino Unido, o uso da improvisação foi iniciado por Joan Littlewood a partir da década de 1930 e, mais tarde, por Keith Johnstone e Clive Barker. Nos Estados Unidos, foi promovido por Viola Spolin, após trabalhar com Neva Boyd em uma Hull House em Chicago, Illinois (Spolin foi aluno de Boyd de 1924 a 1927). Como os praticantes britânicos, Spolin achava que jogar era um meio útil de treinar atores e ajudava a melhorar o desempenho de um ator. Com a improvisação, ela argumentou, as pessoas podem encontrar liberdade de expressão, já que não sabem como uma situação improvisada vai acabar. A improvisação exige uma mente aberta para manter a espontaneidade, em vez de planejar uma resposta. Um personagem é criado pelo ator, muitas vezes sem referência a um texto dramático, e um drama é desenvolvido a partir das interações espontâneas com outros atores. Esta abordagem para criar um novo drama foi desenvolvida de forma mais substancial pelo cineasta britânico Mike Leigh, em filmes como Secrets & Mentiras (1996), Vera Drake (2004), Outro Ano (2010) e Sr. Turner (2014).

A improvisação também é usada para encobrir se um ator ou atriz comete um erro.

Efeitos fisiológicos

Atuar na frente de uma platéia muitas vezes pode causar "medo do palco", uma forma de estresse em que alguém fica ansioso na frente de uma platéia. Isso é comum entre os atores, especialmente os novos atores, e pode causar sintomas como aumento da frequência cardíaca, aumento da pressão arterial e sudorese.

Em um estudo de 2017 com estudantes universitários americanos, atores de vários níveis de experiência mostraram frequências cardíacas igualmente elevadas durante suas apresentações; isso concorda com estudos anteriores sobre atores profissionais e amadores. Frequência cardíaca. Enquanto todos os atores experimentaram estresse, causando aumento da frequência cardíaca, os atores mais experientes exibiram menor variabilidade da frequência cardíaca do que os atores menos experientes na mesma peça. Os atores mais experientes experimentaram menos estresse durante a atuação e, portanto, tiveram um menor grau de variabilidade do que os atores menos experientes e mais estressados. Quanto mais experiente for um ator, mais estável será sua frequência cardíaca durante a atuação, mas ainda experimentará frequências cardíacas elevadas.

Semiótica

Antonin Artaud comparou o efeito da performance de um ator em um público em seu "Theatre of Cruelty" com a maneira como um encantador de cobra afeta cobras.

A semiótica da atuação envolve um estudo das maneiras pelas quais os aspectos de uma performance passam a operar para seu público como signos. Esse processo envolve em grande parte a produção de sentido, por meio da qual os elementos da atuação do ator adquirem significado, tanto no contexto mais amplo da ação dramática quanto nas relações que cada um estabelece com o mundo real.

Seguindo as ideias propostas pelo teórico surrealista Antonin Artaud, no entanto, também pode ser possível entender a comunicação com um público que ocorre 'abaixo' significação e significado (que o semiótico Félix Guattari descreveu como um processo que envolve a transmissão de "signos a-significantes"). Em seu The Theatre and its Double (1938), Artaud comparou essa interação com a maneira pela qual um encantador de serpentes se comunica com uma cobra, um processo que ele identificou como "mimesis"— o mesmo termo que Aristóteles em sua Poética (c. 335 AEC) usado para descrever o modo pelo qual o drama comunica sua história, em virtude de sua incorporação pelo ator que o representa, distinto da "diegese", ou a maneira pela qual um narrador pode descrevê-lo. Essas "vibrações" a passagem do ator para o público pode não necessariamente precipitar em elementos significativos como tais (isto é, "significados" conscientemente percebidos), mas pode operar por meio da circulação de "afetos".

A abordagem de atuação adotada por outros praticantes de teatro envolve graus variados de preocupação com a semiótica da atuação. Konstantin Stanislavski, por exemplo, aborda as maneiras pelas quais um ator, com base no que ele chama de "experimentar" de um papel, deve também moldar e ajustar uma performance para apoiar o significado geral do drama - um processo que ele chama de estabelecer a "perspectiva do papel". A semiótica da atuação desempenha um papel muito mais central no teatro épico de Bertolt Brecht, no qual um ator se preocupa em trazer à tona claramente o significado sócio-histórico do comportamento e da ação por meio de escolhas de atuação específicas - um processo que ele descreve como estabelecendo o "não/mas" elemento em um "gesto" dentro do contexto geral da peça "Fabel". Eugenio Barba argumenta que os atores não devem se preocupar com o significado de seu comportamento de atuação; esse aspecto é responsabilidade, ele afirma, do diretor, que tece os elementos significativos da performance de um ator na "montagem" dramatúrgica do diretor.

O semiótico do teatro Patrice Pavis, aludindo ao contraste entre o 'sistema' e o performer demonstrativo de Brecht - e, além disso, ao ensaio fundamental de Denis Diderot sobre a arte de atuar, Paradox of the Actor (c. 1770–78)—argumenta que:

Acting foi visto há muito tempo em termos da sinceridade ou hipocrisia do ator - ele deve acreditar no que ele está dizendo e ser movido por ele, ou ele deve se distanciar e transmitir seu papel de forma desapegada? A resposta varia de acordo com a forma como se vê o efeito a ser produzido no público e a função social do teatro.

Elementos de uma semiótica de atuação incluem os gestos do ator, expressões faciais, entonação e outras qualidades vocais, ritmo e as maneiras pelas quais esses aspectos de uma performance individual se relacionam com o drama e o evento teatral (ou filme, programa de televisão ou transmissão de rádio, cada um dos quais envolve diferentes sistemas semióticos) considerados como um todo. Uma semiótica da atuação reconhece que todas as formas de atuação envolvem convenções e códigos por meio dos quais o comportamento da performance adquire significado – incluindo aquelas abordagens, como a de Stanislvaski ou o método de atuação estreitamente relacionado desenvolvido nos Estados Unidos, que se oferecem como "um tipo natural de atuação que pode prescindir de convenções e ser recebido como auto-evidente e universal." Pavis continua argumentando que:

Qualquer atuação é baseada em um sistema codificado (mesmo que o público não o veja como tal) de comportamento e ações que são consideradas credíveis, realistas ou artificiais e teatrais. Defender o natural, o espontâneo e o instintivo é apenas tentar produzir efeitos naturais, governado por um código ideológico que determina, em um determinado momento histórico, e para um determinado público, o que é natural e credível e o que é declamatório e teatral.

As convenções que regem a atuação em geral estão relacionadas a formas estruturadas de jogo, que envolvem, em cada experiência específica, "regras do jogo" Este aspecto foi explorado pela primeira vez por Johan Huizinga (em Homo Ludens, 1938) e Roger Caillois (em Man, Play and Games, 1958). Caillois, por exemplo, distingue quatro aspectos do jogo relevantes para a atuação: mimesis (simulação), agon (conflito ou competição), alea (acaso) e ilinx (vertigem, ou "situações psicológicas vertiginosas" envolvendo a identificação ou catarse do espectador). Essa conexão com a brincadeira como atividade foi proposta pela primeira vez por Aristóteles em sua Poética, na qual ele define o desejo de imitar na brincadeira como parte essencial do ser humano e nosso primeiro meio de aprender quando crianças:

Porque é um instinto dos seres humanos, desde a infância, para se envolver em mimesis (indevidamente, isso os distingue de outros animais: o homem é o mais mimético de todos, e é através da mimesia que ele desenvolve sua compreensão mais antiga); e igualmente natural que todos desfrutam de objetos miméticos. (IV, 1448b)

Essa conexão com a peça também informou as palavras usadas em inglês (como foi o caso análogo em muitas outras línguas européias) para drama: a palavra "play" ou "jogo" (traduzindo o anglo-saxão plèga ou latim ludus) era o termo padrão usado até a época de William Shakespeare para um entretenimento dramático - assim como seu criador era um & #34;play-maker" em vez de um "dramatista", a pessoa que atuava era conhecida como "jogador" e, quando na era elisabetana foram construídos edifícios específicos para atuação, eles eram conhecidos como " casinhas de brincar" em vez de "teatros"

Currículos e audições

Atores e atrizes precisam fazer um currículo ao se candidatar a papéis. O currículo de atuação é muito diferente de um currículo normal; geralmente é mais curto, com listas em vez de parágrafos, e deve ter uma foto da cabeça nas costas. Às vezes, um currículo também contém um rolo curto de 30 segundos a 1 minuto exibindo as habilidades do ator, para que o diretor de elenco possa ver suas performances anteriores, se houver. O currículo de um ator deve listar projetos em que ele já atuou, como peças, filmes ou shows, bem como habilidades especiais e suas informações de contato.

O teste é o ato de executar um monólogo ou lados (falas para um personagem) conforme enviado pelo diretor de elenco. A audição envolve mostrar as habilidades do ator para se apresentar como uma pessoa diferente; pode ser tão breve quanto dois minutos. Para audições de teatro pode durar mais de dois minutos, ou podem realizar mais de um monólogo, pois cada diretor de elenco pode ter requisitos diferentes para os atores. Os atores devem ir às audições vestidos para o papel, para facilitar a visualização do diretor de elenco como o personagem. Para televisão ou cinema, eles terão que passar por mais de um teste. Freqüentemente, os atores são chamados para outro teste no último minuto e são enviados para os lados naquela manhã ou na noite anterior. A audição pode ser uma parte estressante da atuação, especialmente se a pessoa não foi treinada para a audição.

Ensaio

O ensaio é um processo no qual os atores preparam e praticam uma performance, explorando as vicissitudes do conflito entre personagens, testando ações específicas na cena e encontrando meios para transmitir um sentido particular. Alguns atores continuam a ensaiar uma cena durante todo o show, a fim de mantê-la fresca em suas mentes e emocionante para o público.

Público

Um público crítico com espectadores avaliativos é conhecido por induzir estresse nos atores durante a performance (ver Bode & Brutten). Estar na frente de um público compartilhando uma história torna os atores intensamente vulneráveis. Surpreendentemente, um ator normalmente avalia a qualidade de seu desempenho mais alto do que seus espectadores. Os batimentos cardíacos geralmente são sempre mais altos durante uma apresentação com uma plateia quando comparados ao ensaio, porém o interessante é que esta plateia também parece induzir uma performance de maior qualidade. Simplificando, enquanto as apresentações públicas causam níveis extremamente altos de estresse nos atores (mais ainda nos amadores), o estresse realmente melhora o desempenho, apoiando a ideia de "estresse positivo em situações desafiadoras"

Frequência cardíaca

Dependendo do que um ator está fazendo, sua frequência cardíaca varia. Esta é a maneira do corpo responder ao estresse. Antes de um show, você verá um aumento na frequência cardíaca devido à ansiedade. Durante a atuação, um ator tem um aumento da sensação de exposição, o que aumentará a ansiedade de atuação e a excitação fisiológica associada, como a frequência cardíaca. Os batimentos cardíacos aumentam mais durante os shows em comparação com os ensaios por causa do aumento da pressão, devido ao fato de que uma performance tem um impacto potencialmente maior na carreira de um ator. Após o show, pode-se observar uma diminuição na frequência cardíaca devido à conclusão da atividade indutora de estresse. Freqüentemente, a frequência cardíaca volta ao normal após o término do show ou apresentação; no entanto, durante os aplausos após a apresentação, há um rápido pico na frequência cardíaca. Isso pode ser visto não apenas em atores, mas também em falar em público e em músicos.

Estresse

Sam Gibbs e Su Thomas Hendrickson em Oresteia por Aeschylus, adaptado por Ryan Castalia para Stairwell Theater, 2019

Existe uma correlação entre a frequência cardíaca e o estresse quando os atores se exercitam. estão se apresentando na frente de uma platéia. Os atores afirmam que ter uma audiência não altera seu nível de estresse, mas assim que eles sobem no palco, sua frequência cardíaca aumenta rapidamente. Um estudo de 2017 feito em uma universidade americana analisando as habilidades dos atores. o estresse medindo a frequência cardíaca mostrou que as frequências cardíacas individuais aumentaram logo antes do início da apresentação para a abertura desses atores. Existem muitos fatores que podem adicionar ao desempenho de um ator. estresse. Por exemplo, duração dos monólogos, nível de experiência e ações realizadas no palco, incluindo mover o cenário. Ao longo da performance, a frequência cardíaca aumenta mais antes de o ator falar. O estresse e, portanto, a frequência cardíaca do ator caem significativamente no final de um monólogo, grande cena de ação ou performance.