Arte
Arte é uma gama diversificada de atividade humana e produto resultante, que envolve talento criativo ou imaginativo que expressa proficiência técnica, beleza, poder emocional ou ideias conceituais.
Não existe uma definição geralmente aceita do que constitui arte, e sua interpretação tem variado muito ao longo da história e entre as culturas. Na tradição ocidental, os três ramos clássicos das artes visuais são a pintura, a escultura e a arquitetura. Teatro, dança e outras artes cênicas, bem como literatura, música, cinema e outras mídias, como mídia interativa, estão incluídos em uma definição mais ampla de artes. Até o século XVII, arte se referia a qualquer habilidade ou domínio e não era diferenciada de ofícios ou ciências. No uso moderno após o século XVII, onde as considerações estéticas são primordiais, as artes plásticas são separadas e diferenciadas das habilidades adquiridas em geral, como as artes decorativas ou aplicadas.
A natureza da arte e conceitos relacionados, como criatividade e interpretação, são explorados em um ramo da filosofia conhecido como estética. As obras resultantes são estudadas nos campos profissionais da crítica de arte e da história da arte.
Visão geral
Na perspetiva da história da arte, as obras artísticas existem há quase tanto tempo como a humanidade: desde a arte pré-histórica até à arte contemporânea; no entanto, alguns teóricos pensam que o conceito típico de "obras artísticas" não se encaixa bem fora das sociedades ocidentais modernas. Um dos primeiros sentidos da definição de arte está intimamente relacionado ao antigo significado latino, que se traduz aproximadamente como "habilidade" ou "artesanato", conforme associado a palavras como "artesão". Palavras em inglês derivadas desse significado incluem artefato, artificial, artifice, artes médicas e artes militares . No entanto, existem muitos outros usos coloquiais da palavra, todos com alguma relação com sua etimologia.
Ao longo do tempo, filósofos como Platão, Aristóteles, Sócrates e Immanuel Kant, entre outros, questionaram o significado da arte. Vários diálogos em Platão abordam questões sobre arte: Sócrates diz que a poesia é inspirada pelas musas e não é racional. Ele fala com aprovação disso e de outras formas de loucura divina (embriaguez, erotismo e sonho) no Fedro(265a–c), e ainda na República quer fora da lei a grande arte poética de Homero e o riso também. Em Ion, Sócrates não dá indícios da desaprovação de Homero que ele expressa na República. O diálogo Ion sugere que a Ilíada de Homero funcionou no mundo grego antigo como a Bíblia funciona hoje no mundo cristão moderno: como arte literária divinamente inspirada que pode fornecer orientação moral, desde que possa ser adequadamente interpretada.
No que diz respeito à arte literária e às artes musicais, Aristóteles considerava a poesia épica, a tragédia, a comédia, a poesia ditirâmbica e a música como arte mimética ou imitativa, cada uma variando em imitação por meio, objeto e maneira. Por exemplo, a música imita com a mídia do ritmo e da harmonia, enquanto a dança imita apenas com o ritmo e a poesia com a linguagem. As formas também diferem em seu objeto de imitação. A comédia, por exemplo, é uma imitação dramática de homens piores do que a média; enquanto a tragédia imita os homens um pouco melhor do que a média. Por fim, as formas diferem em sua maneira de imitar - por meio de narrativa ou personagem, por mudança ou não, e por drama ou sem drama. Aristóteles acreditava que a imitação é natural para a humanidade e constitui uma das vantagens da humanidade sobre os animais.
O sentido mais recente e específico da palavra art como abreviação de arte criativa ou bela arte surgiu no início do século XVII. Fine art refere-se a uma habilidade usada para expressar a criatividade do artista, ou para envolver as sensibilidades estéticas do público, ou para atrair o público para a consideração de obras de arte mais refinadas ou melhores arte.
Neste último sentido, a palavra arte pode se referir a várias coisas: (i) um estudo de uma habilidade criativa, (ii) um processo de uso da habilidade criativa, (iii) um produto da habilidade criativa ou (iv) a experiência do público com a habilidade criativa. As artes criativas (arte como disciplina) são uma coleção de disciplinas que produzem obras de arte (arte como objetos) que são compelidas por um impulso pessoal ( arte como atividade) e transmitir uma mensagem, humor ou simbolismo para o observador interpretar (arte como experiência). A arte é algo que estimula os pensamentos, emoções, crenças ou ideias de um indivíduo por meio dos sentidos. As obras de arte podem ser feitas explicitamente para esse fim ou interpretadas com base em imagens ou objetos. Para alguns estudiosos, como Kant, as ciências e as artes poderiam ser distinguidas tomando a ciência como representando o domínio do conhecimento e as artes como representando o domínio da liberdade de expressão artística.
Muitas vezes, se a habilidade estiver sendo usada de maneira comum ou prática, as pessoas a considerarão um ofício em vez de arte. Da mesma forma, se a habilidade estiver sendo usada de forma comercial ou industrial, pode ser considerada arte comercial em vez de arte. Por outro lado, artesanato e design às vezes são considerados arte aplicada. Alguns seguidores da arte argumentaram que a diferença entre belas artes e arte aplicada tem mais a ver com julgamentos de valor feitos sobre a arte do que com qualquer diferença de definição clara. No entanto, mesmo as belas artes geralmente têm objetivos além da pura criatividade e auto-expressão. O propósito das obras de arte pode ser comunicar ideias, como na arte politicamente, espiritualmente ou filosoficamente motivada; para criar um senso de beleza (ver estética); explorar a natureza da percepção; por prazer; ou para gerar fortes emoções. O propósito também pode ser aparentemente inexistente.
A natureza da arte foi descrita pelo filósofo Richard Wollheim como "um dos mais elusivos dos problemas tradicionais da cultura humana". A arte tem sido definida como um veículo para a expressão ou comunicação de emoções e ideias, um meio para explorar e apreciar elementos formais por si mesmos e como mimesis ou representação. A arte como mimese tem raízes profundas na filosofia de Aristóteles. Leo Tolstoy identificou a arte como um uso de meios indiretos para se comunicar de uma pessoa para outra. Benedetto Croce e R. G. Collingwood apresentaram a visão idealista de que a arte expressa emoções e que a obra de arte, portanto, existe essencialmente na mente do criador. A teoria da arte como forma tem suas raízes na filosofia de Kant e foi desenvolvida no início do século XX por Roger Fry e Clive Bell. Mais recentemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger interpretaram a arte como o meio pelo qual uma comunidade desenvolve para si um meio de auto-expressão e interpretação. George Dickie ofereceu uma teoria institucional da arte que define uma obra de arte como qualquer artefato sobre o qual uma pessoa qualificada ou pessoas agindo em nome da instituição social comumente referida como "o mundo da arte" conferiu "o estatuto de candidato à apreciação". Larry Shiner descreveu a arte como "não uma essência ou um destino, mas algo que fizemos". A arte, como geralmente a entendemos, é uma invenção européia de apenas duzentos anos."
A arte pode ser caracterizada em termos de mimese (sua representação da realidade), narrativa (contar histórias), expressão, comunicação de emoções ou outras qualidades. Durante o período romântico, a arte passou a ser vista como "uma faculdade especial da mente humana a ser classificada com religião e ciência".
História
Uma concha gravada pelo Homo erectus foi determinada como tendo entre 430.000 e 540.000 anos de idade. Um conjunto de oito garras de águia de cauda branca de 130.000 anos traz marcas de corte e abrasão que indicam manipulação por neandertais, possivelmente para usá-lo como joias. Uma série de minúsculas conchas de caracol perfuradas com cerca de 75.000 anos de idade foram descobertas em uma caverna sul-africana. Recipientes que podem ter sido usados para armazenar tintas foram encontrados datando de 100.000 anos.
A obra de arte mais antiga encontrada na Europa é o Riesenhirschknochen der Einhornhöhle, datado de 51.000 anos e feito por neandertais.
Foram encontradas esculturas, pinturas rupestres, pinturas rupestres e petroglifos do Paleolítico Superior datando de cerca de 40.000 anos atrás, mas o significado preciso dessa arte é frequentemente contestado porque pouco se sabe sobre as culturas que as produziram.
As primeiras esculturas indiscutíveis e peças de arte semelhantes, como a Vênus de Hohle Fels, são os numerosos objetos encontrados nas Cavernas e na Arte da Idade do Gelo no Jura da Suábia, Patrimônio Mundial da UNESCO, onde as mais antigas obras não estacionárias de arte humana ainda descobertos foram encontrados, na forma de animais esculpidos e estatuetas humanóides, além dos instrumentos musicais mais antigos desenterrados até agora, com os artefatos datados entre 43.000 e 35.000 aC, sendo assim o primeiro centro da arte humana.
Muitas grandes tradições na arte têm como base a arte de uma das grandes civilizações antigas: Antigo Egito, Mesopotâmia, Pérsia, Índia, China, Grécia Antiga, Roma, bem como Inca, Maia e Olmeca. Cada um desses centros de civilização primitiva desenvolveu um estilo único e característico em sua arte. Devido ao tamanho e duração dessas civilizações, mais de suas obras de arte sobreviveram e mais de sua influência foi transmitida a outras culturas e tempos posteriores. Alguns também forneceram os primeiros registros de como os artistas trabalhavam. Por exemplo, este período da arte grega viu uma veneração da forma física humana e o desenvolvimento de habilidades equivalentes para mostrar musculatura, equilíbrio, beleza e proporções anatomicamente corretas.
Na arte bizantina e medieval da Idade Média Ocidental, muita arte se concentrou na expressão de assuntos sobre a cultura bíblica e religiosa e usou estilos que mostravam a glória superior de um mundo celestial, como o uso de ouro no fundo de pinturas, ou vidro em mosaicos ou janelas, que também apresentavam figuras em formas idealizadas, padronizadas (planas). No entanto, uma tradição realista clássica persistiu em pequenas obras bizantinas, e o realismo cresceu constantemente na arte da Europa católica.
A arte renascentista tinha uma ênfase muito maior na representação realista do mundo material e no lugar dos humanos nele, refletido na corporeidade do corpo humano, e no desenvolvimento de um método sistemático de perspectiva gráfica para retratar a recessão em uma espaço de imagem tridimensional.
No leste, a rejeição da iconografia pela arte islâmica levou à ênfase em padrões geométricos, caligrafia e arquitetura. Mais a leste, a religião também dominava os estilos e formas artísticas. A Índia e o Tibete deram ênfase às esculturas pintadas e à dança, enquanto a pintura religiosa emprestou muitas convenções da escultura e tendeu a cores contrastantes brilhantes com ênfase nos contornos. A China viu o florescimento de muitas formas de arte: escultura em jade, bronze, cerâmica (incluindo o impressionante exército de terracota do imperador Qin), poesia, caligrafia, música, pintura, drama, ficção, etc. um é tradicionalmente nomeado após a dinastia dominante. Assim, por exemplo, as pinturas da dinastia Tang são monocromáticas e esparsas, enfatizando paisagens idealizadas, mas as pinturas da dinastia Ming são intensas e coloridas e se concentram em contar histórias por meio de cenários e composições. O Japão também nomeia seus estilos após dinastias imperiais e também viu muita interação entre os estilos de caligrafia e pintura. A impressão em xilogravura tornou-se importante no Japão após o século XVII.
O Iluminismo ocidental no século 18 viu representações artísticas de certezas físicas e racionais do universo mecânico, bem como visões politicamente revolucionárias de um mundo pós-monarquista, como o retrato de Blake de Newton como um geômetra divino, ou pinturas propagandísticas de David. Isso levou a rejeições românticas disso em favor de imagens do lado emocional e da individualidade dos humanos, exemplificadas nos romances de Goethe. O final do século XIX viu uma série de movimentos artísticos, como arte acadêmica, simbolismo, impressionismo e fauvismo, entre outros.
A história da arte do século XX é uma narrativa de infinitas possibilidades e da busca de novos padrões, cada um sendo demolido sucessivamente pelo próximo. Assim, os parâmetros do Impressionismo, Expressionismo, Fauvismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, etc. não podem ser mantidos muito além do tempo de sua invenção. O aumento da interação global durante esse período viu uma influência equivalente de outras culturas na arte ocidental. Assim, as xilogravuras japonesas (elas mesmas influenciadas pelo desenho renascentista ocidental) tiveram uma imensa influência no impressionismo e no desenvolvimento subsequente. Mais tarde, as esculturas africanas foram retomadas por Picasso e, até certo ponto, por Matisse. Da mesma forma, nos séculos 19 e 20, o Ocidente teve um enorme impacto na arte oriental, com ideias originalmente ocidentais, como o comunismo e o pós-modernismo, exercendo uma poderosa influência.
O modernismo, a busca idealista da verdade, deu lugar na segunda metade do século 20 a uma percepção de sua inatingibilidade. Theodor W. Adorno disse em 1970: “Agora é dado como certo que nada que diga respeito à arte pode ser dado como certo: nem a arte em si, nem a arte em relação ao todo, nem mesmo o direito da arte a existem." O relativismo foi aceito como uma verdade incontornável, o que levou ao período da arte contemporânea e da crítica pós-moderna, onde as culturas do mundo e da história são vistas como formas mutáveis, que podem ser apreciadas e extraídas apenas com ceticismo e ironia. Além disso, a separação de culturas é cada vez mais tênue e alguns argumentam que agora é mais apropriado pensar em termos de uma cultura global, em vez de regionais.
Em A Origem da Obra de Arte, Martin Heidegger, filósofo alemão e pensador seminal, descreve a essência da arte em termos dos conceitos de ser e verdade. Ele argumenta que a arte não é apenas uma forma de expressar o elemento de verdade em uma cultura, mas o meio de criá-lo e fornecer um trampolim a partir do qual "aquilo que é" pode ser revelado. Obras de arte não são meramente representações de como as coisas são, mas na verdade produzem um entendimento compartilhado por uma comunidade. Cada vez que uma nova obra de arte é adicionada a qualquer cultura, o significado do que é existir é inerentemente alterado.
Historicamente, a arte e as habilidades e ideias artísticas foram frequentemente difundidas por meio do comércio. Um exemplo disso é a Rota da Seda, onde as influências helenísticas, iranianas, indianas e chinesas puderam se misturar. A arte greco-budista é um dos exemplos mais vívidos dessa interação. O encontro de diferentes culturas e visões de mundo também influenciou a criação artística. Um exemplo disso é a metrópole portuária multicultural de Trieste no início do século 20, onde James Joyce conheceu escritores da Europa Central e o desenvolvimento artístico da cidade de Nova York como um caldeirão cultural.
Formas, gêneros, mídia e estilos
As artes criativas são frequentemente divididas em categorias mais específicas, geralmente em categorias perceptivelmente distinguíveis, como mídia, gênero, estilos e forma. Forma de arte refere-se aos elementos da arte que são independentes de sua interpretação ou significado. Abrange os métodos adotados pelo artista e a composição física da obra de arte, principalmente aspectos não semânticos da obra (ou seja, figurae), como cor, contorno, dimensão, meio, melodia, espaço, textura e valor. A forma também pode incluir princípios de design visual, como arranjo, equilíbrio, contraste, ênfase, harmonia, proporção, proximidade e ritmo.
Em geral, existem três escolas de filosofia em relação à arte, concentrando-se respectivamente na forma, conteúdo e contexto. Formalismo Extremo é a visão de que todas as propriedades estéticas da arte são formais (ou seja, parte da forma de arte). Os filósofos rejeitam quase universalmente essa visão e sustentam que as propriedades e a estética da arte se estendem além dos materiais, técnicas e formas. Infelizmente, há pouco consenso sobre a terminologia para essas propriedades informais. Alguns autores se referem ao assunto e ao conteúdo – ou seja, denotações e conotações – enquanto outros preferem termos como significado e significação.
O Intencionalismo Extremo sustenta que a intenção autoral desempenha um papel decisivo no significado de uma obra de arte, transmitindo o conteúdo ou a ideia principal essencial, enquanto todas as outras interpretações podem ser descartadas. Ele define o assunto como as pessoas ou ideias representadas e o conteúdo como a experiência do artista desse assunto. Por exemplo, a composição de Napoleão I em seu Trono Imperial é parcialmente emprestada da Estátua de Zeus em Olímpia. Como evidenciado pelo título, o assunto é Napoleão, e o conteúdo é a representação de Ingres de Napoleão como "Imperador-Deus além do tempo e do espaço". Da mesma forma que o formalismo extremo, os filósofos normalmente rejeitam o intencionalismo extremo, porque a arte pode ter múltiplos significados ambíguos e a intenção autoral pode ser incognoscível e, portanto, irrelevante. Sua interpretação restritiva é "socialmente insalubre, filosoficamente irreal e politicamente imprudente".
Finalmente, a teoria em desenvolvimento do pós-estruturalismo estuda o significado da arte em um contexto cultural, como as ideias, emoções e reações provocadas por uma obra. O contexto cultural muitas vezes se reduz às técnicas e intenções do artista, caso em que a análise segue linhas semelhantes ao formalismo e ao intencionalismo. No entanto, em outros casos podem predominar condições históricas e materiais, como convicções religiosas e filosóficas, estruturas sociopolíticas e econômicas, ou mesmo clima e geografia. A crítica de arte continua crescendo e se desenvolvendo junto com a arte.
Habilidade e habilidade
A arte pode conotar uma sensação de habilidade treinada ou domínio de um meio. A arte também pode se referir ao uso desenvolvido e eficiente de uma linguagem para transmitir significado com imediatismo ou profundidade. A arte pode ser definida como um ato de expressar sentimentos, pensamentos e observações.
Existe um entendimento que se chega com o material a partir do seu manuseio, o que facilita os processos de pensamento. Uma visão comum é que o epíteto arte, particularmente em seu sentido elevado, requer um certo nível de habilidade criativa do artista, seja uma demonstração de habilidade técnica, uma originalidade na abordagem estilística ou uma combinação destes dois. Tradicionalmente, a habilidade de execução era vista como uma qualidade inseparável da arte e, portanto, necessária para seu sucesso; para Leonardo da Vinci, a arte, nem mais nem menos do que seus outros empreendimentos, era uma manifestação de habilidade. A obra de Rembrandt, agora elogiada por suas virtudes efêmeras, era mais admirada por seus contemporâneos por seu virtuosismo. Na virada do século 20, as performances hábeis de John Singer Sargent eram alternadamente admiradas e vistas com ceticismo por sua fluência manual, mas quase ao mesmo tempo o artista que se tornaria o iconoclasta mais reconhecido e peripatético da época, Pablo Picasso, estava concluindo uma formação acadêmica tradicional na qual se destacava.
Uma crítica contemporânea comum a alguma arte moderna ocorre no sentido de objetar a aparente falta de habilidade ou habilidade necessária na produção do objeto artístico. Na arte conceitual, a Fonte de Marcel Duchamp está entre os primeiros exemplos de peças em que o artista usou objetos encontrados ("ready-made") e não exerceu nenhum conjunto tradicionalmente reconhecido de habilidades. Tracey Emin's My Bed, ou Damien Hirst's The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living seguem este exemplo e também manipulam os meios de comunicação de massa . Emin dormiu (e se envolveu em outras atividades) em sua cama antes de colocar o resultado em uma galeria como obra de arte. Hirst criou o projeto conceitual para a obra de arte, mas deixou a maior parte da eventual criação de muitas obras para artesãos empregados. A celebridade de Hirst baseia-se inteiramente em sua capacidade de produzir conceitos chocantes. A própria produção em muitas obras de arte conceituais e contemporâneas é uma questão de montagem de objetos encontrados. No entanto, existem muitos artistas modernistas e contemporâneos que continuam a se destacar nas habilidades de desenho e pintura e na criação de obras de arte hands-on.
Finalidade
A arte teve um grande número de funções diferentes ao longo de sua história, tornando seu propósito difícil de abstrair ou quantificar em um único conceito. Isso não implica que o propósito da arte seja "vago", mas que ela teve muitas razões únicas e diferentes para ser criada. Algumas dessas funções da arte são fornecidas no esboço a seguir. Os diferentes propósitos da arte podem ser agrupados de acordo com os não motivados e os motivados (Lévi-Strauss).
Funções não motivadas
Os propósitos não motivados da arte são aqueles que são parte integrante do ser humano, transcendem o indivíduo ou não cumprem um propósito externo específico. Nesse sentido, a Arte, como criatividade, é algo que os humanos devem fazer por sua própria natureza (ou seja, nenhuma outra espécie cria arte) e, portanto, está além da utilidade.
- Instinto humano básico para harmonia, equilíbrio, ritmo. A arte a este nível não é uma ação ou um objeto, mas uma apreciação interna do equilíbrio e harmonia (beleza), e, portanto, um aspecto de ser humano além da utilidade.
A imitação, então, é um instinto da nossa natureza. Em seguida, há o instinto de 'harmonia' e ritmo, metros sendo manifestamente seções de ritmo. As pessoas, portanto, começando com este dom natural desenvolvido por graus suas aptidões especiais, até que suas improvisações rudes deu origem à Poesia. – Aristóteles
- Experiência do misterioso. A arte fornece uma maneira de experimentar o eu em relação ao universo. Esta experiência pode muitas vezes vir desmotivada, como se aprecia arte, música ou poesia.
A coisa mais bonita que podemos experimentar é o misterioso. É a fonte de toda a verdadeira arte e ciência. – Albert Einstein
- Expressão da imaginação. A arte fornece um meio para expressar a imaginação de formas não programáticas que não estão ligadas à formalidade da linguagem falada ou escrita. Ao contrário das palavras, que vêm em sequências e cada uma das quais tem um significado definido, a arte fornece uma gama de formas, símbolos e ideias com significados que são maleáveis.
A águia de Júpiter [como exemplo de arte] não é, como atributos lógicos (estéticos) de um objeto, o conceito da sublimite e majestade da criação, mas sim algo mais – algo que dá à imaginação um incentivo para espalhar seu voo sobre uma série de representações gentis que provocam mais pensamento do que admitir a expressão em um conceito determinado por palavras. Eles fornecem uma ideia estética, que serve a ideia racional acima como um substituto para a apresentação lógica, mas com a função adequada, no entanto, de animar a mente, abrindo-se para ele uma perspectiva em um campo de representações afiadas que se estendem além de seu ken. – Immanuel Kant
- Funções rituais e simbólicas. Em muitas culturas, a arte é usada em rituais, performances e danças como uma decoração ou símbolo. Embora estas muitas vezes não tenham um propósito utilitarista específico (motivado), os antropólogos sabem que muitas vezes servem um propósito ao nível do significado dentro de uma cultura particular. Este significado não é fornecido por nenhum indivíduo, mas é muitas vezes o resultado de muitas gerações de mudança, e de uma relação cosmológica dentro da cultura.
A maioria dos estudiosos que lidam com pinturas rochosas ou objetos recuperados de contextos pré-históricos que não podem ser explicados em termos utilitários e, portanto, são categorizados como decorativos, rituais ou simbólicos, estão cientes da armadilha colocada pelo termo "arte". – Silva Tomaskova
Funções motivadas
Os propósitos motivados da arte referem-se a ações intencionais e conscientes por parte dos artistas ou criadores. Estes podem ser para trazer mudanças políticas, comentar um aspecto da sociedade, transmitir uma emoção ou humor específico, abordar a psicologia pessoal, ilustrar outra disciplina, (com artes comerciais) vender um produto ou usar como uma forma de comunicação.
- Comunicação. A arte, na sua mais simples, é uma forma de comunicação. Como a maioria das formas de comunicação tem uma intenção ou objetivo direcionado para outro indivíduo, este é um propósito motivado. As artes ilustrativas, como a ilustração científica, são uma forma de arte como comunicação. Os mapas são outro exemplo. No entanto, o conteúdo não precisa ser científico. Emoções, humores e sentimentos também são comunicados através da arte.
[Arte é um conjunto de] artefatos ou imagens com significados simbólicos como um meio de comunicação. – Steve Mithen
- Arte como entretenimento. A arte pode procurar trazer uma emoção ou humor particular, com o propósito de relaxar ou entreter o espectador. Esta é muitas vezes a função das indústrias de arte de filmes e jogos de vídeo.
- O Avant-Garde. Arte para a mudança política. Uma das funções de definição da arte do início do século XX tem sido usar imagens visuais para trazer mudanças políticas. Movimentos de arte que tinham esse objetivo - o doadaísmo, o surrealismo, o construtivismo russo e o expressionismo abstrato, entre outros - são coletivamente referidos como o Avant-garde artes.
Pelo contrário, a atitude realista, inspirada no positivismo, de São Tomás de Aquino a Anatole France, parece-me claramente hostil a qualquer avanço intelectual ou moral. Eu odeio, porque é composto de mediocridade, ódio e conceito maçante. É esta atitude que hoje dá à luz esses livros ridículos, essas peças insultuosas. Ele constantemente alimenta-se e deriva a força dos jornais e stultifies tanto a ciência e a arte por assiduamente lisonjear o mais baixo dos gostos; clareza que limita a estupidez, a vida de um cão. – André Breton (Surrealismo)
- Arte como uma "zona livre", removido da ação do censure social. Ao contrário dos movimentos de vanguarda, que queriam apagar as diferenças culturais, a fim de produzir novos valores universais, a arte contemporânea aumentou sua tolerância para as diferenças culturais, bem como suas funções críticas e libertadoras (inquérito social, ativismo, subversão, desconstrução, etc), tornando-se um lugar mais aberto para a pesquisa e experimentação.
- Arte para inquérito social, subversão ou anarquia. Embora semelhante à arte para a mudança política, a arte subversiva ou desconstrutiva pode procurar questionar aspectos da sociedade sem qualquer objetivo político específico. Neste caso, a função da arte pode ser usada para criticar algum aspecto da sociedade.Arte Graffiti e outros tipos de arte de rua são gráficos e imagens que são pintados a pulverização ou estencilled em paredes, edifícios, ônibus, trens e pontes, geralmente sem permissão. Certas formas de arte, como grafite, também podem ser ilegais quando quebram leis (neste caso, vandalismo).
Grafite de pintura a spray em uma parede em Roma - Arte para causas sociais. A arte pode ser usada para aumentar a conscientização para uma grande variedade de causas. Uma série de atividades artísticas foram destinadas a aumentar a conscientização sobre autismo, câncer, tráfico humano e uma variedade de outros tópicos, como a conservação do oceano, os direitos humanos em Darfur, assassinadas e desaparecidas mulheres aborígenes, abuso de idosos e poluição. Trashion, usando lixo para fazer moda, praticado por artistas como Marina DeBris é um exemplo de usar arte para aumentar a conscientização sobre a poluição.
- Arte para fins psicológicos e curativos. A arte também é usada por terapeutas de arte, psicoterapeutas e psicólogos clínicos como terapia de arte. A Série Diagnóstica de Desenho, por exemplo, é usada para determinar a personalidade e o funcionamento emocional de um paciente. O produto final não é o principal objetivo neste caso, mas sim um processo de cura, através de atos criativos, é procurado. A peça de arte resultante também pode oferecer insight sobre os problemas experimentados pelo sujeito e pode sugerir abordagens adequadas para ser usado em formas mais convencionais de terapia psiquiátrica.
- Arte de propaganda ou comercialismo. A arte é frequentemente usada como uma forma de propaganda, e assim pode ser usada para influenciar subtilmente concepções populares ou humor. De uma forma semelhante, a arte que tenta vender um produto também influencia o humor e a emoção. Em ambos os casos, o objetivo da arte aqui é manipular subtilmente o espectador em uma resposta emocional ou psicológica particular para uma ideia ou objeto particular.
- Arte como indicador de aptidão. Tem sido argumentado que a capacidade do cérebro humano excede de longe o que era necessário para a sobrevivência no ambiente ancestral. Uma explicação de psicologia evolutiva para isso é que o cérebro humano e traços associados (como a capacidade artística e a criatividade) são o equivalente humano da cauda do pavão. O objetivo da cauda extravagante do pavão masculino tem sido argumentado para ser para atrair fêmeas (veja também o fugitivo e o princípio de desvantagem Fisherian). De acordo com esta teoria a execução superior da arte era evolutivamente importante porque atraiu companheiros.
As funções da arte descritas acima não são mutuamente exclusivas, pois muitas delas podem se sobrepor. Por exemplo, a arte com fins de entretenimento também pode procurar vender um produto, ou seja, o filme ou videogame.
Etapas
A arte pode ser dividida em qualquer número de etapas para as quais se possa argumentar. Esta seção divide o processo criativo em três grandes etapas, mas não há consenso sobre um número exato.
Preparação
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Na primeira etapa, o artista visualiza a arte em sua mente. Ao imaginar como seria sua arte, o artista inicia o processo de trazer a arte à existência. Alguns postulam que apenas pensar na arte a cria. Outros argumentam que pensar nisso aumentará diretamente as chances de que ocorra. A preparação da arte pode envolver a abordagem e pesquisa do assunto. A inspiração artística é um dos principais impulsionadores da arte e pode ser considerada como decorrente do instinto, das impressões e dos sentimentos. A "iluminação" de uma ideia artística é "encontrar a ideia".
Criação
Na segunda etapa, o artista executa a criação de sua obra. A arte que o artista cria pode depender de seu humor, ambiente e estado mental. Por exemplo, As pinturas negras de Francisco de Goya, criadas nos anos mais velhos de sua vida, são consideradas tão sombrias porque ele estava isolado e por causa de sua experiência com a guerra. Ele os pintou diretamente nas paredes de seu apartamento na Espanha e provavelmente nunca os discutiu com ninguém. Os Beatles afirmaram que drogas como LSD e cannabis influenciaram alguns de seus maiores sucessos, como Revolver. Tentativa e erro são considerados parte integrante do processo de criação.
Agradecimento
A última etapa é a apreciação da arte, que tem o subtópico da crítica. Em um estudo, mais da metade dos estudantes de artes visuais concordaram que a reflexão é uma etapa essencial do processo artístico. Segundo os periódicos de educação, a reflexão da arte é considerada parte essencial da experiência. No entanto, um aspecto importante da arte é que outros possam vê-la e apreciá-la também. Embora muitos se concentrem em ver/ouvir/etc. acredite a arte seja boa/bem-sucedida ou não, a arte tem um valor profundo além de seu sucesso comercial como provedora de informação e saúde na sociedade. O prazer da arte pode trazer um amplo espectro de emoções devido à beleza. Alguma arte pretende ser prática, com sua análise estudiosa e destinada a estimular o discurso.
Acesso público
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Desde os tempos antigos, grande parte da arte mais refinada representou uma exibição deliberada de riqueza ou poder, geralmente obtida usando materiais caros e em grande escala. Muita arte foi encomendada por governantes políticos ou instituições religiosas, com versões mais modestas disponíveis apenas para os mais ricos da sociedade.
No entanto, houve muitos períodos em que a arte de altíssima qualidade estava disponível, em termos de propriedade, em amplas camadas da sociedade, sobretudo em mídias baratas como a cerâmica, que persiste no solo, e em mídias perecíveis, como têxteis e madeira. Em muitas culturas diferentes, as cerâmicas dos povos indígenas das Américas são encontradas em uma variedade tão grande de sepulturas que claramente não eram restritas a uma elite social, embora outras formas de arte possam ter sido. Métodos reprodutivos, como moldes, facilitaram a produção em massa e foram usados para levar a cerâmica romana antiga de alta qualidade e as estatuetas gregas de Tanagra a um mercado muito amplo. Os selos cilíndricos eram artísticos e práticos, e muito amplamente usados pelo que pode ser chamado vagamente de classe média no Antigo Oriente Próximo. Uma vez que as moedas foram amplamente utilizadas, elas também se tornaram uma forma de arte que atingiu a mais ampla gama da sociedade.
Outra inovação importante surgiu na Europa no século XV, quando a gravura começou com pequenas xilogravuras, principalmente religiosas, muitas vezes muito pequenas e coloridas à mão, acessíveis até mesmo por camponeses que as colavam nas paredes de suas casas. Os livros impressos eram inicialmente muito caros, mas caíram constantemente de preço até que, no século 19, até os mais pobres podiam pagar alguns com ilustrações impressas. Impressões populares de muitos tipos diferentes decoraram casas e outros lugares por séculos.
Em 1661, a cidade de Basel, na Suíça, inaugurou o primeiro museu público de arte do mundo, o Kunstmuseum Basel. Hoje, a sua colecção distingue-se por um período histórico impressionantemente amplo, desde o início do século XV até ao presente imediato. As suas várias áreas de destaque conferem-lhe uma posição internacional como um dos museus mais significativos do seu género. Estes abrangem: pinturas e desenhos de artistas ativos na região do Alto Reno entre 1400 e 1600, e na arte dos séculos XIX a XXI.
Edifícios e monumentos públicos, seculares e religiosos, pela sua natureza normalmente dirigem-se a toda a sociedade, e aos visitantes como espectadores, e a exibição ao público em geral tem sido um fator importante na sua conceção. Os templos egípcios são típicos porque a decoração mais ampla e luxuosa foi colocada nas partes que podiam ser vistas pelo público em geral, em vez das áreas vistas apenas pelos sacerdotes. Muitas áreas de palácios reais, castelos e casas da elite social eram geralmente acessíveis, e grandes partes das coleções de arte dessas pessoas podiam ser vistas, seja por qualquer pessoa, seja por aqueles que podem pagar um pequeno preço, ou aqueles vestindo as roupas corretas, independentemente de quem fossem, como no Palácio de Versalhes, onde os acessórios extras apropriados (fivelas de sapato de prata e uma espada) podiam ser alugados em lojas externas.
Arranjos especiais foram feitos para permitir que o público visse muitas coleções reais ou privadas colocadas em galerias, como a Coleção Orleans, localizada principalmente em uma ala do Palais Royal em Paris, que podia ser visitada durante a maior parte do século XVIII. Na Itália, o turismo de arte do Grand Tour tornou-se uma grande indústria a partir do Renascimento, e governos e cidades fizeram esforços para tornar suas obras-chave acessíveis. A British Royal Collection permanece distinta, mas grandes doações, como a Old Royal Library, foram feitas dela para o British Museum, criado em 1753. O Uffizi em Florença abriu inteiramente como uma galeria em 1765, embora essa função tenha gradualmente levado o edifício dos funcionários públicos originais. escritórios por muito tempo antes. O edifício agora ocupado pelo Prado em Madri foi construído antes da Revolução Francesa para a exibição pública de partes da coleção de arte real, e galerias reais semelhantes abertas ao público existiam em Viena, Munique e outras capitais. A abertura do Musée du Louvre durante a Revolução Francesa (em 1793) como museu público de grande parte da antiga coleção real francesa certamente marcou uma etapa importante no desenvolvimento do acesso público à arte, transferindo a propriedade para um estado republicano, mas foi uma continuação de tendências já bem estabelecidas.
A maioria dos museus públicos modernos e programas de educação artística para crianças nas escolas remontam a esse impulso de ter arte disponível para todos. No entanto, os museus não apenas disponibilizam a arte, mas também influenciam a forma como a arte está sendo percebida pelo público, conforme constatado por estudos. Assim, o próprio museu não é apenas um palco contundente para a apresentação da arte, mas desempenha um papel ativo e vital na percepção geral da arte na sociedade moderna.
Os museus nos Estados Unidos tendem a ser presentes dos muito ricos para as massas. (O Metropolitan Museum of Art na cidade de Nova York, por exemplo, foi criado por John Taylor Johnston, um executivo ferroviário cuja coleção pessoal de arte semeou o museu.) Mas, apesar de tudo isso, pelo menos uma das funções importantes da arte no século XXI século permanece como um marcador de riqueza e status social.
Houve tentativas de artistas de criar arte que não pode ser comprada pelos ricos como um objeto de status. Um dos principais motivadores originais de grande parte da arte do final dos anos 1960 e 1970 foi criar arte que não pudesse ser comprada e vendida. É "necessário apresentar algo mais do que meros objetos" disse o grande artista alemão do pós-guerra Joseph Beuys. Esse período viu o surgimento de coisas como arte performática, videoarte e arte conceitual. A ideia era que se a obra de arte fosse uma performance que não deixasse nada para trás, ou fosse uma ideia, não poderia ser comprada e vendida. “Os preceitos democráticos em torno da ideia de que a obra de arte é uma mercadoria impulsionaram a inovação estética que germinou em meados dos anos 1960 e foi colhida ao longo dos anos 1970. Artistas amplamente identificados sob o título de arte conceitual... substituindo as atividades de performance e publicação pelo envolvimento com as preocupações materiais e materialistas da forma pintada ou escultórica... [têm] se esforçado para minar o objeto de arte qua objeto."
Nas décadas seguintes, essas ideias se perderam um pouco, pois o mercado de arte aprendeu a vender DVDs de edições limitadas de trabalhos em vídeo, convites para peças exclusivas de arte performática e objetos que sobraram de peças conceituais. Muitas dessas performances criam obras que só são compreendidas pela elite que foi educada sobre por que uma ideia, um vídeo ou um pedaço de lixo aparente pode ser considerado arte. O marcador de status passa a ser a compreensão da obra em vez de necessariamente possuí-la, e a obra de arte continua sendo uma atividade da classe alta. “Com o uso generalizado da tecnologia de gravação de DVD no início dos anos 2000, os artistas e o sistema de galerias que obtém seus lucros com a venda de obras de arte ganharam um importante meio de controlar a venda de obras de arte em vídeo e computador em edições limitadas para colecionadores."
Controvérsias
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A arte tem sido controversa há muito tempo, ou seja, desagradada por alguns espectadores, por uma ampla variedade de razões, embora a maioria das controvérsias pré-modernas sejam vagamente registradas ou completamente perdidas para uma visão moderna. Iconoclastia é a destruição da arte que não é apreciada por uma variedade de razões, inclusive religiosas. O aniconismo é uma aversão geral a todas as imagens figurativas ou, muitas vezes, apenas às religiosas, e tem sido um tópico em muitas das principais religiões. Tem sido um fator crucial na história da arte islâmica, onde as representações de Maomé permanecem especialmente controversas. Muita arte foi odiada simplesmente porque representava ou representava governantes, partidos ou outros grupos impopulares. As convenções artísticas costumam ser conservadoras e levadas muito a sério pelos críticos de arte, embora muitas vezes muito menos por um público mais amplo. O conteúdo iconográfico da arte pode causar controvérsia, como nas representações medievais do novo motivo do Desmaio da Virgem em cenas da Crucificação de Jesus. O Juízo Final de Michelangelo foi controverso por várias razões, incluindo quebras de decoro através da nudez e a pose de Cristo semelhante a Apolo.
O conteúdo de grande parte da arte formal ao longo da história foi ditado pelo patrono ou comissário, e não apenas pelo artista, mas com o advento do romantismo e as mudanças econômicas na produção de arte, o interesse dos artistas. a visão tornou-se o determinante usual do conteúdo de sua arte, aumentando a incidência de controvérsias, embora muitas vezes reduzindo seu significado. Fortes incentivos para a percepção de originalidade e publicidade também encorajaram os artistas a cortejar a controvérsia. A Balsa da Medusa de Théodore Géricault (c. 1820 ), foi em parte um comentário político sobre um evento recente. A obra Le Déjeuner sur l'Herbe de Édouard Manet (1863), foi considerada escandalosa não pela mulher nua, mas por ela estar sentada ao lado de homens totalmente vestidos com as roupas da tempo, ao invés de vestes do mundo antigo. A obra Madame Pierre Gautreau (Madame X) de John Singer Sargent (1884), causou polêmica sobre o rosa avermelhado usado para colorir o lóbulo da orelha da mulher, considerado muito sugestivo e supostamente arruinando a reputação do modelo da alta sociedade. O abandono gradual do naturalismo e a representação de representações realistas da aparência visual dos sujeitos nos séculos XIX e XX levaram a uma controvérsia contínua que durou mais de um século.
No século 20, Guernica (1937) de Pablo Picasso usou técnicas cubistas impressionantes e óleos monocromáticos para retratar as consequências angustiantes de um bombardeio contemporâneo de uma pequena e antiga cidade basca . O Interrogatório III de Leon Golub (1981) retrata uma detenta nua, encapuzada, amarrada a uma cadeira, com as pernas abertas para revelar seus órgãos sexuais, cercada por dois algozes vestidos com roupas comuns. O Piss Christ de Andres Serrano (1989) é uma fotografia de um crucifixo, sagrado para a religião cristã e representando o sacrifício e o sofrimento final de Cristo, submerso em um copo do artista. 39;s própria urina. O alvoroço resultante levou a comentários no Senado dos Estados Unidos sobre o financiamento público das artes.
Teoria
Antes do Modernismo, a estética na arte ocidental estava muito preocupada em alcançar o equilíbrio apropriado entre diferentes aspectos do realismo ou da verdade da natureza e do ideal; as ideias sobre qual é o equilíbrio apropriado mudaram de um lado para o outro ao longo dos séculos. Essa preocupação é amplamente ausente em outras tradições de arte. O teórico estético John Ruskin, que defendia o que via como o naturalismo de J. M. W. Turner, via o papel da arte como a comunicação por artifício de uma verdade essencial que só poderia ser encontrada na natureza.
A definição e avaliação da arte tornou-se especialmente problemática desde o século XX. Richard Wollheim distingue três abordagens para avaliar o valor estético da arte: a realista, segundo a qual a qualidade estética é um valor absoluto independente de qualquer visão humana; o Objetivista, segundo o qual também é um valor absoluto, mas depende da experiência humana geral; e a posição relativista, segundo a qual não é um valor absoluto, mas depende e varia com a experiência humana de diferentes humanos.
Chegada do Modernismo
A chegada do Modernismo no final do século XIX levou a uma ruptura radical na concepção da função da arte, e novamente no final do século XX com o advento do pós-modernismo. O artigo de 1960 de Clement Greenberg, "Pintura Modernista" define a arte moderna como "o uso de métodos característicos de uma disciplina para criticar a própria disciplina". Greenberg originalmente aplicou essa ideia ao movimento expressionista abstrato e a usou como uma forma de entender e justificar a pintura abstrata plana (não ilusionista):
A arte realista e naturalista dissipou o médium, usando a arte para esconder a arte; o modernismo usou a arte para chamar a atenção para a arte. As limitações que constituem o meio da pintura - a superfície plana, a forma do apoio, as propriedades do pigmento - foram tratadas pelos Mestres Antigos como fatores negativos que só poderiam ser reconhecidos implicitamente ou indiretamente. Sob o Modernismo, essas mesmas limitações vieram a ser consideradas como fatores positivos, e foram reconhecidas abertamente.
Depois de Greenberg, surgiram vários teóricos importantes da arte, como Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin e Griselda Pollock, entre outros. Embora originalmente concebida apenas como uma forma de entender um conjunto específico de artistas, a definição de arte moderna de Greenberg é importante para muitas das ideias de arte dentro dos vários movimentos artísticos do século XX e início do século XXI.
Artistas pop como Andy Warhol tornaram-se notáveis e influentes por meio de trabalhos que incluíam e possivelmente criticavam a cultura popular, bem como o mundo da arte. Artistas das décadas de 1980, 1990 e 2000 expandiram essa técnica de autocrítica além da arte erudita para toda a criação de imagens culturais, incluindo imagens de moda, quadrinhos, outdoors e pornografia.
Duchamp uma vez propôs que a arte é qualquer atividade de qualquer tipo - tudo. No entanto, a forma como apenas algumas atividades são classificadas hoje como arte é uma construção social. Há evidências de que pode haver um elemento de verdade nisso. Em A invenção da arte: uma história cultural, Larry Shiner examina a construção do sistema moderno das artes, ou seja, as belas artes. Ele encontra evidências de que o sistema mais antigo das artes antes de nosso sistema moderno (belas artes) considerava a arte como qualquer atividade humana qualificada; por exemplo, a sociedade grega antiga não possuía o termo arte, mas techne. A techne não pode ser entendida nem como arte nem como ofício, porque as distinções entre arte e ofício são produtos históricos que surgiram posteriormente na história humana. Techne incluía pintura, escultura e música, mas também culinária, medicina, equitação, geometria, carpintaria, profecia e agricultura, etc.
Novas críticas e a "falácia intencional"
Seguindo Duchamp durante a primeira metade do século 20, ocorreu uma mudança significativa na teoria estética geral, que tentou aplicar a teoria estética entre várias formas de arte, incluindo as artes literárias e as artes visuais, entre si. Isso resultou no surgimento da escola New Criticism e no debate sobre a falácia intencional. Em causa estava a questão de saber se as intenções estéticas do artista na criação da obra de arte, qualquer que seja a sua forma específica, deveriam estar associadas à crítica e avaliação do produto final da obra de arte, ou, se a obra de arte deve ser avaliada por seus próprios méritos, independentemente das intenções do artista.
Em 1946, William K. Wimsatt e Monroe Beardsley publicaram um ensaio clássico e controverso da New Critical intitulado "The Intentional Fallacy", no qual eles argumentaram fortemente contra a relevância da intenção de um autor, ou "significado pretendido" na análise de uma obra literária. Para Wimsatt e Beardsley, tudo o que importava eram as palavras na página; a importação de significados de fora do texto foi considerada irrelevante e potencialmente perturbadora.
Em outro ensaio, "A Falácia Afetiva", que serviu como uma espécie de ensaio irmão de "A Falácia Intencional" Wimsatt e Beardsley também descartaram a reação pessoal/emocional do leitor a uma obra literária como um meio válido de analisar um texto. Essa falácia seria mais tarde repudiada por teóricos da escola de teoria literária da resposta do leitor. Ironicamente, um dos principais teóricos dessa escola, Stanley Fish, foi treinado pela New Critics. Fish critica Wimsatt e Beardsley em seu ensaio de 1970 "Literature in the Reader".
Conforme resumido por Berys Gaut e Paisley Livingston em seu ensaio "The Creation of Art": "Teóricos e críticos estruturalistas e pós-estruturalistas criticaram fortemente muitos aspectos da Nova Crítica, começando com a ênfase na apreciação estética e na chamada autonomia da arte, mas reiteraram o ataque à crítica biográfica'; pressuposto de que as atividades e a experiência do artista eram um tema crítico privilegiado." Esses autores afirmam que: "Anti-intencionalistas, como os formalistas, sustentam que as intenções envolvidas na criação da arte são irrelevantes ou periféricas para interpretar corretamente a arte. Portanto, os detalhes do ato de criar uma obra, embora possivelmente de interesse em si mesmos, não têm relação com a interpretação correta da obra."
Gaut e Livingston definem os intencionalistas como distintos dos formalistas afirmando que: "Os intencionalistas, ao contrário dos formalistas, sustentam que a referência às intenções é essencial para fixar a interpretação correta das obras." Eles citam Richard Wollheim como afirmando que, "A tarefa da crítica é a reconstrução do processo criativo, onde o processo criativo deve, por sua vez, ser pensado como algo que não pára antes, mas termina na própria obra de arte. ."
"Virada linguística" e seu debate
O final do século 20 promoveu um extenso debate conhecido como a controvérsia da virada linguística, ou o "debate do olho inocente" na filosofia da arte. Este debate discutiu o encontro da obra de arte como sendo determinado pela medida relativa em que o encontro conceitual com a obra de arte domina sobre o encontro perceptivo com a obra de arte.
Decisivo para o debate da virada linguística na história da arte e nas humanidades foram as obras de outra tradição, a saber, o estruturalismo de Ferdinand de Saussure e o movimento subsequente do pós-estruturalismo. Em 1981, o artista Mark Tansey criou uma obra de arte intitulada The Innocent Eye como uma crítica ao clima de desacordo predominante na filosofia da arte durante as últimas décadas do século XX. Teóricos influentes incluem Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault e Jacques Derrida. O poder da linguagem, mais especificamente de certos tropos retóricos, na história da arte e no discurso histórico foi explorado por Hayden White. O fato de que a linguagem não é um meio transparente de pensamento foi enfatizado por uma forma muito diferente de filosofia da linguagem que se originou nas obras de Johann Georg Hamann e Wilhelm von Humboldt. Ernst Gombrich e Nelson Goodman em seu livro Languages of Art: An Approach to a Theory of Symbols chegaram a sustentar que o encontro conceitual com a obra de arte predominava exclusivamente sobre o encontro perceptivo e visual com a obra de arte. arte nas décadas de 1960 e 1970. Ele foi desafiado com base na pesquisa feita pelo psicólogo vencedor do Prêmio Nobel Roger Sperry, que sustentou que o encontro visual humano não se limitava a conceitos representados apenas na linguagem (a virada linguística) e que outras formas de representações psicológicas da obra de arte eram igualmente defensáveis e demonstráveis. A visão de Sperry acabou prevalecendo no final do século 20 com filósofos estéticos como Nick Zangwill defendendo fortemente um retorno ao formalismo estético moderado entre outras alternativas.
Disputas de classificação
Disputas sobre classificar ou não algo como uma obra de arte são referidas como disputas classificatórias sobre arte. As disputas classificatórias no século 20 incluíram pinturas cubistas e impressionistas, a Fonte de Duchamp, os filmes, as obras de J. S. G. Boggs e as obras de arte de J. S. G. Boggs. imitações superlativas de cédulas, arte conceitual e videogames. O filósofo David Novitz argumentou que o desacordo sobre a definição de arte raramente é o cerne do problema. Em vez disso, "as preocupações e interesses apaixonados que os humanos investem em sua vida social" são "parte de todas as disputas classificatórias sobre a arte" De acordo com Novitz, as disputas classificatórias são mais frequentemente disputas sobre valores sociais e para onde a sociedade está tentando ir do que sobre a teoria propriamente dita. Por exemplo, quando o Daily Mail criticou o trabalho de Hirst e Emin argumentando que "por 1.000 anos a arte tem sido uma de nossas grandes forças civilizadoras". Hoje, ovelhas em conserva e camas sujas ameaçam transformar todos nós em bárbaros. eles não estão avançando em uma definição ou teoria sobre arte, mas questionando o valor do trabalho de Hirst e Emin. Em 1998, Arthur Danto sugeriu um experimento mental mostrando que "o status de um artefato como obra de arte resulta das ideias que uma cultura aplica a ele, e não de suas qualidades físicas ou perceptíveis inerentes". A interpretação cultural (uma teoria da arte de algum tipo) é, portanto, constitutiva da arte de um objeto."
Anti-arte é um rótulo para a arte que desafia intencionalmente os parâmetros e valores estabelecidos da arte; é um termo associado ao dadaísmo e atribuído a Marcel Duchamp pouco antes da Primeira Guerra Mundial, quando fazia arte a partir de objetos encontrados. Um deles, Fountain (1917), um mictório comum, alcançou considerável destaque e influência na arte. A anti-arte é uma característica do trabalho da Situationist International, do movimento lo-fi Mail art e dos Young British Artists, embora seja uma forma ainda rejeitada pelos Stuckists, que se descrevem como anti-anti-art.
A arquitetura é frequentemente incluída como uma das artes visuais; no entanto, tal como as artes decorativas, ou a publicidade, envolve a criação de objectos onde as considerações práticas de utilização são essenciais de uma forma que normalmente não o são numa pintura, por exemplo.
Julgamento de valor
Um pouco em relação ao acima, a palavra arte também é usada para aplicar julgamentos de valor, como em expressões como "aquela refeição era uma obra de arte" (o cozinheiro é um artista), ou "a arte de enganar" (o nível altamente alcançado de habilidade do enganador é elogiado). É esse uso da palavra como uma medida de alta qualidade e alto valor que dá ao termo seu sabor de subjetividade. Fazer julgamentos de valor requer uma base para a crítica. No nível mais simples, uma maneira de determinar se o impacto do objeto nos sentidos atende aos critérios para ser considerado arte é se ele é percebido como atraente ou repulsivo. Embora a percepção seja sempre colorida pela experiência e seja necessariamente subjetiva, é comumente entendido que o que não é esteticamente satisfatório não pode ser arte. No entanto, "bom" a arte nem sempre ou mesmo regularmente é esteticamente atraente para a maioria dos espectadores. Em outras palavras, a principal motivação de um artista não precisa ser a busca pela estética. Além disso, a arte geralmente retrata imagens terríveis feitas por razões sociais, morais ou instigantes. Por exemplo, a pintura de Francisco Goya retratando os fuzilamentos espanhóis de 3 de maio de 1808 é uma representação gráfica de um pelotão de fuzilamento executando vários civis suplicantes. No entanto, ao mesmo tempo, as imagens horríveis demonstram a aguçada habilidade artística de Goya na composição e execução e produzem uma indignação social e política adequada. Assim, o debate continua sobre qual modo de satisfação estética, se houver, é necessário para definir "arte".
A assunção de novos valores ou a rebelião contra noções aceitas do que é esteticamente superior não precisa ocorrer concomitantemente com um abandono completo da busca pelo que é esteticamente atraente. De fato, o inverso é frequentemente verdadeiro, pois a revisão do que é popularmente concebido como sendo esteticamente atraente permite um revigoramento da sensibilidade estética e uma nova apreciação dos padrões da própria arte. Inúmeras escolas propuseram suas próprias formas de definir qualidade, mas todas parecem concordar em pelo menos um ponto: uma vez que suas escolhas estéticas são aceitas, o valor da obra de arte é determinado por sua capacidade de transcender os limites do meio escolhido. para atingir algum acorde universal pela raridade da habilidade do artista ou em sua reflexão precisa no que é denominado zeitgeist. A arte é muitas vezes destinada a apelar e conectar-se com a emoção humana. Pode despertar sentimentos estéticos ou morais, e pode ser entendido como uma forma de comunicar esses sentimentos. Os artistas expressam algo para que seu público seja até certo ponto estimulado, mas não precisam fazê-lo conscientemente. A arte pode ser considerada uma exploração da condição humana; isto é, o que é ser humano. Por extensão, Emily L. Spratt argumentou que o desenvolvimento da inteligência artificial, especialmente no que diz respeito aos seus usos com imagens, exige uma reavaliação da teoria estética na história da arte hoje e uma reconsideração dos limites da criatividade humana.
Arte e direito
Uma questão legal essencial são falsificações de arte, plágio, réplicas e obras fortemente baseadas em outras obras de arte.
O comércio de obras de arte ou a exportação de um país pode estar sujeito a regulamentação legal. Internacionalmente também há grandes esforços para proteger as obras de arte criadas. A ONU, a UNESCO e o Blue Shield International tentam garantir uma proteção efetiva em nível nacional e intervir diretamente em caso de conflitos armados ou desastres. Isso pode afetar particularmente museus, arquivos, coleções de arte e locais de escavação. Isso também deve garantir a base econômica de um país, especialmente porque as obras de arte costumam ter importância turística. O presidente fundador da Blue Shield International, Karl von Habsburg, explicou uma conexão adicional entre a destruição de bens culturais e a causa da fuga durante uma missão no Líbano em abril de 2019: “Os bens culturais fazem parte da identidade das pessoas que vivem em um determinado lugar. Se você destruir a cultura deles, também destruirá a identidade deles. Muitas pessoas são desenraizadas, muitas vezes não têm mais perspectivas e, como resultado, fogem de sua terra natal”.
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