Art Deco

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Estilo arquitetônico e de arte do início do século XX

Art Deco, abreviação do francês Arts Décoratifs, e às vezes chamado apenas de Deco, é um estilo de artes visuais, arquitetura e design de produtos, que apareceu pela primeira vez na França na década de 1910 (pouco antes da Primeira Guerra Mundial) e floresceu nos Estados Unidos e na Europa durante as décadas de 1920 e 1930. Através do estilo e design do exterior e interior de qualquer coisa, desde grandes estruturas a pequenos objetos, incluindo a aparência das pessoas (roupas, moda e joias), o Art Deco influenciou pontes, edifícios (de arranha-céus a cinemas), navios, transatlânticos, trens, carros, caminhões, ônibus, móveis e objetos do cotidiano, como rádios e aspiradores de pó.

Recebe esse nome após a Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas) de 1925, realizada em Paris.

Art Deco combinou estilos modernos com artesanato fino e materiais ricos. Em seu apogeu, representou luxo, glamour, exuberância e fé no progresso social e tecnológico.

Desde o início, o Art Deco foi influenciado pelas formas geométricas ousadas do cubismo e da Secessão de Viena; as cores vivas do fauvismo e dos Ballets Russes; o artesanato atualizado do mobiliário das épocas de Luís XVI e Luís Filipe I; e os estilos exóticos da China, Japão, Índia, Pérsia, Egito antigo e arte maia. Apresentava materiais raros e caros, como ébano e marfim, e artesanato requintado. O Empire State Building, o Chrysler Building e outros arranha-céus da cidade de Nova York construídos durante as décadas de 1920 e 1930 são monumentos do estilo.

Na década de 1930, durante a Grande Depressão, o Art Deco tornou-se mais moderado. Novos materiais chegaram, incluindo cromagem, aço inoxidável e plástico. Uma forma mais elegante do estilo, chamada Streamline Moderne, apareceu na década de 1930, apresentando formas curvas e superfícies lisas e polidas. Art Deco é um dos primeiros estilos verdadeiramente internacionais, mas seu domínio terminou com o início da Segunda Guerra Mundial e a ascensão dos estilos estritamente funcionais e sem adornos da arquitetura moderna e do Estilo Internacional de arquitetura que se seguiu.

Etimologia

O Art Deco recebeu o nome, abreviação de arts décoratifs, da Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes realizada em Paris em 1925, embora os diversos estilos que o caracterizavam já tivessem aparecido em Paris e Bruxelas antes da Primeira Guerra Mundial.

Arts décoratifs foi usado pela primeira vez na França em 1858 no Bulletin de la Société française de photography. Em 1868, o jornal Le Figaro usou o termo objets d'art décoratifs para objetos para cenários de palco criados para o Théâtre de l'Opéra. Em 1875, designers de móveis, têxteis, joalheiros, vidreiros e outros artesãos receberam oficialmente o status de artistas pelo governo francês. Em resposta, a École royale gratuite de dessin (Royal Free School of Design), fundada em 1766 sob o rei Luís XVI para treinar artistas e artesãos em ofícios relacionados às artes plásticas, foi renomeada como École nationale des arts décoratifs (Escola Nacional de Artes Decorativas). Assumiu o nome atual, ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs), em 1927.

Na Exposição de 1925, o arquiteto Le Corbusier escreveu uma série de artigos sobre a exposição para sua revista L'Esprit Nouveau, sob o título "1925 EXPO. ARTES. DÉCO.", que foram combinados em um livro, L'art décoratif d'aujourd'hui (Arte Decorativa Hoje). O livro era um ataque vigoroso aos excessos dos objetos coloridos e luxuosos da Exposição e à ideia de que objetos práticos, como móveis, não deveriam ter nenhuma decoração; sua conclusão foi que "Decoração moderna não tem decoração".

O próprio termo art déco não apareceu impresso até 1966, no título da primeira exposição moderna sobre o assunto, realizada pelo Museu de Artes Decorativas de Paris, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, que abrangeu a variedade dos principais estilos nas décadas de 1920 e 1930. O termo foi então usado em um artigo de jornal de 1966 por Hillary Gelson no The Times (Londres, 12 de novembro), descrevendo os diferentes estilos da exposição.

O Art Deco ganhou popularidade como um rótulo estilístico amplamente aplicado em 1968, quando o historiador Bevis Hillier publicou o primeiro grande livro acadêmico sobre ele, Art Deco dos anos 20 e 30. Ele observou que o termo já estava sendo usado por negociantes de arte e cita The Times (2 de novembro de 1966) e um ensaio chamado Les Arts Déco na Elle (novembro de 1967) como exemplos. Em 1971, organizou uma exposição no Minneapolis Institute of Arts, que detalha em seu livro The World of Art Deco.

Origens

Sociedade dos Artistas Decorativos (1901–1945)

O surgimento da Art Deco esteve intimamente ligado à ascensão do status dos artistas decorativos, que até o final do século XIX eram considerados simplesmente como artesãos. O termo arts décoratifs foi inventado em 1875, dando status oficial aos designers de móveis, têxteis e outras decorações. A Société des artistes décorateurs (Sociedade dos Artistas Decorativos), ou SAD, foi fundada em 1901, e os artistas decorativos receberam os mesmos direitos de autoria dos pintores e escultores. Um movimento semelhante se desenvolveu na Itália. A primeira exposição internacional inteiramente dedicada às artes decorativas, a Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna, foi realizada em Turim em 1902. Várias novas revistas dedicadas às artes decorativas foram fundadas em Paris, incluindo Arts et décoration e L'Art décoratif moderne. As seções de artes decorativas foram introduzidas nos salões anuais da Sociéte des artistes français e, posteriormente, no Salon d'Automne. O nacionalismo francês também desempenhou um papel no ressurgimento das artes decorativas, pois os designers franceses se sentiram desafiados pelas crescentes exportações de móveis alemães mais baratos. Em 1911, a SAD propôs uma grande nova exposição internacional de artes decorativas em 1912. Não seriam permitidas cópias de estilos antigos, apenas obras modernas. A exposição foi adiada até 1914; e depois, por causa da guerra, até 1925, quando deu nome a toda a família de estilos conhecida como "Déco".

Mesa e cadeiras de Maurice Dufrêne e tapete de Paul Follot no Salon des artistes décorateurs de 1912
Senhora com Panther por George Barbier para Louis Cartier, 1914. Cartão de exibição encomendado por Cartier mostra uma mulher em um vestido Paul Poiret (1914)
Armchair de Émile-Jacques Ruhlmann (1914) (Musée d'Orsay)

As lojas de departamentos e estilistas parisienses também desempenharam um papel importante na ascensão do Art Déco. Empresas proeminentes, como a empresa de prataria Christofle, o designer de vidro René Lalique e os joalheiros Louis Cartier e Boucheron começaram a projetar produtos em estilos mais modernos. A partir de 1900, as lojas de departamento recrutaram artistas decorativos para trabalhar em seus estúdios de design. A decoração do Salon d'Automne de 1912 foi confiada à loja de departamentos Printemps, que naquele ano criou sua própria oficina, Primavera. Em 1920, a Primavera empregava mais de 300 artistas, cujos estilos variavam de versões atualizadas de Luís XIV, Luís XVI e especialmente móveis de Louis Philippe feitos por Louis Süe e a oficina Primavera, para formas mais modernas da oficina da loja de departamentos Au Louvre. Outros designers, incluindo Émile-Jacques Ruhlmann e Paul Follot, recusaram-se a usar a produção em massa, insistindo que cada peça fosse feita individualmente. O estilo Art Déco inicial apresentava materiais luxuosos e exóticos como ébano, marfim e seda, cores muito vivas e motivos estilizados, principalmente cestas e buquês de flores de todas as cores, dando uma aparência modernista.

Secessão de Viena e Wiener Werkstätte (1897–1912)

Os arquitetos da Secessão de Viena (formada em 1897), especialmente Josef Hoffmann, tiveram uma influência notável no Art Deco. Seu Palácio Stoclet, em Bruxelas (1905–1911), foi um protótipo do estilo Art Deco, apresentando volumes geométricos, simetria, linhas retas, concreto coberto com placas de mármore, ornamentos finamente esculpidos e interiores luxuosos, incluindo frisos em mosaico de Gustav Klimt. Hoffmann também foi fundador da Wiener Werkstätte (1903–1932), uma associação de artesãos e designers de interiores que trabalham no novo estilo. Isso se tornou o modelo para a Compagnie des arts français, criada em 1919, que reuniu André Mare e Louis Süe, os primeiros designers e decoradores Art Deco franceses.

Secession Building por Joseph Maria Olbrich, Viena (1897–98)
Palácio Stoclet de Josef Hoffmann, Bruxelas (1905–1911)
Detalhe da fachada do Palácio Stoclet, feita de betão armado coberto com placas de mármore
Banco Austríaco de Poupança Postal por Otto Wagner, Viena (1904-1912)

Novos materiais e tecnologias

Novos materiais e tecnologias, especialmente o concreto armado, foram fundamentais para o desenvolvimento e surgimento do Art Déco. A primeira casa de concreto foi construída em 1853 nos subúrbios de Paris por François Coignet. Em 1877, Joseph Monier introduziu a ideia de fortalecer o concreto com uma malha de barras de ferro em um padrão de grade. Em 1893, Auguste Perret construiu a primeira garagem de concreto em Paris, depois um prédio de apartamentos, uma casa e, em 1913, o Théâtre des Champs-Élysées. O teatro foi denunciado por um crítico como o "Zeppelin da Avenue Montaigne", uma suposta influência germânica, copiada da Secessão de Viena. A partir daí, a maioria dos edifícios Art Deco foi feita de concreto armado, o que deu maior liberdade de forma e menor necessidade de reforço de pilares e colunas. Perret também foi pioneiro em revestir o concreto com telhas cerâmicas, tanto para proteção quanto para decoração. O arquiteto Le Corbusier aprendeu os usos do concreto armado trabalhando como desenhista no estúdio de Perret.

Outras novas tecnologias que foram importantes para a Art Déco foram os novos métodos de produção de vidro plano, que era mais barato e permitia janelas muito maiores e mais fortes, e para a produção em massa de alumínio, que era usado para esquadrias de edifícios e janelas e, posteriormente, por Corbusier, Warren McArthur e outros, para móveis leves.

Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913)

Théâtre des Champs-Élysées, de Auguste Perret, 15 avenue Montaigne, Paris (1910-13). O concreto reforçado deu aos arquitetos a capacidade de criar novas formas e espaços maiores
Antoine Bourdelle, La Danse, na fachada do Théâtre des Champs-Élysées (1912)
Interior do Théâtre des Champs-Élysées, com os bas-reliefs de Bourdelle sobre o palco
Cúpula do Teatro, com Art Deco rosa projeto por Maurice Denis

Antoine Bourdelle, 1910–12, Apollon et sa méditation entourée des 9 muses (Apollo e Sua Meditação Rodeada pelos 9 Muses), bas-relief, no Théâtre des Champs-Élysées. Este trabalho representa um dos primeiros exemplos do que se tornou conhecido como escultura Art Deco

O Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913), de Auguste Perret, foi o primeiro edifício histórico Art Deco concluído em Paris. Anteriormente, o concreto armado era usado apenas para prédios industriais e de apartamentos, Perret havia construído o primeiro prédio moderno de concreto armado em Paris, na rue Benjamin Franklin, em 1903–04. Henri Sauvage, outro importante futuro arquiteto Art Deco, construiu outro em 1904 na 7, rue Trétaigne (1904). De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 anos, trabalhou como desenhista no escritório de Perret, aprendendo as técnicas de construção em concreto. O prédio de Perret tinha forma retangular limpa, decoração geométrica e linhas retas, as futuras marcas registradas da Art Déco. A decoração do teatro também foi revolucionária; a fachada foi decorada com altos relevos de Antoine Bourdelle, uma cúpula de Maurice Denis, pinturas de Édouard Vuillard e uma cortina Art Déco de Ker-Xavier Roussel. O teatro ficou famoso como palco de muitas das primeiras apresentações dos Ballets Russes. Perret e Sauvage se tornaram os principais arquitetos Art Deco em Paris na década de 1920.

Salon d'Automne (1903–1914)

Conjunto para o ballet de Nikolai Rimsky-Korsakov Sheherazade por Léon Bakst (1910)
Poltrona Art Deco feita para coletor de arte Jacques Doucet (1912-13)
Exibição de mobiliário Art Deco adiantado pelo Atelier français no Salon d'Automne de 1913 Arte e decoração revista (1914)

No seu nascimento, entre 1910 e 1914, a Art Deco era uma explosão de cores, apresentando tons brilhantes e muitas vezes conflitantes, frequentemente em desenhos florais, apresentados em estofados de móveis, tapetes, biombos, papéis de parede e tecidos. Muitas obras coloridas, incluindo cadeiras e uma mesa de Maurice Dufrêne e um brilhante tapete Gobelin de Paul Follot foram apresentados no Salon des artistes décorateurs de 1912. Em 1912-1913, o designer Adrien Karbowsky fez uma cadeira floral com um desenho de papagaio para o pavilhão de caça do colecionador de arte Jacques Doucet. Os designers de móveis Louis Süe e André Mare fizeram sua primeira aparição na exposição de 1912, sob o nome de Atelier français, combinando tecidos policromados com materiais exóticos e caros, incluindo ébano e marfim. Após a Primeira Guerra Mundial, eles se tornaram uma das empresas francesas de design de interiores mais proeminentes, produzindo móveis para os salões e cabines de primeira classe dos transatlânticos franceses.

Os tons vívidos da Art Déco vieram de muitas fontes, incluindo os cenários exóticos de Léon Bakst para os Ballets Russes, que causaram sensação em Paris pouco antes da Primeira Guerra Mundial. Algumas das cores foram inspiradas no movimento fauvista anterior liderado por Henri Matisse; outros pelo orfismo de pintores como Sonia Delaunay; outros pelo movimento conhecido como Les Nabis, e na obra do pintor simbolista Odilon Redon, que desenhou telas de lareira e outros objetos decorativos. Tons brilhantes foram uma característica do trabalho do estilista Paul Poiret, cujo trabalho influenciou tanto a moda Art Déco quanto o design de interiores.

Cubismo

Design para a fachada La Maison Cubiste (Casa Cubista) por Raymond Duchamp-Villon (1912)
Raymond Duchamp-Villon, 1912, La Maison Cubiste (Casa Cubista) no Salon d'Automne, 1912, detalhe da entrada
Le Salon Bourgeois, projetado por André Mare dentro La Maison Cubiste, na seção de artes decorativas do Salon d'Automne, 1912, Paris. Metzinger's Femme a l'Éventail na parede esquerda
Escada no hôtel particulier do colecionador de moda Jacques Doucet (1927). Design de Joseph Csaky. As formas geométricas do Cubismo tiveram uma influência importante na Arte Deco
Jacques Doucet's hôtel particulier, 1927. Picasso's Les Demoiselles d'Avignon pode ser visto pendurado no fundo

Joseph Csaky, 1912, Danseuse (Femme à l'éventail, Femme à la cruche), gesso original, exibido no Salon d'Automne de 1912 e no Salon des Indépendants de 1914, uma escultura Proto-Art Deco

O movimento artístico conhecido como Cubismo surgiu na França entre 1907 e 1912, influenciando o desenvolvimento do Art Déco. Em Art Deco Complete: The Definitive Guide to the Decorative Arts of the 1920 and 1930s Alastair Duncan escreve "Cubismo, de uma forma bastarda ou outra, tornou-se a língua franca da época' s artistas decorativos." Os cubistas, eles próprios sob a influência de Paul Cézanne, estavam interessados na simplificação das formas aos seus fundamentos geométricos: o cilindro, a esfera, o cone.

Em 1912, os artistas da Section d'Or exibiam obras consideravelmente mais acessíveis ao público em geral do que o cubismo analítico de Picasso e Braque. O vocabulário cubista estava prestes a atrair designers de moda, móveis e interiores.

Os escritos de André Vera de 1912, estilo Le Nouveau, publicados na revista L'Art décoratif, expressavam a rejeição das formas Art Nouveau (assimétricas, policromadas e pitoresco) e clamava por simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre et l'harmonie, temas que acabariam se tornando comuns dentro da Art Déco; embora o estilo Deco fosse frequentemente extremamente colorido e complexo.

Na seção Art Décoratif do Salon d'Automne de 1912, foi exibida uma instalação arquitetônica conhecida como La Maison Cubiste. A fachada foi projetada por Raymond Duchamp-Villon. A decoração da casa foi assinada por André Mare. La Maison Cubiste era uma instalação mobiliada com fachada, escada, corrimão de ferro forjado, quarto, sala de estar - o Salon Bourgeois, onde pinturas de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye foram enforcados. Milhares de espectadores no salão passaram pelo modelo em tamanho real.

A fachada da casa, desenhada por Duchamp-Villon, não era muito radical para os padrões modernos; os lintéis e os frontões tinham formas prismáticas, mas fora isso a fachada lembrava uma casa comum da época. Para os dois quartos, Mare desenhou o papel de parede, que trazia rosas estilizadas e padrões florais, além de estofados, móveis e tapetes, todos com motivos extravagantes e coloridos. Foi uma ruptura distinta da decoração tradicional. O crítico Emile Sedeyn descreveu o trabalho de Mare na revista Art et Décoration: "Ele não se envergonha da simplicidade, pois multiplica as flores onde quer que possam ser colocadas. O efeito que ele busca é obviamente de pitoresco e alegre. Ele consegue isso." O elemento cubista foi fornecido pelas pinturas. A instalação foi atacada por alguns críticos como extremamente radical, o que contribuiu para seu sucesso. Esta instalação arquitetônica foi posteriormente exibida no Armory Show de 1913, em Nova York, Chicago e Boston. Graças em grande parte à exposição, o termo "Cubista" começou a ser aplicado a qualquer coisa moderna, desde cortes de cabelo femininos a roupas e apresentações teatrais."

A influência cubista continuou dentro do Art Deco, mesmo quando o Deco se ramificou em muitas outras direções. Em 1927, os cubistas Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, o escultor Gustave Miklos e outros colaboraram na decoração de uma Studio House, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, projetada pelo arquiteto Paul Ruaud e propriedade do estilista francês Jacques Doucet, também colecionador de arte pós-impressionista de Henri Matisse e pinturas cubistas (incluindo Les Demoiselles d'Avignon, que ele comprou diretamente da loja de Picasso estúdio). Laurens projetou a fonte, Csaky projetou a escada de Doucet, Lipchitz fez a cornija da lareira e Marcoussis fez um tapete cubista.

Além dos artistas cubistas, Doucet trouxe outros designers de interiores déco para ajudar na decoração da casa, entre eles Pierre Legrain, que se encarregou da organização da decoração, e Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Gray e Rose Adler fornecer móveis. A decoração incluiu peças maciças de ébano macassar, inspiradas na arte africana, e móveis revestidos com couro marroquino, pele de crocodilo e pele de cobra, e padrões retirados de desenhos africanos.

A geometria adumbrada do cubismo tornou-se a moeda do reino na década de 1920. O desenvolvimento de Art Deco da geometria seletiva do Cubismo em uma variedade mais ampla de formas levou o Cubismo como uma taxonomia pictórica para um público muito mais amplo e apelo mais amplo. (Richard Harrison Martin, Metropolitan Museum of Art)

Influências

O exotismo dos Ballets Russes teve uma forte influência no início de Deco. Um desenho do dançarino Vaslav Nijinsky pelo artista de moda de Paris Georges Barbier (1913)
Ilustração de Georges Barbier de um vestido de Paquin (1914). Designs florais elegantes e cores brilhantes foram uma característica do início Art Deco
Lobby de 450 Sutter Street, São Francisco, Califórnia, por Timothy Pflueger (1929), inspirado pela arte maia antiga
Porta decorada com formas geométricas simples de Strada Doctor Lister no 11, Bucareste, Romênia, arquiteto desconhecido (C.1930), inspirado pela geometria encontrada na arte futurista e construtivista
O bronze dourado Prometheus no Rockefeller Center, Nova York, N.Y., por Paul Manship (1934), uma atualização de Art Deco estilizada da escultura clássica (1936)
Um vaso cerâmico inspirado por motivos da escultura tradicional de madeira esculpida africana, por Emile Lenoble (1937), Museu de Artes Decorativas, Paris

O Art Deco não era um estilo único, mas uma coleção de estilos diferentes e às vezes contraditórios. Na arquitetura, o Art Deco foi o sucessor e a reação contra o Art Nouveau, estilo que floresceu na Europa entre 1895 e 1900, e também substituiu gradualmente o Beaux-Arts e o neoclássico que predominavam na arquitetura européia e americana. Em 1905, Eugène Grasset escreveu e publicou Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, no qual explorou sistematicamente os aspectos decorativos (ornamentais) de elementos geométricos, formas, motivos e suas variações, em contraste com (e como um afastamento do estilo Art Nouveau ondulante de Hector Guimard, tão popular em Paris alguns anos antes. Grasset enfatizou o princípio de que várias formas geométricas simples, como triângulos e quadrados, são a base de todos os arranjos de composição. Os edifícios de concreto armado de Auguste Perret e Henri Sauvage, e particularmente o Théâtre des Champs-Élysées, ofereceram uma nova forma de construção e decoração que foi copiada em todo o mundo.

Na decoração, muitos estilos diferentes foram emprestados e usados pela Art Déco. Eles incluíram arte pré-moderna de todo o mundo e observável no Musée du Louvre, Musée de l'Homme e Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie. Também houve interesse popular em arqueologia devido às escavações em Pompéia, Tróia e a tumba do Faraó Tutancâmon da 18ª dinastia. Artistas e designers integraram motivos do antigo Egito, África, Mesopotâmia, Grécia, Roma, Ásia, Mesoamérica e Oceania com elementos da Idade das Máquinas.

Outros estilos emprestados incluíam o construtivismo russo e o futurismo italiano, bem como o orfismo, o funcionalismo e o modernismo em geral. A Art Déco também usou as cores e desenhos conflitantes do Fauvismo, notadamente na obra de Henri Matisse e André Derain, inspirou os designs de tecidos art déco, papel de parede e cerâmica pintada. Tirou ideias do vocabulário da alta moda da época, que apresentava desenhos geométricos, chevrons, ziguezagues e buquês de flores estilizados. Foi influenciado pelas descobertas da egiptologia e pelo crescente interesse pelo Oriente e pela arte africana. A partir de 1925, muitas vezes foi inspirado pela paixão por novas máquinas, como dirigíveis, automóveis e transatlânticos, e em 1930 essa influência resultou no estilo chamado Streamline Moderne.

Estilo de luxo e modernidade

O boudoir do designer de moda Jeanne Lanvin (1922–25) agora no Museu de Artes Decorativas, Paris, França
Banho de Jeanne Lanvin, de mármore de Sienna, com decoração de estuque e bronze esculpido (1922–25)
Um estudo Art Deco da empresa de design de Paris de Alavoine, agora no Brooklyn Museum, Nova York, N.Y. (1928–30)
Salão de vidro (Le salão de verre) desenhado por Paul Ruaud com mobiliário de Eileen Gray, para Madame Mathieu-Levy (milioneira da boutique J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, Paris, 1922 (publicado em L'Illustration, 27 de maio de 1933)

A Art Deco era associada ao luxo e à modernidade; combinou materiais muito caros e artesanato requintado colocados em formas modernistas. Nada era barato no Art Déco: os móveis incluíam incrustações de marfim e prata, e as peças de joalheria Art Déco combinavam diamantes com platina, jade, coral e outros materiais preciosos. O estilo foi usado para decorar os salões de primeira classe de transatlânticos, trens de luxo e arranha-céus. Foi usado em todo o mundo para decorar os grandes palácios de cinema do final dos anos 1920 e 1930. Mais tarde, após a Grande Depressão, o estilo mudou e tornou-se mais sóbrio.

Um bom exemplo do estilo de luxo Art Déco é o boudoir da estilista Jeanne Lanvin, desenhado por Armand-Albert Rateau (1882–1938) feito entre 1922 e 1925. Ficava na casa dela na 16 rue Barbet de Jouy, em Paris, que foi demolida em 1965. A sala foi reconstruída no Museu de Artes Decorativas de Paris. As paredes são cobertas com lambris moldados abaixo de baixos-relevos esculpidos em estuque. A alcova é emoldurada por colunas de mármore sobre bases e um plinto de madeira esculpida. O piso é de mármore branco e preto, e nos armários estão expostos objetos decorativos sobre um fundo de seda azul. O banheiro tinha uma banheira e um lavatório de mármore sienna, com uma parede de estuque esculpido e acessórios de bronze.

Em 1928, o estilo tornou-se mais confortável, com poltronas de couro profundo. O estudo projetado pela empresa parisiense de Alavoine para um empresário americano em 1928-1930 está agora no Museu do Brooklyn.

Na década de 1930, o estilo havia sido um pouco simplificado, mas ainda era extravagante. Em 1932, o decorador Paul Ruaud fez o Glass Salon para Suzanne Talbot. Apresentava uma poltrona serpentina e duas poltronas tubulares de Eileen Gray, um piso de lajes de vidro fosco prateado, um painel de padrões abstratos em prata e laca preta e uma variedade de peles de animais.

Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas (1925)

Cartão postal da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas em Paris, França (1925)
Entrada para a Exposição de 1925 Lugar de la Concorde por Pierre Patout
Pavilhão polonês (1925)
Pavilhão da Galeries Lafayette Department Store na Exposição 1925
O Hotel du Collectionneur, pavilhão do fabricante de móveis Émile-Jacques Ruhlmann, desenhado por Pierre Patout.
Salão do Hôtel du Collectionneur da Exposição Internacional de Artes Decorativas de 1925, decorado por Émile-Jacques Ruhlmann, pintura por Jean Dupas, desenho de Pierre Patout

O evento que marcou o apogeu do estilo e lhe deu o nome foi a Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas que ocorreu em Paris de abril a outubro de 1925. Esta foi oficialmente patrocinada pelo governo francês e cobriu um terreno de 55 acres em Paris, que vai do Grand Palais, na margem direita, até Les Invalides, na margem esquerda, e ao longo das margens do Sena. O Grand Palais, o maior salão da cidade, encheu-se de exposições de artes decorativas dos países participantes. Foram 15.000 expositores de vinte países diferentes, incluindo Áustria, Bélgica, Tchecoslováquia, Dinamarca, Grã-Bretanha, Itália, Japão, Holanda, Polônia, Espanha, Suécia e a nova União Soviética. A Alemanha não foi convidada por causa das tensões após a guerra; Os Estados Unidos, entendendo mal o propósito da exposição, se recusaram a participar. O evento foi visitado por dezesseis milhões de pessoas durante seus sete meses de duração. As regras da exposição exigiam que todas as obras fossem modernas; nenhum estilo histórico foi permitido. O principal objetivo da Exposição era promover os fabricantes franceses de móveis de luxo, porcelana, vidro, serralharia, têxteis e outros produtos decorativos. Para promover ainda mais os produtos, todas as grandes lojas de departamentos de Paris e os principais estilistas tinham seus próprios pavilhões. A Exposição tinha como objetivo secundário a promoção de produtos das colônias francesas na África e na Ásia, incluindo marfim e madeiras exóticas.

O Hôtel du Collectionneur foi uma atração popular na Exposição; exibiu os novos designs de móveis de Emile-Jacques Ruhlmann, bem como tecidos Art Déco, tapetes e uma pintura de Jean Dupas. O design de interiores seguiu os mesmos princípios de simetria e formas geométricas que o diferenciam da Art Nouveau, e cores vivas, fino artesanato, materiais raros e caros que o diferenciam da estrita funcionalidade do estilo modernista. Enquanto a maioria dos pavilhões era luxuosamente decorada e repleta de móveis de luxo feitos à mão, dois pavilhões, o da União Soviética e o Pavilhão de L'Esprit Nouveau, construídos pela revista de mesmo nome dirigida por Le Corbusier, foram construídos em um estilo austero com paredes brancas e sem decoração; eles estavam entre os primeiros exemplos de arquitetura modernista.

Arranha-céus

The American Radiator Building, New York City, N.Y., de Raymond Hood (1924)
Chrysler Building, Nova Iorque, de William Van Alen (1930)
Skyline de Nova York (C.1931–33)
Crown of the General Electric Building (também conhecido como 570 Lexington Avenue), Nova Iorque, por Cross & Cross (1933)
30 Rockefeller Plaza, Nova Iorque, de Raymond Hood (1933)
Empire State Building, Nova Iorque, por Shreve, Lamb & Harmon (1931)

Os arranha-céus americanos marcaram o ápice do estilo Art Déco; eles se tornaram os edifícios modernos mais altos e reconhecíveis do mundo. Eles foram projetados para mostrar o prestígio de seus construtores por meio de sua altura, forma, cor e iluminação dramática à noite. O American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinou elementos modernos góticos e déco no design do edifício. O tijolo preto na fachada do edifício (simbolizando o carvão) foi escolhido para dar uma ideia de solidez e para dar ao edifício uma massa sólida. Outras partes da fachada foram revestidas com tijolos dourados (simbolizando o fogo), e a entrada foi decorada com mármore e espelhos negros. Outro arranha-céu Art Déco inicial foi o Guardian Building de Detroit, inaugurado em 1929. Projetado pelo modernista Wirt C. Rowland, o edifício foi o primeiro a empregar aço inoxidável como elemento decorativo e o uso extensivo de desenhos coloridos no local. de ornamentos tradicionais.

O horizonte da cidade de Nova York foi radicalmente alterado pelo Chrysler Building em Manhattan (concluído em 1930), projetado por William Van Alen. Era um anúncio gigante de setenta e sete andares de automóveis Chrysler. O topo era coroado por uma torre de aço inoxidável e ornamentado por "gárgulas" na forma de decorações de tampa de radiador de aço inoxidável. A base da torre, trinta e três andares acima da rua, foi decorada com frisos art déco coloridos, e o saguão foi decorado com símbolos e imagens art déco que expressam a modernidade.

O Chrysler Building foi logo superado em altura pelo Empire State Building de William F. Lamb (1931), em um estilo Deco um pouco menos luxuoso e o RCA Building (agora 30 Rockefeller Plaza) por Raymond Hood (1933) que juntos mudou completamente o horizonte da cidade de Nova York. Os topos dos edifícios foram decorados com coroas e pináculos Art Deco cobertos com aço inoxidável e, no caso do edifício Chrysler, com gárgulas Art Deco modeladas a partir de ornamentos de radiador, enquanto as entradas e lobbies foram ricamente decorados com esculturas Art Deco, cerâmica e design. Edifícios semelhantes, embora não tão altos, logo apareceram em Chicago e outras grandes cidades americanas. O Rockefeller Center adicionou um novo elemento de design: vários edifícios altos agrupados em torno de uma praça aberta, com uma fonte no meio.

Art Déco tardio

Piața Sfântul Ştefan no. 1 em Bucareste, Romênia, por arquiteto desconhecido (1930)
Scala Cinema on Bulevardul Gheorghe Magheru, Bucareste, de Rudolf Fränkel (1935)
Teatro Lincoln em Miami Beach, Flórida, por Thomas W. Lamb (1936)
O Palácio de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu e Léon Azéma da Exposição Internacional de Paris de 1937
Escada do Conselho Económico e Social em Paris, originalmente o Museu de Obras Públicas, construído para a Exposição Internacional de Paris de 1937, por Auguste Perret (1937)
High School em King City, Califórnia, construído por Robert Stanton para a Administração de Progressos de Obras (1939)

Em 1925 coexistiam duas escolas diferentes e concorrentes na Art Deco: os tradicionalistas, que fundaram a Sociedade dos Artistas Decorativos; incluiu o designer de móveis Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand, o escultor Antoine Bourdelle e o designer Paul Poiret; eles combinaram formas modernas com artesanato tradicional e materiais caros. Do outro lado estavam os modernistas, que rejeitavam cada vez mais o passado e desejavam um estilo baseado nos avanços das novas tecnologias, simplicidade, falta de decoração, materiais baratos e produção em massa. Os modernistas fundaram sua própria organização, a União Francesa de Artistas Modernos, em 1929. Seus membros incluíam os arquitetos Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier e, na União Soviética, Konstantin Melnikov; a estilista irlandesa Eileen Gray; a estilista francesa Sonia Delaunay; e os joalheiros Georges Fouquet e Jean Puiforcat. Eles atacaram ferozmente o estilo art déco tradicional, que disseram ter sido criado apenas para os ricos, e insistiram que edifícios bem construídos deveriam estar disponíveis para todos e que a forma deveria seguir a função. A beleza de um objeto ou edifício residia no fato de ser perfeitamente adequado para cumprir sua função. Métodos industriais modernos significavam que móveis e edifícios poderiam ser produzidos em massa, não feitos à mão.

O designer de interiores Art Deco Paul Follot defendeu o Art Deco desta forma: "Sabemos que o homem nunca se contenta com o indispensável e que o supérfluo é sempre necessário... Se não, teríamos que nos livrar de música, flores e perfumes..!" No entanto, Le Corbusier foi um brilhante divulgador da arquitetura modernista; ele afirmou que uma casa era simplesmente "uma máquina para morar", e promoveu incansavelmente a ideia de que Art Déco era o passado e o modernismo era o futuro. As ideias de Le Corbusier foram gradualmente adotadas pelas escolas de arquitetura e a estética do Art Déco foi abandonada. As mesmas características que tornaram o Art Déco popular no início, seu artesanato, materiais ricos e ornamentos, levaram ao seu declínio. A Grande Depressão que começou nos Estados Unidos em 1929 e atingiu a Europa pouco depois, reduziu muito o número de clientes ricos que podiam pagar pelos móveis e objetos de arte. No clima econômico da Depressão, poucas empresas estavam prontas para construir novos arranha-céus. Até a empresa Ruhlmann recorreu à produção de móveis em série, em vez de itens individuais feitos à mão. Os últimos edifícios construídos em Paris no novo estilo foram o Museu de Obras Públicas de Auguste Perret (atual Conselho Econômico, Social e Ambiental da França), o Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu e Léon Azéma, e o Palais de Tóquio da Exposição Internacional de Paris de 1937; eles olharam para o grandioso pavilhão da Alemanha nazista, projetado por Albert Speer, que enfrentava o igualmente grandioso pavilhão socialista-realista da União Soviética de Stalin.

Depois da Segunda Guerra Mundial, o estilo arquitetônico dominante tornou-se o Estilo Internacional, cujo pioneiro foi Le Corbusier e Mies van der Rohe. Um punhado de hotéis Art Déco foi construído em Miami Beach após a Segunda Guerra Mundial, mas em outros lugares o estilo praticamente desapareceu, exceto no design industrial, onde continuou a ser usado em produtos automotivos e produtos como jukeboxes. Na década de 1960, experimentou um modesto renascimento acadêmico, em parte graças aos escritos de historiadores da arquitetura como Bevis Hillier. Na década de 1970, esforços foram feitos nos Estados Unidos e na Europa para preservar os melhores exemplos da arquitetura Art Déco, e muitos edifícios foram restaurados e reaproveitados. A arquitetura pós-moderna, que apareceu pela primeira vez na década de 1980, como Art Deco, geralmente inclui recursos puramente decorativos. Deco continua a inspirar designers e é frequentemente usado em moda contemporânea, joias e produtos de higiene pessoal.

Pintura

Detalhe de Tempo, mural de teto no lobby de 30 Rockefeller Plaza (New York City, N.Y.), do pintor espanhol Josep Maria Sert (1941)
Trabalhadores que classificam o correio, um mural no Edifício Federal Ariel Rios, Washington, D.C, por Reginald Marsh (1936)
Arte nos Trópicos, mural no William Jefferson Clinton Federal Building, Washington, D.C., por Rockwell Kent (1938)

Não houve seção destinada à pintura na Exposição de 1925. A pintura art déco era, por definição, decorativa, projetada para decorar uma sala ou obra de arquitetura; portanto, poucos pintores trabalhavam exclusivamente no estilo, mas dois pintores estão intimamente associados ao Art déco. Jean Dupas pintou murais Art Deco para o Pavilhão de Bordeaux na Exposição de Artes Decorativas de 1925 em Paris, e também pintou o quadro sobre a lareira na exposição Maison du Collectionneur na Exposição de 1925, que apresentava móveis de Ruhlmann e outros proeminentes designers Art Deco. Seus murais também foram destaque na decoração do transatlântico francês SS Normandie. Seu trabalho era puramente decorativo, pensado como fundo ou acompanhamento de outros elementos da decoração.

A outra pintora intimamente associada ao estilo é Tamara de Lempicka. Nascida na Polônia, ela emigrou para Paris após a Revolução Russa. Ela estudou com Maurice Denis e André Lhote, e emprestou muitos elementos de seus estilos. Ela pintou retratos em um estilo Art Déco realista, dinâmico e colorido.

Na década de 1930, uma nova forma dramática de pintura Art Déco apareceu nos Estados Unidos. Durante a Grande Depressão, o Federal Art Project da Works Progress Administration foi criado para dar trabalho a artistas desempregados. Muitos receberam a tarefa de decorar prédios do governo, hospitais e escolas. Não havia nenhum estilo art déco específico usado nos murais; artistas contratados para pintar murais em prédios do governo vieram de muitas escolas diferentes, do regionalismo americano ao realismo social; eles incluíam Reginald Marsh, Rockwell Kent e o pintor mexicano Diego Rivera. Os murais eram Art Déco porque eram todos decorativos e relacionados às atividades no prédio ou na cidade onde foram pintados: Reginald Marsh e Rockwell Kent decoravam prédios postais dos EUA e mostravam funcionários dos correios trabalhando, enquanto Diego Rivera retratava trabalhadores de fábricas de automóveis para Instituto de Artes de Detroit. O mural de Diego Rivera Man at the Crossroads (1933) para 30 Rockefeller Plaza apresentava um retrato não autorizado de Lenin. Quando Rivera se recusou a remover Lenin, a pintura foi destruída e um novo mural foi pintado pelo artista espanhol Josep Maria Sert.

Escultura

Escultura monumental e pública

Estátua de alumínio de Ceres de John Storrs no topo do Chicago Board of Trade Building, Chicago, Illinois (1930)
O bronze dourado Prometheus no Rockefeller Center (New York City, N.Y.), por Paul Manship (1934), uma atualização de Art Deco estilizada da escultura clássica (1936)
Decoração de interiores Sabedoria por Lee Lawrie no Rockefeller Center (1933)
Lee Lawrie, 1936–37, Atlas estátua, em frente ao Rockefeller Center (instalado em 1937)
Homem Controlando o comércio por Michael Lantz no Federal Trade Commission Building, Washington, D.C. (1942)
Entrega de correio Leste, por Edmond Amateis, uma das quatro esculturas bas-relief no Nix Federal Building, Filadélfia, Pensilvânia (1937)
Grupo de escultura de Ralph Stackpole sobre a porta da Bolsa de São Francisco, São Francisco, Califórnia (1930)
Aerial entre Sabedoria e Gaiedade por Eric Gill, fachada da BBC Broadcasting House, Londres, Reino Unido (1932)
Cristo Redentor by Paul Landowski (1931), soapstone, Corcovado Mountain, Rio de Janeiro, Brasil

A escultura era uma característica muito comum e integrante da arquitetura Art Deco. Na França, baixos-relevos alegóricos representando dança e música de Antoine Bourdelle decoraram o primeiro marco Art Déco em Paris, o Théâtre des Champs-Élysées, em 1912. A Exposição de 1925 teve grandes obras escultóricas colocadas ao redor do local, pavilhões foram decorados com esculturas frisos e vários pavilhões dedicados à escultura de estúdio menor. Na década de 1930, um grande grupo de escultores proeminentes fez obras para a Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne de 1937 em Chaillot. Alfred Janniot fez as esculturas em relevo na fachada do Palais de Tokyo. O Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris e a esplanada em frente ao Palais de Chaillot, de frente para a Torre Eiffel, estavam lotados com novas estatuárias de Charles Malfray, Henry Arnold e muitos outros.

A escultura pública art déco era quase sempre representativa, geralmente de figuras heróicas ou alegóricas relacionadas ao propósito do edifício ou sala. Os temas eram geralmente selecionados pelos patronos, não pelo artista. A escultura abstrata para decoração era extremamente rara.

Nos Estados Unidos, o mais proeminente escultor Art Deco para arte pública foi Paul Manship, que atualizou assuntos e temas clássicos e mitológicos em estilo Art Deco. Sua obra mais famosa foi a estátua de Prometeu no Rockefeller Center em Nova York, uma adaptação do século 20 de um tema clássico. Outras obras importantes para o Rockefeller Center foram feitas por Lee Lawrie, incluindo a fachada escultórica e a estátua do Atlas.

Durante a Grande Depressão nos Estados Unidos, muitos escultores foram contratados para fazer obras para a decoração de prédios do governo federal, com fundos fornecidos pelo WPA, ou Works Progress Administration. Eles incluíram o escultor Sidney Biehler Waugh, que criou imagens estilizadas e idealizadas de trabalhadores e suas tarefas para prédios do governo federal. Em São Francisco, Ralph Stackpole forneceu esculturas para a fachada do novo prédio da Bolsa de Valores de São Francisco. Em Washington DC, Michael Lantz fez obras para o prédio da Federal Trade Commission.

Na Grã-Bretanha, a estatuária pública Deco foi feita por Eric Gill para a BBC Broadcasting House, enquanto Ronald Atkinson decorou o saguão do antigo Daily Express Building em Londres (1932).

Uma das mais conhecidas e certamente a maior escultura Art Déco pública é o Cristo Redentor do escultor francês Paul Landowski, concluído entre 1922 e 1931, localizado no topo de uma montanha com vista para o Rio de Janeiro, Brasil.

Escultura de estúdio

Tê (front and side view), calcário, por Joseph Csaky (C.1920(Kröller-Müller Museum, Otterlo, Países Baixos)
O caçador por Pierre Le Faguays (1920)
Nude de bronze de uma dançarina em um plinto de oníxo por Josef Lorenzl (C.1925)
Velocidade, um projeto para um ornamento do radiador por Harriet Whitney Frishmuth (1925)
O Voo de Europa, bronze com folha de ouro, por Paul Manship (1925) (Whitney Museum of American Art, New York City, N.Y.)
Tânăo (Girl), bronze, marfim e onyx, por Demétre Chiparus (C.1925)
Dansatoare (Dancer), bronze e marfim, por Chiparus (C.1925)

Muitas das primeiras esculturas Art Déco eram pequenas, projetadas para decorar salões. Um gênero dessa escultura foi chamado de estatueta Chryselephantine, nomeado para um estilo de estátuas de templos gregos antigos feitos de ouro e marfim. Às vezes eram feitos de bronze, ou às vezes com materiais muito mais luxuosos, como marfim, ônix, alabastro e folha de ouro.

Um dos escultores de salão Art Deco mais conhecidos foi o romeno Demétre Chiparus, que produziu pequenas esculturas coloridas de dançarinos. Outros escultores de salão notáveis incluem Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol e Gustav Schmidtcassel. Outra importante escultora americana no formato de estúdio foi Harriet Whitney Frishmuth, que havia estudado com Auguste Rodin em Paris.

Pierre Le Paguays foi um proeminente escultor de estúdio Art Déco, cujo trabalho foi exibido na Exposição de 1925. Ele trabalhou com bronze, mármore, marfim, ônix, ouro, alabastro e outros materiais preciosos.

François Pompon foi um pioneiro da escultura animal estilizada moderna. Ele não foi totalmente reconhecido por suas realizações artísticas até a idade de 67 anos no Salon d'Automne de 1922 com a obra Ours blanc, também conhecida como O Urso Branco, agora no Musée d'Orsay em Paris.

Paralelamente a esses escultores Art Déco, escultores modernistas mais avant-garde e abstratos estavam trabalhando em Paris e na cidade de Nova York. Os mais proeminentes foram Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff e Pablo Gargallo.

Artes gráficas

Programa para os Ballets Russes de Léon Bakst (1912)
Peter Behrens, poster da exposição Deutscher Werkbund (1914)
A Feira de Vanity capa por Georges Lepape (1919)
Interpretação de Harlem Jazz Eu... por Winold Reiss (c.1920)
Cobertura de Harper's Bazaar por Erté (1922)
Cartaz de Londres Underground por Horace Taylor (1924)
Moulin Rouge poster de Charles Gesmar (1925)
Cobertura do Jester de Columbia, sem atributos (1931)

O estilo Art Deco apareceu cedo nas artes gráficas, nos anos imediatamente anteriores à Primeira Guerra Mundial. Apareceu em Paris nos cartazes e figurinos de Léon Bakst para os Ballets Russes, e nos catálogos dos estilistas Paulo Poiret. As ilustrações de Georges Barbier e Georges Lepape e as imagens da revista de moda La Gazette du bon ton capturaram perfeitamente a elegância e a sensualidade do estilo. Na década de 1920, o visual mudou; as modas destacadas eram mais casuais, esportivas e ousadas, com as modelos femininas fumando cigarros. Revistas de moda americanas como Vogue, Vanity Fair e Harper's Bazaar rapidamente adotaram o novo estilo e o popularizaram nos Estados Unidos. Também influenciou o trabalho de ilustradores de livros americanos, como Rockwell Kent. Na Alemanha, o artista de cartazes mais famoso do período foi Ludwig Hohlwein, que criou cartazes coloridos e dramáticos para festivais de música, cervejas e, no final de sua carreira, para o Partido Nazista.

Durante o período Art Nouveau, os cartazes geralmente anunciavam produtos teatrais ou cabarés. Na década de 1920, os pôsteres de viagem, feitos para linhas de navios a vapor e companhias aéreas, tornaram-se extremamente populares. O estilo mudou notavelmente na década de 1920, para focar a atenção no produto anunciado. As imagens tornaram-se mais simples, precisas, mais lineares, mais dinâmicas e muitas vezes eram colocadas sobre um fundo de uma única cor. Na França, designers populares de Art Déco incluíram Charles Loupot e Paul Colin, que se tornaram famosos por seus pôsteres da cantora e dançarina americana Josephine Baker. Jean Carlu desenhou pôsteres para filmes, novelas e teatros de Charlie Chaplin; no final da década de 1930 emigrou para os Estados Unidos, onde, durante a Guerra Mundial, desenhou cartazes para incentivar a produção de guerra. O estilista Charles Gesmar ficou famoso fazendo cartazes para a cantora Mistinguett e para a Air France. Entre os mais conhecidos designers franceses de pôsteres Art Deco estava Cassandre, que fez o célebre pôster do transatlântico SS Normandie em 1935.

Na década de 1930, um novo gênero de pôsteres surgiu nos Estados Unidos durante a Grande Depressão. O Federal Art Project contratou artistas americanos para criar cartazes para promover o turismo e eventos culturais.

Arquitetura

La Samaritaine loja de departamentos em Paris, França, por Henri Sauvage (1925–28)
Câmara Municipal de Los Angeles por John Parkinson, John C. Austin, e Albert C. Martin Sr. (1928)
Interior de Calea Victoriei no. 100 em Bucareste, Romênia, por Nicolae Nenciulescu (1929)
Interior do Palácio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts) em Cidade do México, México (1934)
Entrada da Villa Empain em Bruxelas, Bélgica (1930–34)
Edifício de Dieta Nacional em Tóquio, Japão (1936)
Estação de Metro Mayakovskaya em Moscou, Rússia (1936)
Detalhe de Bulevardul Dacia no 89 em Bucareste, por arquiteto desconhecido (1930)

O estilo arquitetônico art déco estreou em Paris em 1903–04, com a construção de dois prédios de apartamentos em Paris, um de Auguste Perret na rue Benjamin Franklin e outro na rue Trétaigne de Henri Sauvage. Os dois jovens arquitetos usaram concreto armado pela primeira vez em edifícios residenciais de Paris; os novos edifícios tinham linhas limpas, formas retangulares e nenhuma decoração nas fachadas; eles marcaram uma ruptura com o estilo art nouveau. Entre 1910 e 1913, Perret usou sua experiência em prédios de apartamentos de concreto para construir o Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Entre 1925 e 1928, Sauvage construiu a nova fachada art déco da loja de departamentos La Samaritaine em Paris.

Depois da Primeira Guerra Mundial, edifícios art déco de aço e concreto armado começaram a aparecer em grandes cidades da Europa e dos Estados Unidos. Nos Estados Unidos, o estilo era mais comumente usado para prédios de escritórios, prédios governamentais, cinemas e estações ferroviárias. Às vezes era combinado com outros estilos; A prefeitura de Los Angeles combinou Art Deco com um telhado baseado no antigo mausoléu grego em Halicarnassus, enquanto a estação ferroviária de Los Angeles combinou Deco com a arquitetura da missão espanhola. Elementos Art Déco também apareceram em projetos de engenharia, incluindo as torres da ponte Golden Gate e as torres de captação da represa Hoover. Nas décadas de 1920 e 1930, tornou-se um estilo verdadeiramente internacional, com exemplos como o Palacio de Bellas Artes (Palácio de Belas Artes) na Cidade do México por Federico Mariscal [es], a Estação de Metrô Mayakovskaya em Moscou e o Prédio da Dieta Nacional em Tóquio por Watanabe Fukuzo.

O estilo Art Deco não se limitava às construções em terra; o transatlântico SS Normandie, cuja primeira viagem foi em 1935, apresentava design Art Deco, incluindo uma sala de jantar cujo teto e decoração eram feitos de vidro da Lalique.

"Catedrais do Comércio"

The Fisher Building em Detroit, Michigan, de Joseph Nathaniel French (1928)
Lobby inferior do edifício Guardian em Detroit por Wirt Rowland (1929)
Lobby de 450 Sutter Street em São Francisco, Califórnia, por Timothy Pflueger (1929)
Lobby of the Chrysler Building in New York City, N.Y., de William Van Alen (1930)
Porta interior no edifício Chrysler (1930)
Detalhes de teto e lustre no lobby da Torre de Carew em Cincinnati, Ohio, por Walter W. Ahlschlager (1930)
Salão de África do Palais de la Porte Dorée com mobiliário de Jacques-Emile Ruhlmann e afrescos de Louis Bouquet (1931)
Foyer of the Tuschinski Theatre em Amsterdã, Holanda, por Hijman Louis de Jong (1921)

As grandes vitrines do design de interiores art déco americano foram os saguões de prédios governamentais, teatros e, principalmente, prédios de escritórios. Os interiores eram extremamente coloridos e dinâmicos, combinando esculturas, murais e desenhos geométricos ornamentados em mármore, vidro, cerâmica e aço inoxidável. Um dos primeiros exemplos foi o Fisher Building em Detroit, de Joseph Nathaniel French; o saguão era altamente decorado com esculturas e cerâmicas. The Guardian Building (originalmente o Union Trust Building) em Detroit, de Wirt Rowland (1929), decorado com mármore vermelho e preto e cerâmicas de cores vivas, realçado por portas e balcões de aço altamente polidos. A decoração escultural instalada nas paredes ilustrava as virtudes da indústria e da economia; o edifício foi imediatamente denominado "Catedral do Comércio". O edifício médico e odontológico chamado 450 Sutter Street em San Francisco por Timothy Pflueger foi inspirado na arquitetura maia, de forma altamente estilizada; usava formas de pirâmide e as paredes internas eram cobertas com fileiras altamente estilizadas de hieróglifos.

Na França, o melhor exemplo de um interior Art Deco durante este período foi o Palais de la Porte Dorée (1931) de Albert Laprade, Léon Jaussely e Léon Bazin. O prédio (atual Museu Nacional da Imigração, com um aquário no porão) foi construído para a Exposição Colonial de Paris de 1931, para celebrar o povo e os produtos das colônias francesas. A fachada exterior foi toda escultórica e o hall de entrada criou uma harmonia Art Déco com um soalho de madeira de padrão geométrico, um mural representando as gentes das colónias francesas; e uma composição harmoniosa de portas verticais e balcões horizontais.

Palácios do cinema

Grauman's Egyptian Theatre em Hollywood (Los Angeles), Califórnia (1922)
Grande lobby de quatro andares do Teatro Paramount em Oakland, Califórnia (1932)
Auditório e palco do Radio City Music Hall em Nova York, N.Y. (1932)
Grand Rex em Paris, França (1932)
Gaumont State Cinema em Londres, Reino Unido (1937)
A Paramount em Xangai, China (1933)
O Teatro Tuschinski em Amesterdão, Países Baixos (1921)

Muitos dos melhores exemplos sobreviventes de Art Deco são cinemas construídos nas décadas de 1920 e 1930. O período Art Déco coincidiu com a conversão de filmes mudos em sonoros, e as empresas de cinema construíram grandes destinos de exibição nas principais cidades para capturar o grande público que vinha assistir aos filmes. Os palácios de cinema na década de 1920 geralmente combinavam temas exóticos com estilo art déco; O Teatro Egípcio de Grauman em Hollywood (1922) foi inspirado em antigas tumbas e pirâmides egípcias, enquanto o Fox Theatre em Bakersfield, Califórnia, anexou uma torre no estilo California Mission a um salão Art Déco. O maior de todos é o Radio City Music Hall, na cidade de Nova York, inaugurado em 1932. Originalmente projetado como espaço para apresentações teatrais, rapidamente se transformou em um cinema, com capacidade para 6.015 clientes. O design interior de Donald Deskey usou vidro, alumínio, cromo e couro para criar uma fuga visual da realidade. O Paramount Theatre em Oakland, Califórnia, de Timothy Pflueger, tinha uma fachada de cerâmica colorida, um saguão de quatro andares e salas separadas para fumantes em Art Deco para cavalheiros e senhoras. Grandes palácios semelhantes apareceram na Europa. O Grand Rex de Paris (1932), com sua imponente torre, era o maior cinema da Europa depois dos 6.000 lugares do Gaumont-Palace (1931-1973). O Gaumont State Cinema em Londres (1937) tinha uma torre modelada no edifício Empire State, coberta com azulejos creme e um interior em estilo Art Déco-Renascimento italiano. O Paramount Theatre em Xangai, China (1933) foi originalmente construído como um salão de dança chamado O portão dos 100 prazeres; foi convertido em cinema após a Revolução Comunista em 1949, e agora é um salão de baile e discoteca. Na década de 1930, arquitetos italianos construíram um pequeno palácio de cinema, o Cinema Impero, em Asmara, no que hoje é a Eritreia. Hoje, muitas das salas de cinema foram subdivididas em multiplexes, mas outras foram restauradas e são utilizadas como centros culturais em suas comunidades.

Streamline Moderno

Edifício Moscovici em Bucareste, Romênia, por Aurel Focşanu e Emil Vițeanu (1930)
O canto arredondado estilo náutico da Broadcasting House em Londres, Reino Unido (1931)
Edifício de Paris no Paquete. ou estilo oceânico, 3 boulevard Victor, de Pierre Patout (1935)
Auditório Pan-Pacific em Los Angeles, Califórnia (1936)
O Terminal Aéreo Marítimo no Aeroporto de La Guardia (1937) foi o terminal de Nova York para os voos de Pan Am Clipper para a Europa
O edifício Hoover cantina em Perivale nos subúrbios de Londres, por Wallis, Gilbert e Partners (1938)
Ex-Instituto Nacional Belga de Radiodifusão em Ixelles (Bruxelas), Bélgica (1938)
O Pavilhão Ford na Feira Mundial de Nova York de 1939
Streamline Moderne Church, First Church of Deliverance em Chicago, Illinois, por Walter T. Bailey (1939). Torres adicionadas em 1948.

No final da década de 1930, uma nova variedade de arquitetura Art Déco tornou-se comum; chamava-se Streamline Moderne ou simplesmente Streamline, ou, na França, Estilo Paquebot, ou estilo Ocean Liner. Edifícios no estilo tinham cantos arredondados e longas linhas horizontais; eram de concreto armado e eram quase sempre brancas; e às vezes tinham características náuticas, como grades e vigias que lembravam as de um navio. O canto arredondado não era totalmente novo; apareceu em Berlim em 1923 no Mossehaus por Erich Mendelsohn, e mais tarde no Hoover Building, um complexo industrial no subúrbio londrino de Perivale. Nos Estados Unidos, tornou-se mais associado ao transporte; Streamline moderne era raro em prédios de escritórios, mas era frequentemente usado para estações de ônibus e terminais de aeroportos, como o terminal do aeroporto La Guardia na cidade de Nova York que realizou os primeiros voos transatlânticos, por meio dos barcos voadores PanAm Clipper; e na arquitetura de beira de estrada, como postos de gasolina e lanchonetes. No final da década de 1930, uma série de lanchonetes, modeladas em vagões aerodinâmicos, foram produzidas e instaladas em cidades da Nova Inglaterra; pelo menos dois exemplos ainda permanecem e agora são edifícios históricos registrados.

Decoração e motivos

Tela de lareira de ferro, Rose Iron Works (Cleveland, Ohio) (1930)
Portas do edifício Chrysler (New York City, N.Y.), de William Van Alen (1927–30)
Motivo Sunrise do Edifício de Gás Wisconsin (Milwaukee, Wisconsin) (1930)
Detalhe da fachada em mosaico do Teatro Paramount (Oakland, Califórnia) (1931)

A decoração no período Art Déco passou por várias fases distintas. Entre 1910 e 1920, com o esgotamento da Art Nouveau, os estilos de design voltaram à tradição, principalmente na obra de Paul Iribe. Em 1912, André Vera publicou um ensaio na revista L'Art Décoratif apelando ao regresso ao artesanato e aos materiais dos séculos anteriores, utilizando um novo repertório de formas extraídas da natureza, nomeadamente cestos e guirlandas de frutas e flores. Uma segunda tendência da Art Déco, também de 1910 a 1920, foi inspirada nas cores vivas do movimento artístico conhecido como Fauves e nos figurinos e cenários coloridos dos Ballets Russes. Esse estilo era frequentemente expresso com materiais exóticos como pele de tubarão, madrepérola, marfim, couro colorido, madeira laqueada e pintada e embutidos decorativos em móveis que enfatizavam sua geometria. Este período do estilo atingiu seu ponto alto na Exposição de Artes Decorativas de Paris em 1925. No final da década de 1920 e na década de 1930, o estilo decorativo mudou, inspirado em novos materiais e tecnologias. Tornou-se mais elegante e menos ornamental. Os móveis, assim como a arquitetura, passaram a ter bordas arredondadas e a assumir um aspecto polido e esguio, retirado do estilo aerodinâmico moderno. Novos materiais, como o aço niquelado ou cromado, o alumínio e a baquelite, uma das primeiras formas de plástico, começaram a aparecer no mobiliário e na decoração.

Ao longo do período Art Deco, e em particular na década de 1930, os motivos da decoração expressavam a função do edifício. Os teatros eram decorados com esculturas que ilustravam música, dança e emoção; as companhias de energia mostravam o nascer do sol, o prédio da Chrysler mostrava ornamentos estilizados no capô; Os frisos do Palais de la Porte Dorée na Exposição Colonial de Paris de 1931 mostraram os rostos das diferentes nacionalidades das colônias francesas. O estilo Streamline fazia parecer que o próprio edifício estava em movimento. Os murais WPA da década de 1930 apresentavam pessoas comuns; operários de fábricas, carteiros, famílias e agricultores, no lugar dos heróis clássicos.

Móveis

Presidente por Paul Follot (1912–14)
Armchair de Louis Süe (1912) e tela pintada de André Mare (1920)
Mesa de vestir e cadeira de mármore e incrustado, lacado e madeira dourada por Follot (1919-20)
Armário de canto de mogno com cesta de rosa projeto de marfim incrustado por Émile-Jacques Ruhlmann (1923)
Gabinete de Ruhlmann (1926)
Design de gabinete por Ruhlmann
Armário coberto com pele de tubarão ou xaverde por André Groult (1925)
Mobiliário por Gio Ponti (1927)
Secretária de um administrador, de Michel Roux-Spitz para o Salão de Artistas Decorativos de 1930
Uma cadeira de clube Art Deco (1930)
Late Art Deco mobiliário e tapete por Jules Leleu (1930)
Uma mesa de buffet estilo cachoeira

Os móveis franceses de 1910 até o início dos anos 1920 foram em grande parte uma atualização dos estilos de móveis tradicionais franceses e dos designs art nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet e outros fabricantes. Os fabricantes de móveis franceses se sentiram ameaçados pela crescente popularidade dos fabricantes e estilos alemães, particularmente o estilo Biedermeier, que era simples e limpo. O designer francês Frantz Jourdain, presidente do Paris Salon d'Automne, convidou designers de Munique para participar do Salão de 1910. Os designers franceses viram o novo estilo alemão e decidiram enfrentar o desafio alemão. Os designers franceses decidiram apresentar novos estilos franceses no Salão de 1912. As regras do Salão indicavam que apenas estilos modernos seriam permitidos. Todos os grandes designers de móveis franceses participaram do Salão: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare e Louis Suë apresentaram novos trabalhos que atualizaram os estilos tradicionais franceses de Louis XVI e Louis Philippe com mais angulares cantos inspirados no cubismo e cores mais vivas inspiradas no fauvismo e no Nabis.

O pintor André Mare e o designer de móveis Louis Süe participaram do Salão de 1912. Após a guerra, os dois homens se uniram para formar sua própria empresa, formalmente chamada de Compagnie des Arts Française, mas geralmente conhecida simplesmente como Suë e Mare. Ao contrário dos proeminentes designers art nouveau como Louis Majorelle, que projetou pessoalmente cada peça, eles reuniram uma equipe de artesãos qualificados e produziram designs de interiores completos, incluindo móveis, vidros, tapetes, cerâmica, papel de parede e iluminação. Seu trabalho apresentava cores vivas e móveis e madeiras nobres, como ébano incrustado com madrepérola, abalone e metal prateado para criar buquês de flores. Eles projetaram tudo, desde o interior de transatlânticos a frascos de perfume para a marca de Jean Patou. A empresa prosperou no início da década de 1920, mas os dois homens eram melhores artesãos do que empresários. A empresa foi vendida em 1928 e os dois homens partiram.

O designer de móveis de maior destaque na Exposição de Artes Decorativas de 1925 foi Émile-Jacques Ruhlmann, da Alsácia. Ele exibiu suas obras pela primeira vez no Salão de Outono de 1913, depois teve seu próprio pavilhão, a "Casa do Colecionador Rico", na Exposição de 1925. Ele usou apenas os materiais mais raros e caros, incluindo ébano, mogno, jacarandá, ambon e outras madeiras exóticas, decorados com incrustações de marfim, carapaça de tartaruga, madrepérola, pequenos pompons de seda decoravam os puxadores das gavetas dos armários. Seus móveis eram baseados em modelos do século XVIII, mas simplificados e reformulados. Em todas as suas obras, a estrutura interior dos móveis foi completamente oculta. A estrutura, geralmente de carvalho, era completamente coberta por uma sobreposição de finas tiras de madeira, depois coberta por uma segunda camada de tiras de madeiras raras e caras. Este foi então coberto com um folheado e polido, de modo que a peça parecia ter sido cortada de um único bloco de madeira. O contraste com a madeira escura era fornecido por incrustações de marfim e placas e alças de chave de marfim. Segundo Ruhlmann, as poltronas deveriam ser projetadas de maneira diferente de acordo com as funções dos cômodos onde apareciam; as poltronas da sala foram projetadas para serem acolhedoras, as cadeiras de escritório confortáveis e as cadeiras de salão voluptuosas. Apenas um pequeno número de peças de cada desenho de mobiliário foi feito, e o preço médio de uma de suas camas ou armários era maior do que o preço de uma casa média.

Jules Leleu foi um designer de móveis tradicional que se mudou suavemente para o Art Deco na década de 1920; desenhou os móveis da sala de jantar do Palácio do Eliseu e dos camarotes de primeira classe do navio a vapor Normandie. seu estilo foi caracterizado pelo uso de ébano, madeira de Macassar, nogueira, com decoração de placas de marfim e madrepérola. Ele introduziu o estilo de móveis art déco laqueados no final dos anos 1920 e, no final dos anos 1930, introduziu móveis de metal com painéis de vidro fumê. Na Itália, o designer Gio Ponti era famoso por seus designs aerodinâmicos.

Os móveis caros e exóticos de Ruhlmann e outros tradicionalistas enfureceram os modernistas, incluindo o arquiteto Le Corbusier, levando-o a escrever uma famosa série de artigos denunciando o estilo arts décoratif. Ele atacou os móveis feitos apenas para os ricos e pediu aos designers que criassem móveis feitos com materiais baratos e estilo moderno, que as pessoas comuns pudessem pagar. Ele projetou suas próprias cadeiras, criadas para serem baratas e produzidas em massa.

Na década de 1930, os desenhos de mobiliário adaptavam-se à forma, com superfícies mais lisas e formas curvas. Os mestres do estilo tardio incluíam Donald Deskey, um dos designers mais influentes; ele criou o interior do Radio City Music Hall. Ele usou uma mistura de materiais tradicionais e muito modernos, incluindo alumínio, cromo e baquelite, uma forma primitiva de plástico. Outros mestres do mobiliário art déco da década de 1930 nos Estados Unidos incluem Gilbert Rohde, Warren McArthur, Kem Weber e Wolfgang Hoffman.

O estilo Waterfall era popular nas décadas de 1930 e 1940, a forma de mobiliário Art Deco mais predominante na época. As peças eram tipicamente de compensado com acabamento em folha de louro e com bordas arredondadas, lembrando uma cachoeira.

Design

Conjunto de mesa Parker Duofold (C. 1930)
"Beau Brownie" câmera, design de Walter Dorwin Teague para Eastman Kodak (1930)
Conjunto de rádio Philips Art Deco (1931)
Rádio de Mesa de Philco (C.1937)
Electrolux Aspirador de pó (1937)
20th Century Limited Hudson 4-6-4 Streamlined Locomotive (em inglês)C.1939)
Chrysler Airflow sedan, projetado por Carl Breer (1934)
1937 Cord modelo automóvel 812, projetado em 1935 por Gordon M. Buehrig e equipe
Bugatti Aérolithe (1936)

Streamline foi uma variedade de Art Deco que surgiu em meados da década de 1930. Foi influenciado por princípios aerodinâmicos modernos desenvolvidos para aviação e balística para reduzir o arrasto aerodinâmico em altas velocidades. As formas de bala foram aplicadas por designers a carros, trens, navios e até mesmo objetos que não deveriam se mover, como geladeiras, bombas de gasolina e edifícios. Um dos primeiros veículos de produção neste estilo foi o Chrysler Airflow de 1933. Não teve sucesso comercial, mas a beleza e a funcionalidade de seu design estabeleceram um precedente; significava modernidade. Ele continuou a ser usado no design de carros bem depois da Segunda Guerra Mundial.

Novos materiais industriais começaram a influenciar o design de carros e objetos domésticos. Estes incluíam alumínio, cromo e baquelite, uma forma primitiva de plástico. A baquelite podia ser facilmente moldada em diferentes formas e logo foi usada em telefones, rádios e outros aparelhos.

Grande sala de jantar do navio SS Normandie de Pierre Patout (1935); bas-reliefs de Raymond Delamarre

Os transatlânticos também adotaram um estilo de Art Deco, conhecido em francês como Estilo Paquebot, ou "Estilo Ocean Liner". O exemplo mais famoso foi o SS Normandie, que fez sua primeira viagem transatlântica em 1935. Foi projetado especialmente para trazer americanos ricos a Paris para fazer compras. As cabines e salões apresentavam os mais recentes móveis e decoração Art Déco. O Grand Salon do navio, que era o restaurante dos passageiros da primeira classe, era maior que o Salão dos Espelhos do Palácio de Versalhes. Foi iluminado por luzes elétricas dentro de doze pilares de cristal Lalique; trinta e seis pilares iguais revestiam as paredes. Este foi um dos primeiros exemplos de iluminação sendo diretamente integrada à arquitetura. O estilo dos navios foi logo adaptado aos edifícios. Um exemplo notável é encontrado na orla de San Francisco, onde o prédio do Museu Marítimo, construído como um banho público em 1937, lembra uma balsa, com grades de navio e cantos arredondados. O Star Ferry Terminal em Hong Kong também usou uma variação do estilo.

Têxteis e moda

Design têxtil Abundância por André Mare, (1911) (Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque, EUA)
Tecidos Rose Pattern projetados por Mare (C.1919(Museu de Arte Metropolitana)
Rose Mousse padrão para estofos, algodão e seda (1920) (Museu de Arte de Metropolitan)
Desenho de aves de Les Ateliers de Martine por Paul Iribe (1918)

Os têxteis eram uma parte importante do estilo Art Deco, na forma de papel de parede colorido, estofamento e tapetes. Na década de 1920, os designers foram inspirados pelos cenários dos Ballets Russes, desenhos de tecidos e figurinos de Léon Bakst e criações pelo Wiener Werkstätte. Os primeiros designs de interiores de André Mare apresentavam guirlandas de rosas e flores coloridas e altamente estilizadas, que decoravam as paredes, pisos e móveis. Motivos florais estilizados também dominaram o trabalho de Raoul Dufy e Paul Poiret, e nos designs de móveis de J.E. Ruhlmann. O tapete floral foi reinventado em estilo Deco por Paul Poiret.

O uso do estilo foi bastante aprimorado com a introdução do sistema de impressão baseado em estêncil pochoir, que permitiu aos designers obter linhas nítidas e cores muito vivas. As formas Art Déco apareceram nas roupas de Paul Poiret, Charles Worth e Jean Patou. Após a Primeira Guerra Mundial, as exportações de roupas e tecidos tornaram-se uma das mais importantes fontes de receita da França.

Papel de parede e tecidos Art Deco tardios às vezes apresentavam cenas industriais estilizadas, paisagens urbanas, locomotivas e outros temas modernos, bem como figuras femininas estilizadas, acabamentos metálicos e desenhos geométricos.

A moda mudou dramaticamente durante o período Art Deco, em particular graças aos designers Paul Poiret e depois Coco Chanel. Poiret introduziu uma inovação importante no design de moda, o conceito de draping, um afastamento da alfaiataria e modelagem do passado. Ele desenhou roupas cortadas em linhas retas e construídas com motivos retangulares. Seus estilos ofereciam simplicidade estrutural. A aparência de espartilho e estilos formais do período anterior foram abandonados e a moda tornou-se mais prática e simplificada. com o uso de novos materiais, cores mais vivas e desenhos impressos. A estilista Coco Chanel continuou a transição, popularizando o estilo esportivo e casual chic.

Casaco de noite de Paul Poiret, C.1912, seda e metal (Museu Metropolitano de Arte)
Mergulho Venus Annette Kellermann em Los Angeles, Califórnia, C.1920
Cécile Sorel, no Comédie-Française, 1920
Desiree Lubovska em um vestido de Jean Patou, C.1921
Natacha Rambova em um vestido projetado por Poiret, 1926
Coco Chanel em blusa e calças de um marinheiro (1928)

Joias

Pulseira Art Deco de ouro, coral e jade (1925) (Musée des Arts Décoratifs, Paris, França)
Pingentes de vidro moldados em cordas de seda por René Lalique (1925–30)
Colar de esmeralda Mackay, esmeralda, diamante e platina, por Cartier (1930) (Smithsonian National Museum of Natural History, USA)
Uma fivela de ouro com diamantes e esculpida onyx, lapis lazuli, jade e coral, por Boucheron (1925)

Nas décadas de 1920 e 1930, designers como René Lalique e Cartier tentaram reduzir o domínio tradicional dos diamantes, introduzindo gemas mais coloridas, como pequenas esmeraldas, rubis e safiras. Eles também deram maior ênfase a ambientes muito elaborados e elegantes, com materiais mais baratos, como esmalte, vidro, chifre e marfim. Os próprios diamantes foram cortados em formas menos tradicionais; a Exposição de 1925 viu muitos diamantes cortados na forma de pequenas hastes ou palitos de fósforo. As configurações para diamantes também mudaram; Cada vez mais os joalheiros usavam platina em vez de ouro, pois era forte e flexível e podia engastar aglomerados de pedras. Os joalheiros também passaram a usar materiais mais escuros, como esmaltes e ônix preto, que proporcionavam maior contraste com os diamantes.

As joias ficaram muito mais coloridas e com estilos variados. A Cartier e a firma de Boucheron combinaram diamantes com outras gemas coloridas lapidadas em forma de folhas, frutas ou flores, para fazer broches, anéis, brincos, presilhas e pingentes. Os temas do Extremo Oriente também se tornaram populares; placas de jade e coral foram combinadas com platina e diamantes, e estojos, cigarreiras e caixas de pólvora foram decorados com paisagens japonesas e chinesas feitas com madrepérola, esmalte e laca.

A rápida mudança da moda em roupas trouxe novos estilos de joias. Vestidos sem mangas da década de 1920 significavam que os braços precisavam de decoração, e os designers rapidamente criaram pulseiras de ouro, prata e platina incrustadas com lápis-lazúli, ônix, coral e outras pedras coloridas; Outras pulseiras destinavam-se à parte superior dos braços e várias pulseiras eram frequentemente usadas ao mesmo tempo. Os cortes de cabelo curtos das mulheres dos anos 20 exigiam designs elaborados de brincos decorativos. Quando as mulheres começaram a fumar em público, os designers criaram cigarreiras muito ornamentadas e piteiras de marfim. A invenção do relógio de pulso antes da Primeira Guerra Mundial inspirou os joalheiros a criar extraordinários relógios decorados, incrustados com diamantes e folheados a esmalte, ouro e prata. Relógios com pingente, pendurados em uma fita, também ficaram na moda.

As joalherias estabelecidas de Paris no período, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin e Van Cleef & Arpels criou joias e objetos na nova moda. A empresa de Chaumet fabricava cigarreiras, isqueiros, porta-remédios e cadernos altamente geométricos, feitos de pedras duras decoradas com jade, lápis-lazúli, diamantes e safiras. A eles se juntaram muitos jovens designers, cada um com sua própria ideia de decoração. Raymond Templier projetou peças com padrões geométricos altamente intrincados, incluindo brincos de prata que pareciam arranha-céus. Gerard Sandoz tinha apenas 18 anos quando começou a desenhar joias em 1921; ele projetou muitas peças célebres com base na aparência suave e polida do maquinário moderno. O vidreiro René Lalique também entrou na área, criando pingentes de frutas, flores, sapos, fadas ou sereias feitos de vidro esculpido em cores vivas, pendurados em cordões de seda com borlas. O joalheiro Paul Brandt contrastou padrões retangulares e triangulares e incorporou pérolas em linhas em placas de ônix. Jean Despres fez colares de cores contrastantes reunindo prata e laca preta, ou ouro com lápis-lazúli. Muitos de seus projetos pareciam peças de máquinas altamente polidas. Jean Dunand também se inspirou no maquinário moderno, combinado com vermelhos e pretos brilhantes contrastando com o metal polido.

Arte em vidro

O Firebird por René Lalique (1922)
Parrote vase por Lalique (1922)
A Vaso de banho com uvas esculpidas (1925)
Janela para uma fábrica de aço de Louis Majorelle (1928)
Lâmpada de arranha-céu desenhado por Arnaldo dell'Ira (1929)
Daum vase (1930–35)
Janelas de vidro manchadas na Catedral de Amiens por Jean Gaudin (1932-34)

Como o período Art Nouveau anterior, o Art Deco foi um período excepcional para o vidro fino e outros objetos decorativos, projetados para se adequar ao ambiente arquitetônico. O mais famoso produtor de objetos de vidro foi René Lalique, cujas obras, de vasos a enfeites de capô de automóveis, tornaram-se símbolos do período. Ele havia se aventurado no vidro antes da Primeira Guerra Mundial, projetando frascos para os perfumes de François Coty, mas não começou a produzir vidro artístico sério até depois da Primeira Guerra Mundial. Em 1918, aos 58 anos, ele comprou um grande vidro trabalha em Combs-la-Ville e começou a fabricar objetos de vidro artísticos e práticos. Ele tratou o vidro como uma forma de escultura e criou estatuetas, vasos, tigelas, luminárias e ornamentos. Ele usou semicristal em vez de cristal de chumbo, que era mais macio e fácil de formar, embora não tão brilhante. Ele às vezes usava vidro colorido, mas com mais frequência usava vidro opalescente, onde parte ou toda a superfície externa era manchada com uma lavagem. Lalique forneceu painéis de vidro decorativos, luzes e tetos de vidro iluminados para os transatlânticos SS Île de France em 1927 e SS Normandie em 1935, e para alguns dos vagões-leito de primeira classe das ferrovias francesas. Na Exposição de Artes Decorativas de 1925, ele tinha seu próprio pavilhão, projetou uma sala de jantar com mesa e teto de vidro combinando para o Pavilhão de Sèvres e projetou uma fonte de vidro para o pátio do Cours des Métiers, uma esguia coluna de vidro que jorrou água pelos lados e foi iluminado à noite.

Outros notáveis fabricantes de vidro Art Deco incluem Marius-Ernest Sabino, que se especializou em estatuetas, vasos, tigelas e esculturas de vidro de peixes, nus e animais. Para isso, ele costumava usar um vidro opalescente que podia mudar de branco para azul e âmbar, dependendo da luz. Seus vasos e tigelas apresentavam frisos moldados de animais, nus ou bustos de mulheres com frutas ou flores. Seu trabalho era menos sutil, mas mais colorido do que o de Lalique.

Outros designers de vidro Deco notáveis incluíram Edmond Etling, que também usou cores opalescentes brilhantes, muitas vezes com padrões geométricos e nus esculpidos; Albert Simonet, e Aristide Colotte e Maurice Marinot, que era conhecido por suas garrafas e vasos esculturais profundamente gravados. A firma Daum da cidade de Nancy, famosa por seu vidro Art Nouveau, produziu uma linha de vasos Deco e esculturas de vidro, sólidas, geométricas e robustas na forma. Obras multicoloridas mais delicadas foram feitas por Gabriel Argy-Rousseau, que produziu vasos delicadamente sombreados com borboletas e ninfas esculpidas, e François Decorchemont, cujos vasos foram estriados e marmorizados.

A Grande Depressão arruinou grande parte da indústria de vidros decorativos, que dependia de clientes ricos. Alguns artistas passaram a projetar vitrais para igrejas. Em 1937, a empresa de vidro Steuben iniciou a prática de contratar artistas famosos para produzir artigos de vidro. Louis Majorelle, famoso por seus móveis Art Nouveau, projetou um notável vitral Art Deco retratando trabalhadores do aço para os escritórios da Aciéries de Longwy, uma siderúrgica em Longwy, na França.

A Catedral de Amiens tem um raro exemplo de vitrais Art Déco na Capela do Sagrado Coração, feito em 1932-34 pelo artista vidreiro parisiense Jean Gaudin com base em desenhos de Jacques Le Breton.

Arte metálica

Uma grelha com duas asas chamada Os faisões, feito por Paul Kiss e exibido na 1925 Exposição de Artes Decorativas e Industriais
Ferro e cobre grelhado chamado Oásis por Edgar Brandt, exibido na Exposição de Paris de 1925
Espelho de mesa de Franz Hagenauer de Werkstätte Hagenauer Wien (C.1930)
Conjunto de cocktails de aço cromado por Norman Bel Geddes (1937)

Os artistas Art Deco produziram uma grande variedade de objetos práticos no estilo Art Deco, feitos de materiais industriais, desde o tradicional ferro forjado até o aço cromado. O artista americano Norman Bel Geddes projetou um conjunto de coquetéis semelhante a um arranha-céu feito de aço cromado. Raymond Subes projetou uma elegante grade de metal para a entrada do Palais de la Porte Dorée, peça central da Exposição Colonial de Paris de 1931. O escultor francês Jean Dunand produziu portas magníficas sobre o tema "A Caçada", cobertas com folha de ouro e tinta sobre gesso (1935).

Animação

Os visuais e imagens Art Deco foram usados em vários filmes de animação, incluindo Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia e Bela Adormecida. A arquitetura é apresentada na fictícia cidade subaquática de Rapture na série de videogames Bioshock.

Arquitetura Art Déco pelo mundo

A arquitetura Art Déco começou na Europa, mas em 1939 havia exemplos em grandes cidades de todos os continentes e em quase todos os países. Esta é uma seleção de edifícios proeminentes em cada continente.

Para obter uma lista abrangente de edifícios existentes por país, consulte: Lista de arquitetura Art Déco.

África

Fiat Tagliero Edifício em Asmara, Eritreia, de Giuseppe Pettazzi (1938)
Catedral de São Pedro em Rabat, Marrocos (1938)
Estação Ferroviária em Ressano Garcia, Moçambique (1945)

A maioria dos edifícios Art Déco na África foram construídos durante o domínio colonial europeu e muitas vezes projetados por arquitetos italianos, franceses e portugueses.

Ásia

Edifício Kologdam em Bandung, Indonésia (1920)
Broadway Mansions em Xangai, China (1934)
Nova Índia Assurance Building em Mumbai, Índia (1936)
Edifício de Dieta Nacional em Tóquio, Japão (1936)
Estação Ferroviária de Ankara em Ankara, Turquia (1937)
Dare House em Chennai, Índia (1940)
Capella Hanoi (2021)

Muitos edifícios Art Déco na Ásia foram projetados por arquitetos europeus. Mas nas Filipinas, arquitetos locais como Juan Nakpil, Juan Arellano e outros foram proeminentes. Muitos marcos Art Déco na Ásia foram demolidos durante a grande expansão econômica da Ásia no final do século 20, mas alguns enclaves notáveis da arquitetura ainda permanecem, particularmente em Xangai e Mumbai.

Austrália e Nova Zelândia

The Grace Building em Sydney (1930–31)
Sound Shell in Napier, Nova Zelândia (1931)
1931 Art Deco fachada do Museu de Arte Castlemaine, arquiteto Percy Meldrum, H. Orlando Dutton frieze, fotografado em 2017
Elmslea Chambers in Goulburn (1933)
Anzac Memorial em Sydney (1934)
Holyman House em Launceston, Tasmânia (1936)
Century Building em Melbourne (1939)

Melbourne e Sydney, na Austrália, têm vários edifícios art déco notáveis, incluindo o Manchester Unity Building e a antiga sede da polícia de Russell Street em Melbourne, o Castlemaine Art Museum em Castlemaine, o centro de Victoria e o Grace Building, a AWA Tower e o Anzac Memorial em Sidney.

Várias cidades na Nova Zelândia, incluindo Napier e Hastings, foram reconstruídas em estilo Art Deco após o terremoto de Hawke's Bay em 1931, e muitos dos edifícios foram protegidos e restaurados. Napier foi nomeado para o status de Patrimônio Mundial da UNESCO, o primeiro local cultural na Nova Zelândia a ser nomeado. Wellington manteve um número considerável de edifícios Art Deco.

América do Norte

The Verizon Building in New York City, N.Y., EUA (1923–27)
Miami Art Deco District em South Beach, Florida, EUA (1925-1940s)
Arquitetura Pueblo Deco do Teatro KiMo em Albuquerque, Novo México, EUA (1927)
Bullocks Wilshire em Los Angeles, Califórnia (1929)
The Price Building in Quebec City, Canada (1930)
Louisiana State Capitol em Baton Rouge, Louisiana, EUA (1930–32)
Buffalo City Hall em Buffalo, Nova Iorque, EUA (1931)
Jefferson County Courthouse em Beaumont, Texas, EUA (1931)
Niagara Mohawk Edifício em Syracuse, N.Y., EUA (1932)
Cincinnati Union Terminal em Cincinnati, Ohio, EUA (1933)
Interior do Palácio de Bellas Artes na Cidade do México, México (1934)
Vancouver City Hall em Vancouver, British Columbia, Canadá (1935)
Edificio El Moro em Cidade do México (1936)

No Canadá, as estruturas Art Deco sobreviventes estão principalmente nas grandes cidades; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontário e Vancouver. Eles variam de prédios públicos como a Prefeitura de Vancouver a prédios comerciais (College Park) e obras públicas (R. C. Harris Water Treatment Plant).

No México, o exemplo Art Deco mais imponente é o interior do Palacio de Bellas Artes (Palácio de Belas Artes), concluído em 1934 com sua elaborada decoração e murais. Exemplos de arquitetura residencial Art Déco podem ser encontrados no bairro de Condesa, muitos deles projetados por Francisco J. Serrano.

Nos Estados Unidos, os edifícios Art Deco são encontrados de costa a costa, em todas as grandes cidades. Foi mais amplamente utilizado para edifícios de escritórios, estações de trem, terminais de aeroportos e cinemas; edifícios residenciais são raros. Durante as décadas de 1920 e 1930, arquitetos no sudoeste dos Estados Unidos, particularmente no estado americano do Novo México, combinaram o renascimento do Pueblo com o estilo territorial e o Art Deco para criar o Pueblo Deco, como visto no KiMo Theatre em Albuquerque. Na década de 1930, o estilo aerodinâmico mais austero tornou-se popular. Muitos edifícios foram demolidos entre 1945 e o final dos anos 1960, mas então começaram os esforços para proteger os melhores exemplos. A cidade de Miami Beach estabeleceu o Miami Beach Architectural District para preservar a bela coleção de edifícios Art Deco encontrados lá.

América Central e Caribe

Edifícios Art Déco podem ser encontrados em toda a América Central, inclusive em Cuba.

Edifício Bacardi em Havana, Cuba (1930)
O Hotel Nacional de Cuba em Havana (1930)
Edifício Art Deco em Havana
A Praça do Mercado de Ponce em Ponce, Porto Rico (1941)
Edifício Lopez Serrano

Europa

Théâtre des Champs-Élysées em Paris, França (1910–13)
Helsínquia Central Station em Helsínquia, Finlândia (1919)
Basílica Nacional do Sagrado Coração em Koekelberg (Bruxelas), Bélgica (1919-69)
O Mossehaus com elementos Art Deco de Erich Mendelsohn em Berlim, Alemanha (1921–23)
Teatro Éden em Lisboa, Portugal (1931)
Embaixada da França em Belgrado, Sérvia (1933)
Daily Express Building em Manchester, Reino Unido (1936–39)
Palais de Tokyo, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, França (1937)
A torre de ventilação do Maastunnel em Roterdão, Países Baixos (1937)
Estação Mayakovskaya em Moscou, Rússia (1938)
Teatro Rivoli em Porto, Portugal (1937)
Radio Kootwijk em Kootwijk, Países Baixos (1927)

O estilo arquitetônico apareceu pela primeira vez em Paris com o Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) de Auguste Perret, mas depois se espalhou rapidamente pela Europa, até que exemplos pudessem ser encontrados em quase todas as grandes cidades, de Londres a Moscou. Na Alemanha, duas variações do Art Déco floresceram nas décadas de 1920 e 30: o estilo Neue Sachlichkeit e a arquitetura expressionista. Exemplos notáveis incluem o teatro Mossehaus e Schaubühne de Erich Mendelsohn em Berlim, o Chilehaus de Fritz Höger em Hamburgo e sua Kirche am Hohenzollernplatz em Berlim, a Torre Anzeiger em Hanover e a Torre Borsig em Berlim.

Um dos maiores edifícios Art Déco da Europa Ocidental é a Basílica Nacional do Sagrado Coração em Koekelberg, Bruxelas. Em 1925, o arquiteto Albert van Huffel ganhou o Grande Prêmio de Arquitetura com seu modelo em escala da basílica na Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes em Paris.

Espanha e Portugal têm alguns exemplos marcantes de edifícios Art Deco, especialmente salas de cinema. Exemplos em Portugal são o Teatro Capitólio (1931) e o Cine-Teatro Éden (1937) em Lisboa, o Teatro Rivoli (1937) e o Coliseu (1941) no Porto e o Teatro Rosa Damasceno (1937) em Santarém. Um exemplo na Espanha é o Cine Rialto em Valência (1939).

Durante a década de 1930, o Art Deco teve um efeito notável no design de casas no Reino Unido, bem como no design de vários edifícios públicos. Fachadas de casas retas e rebocadas de branco subindo para telhados planos, bordas de portas com geometria acentuada e janelas altas, bem como janelas de canto de metal com curvas convexas, eram todas características desse período.

O metrô de Londres é famoso por muitos exemplos de arquitetura Art Deco, e há vários edifícios no estilo situados ao longo da Golden Mile em Brentford. Também no oeste de Londres fica o Hoover Building, originalmente construído para a The Hoover Company e convertido em uma superloja no início dos anos 90.

Bucareste, Romênia

Bucareste, outrora conhecida como a "Pequena Paris" do século 19, engajado em novos designs após a Primeira Guerra Mundial, redirecionou sua inspiração para a cidade de Nova York. A década de 1930 trouxe uma nova moda que ecoou no cinema, teatro, estilos de dança, arte e arquitetura. Bucareste durante a década de 1930 foi marcada por cada vez mais arquitetura art déco, desde as maiores avenidas como Bulevardul Magheru até as casas particulares e bairros menores. O Palácio do Telefone, um dos primeiros marcos da moderna Bucareste, foi o primeiro arranha-céu da cidade. Foi o edifício mais alto entre 1933 e 1950, com uma altura de 52,5 metros (172 pés). Os arquitetos foram Louis Weeks e Edmond van Saanen Algi e o engenheiro Walter Troy. Os monumentos art déco são uma parte crucial do caráter de Bucareste, pois descrevem e marcam um período importante de sua história, a vida interbélica (Primeira Guerra Mundial – Segunda Guerra Mundial). A maioria dos edifícios daqueles anos é propensa a catástrofes, já que Bucareste está localizada em uma zona de terremotos.

Índia

O Instituto Indiano de Arquitetos, fundado em Mumbai em 1929, desempenhou um papel de destaque na propagação do movimento Art Déco. Em novembro de 1937, este instituto organizou a 'Exposição da Casa Ideal' realizada na Prefeitura de Mumbai, que durou 12 dias e atraiu cerca de cem mil visitantes. Como resultado, foi declarado um sucesso pelo 'Journal of the Indian Institute of Architects'. As exposições exibiam o 'ideal', ou melhor descrito como o mais 'moderno' arranjos para várias partes da casa, detalhando para evitar erros arquitetônicos e apresentar os modelos mais eficientes e bem pensados. A exposição centrou-se em vários elementos de uma casa, desde mobiliário, elementos de decoração de interiores, bem como rádios e frigoríficos, utilizando materiais e métodos novos e cientificamente relevantes. Guiados pelo desejo de imitar o Ocidente, os arquitetos indianos ficaram fascinados com a modernidade industrial que o Art Déco oferecia. As elites ocidentais foram as primeiras a experimentar as facetas tecnologicamente avançadas do Art Deco, e os arquitetos começaram o processo de transformação no início dos anos 1930.

A expansão do comércio portuário de Mumbai na década de 1930 resultou no crescimento da população de classe média educada. Também houve um aumento de pessoas migrando para Mumbai em busca de oportunidades de emprego. Isso levou à necessidade premente de novos empreendimentos por meio de esquemas de recuperação de terras e construção de novos edifícios públicos e residenciais. Paralelamente, a mudança do clima político no país e a qualidade aspiracional da estética Art Deco levaram a uma aceitação sincera do estilo de construção no desenvolvimento da cidade. A maioria dos edifícios deste período pode ser vista espalhada pelos bairros da cidade em áreas como Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra e Chembur.

América do Sul

Lacerda Elevador em Salvador, Bahia, Brasil (1930)
Kavanagh Edifício em Buenos Aires, Argentina (1934–36)
Viaduto do Chá em São Paulo, Brasil (1938)
Estádio Pacaembu em São Paulo (1940)
Central do Brasil Station in Rio de Janeiro, Brasil (1943)
Altino Arantes Edifício em São Paulo (1947)
Palácio Municipal e fonte em Buenos Aires (Buenos Aires)
O Mercado Abasto em Buenos Aires (C.1945)

O Art Déco na América do Sul está especialmente presente em países que receberam grande onda de imigração na primeira metade do século XX, com obras notáveis em suas cidades mais ricas, como São Paulo e Rio de Janeiro no Brasil e Buenos Aires no Argentina. O Edifício Kavanagh em Buenos Aires (1934), de Sánchez, Lagos e de la Torre, era a estrutura de concreto armado mais alta quando foi concluída e é um exemplo notável do estilo Art Déco tardio.

Preservação e Neo Art Déco

O Miami Beach Architectural District em Miami, Flórida, protege edifícios históricos Art Deco
The Telephone Company Building on Calea Victoriei in Bucharest, Romania, qualificado como um monumento (Românico para monumento histórico)
O U-Drop Inn, um posto de gasolina e um restaurante na estrada 66 dos EUA em Shamrock, Texas (1936), agora um monumento histórico
Rua Art Deco em Havana, Cuba
Smith Center for the Performing Arts em Las Vegas, Nevada, um edifício neo-Art Deco (2012)
Mesquita Taksim em Istambul, Turquia (2021)

Em muitas cidades, foram feitos esforços para proteger os edifícios Art Deco remanescentes. Em muitas cidades dos EUA, cinemas históricos art déco foram preservados e transformados em centros culturais. Edifícios art déco ainda mais modestos foram preservados como parte da herança arquitetônica da América; um café art déco e posto de gasolina ao longo da Rota 66 em Shamrock, Texas é um monumento histórico. O Distrito Arquitetônico de Miami Beach protege várias centenas de edifícios antigos e exige que os novos edifícios cumpram o estilo. Em Havana, Cuba, muitos edifícios Art Déco estão muito deteriorados. Esforços estão em andamento para trazer os edifícios de volta à sua aparência original.

No século 21, variantes modernas do Art Deco, chamadas de Neo Art Deco (ou Neo-Art Deco), surgiram em algumas cidades americanas, inspiradas nos clássicos edifícios Art Deco das décadas de 1920 e 1930. Os exemplos incluem a NBC Tower em Chicago, inspirada no 30 Rockefeller Plaza em Nova York; e o Smith Center for the Performing Arts em Las Vegas, Nevada, que inclui recursos art déco da Represa Hoover, a 80 km (50 milhas) de distância.

Galeria

Guardiões do Tráfego pylon em Hope Memorial Bridge em Cleveland (1932)
Auditório Municipal de Kansas City, Missouri: Hoit Price & Barnes, e Gentry, Voskamp & Neville, 1935
Niagara Mohawk Building, Syracuse, Nova Iorque. Melvin L. King e Bley & Lyman, arquitetos, concluído 1932
Palácio de Bellas Artes, Cidade do México, Federico Mariscal, concluído 1934
Sala de fumadores feminina no Teatro Paramount, Oakland. Timothy L. Pflueger, arquiteto, 1931
Henryk Kuna, Rytm ("Rhythm"), em Skaryszewski Park, Varsóvia, Polônia, 1925
Snowdon Theatre, Montreal, Quebec, Canadá. Daniel J. Crighton, arquitecto. Aberto em 1937, fechado em 1984.
Cartaz do Projeto de Arte Federal que promove o consumo de leite em Cleveland, 1940
Lobby, Empire State Building, Nova Iorque. William F. Lamb, inaugurado em 1931
Cartaz da Administração de Progressos dos EUA, John Wagner, artista, ca. 1940
Tecto de Rotunda do Terminal da União em Cincinnati, Ohio; Paul Philippe Cret, Alfred T. Fellheimer, Steward Wagner, Roland Wank, 1933
Selo postal dos EUA comemorando a Feira Mundial de Nova York de 1939, 1939
Brasão polaco de armas (não oficial) na fachada do correio em Varsóvia, Julian Puterman-Sadłowski, arquiteto, 1934
A Estátua da Higieia em estilo Art Deco em Cracóvia, Polônia (1932).